Sabrás qué hacer conmigo

La introducción: "Una película orgullosamente mexicana". Empezando por el final, así es como se cierran los títulos de crédito de esta producción independiente que consiguió ser distribuida por Cinépolis en México. Para mí también es un orgullo poder traer por primera vez a Cine y críticas marcianas un film de una cinematografía muy interesante y que últimamente encuentra poco eco en las pantallas españolas. En años anteriores y a rebufo de los éxitos de Alejandro G. Iñarritu y Gael Garcia Bernat se produjeron estrenos muy interesantes como 'Amores perros', 'La zona', 'Y tu mama también', 'Nicotina', 'Frida', 'Cantinflas' o 'El coronel no tiene quien le escriba' por citar las más conocidas. Esperamos con interés para el mes de enero el estreno de 'Desierto' que es la película elegida por México para estar en la carrera de los Oscars.

La historia: Isabel está atravesando un difícil momento en su vida cuando es abordada por Nicolás. Él es un fotógrafo que queda prendado por su belleza. Este la invita a una exposición de su autoría y ella tras una casualidad del destino acude a dicho evento. Es el germen de un romance entre dos desconocidos con unas vidas rotas que pronto hallaran un punto de encuentro. La relación tendrá unas consecuencias imprevisibles.

La crítica: Para englobar a esta película en un género concreto habría que eliminar varias frecuencias que se tratan en la misma. Yo la definiría como un drama romántico experimental por contener tres de estos elementos como arterias principales. La secuencia circular con la que se abre y cierra la historia marcan un magisterio en la dirección de películas de la cineasta Katina Medina Mora (Lu-To).

Personalmente soy un enamorado de las cintas que desarrollan esta idea. Con ello, se otorga un aspecto de circunferencia cinematográfica que siendo en apariencia sencillo, requiere una complejidad en el montaje muy especial. Pero no solo es por el aspecto de un buen acabado estético. Lo fundamental de esta manera de hacer cine es que regresando al principio de la historia, se realza el conjunto de la misma sellando la propuesta. Si además, se huye de los "happy endings" made in Hollywood la autoridad de la idea cobra firmeza.

La forma de estar narrada la historia es lo más singular y vanguardista de la cinta. Y es que la película podríamos decir que tiene un doble comienzo que se siente como cine experimental dentro de la sencillez de la composición. Nos encontramos ante la mejor "antielípsis cinematográfica" que he visionado en los últimos años. La cineasta propone para ello un comienzo desde la mirada del protagonista masculino dando paso poco después a la visión femenina de los mismos sucesos.

En un salto en el tiempo y hacía atrás volvemos al comienzo y vemos la mirada de Isabel que en este caso es la mujer seducida. Antes, hemos observado la visión de Nicolás que es el que quiso seducir primero a su pareja. Las cosas cambian según la mirada del personaje que sea protagonista en cada momento. En esta textura narrativa fue pionero el director japones Akira Kurosawa que pocos se atreven a emular. Por fin una cineasta lo hace desde una naturalidad exquisita. Una vez vistos los dos puntos de vista, arranca la historia ya desde una perspectiva común como pareja.

La historia en sí nos habla de relaciones complejas y atormentadas por diversas razones. En el caso de Nicolás viene marcado por su enfermedad epiléptica. Isabel también está marcada por el delicado estado de salud de su madre y ahí es donde encuentran una comunión para dar forma a su historia de amor. La cinta es desnuda, sencilla, seca y fría en algunas ocasiones. Sin embargo, poco a poco va ganando peso en las emociones transmitidas al espectador.

La actriz mexicana Ilse Salas (Cantinflas), aborda el trabajo con una contundencia rotunda en pantalla. Isabel, su personaje, es poco habladora por lo que ella tiene que hacer un encomiable esfuerzo en la expresividad facial y corporal rozando la perfección interpretativa con una contención importante. Su compañero de reparto no se queda a la zaga. Se trata del actor español Pablo Derqui (Los ojos de Julia) que sostiene con fuerza al personaje de Nicolás. En la cinta hay una conseguida escena en la que sufre un ataque epiléptico que impresiona por su crudeza. Completa el reparto como madre de Isabel, Rosa María Bianchi (Premio Ariel por 'Nicotina') con una actuación profesional y desgarrada de una actriz con muchas horas de vuelo ya.

La música y la puesta en escena acompañan con coherencia el contraste de sentimientos por el que navegan los personajes. La fotografía subacuatica es la que destaca en algunas escenas rodadas bajo el agua. Todo está meditado para hacer un tipo de cine intimo, cotidiano e interior. Con ello se demuestra como en México se puede hacer un cine alejado de los focos de violencia y fractura social que tanto se acostumbra a caricaturizar cuando se rueda desde el otro lado de la frontera norte del país.

La universalidad de los afectos hacen que fácilmente nos identifiquemos con unos personajes que continuamente coquetean con la tragedia. Por lo tanto, Sabrás qué hacer conmigo es un viaje interior e intimista que demuestra que para contar una buena historia solo hace falta el talento creativo necesario para suprimir todo lo superfluo. En la desnudez cinematográfica de la película encontramos su sello de calidad. En definitiva, el filme es un pequeño tratado sobre la complejidad de las relaciones humanas en la eterna búsqueda del significado del amor.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: México.

Directora: Katina Medina Mora.

Guión: Katina Medina Mora, Enma Bertrán.

Reparto: Ilse Salas, Pablo Derqui, 
Rosa María Bianchi,Mariana Treviño,
Jose Angel Bichir, Arturo Barba.

