Taxi a Gibraltar: a tomar por Brexit, ¡Gibraltar español, argentino y gaditano!

Cuando escucho a Wagner durante más de media hora me entran ganas de invadir Polonia. -Woody Allen.

La historia: León (Dani Rovira) es un taxista de Madrid que vive acosado por las deudas, por la competencia de Cabify, y amargado por naturaleza como todo buen taxista que se precie. Con su esposa a punto de dar a luz, y al borde de un ataque de nervios, recoge a un cliente argentino llamado Diego Manfredi (Joaquín Furriel), que le propone un viaje hasta Gibraltar para tratar de encontrar unos lingotes de oro que según él se encuentran en el interior del peñón. Los casi 700 kilómetros de distancia del viaje, y la incorporación de Sandra (Ingrid García Jonsson) como tercera pasajera, les dará el tiempo suficiente para conocerse mientras preparan la "invasión" hispano-argentina a la colonia británica situada en el sur de la Península Ibérica. ¡Gibraltar español, argentino, y gaditano!

La crítica: Si tuviera que hacer una crítica cinematográfica convencional, ya me estarían sobrando muchas palabras, y supongo que muchos sabrán el significado de esto. No obstante, como el 99 por ciento de mi vida ha transcurrido entre Madrid, La Línea (Cádiz), y Gibraltar, tengo algunas cosas que decir, y ya puestos, las voy a decir.

Los ingleses son un tipos muy raros. Yo desde luego de gente que conduce por la izquierda, se tiran por los balcones a las piscinas cuando vienen de turismo a España, y sobre todo tienen la ocurrencia de cenar entre las cinco y las seis de la tarde no me fío ni un pelo. Pero si los ingleses son raros, los llanitos (gibraltareños) son ya la hostia en verso. Y las gibraltareñas más si cabe. Digamos que serían como mezclar en una turmix a Keira Knightley, a Lola Flores, y a Gracita Morales, y voilà: inglesita-andaluza con encanto. Pero desde luego si hay algo que llame la atención de Gibraltar son sus monos. Y es que la roca está lleno de estos macacos que están para ingresar de urgencia en un frenopático. Su principal dedicación consiste en robar sus pertenencias a los visitantes, mearse en los coches de los que se atrevan a subir al peñón en ellos, y los más salidos se dedican a tocarle el culo a las turistas al menor despiste de las mismas. Para muestra, un botón: la niña se parte de risa, la turista aguanta, y el mono a lo suyo, es decir, a ver lo que puede pillar, robar, o tocar.

Respecto a la película (bueno llamar película a esto es como llamar actor a Rob Lowe) es tan mala, que de mala es buena. ¡Pedroooooooooooooooooooooooo!

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Perdón, ya he vuelto, es que estaba Penélope Cruz gritando en la televisión, y la he tirado por la ventana.....la televisión digo. Sigo.

 ¿Por dónde iba?

Ah, sí, la película. El caso es que esperaba con mucha ilusión esta cinta hispano-argentina por varios motivos. El primero era porque como decía, mi vida está profundamente ligada a Cádiz, Gibraltar y Madríd que es donde está rodada al película y son lugares que adoro desde que era un niño. Mi padre nació en La Línea de la Concepción, trabajó durante muchos años en Gibraltar, y emigró hacia Madrid junto a mi madre y hermanos cuando por motivos políticos que ahora no vienen al caso, cerraron la frontera entre España y Gibraltar y 8000 españoles perdieron sus puestos de trabajo.

Pero además de por los motivos personales citados, la cinta tenía todas las posibilidades de éxito pues tocaba desde la comedia temas tan de actualidad como la guerra entre los taxistas y Uber/Cabify, la salida de la Unión Europea del Reino Unido, y contaba con un buen reparto combinado a Dani Rovira, al excelente actor argentino Joaquín Furriel, y a una buena actriz proveniente del cine español independiente, como es Ingrid García Jonsson, a la que veremos con casi toda seguridad en muchos proyectos si es que este Taxi a Gibraltar no acaba de inmediato con su carrera. Todo ello, combinado con un tráiler bastante divertido, no apuntaban al estrepitoso fraude perpetrado en el largometraje.

Un guión incoherente, absurdo, y que provoca vergüenza ajena, alumbran un filme, muy mal rodado por cierto, que parece sacado de los años 70 pero grabado en la actualidad. El "Landismo" en comparación con esto, es puro arte, y delicadeza cinematográfica. Hacía mucho tiempo que no veía una película tan mala, hortera, y con tantas calamidades narrativas. Pero ojo, repito, si esto está realizado a propósito, de lo mala que es, es realmente buena. Y a los ingleses, una cosita: a tomar por Brexit.

Nota: π

Nacionalidad: España, Argentina.
Dirección y guión: Alejo Flah.
Reparto: Dani Rovira, Joaquín Furriel,
Ingrid García Jonsson, Mona Martínez.
Fotografía: Gris Jordana.
Duración: 92 minutos.
Estreno España: 15 de marzo 2019.

Beautiful Boy: los hombres también lloran

Aprendo mucho de mis películas. Aprendo a enfrentar la vida y, al hacerlo, la aprecio aún más. Perdí a mi padre cuando tenía apenas 26 años y, en muchos sentidos, mi padre aún vive en mí a través de mis películas.

-Felix van Groeningen.

La historia: Tras su separación matrimonial, David (Steve Carell), se hace cargo de la custodia del pequeño Nic (Timothée Chalamet), con el que establece unos vínculos afectivos que cambiaran para siempre su visión del mundo. Sin embargo, y una vez que Nic entra en la adolescencia, comienzan sus coqueteos con las drogas lo que desemboca en una fuerte adicción a las mismas poniendo en peligro su propia vida.  

