miércoles, 27 de octubre de 2021

Supernova: Colin Firth y Stanley Tucci agrandan su leyenda


Supernova dirigida por Harry Macqueen se ha estrenado en cines españoles el día 22 de octubre. La cinta británica es una narración íntima y singular que aborda algunas de las cuestiones humanas más importantes: cómo vivimos, amamos o reímos, incluso cuando nos acercamos al final de nuestras vidas.

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La historia: Supernova cuenta la historia de amor de una pareja (Colin Firth y Stanley Tucci) que decide convertir el final de la vida en una celebración de la amistad, el amor y la felicidad que han podido compartir juntos. La pareja decide emprender un viaje por carretera para volver a ver a amigos y familiares y visitar esos lugares que recorrieron en el pasado. A medida que avanza su viaje juntos, abordan sus planes de futuro, descubren sus secretos y ponen a prueba su amor como nunca antes lo habían hecho.


La crítica: El actor, escritor y director inglés, Harry Macqueen, centra su mirada en el amor maduro para regalarnos una historia preciosista y narrada de manera inteligente en los 90 clásicos minutos de toda la vida. El cineasta cuenta la dura historia de amor de una pareja de nuestro tiempo que se enfrenta a un diagnóstico de demencia precoz. 

Supernova presenta a Sam (Colin Firth) y a Tusker (Stanley Tucci) que llevan veinte años juntos y siguen tan enamorados como el primer día. Pero hace dos años, a Tusker le diagnosticaron principio de demencia y desde entonces sus vidas han cambiado por completo. La enfermedad de Tusker avanza y Sam se ve obligado a hacer un paréntesis en su vida y dedicarse a cuidar de su pareja a tiempo completo.

De hecho, el tiempo que pasan juntos se ha convertido ahora en lo más importante de sus vidas y cada momento que comparten tiene una trascendencia definitiva. Así que planean realizar un viaje por carretera mientras Tusker pueda seguir viajando. La narración toma forma de road-movie romántica y quizás su único defecto sea un exceso de almibar amplificado por la partitura musical. 

A medida que avanza el viaje que han emprendido juntos, se hace evidente que sus ideas sobre el futuro son diferentes. Es entonces cuando surgen los conflictos. Los secretos y los planes personales salen a la luz y el amor que sienten el uno por el otro deberá superar una durísima prueba. En última instancia, tendrán que enfrentarse a lo que significa amarse cuando deben enfrentarse a la enfermedad incurable de Tusker.


Colin Firth y Stanley Tucci agrandan su leyenda con dos interpretaciones contenidas y relajadas que son lo mejor de la película británica. Sus personajes están muy bien escritos describiendo como Tusker era la roca firme en la que se apoyaba Sam. Ahora le toca a Sam ponerse al mando y está decidido a que su pareja tenga una vida lo más normal y feliz posible. Pero bajo su aparente fortaleza, libra una batalla interna que empaña cada momento de su vida. Por su parte, Tusker es consciente de que su estado tiene un efecto devastador en sus vidas y que está empezando a perder el control. El suicidio aparece como frente discursivo lo que lleva a la pareja a encuentros, desencuentros y finalmente a una mutua comprensión. 

En los aspectos adicionales de la cinta destacan los enormes espacios abiertos por los que viajan nuestros protagonistas. Fotografía, banda sonora y dirección de arte en interiores completan un trabajo que en lo estético es intachable. El metraje, ajustado al máximo, ayuda a que el fondo dramático de la propuesta se digiera y se comprenda mejor. 

En conclusión, Supernova, me ha parecido una apuesta acertada, intimista y narrada de manera muy eficaz. Hablamos de una cinta que narra la relación entre personas del mismo sexo de una manera original. Presentar una relación amorosa en la que la sexualidad de los personajes no determina en modo alguno la narrativa es un gran acierto. Una película, en definitiva, que nos habla sobre parejas que llevan mucho tiempo juntas y que están unidas por un amor profundo hasta el final de sus días.

Nota: 8/10. 


Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Harry Macqueen

Guion: Harry Macqueen

Fotografía: Dick Pope

Música: Keaton Henson

Duración: 90 minutos

Reparto: Colin Firth, Stanley Tucci,
James Dreyfus, Pippa Haywood,
Sarah Woodward, Tina Louise

miércoles, 20 de octubre de 2021

El buen patrón: Javier Bardem y León de Aranoa dan un recital de buen cine


El buen patrón dirigida por Fernando León de Aranoa se ha estrenado en cines españoles el día 15 de octubre. El filme es su décima película como director y la quinta que produce de manera conjunta con The Mediapro Studio tras “Princesas” (2005) (3 premios Goya, incluyendo Mejor Actriz para Candela Peña), “Amador” (2010), el documental “Política, Manual de Instrucciones” (2016) y “Un día perfecto” (2015), protagonizada por Benicio Del Toro y Tim Robbins.