Música: Andrés Sánchez

Fotografía: Erwin Jaquez.

Duración: 86 minutos.

Estreno México: 27 de mayo 2016.

Estreno España: 21 de octubre 2016.

MAGGIE'S PLAN

Algunos matrimonios acaban bien; otros duran toda la vida.-Woody Allen.

La historia: Maggie (Greta Gerwig) es una profesora neoyorkina rozando la barrera de los 40 años y decidida a ser madre antes de que el reloj biológico llegue a su fin. Como no encuentra a su pareja ideal, traza un plan para autofecundarse de manera casera con la ayuda del esperma de un amigo. Pero justo en ese momento y de manera casual, se cruza en su vida Jhon (Ethan Hawke) que es un atractivo antropólogo con un matrimonio a la deriva. Su plan inicial cambia y comienza una rocambolesca aventura que cambiará su vida.

La crítica: Rebeca Miller es la directora y guionista de esta historia en la que la relaciones humanas y especialmente las de pareja son el leitmotiv de la cinta. Narrada desde el punto de vista de una comedia más de sonrisas que de carcajadas, nos hace reconciliarnos con un género que cuando es tratado de una manera inteligente es revitalizante para el espectador. Su obra más reconocida fue 'La vida privada de Pippa Lee' en la que ya exploraba los matices del universo femenino.

A veces, cuando asistes a una proyección solo hacen falta los dos primeros minutos de la cinta para saber que lo que te vas a encontrar en ella es de calidad, delicadeza y buen gusto cinematográfico. Por eso, una buena introducción y una buena presentación de personajes es fundamental para predisponerte a disfrutar del film.

La comedia, que en algunos momentos resulta deliciosa, nos recuerda a las texturas del mejor cine de Woody Allen. ¿Hemos encontrado en la cineasta Rebeca Miller la versión femenina del veterano maestro? Nueva York parece de nuevo como teatro de operaciones. Concretamente Brooklyn vuelve a aparecer en pantalla y son ya al menos 5 filmes en 2016 con este escenario urbano de fondo. La buena música utilizada en la narración realza y acompaña los parones entre los múltiples diálogos en escena.

La esencia de la argumentación es la búsqueda de los vértices de las relaciones amorosas y el comienzo del amor o la finalización del mismo dentro del contexto del matrimonio. La pregunta que nos sugiere Miller es la de como devolver un marido a su antigua "propietaria". Para ello, utiliza al personaje de la ingenua Maggie en un nuevo plan que consiste básicamente en tender una trampa a John para hacerle ver que aún sigue enamorado de su ex mujer.

¿Lo conseguirá?¿Jhon estará dispuesto a entrar en el juego? No desvelemos más de lo necesario para resguardar los secretos de la producción. En todo caso, habría que destacar la dulce reprimenda que la guionista proyecta hacia el género masculino. Sobre todo cuando señala esa fatídica etapa, conocida como "la crisis de los 40", en la cual algunos hombres se proponen utilizando looks más propios de la adolescencia que de una etapa más madura, volver a jugar ser ese jovencito irresistible y conquistador con una edad en la que la linea entre hacer el ridículo y la capacidad de seducción es demasiado fina.

La mejor imagen de la cinta

La gratísima sorpresa del film en cuestión es Greta Gerwig interpretando a Maggie. La actriz es conocida en el circuito del cine independiente americano, pero tras la breve aparición en 'A Roma con amor' (otra vez la sombra de Woody Allen en escena) esta puede ser la interpretación que la coloque en el lugar adecuado para ser conocida por el gran público. 

Es una actriz que transmite una inocencia encantadora que sirve como contrapunto perfecto a la perfeccionista, metódica y buena profesional que es Julianne Moore en pantalla. Esta interpreta a la primera mujer de Jhon. Actriz que desata ciertas antipatías, incluidas las mías, pero cuando la ves actuando en versión original no puedes dejar de reconocer que por encima de los gustos personales es una brillante interprete.

Y para culminar con un excelente reparto, Jhon es interpretado con la maestría habitual por el recién Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastinan, Ethan Hawke. Un actor que siendo joven todavía, tiene una larga trayectoria regalándonos importantes actuaciones. Sin embargo, no es común verlo en un papel cómico del que sale bien parado.

Hawke recibiendo el Premio Donostia

Recapitulando, nos encontramos ante una película que nos hace salir del cine mucho mejor de lo que entramos. El cierre final con una sonrisa del destino logra conseguir un brillo de emoción que nos hace olvidarnos de los pocos puntos flacos de la trama. Salir contentos de la sala de proyecciones es una buen plan que el séptimo arte logra a veces conseguir.

Nota: 8/10.

P.D. Por los momentos difíciles y por el amor a una madre, esta reseña esta dedicada a mi querida amiga María del Socorro Duarte. Un grandísimo abrazo y mucha fuerza dulce María.  

Nacionalidad: Estados Unidos.

Directora: Rebeca Miller.

Reparto: Greta Gerwig, Ethan Hawke, 
Julianne Moore, Bill Halder, 
Maya Rudolph, Travis Fimmel.

Música: Michael Rohatyn.

Fotografía: Sam Levy.

Duración : 98 minutos.

Estreno EEUU: 20 de Mayo.

Estreno México: 19 de Agosto.

Estreno España: 28 de Octubre.