La crítica: Escribía Susana Quadrado en el diario barcelonés La Vanguardia que: "Llorar es un verbo liberador. No nos hace más débiles sino más humanos. Fue lo primero que hicimos al nacer. Es una habilidad innata. Siendo tan natural, es inconcebible que llorar en público, cuando toca, no esté bien visto. Seguro que todos lloraríamos más a menudo. No importa hombre o mujer: si algo nos iguala son las emociones". 

Yo, como Felix van Groeningen, también perdí a mi padre siendo relativamente joven, y siempre recordaré que fue precisamente mi padre el que me transmitió su amor al cine desde que yo era un niño. Cine y críticas marcianas forma parte de ese legado, y comprendo perfectamente al cineasta belga cuando dice que en sus películas vive aún su padre. También comparto con Susana Quadrado cuando escribe que llorar es un verbo liberador. Y es que tanto en el personaje de Nic, como en el de su padre David, vemos como los lazos afectivos se refuerzan a través del llanto, las emociones o los abrazos desde que somos bien pequeñitos. 

Cierto es que nacemos llorando, y nos despedimos de nuestros seres queridos también llorando. Pero sin duda, las mejores lágrimas son las de la emoción, las del amor y por encima de todas, las lágrimas en positivo que sacan a nuestras endorfinas a pasear en los mejores momentos de nuestra vida. 

Pero la tristeza, también cumple su función en la vida como ya escribí junto a Mane Lander (psicoanalista y escritor) en la reseña de Inside Out.  La tristeza es un instrumento reparador que, en muchas ocasiones, actúa como una especie de "alarma de auxilio" que puede ser atendida por aquellos que nos aman o a quienes les importamos. Estar triste es un estado emocional necesario en ocasiones, y rechazarlo es rechazar a una parte vital de nosotros mismos. Nada es para siempre, ni la alegría, ni la tristeza porque los humanos somos un acumulado de emociones que se encienden para transmitirnos un mensaje importante que necesita ser atendido; muchas veces estar triste nos acerca a varios tipos de consuelo, nos enseña a vivir la soledad, a aceptar los cambios, a soltar, a dejar ir, a vivir el duelo de la pérdida, cosas que se viven sin importar la edad.

Beautiful Boy es básicamente un compendio de emociones que si bien cinematográficamente puede resultar demasiado densa, o incluso lenta por momentos, tiene entre sus virtudes describir con una enorme sensibilidad el inmenso amor de un padre hacia su hijo.

Hablamos con esta cinta de un pequeño y delicado tratado del significado de la paternidad en los momentos malos, y en los momentos buenos. 

Un vínculo indisoluble que yo mismo pude comprender cuando sostuve por primera vez a mi pequeña María entre mis brazos. 

Con unas interpretaciones muy trabajadas tanto de Steve Carell como de Timothée Chalamet, la película está basada en acontecimientos reales y recoge con moderado acierto las memorias que hijo y padre escribieron por separado llamadas: "Mi hijo precioso: el viaje de un padre a través de la adicción de su hijo" escrito por David Sheff y el de su hijo Nic Sheff, titulado "Tweak: Growing Up On Methamphetamines".

En un detalle cinematográfico de alto calado, Felix van Groeningen fusiona los dos libros en una sola película recurriendo a intermitentes flashbacks pero sin apoyarse en más elipsis narrativas que hubieran dado mayor fluidez a la narración.

La brillante música está sustentada en canciones de Nirvana, Sigur Rós, David Bowie, Neil Young, Tim Buckley o la misma Beautiful Boy (Darling Boy) de John Lennon y son a veces usadas como metáforas del poder de las drogas. Por otra parte, cabe señalar una excelente dirección de arte buscando la cotidianidad de los típicos hogares estadounidenses para los momentos más íntimos, y por otro lado, en los momentos públicos, se utilizan un buen número de recreaciones de las típicas cafeterías americanas que nos indican las coordenadas geográficas del filme.

Beautiful Boy quizás no sea una gran película, pero si es una gran historia.

Felix van Groeningen en su primera incursión en una película en lengua inglesa, demuestra que el cine además de un entretenimiento más o menos acertado, es también una forma de rescate emocional. 

Dedicado a Rafael y a María Pina.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección: Felix van Groeningen.

Guión: Felix van Groeningen, Luke Davis,

(Memorias de David y Nic Sheff).

Reparto: Steve Carell, Timothée Chalamet, 

Maura Tierney, Amy Ryan.

Fotografía: Ruben Impens.

Duración: 111 minutos.

Estreno EE UU: 12/10/2018.

Estreno España: 15 de marzo de 2019.

The Mule: Clint Eastwood vuelve a su mejor cine tras sus últimos tropiezos

Una retirada a tiempo es una victoria. -Napoleón Bonaparte.

La historia: Earl Stone (Clint Eastwood) es un octogenario que disfruta de de su retiro profesional dedicándose al mundo de la horticultura. Separado de su familia desde hace unos años, ahora las flores son su vida, y su vida es para las flores. Pero todo cambia cuando recibe una notificación de embargo y su economía se desmorona. Es entonces, y casualmente, cuando entra en contacto con el Cartel de Sinaloa, que le propone que sea una de sus "mulas" trasportando en su vieja furgoneta fardos de cocaína por el interior de los Estados Unidos. Lo que casi comienza como un juego, le transforma en la mejor "mula" por lo inaudito de su edad y por su habilidad al volante. A partir de entonces, y dada la cantidad de droga transportada, las autoridades se alertan y se cruza en su camino el agente de la DEA Colin Bates (Bradley Cooper) en lo que se convertirá en el clásico juego del ratón y el gato.

