jueves, 16 de mayo de 2019

De la India a París en un armario de Ikea: un delicioso cuento moderno


“¡Y sin embargo, algunas personas dicen que se aburren! ¡Démosles libros! ¡Démosles fábulas que los estimulen! ¡Démosles cuentos de hadas!”.
 ― Jostein Gaarder

La historia: El joven Aja (Dhanush) sobrevive en la India gracias a su ingenio, pillería, y a sus habilidades para embaucar a sus conciudadanos. Su sueño es viajar hasta Francia para cumplir el sueño de su madre. Una vez en París, y sin blanca, decide pasar la noche en un Ikea donde conocerá a Marie (Erin Moriarty). Pero sus esperanzas amorosas se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado a Inglaterra, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.


La crítica: La película dirigida por el cineasta británico Ken Scott es una preciosista producción francoindia que adapta una novela del escritor galo afincado en España, Romain Puértolas. El libro con el peculiar título de: “El increíble viaje del faquir que quedó atrapado en un armario de Ikea” fue publicada en agosto de 2013 con un gran éxito editorial. 

El cuento, la fábula o una historia inventada con parámetros modernos es una experiencia de la que disfrutan especialmente los niños. Además, esta forma de narrativa es un nexo de unión muy especial entre los padres y sus pequeños cuando estos últimos son los receptores del mensaje, por ejemplo, antes de irse a dormir. A los niños les gustan los cuentos porque refuerzan su imaginación, son una forma de combatir sus temores y los perciben como una forma de cariño de sus familiares.

De la India a París en un armario de Ikea es un cuento moderno que utiliza el personaje de Aja para redimir o hacer ver a tres niños de 12 años que la delincuencia juvenil no es el camino indicado para progresar en la vida. Así es como vemos en la presentación de la cinta como Aja, un hombre ya formado, entra en una comisaria de policía de una cuidad de la India en la que están detenidos estos menores y les cuenta una historia con moraleja incluida. Con ello, intenta que cambien de actitud y los invita a acudir a la escuela en la que él da clases tras haber estado en la misma situación que ellos. La historia se cierra de una manera circular en un adorable detalle cinéfilo de Ken Scott cuando Aja finaliza su fábula en el centro de detención y con ello se da por finalizada también la película. Lo que sucede en el intervalo de estos 100 minutos es la narración fabulada de su propia historia y de un viaje por Europa que cambió su vida para siempre.

La película comienza por lo tanto en Bombay, la India, principalmente en las calles estrechas y pintorescas del distrito marinero de Worli, el barrio de pescadores donde se crió el héroe del film. Allí, Aja cuando es un niño, encuentra un catálogo de Ikea que le fascina por el minimalismo de los muebles en contraposición a la abigarrada decoración de los hogares y locales de su ciudad. Por ello, y cuando ya es un adulto lo primero que hace al llegar a París es visitar un Ikea en el que casualmente conoce a Marie, que es una joven americana, de la que se enamora a primera vista.

Un enredo descomunal es aprovechado por Ken Scott para llevarnos de viaje por el propio París en los que logró captar lugares emblemáticos desde nuevos e inventivos ángulos. Con unas tomas en dron mejoradas por efectos especiales se siguió el vuelo de un pequeño avión de papel desde la Torre Eiffel al cementerio de Père Lachaise. Un guiño a la secuencia de apertura de Forrest Gump y a ese maravilloso recurso de la pluma que cae sobre el pie de Tom Hanks. La película toma el formato de road-movie cómica a continuación y nos lleva a Inglaterra, Libia, al aeropuerto de Barcelona o a la bellísima Roma donde en la Fontana de Trevi, y al célebre borde de piedra de la obra maestra de Nicola Salvi, se produce una escena para el recuerdo. Allí, Aja conversa con una actriz que se encuentra rodando en la capital italiana y con la que entabla una amistad que contendrá las claves para su regreso París.


Encabezando el reparto nos encontramos con el atractivo y cómico actor indio Dhanush que es una estrella emergente en su país y especialmente en el cine Tollywood, (el cine Tamil) y en esa cosa llamada Bollywood que arrasa en la India. En la cinta reseñada hoy, su personaje Aja, interpreta un divertido número musical y es el vehículo que utiliza el cineasta para dar forma a la fábula moral sobre la que gira el argumento principal.

Quizás la parte más floja de la cinta se encuentre tanto en el personaje de Marie (lleno de clichés), como en la propia interpretación de Erin Moriarty que poco ha evolucionado desde aquella infausta cosa llamada Blood Father protagonizada junto a Mel Gibson.

Sin embargo, el personaje de Nelly es notablemente interpretado por la bella actriz franco-argentina Bérénice Bejo (The artist), que se mete en la piel de una personaje que representa a una actriz caprichosa, autoritaria y glamourosa, que recibe una lección de vida por Aja en una preciosa secuencia rodada en la anteriormente citada Fontana de Trevi.


De la India a París en un armario de Ikea es en conclusión un viaje emocional y una fábula moral preciosista que proporciona una dosis de bienestar cinematográfico muy potente. En definitiva, la adaptación al cine de la aclamada novela de Romain Puértolas es un éxito en forma de cuento de hadas universal que será distribuida en más de cuarenta países, entre ellos Italia, España, China, México, Japón, Rusia, EE.UU, Suecia, Israel, Turquía, Australia, Brasil, y en la propia India. Curiosamente en el país asiático disfrutarán por primera vez en todo el territorio nacional de una película principalmente francesa. Un cine, el francés, que está experimentando durante el primer semestre de 2019 una cierta recuperación centrándonse en el cine de animación, en la comedia o en las fábulas universales lo que puede suponer un revulsivo para el deprimido cine galo, y un impulso para el propio cine europeo.

Nota: 8/10.

Título original: The Extraordinary Journey of the Fakir.

Nacionalidad: Francia, India, Bélgica, Singapur.

Dirección: Ken Scott.

Guión: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas).

Reparto: Dhanush,  Bérénice Bejo,
Erin Moriarty, Sarah-Jeanne Labrosse,
Barkhad Abdi, Gérard Jugnot, Abel Jafri.

Música: Nicolas Errèra.

Fotografía: Vicent Mathias.

Estreno Francia: 30/05/2018.

Estreno España: 10/5/2019.


lunes, 13 de mayo de 2019

Iria del Río: "El increíble finde menguante es un viaje sideral realizado con mucho cariño"


Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz Iria del Río que tras su estupenda interpretación en la película El increíble finde menguante es ya una de las actrices revelación del año 2019.