La Chica Del Tren (The Girl on the Train)

Y ha seguido días y días, loca, frenética, en el enorme tren vacío, donde no va nadie, que no conduce nadie...(Hijos de la ira)

La historia: Rachel (Emily Blunt) es una mujer que tras separarse de su marido Tom ve aumentar sus problemas con el alcohol. Todos los días toma un tren con destino a Nueva York y se dedica a observar por la ventanilla del tren (a su paso por la antigua zona donde residían) la vida de su ex marido. Fija su mirada en la nueva mujer de su ex (Anna) y en una nueva e inquietante vecina de la urbanización (Megan). Rachel se obsesiona con la vida de esta última hasta que un día descubre que le está siendo infiel a su pareja. Entonces decide inmiscuirse en esta relación con resultados muy peligrosos para ella. La desaparición de la joven Megan por causas desconocidas sacará a relucir todos los fantasmas que unen a las tres mujeres.

La crítica: Tate Taylor (Criadas y Señoras) dirige esta producción basada en el best seller del mismo nombre escrito por la novelista británica Paula Hawkins. Cinco millones de copias vendidas avalan lo que es una historia atractiva que entre el propio director y el guión adaptado de Erin Cresida se encargan de destrozar de una manera absurda en una especie de folletín de cartón piedra.

Si bien la premisa de partida pudiera parecer prometedora, rápidamente nos damos cuenta que el parecido en la presentación es sospechosamente similar a la cinta 'La ventana indiscreta' del maestro Alfred Hitchcock. Aquí se sustituye a James Stewart por Emily Blunt y la ventana del edificio por la ventanilla del tren. ¿Coincidencia en la presentación?

La base argumental se sustenta por la desaparición de una joven (Megan) que se autodefine a si misma como niñera en ocasiones y prostituta en otras?? La chica del tren (Rachel) es presentada por el cineasta básicamente como una vouyerista y entrometida joven que no obstante tendrá un papel fundamental en la resolución del caso. No me gusta el tono con el que se trata a la mujer en la cinta con un tonito demasiado melodramático y exagerado. No hablaremos de machismo en el director, y menos en la guionista o la en la propia novelista, ambas mujeres, pero el trato hacia el sexo femenino es cuanto menos reprobable y sujeto a clichés desfasados. 

Partiendo de esta estación, nos encontramos con un trío de mujeres enamoradas en algún momento de un mismo hombre. Peo esto resulta inverosímil ya que Tom es un tipo tan grosero, violento y de un físico totalmente convencional. Y lo más curioso del asunto, es que teniendo en el reparto al atractivo y buen actor venezolano Édgar Ramírez (Joy), le relegan a un papel secundario como psiquiatra de las damiselas del folletín. De supuesto galán nos colocan a Justin Theroux que con todos los respetos no da la talla. La película empieza a desesperar.

Por otra parte, la cinta cuenta con ciertas escenas eróticas filmadas con buen gusto. El suspense que va de menos a más, es lo único que puede salvar a la propuesta. También está la siempre recurrente opción de revisar los mensajes del teléfono móvil por si hubiera algo más interesante con lo que entretenernos. Situación que me recuerda a cuando abrimos la nevera, esperando a ver si por arte de magia aparece algo nuevo y apetitoso.

Pero el problema de la cinta parte de un trama que juega a ser farragosa tratando de confundir al espectador de una manera ridícula. Intenta hacerte pensar que las evoluciones de los personajes son realmente intrincadas y en la parte final es tan explícita que bordea el ridículo intelectual. Si a esto le añadimos el onirísmo basura que utiliza el director con los recurrentes sueños de Rachel el festival de desvaríos es completo.

Haley Bennet, buena interprete, observada desde el tren

El reparto femenino es lo más destacable pero de una forma irregular también. Emily Blunt en el papel de Rachel es la que soporta el peso de la producción y sin poder decir que está mal, tampoco resulta especialmente brillante en esta ocasión. Demasiado sobreactuada en el papel de ex mujer indignada, alcohólica e histérica por la infidelidad que dio pie a la rotura de su matrimonio. En la parte templada del reparto está Rebecca Ferguson como Anna que es la mujer actual de Tom. Actúa con equilibrio y profesionalidad. Y en la parte alta del trabajo actoral nos encontramos con Haley Bennet en el papel de Megan. Un buen descubrimiento por la potencia de sus matices interpretativos. 

El mal colofón de la producción descansa sobre su factura técnica y de ahí parten muchos de sus problemas. La anodina fotografía más una dirección de arte anticuada y obsoleta, nos remiten a que la cinta pueda ser confundida con un telefilme de sobremesa, que recapitulando es con lo que nos encontramos al visionar este subproducto. Además, La chica del tren juega a ser cine interesante e intrigante y se queda en una producción falsa e inane.

Nota: 2/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Tate Taylor.

Reparto: Emily Blunt, Haley Bennet,
Rebeca Ferguson, Justin Theroux, 
Édgar Ramírez, Lisa Kudrow.

Duración:112 minutos.
Fotografía: Charlotte Bruus.

Música: Danny Elfman.

Estreno EEUU: 7 de octubre 2016.

Estreno España: 21 de octubre 2016.

Estreno Argentina: 17 de noviembre 2016.

Verano en Brooklyn (Little Men)

La nieve y la adolescencia son los únicos problemas que desaparecen si los ignoras el tiempo suficiente.-Earl Wilson.

La historia: Jake es un joven de trece años que acaba de mudarse con sus padres a la casa que les dejó su abuelo en Brooklyn, Nueva York. La herencia también va acompañada de un local comercial que el abuelo de Jake alquiló a un precio muy por debajo del mercado a una inmigrante hispana. Mientras que el joven entabla una gran amistad con el hijo de la inquilina, el conflicto surge cuando los padres de Jake intentan renegociar el precio del alquiler. La amistad recién forjada entre los chicos se enfrentará a la disputa entre ambas familias y a los problemas propios de la difícil etapa adolescente.