La crítica: Siempre he pensado que en una carrera artística del nivel demostrado por el maestro Eastwood, la retirada debería producirse con una gran película que pusiera un broche de oro a su dilatada carrera en el mundo del cine. The Mule sería la retirada perfecta tras su irregular última etapa en la que perpetró, por ejemplo, la irreconocible y muy flojita producción 15:17 tren a París. Pero conociendo su carácter, está claro que será él, y solo él, quién decidirá su retirada. En cualquier caso, nos encontramos, en mi opinión, con en el mejor narrador cinematográfico estadounidense de la cinematografía contemporánea.

La cinta está basada en la historia real de Leo Sharp, un veterano de la Segunda Guerra Mundial que, a sus más de 80 años, se convirtió en narcotraficante y mensajero del Cartel de Sinaloa. El encargado de adaptar el estupendo libreto es Nick Schenk. También cabe decir, que hacía 10 años que Clint Eastwood no se hacia cargo de actuar y dirigir a la vez cosa que sucedió por última vez en su magistral Gran Torino.

Y es que The Mule casi podría considerarse una segunda parte de la citada cinta pero humanizando más al personaje desde las primeras tomas. En The Mule, vuelve a incidir con un cierto tono de humor sarcástico en su propio carácter político conservador. Para ello, hace cierta auto-crítica hacia ciertas expresiones racistas, vuelve a hablarnos de la redención en cuanto a los lazos familiares mal gestionados, e incluso se permite la gamberrada políticamente incorrecta de montarse un trío con dos prostitutas en una orgiástica fiesta en la casa de un narco mexicano.

En el reparto, además del viejo maestro Eastwood que está sensacional, nos encontramos a su amigo personal Bradley Cooper en el que tiene depositadas sus esperanzas en que el viejo cine tradicional de narrativa e historias americanas no se pierda. Con su Ha nacido una estrella su joven "discípulo", comienza también su camino conjunto en la interpretación y en la dirección y esperemos que le vaya también como le fue al "jefe" a lo largo de su carrera. Que gustazo poder ver juntos a los dos en la gran pantalla, y sin duda el mensaje es de relevo generacional cuando el maestro decida su despedida.

Por el momento, The Mule es un feliz, muy feliz reencuentro con ese Clint Eastwood que nos puso un nudo en la garganta en ese inigualable final de Los Puentes de Madison, con aquella propuesta que nos hablaba de la vejez en positivo con sus Spaces Cowboys, o con ese final redentorista que nos dejó en Gran Torino y que vuelve a repetir con fuerza y acierto en la por ahora, su última gran película.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección: Clint Eastwood.
Reparto: Clint Eastwood, Bradley Cooper,
Dianne Weist, Taissa Farmiga, M. Peña.
Guión: Nick Schenk (Ártículo Sam Dolnick).
Música: Arturo Sandoval.
Fotografía: Yves Bélanger.
Duración: 116 minutos.
Estreno EE UU: 14/12/2018.
Estreno México: 26/01/2019.
Estreno España: 08/03/2019.

¡Qué maravilloso es el cine! Un lugar en el sol (A Place in the Sun)

Te quiero. Te quiero desde el primer momento en que te vi. Te quise incluso antes de verte por primera vez. - George Eastman (Montgomery Clift), en A Place in the Sun (1951).

El 17 de diciembre de 1925 el escritor estadounidense Theodore Dreiser publicaba la novela Una tragedia americana, basada en los truculentos hechos acaecidos en el verano de 1906 en un centro vacacional del estado de Nueva York. El libro está considerado por la revista Time como una de las 100 mejores novelas escritas en inglés desde aquel entonces. Después vendrían diversas adaptaciones tanto teatrales como cinematográficas, hasta que en el año 1951 el cineasta George Stevens (Gigante, El diario de Ana Frank) y Paramount Pictures, se unieron para llevarla al cine en uno de los mejores melodramas de la década de los 50 del siglo pasado.

La producción fue galardonada con seis Oscars de la Academia que fueron para el director, guión, fotografía, música, montaje y vestuario.

La historia nos cuenta la vida de George Eastman (Montgomery Clift), que es un joven desempleado y de orígenes muy humildes que entra en contacto con su tío Charles Eastman (Herbert Heyes), que es un poderoso empresario que la da la oportunidad de trabajar en su fábrica principal. Una vez que consigue adaptarse a su nueva vida, George, comienza un romance con su humilde compañera de trabajo Alice (Shelly Winters), a la que deja embarazada de un hijo no deseado. Pero en el transcurso de esta complicada situación, el joven conoce a una deslumbrante muchacha de la alta sociedad estadounidense llamada Ángela Vickens (Elizabeth Taylor), de la que queda completamente enamorado. A partir de ese momento, tendrá que enfrentarse al dilema moral de elegir entre su primer amor u ocupar un lugar en el sol junto a la chica de sus sueños.

La estructura de la filmación está divida en tres actos que coinciden de una manera bastante lógica con la clásica presentación de personajes, el posterior nudo dramático de la historia y un desenlace bien justificado por un buen libreto que se ajusta a lo que el novelista quiso transmitir con la historia propuesta. Aunque esto parezca una obviedad, en el cine de actualidad las estructuras narrativas en demasiadas ocasiones han dejado de existir o caen en picado de mitad de producción en adelante. Es por eso que George Stevens, da una lección de cinematografía clásica de un manera sencilla y eficaz.

La cinta se podría encuadrar en el buen melodrama americano que se aparta del mero producto lacrimógeno, para apoyarse en el cine negro tradicional que acentúa la atmósfera opresiva conseguida en la filmación. Todo ello es amplificado, que no opacado, por una excelente música de Frantz Waxman al servicio de la narrativa.