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La historia: Blanco (Javier Bardem) es el dueño de una empresa dedicada a la fabricación de básculas industriales. En breve, una comisión visitará la sede para decidir si otorga a la compañía un premio a la excelencia. Es entonces cuando un antiguo trabajador comienza a manifestarse a las puertas de la fábrica y pone en peligro los deseos del empresario.


La crítica: Ambientada también en el mundo de las relaciones laborales, en esta ocasión El buen patrón se presenta como el contraplano de la magnífica obra de Fernando León de Aranoa “Los lunes al sol”. 

En el filme encontramos sutiles referencias actualizadas a la magistral Los santos inocentes pero desde el punto de vista cómico y satírico. También se observan claras influencias de El padrino en el personaje escrito para Javier Bardem. Un personaje con cierto simbolismo divino que en bastantes planos aparece elevado por encima de los demás personajes. 

La cinta hoy reseñada es una feroz y divertida sátira protagonizada por el dueño de una empresa familiar en apuros. Hablamos de un excelente retrato sobre las relaciones laborales dentro de una gran empresa desde el punto de vista masculino. Esto casi suena a novedad pues las narraciones en el cine de autor actual suelen girar en torno al universo femenino. Aranoa vuelve, por tanto, a esa raíz que citaba al iniciar la crítica.

La originalidad de la propuesta es destacable, pues no es muy común ver en el cine historias sobre las relaciones laborales. El trabajo aparece como un lugar de encuentros, conflictos, penas y alegrías. Muestra la codicia, el recelo, los miedos y la presión que en alguna ocasión muchas personas han sentido en su puesto de trabajo al comenzar su jornada laboral. 


Javier Bardem nos vuelve a regalar una interpretación magistral. Quizás la mejor de su carrera aunque es un actor que no parece tener techo. Su personaje, Blanco, comienza dando un discurso paternalista a los empleados de su fábrica en la que ya denota su poder embaucador. Poco a poco iremos conociendo las entrañas de la empresa y como El buen patrón tiene un lado siniestro que le hace encantador para el que le ve desde el otro lado de la pantalla. El personaje es tan rico en matices que los 120 minutos de metraje pasan en un suspiro sin miradas al reloj.  No pocos espectadores, entre los que me encuentro, volverán a la sala de cine para un segundo visionado del filme en algo que sucede pocas veces.

El resto del reparto coral gira en torno a las andanzas del personaje principal. Así es como conocemos a Liliana, una becaria interpretada por Almudena Amor que cautivará a Blanco a pesar de que está casado. Luego está Miralles, interpretado con solvencia por Manolo Solo y que es el empleado de máxima confianza del patrón. También destacar a Óscar de la Fuente como el empleado en huelga a las puertas de la empresa. 

La dirección de arte se encarga de mostrar a la perfección los espacios escenográficos de la sede de la empresa. Un diseño de producción por lo tanto muy cuidado y respetuoso con el espectador. Además, todos y cada uno de los aspectos adicionales acompasan el ritmo del filme español. 

El buen patrón es una película brillante que parte de un excelente libreto firmado por Fernando León de Aranoa. El cineasta español vuelve a la esencia del comienzo de su carrera. Hablamos de un filme sarcástico, cómico y a la vez profundo mostrando de manera agridulce como son las relaciones humanas dentro y fuera del entorno laboral. En lo personal me parece que la Academia de Cine de España acierta al proponer para los Premios Oscar una película de mayor calado, enjundia y profundidad que las seleccionadas en años anteriores. Suerte y al toro.

Nota: 9/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Fernando León de Aranoa

Guion: Fernando León de Aranoa

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Pau Esteve Birba

Duración: 120 minutos

Reparto: Javier Bardem, Manolo Solo, 
Almudena Amor, Óscar de la Fuente,
Sonia Almarcha, Fernando Albizu 

miércoles, 13 de octubre de 2021

Los invasores de otros mundos: Ciencia Ficción, Serie B y El Tintero de Oro de H.G. Wells


Los invasores de otros mundos de Sherman A. Rose fue estrenada en el año 1954 en Estados Unidos. La película, cuyo título original es Target Earth, está enmarcada en el tradicional cine de los años 50 con la ciencia-ficción como marco de referencia. Hablamos de serie B pura y dura.

