Fly me to the Moon: distendida versión del viaje a la Luna

 Fly me to the Moon dirigida por Greg Berlanti se ha estrenado en cines el día 12 de julio de 2024. Protagonizada por Scarlett Johansson y Channing Tatum, la cinta es una comedia dramática ambientada en el histórico alunizaje del Apolo 11. 

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La historia: Llamados para mejorar la imagen pública de la NASA, las chispas vuelan en todas las direcciones cuando la prodigio del marketing Kelly Jones (Johansson) causa estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (Tatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás...(Sony Pictures).

La crítica: Si en Figuras ocultas se abordaba el trabajo de la mujer en la carrera espacial y en Space Cowboys se fantaseaba con un viaje de unos veteranos a la Luna -también sonaba en su magistral final el Fly me to the Moon en la voz de Sinatra-, en la película hoy reseñada el guion se centra en realizar una ficción histórica que juega con gracia con una de las versiones conspiranoicas. Se trataba de crear un plan B televisivo para que en caso de fracaso de la misión, se emitieran imágenes pregrabadas en un plató con los astronautas pisando el satélite. 

La NASA se estaba preparando para llevar a cabo el sueño del difunto presidente Kennedy, llegar a la Luna, y la responsabilidad recae sobre Moe Burkus, un "fontanero" del Gobierno que piensa que los ciudadanos necesitan una nueva visión del programa espacial. Y es entonces cuando consigue llevar a Kelly hasta Florida para venderles a todos la misión a la Luna. Aquí nos encontramos con la parte más potente del filme. Se da un recital de lo que es el marketing masivo e incluso una clase maestra de esta especialidad en los primeros 30 minutos de metraje. 

Fly me to the Moon ha tenido el privilegio de recibir el apoyo de la NASA, quien les ha puesto en contacto con varios técnicos que estuvieron en activo durante los lanzamientos de los Apolo. Sería normal pensar lo difícil que sería obtener la cooperación de la agencia espacial en una película que muestra a un personaje oscuro del gobierno de Estados Unidos cuyas órdenes son rodar un alunizaje ficticio. Hay gente que todavía cree en esa teoría de la conspiración, aun teniendo una sobrecogedora cantidad de pruebas que demuestran que el ser humano sí llegó a la Luna. Y ahí está la gracia y la paradoja del filme: va a aumentar las teorías de la conspiración, pero a su vez con Scarlett Johansson como protagonista y productora -y casi directora- la NASA recibirá publicidad gratuita y se recobrará el interés por el espacio con Marte en la brújula. 

Como decía antes, Scarlett se ha buscado un papel que le viene como anillo al dedo y nos deja una gran interpretación como es habitual. Su personaje es brutal: Kelly es una vendedora cínica, una experta en marketing y publicidad de Manhattan. Ella entra como un huracán en las instalaciones de la NASA y convence a senadores, técnicos y marcas publicitarias para seguir invirtiendo en la conquista lunar. Como director del lanzamiento está Channing Tatum que hace todo lo posible por cargarse la película con su pésima interpretación. Inexplicable elección del protagonista. Creo que Joe Biden lo hubiera hecho mejor. Sin embargo, Woody Harrelson nos congracia con el arte de la interpretación con ese personaje salido de las cloacas y que cuando comparte pantalla con Johansson es un verdadero goce.

Uno de los mayores retos técnicos del filme ha sido la recreación de la sala de control, el espacio donde los ingenieros de Cape Kennedy orquestaron el lanzamiento del Apolo 11. Se han usado decorados enormes para que los espectadores sientan la magnitud de la narración, desde la sala donde lanzan los cohetes hasta la mismísima superficie de la Luna. Otra característica a destacar es el vestuario típico de aquella época. Johansson con su increíble estilo años 60, Tatum con los suéteres mod y Harrelson con los típicos trajes del personaje siniestro al que interpreta. Respecto a la música tenemos jazz, música clásica de orquesta, música típica americana y todos esos sintetizadores de cuando llegamos a la Luna. 