La producción cuenta con secuencias para el recuerdo como la que vemos en la imagen superior y en la que fácilmente comprobamos el porqué del Oscar al mejor diseño de vestuario. De hecho, este vestido usado por la estrella estadounidense, causó furor en la población femenina americana haciéndose miles de réplicas que se agotaban en minutos. El fin de la Segunda Guerra Mundial también predisponía a la sociedad americana (Hollywood incluido), a evadirse con las estrellas de cine y a buscar su reflejo en la moda, las revistas o en las mismas películas.

En esta mítica secuencia, encontramos al personaje de George Eastman jugando al billar en solitario mientras es admirado por la joven Ángela Vickens. De alguna manera, Woody Allen rindió tributo a esta escena en su Match point, tratando de emular la misma tensión sexual que implicaba el encuentro de Scarlett Johansson y Jonathan Rhys-Meyers. Si en Un lugar en el sol era la mesa de billar la que se interponía entre sus protoganistas, en Match Point se lograba el mismo efecto narrativo a través de una mesa de ping-pong. De hecho, la cinta del año 2005 del director de Manhattan, bebe de la misma fuente que Un lugar en el sol, y se centra en el ascenso en la posición social del protagonista masculino.

Montgomery Clift se acercaba en el momento del rodaje a la treintena y se encontraba en un momento muy dulce en su profesión. Era un actor con gran atractivo, y que transmitía con su triste mirada, una humanidad que le llevó a gozar de los mejores papeles que la industria de Hollywood le brindó hasta su temprana muerte a los 45 años. El primer plano de su rostro en la secuencia final de la película reseñada hoy, demuestra que hay expresiones que son innatas y que no se pueden aprender en ninguna escuela de cine. Sin embargo, a Elizabeth Taylor este papel le llegó cuando contaba con solo 17 años y era una actriz en formación. Pero lejos de amilanarse ante la estrella masculina, la presencia de la bellísima actriz cobró fuerza gracias a la dirección de George Stevens, que la otorgó la confianza suficiente para que en su primer papel importante brillara con luz propia. Por otro lado y para completar el reparto, nos encontramos con una excelente actuación de Shelly Winters que consiguió con una nominación al Oscar que sus compañeros no lograron.

A Place in the Sun es principalmente la representación de un contraste entre dos mundos opuestos y representados en la escala social que ocupa cada personaje.

En el fondo de la historia apreciamos la clásica lucha de clases entre las élites empresariales y el mundo obrero que lógicamente también existía en los Estados Unidos. Pero la película también nos habla del amor y en este caso en dos tiempos o en dos romances paralelos. La historia es cadenciosa en su presentación con besos en el cine, besos en el coche o besos en el porche de dos humildes almas perdidas que se encuentran casi sin querer. Un romance clásico que es interrumpido cuando nuestro protagonista masculino es cegado por el sol en una evolución del personaje realmente sorprendente y que busca la reflexión en torno al egoísmo, la irresponsabilidad o la redención. De alguna manera, la historia gira en torno al sentido de la propiedad que algunas personas ejercen sobre otras.

En otros momentos y de manera más solapada, la historia introduce un tema tan complejo como es el aborto que casi 70 años después sigue generando debate en un bucle aún sin resolver. Es por ello y por alguna cosa más, que dejo ya en manos de quien no hay visionado este clásico las valoraciones y dilemas morales que se plantean en la narrativa expuesta. Solo añadir una pequeña reflexión final puesta en los labios de Elizabeth Taylor que pronuncia una frase mítica en la historia del cine: "hemos pasado la mayor parte de nuestro tiempo diciéndonos adiós". Y así, de una manera circular, es como volvemos a la cita inicial en la que Montgomery Clift decía: "Te quiero. Te quiero desde el primer momento en que te vi. Te quise incluso antes de verte por primera vez".

Capitana Marvel: #MujerTeníaQueSer

Un feminista es cualquiera que reconozca la igualdad y plena humanidad entre hombres y mujeres.
-Gloria Steinem.

-Mujer al volante peligro constante.

-Eres muy lista para ser mujer.

-Se te va a pasar el arroz.

-Eso es porque tienes la regla.

-Qué habrá hecho para conseguir ese puesto.

-¿Cómo ibas vestida cuando te trataron de violar?

-¿Piensa usted quedarse embarazada en los próximos meses? (entrevista de trabajo).

-En casa estarías mejor.

-Calladita estás más guapa.

-¡Mujer tenía que ser!

Este maldito decálogo de frases machistas, cavernícolas y degradantes las vengo escuchando desde que era un niño. Pero la última de ellas resume todo el pensamiento ultraconservador en una sola frase. Es por ello, entre otras razones, por lo que Cine y críticas marcianas se suma a la huelga feminista convocada en España el próximo día 8 de marzo coincidiendo con el Día Internacional de la Mujer.

Lógicamente al ser este un espacio de cine, la aportación será desde lo puramente cinéfilo y dando por primer vez en este sitio cobertura al cine de superhéroes, o mejor dicho al cine de superheroínas.

Con el hashtag #MujerTeníaQueSer, Disney y Marvel quieren dar la vuelta a la frase y han creado varias piezas audiovisuales que ha compartido en sus redes sociales y en las que las deportistas españolas de la imagen de cabecera, demuestran lo que llegan a hacer para llegar “Más Alto, Más lejos y Más Rápido”, como Carol Danvers, protagonista de Capitana Marvel.