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Nora (Kathleen Crowley) es una joven mujer que recupera la conciencia tras un intento de suicidio. Cuando descubre que su edificio no tiene electricidad ni agua, sale a las calles de Chicago y las encuentra desiertas. En un momento dado, se encuentra con un hombre llamado Frank (Richard Denning). Éste, ha despertado después de haber sido golpeado en un robo. Así es como se conocen y llegan a la conclusión de que la ciudad ha sido evacuada ante una inminente invasión extraterrestre. Solos y confusos, comienzan a buscar ayuda para intentar huir de la urbe. 


Como comentaba a raíz de la publicación de la retro-reseña de "Emisario de otro mundo", para poder entender este tipo de cine de una manera adecuada habría que situarse en el contexto sociocultural de la época en que estas películas fueron rodadas. Para ello, habría que viajar de manera imaginaria al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado. Allí y en plena guerra fría se mezclaban los miedos al estallido nuclear, con los miedos a una invasión extraterrestre. Esta situación mezcla de pánico y fantasía fue debida al incidente con el ovni de Roswell que acució las fantasías con todo lo que rodeó a "La guerra de los mundos" de H.G. Wells y la posterior emisión radiofónica que realizó Orson Welles. 

En Los invasores de otros mundos nos encontramos de salida con la ciudad de Chicago desierta y con Nora totalmente desconcertada. Esta secuencia pudo ser tomada como referencia por Amenábar para rodar Abre los ojos. En ella, Eduardo Noriega atraviesa una Gran Vía de Madrid totalmente desértica es una de las escenas más icónicas del cine español. ¿Casualidad, homenaje o plagio?

El inicio del film es la parte más potente del mismo. Se produce un gran dominio de la escenográfia generando la tensión narrativa adecuada. Hablamos de unos 30 minutos de buen cine que se dilapidan cuando el primer invasor llegado de otro mundo aparece en escena. Hablamos de un robot procedente del planeta Venus que parece realizado por un niño de tres años en estado etílico. En esta parte la película toma forma de comedia involuntaria. Sin embargo, estos efectos especiales tan chapuceros propios de la serie B de la época, son los que convierten a este tipo de películas en una curiosidad cinematográfica.


En la fotografía superior observamos el cuidado vestuario que se utilizaba en aquella época. Los hombres solían aparecer trajeados y las mujeres con vestidos chic acompañados de zapatos con tacones. El mundo se podía estar derrumbado pero la elegancia no entendía de invasiones. Este tipo de películas solía tener en el reparto a actores no muy conocidos. El presupuesto no daba para pagar a grandes estrellas de Hollywood.

Además de los mencionados actores Richard Denning y Kathleen Crowley como protagonistas, hay más humanos en pantalla. Nora y Frank, sus personajes, se encuentran con otra pareja. Son Jim (Richard Reeves ) y Vicki (Virginia Gray). Éstos se ha pasado la noche bebiendo por lo que aún están borrachos y por ello tampoco pudieron unirse a la evacuación de Chicago. Deciden formar un grupo, aislarse en un hotel y esperar a que el ejercito actúe. Como comentaba, no hay ninguna interpretación que fuera muy destacable. Si acaso mencionar a la actriz americana Kathleen Crowley a la que vemos atacada por el ridículo robot de la imagen inferior. Cabe interpretar que el bicho es varón por lo que lleva en la entrepierna.


En conclusión, Los invasores de otros mundos (insólita traducción de Target Earth) es una cinta bastante irregular en su totalidad, pero que cuenta con una premisa muy divertida para los amantes de la serie B dedicada a la ciencia ficción. Un película en definitiva bastante marciana que se convierte por méritos propios en un delicioso placer culpable.


Dirección: Sherman A. Rose

Nacionalidad: Estados Unidos.

Guion: James H. Nicholson

Duración: 75 minutos

Música: Paul Dunlap

Fotografía: Guy Roe (B&W)

Reparto: Richard Denning,
Kathleen Crowley, Virginia Grey,
Richard Reeves, Robert Roark,
Mort Marshall, Arthur Space,
Whit Bissell, James Drake



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P.D. La crítica de 'Los invasores de otros mundos" nace del inspirador artículo de David Rubio Sánchez sobre H.G. Wells. El escritor fue uno de los padres de la ciencia ficción. Asimismo la reseña que acabáis de leer participa fuera de concurso y en la sección 'Otras participaciones' de la XXVIII edición del concurso literario El Tintero de Oro

miércoles, 6 de octubre de 2021

Madres paralelas: Almodóvar gira de lo urbano a lo rural en un intenso melodrama


Madres paralelas dirigida por Pedro Almodóvar se estrena en cines españoles el próximo día 8 de octubre. La cinta, presentada en el Festival de Venecia, cuenta en el reparto con Penélope Cruz, Milena Smit y con Aitana Sánchez-Gijón como las tres estrellas femeninas del reparto. 

