jueves, 12 de septiembre de 2019

Los años más bellos de una vida: un amor para la eternidad


Los años más bellos de una vida dirigida por Claude Lelouch se estrena en cines españoles el próximo día 13 de septiembre. La cinta francesa presentada fuera de concurso en el Festival de Cannes 2019 supone la película número 49 del cineasta galo. 

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La historia: Jean-Louis es un antiguo piloto de carreras que pasa los últimos años de su vida en una residencia para mayores. Y aunque él está perdiendo parte de su memoria no hay un solo día de su vida que no recuerde a Anne. Ella fue la mujer que marcó su vida en un breve pero intenso romance que mantuvieron cincuenta años atrás. Una mañana Anne aparece en el geriátrico para conversar con Jean-Louis. ¿Cerrarán las heridas que tenían pendientes? ¿Prenderá de nuevo la llama del amor?


La crítica: En el año 1966 se estrenaba la icónica película francesa Un hombre y una mujer. El film dirigido por Claude Lelouch está considerado como uno de los filmes europeos más románticos de esa década. Obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes y dos Oscars de la Academia. Uno fue para el gran guión firmado por el propio cineasta y por Pierre Uytterhoeven. La otra estatuilla fue la de Mejor Película en Habla no Inglesa. La película hoy reseñada supone la continuación de aquella historia con los mismos protagonistas en el reparto principal. 

Para situarnos de manera adecuada en el contexto histórico del filme de 1966, y con ello en este de 2019, quiero recordar la génesis de la historia con brevedad. Anne, por aquel entonces, era una joven que después de enviudar conoce a Jean-Louis y este hecho supone un revulsivo en su vida. Pero el doloroso recuerdo de su marido, más el carácter mujeriego de su nuevo amor, impiden el avance de la relación. Un emotivo abrazo en una estación de tren dejó un final abierto en el film originario. Ahora, en Los años más bellos de una vida, aquella escena final encuentra una bellísima resolución. 

La presentación de la película es una maravilla tanto en la parte sentimental como en la parte técnica. Hablamos de una secuencia de veinte minutos de duración, sin cortes y por lo tanto rodada en tiempo real. En ella, se produce el rencuentro de los antiguos amantes con una conversación que se siente como un testimonio vital del cineasta y de los protagonistas. Se funden personajes y actores. El buen cinéfilo solo puede permanecer absorto y embelesado ante la potencia de los diálogos. 

El largometraje, por consiguiente, se siente más como una fusión de ambas películas que como una secuela. De hecho, el cineasta recurre de manera muy acertada a intercalar flashbacks por lo que no será necesario haber visto la cinta de 1966 para disfrutar de la actual. De esta manera, la película funciona de manera independiente conjugando dos épocas de una manera maestra. Cabe recordar que el director galo ya realizó en el año 1986 una película que sirve de nexo de unión entre la primigenia de 1966 y la actual de 2019. La misma se tituló: "Un hombre y una mujer, 20 años después". Sin embargo, aquella producción no acabó de funcionar de la manera esperada. Claude Lelouch, ahora sí, ha dado con la tecla exacta para fundir la trilogía en una sola película.

Para el recuerdo quedan secuencias en las que la pareja pasea en coche por la bella campiña francesa. También hay encuentros con los hijos de ambos, e incluso retazos humorísticos a cuenta del deterioro cognitivo y la sexualidad en la tercera edad. 


En la imagen superior en blanco y negro vemos a los protagonistas en una escena del filme de 1966. En ella, observamos la pasión, la atracción física y el nacimiento del amor. En contraposición, y en la imagen inferior, podemos observar la complicidad, la ternura e incluso el sosiego que produce la llegada del otoño a la vida de las personas. Todo en el preciosista filme francés pasa por un debate en torno a la juventud, a la vejez, y a los errores o aciertos que se cometen en la vida. También está muy presente la sombra del Alzheimer y sus consecuencias para el conjunto de la sociedad. 


En 1966 la excelente actriz francesa Anouk Aimée fue nominada al Oscar por su sutil interpretación en la precuela de Los años más bellos de una vida. Tal vez, en la próxima gala de los Premios Cesar de la Academia de Francia, vuelva a estar nominada por este regalazo de interpretación. Por cierto, y aunque cinematográficamente sea irrelevante, sigue siendo una mujer tan bella como ya lo era en Un hombre y una mujer. 

Sin embargo, al actor galo Jean-Louis Trintignant el transcurso del tiempo parece que le ha hecho más daño. De hecho, en una escena de la película en la que se mezclan realidad y ficción, él le pregunta a Anne qué porque él está tan viejo, y ella tan guapa. La respuesta que da ella es graciosa y sencilla: "Será por el maquillaje". En cualquier caso, gran interpretación también para el veterano actor francés. 

Una breve, pero intensa, aparición de Mónica Bellucci interpretando a una hija fruto de los avatares amorosos de nuestro protagonista completan un reparto bien balanceado. 

Además de la preciosa fotografía en tonos pastel de Robert Alazraki, cabe destacar una banda sonora que es un lujo para coleccionistas y/o melómanos en general. Compuesta por Francis Lai & Calogero también cuenta con canciones interpretadas por Nicole Croiselle. La música consigue que la emoción sea una constante en la filmación. El tema central de ambas películas se sigue interpretando con asiduidad en los conciertos de música de cine. 


Los años más bellos de una vida es un lujo tanto por su forma como por su mensaje. Con este filme el cineasta galo Claude Lelouch nos regala una lección de como hacer cine de manera muy sencilla. Además, nos deja con enormes ganas de ver su próximo filme que será el número cincuenta de su longeva carrera. Disfruten del cine y de este amor para la eternidad. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Francia.

Título original: Les plus belles années d'une vie.

Dirección: Claude Lelouch

Reparto: Jean-Louis Trintignant,
AnoukAimée, Tess Lauvergne,
Mónica Bellucci.

Guión: Claude Lelouch, Valérie Perrin.

Música: Calogero, Francis Lai.

Fotografía: Robert Alazraki.

Duración: 90 minutos.

Estreno Francia: 22/05/2019.

Estreno España: 13 de septiembre de 2019.



jueves, 5 de septiembre de 2019

¡Qué maravilloso es el cine! Un verano con Mónica (Sommaren med Monika)


Cine como sueño, cine como música. Ninguna forma de arte va más allá de la consciencia ordinaria como el cine, directo a nuestras emociones, profundo en el cuarto crepuscular del alma. -Ingmar Bergman.

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Con estas apasionadas palabras de Ingmar Bergman sobre el mundo del cine se abre una nueva temporada de Cine y críticas marcianas. Si todo va bien, este periodo irá desde septiembre de 2019 hasta finales de julio ya en el estío de 2020. Y si de verano hablamos, nada mejor que comenzar con una película clásica que simboliza a la perfección esta estación del año. Los amores veraniegos son la esencia de la película hoy reseñada. 

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Estocolmo año 1953. Mónica (Harriet Andersson) es una muchacha de 17 años que se gana la vida trabajando en una frutería. Por otro lado, está Harry (Lars Ekborg). Él tiene 19 años y trabaja de aprendiz embalando paquetes en un pequeño comercio de la ciudad.