Para celebrar este estreno, cinco mujeres españolas que han hecho historia en el mundo del deporte, se han unido en una campaña única para visibilizar el deporte femenino. Natalia Gaitán (Segunda Capitana del Valencia CF), María Lopez (Capitana de la Selección de Hockey Hierba), Patricia García (Campeona de Europa de Rugby XV y Seven), Sandra Sánchez (Campeona del mundo de Karate) y Joana Pastrana (Campeona del Mundo de Boxeo) han sido las elegidas para protagonizar la campaña que acompaña este estreno.

Cine y deporte unidos, mujeres y hombres unidos demos la bienvenida a Capitana Marvel que es la primera película de Marvel protagonizada por una mujer. La película ha sido calificada como ESPECIALMENTE RECOMENDADA PARA EL FOMENTO DE LA IGUALDAD DE GÉNERO.

Lógicamente me abstendré de realizar la crítica pues después de esta publicación no podría ser mínimamente objetivo con la producción. En cualquier caso, y a pesar de mi alergia al cine superheróico, después de muchos años, volveré a una sala de cine para ver una película de este género tan popular hoy en día.

Por último, agradecer a Laura San Miguel de Walt Disney España la feliz iniciativa que me ha hecho llegar y que difundo con mucho gusto en Cine y críticas marcianas y en las redes sociales que acompañan al blog marciano.

Capitana Marvel se estrena en los cines de España el 8 de marzo de 2019, y su sinopsis oficial dice que se trata de una película ambientada en la década de 1990 y nos cuenta la historia de Carol Danvers cuando se convierte en uno de los héroes más poderosos del universo. Una guerra galáctica entre dos razas alienígenas llega a la Tierra y Danvers y un pequeño grupo de aliados se ven atrapados en plena vorágine.

Brie Larson es la actriz protagonista de Capitana Marvel.

P.D. Tras los vergonzosos, surrealistas y machistas comentarios que se están produciendo en redes sociales a los pocos minutos de compartir la publicación (no aquí donde el respeto impera por parte de todos los compañeros), me veo obligado de manera no menos surrealista a aclarar el concepto de feminismo. 

Según la Real Academia de la Lengua FEMINISMO es el principio de igualdad de derechos de la mujer y el hombre. 

Por lo tanto ser feminista no es cuestión de sexos, de orientación política o religiosa. Es lo NORMAL, COHERENTE Y JUSTO.

El 8 DE MARZO ES NECESARIO, Y MÁS QUE NUNCA.

Quedan cerrados los comentarios. 

Y el póster del gato es genial :-), sea macho o hembra. 

Larga vida y prosperidad (Please Stand By): enternecedora road movie sentimental

Nací con una enorme necesidad de afecto, y una terrible necesidad de darlo. -Audrey Hepburn.

La historia: Wendy (Dakota Fanning) es una joven autista que convive junto a otros compañeros en un centro especializado para este trastorno. Allí, y con la ayuda de la doctora Scottie (Toni Collete), está haciendo grandes progresos e incluso ha conseguido un empleo en una cafetería. Pero su deseo pasa por recuperar una vida completamente normal y poder regresar a casa de su hermana Audrey (Alice Eve). Wendy también es una excelente escritora, y ha decido presentarse a un concurso de guiones para un nuevo film de Star Trek que ha organizado Paramount Pictures. El problema surge cuando el plazo para entregar su texto está a punto de expirar, por lo que decide escaparse del centro, y dirigirse sola hacía Los Ángeles a entregar su guión en mano. Será un viaje iniciático en el que descubrirá todas las vertientes de la condición humana. 

La crítica: Tras su estreno en los Estados Unidos e Hispanoamérica durante el año 2018, este 1 de marzo llega a los cines españoles esta pequeña joya del cine independiente americano con la que el cineasta australiano Ben Lewin (The Sessions), se adentra en el complicado mundo del autismo a través de una película profundamente humanista.  

Una vez más se vuelven a cambiar y a inventar los títulos en las traducciones cinematográficas al castellano. En esta ocasión, en Iberoamérica se ha optado por 'Un nuevo camino', y en España por este 'Larga vida y prosperidad' que viene a colación (al menos) por una frase que se cita textualmente en la película. De hecho, los amantes de la saga 'Star Trek', ya la habrán reconocido como el saludo que utilizaba el señor Spock en dicha saga. Aunque sigo considerando aberrante este cambio en las traducciones cinematográficas, sirva como excepción a la regla que en esta ocasión el título elegido en España es más acertado que el original.

Y es que el personaje de Wendy encuentra en Spock su inspiración para desarrollarse como escritora sintiéndose identificada con un personaje que recordemos era conocido por suprimir las emociones, y tratar de basar todo en la lógica y en el orden. De esta manera es como la joven se desenvuelve en sus rutinas diarias. Su lucha consiste en tratar de compatibilizar su autismo con el intento de integrase socialmente con los demás miembros de su comunidad. Cabe recordar que en el autismo existe alguna diferencia de género. Si bien ambos sexos tienen problemas para conectarse con los demás, en las niñas, y en las mujeres, este problema aumenta exponencialmente ya que ellas necesitan el contacto social con más intensidad que los chicos. De hecho, la historia de Wendy está basada en un artículo del New York Times sobre chicas jóvenes que asistían a un campamento de verano, y en el que se observaban estos deseos por establecer mayor comunicación a nivel social. 

Volviendo a lo puramente cinematográfico, Please stand by se convierte en una estupenda road movie sentimental en la que acompañamos a Wendy en un viaje desde el centro ocupacional en el que reside hasta la ciudad de Los Ángeles. La escapada, siempre acompañada de su pequeño perrito, es a veces surrealista, a veces estrambótica, pero siempre está regida por los patrones del cine independiente que en esta ocasión son además dulcemente enternecedores. 