Fly me to the Moon es una cinta distendida, amena y evasiva que trata de emular a las ingeniosas comedias de Katherine Hepburn y Spencer Tracy, pero con el enorme hándicap de contar como protagonista con Channing Tatum. En cualquier caso hablamos de un filme con un diseño estético muy notable y que cuenta con un ritmo narrativo más que aceptable. La Luna es mística y mágica. Ha sido la mayor fuente de luz que ha tenido la humanidad de noche durante miles de años, en esas horas donde se da rienda suelta a la pasión. En definitiva, hablamos de una película que recrea de manera cómica uno de los mayores logros de la humanidad y que de paso da una lección de como a través del marketing se puede engañar o seducir a millones de personas. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Comedia romántica 

Dirección: Greg Berlanti

Guion: Rose Gilroy

Fotografía: Dariusz Wolski

Música: Daniel Pemberton

Duración: 130 minutos

Reparto: Scarlett Johansson,

Channing Tatum Jim Rash,

Ray Romano, Colin Woodell, 

Anna Garcia, Woody Harrelson

V Edición de los Premios Marcianos: lo mejor del cine en 2020

Los simbólicos pero cada vez más cotizados Premios Marcianos llegan en este 2020 a su quinta gala de entrega. Pero en esta ocasión lo hacemos desde una perspectiva inimaginable hace un año. La pandemia ha marcado este año para la humanidad, para el cine y por ende para Cine y críticas marcianas. En primer lugar, quiero dedicar esta entrada a todas las personas que han fallecido a causa del coronavirus. También a los contagiados, a sus familiares y a sus amigos. Ojalá a finales del año 2021 y gracias a la vacunación mundial puedan volver los besos y los abrazos.

El año para el cine ha sido muy complejo. En España, por ejemplo, las salas de cine estuvieron cerradas durante tres meses en un hecho sin precedentes. Cabe recordar que durante la Guerra Civil española, los cines permanecieron abiertos incluso cuando Madrid era bombardeada por las tropas fascistas. Pero el Covid pudo más que las bombas. En ese espacio de tiempo tuve que improvisar entradas, pero también se produjeron estrenos virtuales. Estas películas también participan de manera excepcional en la entrega de premios. 

Para que una película pueda ser premiada, por tanto, seguiré la norma de que la cinta en cuestión haya sido estrenada en España durante el año 2020. Ya sea en cines o de manera online. También tendrá que haber sido reseñada en el blog marciano. Este año la dotación económica de estos suntuosos galardones ha subido y se sitúa en dos millones de dólares marcianos a pagar con dinero del Monopoly👽😁👽.

Comienza la ceremonia y al acabar se procederá al capítulo de agradecimientos.

En letra azul los enlaces a las críticas.

Mejor Película: Jojo Rabbit dirigida por Taika Waititi.

Mejor Dirección: Pilar Palomero por Las niñas.

Mejor guion adaptado: Taika Waititi por Jojo Rabbit 

Mejor guion original: Garret Shanley por Vivarium

Mejor actriz protagonista: Scarlett Johansson por Jojo Rabbit.

Mejor actor protagonista: Tom Hanks por Un amigo extraordinario.

Mejor actriz de reparto: Natalia de Molina por Las niñas.

Mejor actor de reparto: Luis Bermejo por Parking.

Mejor actriz revelación: Andrea Fandos por Las niñas.

Mejor actor revelación: Claudio Segaluscio por Sole.

Mejor dirección novel: Lucía Alemany por La inocencia (España).

Mejor película de animación: Josep dirigida por Aurel (Francia).

Mejor película europea: Sole dirigida por Carlo Sironi (Italia).

Mejor película hispanoamericana: Sin señas particulares de Fernanda Valadez (México).

Mejor dirección de arte, vestuario, maquillaje y peluquería: Jojo Rabbit de Taika Waititi.

Mejores efectos especiales, sonido y montaje: Tenet de Christopher Nolan.

Mejor Fotografía: Vittorio Storaro por Rifkin’s Festival de Woody Allen.

Mejor banda sonora: Judy (también con la mejor canción que cerrará esta publicación con la versión realizada en directo por Renée Zellweger del Over the raimbow)

Mejor película documental: Dehesa, el bosque del lince ibérico dirigida por Joaquín Gutiérrez Acha.

Mejor cartel cinematográfico por unanimidad de los lectores y amigos de Cine y críticas marcianas en sus comentarios: Jordi Labanda por Rifkin’s Festival de Woody Allen.

Entrada más vista del año 2020: ¡Diez besos de cine (pre-mascarillas)!

Agradecimientos

A cada persona que leyó una entrada del blog. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión. ¡Muchas gracias!