Con un currículum envidiable en el mundo del teatro y de las series, alcanzó la popularidad por sus interpretaciones en: Amar en tiempos revueltos, El ministerio del tiempo, Velvet o Las chicas del cable.

Ahora es el momento de dar el salto definitivo a la gran pantalla de cine con su exitoso primer papel protagonista.

El increible finde menguante es la historia de Alba (Iria del Río) y Pablo (Adam Quintero) que son una pareja de novios treintañeros que deciden pasar un fin de semana junto a sus amigos en una casa aislada en el campo. Tras una discusión con su novio, Alba comienza a experimentar un desfase horario en el que los hechos se vuelven a repetir una y otra vez en un bucle temporal. Aunque al principio no comprende que es lo que está sucediendo, pronto entenderá que en cada repetición de los hechos su día se acorta una hora en una cuenta atrás con un incierto final.

Texto y fotos: Miguel Pina

LA PELÍCULA

Hola Iria, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver El increíble finde menguante?

Se van a encontrar una película diferente, arriesgada y un viaje emocional de bucles temporales que será un aprendizaje vital para los personajes representados.

El título de la película es muy llamativo siendo un juego de palabras con el clásico cinematográfico. ¿Qué significado se le otorga en este caso al término menguante?

El término menguante hay que situarlo en el contexto de los bucles temporales en los que entra la protagonista. Para ella a cada determinada hora, el fin de semana vuelve a empezar. A esto hay que añadirle, y a diferencia de otras películas que se han hecho de viajes en el tiempo, que el bucle es una cuenta atrás para el personaje de Alba. De hecho cada bucle dura una hora menos que el anterior lo que acentúa el concepto de menguante.

¿Cómo llegó el papel hasta tus manos y qué te intereso de él?

En realidad Jon me propuso hacer otro personaje pero una mañana propuso un giro y yo pase a ser la actriz protagonista. Me pareció un reto increíble y acepté. Me puse muy nerviosa pero me lancé al vacío.

¿Cómo definirías a Alba que es papel que has tenido que interpretar?

Alba es una chica que está en un momento de su vida en la que le cuesta tomar decisiones. En cierta manera está acomodada porque vive con sus padres, laboralmente no está en su mejor momento y no acaba de encontrar su lugar en el mundo. Los bucles temporales son como manera de ver como se siente ella interiormente. Durante la película hay un arco emocional en el que el personaje de Alba va entendiendo algunas cosas que sirven para activarla y ponerla en acción.


Continua las siguientes frases Iria...

El increíble finde menguante es: "Un viaje sideral que ha impulsado Jon Mikel Caballero que se presenta en el mundo del largometraje con su primera película. En definitiva, un proyecto realizado con mucho cariño".

El increíble finde menguante ha supuesto para mí: "La primera oportunidad de realizar un protagonista en cine lo que ha significado un aprendizaje muy bonito".

En la película vuelves a coincidir con Nadia de Santiago con la que has coincidido en otros trabajos. ¿Es importante una buena relación de amistad para que esta se transmita en la pantalla? 

Si hay esa amistad como es el caso mio con Nadia de Santiago es como un regalo. Nos conocemos desde hace mucho años y somos muy amigas. Es una actriz maravillosa. En cualquier caso no es imprescindible que hay una relación de amistad entre los compañeros del reparto para que llegue a haber una complicidad; pero cuando hay vínculos emocionales eso ayuda mucho en nuestro desempeño.

De alguna manera el director nos habla de la generación millennial, de la precariedad laboral y de la visión de los más jóvenes ante el mundo. ¿cómo ves la situación de una generación muy preparada academicamente pero con pocas oportunidades laborales?

Creo que esta película muestra rasgos de nuestra generación pero tampoco me gusta generalizar y pensar que somos una generación marcada por el drama laboral. Nos podemos definir por otras muchas cosas. Pienso que tampoco deberíamos acomodarnos en lo que se suele decir de que nuestra generación lo ha tenido muy difícil y habría que tratar de dar la vuelta a las cosas.


CARRERA PROFESIONAL 

¿Por qué decidiste ser actriz y cómo te formaste para ello?

Yo misma me lo pregunto muchas veces y no creas que lo tengo sumamente claro. Es una pregunta difícil de responder. Siempre me ha gustado el cine desde muy niña, el teatro (verlo, hacerlo), y bueno cuando acabé mi carrera universitaria me puse a estudiar interpretación mucho más en serio. Pero lo fundamental es que me gustaba mucho y me divertía con ello. Es maravilloso el proceso creativo, el leer, estudiar, ver, y el enriquecerse con este mundo. Me siento plena como actriz.

Has trabajado en importantes series como Amar en tiempos revueltos, Velvet, o Las chicas del cable en Netflix. Con el papel de Alba en El increíble finde menguante tienes tu primer papel protagonista en el cine. ¿Qué significado tiene para ti verte en la gran pantalla?

Es raro, pues yo normalmente en las series que he realizado soy más consciente de mi interpretación. Sin embargo en la gran pantalla he sentido un arco emocional muy intenso e incluso me olvide de que era yo cuando vi el primer pase de la película en el cine. En definitiva, un flipe, mucha ilusión, un aprendizaje increíble y un gran reto.


¿Tras tu buen trabajo en la película te gustaría enfocar más tu carrera en el mundo del cine?

Yo quiero trabajar principalmente. Pero creo que todos anhelamos hacer cine porque es un medio que nos encanta. También me gusta mucho trabajar en televisión, en teatro, no me cierro a nada. Yo lo que quiero es desarrollarme como actriz.

Por cierto, ¿cuales son tus nuevos proyectos?

Acabo de rodar una serie llamada 'Las del hockey' sobre deporte femenino y se estrenará en Netflix en septiembre.  Sobre cine tengo alguna propuesta pero hasta que no esté cerrado no puedo comentar nada

¿Cuál es la procedencia de tu nombre?

Es gallego, y proviene de Iria Flavia. Tengo familia en Galicia, y aunque yo nací en Barcelona tengo la familia divida entre las dos tierras.


TEST PERSONAL

¿Cuál es tu película preferida de todos los tiempos?

El apartamento de Billy Wilder y American Beauty de Sam Mendes.

¿Cuál es tu película española preferida?

El sur de Víctor Erice.

Tu director de cine favorito en la actualidad.

Carla Simón, Alberto Rodriguez...serían muchos. 

Tu actriz preferida.

Gena Rowlands y Nora Navas.

Tu actor preferido.

Paul Dano.

Tu festival de cine predilecto.

Málaga y Sundance en el ámbito internacional.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

Las niñas prodigio de Sabina Urraca y Voz de vieja de Elisa Victoria.