El personaje principal está interpretado con una dulzura infinita por Dakota Fanning. Cabe recordar que la mayor de las Fanning fue considerada una niña prodigio de la actuación y con solo 7 años obtuvo el Premio de la Crítica Radiofónica y la nominación del Sindicato de Actores por su papel en 'Yo soy Sam' junto a Sean Penn. Pero quizás el papel más recordado de su tierna infancia, fue el protagonizado junto a Denzel Whasington en 'El fuego de la venganza'. Muchos éxitos más le fueron llegando, y ahora a sus 25 años ha decido centrarse en el cine independiente y por lo visto en el film reseñado hoy, Dakota acierta, y asombra en su transformación en el papel de Wendy. 

Dakota siempre supo posar

También hay que destacar en la película a otras dos interpretes femeninas pues la historia además de utilizar como hilo argumental el autismo, destaca por sumergirse en el universo femenino a través de los lazos afectivos. La hermana de Wendy es interpretada con calidez por Alice Eve que casualmente alcanzó cierta popularidad tras su incursión en la saga Star Trek. Su personaje vive con la contradicción de querer convivir con su querida hermana tras la muerte de la madre de ambas, pero su reciente embarazo, y parto, más los fuertes cambios de humor de Wendy, hacen por el momento imposible la convivencia. Curiosamente este personaje se llama Audrey y tanto ella, como su hermana, parece que comparten la frase que pronunció otra Audrey y con la que he abierto la crítica: Nací con una enorme necesidad de afecto, y una terrible necesidad de darlo.

El otro personaje femenino importante en la historia es el bien interpretado por Toni Collete (Hereditary), y que corresponde a la doctora Scottie que ejerce el papel de madre, médica, y apoyo emocional para que Wendy pueda progresar y llevar una vida lo más independiente posible. 

En definitiva, Larga vida y prosperidad, es tan dulce como los pasteles que hornea y vende Wendy en la pastelería en la que es contratada antes de emprender su huida. Pero la historia no se queda en la cubierta del pastel. El cineasta trata de indagar en cómo piensan, en cómo son, y en cómo tratan de expresar sus afectos las personas con el Síndrome de Asperger o aquellos relacionados con el autismo. Mi conclusión final es que es una cinta muy atractiva en su desenvolvimiento cinematográfico, y a pesar de faltarle algún punto de credibilidad, me parece una opción perfecta para ser exhibida en cualquier centro escolar del planeta como medio de concienciación social. En cualquier caso, como película que reivindica los mejores valores del cine independiente, la experiencia ha sido fantástica.  

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección: Ben Lewin.

Reparto: Dakota Fanning, Alice Eve,

Toni Collete, River Alexandre.

Guión: Michael Golamco.

Música: Heitor Pereira.

Fotografía: Geoffrey Simpson.

Duración: 93 minutos.

Estreno EE UU: 26/01/2018.

Estreno España: 1 de Marzo de 2019.

Oscars 2019: Green Book y Roma triunfadoras de la gala en una elección salomónica

“Quiero agradecer a la Academia que haya premiado una película sobre una de las 70 millones de empleadas domésticas en el mundo sin derechos laborales, un personaje históricamente relegado en la historia del cine” -Alfonso Cuarón.

Tres Oscars para Green Book, y otros tres para Roma convierten a ambas películas en las triunfadoras en las categorías más importantes de los Premios de la Academia.

El 16 de mayo de 1929 en el Hotel Roosevelt de Los Ángeles se entregaron los primeros Premios Oscar de la Academia, dedicados al mundo del cine en 12 categorías diferentes, que hoy en día se ha duplicado hasta las 24. Por lo tanto, nos encontramos ante el 91 aniversario de los galardones cinematográficos más importantes del planeta, a pesar de sus reiteradas injusticias y polémicas que van de la mano de cualquier galardón con carácter general.

Aunque esta información se puede consultar en cualquier medio de comunicación para aquellos que no hayan visto la gala en directo, supongo que Cine y críticas marcianas no podía faltar en este día de análisis, decepciones y alegrías aportando los enlaces de algunas de las películas premiadas.

En cualquier caso, la fiesta del cine es una ceremonia bonita cuya finalidad principal es promocionar el cine a través de sus nominaciones y premios, pero no otorgan a los académicos la razón universal en la cuestión cinematográfica. Por eso sugiero que estos galardones se tomen con cierta distancia y sobre todo que no causen disgustos entre los aficionados más radicales al cine al no ver premiadas sus películas o actores preferidos. Esto no es un partido de fútbol, ni debe haber bandos. Como decía el ensayista Elbert Hubbard:

-"No se tome la vida demasiado en serio; nunca saldrá vivo de ella".

Sin más que añadir, pasemos a repasar los premiados en sus categorías más importantes.

En azul se muestran los enlaces a las críticas correspondientes que se han realizado en Cine y críticas marcianas.

Mejor Película: Green Book

"Cuando el cine es maravilloso". Así es como titulaba yo la crítica de la película de Peter Farrely que ha sido la sorpresa de la noche al imponerse en la máxima categoría a la Roma de Alfonso Cuarón. Mi opinión sobre la misma podría resumirse en el siguiente extracto: "Green Book tiene todas las cualidades con las que podríamos definir a una gran película. En primer lugar, cuenta con una excelente presentación que en menos de cinco de minutos, logra convencernos de que vamos a presenciar una obra muy cuidada en los detalles. Su puesta en escena es un verdadero regalo cinéfilo. En segundo lugar, cuenta con desarrollo argumental lúcido, entretenido y coherente, en el que se van planteando una serie de cuestiones vitales, raciales, políticas o sentimentales, que van encontrando respuesta en los momentos subsiguientes. Y en tercer y último lugar, una resolución muy cálida en lo personal, colocando la amistad como pilar fundamental en las relaciones humanas de una manera muy emotiva. De esta manera, con una narración cinematográfica clásica, y bien estructurada, es cuando el cine me parece maravilloso".