Ambos comparten la frustración de estar siendo maltratados en sus respectivos puestos de trabajo. Pero todo cambia para ellos cuando se conocen en una cafetería. Allí se enamoran y deciden dejar sus trabajos para irse a pasar el verano en la pequeña embarcación de Harry. ¿Qué harán cuando se les acabe el dinero? ¿Será todo tan idílico como habían planeado? ¿Seguirán su noviazgo cuando el verano llegue a su fin?

Filmoteca de Sant Joan

El cineasta sueco Ingmar Bergman siempre ha estado en el punto de mira para que algunas de sus películas fueran retro-reseñadas en la sección de: ¡Qué maravilloso es el cine! en Cine y críticas marcianas. 

Es un director que causa algunas controversias entre crítica y público. Mientras la primera lo eleva a los cielos del séptimo arte, no son pocos los cinéfilos que califican su cine como demasiado denso. Es por ello, que he querido elegir una de sus películas más sencillas para quien desee introducirse en su cinematografía. La historia está tratada de una manera frugal, recreativa y con contenidos universales. 

Un verano con Mónica es una fábula sobre el amor, la amistad, la traición, los celos, la maternidad, la sexualidad, el desengaño y los errores que nos llevan a formarnos como personas. Ingmar Bergman divide de manera natural el argumento en tres actos que se corresponden con la clásica presentación de personajes, el nudo narrativo y el desenlace de la propuesta. En el cine, como en la vida, menos es más y la sencillez en una narración es fundamental para una buena conexión con el público.


Conociendo a los personajes (presentación)

En el primer tercio de la cinta conocemos a la pareja protagonista que residen en un Estocolmo lúgubre, industrial, y con algunas bolsas de pobreza que contrastan con el poderío económico de la Suecia de nuestros días. De esta manera, Bergman bebe del Neorralismo italiano para situarnos en el contexto socio-económico del país nórdico. A su vez, podemos encontrar ciertas semejanzas en la presentación con el filme Un lugar en el sol de George Stevens.

En la presentación de la cinta el cineasta sueco nos habla de dos jóvenes con empleos no cualificados que se enamoran como tantos otros. Lo singular de la historia es que encuentran como nexo de unión el maltrato que reciben en sus puestos de trabajo. Los jóvenes también comparten la falta de comunicación con sus respectivas familias y sus deseos de llevar una vida independiente. Pero sobre todo, están unidos por una fuerte atracción sexual que los lleva a su escapada veraniega. 

Mónica y Harry son dos polos opuestos que se atraen. Él es tímido, responsable y de carácter más familiar. Ella es extrovertida, jovial, promiscua y rebelde en esencia. Con este cocktail explosivo Bergman conecta rápido con el espectador y nos lleva de huida en un verano que cambiará las vidas de los personajes representados. 


El verano de Mónica y Harry (desarrollo)

Ingmar Bergman transita en la parte central de la película desde la oscuridad de la ciudad hasta la luminosidad en los archipiélagos donde centra el romance de los dos jóvenes. Allí, despreocupados y sin pensar en el futuro dan rienda a sus instintos sexuales más primarios.

El cineasta sueco despliega un erotismo sutil, cuidado e hipnótico fijando la mirada de la cámara en la desbordante sensualidad de la actriz Harriet Andersson. Tanto fijó la cámara en ella que se enamoró de la actriz durante la filmación. De hecho, mantuvieron un romance durante la película que llevó al director a divorciarse de su esposa. Pero de manera independiente a esta situación personal, esta parte de la película está plagada de bellísimos planos que recorren palmo a palmo el rostro y el cuerpo de la actriz. Algunos desnudos de la joven interprete provocaron el escándalo en los sectores más conservadores. Hoy en día pasarían desapercibidos por la naturalidad de los mismos. 

Cuando el verano llega a su fin, Harry y Mónica, que se han bebido la vida a besos, tienen que afrontar la realidad y volver a la ciudad tras quedarse sin recursos. La edad de la inocencia ha llegado a su fin.


La vuelta a Estocolmo, la vuelta a la realidad (resolución)

El último tercio del filme es el de mayor potencia cinematográfica. En el mismo, se resolverán los conflictos planteados a lo largo de la película de una manera sorprendente. El final que por lógica no desvelaré es de cine con mayúsculas. Ingmar Bergman cumple con eficacia y brillo las estructuras narrativas naturales de presentación, nudo y desenlace de una manera perfectamente sincronizada.

Un primer plano para la historia del cine


Con este primer plano de una desafiante Harriet Andersson mirando directamente a cámara, Ingmar Bergman rompió una regla no escrita en la historia del cine. En ella, se prohibía a los actores que miraran directamente al objetivo. El director, a través de la actriz, retaba al espectador en un desafío directo que luego siguieron otros muchos cineastas. El mito Bergman ya era una realidad y sus influencias llegan hasta nuestros días.

En conclusión, Un verano con Mónica me parece una película perfecta con la que recordar o introducirse en una filmografía tan especial como es la del maestro Ingmar Bergman. Muchas gracias por vuestra compañía y bienvenidos a una nueva temporada de Cine y críticas marcianas


Nacionalidad: Suecia.

Título original: Sommaren med Monika.

Año: 1953.

Duración: 97 minutos.

Dirección: Ingmar Bergman.

Guion: Ingmar Bergman, Per-Anders Fogelström.

Novela: Per-Anders Fogelström

Música: Erik Nordgren.

Fotografía: Gunnar Fischer (B&W).

Reparto: Harriet Andersson,
Lars Ekborg, John Harryson,
Georg Skarstedt, Bengt Eklund.


lunes, 29 de julio de 2019

¡10 citas de cine, un poco de música, y nos vemos en septiembre!


Parafraseando a Woody Allen creo que soy lo suficientemente marciano como para regresar a mi cápsula marciana durante el mes de agosto. Y es que tras las primeras 50 entradas que han sido publicadas en Cine y críticas marcianas durante este año 2019 llega el momento de la desconexión también en redes sociales. 

Sin duda está siendo un año muy especial en el que también publiqué 20 entradas para Cinemagavia, y continué con mi labor en la redacción de Noroeste Madrid. Aun así, durante el mes de agosto seguiré yendo a los cines de verano en Marte que son una cosa muy loca. Algún día hablaré sobre los traductores de cine marcianos que superan con creces a españoles, y mexicanos 👽👽👽.

Pero antes, y como viene siendo ya tradicional en la última publicación del mes de julio, os dejo con diez frases de cine:

1. La televisión es muy educativa. Siempre que alguien la enciende, voy a la habitación y leo un buen libro. -Groucho Marx.