Cine y críticas marcianas también fue posible gracias a:

Alfredo García de Cinefilia, Ángela Mérino de Noroeste Madrid, Eduardo Gil Rodriguez de Cinemagavia, David Rubio de El Tintero de Oro, Eva Calleja de Prisma Ideas, Pablo Caballero de Margenes Distribución, Marien Pines de A Contracorriente Films, Natalia Fernández y Katia Casariego de Sony, Mónica García de Paramount Pictures, Maria Díaz de Kaudivisual, Alexandra Hernández de Vértice Films, Haizea G. Viana y Carlos García de Diamond Films,  Nadia López de Caramel Films y Laura San Miguel de Walt Disney España. 

Mil gracias también a los entrevistados que en 2020 fueron: Carmen Arrufat, Gloria Camarero, Carolina Lapausa, Marta Larralde, Manolo Munguía, Laura Herrero Garvín, Bernardo Moll Otto, Mónica Vic, Carlo Sironi, Yolanda Sey y Raquel Camón. 

Y ahora solo me queda ya despedirme por este año 2020. Con la entrega de los Premios Marcianos doy por concluido este año de mucho cine y mucho cariño recibido por vuestra parte. Cine y críticas marcianas, tras la pausa navideña, volverá salvo imprevisto en enero de 2021.

¡Feliz Navidad!

Jojo Rabbit: Scarlett Johansson y el niño que hablaba con Hitler

Jojo Rabbit dirigida por Taika Waititi llega a las salas de cine en España el 17 de enero con Scarlett Johansson y Sam Rockwell como estrellas del reparto. La cinta es una lograda sátira ambientada en el Berlín de finales de la Segunda Guerra Mundial y no dejará indiferente al espectador. 

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La historia: Jojo Rabbit (Roman Griffin Davis) es un niño de 10 años al que su madre soltera (Scarlett Johansson) apunta a las juventudes hitlerianas para encubrir que oculta a una niña judía en el desván de su hogar en Berlín. El chico ha desarrollado a un amigo imaginario que es el mismo Adolf Hitler. Con él, mantiene conversaciones en torno al totalitarismo y el odio a la comunidad judía. Una serie de acontecimientos pondrá en la encrucijada a Jojo y con ello comenzará a cambiar su visión del mundo. 

La crítica: En medio de alguna polémica estéril por quién parece no comprender la función de la sátira, Jojo Rabbit es un soplo de aire fresco en el panorama cinéfilo de actualidad. Basada en la aclamada novela de Christine Leunen, El cielo enjaulado, la historia transcurre en la población ficticia de Falkenheim. Este pintoresco pueblo sometido al gobierno nazi ve como el fin de la guerra se aproxima súbitamente. Sin embargo, en la habitación de Jojo Betzler, de diez años, la expectación crece. El menor que representa la inocencia en su máxima expresión es susceptible a la omnipresente propaganda de su entorno. Con ello, el cineasta trata de reflejar como el nazismo caló en la población juvenil alemana. En cierta manera, el filme hoy reseñado es una fabulación invertida de lo que Roberto Begnini hizo con su aclamada La vida es bella. Ambas películas tienen como señas de identidad el uso del humor como mejor medio para denunciar la barbarie. Otro elemento común con la cinta del genio italiano es el giro hacia el melodrama en su tercio final.  

Jojo Rabbit es una alegoría cómica sobre el precio de permitir que la intolerancia eche raíces, sea en el marco de una habitación o de una nación. Asimismo, Jojo hace un viaje muy real, dejando atrás la niñez hacia un pensamiento más maduro. Porque cuando encuentra el valor de abrir su mente, descubre el poder del amor capaz de cambiar su camino.  

La cinta, en la que siempre está presente el humor, nos habla también de la figura del padre ausente y de los significados sentimentales que esta situación tiene sobre los menores. La amistad, el amor o el sentimiento identitario o nacionalista quedan también analizados por la fresca mirada de Taika Waititi que además de dirigir e interpretar a un personaje firma un libreto bastante divertido. En estos tiempos de auge de nacionalismos, antisemitismo y otras manifestaciones de intolerancia religiosa y racial, la necesidad de llamar la atención sobre estas situaciones es apremiante. El cine entonces -una vez más- me parece el vehículo perfecto para incidir de una manera original en este tipo de cuestiones. 