La crítica: Ira Sachs, director de la vanguardista y fenomenal película 'El amor es extraño', vuelve a tocar el tema de las relaciones familiares con un toque de distinción que lo diferencia del resto. Utilizando una visión calmada, aunque un tanto premiosa, consigue llevarnos a su terreno siempre que estemos dispuestos a entrar en él. El filme es una singular muestra del cine independiente estadounidense que también existe y del que es referente el Festival de Sundance.

Volvemos a toparnos con el eterno y por lo visto irresoluble problema de las traducciones de los títulos en la cinematografía. Esta vez el equipo traductor le ha echado "un par" y de 'Little Men' (hombrecillos en este contexto), ha pasado a ser renombrada como 'Verano en Brooklyn' ??

Ternura

El tono de la historia está narrado con un lenguaje intimista en el cual podemos encontrar los múltiples matices que conllevan las relaciones paternofiliales en el marco de la adolescencia. El paso de la niñez a la edad adulta es una transición en que la incomprensión mutua nos evoca situaciones, que no por conocidas, dejan de ser interesantes por el eterno debate que suscitan.

Otra de las temáticas narradas en la filmación nos hace ver la difícil disyuntiva de tener o no que ejecutar una orden de desahucio ante la imposibilidad del impago por parte de un inquilino. De nuevo el cineasta opta por una visión neutral y enfrenta al espectador a ponerse en el lugar de las dos partes en conflicto. Con ello, nos impregna en un debate sobre el doble rasero hipócrita (que en algún momento todos hemos mantenido, pero cuando nos tocan la cartera la moral a veces queda en el olvido.

La sutileza expresiva del cineasta a veces se siente por encima de la propia historia. En el debe del filme americano cabe destacar su frio minimalismo narrativo ya que sucedenn pocas cosas durante el largometraje. Por eso mismo, se siente acertada la decisión de dejar la duración del mismo en ochenta y cinco minutos bien aprovechados. La cinta me trae muchos recuerdos al tipo de películas en las que te asomas a un trocito de la vida de una familia y cuando finaliza la proyección tienes la sensación que la historia continua a través del otro lado de la pantalla. Metafóricamente sería una cinta en movimiento. Es decir, la historia tiene un antes y un después. Por lo tanto, lo que apreciamos es una de las etapas de una familia con historia por detrás y otra por delante que ya queda a efectos de nuestra imaginación.

En primer plano Jennifer Ehle, actriz importante

El reparto está encabezado por los jóvenes debutantes Theo Taplitz (Jake) y por Michael Barbieri (Tony). Se establece una buena química entre ellos realzando con ello sus buenas interpretaciones. Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine) interpreta al padre de Jake y vuelve a demostrar una vez más su frialdad en escena. Un actor con demasiadas oportunidades ya, y que en mi opinión no está a la altura. Descubrimiento importante de la actriz Jennifer Ehle (Zero Dark Thirty) con una interpretación llena de naturalidad y buen gusto. Esperemos volverla a ver pronto en la gran pantalla. La actriz chilena Paulina García (premiada con el Oso de Plata del Festival de Berlín por 'Gloria') interpreta con esmero y acierto a la inquilina de la tienda familiar.

En los aspectos técnicos habría que destacar una hermosa fotografía retratando las singulares zonas de Brooklyn. Paseamos por los barrios de Sunset Park, Bay Ridje y Williamsburg como escenarios secundarios de una buena dirección artística. La banda sonora es de carácter preciosista cerrando la cinta con una pegadiza melodía.

En conclusión, nos encontramos con una película interesante, de autor y que retrata de una manera sencilla pero eficaz la cotidianidad de una familia. Quizás el ritmo algo plano de la historia no consiga ser emocionalmente eficaz. Por consiguiente, el director opta por no alargar demasiado la historia ajustando el metraje de una manera eficaz. En cualquier caso, este es un tipo de cine que es bienvenido a las carteleras por ofrecernos una visión contrapuesta a los habituales estrenos del cine más comercial.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Ira Sachs.

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri,
Greg Kinnear, Jennifer Elhe,
Paulina Garcia, Alfred Molina.

Música: Dickon Hinchliffe.

Fotografía: Óscar Durán.

Estreno EEUU: 5 de agosto.

Estreno Reino Unido: 23 de septiembre.

Estreno España: 21 de octubre.

¡Qué maravilloso es el cine! Desayuno con diamantes

La introducción: Nueva York amaneciendo...suena la canción 'Moon River', Audrey Hepburn baja de un taxi, camina unos pasos y se detiene frente a la joyería Tiffany's. Allí con la mirada perdida en un sueño de luz y brillantes, en pie, y con toda la naturalidad del mundo, saca de un paquete un café, un croissant y desayuna con diamantes. Una vez más el sueño del cine hecho realidad.

La historia: Holly (Audrey Hepburn) es una atractiva mujer que tras pasar su juventud en un rancho decide dar el salto a la gran ciudad. Su meta es intentar triunfar en el mundo del cine. Su personalidad caprichosa y excéntrica hacen que no encuentre su lugar en la ciudad. Holly está llevando su vida al límite en una fiesta sin final. Mientras tanto, un joven y atractivo escritor (George Peppard) se muda al apartamento vecino en el que vive la joven. Tras un primer encuentro, entablarán una amistad que poco a poco irá desembocando en un apasionado romance.

La mirada: Breakfast at Tiffany's está basada en la novela homónima de Truman Capote. Si bien, es una adaptación libre y singular. Nada extraño, si tenemos en cuenta que el director de la misma es el genial Blake Edwards. Éste también fue productor, guionista y actor a lo largo de su carrera dejándonos genialidades para el recuerdo como 'El guateque' con Peter Sellers. 

El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad.

La historia y la manera de estar narrada es ante todo una fiesta de la vida. Los primeros cuarenta minutos son una autentica bolsa de golosinas con imágenes y situaciones que nos llevan por los aires de la comedia más insustancial con escenas que son un autentico divertimento visual con pobre gato incluido. La presentación de los personajes se sitúa a veces en el disparate. Sin embargo, en el fondo de los mismos se aprecian a seres llenos de heridas que irán apareciendo en la segunda parte de la trama. 

En esta segunda parte es donde se encuentra lo más sustancial del argumento. La adaptación de la novela al cine nos habla fundamentalmente de almas que quisieron volar, y o bien no pudieron o  aún siguen intentando alcanzar sus sueños. Porque no es solo Holly la que aparece dañada por los avatares de su existencia. Paul, el joven escritor enamorado de de ella, también tiene sus heridas por curar y en cierta manera la expresión "almas gemelas" va tomando cuerpo a lo largo del romance.

Y de las miserias humanas no se olvida la cinta. Nos habla solapadamente de como vender tu alma o tu cuerpo para alcanzar tus objetivos existenciales o laborales. Quizás, esta sea la parte más sutil de la historia pues nunca deja claro como se gana realmente la vida Holly. No sabemos con certeza si solo juega con los hombres o son los hombres los que juegan y pagan por ella...

La película obtuvo cinco candidaturas a los Oscars de la Academia. Entre ellos: el de mejor actriz, el de mejor guión adaptado y el de mejor dirección artística. Finalmente obtuvo dos galardones a la mejor música y canción. Audrey Hepburn se llevo el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en 1962.

Desayuno con diamantes también ha tenido diversas adaptaciones teatrales tanto en Brodway como en diferentes partes del mundo. Una de las últimas se estrenó en el teatro Cort de Nueva York en el año 2013 y fue protagonizada por la actriz de la serie 'Juego de tronos' Emilia Clarke. Como anécdota y en el capítulo de las traducciones al español, en algunos países de habla hispana se rebautizó el filme con el singular título de 'Muñequita de lujo'. Sin comentarios (seguro que habrá oportunidad próximamente, de ir incorporando algunos "crímenes traductores" de mayor calado aún en España y Hispanoamérica).

El filme obtuvo una gran recepción por la crítica especializada y aunque es cierto que aún se deja ver con cierta frescura, la cinta quizás en el contexto actual carezca de mucha credibilidad. Desde luego es cine de otra época en la que la inocencia del espectador era un sueño para los cineastas. Yo me quedo con las palabras que en New York Times escribió A.H Weiller: "Un completamente increíble pero cautivante vuelo de fantasía, compuesto por cucharadas desiguales de comedia, romance, y algunos de los momentos mas divertidos y elegantes de las zonas de Manhattan". En conclusión, una película mítica que encumbró a una actriz a ser una verdadera estrella de cine.

Música y cine: El celebre compositor de música de cine y jazz Henry Mancini fue el encargado de llevar a cabo la banda sonora de la cinta. Además de ganar el Oscar por esta partitura obtuvo otro tres Oscars y diecisiete nominaciones en total a los citados premios. Pero si algo pasó a la historia de la música de cine en la producción fue la mítica canción 'Moon River' compuesta también por Mancini y con letra de Johnny Mercer. En las últimas décadas ha sido interpretada entre otros por Frank Sinatra, Louis Armstrong o Arheta Franklin.

En el siguiente vídeo, y como despedida a esta retro-reseña, Audrey interpreta Moon River.

Oleg y las raras artes

Para un artista nada debe ser bello o feo; el artista nada tiene que ver con la realidad del objeto sino sólo con su apariencia, y las apariencias son nada más que cosa de luz o sombra, de oposición y colores. -Oscar Wilde (conferencia Real Academia de Westminster, Junio 1883).

El cineasta hispano-venezolano Andres Duque (Caracas 1972), nos presenta su visión del peculiar y excéntrico pianista ruso Oleg Karavaichuck.

La cinta es una preciosista y experimental película documental del artista que fue un niño prodigio de la música. Él obtuvo su formación en el Conservatorio de Leningrado e interpretó sus piezas musicales para las autoridades de la extinta Unión Soviética. Stalin incluido (no entraré en consideraciones sociopolíticas pues sería alejarse demasiado de lo que el cineasta busca con el documento), fue un gran admirador de este singular compositor.

Lo curioso de la cinta es el propio hecho de poder realizarla. El director tuvo que recurrir a estrategias inverosímiles (y al final una coincidencia en vestir prendas azules fue la clave), para poder convencer al hermético artista del rodaje de la producción. Con ello, el cineasta refleja su legado en el mundo del cine. Una vez seducido, Duque nos traslada a la vieja Rusia en un viaje por el mundo de la música a través de las notas del piano de Oleg. 

Aclarar que estamos ante una propuesta con claras referencias y aromas al cine de arte y ensayo. Por lo tanto, no nos encontramos ante un documental fácil de visionar. Para los amantes de la música clásica o los aficionados al piano será un bocado exquisito. Los aficionados a la historia disfrutarán de algunas referencias verdaderamente curiosas. Sin embargo, para el público en general puede resultar algo plana y aburrida por ser un tipo de cine fuera de casi todos los circuitos del cine comercial actual. 

El director "bregando" con Oleg

El plano secuencia con el que se abre la producción ya es toda una declaración de intenciones. Nos encontramos con el entrañable Oleg, y sus 89 años a cuestas, caminando por un espectacular pasillo del museo Hermitage en San Petersburgo. Él se dirige a la cámara, suelta un soliloquio espectacular y se larga cuando le apetece sin tener en cuenta que se esta rodando su propia película. Golpe de efecto para comenzar y familiarizarnos con el personaje.

A resaltar que él ha sido durante muchos años la única persona autorizada de todo el mundo para tocar sus consonancias y disonancias en el piano imperial del citado museo. El piano es de la época de los zares rusos y es de una belleza extraordinaria. Ádemás, el sonido del instrumento es único por su excelencia. Durante muchísimos años Oleg acudía todos los lunes a su cita con el piano zarista y durante horas y horas tocaba sin parar.

La cinta que sin estar diseñada para el divertimento, si no más bien para la difusión cultural del legado del arte como concepto total, tiene dos anécdotas que nos dejan escapar una sonrisa. La primera, es una carta escrita por el propio músico a la Reina de España (en este país aún andamos con monarquías pretéritas, sonrojantes y ornamentales) explicándole el porqué se había negado a tocar el piano en un acto. Y básicamente le comenta que no le dio la "real" gana.

La otra anécdota, ocurrió durante la celebración del aniversario del museo del Hermitage que por cierto es una de las pinacotecas más importantes del planeta y de una belleza extraordinaria. Pues bien, la ilusión de Oleg era tocar para el presidente ruso Vladimir Putin, no tanto por la notoriedad del personaje, sino más bien como un homenaje a su querido museo. Pero el líder político en vez de quedarse a escuchar el concierto, se fue a las dependencias de la administración del museo a discutir asuntos económicos relacionados con los resultados mercantiles del mismo. Él se lo tomó como una ofensa contra el arte y le marcó tanto que lo señala como una de las mayores decepciones de su vida.

Precioso piano imperial

Oleg Karavaichuck es el único interprete en escena aunque como hace de si mismo podríamos decir que es una película sin reparto. El diseño de sonido es otro de los puntos fuertes de la producción, y tratándose de una historia donde la música es esencial es de agradecer el cuidado meticuloso del mismo.

Otro detalle que llama la atención es la duración del filme. Son solo setenta minutos a medio camino entre el mediometraje y el largometraje. No se entiende muy bien el porqué de quedarse tan corto pues la historia podría haber tenido un desarrollo mayor. Será un alivio para aquel que no esté disfrutando de la película pero se supone que quien haya elegido esta propuesta sabe que no es precisamente una montaña rusa de adrenalina.

Otro de sus defectos consiste en que es una propuesta demasiado aséptica y en pocos momentos consigue emocionar. Por lo tanto, si nos encontramos ante una disquisición sobre el arte y sus conceptos resulta contradictorio la frialdad del retrato ofrecido con el significado de la palabra arte que ante todo debería ir asociado a la palabra emoción.

En todo caso y para concluir es importante señalar que las virtudes son mayores que sus defectos. La propuesta es atractiva por la personalidad única y muy egocéntrica del personaje presentado. Oleg es un pianista desconocido en el mundo y en su propia tierra natal exceptuando a los melómanos empedernidos. La propuesta se siente como un tratado sobre los artistas y sobre su capacidad creativa. En definitiva, gracias al cineasta Andres Duque hemos conocido a un personaje único y posiblemente irrepetible.

Nota: 7/10.

P.D. El pasado día 13 de Junio de 2016 nos dejó Oleg legando la composición de la banda sonora de decenas de películas de la cinematografía rusa. Pudo asistir al pase de la película en el Festival de cine 'Punto de Vista de Pamplona' (donde además la película obtuvo el gran premio del jurado). Un homenaje en vida que rara vez sucede.

Descanse en paz.

Nacionalidad: España.

Director: Andres Duque.

Reparto: Oleg Karavaichuck. 

Guión: Andres Duque.

Fotografía: Jimmy Gimferrer.

Sonido directo: Boris Alekseev.

Estreno Rusia: 27 de mayo.

Estreno España: 7 de Octubre.

Festivales: Rotterdam, Pamplona, Riviera May.

Un monstruo viene a verme

Y por fin llegó el día. Tras una espectacular, "monstruosa", pretenciosa, desproporcionada y hasta cierto punto agobiante campaña promocional en España, es ahora el espectador el que tendrá la última palabra sobre la nueva producción de Mr. Bayona. 

Universal Pictures y Mediaset van a por todas y no solo a nivel local. Para ello, han retrasado el estreno en Estados Unidos hasta el mes de diciembre. El objetivo es que los académicos de Hollywood tengan la cinta fresca en la memoria para tratar de obtener alguna nominación en la carrera de los Oscars. Apuesta fuerte y ojalá obtengan recompensa porque su director se lo merece. Quizás no por esta película pero si por su honestidad y sus anteriores obras. Ahora analicemos sin desvelar detalles clave la propuesta presentada.

Conor es un joven muchacho de 13 años que esta atravesando una difícil situación familiar. Después de la separación de sus padres, su madre cae gravemente enferma de cáncer y esto dificulta aún más su transición de la niñez hacia la adolescencia. Para superar esta situación, agravada también por el acoso escolar que viene padeciendo, se refugia en su imaginación. A partir de ahí, los seres imaginarios que esta creando como método de autodefensa cobrarán una insospechada fuerza en la trama. Esto le deparará situaciones que serán solo el principio de su propio auto-conocimiento.

La película esta basada en la novela homónima del escritor Patrick Ness con la que obtuvo un gran reconocimiento. Fue galardonado con el premio anual 'Medalla Carnegie' otorgado por la asociación de bibliotecarios británicos. El autor es también el encargado de adaptar el guión para el largometraje. Por lo tanto, el cineasta Juan Antonio Bayona se nutre en esta ocasión del talento del novelista para desarrollar aún más el suyo propio. Con ello, cumple con la acertada "filosofía" de rodearse de los mejores para multiplicar el talento innato del que es poseedor por méritos propios.

En esta ocasión y como ya hiciera en sus aclamados anteriores trabajos 'El orfanato' y 'Lo imposible' vuelve a explorar las relaciones maternofiliales. Utiliza en esta ocasión la clásica premisa de niño conoce a monstruo y entablan amistad. Recuerdos y aromas a Steven Spielberg en su gusto por estas historias. Pero enfoca la historia desde una perspectiva muy característica en él. Bayona es ante todo personalidad y firmeza en sus ideales cinematográficos. Coloquialmente diría "que no pasa por el aro".

Especialmente doloroso para mí es en esta ocasión, (por la admiración que tengo al cineasta) resaltar que el pinchazo artístico en la propuesta presentada es colosal (en taquilla será un éxito). Calificarlo de fiasco sería demasiado, pero de profunda decepción sería lo justo. Y además voy muy a contracorriente de la crítica especializada, de la que se oían maravillas tras su paso por los festivales de Toronto y San Sebastián.

¿Están los críticos profesionales comprados? Pues no todos claro, pero el cine tiene un lado oscuro y sucio en la que los intereses mercantiles están por encima de la libertad. No me creo nada de algunos y poco de otros. También es cierto que cuando se inflan las expectativas de tal manera la decepción esta más cerca. A mí también me pasa. A veces inflo una película y luego decepciona, pero yo soy independiente y marciano. Es decir soy libre. Quedaría muy bien decir eso de que es un poema visual e interior sobre nuestros miedos, pero me niego a buscar una justificación ante algo que no es más que un sueño onírico de segunda categoría. 

La cinta es demasiado premiosa, lenta hasta decir basta y sobre todo carente de la emocionalidad que trata de conseguir el cineasta. Dramón de categoría especial, que sin embargo no hace llorar aunque lo pretenda. Pocos pañuelos en el cine, y sin embargo detecté cierto abandono de la sala de algunos espectadores. Yo mismo me podría haber marchado pues es tan previsible que no pocos sabíamos el desenlace esperado. Demasiada intelectualidad forzada en una narración que siendo simple, juega a ser pedante y pretenciosa.

Cine de pérdida y de duelo preventivo en la que el monstruo imaginario juega a ser la conciencia del joven que puede perder a su madre. Ante un dolor así, la metáfora monstruosa suena incluso fuera de lugar. Además, es una premisa muy reiterativa, vista ya y con mucha mejor calidad. Cine imposible para personas en duelo, con enfermedades graves o con melancolía y tristeza. La diferencia entre un buen melodrama y uno malo es una línea muy delgada y fácil de atravesar. El cine es otra cosa, nunca sufrimiento, menos aún aburrimiento. 

El reparto esta encabezado por el niño Lewis MacDougall en un trabajo de una frialdad desoladora. La gran actriz Sigourney Weaver (Alien) interpreta a la abuela de Conor con corrección y buenos matices. Pero lo mejor de la cinta nos llega de la mano de la madre del joven que está interpretada por una magnífica Felicity Jones (La teoría del todo). Ella es un oasis de una dulzura exquisita y que brilla entre tanta oscuridad.

En los aspectos técnicos habría que destacar los impactantes y bien conseguidos efectos especiales. La fotografía es correcta y la música que sin emocionar, está bien diseñada para hacer aún más dramática la situación. Pero estos últimos aspectos positivos no consiguen salvar la historia. En un lenguaje sencillo y popular Un monstruo viene a verme es un autentico "tostón".

La película es oscura, triste, aburrida, previsible, elitista y simplista. Tanto es así que la cinta 'Blood Father' en comparación con esta, es una autentica obra cumbre de la cinematografía. En mi opinión nos encontramos ante un film muy decepcionante y que no cumple con las expectativas generadas.

Nota: 3/10.

P.D. La crítica de cine es una opinión puramente subjetiva. Aquel que piense que una reseña se debe regir por unos valores de neutralidad puramente objetivos no esta en lo cierto. Hay aspectos técnicos que si son claramente y objetivamente calificables. Pero si nos referimos a cuestiones puramente artísticas y dentro de unos mínimos conocimientos cinematográficos, es la opinión personal y en base a lo que has visto a lo largo de tu vida, la única que debe ser tenida en cuenta por uno mismo. Si no estos textos los harían logaritmos informáticos. Tampoco es la función de la critica la recomendación o no de una cinta. Lo que se trata de hacer es analizar una propuesta, para que aquel que tenga interés saque sus propias conclusiones. Y sobre todo, es un ejercicio de análisis informativo que puede servir tanto para su lectura anterior o posterior al visionado de la película. Es más, no es necesario ver una película para leer una critica de cine. 

Nacionalidad: Estados unidos, España.

Director: Juan Antonio Bayona.

Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver,

Fellicity Jones, Liam Nesson (voz),

Toby Kebbel, Geraldine Chaplin, Joe Curtis.

Guion adaptado: Patrick Ness.

Música: Fernando Velazquez.

Fotografía: Oscar Faura.

Estreno España: 7 de octubre.

Estreno EEUU: 23 de diciembre.

Películas curiosas: El viaje del emperador

El punto de partida de todo logro es el deseo (de conseguirlo). 

-Napoleón Hill.

Espectáculo visual interior y exterior que hace del cine documental una verdadera obra de arte. La cinta francesa es un documento para guardar en la memoria y en el corazón. El cineasta galo Luc Jacquet impartió una verdadera lección de cine con mayúsculas. Los apellidos cinematográficos suenan fuera de lugar. Excelencia es la palabra exacta, es la palabra justa.

¿Quién es el pingüino emperador? Aptenodytes forsteri es su nombre científico y es el más grande de toda su especie. Señalar también, que es una especie endémica de la Antártida en peligro de extinción. El calentamiento global y la industria pesquera son sus mayores amenaza. Es decir, la acción del ser humano sobre el planeta es lo que puede acabar con el mismo. 

La película, estrenada en el año 2005, nos cuenta de una manera didáctica el proceso reproductivo de esta especie tan entrañable para los amantes de los animales. Y lo hace relatándonos el viaje epopéyico de lo pingüinos desde el mar hasta tierra firme. El recorrido es siempre circular como forma natural de supervivencia en un viaje único con premio final.

En fila y con orden

Su historia es la siguiente: los pingüinos salen del mar y buscan una zona de apareamiento a unas 70 millas tierra adentro. Su primer objetivo es un buscar un lugar alejado de sus depredadores y a la vez relativamente resguardado de los fuertes vientos que azotan el vasto territorio. Después de un durísimo viaje empieza el cortejo. Los machos al ser un número inferior de miembros siempre encontrarán pareja. En esta ocasión serán las hembras las que incluso peleen por encontrar a los solicitados machos (¡quien fuera pingüino, con tantas pingüinas!).

Una vez producido el feliz acontecimiento de la puesta del huevo, será el padre el que se hará cargo del proceso de incubación durante los dos meses siguientes. Mientras, la madre que ha perdido buena parte de la masa corporal en la fase reproductiva, vuelve al mar a buscar su alimento y supervivencia. Traerá de vuelta reservas para alimentar al polluelo. El padre debe aguantar más de dos meses sin más alimentación que un poco de nieve para sobrevivir. Además, mantendrá el huevo entre sus patas y su piel (sin que toque el hielo), proporcionando el calor suficiente para la supervivencia del futuro vástago. Cuando llegue la hembra, él iniciará el camino de vuelta hacia el mar. Exhaustos y debilitados, no pocos se quedarán en el camino. De ahí que la población de machos sea inferior al de sus compañeras.

Pero volviendo a los aspectos artísticos y visuales, el conjunto de la obra es de una belleza extraordinaria. Mezcla de géneros dentro del documental; por momentos una de aventuras con aromas al heroísmo del western, en otras ocasiones un melodrama con toques épicos. Un conjunto que pretende y consigue emocionar a través de una narración en off un tanto embaucadora, pero terriblemente eficaz. Morgan Freman, en la versión de habla inglesa, es el narrador que nos acompaña en la lucha por la supervivencia de una especie inigualable.

Espectacular "teatro de operaciones"

La música es otro actor importante en la producción. Nos encontramos ante una banda sonora muy potente realizada por la compositora e interprete francesa Èmilie Simon. Música y cine una vez más unidos de la mano con un sonido de raíces evocadoras. La fotografía también brilla con luz propia. Aunque buena parte del mérito se lo llevan los impresionantes paisajes de la Antártida.

National Geographic se encargó de parte de la producción de la cinta. Por lo tanto no es de extrañar el cuidadoso detalle de la fotografía y de otros aspectos técnicos de la filmación.

La película no hubiera sido posible sin la presencia en la Antártida de la estación francesa para la investigación 'Dumont d'Urville y que se encuentra en la región de Tierra Adelia. La filmación transcurrió a lo largo de un año y tuvo que superar innumerables problemas de producción. Pero sin duda, el resultado final valió la pena. 120 horas de grabación para una hora y media de película; en un proceloso y gran montaje final. Si os interesa el montaje en el cine este es el ejemplo perfecto.

La producción se desarrolló con un presupuesto inferior a 10 millones de dolares, llegando a recaudar casi 130 millones en un éxito masivo de público. La critica se unió de una manera bastante unánime. "Un documental impresionante" escribio G. Allen Johnson en 'San Francisco Chronicle' y en 'New York Times', Stephen Holden se refirió a ella como "sentimental pero fascinante, no tiene reparos en jugar con nuestras emociones". Es cierto que la narración utiliza alguna trampa para conmover al espectador, pero aún así no es engañosa. 

En conclusión, la pretensión de la 'La marche de l'empereur' que es su título original (en Hispanoamérica, 'La marcha de los pingüinos') es hacer un ejercicio de lucha por la preservación de la naturaleza.

Para ello, trata de buscar similitudes amorosas entre la especie humana y el mundo animal en un entorno de poesía visual. Se puede dar por bueno si la conciencia social sube algunos grados mientras que el calentamiento global hace lo propio, pero en sentido inverso.