Mejor Director: Alfonso Cuarón por Roma

"El universo mágico de Cuarón y la magia sentimental del buen cine". Así titulé yo una película que me pareció desde la sencillez una obra maestra no solo del cine, sino de la cultura contemporánea. Rescato este extracto de mi crítica: "El ser humano no compra cosas, compra experiencias. El ser humano anhela ante todo sentir, y busca en las otras personas, en sus aficiones o en el arte, cosas o sensaciones que le hagan sentir, llorar, amar, rabiar, gozar, o si hablamos estrictamente en términos cinematográficos, deleitarse ante la potencia deslumbrante de una película, que como es el caso de Roma, desde la sencillez e incluso desde el minimalismo narrativo, consigue convertir una historia muy personal e íntima en una gran fábula universal sobre los valores humanos".

Mejor Película en Habla no Inglesa: Roma

Aquí no hubo lugar para la sorpresa, y Roma se impuso a la película polaca Cold War que no obstante tuvo posibilidades para disputarle la victoria a la cinta mexicana de Alfonso Cuarón.

Mejor Pelicula de Animación: Spider-Man: un nuevo universo, de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothma.

Mejor Película Documental: Free Solo, de Jimmy Chin y Elizabeth Chai Vasarhelyi.

Mejor Actriz Principal: Olivia Colman por La Favorita.

La favorita se salda como la gran perdedora de la noche al obtener solo un Oscar, y ser derrotada en las otras 9 categorías en la que fue seleccionada. Aunque no soy especialmente amigo de esta cinta británica el castigo me parece a todas luces excesivo sobre todo en sus categorías técnicas y en el segundo Oscar que debió recibir Emma Stone por su importante papel en la película. Respecto al reparto comenté lo siguiente en la crítica correspondiente: "En lo concerniente al reparto, cabe destacar a las tres actrices protagonistas que se encuentran en su mejor momento artístico. Olivia Colman (la reina) y Rachel Weisz (la duquesa), están intachables en los papeles asignados, pero el brillo de Emma Stone (la sirvienta) lo absorbe todo en la producción". Como decía en la entradilla de la publicación, los premios son injustos por definición, y aquí Glenn Close por octava vez en su carrera se quedó sin su ansiado Oscar por su papel en 'La buena esposa' en una injusticia habitual con la citada actriz. En cualquier caso felicidades para Olivia Colman.

Mejor Actor: Rami Malek, por Bohemian Rhapsody.

La broma de la noche y el despropósito llegó al premiar a una imitación que no confundir con una interpretación. Rami Malik por su transmutación en Fredy Mercury se impuso a Christian Bale, Viggo Mortessen, Bradley Cooper o al maestro William Dafoe. Sin comentarios.

Mejor Actriz de Reparto: Regina King, por El blues de Beale Street.

Buena actriz, pero en mi opinión por debajo de las actuaciones de Marina de Tavira en Roma, Enma Stone en La favorita, o Amy Adams en El vicio del poder.

Mejor Actor de Reparto: Mahershala Ali, por Green Book

Segundo y merecido Oscar para el actor afroamericano del que comenté en mi crítica lo siguiente: "En el reparto nos encontramos con un duelo interpretativo de dos colosos en el cenit de sus carreras. Tanto Mahershala Ali, como Viggo Mortensen, han sido nominados al Oscar 2019 por dos actuaciones contrapuestas, enfrentadas, pero de un nivel superior a la media".

Mejor guión original: Green Book escrita por Nick Vallelonga, Brian Currie y Peter Farrelly.

Mejor Guión Adaptado: Infiltrado en el KKKlan (Charlie Wachtel, David Rabinowitz, Kevin Willmott y Spike Lee).

Mejor Director de Fotografía: Alfonso Cuarón por Roma

El resto de premios técnicos se los repartieron entre Black Phanter, Bohemian Rhapsody, y El vicio del poder.

Pueden consultar todos los premiados en el siguiente enlace del periódico El País.

Y ahora vamos con lo "verdaderamente importante" de la noche que es el ranking marciano con los diez vestidos ganadores de la alfombra roja de los Oscars :-). Y es que las pobres actrices han estado dos meses (al menos), comiendo lechuga, y matándose en el gimnasio (ahora le dicen gym), para intentar meterse en los vestidos que les prepararon los modistos y modistas. Y además con tacones. Lo mejor para ellas es cuando llegaron a casa, se pusieron el pijama, y volvieron a ser personas de carne y hueso sin tacones, sin vestidos, y con mucha hambre.

Charlize Theron, Premio Marciano al mejor vestido (Dior Alta Costura).

Emma Stone con un vestido marciano de Louis Vuitton.

Amy Adams contenta y feliz con su vestido de Atelier Versace

Jennifer López que parecía enfadada con la vida, lucía un vestido de Tom Ford

Genial y simpática Yalitza Aparicio vestida de Rodarte.

Glenn Close con su Carolina Herrera

Awkwafina se lleva el Premio marciano al peor vestuario de Dsquared2

Regina King con el precioso vestido blanco de Oscar de la Renta

Lady Gaga con guantes y escote estilo Gilda con un diseño de Alexander McQueen (el collar es de Tiffany & Co y de 128 quilates, con un diamante amarillo y el cual fue usado por última vez por Audrey Hepburn para una sesión de fotos promocional de la película Breakfast at Tiffany’s en 1961. El coste estimado de la joya es de 30 millones de dólares, así que espero que lo entregue en buen estado para que no tenga que desayunar en la cárcel).