En el reparto destaca el niño Roman Griffin Davis que no se amilana ante el elenco de estrellas internacionales de la producción. Fue elegido en un casting de entre mil chavales de su edad. La otra niña presente en el filme es Thomasin McKenzie que interpreta a Elsa. Ella, es la chica oculta detrás de la pared que descubre un apabullado Jojo. Waititi busca en ella representar a una adolescente judia con una fuerza de acero y compostura capaces de apaciguar la desconfianza del niño.

En la parte de los adultos un gran Sam Rockwell interpreta a un patético oficial alemán que habiendo perdido la visión de un ojo se dedica a entrenar a los jóvenes cachorros hitlerianos. En el papel de Adolf Hitler se mete el propio director de la cinta. Taika Waititi, por tanto, emula de alguna manera al Charles Chaplin de El gran dictador pero de manera innovadora y como amigo imaginario del crío. Hitler aparece representado con un lenguaje embravecido y con gestos exagerados. También le infunde a su versión del dictador la alegría infantil de un chiquillo, hasta que se empieza a descoser por las costuras imaginarias. Y por último, destacar a una gran Scarlett Johansson que es como ver a un mito viviente en la gran pantalla. El halo que desprende ya está a la altura de las grandes actrices americanas del siglo XX como en su momento fueron Grace Kelly, Marilyn Monroe o Kim Novak. En una de las secuencias más conmovedoras de la película, Scarlett -con su voz más grave- imita al padre de Jojo, que los abandonó, para intentar llegar a su hijo. Para ello, se pinta barba y mantiene una conversación a dos vías consigo misma que abarca desde la explosión de emoción a la melancolía pasando por la ternura. Impresionante actriz que atraviesa su cenit en la meca del cine.

Para hacer las veces del pueblo ficticio de Falkenheim donde reside Jojo la producción se dirigió a Žatec y Úštěk, dos localidades pequeñas de la República Checa. Se trata de una zona que en ocasiones formó parte de Alemania y fue ocupada en la Segunda Guerra Mundial. Aquí, en una localidad que nunca fue bombardeada, los edificios que datan de antes de la guerra han sido conservados. De ahí, que tenga un encanto de libro de cuentos. Otro aspecto adicional a destacar es el vestuario encargado a Mayes Rubeo. Cuando viste a Johansson utiliza prendas vintage con blusas y vestidos chic que contrastan con los uniformados soldados alemanes. La música cobra vital importancia cuando la historia se acerca al melodrama. También se intercalan himnos de los Beatles y la canción "Héroes" de David Bowie con temas de corte clásico en la música de cine.

Jojo Rabbit me ha parecido una hábil propuesta, aunque a veces previsible, que aporta una innovadora mirada sobre una de las etapas más siniestras del siglo XX. El mensaje es claro: recordar para intentar -desde el humor satírico- no volver a cometer los errores de un pasado brutal para la condición humana. Además, hay cine, buenas interpretaciones y lo más importante: un buen guion sobre el que se sustenta toda la arquitectura de un filme que gana cuando apuesta por la originalidad.

Nota: 8/10.

P.D. Jojo Rabbit ha obtenido 6 nominaciones a los Oscars de la Academia. Entre ellos el de Mejor Película. Scarlett Johansson por su parte ha logrado el hito de ser doblemente nominada. Acudirá a la gala de Hollywood nominada por Jojo Rabbit y por su papel en Historia de un matrimonio.

Nacionalidad: EE UU - Alemania

Dirección y guion: Taika Waitit

Reparto: Taika Waititi, Rebel Wilson,
Scarlett Johansson, Sam Rockwell,
Roman Griffin Davis, T. McKenzie

Fotografía: Mihai Malaimare Jr.

Música: Michael Giacchino

Duración: 108 minutos

Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina

La historia: Nos situamos en un futurista Japón donde la tecnología, la inteligencia artificial y la convivencia entre los humanos se mezcla de manera peligrosa. La Major Motoko Kusanagi (Scarlett Johansson) es un híbrido con cerebro humano en un cuerpo robótico. Ella, está al mando de un cuerpo de operaciones especiales de la policía conocido como la sección 9. Mientras tanto, Kuze (Michael Pitt) otro híbrido, se ha convertido en un ciber terrorista y se rebela contra el orden establecido por la compañía Hanka Robotics creadora de este mundo artificial. A partir de entonces, La Major, tratará de poner orden en una sociedad que se rompe por momentos.