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La historia: Madrid, 2021. Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smit), ambas a punto de dar a luz, coinciden en la habitación del hospital mientras llega el momento del parto. Tras el nacimiento de sus bebés intercambian los teléfonos y comienzan una amistad que cambiará sus vidas para siempre. Algo insólito ocurrido en la clínica se desvelará a lo largo de la trama. 


La crítica: Tras la biográfica Dolor y Gloria, Pedro Almodóvar vuelve a sus clásicos melodramas en los que se desenvuelve como pez en el agua. Al igual que en la brillante Julieta, en Madres paralelas vuelve a explorar el universo femenino a través del significado de la maternidad. La película comienza con una sesión de fotos. Janis (Penélope Cruz) es fotógrafa y le está haciendo un retrato a Arturo Buendía (Israel Elejalde), un antropólogo forense, miembro de una fundación navarra que ya ha intervenido en la exhumación de una fosa. Arturo será el que dirija la apertura de la fosa del bisabuelo de Janis, pero eso ocurrirá unos años después. Almodóvar pausa esta subtrama y centra la narrativa en la venida al mundo de dos niñas. 

Dos madres, diferentes edades y la misma incertidumbre antes del parto. Los embarazos serán llevados a término aunque no fueron planificados. En los primeros cuarenta minutos de la película, cadenciosos en exceso, el cineasta manchego nos pone en antecedentes del personaje de Janis. Conocemos su relación con Arturo -el padre del bebé-, su lucha por recuperar los restos de su bisabuelo asesinado en la Guerra Civil y su mirada ante el nuevo mundo que se le viene encima. Penélope Cruz, en el papel de Janis, realiza el mejor trabajo de su carrera dirigida con mano de hierro por Almodóvar. El Premio Goya sería muy merecido. 

La historia de la madre paralela, es decir de Ana, es revelada más tarde. La película sobrepasa las dos horas de metraje y el conflicto narrativo tarda en estallar. Con este personaje, interpretado de manera sensacional por la joven Milena Smit, nos adentramos en un triangulo amoroso en el que convergen Janis, Ana y Arturo. La madre de Ana, Aitana Sánchez-Gijón, representa la figura de la madre ausente y de los problemas que esto causa en la formación de la joven.


Con Madres paralelas asistimos a un giro metafórico de Pedro Almodóvar.

En sus primeros años de carrera, el cineasta manchego realizó un viaje de lo rural a lo urbano a través de los personajes representados en sus películas. Con ello, de manera autorreferencial, alude a su propia biografía y a lo que supuso su llegada a la capital desde un lugar de La Mancha. En la cinta hoy reseñada el viaje es de lo urbano a rural y esto se aprecia en el último tercio de la filmación. 

Observemos dos imágenes cedidas por la productora El Deseo para comprobar ese viaje de lo urbano a lo rural al que hago referencia. 


Exquisita dirección de arte en interiores


En cualquier caso, Almodóvar no se olvida de Madrid. Su ciudad de las estrellas. La urbe se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. En Madres paralelas, aún se aprecia un recorrido específico por las viviendas, los lugares de ocio y comercio, los espacios públicos o los sitios donde el propio director se divirtió y lloró en la ciudad de Madrid. Para un servidor, nacido y criado en la ciudad es muy especial observar a través de su cine el retrato de los espacios urbanos, residencias, bares, comercios y edificios emblemáticos de la capital en los que el director manchego se ha recreado.

Las localizaciones en el cine sobrepasan el concepto de meros escenarios para participar en la trama como un personaje más. Se integran en los argumentos. Otorgan el punto de modernidad y hablan de sentimientos. Son el espejo donde se reflejan y proyectan las diferencias sociales, culturales, ideológicas o personales de los protagonistas. 

Madres paralelas es un intenso melodrama con dos tramas que convergen en su cierre final. La parte política, con un cierto parcheado en el tema de las diabólicas fosas del franquismo, no acaba de integrarse bien en la trama principal. La película es mucho mejor cuando se adentra en la historia de los personajes. En sus relaciones, miedos, anhelos, desafíos y recuerdos. En definitiva, con una narración de luces y sombras, Almodóvar firma una cinta irregular aunque muy reconocible por su autoría tan delicada y personal. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: José Luis Alcaine

Duración: 123 minutos

Reparto: Penélope Cruz,
Milena Smit, Israel Elejalde,
Aitana Sánchez-Gijón, Inma Ochoa
Rossy de Palma, Julieta Serrano