Tu plato preferido de comida.

Arroz con bogavante.

Una ciudad para vivir.

Lisboa.

Una ciudad por conocer.

Marrakech

Una ilusión por cumplir. 

Rodar fuera de España.

Muchísimas gracias a Iria del Río por su amabilidad y por las facilidades puestas para realizar esta entrevista en la sala La Morada de Madrid. Agradecer también las gestiones a Katia Casariego y a Eduardo Gil Rodriguez. Por último, os dejo con un divertido vídeo de Youtube en el que la actriz habla sobre El increíble finde menguante. 


Iria del Río, Barcelona 1991. 

TRAYECTORIA PROFESIONAL (Selección de trabajos realizados)

TELEVISIÓN

2018 SERVIR Y PROTEGER TVE. Dir. Inma Torrente.
2018 LAS CHICAS DEL CABLE Netflix. Dir. Carlos Sedes.
2018 LA CATEDRAL DEL MAR Dir. Jordi Frades.
2016 VELVET Antena3. Dir. David Pinillos.
2015 EL MINISTERIO DEL TIEMPO TVE. Dir. Marc Vigil.
2015 LOS NUESTROS Telecinco. Dir. Salva Calvo.
2014 LA RIERA TV3. Dir. Esteve Rovira.
2013 POP RÀPID Dir. Marc Crehuet.
2012 AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS TVE. Dir. Eduardo Casanova.
2010 GAVILANES Antena3. Dir. Sílvia Quer.

TEATRO

LAS AMISTADES PELIGROSAS. Naves de Matadero y gira. Dir. Darío Facal.
PER AMOR A LA VIDA. Dir. Joel Minguet y Anna Sarrablo.
PIEZA ROMEO Y JULIETA. Dir. Jordi Oliver.


CINE

2014: EL CLUB DE LOS INCOMPRENDIDOS. Dir. Carlos Sedes.

2019: EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE. Dir. Jon Mikel Caballero.


jueves, 9 de mayo de 2019

El increíble finde menguante: notable ópera prima de Jon Mikel Caballero


El increíble finde menguante dirigida por el director español Jon Mikel Caballero se estrena en cines el próximo 10 de mayo. Nos encontramos ante una novedosa propuesta en la cual el cine experimental se fusiona con otras referencias clásicas sobre los bucles temporales.

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La historia: Alba (Iria del Río) y Pablo (Adam Quintero) son una pareja de novios treintañeros que deciden pasar un fin de semana junto a sus amigos en una casa aislada en el campo. Tras una discusión con su pareja, Alba comienza a experimentar un desfase horario en el que los hechos se vuelven a repetir una y otra vez en un bucle temporal. Aunque al principio no comprende que es lo que está sucediendo, pronto entenderá que en cada repetición de los hechos su día se acorta una hora en una cuenta atrás con un incierto final. ¿Podrá evitar Alba su propia desaparición?


La crítica: De alguna manera El increíble finde menguante supone en lo personal una experiencia muy gratificante y enlaza con ese tipo de cine oculto, desconocido e independiente sobre el que se asentaron las bases de Cine y críticas marcianas en su andadura inicial allá por el año 2016.

La historia nos recuerda de salida a ese magistral día de la marmota que se reflejaba en la película protagonizada por Bill Murray y dirigida por Harold Ramis traducida en España como: Atrapado en el tiempo. Pero debajo de una premisa más o menos conocida, se esconden múltiples capas que va desgranando con valentía el cineasta debutante Jon Mikel Caballero que con medios técnicos sencillos, pero muy cuidados, consigue escribir y dirigir una película que es pura vanguardia cinematográfica.

Lo sorprendente del filme es que consigue sobreponerse a una presentación de personajes y a una puesta en escena inicial demasiado teatralizada. Como comentaba en la crítica de Cementerio de animales, el cineasta hace lo increíble creíble, pero lo mundano, y por lo tanto lo que no debería generar dudas, resulta cuanto menos cuestionable. Es decir, cuesta inicialmente entrar en la historia por lo impostado de algunos personajes, pero una vez que el espectador toma la medida correcta al ritmo de la historia, la filmación evoluciona hasta el clímax final que se centra más en lo humano que en lo fantástico.

El filme supone por momentos un serio correctivo a la generación millennial a la que se presenta desmotivada, individualista, y con cierto grado de desafección con el mundo que los rodea. Sin embargo, Jon Mikel Caballero sorprende e introduce debates en torno a la precariedad laboral, a la emigración española hacia otros países europeos en busca de nuevas oportunidades o incluso y cómo mensaje más importante, dibuja el amor como medio unificador de la felicidad en contraposición al individualismo.


La actriz catalana Iría del Rio (Las chicas del cable) carga con el mayor peso de la producción con una interpretación fresca, inteligente, y contenida. Su personaje, Alba, es la pieza principal del engranaje diseñado por el director para ver a través de ella como sienten o piensan los demás jóvenes a través de las distintas subtramas propuestas. El espectador, y Alba, transitan un mismo camino ya que cuentan con más información que el resto de personajes en un buen detalle cinéfilo.

Su pareja en la pantalla es el actor hispano-británico Adam Quintero (El internado), que cumple a la perfección con lo que se le exige incluso cuando el cineasta le "congela" en los bucles temporales. Su personaje está dibujado sobre la duda de si debe continuar su relación con Alba o si por el contrario debe cortar con ella por su falta de compromiso. Este arquetipo generalmente más usado en las mujeres es otra idea bastante original del cineasta cambiando los roles establecidos en las parejas.

Un reparto coral compuesto por Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito, Irene Ruiz, y la voz de Luis Tosar como el padre de Alba completan un elenco bien balanceado.


La parte técnica de la película es sobresaliente, y más teniendo en cuenta que la cinta no cuenta con un gran presupuesto, ni está apoyada por ningún gran estudio de cine. Un montaje muy complejo y que debería estudiarse en cualquier escuela de cine, acompañado de un buen sonido directo y una gran fotografía de Tània de Fonseca, hacen aún más interesante la producción. Quizás el abuso en el uso de la música sea la parte que más dudas pueda generar en los aspectos complementarios.

Destacar las localizaciones exteriores rodadas en el valle navarro de Aézkoa que con sus frondosos bosques, sus riachuelos y la Naturaleza en plena ebullición, compensan de alguna manera las muchas secuencias rodadas en los espacios interiores de la casa rural.