La crítica: Basada en los cómics homónimos del japonés Masamune Shirow que ya se habían llevado al cine de animación, nos encontramos ante una ágil propuesta que por el momento habría que enmarcarla en el género cinematográfico de la ciencia ficción. Sin descartar del todo que el señor Donald Trump sea un cyborg teñido de rubio llegado del futuro (esto es cosa mía), la película trata de reflexionar sobre los peligros, bondades e incertidumbres de la inteligencia artificial. El vehículo para llegar a este fin, es una espectacular superproducción que abusando de los fuegos de artificio deja un resultado muy desigual destacando solo en lo puramente visual.

La potencia de Scarlett Johansson en pantalla, aumenta exponencialmente el valor de la producción y muy probablemente sin ella a la cabeza la historia no tendría el mismo valor ni artístico, ni comercial. De hecho, si yo estoy escribiendo de esta película es por mi admiración hacia la "bomba rubia" (morena aquí) que ya desde niña era una excelente actriz y que en Match Point del maestro Allen, acabó de consagrarse y poner de acuerdo a crítica y público. El vestuario ceñido al cuerpo como una segunda piel (Taller WETA), en el que las curvas de la artista parecen en tres dimensiones sin necesidad de usar gafas la catapultan más aún a mito erótico del siglo XXI. 

Volviendo a la línea argumental, la historia juega a que el cerebro guarda nuestra alma y a que este órgano pueda ser trasplantado a un cuerpo artificial cuando el natural deje de funcionar. La Major Komoto es fruto de un experimento largamente fallido hasta que con ella se consigue la supuesta inmortalidad o el alargamiento de la vida. Evidentemente este planteamiento es algo que pertenece al cine fantástico y que no tiene visos de realidad pero la pregunta sería si en la pantalla la historia tiene credibilidad o no. Y lo cierto es que si la consigue, aunque esto no determina ni mucho menos la calidad de la propuesta presentada. De hecho en este aspecto pasa muy justita la nota. 

En realidad y a pesar de todas las tecnologías utilizadas contar con unos comics inspiradores para millones de personas y tener a una estrella mundial al frente del reparto, la cinta se limita a contar una historia que parece ya narrada de antemano. Un jefe de policía, jefa en este caso, enfrentándose a un clásico villano que quiere subvertir el orden establecido. Por lo tanto, una trama de persecuciones hasta el encuentro final que no desvelaré. Luego lo pueden adornar con debates sobre la inteligencia artificial, sobre cuerpo y alma o todo lo que se les ocurra, pero la cinta es lo que es y tampoco se le puede pedir más de lo que se busca en un espectáculo de estas características. Teniendo en cuenta que esto es un trabajo de encargo que recibe el cineasta Rupert Sanders, que viene de rodar 'Blancanieves y la Leyenda del Cazador' tampoco esperemos aquí encontrar una obra de Akira Kurosawa.

En el reparto, y de lugarteniente de Johansson, aparece en un sobrio trabajo el actor danés Pilou Asbaek (serie Borgen) seleccionado para el papel del agente Batou que es humano pero va regenerando sus órganos con implantes artificiales de alta tecnología. Como compañero de policía de La Major, establece una relación afectiva con ella que la vuelve más "humana".

La presencia nipona más representativa en pantalla la pone el veterano y buen actor Takeshi Kitano en la máxima jefatura policial de la sección 9. Curiosamente aparece la grandísima actriz francesa Juliette Binoche (El Paciente Ingles) en el papel de la doctora que crea el experimento para prolongar la vida humana. Lo cierto es que aunque se la ve un poco pérdida en este tipo de espectaculo, su presencia siempre es interesante. Y para acabar con el reparto, mención especial para Michael Pitt (El Bosque) en un gran papel como antagonista de La Major, interpretando al villano Kuze, que resentido por ser un cyborg desechado emplea toda su ira para vengarse de lo que considera una injusticia universal. Al final casi me cae mejor este tipo, que todos los supuestos buenos que aparecen en pantalla. Aunque para malo malísimo, está el director de Hanka Robotics (Peter Ferdinando) que representa el poder en la sombra y que tendrá un rol clave en la trama. Un buen reparto que no puede salvar un mediocre guión adaptado que se siente muy condicionado para supuestamente ser fiel al cómic original.