Y el circo final lo montó Billy Porter con el incalificable vestuario de Christian Siriano

Y para finalizar, os dejo con la canción vencedora de la 91 edición de los Oscars que fue para Shallow de Lady Gaga y Bradley Cooper y que confirmo mi pronostico efectuado el 9 de octubre de 2018 en mi crítica de Ha nacido una estrella en la que comentaba: "Espero que 'Shalow' reciba el Oscar de la Academia y pueda ser interpretado en directo por sus protagonistas. Disfruten de 'Shalow' y esperen a la noche de los Oscars para confirmar este pronóstico".

Destroyer: Nicole Kidman, el cine negro y la redención

Quizás el sufrimiento y el amor tienen una capacidad de redención que los hombres han olvidado o, al menos, han descuidado.
-Martin Luther King.

La historia: Erin (Nicole Kidman), es una detective policial que trabaja en el departamento de homicidios de Los Ángeles, y que está marcada por un siniestro pasado. Además de su actividad profesional, debe lidiar con su hija adolescente y con el conflictivo novio de esta última. Pero como todo es posible de empeorar, y más en el cine, reaparece en en este "idílico" panorama, el lider de una banda criminal con el que tuvo una tormentosa relación en el pasado.

La crítica: Creo que es la primera vez que voy a comenzar una crítica cinematográfica haciendo referencia al reparto y centrándome específicamente en la actuación de Nicole Kidman que arrasa, apabulla y brilla en la gran pantalla. Su interpretación es absolutamente colosal en un cambio de registro con el que demuestra la excelencia en la composición artística. No sé como hubiera sido Destroyer sin ella, pero lo que si puedo afirmar es que la película, la historia y la narrativa, no tendrían sentido sin ella. En mi opinión, es la mejor actuación de su carrera artística y no son pocas la veces que ya ha brillado con luz propia. En lo personal, siempre he pensado que una actriz o un actor no pueden salvar a una mala película o a un mal argumento, y de hecho lo sigo pensando. Por ello, quiero poner en valor la actuación de Kidman, aunque además nos encontramos ante un impactante thriller de buen cine negro americano.

Destroyer es la quinta película de la cineasta estadounidense Karyn Kusama que tras su paso por la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York, alcanzó cierta popularidad con su peculiar largometraje Jennifer's Body, que además supuso para Megan Fox el salto definitivo al estrellato mundial. Bueno claro, si entendemos por estrellato las "cosas" cinematográficas que perpetra la citada actriz. Pero volviendo a la directora de la película reseñada hoy, y apoyada en un buen libreto de Phil Hay y Matt Manfredi, se puede concluir que da el salto de calidad definitivo y comienza a jugar en la liga de los grandes realizadores estadounidenses (con realizadores incluyo a todos los géneros, géneras, y géneres, incluidos marcianos, marcianas, y marcianes).

La cinta se desarrolla de una manera inteligente en dos tiempos narrativos en el que predomina la acción situada en el presente, pero retrocediendo mediante logrados e intermitentes flashbacks hacia la juventud de nuestra protagonista. De esta manera, vamos desmadejando los oscuros e inconfesables secretos que esconde y que la han convertido en una mujer presa de sus errores, pero dispuesta a resolver de una vez por todas las cuentas con su pasado. Así es como vemos una evolución en su personaje, que transita de una cierta fragilidad hasta llegar a convertirse en una verdadera "tipa dura" que hubiera firmado el mismo Clint Eastwood.

En Destroyer, Karyn Kusama trata y logra dibujar a la perfección la figura del anti héroe -en este caso anti heroína-, que tan buenos resultados a otorgado a la cinematografía y a la literatura estadounidense.

Nicole Kidman, que por cierto está irreconocible gracias al buen trabajo de caracterización de su personaje, eclipsa por completo a sus compañeros de reparto y solo deja lucir buenas maneras a su rebelde hija adolescente en pantalla. Esta es interpretada con picardía y apuntado alto por la joven actriz californiana Jade Pettyjohn, que a sus 18 años tiene el descaro suficiente para hacerse un hueco en la industria cinematográfica.

El otro "personaje" secundario, pero muy importante en la producción, es la misma ciudad de Los Ángeles que actúa como paisaje urbano de los conflictos de los personajes. Estos, se mueven en los bajos fondos de la ciudad y en ellos vemos a abogados corrompidos por la mafia, ladrones de poca monta, traficantes de armas, y otras angelicales criaturas que reflejan una parte poco conocida de la ciudad californiana. En contraste, cuando viajamos al pasado mediante flashbacks, aparece el desierto de Mojave. Esta localización exterior, con su luz deslumbrante y maravillosamente fotografiada por Julie Kirkwood, actúa como metáfora de una juventud que pudo ser brillante para Erin. Ahora en su madurez, ya solo busca redimirse como modo de expiación personal y profesional a sus pecados.

En definitiva, Destroyer, es un pequeño tratado sobre la redención, muy bien manejado y narrado por Karyn Kusama, que nos habla de una manera eficaz de las miserias del pueblo estadounidense y de como no siempre el sueño americano es posible. Pero por encima del mensaje de fondo que todo cineasta trata de transmitir, la cinta consigue envolvernos con una narrativa moderna, eficaz y vanguardista.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: EE UU.
Dirección: Karyn Kusama.
Reparto: Nicole Kidman, Sebastian Stan,
Jade Pettyjohn, Tatiana Maslany.
Guión: Phil Hay y Matt Manfredi.
Fotografía: Julie Kirkwood.
Música: Theodore Saphiro.
Duración: 123 minutos.
Estreno EE UU: 25/12/2018.
Estreno México: 1/01/2019.
Estreno España: 22 de febrero de 2019.