2. Me gusta estar totalmente vestida, o si no totalmente desnuda. No me gustan las medias tintas. -Marilyn Monroe

3. Ser director de cine en España es como ser torero en Japón. -Pedro Almodóvar.

4. Para mí, el cine son cuatrocientas butacas que llenar. -Alfred Hitchcock.

5. Cuando dirijo, hago de padre; cuando escribo, hago de hombre; cuando actúo, hago el idiota.
 -Jerry Lewis.


6. El sexo sin amor es una experiencia vacía, pero como experiencia vacía, es una de las mejores. -Woody Allen.

7. Las familias disfuncionales han engendrado una serie de actores muy buenos. -Gene Hackman.

8. La actuación es una mezcla de suerte y elección. Yo tuve suerte. -John Travolta.

9. La interpretación no es para mí. No me gusta que me digan lo que tengo que hacer. Sofia Coppola.

10. Las actrices, digamos feúchas, que tanto éxito tienen en Italia hoy, me lo deben a mí. Yo fui quién echó la puerta abajo. -Mónica Vitti.

Muchas gracias de todo corazón por vuestra compañía, y nos vemos a primeros de septiembre. 

¡Disfrutad del verano, y sobre todo mucho, pero que mucho La La Land!

miércoles, 24 de julio de 2019

Ingrid García-Jonsson nos presenta: "Yo, mi mujer y mi mujer muerta"


Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz hispano-sueca Ingrid García-Jonsson que nos presenta el estreno en cines españoles de la película hispano-argentina "Yo, mi mujer y mi mujer muerta". El estreno se producirá el día 26 de julio de 2019.

La cinta está encabezada por el extraordinario actor argentino Oscar Martínez al que vimos en Toc, Toc o en la aclamada El ciudadano ilustre. Le acompañan en el reparto Carlos Areces, y la propia Ingrid García Jonsson.

La película nos cuenta la historia de Bernardo (Oscar Martínez) de 63 años, arquitecto y catedrático de la Universidad de Buenos Aires que acaba de enterrar a su mujer. Hombre tradicional y de fuertes convicciones, Bernardo se negó a cumplir el deseo de su esposa de ser incinerada y arrojada al mar en la Costa del Sol, donde ella nació y donde solía volver a pasar un mes al año con su hermana. Según él aquello no era sino una enajenación de última hora. Pero tras varios días de duelo, en los que Bernardo se muestra desorientado y paranoico, recibe la noticia de que han profanado la tumba de su esposa. Entonces Bernardo decide viajar a España, para esta vez sí, y cumplir el deseo de su mujer. Allí le estarán esperando Abi (Carlos Areces) y Amalia (Ingrid Garcia-Jonsson) que le acompañaran en un viaje por la costa del sol malagueña en el que cambiaran por completo su visión del mundo.

Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista a Ingrid Garcia-Jonsson.


Hola Ingrid, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver "Yo, mi mujer, y mi mujer muerta?

Es el viaje del antihéroe. La mujer de Bernardo (Oscar Martínez) ha fallecido recientemente y él está en la búsqueda interna de la mujer con la que estaba casado. Ella antes de morir le pide que sus cenizas sean arrojadas al mar junto a la ciudad de Marbella. Él viaja desde Argentina hasta España y se encuentra en el camino con los personajes de Abi y Amalia que le ayudan con la misión. Es una pelí que habla sobre la vida.

¿En qué género cinematográfico enmarcarías la película?

Pues según como cada uno aborde la vida la puede ver de manera diferente. La gente más optimista la verá como una comedia, y la gente más pesimista la verá como un drama. La podríamos calificar como una comedia dramática o como un drama cómico. En definitiva, es un película que habla de la vida, y la vida a veces es triste, a veces es divertida y otras veces simplemente es.

¿Qué destacarías del personaje que has tenido que interpretar?

Lo que más me gusta de Amalia es que se mueve en una zona intermedia tanto entre géneros como en lo que ella representa. No se sabe muy bien de donde viene, a qué se dedica realmente, y como consigue las cosas que consigue. Tampoco sabemos que edad exactamente tiene y ese misterio me gustaba mucho. Es un personaje muy cándido a priori pero que aporta luz a la peli.

¿Es un personaje muy ambiguo entonces?

Así es. No sabes con certeza si se dedica a la prostitución, si es relaciones publicas, si es madre...es bastante misteriosa.


Oscar Martínez está impresionante en su interpretación. ¿Cómo ha sido trabajar junto a él?

He aprendido de todos los compañeros: de Oscar, de Carlos Areces, del director Santi Amodeo. Pero hablando de Oscar para mí es una suerte trabajar con un actor de su talla. Le sigo desde hace mucho tiempo y viene de una escuela como la argentina que creo que deberíamos imitar. Compartir escena con él ha sido muy fácil y muy placentero.

¿Qué opinión tienes de las coproducciones entre el cine español y argentino? ¿Has trabajado como actriz en Argentina?

Yo trabajo bastante en Argentina y me siento muy afortunada por eso. Tenemos muchas cosas en común más allá de tener el mismo idioma. Y todo lo que sea abrir puertas que es lo que ocurre con las coproducciones está muy bien, y es muy enriquecedor.

¿En qué momento de tu vida decidiste ser actriz?

Han sido varias decisiones las que me han ido colocando aquí, pero quizás fue el momento en el que conseguí trabajar en una peli en Sevilla y decidí que fuera como fuera quería dedicarme al cine. Viajé a Madrid para conseguir mi propósito, pedí una beca para seguir cursando mis estudios universitarios en Madrid y aquí sigo. Ese fue el momento más determinante.

¿Cómo llevas en lo personal tu paso de ser una actriz muy reconocible en el cine independiente a ser un rostro muy popular en cine y televisión?

Bueno...no sé si soy tan popular como la gente piensa, y mi día a día no se ve afectado de momento por mi profesión. Yo lo estoy llevando de una manera natural y al trabajar mucho es normal que a uno le vayan conociendo más. De momento estoy tranquila, estoy bien y con ganas de trabajar.

¿Cuál es tu próximo proyecto o estreno cinematográfico?

"Salir del Ropero" de Ángeles Reine con Verónica Forqué, Rosa María Mateo, David Verdeguer y Candela Peña entre otros actores.

Texto y fotos: Miguel Pina

TEST PERSONAL

Tu película preferida.

"El Viaje de Chihiro" de Hayao Miyazaki

Tu película española preferida.

Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Tu director de cine español preferido.

Luis García Berlanga.

Tu actor preferido.

Philip Seymour Hoffman.

Tu actriz preferida.

Phoebe Waller-Bridge.

Tu festival de cine preferido.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más cómoda o la que más te gusta?

Está en Berlin, en la zona de Kreuzberg. No recuerdo ahora exactamente el nombre pero me encanta por sus butacas estilo sofá y porque ponen las pelis en versión original en inglés.

¿Cine, teatro o televisión?

Como espectadora el cine, pero como trabajadora en los tres medios disfruto mucho.

Tu plato de comida preferido.

En general me encantan los desayunos.

Una ciudad para vivir.

Madrid

Una ciudad por conocer.

Tokio.

Una ilusión por cumplir.

Sacarme el carnet de conducir (risas)

En nombre de todos los amigos de Cine y críticas marcianas quiero agradecer muy especialmente a Ingrid García-Jonsson la concesión de esta entrevista personal que fue realizada en la librería Ocho y Medio Libros de Cine de Madrid.

La entrevista ha sido un trabajo conjunto entre Cine y críticas marcianas y Cinemagavia donde podéis ver también la entrevista con otro formato y fotos en el siguiente enlace  


SELECCIÓN DE TRABAJOS REALIZADOS POR INGRID GARCÍA-JONSSON

CINE

2019 SALIR DEL ROPERO. Dir: Ángeles Bainé. Protagonista

2018 LA PEQUEÑA SUIZA. Dir: Kepa Sojo. Co-protagonista

2018 TAXI A GIBRALTAR Dir: Alejo Flah. Co- protagonista

2018 YO MI MUJER Y MI MUJER MUERTA Dir: Santi Amodeo

2017 EN LAS ESTRELLAS Dir: Zoe Berriatúa.

2016 ANA DE DIA Dir: Andrea Jaurrieta. Protagonista.

2016 GOLPE MAESTRO Dir: César Pujol.

2016 ZONA HOSTIL Dir: Adolfo Martínez.

2015 GERNIKA Dir: Koldo Serra.

2015 TORO Dir: Kike Maíllo.

2013 HERMOSA JUVENTUD. Dir: Jaime Rosales.

TEATRO

2017 MEDIDA POR MEDIDA. Factoría Teatro. Protagonista.

2013 NOCHE DE CHICAS Microteatro. Protagonista.

2009 LOS 80 SON NUESTROS Tomateatro. Protagonista.

2008 EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO. Protagonista.

TELEVISIÓN

2018 INSTINTO. Protagonista. Bambú P.  y Movistar

2015 APACHES. Secundario. Atresmedia y New Atlantis

2013 ALIADOS Telefé. Bianca. Principal

OTRAS ENTREVISTAS EN CINE Y CRÍTICAS MARCIANAS:

Víctor Matellano, director de cine: enlace



José Dueso, escritor y cinéfilo: enlace


Lee Cronin, director de Bosque Maldito: enlace


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miércoles, 17 de julio de 2019

Lee Cronin, director de Bosque maldito: "La inocencia está muriendo a una edad cada vez más temprana"


Por David Domínguez & Miguel Pina

Hoy tenemos el gusto de recibir en Cine y críticas marcianas la primera visita de un director de cine internacional.

Lee Cronin es un cineasta irlandés apasionado con el cine de misterio, y ha estado de viaje en España para promocionar Bosque maldito que supone su debut en el largometraje.

La sinopsis oficial de Bosque maldito (The Hole in the Ground), que llega a los cines españoles el próximo 19 de julio nos cuenta lo siguiente: "En un intento de dejar atrás su difícil pasado, Sarah O’Neill empieza una nueva vida junto a su hijo Chris a las afueras de un pueblecito de leñadores. En las profundidades del bosque colindante con su nueva casa, encuentran un misterioso cráter. A partir de ahí, Sarah tendrá que luchar por descubrir si los extraños cambios en la actitud de su hijo son parte de una transformación fruto de algo mucho más siniestro y peligroso que los simples miedos de una madre".

Sin más preámbulos, os dejamos ya con la entrevista completa. 


Hola Lee, antes de nada queríamos felicitarte por The Hole in the Ground (Bosque maldito) que es tu primer largometraje hasta la fecha. Hace unos años pudimos disfrutar en la muestra de cine fantástico SYFY de tu cortometraje Ghost Train que se situaba en una atracción de feria. Bosque maldito también comienza en una feria. ¿Qué tienen estos lugares para que estén tan presentes en tu trabajo?

Muchas gracias por la felicitación. Bueno, respecto a la pregunta yo crecí en un pequeño pueblo al borde del mar en Irlanda donde había un feria permanente que era un lugar muy divertido. Pero también había algo como un poco turbio y misterioso. Aquello siempre ha formado parte de mi universo. Ese tono, ese ambiente de prisión o de algo como que te encierra, ha estado muy presente en mí desde niño, y de ahí que lo haya trasladado a mi cine.

En The Hole In The Ground no solo llevas la historia a un bosque y a lo rural, sino que creas paisajes extraños como el propio agujero en el bosque. ¿Cuánto tiene este paisaje de folklore y qué aporta a la narrativa?

Algunas personas hubieran visto esto como una opción evidente en el cine de género, pero para mí tiene que ver con el hincapié que quiero hacer con la caracterización de los personajes. Es decir, Sarah, el personaje principal, está huyendo hacia un lugar que parece aislado. Pero lo que está haciendo en realidad es huir de un pasado oscuro. El bosque que para algunos puede parecer un lugar aislado, y terrorífico para ella no lo es. Vendría a ser una especie de santuario porque ella huye de un pasado terrorífico, y busca por lo tanto ese aislamiento para recomponer su vida.

La fotografía pálida, la elección de las localizaciones, la banda sonora… todos son elementos melancólicos. ¿La película habla de la pérdida aunque nunca se mencione directamente?

Es interesante, porque efectivamente el filme tiene mucho que ver con la pérdida. Sarah ha perdido su relación de pareja, y con ello ha perdido mucho de sí misma influenciada por ser madre soltera. Ella tiene un exceso de sobreprotección hacia su hijo al que se lleva a la casa del bosque. Con esta actitud ella va creando sus propios monstruos interiores, y eso es lo que paradójicamente lleva al niño a adentrarse en el bosque para rebelarse ante las pérdidas que va teniendo su madre y que ella no le consigue transmitir adecuadamente.

La película se cimenta sobre el personaje de Seana Kerslake y James Quinn Markey que forman una pareja madre e hijo muy orgánica, ¿cómo fue la elección del casting?

En cuanto al personaje de Sara fue distinto con respecto al niño. Yo lo tenía bastante claro, le mandé el guión, lo leyó, le gustó, y le ofrecí el papel sin tener que hacer casting. Fue una cosa de instinto. Para la elección del niño, sin embargo el proceso fue un poco más largo. Vimos 80 niños en el casting hasta que dimos con el protagonista.

Fotos: Miguel Pina

¿Por qué dan tanto miedo los niños en el cine de terror?

Yo creo que hay dos cosas. En primer lugar, la hipótesis es la más sencilla. Los niños es un hecho que dan miedo en el cine de terror. Pero de manera más importante creo que tienen que ver con las fases, y con los tipos de cambios que los niños padecen durante el periodo de la niñez, y su evolución hacia la adolescencia. Es muy interesante explorar esos lugares de cambio en el niño. A veces la propia pubertad para los propios padres es una experiencia traumática por la evolución en la personalidad de los niños. En todo caso, la moda de niños en el cine de terror creo que tiene que ver con el cambio que se esta produciendo en los hábitos de la niñez, y en cómo van a ser las nuevas generaciones.

¿Se está perdiendo la inocencia en buena parte de los niños?

Creo que sí. Y tiene que ver con el mundo qué cada vez es más duro, y los niños están sometidos a más presión. A raíz de eso creo que lo que está pasando es que la inocencia está muriendo a una edad más temprana.

En los últimos años vemos como salen productos de terror irlandeses muy interesantes como The Canal (IvanKavanagh), TheHallow (Corin Hardy) o A DarkSong (LiamGavin). ¿A qué se debe este florecimiento de cine de terror irlandés?