La película ha sido rodada a caballo entre Nueva Zelanda y Hong Kong teniendo un atractivo visual que es digno de reconocer. El distópico futuro japones queda realmente bien retratado a través de una buena ambientación que logra conjugar unos extraordinarios efectos visuales con el retrato de las tradiciones asiáticas. Ciertos tonos verdosos en los interiores quieren darle a la cinta el efecto Matrix que busca sin descanso pero que en mi opinión la sola comparación es ofensiva.

En definitiva, nos encontramos ante un espectáculo que es una especie de parque temático donde el manga, los efectos especiales, el anime, la robótica y la ciencia ficción se mezclan con una suerte desigual. De cine, lo que se dice cine, no hay demasiado. Curiosamente en los títulos de crédito iniciales y en la presentación hay más belleza cinéfila que en el resto de la cinta. La creación de la Major Motoko en ese opening visualmente prodigioso prometía demasiado para un desarrollo previsible y grisáceo. En todo caso, serán los millones de seguidores de la saga Ghost in the Shell los que dirán si la adaptación les pareció acorde a sus expectativas. Yo con ver a la Johansson ya me conformo...

Nota: 5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Rupert Sanders.

Reparto: Scarlett Johansson, 

Michael Pitt, Takeshi Kitano,

Pilou Asbaek, Juliette Binoche.

Guión: William Wheeler.

Manga de Masamune Shirow.

Música: Clint Mansell.

Fotografía: Jess Hall.

Estreno mundial: 31/03/17.

¡Qué maravilloso es el cine! Match Point

"Aquel que dijo más vale tener suerte que talento, conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuantas cosas se escapan a nuestro control. En un partido hay pelotas que golpean el borde de la red y durante una fracción de segundo puede seguir adelante o caer hacia atrás. Con un poco de suerte sigue adelante y ganas o no lo hace y pierdes".
- Woody Allen, Match Point (2005).

Chris (Jonathan Rhys-Meyers) es un joven tenista profesional que retirado ya de su carrera se dedica a impartir clases de tenis a jóvenes de la clase alta londinense. En el club de tenis entabla amistad con Tom, un alumno de su misma edad, que a su vez le presenta a su familia y le introduce en los ambientes más elegantes de Londres. Fascinado por su nueva posición social, Chris comienza un romance con Chloe que es la hermana de Tom. Aunque en principio no se siente muy atraído por esta mujer, la vida de lujos y su nuevo estatus le llevan a contraer matrimonio con ella. Todo empieza a cambiar cuando se enamora de Nola (Scarlett Johansson) que es una joven y atractiva actriz americana que a su vez es novia de su amigo y cuñado Tom. Pronto todo estallará por los aires al desatarse la pasión y dar paso a la tormenta perfecta.

Cuando el maestro Woody Allen se centra exclusivamente en el cine y deja un poco de la lado sus obsesiones personales, es capaz de obrar autenticas maravillas para el séptimo arte como es la cinta de la que hablamos hoy. Su cita anual como director que él mismo se ha marcado se ha convertido ya un ritual para él y todos los que amamos sus películas. En cualquier caso, su prolífica carrera siempre deja detalles para el recuerdo en casi toda su filmografía, pero en Match Point sabe explotar todas sus virtudes con una elegancia que solo puede venir de una creatividad marcada por su talento.

Siempre que leo alguna crítica de alguna cinta de este cineasta, nos suelen bombardear con sus anteriores películas y las implicaciones que conllevan en la propuesta actual. Este es un ejercicio que resulta pesado, cansado y pedante que yo no repetiré. Es cierto que si estuviéramos analizando la obra en conjunto sería adecuado, pero el espectador cuando va al cine o quiere ver una película en su casa lo que se centra es en la historia que le están narrando. Los sesudos análisis que no aportan demasiado a la trama se sienten más como una obligación intelectual que como una necesidad en explicar la propuesta.

¿Por que caminos nos quiere llevar en esta ocasión el director y guionista? En primer lugar al concepto de suerte en nuestras vidas, tanto para bien como para mal. Tanto en el ejemplo de la pelota de tenis que te puede hacer ganar un partido, como en las casualidades que nos puede deparar la vida es donde hace una parada Allen en esta ocasión. El factor del azar está presente durante toda la historia. El juego e incluso el título de la producción son una metáfora para los avatares que el destino irá proporcionando a unos personajes que por momentos son inocentes y en otros momentos son completamente siniestros.