En conclusión, El increíble finde menguante es una humilde producción independiente con la que se demuestra que el talento está muy por encima de los medios económicos al servicio de la producción. Por ello, solo cabe felicitar a Jon Mikel Caballero por un notable debut en el largometraje con una historia en la cual se funden el amor, la amistad y la denuncia social. Por último, destacar un recurso cinematográfico original, sutil y potente que consiste en ir reduciendo progresivamente la imagen proyectada en pantalla acompañando la cuenta atrás de Alba.

Nota: 8/10.

P.D. Al cierre de esta crítica os puedo anunciar que el próximo lunes contaremos en Cine y críticas marcianas con la presencia de la actriz protagonista de la película, Iria del Río, que amablemente me ha concedido una entrevista en la que hablaremos de la película, de su carrera artística, y de sus gustos cinematográficos. ¡Os esperamos!


Nacionalidad: España.

Dirección y guión: Jon Mikel Caballero.

Reparto: Iria del Río, Adam Quintero,
Nadia de Santiago, Jimmy Castro,
Adrián Expósito, Irene Ruiz, Luis Tosar.

Fotografía: Tània de Fonseca.

Música: Luis Hernaiz.

Duración: 90 minutos.

Estreno España: 10 de mayo de 2019.



lunes, 6 de mayo de 2019

Películas curiosas: Emisario de otro mundo (Not of This Earth)


Emisario de otro mundo es una película de ciencia ficción de serie B del año 1957 dirigida por Roger Corman que se podría definir como curiosidad, marcianada, despiporre, o divertida locura para otros. El filme americano, multiplicó por diez su presupuesto inicial de 100.000 dólares hasta llegar al millón recaudado tras su estreno en Estados Unidos.

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La historia nos cuenta la llegada de un extraterrestre con conformación humana a La Tierra y con la peculiaridad de que no se desprende de sus gafas de sol ni en los espacios interiores. Acuciado por una extraña patología que le está "secando" la sangre, acude a una clínica para intentar que le hagan una transfusión. El doctor encargado del caso y al comprobar lo extraño de su comportamiento, así como la singular composición de su sangre tras un análisis, decide acceder a la petición de transfusión. Para ello, manda hasta la casa en la que dice alojarse a una guapa enfermera (marciano con suerte), que todas las noches y durante una semana le ayudará con las transfusiones prescritas. Pero pronto, el extraño comportamiento de este "hombre" despertará las sospechas tanto en el equipo médico como en otros conciudadanos.


Para poder entender este cine de una manera adecuada, habría que situarse en el contexto sociocultural, en la época de su realización y en las motivaciones de porqué se hacían estas películas que vistas hoy en día y descontextualizadas podrían parecer de otro planeta. Por ello, hay que viajar al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado que en plena guerra fría mezclaba los miedos al estallido nuclear con el cine de ciencia ficción. De hecho en la película reseñada hoy, el extraterrestre diseñado en el libreto de Mark Hanna y Charles B. Griffith procedía de un planeta inmerso en una guerra nuclear que infectaba la sangre de sus pobladores y buscaban en La Tierra un medio para subsistir.

Otro factor muy importante a tener en cuenta, era que la imaginación desbordada de la población, quizás debido al famoso incidente de Roswell en el que se especuló con la caída de un ovni y un encuentro extraterrestre, hizo que la ciencia ficción en aquella época viviera una época mágica de la que se recuerdan películas que hoy se consideran ya de culto. Algunos ejemplos serían: Cohete K-1, Asesinos del espacio, El planeta fantasma, La invasión de los ladrones de cuerpos, Plan 9 del espacio exterior, Invasores de Marte o la ya posterior Viaje al planeta de las mujeres prehistóricas.

En el capitulo de hoy dedicado a los "crímenes traductores", en España se optó por el curioso título de Emisario de otro mundo, siendo los italianos los que me subyugaron en esta ocasión con su peculiar y rimbombante: El vampiro del pianeta rosso. 


En México aunque mantuvieron la traducción otorgada en España o viceversa, no pudieron dejar pasar la ocasión de unir desastres nucleares, ciencia ficción y el vampirismo ya añadido por los italianos, a su obsesión por traducir o añadir leyendas con alusiones satánicas inventadas. Este cartel mexicano añadía: "El poder diabólico hacía desaparecer a sus victimas, sin dejar el menor rastro...".


Pero anécdotas aparte, y volviendo a la génesis de la producción, cabe señalar que el mítico cineasta especializado en ciencia ficción Roger Corman, fue el encargado de pilotar la nave de una manera amena, con cierto buen suspense, también algunas escenas chapuceras propias de la serie B, pero siempre con agilidad y ritmo ayudado en un acertado montaje dejando la película en apenas 67 minutos. Este metraje sería una curiosidad hoy día, pero hay que recordar que en este tipo de cine y en la época no era nada extraño. De hecho, se otorgaba mayor ritmo narrativo a las producciones y además ayudaban a los cines a programar sesiones dobles con dos películas cortas, que aumentaban más si cabe el reclamo del espectador sediento de fantasía y diversión. Como decía, Corman se especializó en el género fantástico, de terror, o sencillamente en las producciones baratas pero taquilleras. De hecho, en el año 1990 publicaba sus memorias con el sincero título de 'Cómo realicé un centenar de películas y nunca perdí un centavo'. Entre sus películas más célebres figuran: 'Five Guns West', 'El cuervo', o 'El hombre con rayos X en los ojos'.

En el reparto de la película reseñada hoy nos encontramos con actores prácticamente desconocidos para el gran público pero eficaces y cumplidores. A destacar, Paul Birch (La rebelión de los planetas) es el encargado de meterse en el cuerpo del extraterrestre y Beverly Garland (Con las horas contadas) se mete en la piel de la enfermera en un papel que representa bien la feminidad de la época, combinado ya con ciertos aires rebeldes que representaban bien la independencia que la mujer norteamericana comenzaba a conseguir en la sociedad patriarcal.


Antes de redactar unas breves conclusiones sobre la cinta, quisiera dejar constancia del plan trazado por los extraterrestres del planeta Davanna y que conforman la premisa de salida de la película. En primer lugar denominan a los terrícolas como: "Subhumanos de segundo grado, débiles y llenos de miedos" ( y esto no son declaraciones de Donald Trump). Y en segundo lugar trazan un plan por fases que son las siguientes:

1. Estudiar las características de los subhumanos.

2. Subministrar abundante sangre terrestre a Davanna.

3. Enviar a Davanna a un subhumano para diseccionarlo y estudiarlo.

4. Transfundirse sangre humana para ver si funciona en los extraterrestres.

5. Si el punto 4 funciona, entonces conquistar, subyugar y criar a humanos o subhumanos como a ellos le gusta llamar a los terrícolas.

6. Si todo lo anterior falla, se destruye el planeta Tierra y a otra cosa mariposa.


En definitiva, Emisario de otro mundo (Not of This Earth), es ante todo un divertimento, un juguete y una curiosidad de cine vista desde la época actual. En cualquier caso, guste más o guste menos, la cinta ayuda a comprender una pequeña parte de la historia del cine y su representación en la serie B que ha sido una fábrica de generar películas de culto que en principio pasaron desapercibidas y a lo largo de los años han ido ganando adeptos. Con una una buena dosis de suspense, una fotografía en blanco y negro más que decorosa, y a pesar de las deficiencias técnicas en los efectos visuales; la propuesta reseñada hoy, cumple con creces lo que Roger Corman se propuso. Pero además de una curiosidad o un entretenimiento, la película hace las veces de documento histórico de la cinematografía que se realizaba en la otra cara del Hollywood dorado.



Nacionalidad: Estados Unidos.

Título original: Not of This Earth.

Año: 1957.

Dirección: Roger Corman.

Guión: Mark Hanna y Charles B. Griffith. 

Reparto: Paul Birch, Beverly Garland,
Morgan Jones, Anne Lee Carroll,
William Roerick, Roy Engel.

Música: Ronald Stein.

Fotografía: John J Mescall.

Duración: 67 minutos.

martes, 30 de abril de 2019

Terra Willy, planeta desconocido: en busca de los marcianos


Terra Willy: planeta desconocido dirigida por Eric Tosti se ha estrenado en España el 26 de abril en una apuesta por el cine de animación europeo. Las voces de Nerea Rodríguez y Raoul Vázquez de Operación Triunfo 2017 ponen la nota de color ibérica en el doblaje de la producción francesa.

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La historia: Una nave espacial atrapada en un campo de asteroides explota. Dos lanzaderas salen despedidas desde la nave en direcciones opuestas. Una de ellas, la que lleva en su interior a Willy y a su robot guardaespaldas Buck, aterriza en un planeta desconocido. 

En la otra lanzadera están los padres de Willy que son dos científicos dedicados a la exploración espacial. Pronto comenzaran a buscar a su hijo por el Universo, pero mientas dan con él, Willy tendrá que sobrevivir en un planeta lleno de extrañas y curiosas criaturas. 

¿Habrá marcianos, marcianas e incluso marcianes?


La crítica: Terra Willy demuestra que dentro del cine de animación caben otros géneros como son en este caso la ciencia-ficción, la comedia y el cine de aventuras. Sin embargo, lo más llamativo de esta producción francesa es como integra los elementos del western en la trama.

Y es que ingredientes como la épica, los paisajes desérticos con los que se encuentra Willy al llegar al nuevo mundo, su recorrido en busca de el dorado en forma de vegetación o cobijo, los lazos de amistad con los habitantes "marcianos" al calor de las hogueras nocturnas, y la propia narrativa del héroe solitario convertida en fábula moral, nos lleva a identificar los valores del western pero adaptados a la narrativa infantil.

En Terra Willy también nos encontramos de salida con tres referencias al cine de actualidad. Así es como en la presentación de la película Eric Tosti sitúa la acción en una nave espacial como la de Passengers para hablarnos de soledad y de ciencia. Después, y ya en el desarrollo de la historia, fija su mirada en El viaje de Arlo de Pixar con mensajes en torno a la amistad en medio de ambientes hostiles. Y en la resolución podemos ver como todo fluye en torno a la posibilidad de vida extraterrestre y en los contactos que se pudieran establecer entre distintas especies como ya ocurría en Luis y los marcianos pero con una narrativa inversa. 


En la parte técnica cabe mencionar que Terra Willy es una creación de Tac Productions, una productora y estudio CGI (imagen generada por ordenador) especializada en largometrajes y programas de TV, con sede en Toulouse, Francia. Fue fundada por David Alaux, Eric Tosti y Jean-François Tosti en 2000 y emplea a 120 artistas digitales.

De diseño sencillo, pero efectivo, el filme francés guarda un cierto aire retro-ochentero en los títulos de crédito e infografías utilizadas. En parte, la cinta es como un viaje en el tiempo a esos locales recreativos en los cuales los niños de esa época descubríamos los primeros videojuegos en esas enormes máquinas de arcade del insert coint y del game over.

Lógicamente en la parte central de la película la productora aprovecha al máximo la tecnología CGI actual para crear inmensos monstruos de piedra en los paisajes desérticos, criaturas de diez patas cuando Willy descubre la inmensidad del bosque del nuevo mundo, un flora colorida y singular, otras increíbles bestias y, los efectos especiales conectados con los fenómenos meteorológicos extremos como una espectacular granizada que asusta a la fauna marciana del planeta.


El mejor amigo de Willy en el nuevo planeta es Flash. Este "bicho" es una criatura extraterrestre que tiene entre sus peculiaridades la de convertirse en crisálida aproximadamente una vez al mes para evolucionar. Cuando se encuentra con Willy parece una larva enorme con ocho patas pequeñas y tiene un carácter muy cariñoso. Es una especie de perro locuelo que inmediatamente adopta al crío como su dueño. Flash no habla, pero sus gruñidos y gestos son tan expresivos que le permiten hacerse entender fácilmente. A lo largo de los meses Flash se va haciendo más grande y se convierte en la mejor protección para Willy en una amistad intergaláctica.

El otro personaje importante es el robot Buck que está adiestrado para cuidar del niño en el caso de que por accidente pierda a sus padres o caiga en otro planeta como es el caso. El robot es como un guardaespaldas con reacciones pragmáticas, deshumanizadas y que se toma todo al pie de la letra. Poco a poco, se deja influenciar por Willy y Flash, lo que le hace ser cada vez un poco más humano. Lleno de artilugios y dispositivos que le capacitan incluso para convertirse en una moto es por así decirlo el personaje más "masculino" de la filmación.

Y por último está la representación del dolor, del amor y de la preocupación que lógicamente pasan por los padres de Willy y su deseo de recuperar a su pequeño sano y salvo.


En conclusión, Terra Willy: planeta desconocido, me ha parecido una apuesta meritoria de la animación europea que intenta competir a duras a penas con el imperio Disney-Pixar. La cinta está dirigida al target de edad comprendido entre los tres, y los diez años, aunque la estética retro puede ayudar a que algunos adultos entren con fuerza en la trama.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Francia.

Dirección: Eric Tosti.

Guión: Eric Tosti, David Alaux.

Fotografía: CGI Tac Productions.

Duración: 90 minutoa.

Estreno Francia: 3 de abril 2019.

Estreno España: 26 de abril 2019.



viernes, 26 de abril de 2019

Gloria Bell: Julianne Moore & Sebastián Lelio elegidos para la "Gloria"


Gloria Bell dirigida por Sebastián Lelio llega este 26 de abril a las carteleras españolas con la garantía de un reparto encabezado por Julianne Moore y John Turturro. En Cine y críticas marcianas vamos hoy con la crítica del esperado estreno

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La cita: Está en Nueva York filmando la adaptación de la secuela de un remake. Woody Allen. 

La historia: Gloria Bell (Julianne Moore) es una mujer de mediana edad, que tras divorciarse, dedica parte de su tiempo libre al baile recreativo en discotecas de su ciudad con la esperanza de volver a encontrar el amor. 

Arnold (John Turturro) es un hombre también de mediana edad, en proceso de separación, y que igualmente dedica parte de su tiempo libre a las mismas diversiones, y en los mismos locales que frecuenta Gloria. 

En una de esas noches de baile y copas, Gloria, y Arnold entablan conversación, comienzan a bailar, y deciden darse una oportunidad para poder conocerse más en profundidad. Y cuando digo conocerse más en profundidad digo conocerse más en profundidad. O sea que hay tema. 


La crítica: Cuando el maestro Woody Allen escribía irónicamente en su filme Celebrity: "Está en Nueva York filmando la adaptación de la secuela de un remake", casi estaba presagiando lo que el director chileno Sebastián Lelio iba a realizar en un futuro con una película ya rodada.

Cabe por lo tanto recordar que la primera versión de Gloria tuvo su estreno en la Berlinale de 2013 y pasó a ser un éxito popular y de crítica. Ganó el Premio del Jurado Ecuménico y el Premio Gilde. Paulina García además se llevó el Oso de Plata a Mejor Actriz. La película fue nominada al Premio Independent Spirit y al Critic’s Circle a Mejor Película Extranjera, además de ser la seleccionada por Chile para los Premios de la Academia de 2014.

¿Por qué entonces hacer un remake solo cinco años después y para más inri dirigida por el mismo cineasta?

Bueno pues según Sebastián Lelio, ganador del Oscar por Una mujer fantástica y autor de Disobedience, todo parte de una idea de Julianne Moore y el interés de esta en dar vida a una nueva Gloria pero en versión estadounidense. Como yo no tengo por costumbre dudar de la palabra de nadie, y aunque el remake me parezca innecesario, voy a analizar brevemente Gloria Bell como una película nueva dejando los prejuicios de lado que además es una buena costumbre. 


La historia de Gloria Bell es la historia de la sociedad de nuestro tiempo. O define al menos, sin juzgar, como han evolucionado las familias desde aquella época en que los matrimonios eran para toda la vida, hasta llegar a una sociedad en las que las rupturas van ganando cada vez mayor peso. 

La cinta tiene la virtud de estar pegada a la actualidad y fija su mirada en las nuevas formas de relacionarse poniendo en el punto de mira las segundas oportunidades en el amor. Con ello, casi estamos ante la antesala de un nuevo sub-género romántico que ya se exploraba en la recientes Juliet, Desnuda o en El amor menos pensado

Pero Gloria Bell, es más triste, o si me apuran más realista que las anteriores comedias citadas. Sebastián Lelio parece querer transmitir el mensaje de que las personas buscan, y rebuscan en nuevas relaciones lo que su primer amor les dio. ¿Pero es al amor la respuesta a la felicidad? 

Pues parece que nuestra protagonista que está en esa compleja franja de edad que va entre los cincuenta y los sesenta años, sostiene un debate sobre el amor, la libertad o la felicidad y sobre su lugar en el mundo. Igualmente le sucede a nuestro protagonista masculino. Podríamos hablar de un pequeño tratado sobre el paso de la juventud a la madurez y de las implicaciones psicológicas que conllevan estas transiciones cuando además no existe estabilidad ni en el amor, ni en la familia. 


En el reparto nos encontramos a una Julianne Moore muy potente, y viviendo una segunda juventud cinematográfica. Hace poco más de un mes se estrenaba en España Bel Canto y su interpretación era lo poco bueno que se podía salvar de ese extraño filme. En esta ocasión, es ella la que sostiene toda la película e incluso se permite desnudarse ante las cámaras como reivindicación de la belleza femenina también en la madurez. 

Su compañero de reparto es un cariacontecido John Turturro, que salva el papel pero queda muy por debajo de su compañera femenina. No obstante, el personaje representado también guarda interés y muestra algunos rasgos compartidos con el personaje de Gloria.

Su nexo de unión es que ambos parecen perdidos en un mundo que no saben como reinterpretar ante la finalización del amor con sus respectivas parejas. Sin embargo, son personalidades contrapuestas en el arrojo o en la valentía de afrontar nuevas relaciones. Ella es decidida, valiente y dispuesta a probar lo que le regale la vida. Él es conservador, lleno de miedos e indecisiones. Es decir: es un hombre. ¿Triunfará con estos mimbres el amor?


En conclusión, Gloria Bell es una interesante historia pegada a la actualidad y muy bien filmada por Sebastián Lelio como no podía ser de otra manera. Prescindible para aquellos que vieron la primera versión, sin embargo, puede ser ocurrente y divertida para aquellos que nunca supieron de esta historia que se debate entre la ternura, y la tragicomedia.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos, Chile.

Dirección: Sebastián Lelio.

Guión: Sebastián Lelio, Alice Boher.

Reparto: Julianne Moore, John Turturro,
Michael Cera, Jeanne Tripplehorn.

Fotografía: Natasha Braier.

Duración: 102 minutos. 

Estreno EE UU: 8/03/2019.

Estreno España: 26 de abril de 2019. 

martes, 23 de abril de 2019

La llorona: Hollywood descuartiza la leyenda mexicana


¡Claustrofobia y un cadáver, el colmo de un neurótico! -Woody Allen.

La historia: Anna (Linda Cardellinni) es una trabajadora social de la ciudad de Los Ángeles que tras enviudar tiene que hacerse cargo de sus dos hijos sin descuidar su profesión. Asustada porque sus pequeños vástagos están notando presencias sobrenaturales en su hogar, decide acudir a la iglesia para pedir ayuda. Allí le ponen en contacto con un exorcista que les indica que todo apunta a que el espectro de La llorona está en su casa, y busca llevarse a sus hijos con ella. ¡El circo está servido!


La crítica: Pongan en una habitación a seis adolescentes en celo tras haber visto 'After', añadan después a dos instagramers haciendo fotos como si no hubiera un mañana, a esto le suman a dos niños tocando con fuerza un tambor, y al gato de 'Cementerio de animales' dando por culo. Pues bien, este "idílico" panorama es muy preferible antes de que se les ocurra ir a ver 'La llorona' al cine si aún no han visto.

Este castigo cinematográfico perpetrado por Michael Chaves bebe de la historia de la llorona que es una de las leyendas mas famosas de México, y que cuenta con distintas versiones en otros países de Hispanoamérica.

El resumen estándar de dicha leyenda nos habla sobre una mujer indígena que, tras un romance con un hombre de la alta sociedad, da a luz a mellizos: un niño y una niña. Después de ser abandonada por su amado, la mujer ahogó a sus hijos en el río, suicidándose después. Según el folclore mexicano, La llorona vaga por el río, vestida de blanco, buscando desesperada a los hijos que asesinó. Y ahora vamos a analizar brevemente que ha hecho Hollywood con estos mimbres.

Con un guión perpetrado por los debutantes Mikki Daughtry y Tobias Iaconis, que sitúan la película en Los Ángeles de los años 70 sin ninguna justificación, la cinta recurre a los sustos gratuitos sin cesar, a la subida del volumen de una manera tramposa en dichos sustos, y a continuas apariciones de La llorona en el hogar familiar de una manera tan previsible que da más risa que miedo. No hay más. Es decir: hogar familiar, niños asustados ante la presencia paranormal, y la resolución final que dejaremos en el aire pero que es tan previsible como el resto del filme.


Linda Cardellini (Green Book), los niños Roman Christou & Jaynee-Lynne Kinchen más Raymon Cruz, en el papel del ex-sacerdote metido a exorcista, cumplen con los papeles asignados pero poco pueden hacer para mejorar la producción. Aquí los actores no son el problema.

Lo que si supone un problema añadido al largometraje es la dirección de fotografía de Michael Burgess que se empeña en oscurecer tanto la película, para provocar miedo, que lo único que consigue es que no se vea lo que sucede en pantalla. Aunque para lo que hay que ver, casi mejor así.

En conclusión, La llorona es una sucesión de sustos repetidos hasta la saciedad sin más horizonte que preparar con ellos un tráiler que pueda atraer engañosamente al espectador. O dicho de otra manera: el timo de la estampita "Made in Hollywood". De pena, o de llanto. Fin.

Nota: 2/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección: Michael Chaves.

Guión: Mikki Daughtry y Tobias Iaconis.

Reparto: Linda Cardellini, Roman Christou,
Jaynee-Lynne Kinchen, Raymon Cruz.

Música: Joseph Bishara

Fotografía: Michael Burgess.

Estreno Mundial: 19/04/2019.



martes, 16 de abril de 2019

El arte del cortometraje: Imprime a tu chico ideal


Tras la buena y sorprendente acogida que tuvo en Cine y críticas marcianas la entrada dedicada a El arte del cortometraje en el cine con el film Kismet Diner, he decido que la sección sea ya oficial y de vez en cuando traer a este espacio algunos cortometrajes curiosos, entretenidos o reflexivos. En esta ocasión se trata del filme de animación francés Print your guy (Imprime a tu chico ideal) creado por seis estudiantes de la Escuela de Arte Bellecour situada en la localidad de Lyon.

Los alumnos llevaron a cabo el proyecto tras un año de trabajo para rodar los 6 minutos de duración del corto y fue presentado con éxito en diferentes foros, y festivales de cine.


La premisa de salida parte de las nuevas tecnologías, las redes sociales y las aplicaciones de citas que convergen de alguna manera en la creación del hombre, o de la mujer ideal a partir de la impresión en 3D. Dicha tecnología, parte de una idea de los años 80 del siglo pasado y cuyo "padre" fue el estadounidense Chuck Hall que en el año 1983 ya creo el primer artilugio con su impresora casera.

Más de 30 años después de este feliz hallazgo, ya se habla incluso de crear órganos humanos artificiales a través de la nueva impresión en 3D que parece no encontrar fronteras en su desarrollo. ¿Pero es posible crear al hombre o a la mujer perfecta a través de una aplicación? Ese es el juego que propone el corto a través del personaje de Pamela que busca en su ordenador lo que probablemente pueda encontrar hablando cara a cara con las demás personas de su entorno social.

Incluso hubo una época en la que en algunos puntos del planeta Tierra (o incluso en Marte), la gente se reunía en las plazas de los pueblos para hablar o incluso los chicos sacaban a las chicas a bailar en una práctica que hoy se podría considerar casi excéntrica.

De todo esto y un poco más, nos habla el corto de hoy aplicando la sonrisa y la siempre eficaz animación.

viernes, 12 de abril de 2019

Mia y el león blanco: Champán, niños y leones


El otro día me encontré con dos leones y los sometí...los sometí a una serie de ruegos y llantos. -Groucho Marx. 

La historia: Mia (Daniah De Villiers) es una niña de 11 años que vive junto a sus padres en una granja de Sudáfrica dedicada a la cría y a la conservación de leones nacidos en cautividad.

Sin embargo, la niña echa de menos Londres que era la ciudad en la que tenía a todos sus amigos. Pero todo cambia con el extraordinario nacimiento de un precioso cachorro de león blanco que es bautizado con el nombre de Charlie. A partir de ese momento, Mia y Charlie, se hacen inseparables lo que facilita la integración de la niña en su nuevo entorno.

Cuando el león se hace adulto y su padre piensa en venderlo, Mia se escapa junto al león en una huida a través de la hermosa sabana africana.


La crítica: Alguna vez he comentado que el maestro Alfred Hitchcock solía decir: "Nunca ruedes una película ni con niños, ni con perros, ni con Charles Laughton". Pues bien, el cineasta francés Guilles de Maistre, no solo se atreve con los niños, sino que además osa a sustituir a los citados perros por una manada de leones.

Eso sí, lo que no ha tenido valor es de sustituir a la figura del pobre Laughton, por la de Mario Casas y adornar el elenco actoral con Penélope Cruz dando gritos por la selva. El espectáculo hubiera sido inenarrable y merecedor de un Oscar honorífico a la valentía.

Vamos con la parte seria.

Mia y el león blanco llega este 12 de abril a los cines españoles tras el enorme éxito de taquilla en Francia con un millón de espectadores que han avalado la propuesta. La idea del filme surge de una experiencia del cineasta galo cuando rodaba para la televisión francesa una serie documental sobre niños con estrechos vínculos con animales salvajes.

Cabe recordar que en Sudáfrica existen granjas para criar leones con el propósito de conservar la especie, y su teórica finalidad debería ser venderlos a zoos o a reservas naturales, sin descartar su reinserción en su hábitat natural. ¿Es bello verdad? ¿Pero es cierto?

La producción a través de una narrativa enternecedora, pero muy poco creíble, trata de abordar que se esconde detrás de este extraño negocio de las granjas de leones. Y es que según deja ver Guilles de Maistre detrás de dicho negocio se esconde la caza ilegal. Es decir, estas granjas lo que hacen es criar leones para dar lugar a las "cacerías enlatadas".

¿Qué es esto? Básicamente es soltar a un león delante de uno o varios cazadores armados para que estos "valientes" los maten con sus armas de precisión, y puedan llevarse un trofeo a casa. El mensaje de la producción por lo tanto es lícito, efectivo, y valiente. ¿Pero funciona como película? 

Pues a medias. Enfocada hacía un público infantil, la historia se centra en la amistad y en los lazos afectivos que se crean entre un cachorro salvaje y la niña que lo cría a base de biberones, y juegos. La belleza del león absorbe todo en la producción. En esa parte y en la dulzura narrativa poco se puede objetar. Sin embargo, las situaciones, y conflictos planteados suenan impostados y faltos de credibilidad. Quizás la cinta hubiera funcionado mejor como un documental. Los adultos deben afrontar la experiencia desde esa perspectiva, mientras los más pequeños disfrutarán de una narración más asimilable para ellos en forma de ficción.


En el reparto cabe destacar a la niña Daniah De Villiers que hace un estupendo papel interpretando a Mia, y que ha dedicado tres años de su vida a este empeño que es lo que ha durado el rodaje. De hecho, mientras ella iba cumpliendo años (desde los 11 hasta los 14 años), el león pasaba de ser un cachorro a un pedazo de tío como vemos en la imagen de portada.

Los padres son interpretados por Mélanie Laurent (Malditos bastardos) y por Langley Kirkwood (Dredd) con profesionalidad sin más. Lo más destacable que dejan se resume en una frase de Mélanie Laurent cuando viendo a su hija feliz pronuncia un: "Champán, niños, y leones" como paradigma de la felicidad. Completa el reparto el niño Ryan Mac Lennan en un pequeño papel como el hermano de Mia.

En el aspecto técnico cabe destacar el trabajo de Kevin Richardson que fue el responsable de que los leones no sufrieran malos tratos, y a la vez de que no pudieran atacar a los actores. Durante la producción, se criaron juntos una manada de 6 leones, entre ellos, Thor, el león que encarna a Charlie, así como otro macho y cuatro leonas. Una vez acabada la película los seis leones han seguido juntos, y viven en la reserva de Kevin Richardson gracias a unos fondos creados por el equipo de producción.

En conclusión, Mia y el león blanco es una película que aunque nunca acaba de funcionar como una experiencia cinematográfica plena, nos deja mensajes bastantes positivos sobre la integración en el medio natural a través del mundo animal. También nos regala la belleza de la sabana africana y, denuncia con firmeza esas cobardes cacerías enlatadas.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Francia, Sudáfrica, Alemania.

Dirección: Guilles de Maistre.

Guión: Prune de Maistre, William Davis.

Reparto: Daniah De VilliersMélanie
Laurent, Langley Kirkwood,
Ryan Mac Lennan.

Música: Armand Amar.

Fotografía: Brendand Barnes.

Duración: 98 minutos.

Estreno Francia: 26/12/2018.

Estreno España: 12 de abril de 2019.

Estreno USA: 12 de abril de 2019.



martes, 9 de abril de 2019

La España vaciada, y Proyecfilm: "Cine donde no hay cine"


La España vaciada fue el lema de la manifestación celebrada en Madrid el pasado domingo 31 de marzo. Con él, se trataba de reivindicar el medio rural, denunciar la cada vez más alarmarte despoblación de los núcleos rurales del interior de España, y se pedía entre otras cosas, la imprescindible mejora en la conexión a Internet para que el país ibérico no pasara de "vaciado" a desierto. Ahora bien, ¿cómo afecta esto al cine?

El hecho del despoblamiento rural no es hecho diferencial, ni exclusivo de España. Es ya un fenómeno mundial. México, Estados Unidos, China o cualquier país europeo, pueden ser ejemplos igual de válidos.


Proyecfilm

En cualquier caso vamos a centrar la mirada en España, y en la iniciativa de Proyecfilm. ¿Qué es y en que consiste?

Joaquín Fuentes es el gerente y fundador de esta empresa. Él, según informa en su web, en los años 60 del siglo pasado acompañaba a su padre (pintor de carteles cinematográficos de la Gran Vía de Madrid), llevando el cine a las pequeñas poblaciones con un proyector de 16mm.

La pantalla una sábana; las butacas cada uno tenía que llevar su silla y como calefacción un ladrillo caliente envuelto en una manta. A principios de los setenta, un adolescente Joaquín se dedicaba a proyectar cine por los colegios y cine clubs. Ahora con proyectores de última generación, equipos de sonido y pantallas acordes al lugar de proyección, Proyecfilm es ya una realidad que avanza en esa España despoblada de la que hablaba en la apertura de la publicación.

Actualmente Proyecfilm gestiona 14 salas de cine en diferentes provincias de Castilla y León, Extremadura, Galicia, Murcia y Andalucía. Algunas poblaciones concretas son: Daimiel (Ciudad Real), Cabra (Córdoba), Astorga (León), Quintanar de la Orden (Toledo), o Almazán (Soria).

Su lema es "Cine en el cine", para recuperar la costumbre de ver las películas a través de la gran pantalla.

Joaquín Fuentes con su padre y su hijo. Imagen de El País

Datos de salas de cine y pantallas en España

1985: 3109 salas.

1989: 1802 salas.

2018: 697 salas.

Este dramático descenso en las salas cine se ha visto compensado por la irrupción de los multicines en los centros comerciales que han elevado las pantallas a 3518.

Es decir, si en 1985 había 3109 cines en España, ahora solo hay 697.

Sin embargo, hay 3518 pantallas en esas 697 salas.

1985: 3109 cines.

2018: 697 cines, pero 3518 pantallas.

Con estos datos cabe interpretar que el cine en cierta manera se ha recuperado, y supera ya los datos de 1985. Ahora, toca apoyar con fuerza a empresarios como Joaquín Fuentes que con su romanticismo trata de que en la España vaciada también vuelva a brillar la magia del cine.