Siempre es un pregunta difícil de responder, pero creo que hay toda una generación de cineastas que han sido inspirados por ese género de terror y que ahora tienen la oportunidad de proyectar su propia voz. También podemos contar historias que aunque ambientadas en Irlanda podrían suceder en cualquier lugar del mundo.


Por último, ¿te consideras un director de terror? ¿O en futuros proyectos piensas en tocar otros géneros?

Mantendré la mente y el espíritu abierto. Ahora bien, en el sentido más amplio del misterio y del horror es con lo que disfruto. Como digo, misterio en el sentido más amplio de este término. Pero mi obra siempre tendrá una identidad en el cine de género muy fuerte.



TEST PERSONAL

Tu director de cine internacional predilecto.

Steven Spielberg

Tu actor preferido.

Jack Nicholson

Tu actriz preferida.

Emma Stone 

Tu festival de cine preferido.

Sundance

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más cómodo o la que más te gusta?

Empire Cinemas en Londres

¿Cine, teatro o televisión?

Cine.

Tu plato de comida preferido.

Pizza

Una ciudad para vivir.

Nueva York

Una ciudad por conocer.

Tokio

Una ilusión por cumplir.

Viajar a La Luna (risas).




En nombre de todos los amigos de Cine y críticas marcianas quiero agradecer muy especialmente a Lee Cronin la concesión de esta entrevista personal, así como desearle mucha suerte en todos los proyectos que emprenda de ahora en adelante. Agradecer también a Stefania Piras y a Eduardo Gil Rodríguez la gestión de la entrevista que fue realizada en el Palacio de la Prensa de Madrid. 

La entrevista ha sido publicada también en el siguiente enlace de Cinemagavia y ha sido fruto de un trabajo conjunto con el especialista en cine de terror David Domínguez

Bosque maldito (The Hole in the Ground) ya ha sido estrenada en numerosos países, y llega a España el día 19 de julio.


miércoles, 10 de julio de 2019

¡Qué maravilloso es el cine! Vacaciones en Roma (Roman Holiday)


Por María Delgado & Miguel Pina

La elegancia, y la delicadeza con la que Audrey Hepburn interpretaba a sus personajes hacen que recordar esta película sea un verdadero placer para todos los cinéfilos. En este caso, y acompañada de un no menos elegante, y atractivo Gregory Peck, nos hallamos ante una de las parejas cinematográficas que más influencia han tenido en la historia del cine.

Vacaciones En Roma, o La princesa que quería vivir que es como se tradujo en Hispanoamérica, es uno de los grandes clásicos de la comedia romántica. Es un cuento de hadas moderno y urbano que conectó de inmediato con amplios sectores de la sociedad. Si algo significativo consiguió la película de William Wyler (además de una gran recaudación y premios Oscar, Bafta y Globos de Oro), fue catapultar a una jovencísima Audrey Hepburn a lo más alto de la industria del cine, y al corazón de los espectadores. 

El film es como una gran receta. Posee todos esos ingredientes de calidad que, unidos, jamás podrían fracasar: una princesa agotada de su agenda encorsetada, un periodista en busca de una noticia sensacionalista, la relación romántica entre ambos y la ciudad eterna como telón de fondo. En cierta forma, Vacaciones en Roma supuso una fuente de inspiración para la película Las sandalias del Pescador en la que Anthony Quinn, que interpretaba al Papa de Roma, hacia una escapada nocturna por la ciudad como hizo la princesa Anna para escapar por una noche de su jaula de oro.


Y así es como llegamos hasta la historia de la princesa Anna (Audrey Hepburn) que, tras un ataque de ansiedad debido a la poca libertad que le deja su responsabilidad monárquica, decide escaparse durante una de sus visitas oficiales a la capital italiana. Enseguida conoce a Joe Bradley (Gregory Peck), un periodista aparentemente sin escrúpulos.

Aunque al principio ella le oculta su verdadera identidad, él consigue reconocerla y, por consiguiente, planea ganarse su confianza con el fin de escribir la noticia más sensacionalista de su carrera. A partir de entonces, se va generando entre ellos una relación de afinidad que provocará que ambos se enamoren.

La película nos deja imágenes míticas en lugares con encanto, como el paseo en Vespa por las calles de Roma, el momento en el que ambos admiten ser mentirosos en La Boca de la Verdad, la divertida escena del embarcadero, o el reencuentro entre Anna y Joe en la Plaza de España después de que ella haya decidido deshacerse de su melena aniñada y parecer así una mujer más moderna.

Además de los protagonistas principales, hay otros personajes entrañables como Irving Radovich (Eddie Albert) el compañero periodista de Joe, obsesionado con captar una fotografía de la princesa que pueda resultar mínimamente interesante para la prensa.

Aunque la idea original fue del guionista Dalton Trumbo, éste quedó alejado del proyecto al encontrarse en la lista negra del Comité de Actividades Antiestadounidenses, debido a su inscripción en el partido comunista de los Estados Unidos. La película se rodó en 1953, con Willy Wyler como director y ganó tres estatuillas en los premios Óscar: mejor actriz, mejor argumento (premio que a partir de 1956 pasaría a llamarse mejor guion original) y mejor vestuario. Como Dalton Trumbo no fue reconocido por este guion hasta 1993, el premio recayó sobre Ian McLellan Hunter.

Respecto a los actores principales, Cary Grant rechazó el papel como protagonista cuando se lo propusieron. Según se comenta, se consideraba demasiado viejo para aparecer junto a Audrey Hepburn, pero la razón principal es que creyó que todo el protagonismo de la cinta iba a ser para la joven Audrey, y su papel como imponente princesa. Sin embargo, años más tarde, ambos coincidieron en Charada. Del mismo modo, Audrey Hepburn no fue considerada como la primera opción. Antes, pensaron en Elizabeth Taylor y Jean Simmons, actrices mucho más consagradas en Hollywood. Desde el principio, Willy Wyler se mostró encantado con la interpretación de la actriz por el enorme carisma que logró transmitir.


De hecho, en el casting para Vacaciones en Roma la joven, y timida Audrey enamoró a las cámaras con su expresividad, su pelo corto, y su dulzura infinita que siempre estará presente en la memoria colectiva de todos los amantes del cine.

Con su entrada triunfal en el cine, Audrey Hepburn, rompió con el canon de belleza femenino que hasta ese momento prevalecía en Hollywood, en el que las protagonistas solían ser mujeres voluptuosas que vestían vestidos ajustados y tacones altos. Audrey Hepburn representaba todo lo contrario, tenía el cuerpo delgado de bailarina y caminaba sobre zapatos planos.

Vacaciones en Roma es una producción Hollywoodiense, aunque está rodada en su totalidad en Italia. Paramount Pictures accedió a filmar en los estudios Cinecittà y utilizar escenarios reales de la ciudad. Por consiguiente, Vacaciones en Roma y Quo Vadis fueron el inicio de Hollywood sobre el Tíber, el nombre con el que se conocía a una serie de películas americanas de éxito rodadas en Italia durante los años 50 y 60. A estos dos films le siguieron Guerra y paz, Ben-Hur, Cleopatra y Jasón y los argonautas.


En conclusión, Vacaciones en Roma es un gran clásico en el que es difícil distinguir que brilla más: los actores, el argumento o las calles de una de las ciudades más espléndidas del mundo. La película retrata de manera muy acertada la inocencia y la magia de una época. También nos remite al cuento de La Cenicienta pero de manera inversa, y sobre todo, nos regala una historia inolvidable en ese glorioso blanco y negro que hace brillar, más si cabe, la mirada de una verdadera estrella de cine con mayúsculas como fue, es, y será la inolvidable Audrey Hepburn. 


Nota final: Este texto ha sido elaborado en conjunto con la escritora, y bloguera María Delgado que nos acompaña en redes sociales con su estupendo blog literario, y a veces cinefilo: Lo que el viento se dejó

María Delgado (Barcelona, 1982), es Diplomada en Estadística y licenciada en Ciencias Actuariales y Financieras en la Universidad de Barcelona. En 2009 publicó su primera novela, La tragedia de Pompeya, con la editorial Éride.

Durante este año 2019 la editorial Caligrama ha publicado su segunda novela llamada Esperando a René de la que podéis encontrar un extracto o adquirirla en el siguiente enlace.


jueves, 4 de julio de 2019

Natalia de Molina: "El cine va a sobrevivir siempre que haya gente que quiera verlo"


Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz ganadora de dos Premios Goya de la Academia de Cine Natalia de Molina.

El motivo de esta doble entrevista publicada también en Cinemagavia, es el inminente estreno de su nueva película: "522. Un gato, un chino, y mi padre" que llega a los cines españoles el día 5 de julio.

La sinopsis oficial nos cuenta que George (Natalia de Molina) convive con una peculiar versión de agorafobia que limita su universo a un perímetro de 522 pasos con respecto a su casa... pero un día su gato, su único compañero, muere y se ve obligada a emprender un viaje singular. Decidida a darle un lugar de sepultura adecuado, instala su ‘hogar’ en una camioneta y emprende un viaje por carretera de regreso a su patria natal, Portugal. Esta aventura revelará que, entre saudade y fados, quizá halle un modo particular de hacer frente a su pasado.

Natalia de Molina es ganadora de dos Premios Goya. El primero como mejor actriz revelación en 2014 por su interpretación en ‘Vivir es fácil con los ojos cerrados’, y el segundo en el año 2016 como mejor actriz protagonista por su papel en ‘Techo y comida’. En 2018 intervino en Animales sin collar, Quién te cantará, No dormirás, y en este 2019 en el éxito de Netflix: Elisa y Marcela.

Como curiosidad adicional, os diré que Natalia de Molina fue la primera actriz a la que entrevisté para otro medio hace ahora tres años. Ha sido por lo tanto un verdadero placer volver a conversar con una gran actriz ya consolidada, y que brilla en lo personal por su humildad y sencillez. Pienso que su capacidad como interprete la volverá a llevar, ya sea como nominada o como ganadora, a la alfombra roja de los Premios de la Academia de Cine de España. 

Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista. 


Hola Natalia, ¿qué se va a encontrar el espectador cuando vaya al cine a ver el estreno de "522. Un gato, un chino y mi padre"?

Se va encontrar con una road-movie. Es también una comedia dramática de una chica que se llama George que sufre una peculiar agorafobia con la particularidad de que tiene perimetreda una zona en la que no puede dar más de 522 pasos para estar cómoda en su zona de confort. Al final es una película que es el viaje de esta chica para reconciliarse con quien es ella, y con su pasado. Es un viaje de abrir la mente y encontrarse con uno mismo.

¿Cómo definirías entonces a George que es el personaje que has interpretado y cómo lo has preparado?

Es una chica que se niega, y que no quiere ser quien es. Tiene muchos problemas, y uno de ellos tiene que ver con su propio nombre, pero eso se descubrirá durante la película. La preparación del personaje ha sido muy exhaustiva y he tenido que aprender portugués para interpretarlo.

George, tu personaje en la película padece agorafobia. ¿Crees qué es posible vencer este trastorno? ¿Qué consejo o pauta darías a las personas que lo padecen tras tu experiencia en esta película?

Es muy difícil porque son trastornos que escapan del control. Son traumas tan fuertes que la gente cree que puede morirse. Pero claro que se puede superar con ayuda, con querer superarlo, y por supuesto con la ayuda de profesionales

¿Ha sido un rodaje duro por el personaje interpretado?

Ha sido el rodaje más duro de mi vida. Muy complejo a nivel técnico con la cámara siempre muy cerca, y con un personaje como George que nos deja el mensaje de que no hay que renunciar a quien eres, y a tu esencia.

En la cinta cantas, corres, te cortas el pelo, y hablas también en portugués, ¿sabías ya hablar el idioma o  has tenido que estudiar para ello?

No tenía ni idea de portugués (risas), y fíjate que luego vas allí y resulta que todos hablan español. Pues estando tan cerca no tenía ni idea de portugués y tuve que estar con una profesora para prepararme las partes del guión que tenía que hablar en portugués. Es un idioma precioso y suena muy bien.

¿Cómo ha sido la experiencia de rodar en Portugal?

No conocía Portugal. Es la primera vez que iba a Portugal, y tenía muchas ganas de conocer el Algarve porque tenía mucha gente cercana que había pasado vacaciones allí. Siempre veía imágenes y me parecía un paisaje espectacular. Así que gracias a esta peli pude estar allí, conocerlo, y es precioso. El único pero es que el tiempo no nos acompañó, y llovió muchísimo.

Texto y fotos: Miguel Pina

En 2018 te vimos en las películas Animales sin collar, Quién te cantará, No dormirás, y en este 2019 en el éxito de Netflix: Elisa y Marcela. ¿Cómo llevas este éxito profesional teniendo en cuenta que apenas un 10 por ciento de los actores trabaja con regularidad?

Estoy orgullosísima de la carrera que estoy llevando y me siento muy feliz. Para mí el éxito es poder elegir el trabajo. Todos los que nos dedicamos a esto y podemos vivir de nuestro trabajo somos afotunadísimos porque somos muy pocos los que vivimos de ser actor o de ser actriz.

¿Qué está aportando en tu opinión Netflix al mundo audiovisual? ¿Crees que el cine en el cine puede estar en peligro?

Creo que desde que han llegado las plataformas aquí a España han generado mucho más trabajo. Y se ve: hay muchísimos rodajes, mucha gente trabajando ahora mismo y eso es positivo. Concretamante mi experiencia con Netflix con la película "Elisa y Marcela" ha sido muy positiva. La película se va a poder ver en más de 190 países como: Brasil, India, o Arabia Saudí de donde me llegan mensajes muy positivos. Y de lugares donde está prohibido el amor entre personas del mismo sexo. Es un mérito de Netflix hacer llegar sus películas tan lejos. Hay que recordar que se hacen películas maravillosas que se estrenan en tu país y poco más. Siempre se dice que el cine puede morir, ya lo decían con el digital. El cine va a sobrevivir siempre que haya gente que quiera verlo.

¿Qué percepción tienes de la industria cinematográfica en España y cómo crees que se puede fomentar nuestro cine para que sea atractivo para el espectador?

Ahora mismo hay una remontada en el cine español porque hacemos más rodajes y más trabajos. Pero creo que hay comprometerse con el espectador y hay muchas veces que nos estamos olvidando de las esencias, de nuestra cultura y de donde somos. Hay que buscar más historias locales y cercanas. Rescatar en definitiva nuestra historia y nuestra esencia. Contra más locales seamos, más universales pareceremos. Queda mucho por hacer, pero se están dando pasos en reivindicar el cine español sobre todo de parte de los más jóvenes.

¿Estarías en disposición de dar el salto a Hollywood si llama a tus puertas o prefieres centrarte en el cine español, y europeo?

Yo estoy muy a gusto aquí y si surgen proyectos fuera estaría encantada siempre que la historia me apeteciera hacerla. No lo descarto, pero no me obsesiono con ello.

¿Cuándo y por qué decidiste ser actriz?

Ya desde pequeña me había gustado mucho cantar, bailar, actuar, dibujar, escribir. Siempre tuve muy desarrollado el sentido de la imaginación y del arte. Conseguí además vencer mi timidez a través de las clases de teatro en la que me apunté. Y lo curioso es que cuando me subía al escenario la timidez desaparecía. Disfrutaba con los personajes,

¿Cuales son tus próximos proyectos profesionales?

Las niñas de Pilar Palomero que comienzo a rodar este mes, y acabo de concluir el rodaje de Operación Camarón de Carlos Therón que es una comedia y que me apetecía mucho hacer para cambiar de registro.


TEST PERSONAL

¿Cual es tu película favorita?

 Una mujer bajo la influencia.

¿Tu película española preferida?

La lengua de las mariposas de José Luis Cuerda.

¿Tu director de cine preferido?

Isaki Lacuesta, Carlos Vermut, Isabel Coixet.

 ¿Y tu director de cine favorito a nivel internacional?

John Cassavetes.

¿Tu actor preferido?

Ricardo Darín.

¿Tu actriz preferida?

Tengo tres: Marilyn Monroe, Gena Rowlands y Anna Magnani.

¿Una ciudad para vivir?

Madrid.

¿Una cuidad por conocer?

Tokio

¿Tu comida preferida?

 El cocido de mi madre, de Granada.

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más a gusto o más te gusta?

Los Cines Ideal en los alrededores de la Plaza Jacinto Benavante de Madrid.

Tu festival de cine preferido.

El Festival de Cannes.

Cine, teatro o televisión.

Las tres cosas.

Redes sociales o ver la televisión.

Ir al cine (risas)

Una ilusión por cumplir.

Rodar una película en Chile.


En nombre de todos los lectores y seguidores de Cine y críticas marcianas quiero agradecer muy especialmente a Natalia de Molina la concesión de esta entrevista personal, así como desearle mucha suerte en todos los proyectos que emprenda de ahora en adelante. Agradecer también a Ainhoa Pernaute , y a Eduardo Gil Rodriguez la gestión de la entrevista que fue realizada en en la zona centro de Madrid.

Texto y fotos: Miguel Pina.

La entrevista ha sido un trabajo conjunto entre Cine y críticas marcianas y Cinemagavia donde también podéis leer la entrevista con otras fotos y formato en el siguiente Enlace.



jueves, 27 de junio de 2019

Los días que vendrán: un sí a la vida, un sí al amor


La maternidad tiene un efecto humanizador. Todo se reduce a lo esencial. -Meryl Streep.

La historia: Virginia (María Rodríguez Soto) y Lluis (David Verdaguer) son dos treintañeros residentes en Barcelona que tras un año de noviazgo afrontan el embarazo no deseado de la joven. Tras las dudas, miedos e incertidumbres iniciales, la pareja decide afrontar la situación, y con ello se embarcan en una experiencia en la que cambiarán su visión del mundo.


La crítica: Los días que vendrán se estrena el próximo día 28 de junio en cines españoles tras haber arrasado en el Festival de Cine de Málaga con 4 galardones entre los que se hallan el Premio a la Mejor Película, Mejor Actriz Protagonista, y Mejor Dirección para Carlos Marques-Marcet que ya cobró cierta popularidad por su película 10.000 km.

La cinta cuenta con la peculiaridad de que la pareja de actores protagonistas son también novios en la vida real. Pero es que además, la película está rodada en tiempo real, y el embarazo de la actriz lejos de ser una simulación, fue real y dio pie a que se rodara este cálido y sutil proyecto cinematográfico. Por lo tanto, nos encontramos no ya con una historia basada en hechos reales, sino que los propios hechos reales son los que van marcando los pasos de la propia historia.

Los días que vendrán viene marcada por un cierto estilo semi-documental muy digerible, y está enfocada desde la cotidianidad de las relaciones de pareja. En este caso, desde la cotidianidad de la generación millennial, y de unas relaciones más o menos líquidas en la que los cambios de pareja son a veces tan habituales como el cambio de marca de desodorante.

Quizás uno de los puntos más interesantes de la película transcurre en su planteamiento inicial y en el tratamiento del "concebido no nacido" como diría una joven política madrileña (Díaz Ayuso), que también se declaró "fan" de los atascos de circulación, y que aboga por la vuelta a ellos "para dar ambiente a las urbes".

En fin, volviendo al tema inicial, lo que si trata de hacer el cineasta es mostrar sin juzgar, como las parejas en la actualidad deciden si siguen adelante con un embarazo o interrumpen el mismo de manera voluntaria. El problema de esta situación es que el aborto se está utilizando como un método anticonceptivo más, y no como una solución de "emergencia" como recoge la legislación actual.

A partir de eso momento la joven pareja decide dar un paso al frente, cambiar su perspectiva vital, y formar un equipo para afrontar un embarazo que se filma de manera preciosista en la gran pantalla.

Los días que vendrán también refleja de manera muy acertada las luchas de poder en la pareja. Otras temáticas que se tocan con acierto estarían enfocadas en vislumbrar ciertos atavismos machistas, la posibilidad de dar a luz en el hogar familiar o como la precarización laboral influye en la contratación de una mujer si esta queda embarazada.


En el reparto brilla con luz propia la actriz catalana María Rodríguez Soto (El tiempo entre costuras) que interpreta a Virginia -trasunto de ella misma- regalándonos con ello, y compartiendo con el espectador el proceso de su embarazo en tiempo real. Por este papel, ha obtenido la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz del Festival de Málaga, y se postula seriamente para estar entre las candidatas a los Premios Goya de la Academia de Cine de España.

Su compañero en la pantalla, y en la vida real es David Verdaguer (10.000 km) que interpreta a Lluis de una manera correcta en un personaje en el que hemos de suponer se mezclan la ficción, y los miedos propios que aparecen al ser consciente de su rol como nuevo padre. Estos miedos, dudas o elementos de inquietud se ven incrementados por el duro entorno laboral en el que conviven los personajes. Cabe señalar, que ambos personajes son ficcionados en la película y sus profesiones son distintas a las que ejercen como actores en la vida real.

Hay un aspecto determinante en la película que marca una narrativa que como vengo explicando fusiona con acierto elementos reales, y elementos ficcionados. Este aspecto es la inclusión de unas imágenes de una grabación del embarazo y del parto de la madre de María Rodríguez Soto.

Se trata de una cinta VHS olvidada por casi todos (no por ellos), que los padres de María decidieron compartir e incluir en la película. Con ello, Carlos Marques-Marcet articula un espejo de generaciones que se produce cada vez que un nuevo bebé está a punto de aparecer en la vida de unos padres novatos.


En conclusión, Los días que vendrán es un soplo de aire fresco para el cine español con una narrativa y una composición escénica de muy alto nivel. La secuencia final en la que María, y Virginia se funden ya en un solo personaje solo se me ocurre calificarla como celestial. En esta escena es cuando podemos entender de manera gráfica, y muy sentimental el verdadero significado de la maternidad, del amor y de la vida en sí misma.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España

Título original: Els dies que vindran

Idiomas: Español y Catalán

Dirección: Carlos Marques-Marcet

Guión: Coral Cruz, Clara Roquet,
Carlos Marques-Marcet

Reparto: Maria Rodríguez Soto,
David Verdaguer, Sergi Torrecilla.

Música: María Arnal

Fotografía: Alex García

Duración: 94 minutos

Estreno España: 28 de junio 2019.

jueves, 20 de junio de 2019

La influencia: nueva niña del terror en versión española (y con hacha)


La influencia dirigida por Denis Rovira van Boekholt se estrena en cines españoles el 21 de junio en un filme de terror con niña poseída incluida. 

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La historia: Alicia (Manuela Vellés) es una joven enfermera que viaja desde Madrid hasta la casona asturiana de la que huyó siendo una niña. Acompañada de su marido Mikel (Alain Hernández) y de su hija Nora (Claudia Placer), encuentran un panorama desolador con su madre (Emma Suárez) conectada a un respirador artificial, y con su hermana Sara (Maggie Civantos) aterrorizada por unos extraños fenómenos.  


La crítica: La influencia supone una más que decorosa ópera prima del cineasta Denis Rovira van Boekholt en esta adaptación cinematográfica basada en la novela homónima del escritor británico Ramsey Campbell

La cinta se suma al festival de cine terror que estamos viviendo en este primer semestre del año, y cumple ya de paso con la cuota de cine español dedicada al género. De presentación modélica en cuanto a personajes, contexto geográfico, y narrativa, el guión de La influencia escrito por Michel Gaztambide nos regala sesenta minutos iniciales de un gran suspense y una atmósfera opresiva muy bien conseguida. 

El problema, y no menor del largometraje, consiste en que la resolución de su abigarrado libreto gira, y sustituye la gran intriga producida hasta el momento por un espectáculo en forma de apariciones, sustos o gritos que rompen el tempo de la película. No obstante, en esa locura final en la que se convierte la narrativa hay un momento de lucidez. En él, queda explicado el comportamiento de la madre de Alicia y el porqué de la huida de esta última del hogar familiar. 

El cineasta debutante recurre de manera acertada a intercalar flashbacks como medio narrativo para conocer la historia de este peculiar matriarcado asturiano marcado por la tragedia. Por lo tanto, la historia no está narrada en orden cronológico. De esta manera, y al contrario de lo que sucede en otras historias de género, los personajes protagonistas tienen más información que el espectador con el acertado propósito de causar incertidumbre, tensión e intriga en el mismo. 

No quiero explicar mucho más de lo que sucede en la trama pues cualquier detalle puede destripar o reventar la argumentación central y esto en una película de suspense es más imperdonable si cabe. 

Lo que si vamos a hacer es repasar los personajes principales a través de un reparto bien equilibrado.


En la imagen superior observamos a la actriz española Maggie Civantos en el año de su consagración definitiva como actriz. En este 2019 obtuvo el galardón a la Mejor Actriz de Reparto en el Festival de Cine de Málaga por su interpretación en la comedia Antes de la quema. Es ahora y un papel dramático cuando demuestra todas sus capacidades como interprete. Su personaje en la cinta, Sara, está marcado por una trágica situación que vivió junto a su hermana Alicia en la niñez. Pero fue ella la que tuvo que quedarse en la casona asturiana reflejada en la historia, y convivir con las paranoias de su madre.  

Alicia mientras tanto no pudo soportar los sucesos ocurridos en la siniestra morada, y huyó buscando rehacer su vida. Ahora el encuentro con los fantasmas del pasado, con su hermana y con su madre enferma, volverán a cambiar su vida para siempre. Este papel está correctamente interpretado por Manuela Vellés (Velvet) aunque la sombra de la sobre actuación está presente en pantalla. Su marido en la pantalla es Alain Hernández que cumple sin más, y su siniestra suegra que es interpretada con excelencia por Emma Suárez (JulietaLas hijas de Abril).  

Mención especial para Claudia Placer (Verónica) que interpreta a una nueva niña del terror que es poseída por su abuela (la siniestra suegra), y realmente acojona en pantalla. Una de las perlas que deja en pantalla es cuando se dirige a su madre (Alicia) con la siguiente frase: "Como le digas algo a papá, le mato". Teniendo en cuenta que la niña maneja un hacha a su antojo, agrede a una compañera de escuela con un compás, y tiene más mala leche que un gato callejero, la amenaza no es algo menor.


En la parte técnica cabe destacar una buena fotografía nocturna de Isaac Vila que permite ver lo que está sucediendo en pantalla. Y es que a modo de oximorom diría que hace lo invisible, visible y demuestra que se puede "iluminar" de manera adecuada la noche. En cualquier caso, un buen trabajo en la dirección de fotografía puede quedar anulado si el proyector de nuestra sala de cabecera está obsoleto. Es entonces, cuando no veremos nada en las escenas nocturnas, y poco en las diurnas. 

La dirección de arte se centra en fabricar una autentica casa del terror bizarra, gótica y por momentos horripilante. El hogar cumple con la función narrativa de ser otro personaje más de la película. 

Las localizaciones exteriores fueron grabadas en la verde y húmeda Asturias, principalmente en el pueblo de Luarca, que por su arquitectura, sus calles estrechas, y su puerto guardan concordancia con la sensación opresiva que el cineasta ha querido transmitir. 


En conclusión, La influencia es una aterradora diversión de la que disfrutaran especialmente los amantes del binomio cine de suspense con dosis de terror, y con niña incluida. Es cierto que los múltiples giros del tercio final van a causar controversia, pero siempre es mejor esto que la pura indiferencia al salir de una sala de cine. En definitiva, el debut cinematográfico en el largometraje de Denis Rovira van Boekholt me ha parecido moderadamente divertido en su narrativa, muy loco por momentos en sus giros finales, pero aceptable dentro de los parámetros del género fantástico. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Denis Rovira van Boekholt

Guión: Michel Gaztambide

Reparto: Emma Suárez, Manuela Vellés,
Maggie Civantos, Alain Hernández,
Claudia Placer, Mariana Cordero.

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Isaac Vila

Duración: 100 minutos.

Estreno España: 21 de junio de 2019