El otro aspecto fundamental de la película nos habla del amor por conveniencia y de lo que se esta dispuesto a hacer por él. Chris en todo momento se debate entre dos posiciones: una es la de conservar su matrimonio que le aporta estabilidad, riqueza y posición social, o bien optar por dar un vuelco a su vida e irse con la mujer de la ahora se ha enamorado. Si el filme se hubiera titulado 'El dilema' hubiera sido también un acierto. Esto es básicamente es lo que le sucede al protagonista y a parte del reparto. La lucha entre la pasión y la razón desembocarán en una serie de hechos concatenados que se irán resolviendo de una manera entre trágica y surrealista pero que serán muy bien hilados en una genialidad propia del maestro Allen.

Aunque el protagonista principal de la historia es el joven Chris interpretado más que correctamente por Jonathan Rhys-Meyers, fue Scarlett Johansson con la interpretación de Nola la que consiguió la consagración mundial definitiva con este papel de mujer explosiva. Y cierto es, que brilla absolutamente en pantalla y hace uno de sus mejores papeles hasta el momento. Las dudas de algunos sobre si solo era una chica guapa quedaron absolutamente disipadas. Para quien albergue alguna duda simplemente me remitiría a su entrañable papel cuando era una niña en la cinta 'El hombre que susurraba a los caballos' junto al mítico Robert Redford. El resto del reparto lo compusieron Matthew Goode (Tom), Emily Mortimer (Chloe) con interpretaciones insustanciales. Dejaron más picante los suegros de Chris interpretados con autoridad por Brian Cox y Penélope Wilton.

Match Point habría que enmarcarla en la gira de películas rodadas en Europa por el director de Manhattan. En mi opinión, las que hizo en suelo británico fueron las mejores. Las realizadas en España e Italia solo se podrían calificar como turismo cinematográfico (Vicky Cristina Barcelona y A Roma con amor).

Match Point tuvo un presupuesto de 15 millones de dólares recaudando un total de 85 millones. Este uno de los grandes éxitos de taquilla del director que además tuvo una excelente recepción entre la crítica especializada. Como curiosidad adicional y en el capítulo de "crímenes traductores" la ocurrencia en algún país de habla hispana fue titularla como 'La Provocación'.

Mi conclusión final es que nos encontramos ante una de las mejores películas de Woody Allen en su última etapa. La lucha de clases es el centro de la historia y aunque el inicio de la cinta está más centrado en la construcción de los personajes, no hay que olvidar que la cinta en su tercio final se acomoda por los caminos del thriller poco trillados a lo largo de su carrera. La puesta en escena es un autentico lujo con una dirección de arte y una fotografía excelentemente cuidadas y que por momentos se convierten en un personaje más de la película. Por lo tanto, nos encontramos con un trocito de la historia del cine para revisitar en cualquier momento del año. Solo por escuchar su banda sonora con piezas de Verdi, Bizet o Morozov, el viaje con parada en la ciudad de Londres habrá merecido la pena.

P.D. Agradecimientos especiales premios y aniversario del blog: En primer lugar quiero dar las gracias a Jose Eugenio Guimaraes por la concesión del Premio Liebster Award y a María del Socorro Duarte por la concesión del Premio Vientos Estelares. En ambos casos son por mí pequeña contribución a crear contenidos en el mundo de la cultura cinéfila. 

Cine y críticas marcianas ha cumplido oficialmente un año el pasado 3 de enero. Coincidiendo con esa fecha el blog superó las 50.000 visitas y se consolida como uno de los blogs de cine con mayor crecimiento en 2016 en la red social Google+. Estos datos son debidos de una forma mayoritaria a la divulgación de los contenidos en la colección Cinefilia de la citada red social. Por eso quiero dar muy especialmente las gracias a su creador y director Alfredo García por su máxima generosidad con este espacio de cine y que apoyó cuando nadie lo conocía.

Y por supuesto a todas y cada una de las personas que me honran con sus visitas, ¡muchas gracias!

Volviendo a Match Point, que es lo que nos trae aquí, os dejo un enlace de Ana López con una de las escenas claves de la película: