True Things: el deseo y el amor en clave femenina

 True Things dirigida por Harry Wootliff se estrena en Filmin el viernes 24 de junio tras su paso por la Sección Horizontes del prestigioso Festival de Venecia. Su estreno en cines de Estados Unidos se producirá el próximo 9 de septiembre. 

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La historia: Kate (Ruth Wilson), es una treintañera que trabaja en una oficina de servicios sociales atrapada en una rutina tediosa y frustrante. Pero un día se cruza con un desconocido, Blond (Tom Burke), que la despertará de la rutina y con quien empezará un romance dominado por la obsesión y la autodestrucción.

La crítica: La cineasta Harry Wootliff se basa en la novela "True Things About Me" de Deborah Kay Davies para su nueva película tras la premiada "Only You", en la que dirigió a Josh O'Connor y a Laia Costa a la que veíamos hace poco en la española Cinco lobitos. 

True Things comienza de forma explosiva y aunque se va desinflando como un globo nos deja aspectos muy interesantes sobre la psicología femenina. La película es subjetiva, íntima y de manera fundamental nos habla sobre la relación de una mujer consigo misma. Durante su viaje hacia esa autonomía personal, Kate se ve abocada a dejarse consumir y descarrilar por un hombre como si fuera una niña de dieciocho años. 

Lo que pudiera parecer una relación tóxica para el común de los mortales para Kate no lo es. De hecho está dispuesta a dejar su trabajo, discutir con sus padres o humillarse como persona con tal de poder estar más cerca de un hombre que no parece mostrar mucho interés en ella. Pero lo que pudiera parecer tóxico a primera vista, después de todo, también puede ser embriagador para ella. Así es como la protagonista parece consumirse entre el deseo y la insatisfacción con una relación que se presenta como un atisbo de caminos no recorridos.

True Things cuenta con dos de los actores más dinámicos y carismáticos de Reino Unido: Ruth Wilson ("Mrs Wilson") y Tom Burke ("The Souvenir"). El personaje masculino es simple y solo aporta algo al relato como espejo deformado de Kate. Hablamos de un tipo recién salido de la prisión y qué se dedica a trapichear. Kate ya no sabe quién es y ha aceptado una versión de sí misma que ha sido moldeada por la sociedad, por quienes la rodean y ahora por un hombre que no sabe que hacer con su vida. 

En la parte técnica -muy plana en todo caso- destaca el sonido; tanto los sonidos de la naturaleza como la música que en ocasiones refleja el romanticismo ingenuo de los sueños de Kate. El libreto abusa del mundo onírico de la protagonista y gana cuando se centra en lo mundano. La perspectiva de los encuentros sexuales es bastante original y se centra en el deseo femenino desde la mirada de Kate.

True Things me ha parecido una buena muestra del cine independiente británico pero quizás no tan buena como lo que suele elegir Filmin para su catálogo. Hablamos de un cuento con moraleja sobre una relación sexual destructiva que es compleja y muy común a la vez –una relación que suena familiar y que se percibe como un rito de iniciación–. Es algo así como una historia de amor que se fija, desde los ojos de Kate, en lo frágil que puede llegar a ser la confianza en uno mismo y cómo algunas mujeres usan las relaciones para explorar su identidad en plena igualdad con los hombres ante la perplejidad de algunos de ellos.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Harry Wootliff

Guion: Harry Wootliff

Fotografía: Ashley Connor

Música: Alex Baranowski

Duración: 100 minutos

Reparto: Ruth Wilson, Tom Burke,

Tom Weston-Jones, Hayley Squires,

Elizabeth Rider, Melissa Neal

El insoportable peso de un talento descomunal: Nicolas Cage se hace un original selfie cinematográfico

 

El insoportable peso de un talento descomunal dirigida por Tom Gormican se estrena en cines españoles el día 17 de junio. La nueva película del ganador del Oscar® Nicolas Cage (Face/Off, Leaving Las Vegas) supone el debut en Hollywood del actor español Paco León.

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La historia: Nicolas Cage interpreta a... Nicolas Cage en esta comedia autoparódica ambientada en Baleares, con muchas referencias a su carrera cinematográfica. Cage es un actor hasta arriba de deudas y con una mala relación con su familia, que se ve obligado a aceptar una suma millonaria para acudir al cumpleaños de un excéntrico millonario en la isla española de Mallorca. Todo se complica cuando se percata de que su anfitrión es un mafioso y es reclutado por la CIA para arrestarle. 

La crítica: En la imagen superior observamos lo que en definitiva es la idea de El insoportable peso de un talento descomunal. Nicolas Cage hace una mirada física y metafórica a lo que ha sido su carrera en el mundo cinematográfico. La cinta se presenta como un ejercicio muy original de metacine irreverente. Hablamos de un ejercicio que permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión a través de su práctica, en el que el cine se mira al espejo con la pretensión de conocerse mejor.

La película muestra el retrato de la decadencia de las estrellas de Hollywood en la misma piel de Nicolas Cage. El actor se presta a su propia parodia con humildad a los mandos de Tom Gormican que sorprende con este ejercicio rompedor de esquemas. El cineasta ha definido su filme como una carta de amor sincera, auténtica e hilarante hacia Nicolas Cage. No queda más remedio que darle la razón. Destacaría la parte central del filme con una antológica secuencia cómica. En ella, el personaje de Cage y el mafioso asentado en Mallorca toman LSD y consiguen provocar la carcajada con situaciones realmente divertidas. 

El tercio final de la película es el más flojo cuando la propia historia se toma en serio a sí misma. En esta parte el relato se convierte en una película de acción con demasiados clichés que se sienten reiterativos y aportan poco a la esencia de la narración. La aparición final de Demi Moore y una doble referencia tronchante a la película "Paddington 2" arreglan algo el entuerto dejando una sonrisa final. 

El verdadero Nicolas Cage es nada menos que una leyenda de la pantalla cuyas películas emblemáticas incluyen La Roca, Cara a Cara, Con Air (Convictos en el aire), Hechizo de Luna, Luna de miel para tres y un papel ganador del Premio de la Academia® en Leaving Las Vegas (Mejor actor, 1995). Le acompañan en la parodia el excéntrico mafioso multimillonario (Pedro Pascal) que le contrata para festejar su cumpleaños y Paco León que debuta en estas lides con un extraño papel como el villano de la película que secuestra a niñas y quiere matar al propio Nicolas Cage. 

En la parte adicional destacan las increíbles panorámicas sobre Mallorca y el Mediterráneo así como el diseño de interiores de la mansión a la que es invitado el protagonista. En ella se reproduce un lujoso santuario para Nicolas Cage, que alberga una interminable variedad de accesorios:  incluyen guiones (El señor de la guerra, La Búsqueda, Leaving Las Vegas); pizarras (La chica del valle, Cara a cara, Arizona Baby); y accesorios preciados, como las armas doradas de Cara a Cara, el billete de lotería de "Te puede pasar a ti" y la antorcha de "La búsqueda".

El insoportable peso de un talento descomunal me ha parecido una película marciana, muy divertida en su parte central y flojita tanto en su presentación como en la parte final. La cinta es algo inconsistente en su humor, pero se siente como una celebración enérgica de uno de los actores más enigmáticos de todos los tiempos. Sin duda, la cinta será celebrada por los fanáticos de Nicolas Cage, e incluso puede convertir a algunos de sus detractores en nuevos seguidores del célebre actor.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original:

The Unbearable Weight of Massive Talent

Dirección: Tom Gormican

Guion: Kevin Etten, Tom Gormican

Fotografía: Nigel Bluck

Música: Mark Isham

Duración: 105 minutos

Reparto: Nicolas Cage, Pedro Pascal,

Tiffany Haddish, Neil Patrick Harris,

 Demi Moore, Sharon Horgan, 

Jacob Scipio, Paco León

Cinco lobitos: maternidad a tiempo completo

Cinco lobitos dirigida por Alauda Ruiz de Azúa fue la gran triunfadora del Festival de Cine de Málaga 2022 obteniendo la Biznaga de Oro a la mejor película y guion, el premio de interpretación para Laia Costa y Susi Sánchez y el Premio del Público. La película estrenada en cines españoles el pasado 20 de mayo conforma junto a Alcarràs y La abuela lo más aceptado del cine español en este primer semestre del año. 

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La historia: Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre. Su pareja se ausenta durante meses y ella se ve desbordada, incapaz de atender a su bebé y recuperar su trabajo como traductora. Es entonces cuando busca refugio en casa de sus padres con la esperanza de que estos cuiden de ella y su bebé en su hogar de la infancia, un bonito pueblo costero del País Vasco. Pero la vida tiene otros planes, su madre cae enferma y es Amaia quien tendrá que cuidar de su bebé y de sus padres. 

La crítica: Con un cierto aire al cine profundo de Pilar Miró o incluso al del maestro Juan Antonio Bardem, nos hallamos ante una ópera prima inusual por su contundencia narrativa. Cinco lobitos escrita y dirigida por Alauda Ruiz de Azúa juega con los roles en la familia cuando estos se invierten cambiando sus relaciones para siempre. La hija se convierte en la madre de todos. Amaia, que hasta ahora solo quiso a su madre, comenzará a entenderla y con ello a comprender su sacrificio.

La cineasta lanza al aire una batería de preguntas sobre la maternidad de manera cruda y directa: ¿Cómo se aprende a ser madre? ¿Cómo cambia la maternidad la forma en que vemos a nuestros padres? ¿Por qué dignificamos tan poco lo doméstico ni nos paramos a pensar en el esfuerzo o tiempo que hay detrás de las personas que nos cuidan? ¿Cómo vamos a dignificar algo que no valoramos?

A través de un relato directo, crudo y dramático vamos conociendo los entresijos de una familia normal en su vida cotidiana. La película es a veces tan seca e hiperrealista con las tareas del cuidado del bebé recién llegado al mundo, que nos recuerda a un formato documental sobre la crianza. Juega en su contra la falta de alguna nota de humor y la pesadumbre que pesa en el ambiente por la precaria situación de los padres del bebé. Los abuelos, que se unen a la crianza, aportan lo más mollar del relato con una especie de reflexión sobre la vuelta a los orígenes y sobre la precariedad laboral que viven los más jóvenes.

El mundo doméstico, por tanto, está presente en toda la película de forma recurrente. El tiempo del cuidado no es épico, ni notorio, es casi ruido de fondo, y sin embargo, es imprescindible cuidar de nuestros seres queridos y vulnerables. La cineasta nos habla de los cuidados desde lo emocional, pero sin emocionar demasiado. Quién cuida a quién en las familias es algo que nos dice mucho sobre sus relaciones y el momento que vive una familia. Generalmente son las mujeres; las hijas las que se hacen cargo de estas situaciones de manera natural en una especie de ciclo inalterable en el tiempo. Cuidar a una madre o a un padre, cuando siempre fueron ellos los que te cuidaron a ti es un viaje a la inversa, que tiene algo de reconciliación y de encontrarse desde otro sitio. 

Cinco lobitos combina el retrato generacional sobre madres actuales con el de esas otras madres, ahora abuelas, que se quedaron en casa, cuidaron de la familia y sin las cuales no se entiende la sociedad actual. Amaia, la protagonista, es interpretada de manera sensacional por Laia Costa que se perfila como una de las favoritas en la próxima temporada de premios. El personaje de su madre, ahora abuela, es la esencia de la película. Susi Sánchez nos regala una interpretación muy sólida con un personaje lleno de vida hasta que la propia vida comienza a diluirse como un azucarillo. La enfermedad aparece ahora como frente discursivo en una vuelta de tuerca que incrementa el drama y deja poco espacio para la felicidad que trae la llegada al mundo de un nuevo bebé. Completan el reparto el padre de la criatura, interpretado por un discreto aunque eficaz Mikel Bustamante y el veterano Ramón Barea como padre, abuelo y esposo en un rico personaje.

En la técnica se ruedan en espacios reducidos que incrementan la sensación de claustrofobia que viven los personajes. Algunos exteriores en la costa vasca ayudan a recordar que estamos en el cine y qué se supone que estamos en la sala para evadirnos de la realidad cotidiana. No obstante, cabe reconocer un gran trabajo en la dirección de arte que se emplea a fondo y otorga (más) realismo al relato presenciado.

Cinco lobitos me ha parecido una película de cine artesanal, profundo pero reiterativo en el mensaje que trata de exponer. Alauda Ruiz de Azúa realiza una ópera prima muy solida con una pericia en la dirección como si llevara cien películas rodadas. Eso es admirable. En definitiva, nos hallamos ante una película que nos habla sobre la familia y de ésta como una de las pocas cosas que no podemos cambiar. Puedes cambiar de ciudad, de pareja, de trabajo pero no de padres. Ni de hijos. La familia nos condiciona, nos explica, nos abraza, nos saca de quicio o nos alienta sin límites. El cambio de roles en la familia retratada nos ayuda a entender este núcleo como un espejo honesto e implacable. La cinta española es un viaje que nos lleva desde el nacimiento hasta el final de la vida a través de un juego de espejos cotidiano, realista y sincero.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Alauda Ruiz de Azúa

Guion: Alauda Ruiz de Azúa

Fotografía: Jon D. Domínguez

Música: Aránzazu Calleja

Duración: 105 minutos

Reparto: Laia Costa, Susi Sánchez,

Ramón Barea, Mikel Bustamante,

José Ramón Soroiz, Amber Williams

                                

Mr. Wain: la belleza de un lienzo pintado

Mr. Wain dirigida por Will Sharpe se estrena en cines españoles el próximo día 9 junio. La cinta británica es un biopic del reconocido pintor británico Louis Wain, famoso por sus pinturas dedicadas a los gatos. 

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La historia: Inglaterra, 1888. Louis Wain (Benedict Cumberbatch), es un insólito artista e inventor cuyos grandes logros atraen a las principales publicaciones del momento. Mientras intenta compaginar su creatividad con el cuidado de sus cinco hermanas y de su madre, conoce a Emily (Claire Foy), que será el amor de su vida; y ambos adoptan a Peter, la mascota que inspirará su arte basado en dibujos sobre el mundo gatuno.  

La crítica: Tras su paso por el Festival de Toronto, el Festival de Telluride y recientemente por el Bcn Film Festival, Mr. Wain o The Electrical Life of Louis Wain, que es su título original, se presenta como una original biografía cinematográfica que hará las delicias de los amantes de los gatos, de los apasionados del cine de época y de las almas románticas si es que aún hubiese alguna sobre el planeta.  

¿Quién fue en realidad, Mr. Wain? Louis Wain fue conocido como el hombre que dibujaba a los gatos. Un artista talentoso y ambidiestro, nacido en 1860 y que ya en el cambio de siglo era un nombre familiar entre sus compatriotas. Sus imágenes de gatos cautivaron a los corazones de una nación. O al menos eso es lo que nos narra la producción. El humilde felino, despreciado o amado según la época histórica, fue antropomorfizado por el artista y llenó las páginas de revistas populares británicas. Su obra de arte captura la historia social de su época a través de los felinos y ahora el séptimo arte los hace suyos.

Uno de los momentos más emotivos sucede cuando H. G. Wells aparece en una transmisión de radio en 1927 y dice algo así como: "Él inventó un estilo de gato, una sociedad de gatos, una sociedad de gatos completa. Los gatos ingleses que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”. El filme también describe el deterioro cognitivo del ilustrador a raíz de la enfermedad de su esposa. Las malas relaciones de esta con la familia de Wain y la precaria situación económica del clan van desbordando al matriarcado. 

Después de la muerte de su padre, Mr. Wain se convirtió en el sostén de la familia. Una familia que comprendía cinco hermanas: Caroline, Josephine, Marie, Claire y Felicie, así como su madre. Con Louis sobrepasado, le tocó a Caroline organizar la casa. A instancias de ella, Wain consintió la contratación de una institutriz para sus hermanas menores.

El pintor tenía 23 años y se enamoró de la institutriz creando su nuevo hogar. Wain y Emily eligieron el amor y la esperanza por encima de las convenciones o de la fuerte oposición de las hermanas. Se mudaron a Hampstead y durante un tiempo disfrutaron de una vida tranquila. Su único compañero de hogar era un gatito llamado Peter al que adoptaron y sirvió de inspiración al artista. No pasó mucho tiempo después de contraer matrimonio en 1884 cuando Emily fue diagnosticada de cáncer de mama. La enfermedad de Emily hizo madurar al bueno de Wain y dejó por el momento sus sueños de inventor y su obsesión por la electricidad. Se podría decir que fue un hombre que soñaba con ovejas eléctricas y que tuvo una visión sobre un invento llamado dron. Hablamos de una profecía cumplida de unos aparatos claves incluso en el mundo bélico.   

Junto al estupendo y eficaz Benedict Cumberbatch (“El poder del perro”, "Doctor Extraño"), el reparto está encabezado por la ganadora del Globo de Oro y del Emmy Claire Foy ("First Man", serie de TV "The Crown"), que hace un gran trabajo como la esposa de pintor británico. Los personajes retratan a la perfección un mundo anclado en las tradiciones victorianas que poco a poco se deshace con el cambio de siglo. 

La película, ambientada a finales del siglo XIX y principios del XX, cuenta con un extraordinario equipo artístico donde encontramos al director de fotografía Erik Alexander Wilson ("Paddington"), al diseñador de vestuario ganador del Oscar Michael O'Connor ("Jane Eyre"), y a la diseñadora de producción de películas como "Mr. Turner" o "El espía inglés" y nominada al Oscar Suzie Davies. Por tanto, hablamos de un filme que multiplica su belleza en la gran pantalla como si se tratara de un lienzo pintado. 

Mr. Wain es un filme luminoso y triste a su vez. Con Cumberbatch y Foy en estado de gracia, nos asomamos a la peculiar vida de un hombre superado por la propia vida pero que logró pasar a la historia como el mejor ilustrador del gato. Después de llenar las páginas de revistas populares como el Illustrated London, se reconcilió con su familia y descubrió nuevas oportunidades de negocio.

El filme también explora su compleja y turbulenta vida con los patrones clásicos de las biografías en el cine. Unas biografías no aptas para tiktokers, instagramers, influencers y demás monstruitos a los que un vídeo de 40 segundos se les hace extremadamente largo. Y es que el verdadero peligro para el cine no está en las plataformas como antes no lo estuvo con la invención de la televisión. El verdadero peligro reside en que los jóvenes actuales están programados para ver vídeos cortos y las películas en el cine, como norma general, no pueden durar 17 segundos. Aunque tengo que reconocer que algunos filmes no deberían durar más de diez segundos. No es el caso de Mr. Wain que cumple con todos los patrones del cine clásico en su fondo, en su forma y en sus estructuras narrativas. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Will Sharpe

Guion: Will Sharpe

Fotografía: Erik Wilson

Duración: 110 minutos

Reparto: Benedict Cumberbatch,

Claire Foy, Andrea Riseborough,

Toby Jones, Stacy Martin,

Aimee Lou Wood, Adeel Akhtar,

Julian Barratt, Sharon Rooney

Sin ti no puedo: una vida diseñada por catálogo

Sin ti no puedo dirigida por Chus Gutiérrez se estrena en cines españoles el próximo día 3 de junio. La cinta hispano-mexicana tuvo su première mundial en el Festival de Málaga, en una sesión especial no competitiva de la Sección Oficial y su estreno en México se produjo el pasado mes de abril distribuida por Cinépolis colocándose en el top de taquilla. 

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La historia: Madrid, tiempo actual. David (Mauricio Ochmann) es un empresario de éxito que goza de una vida acomodada junto a su novio Álex (Alfonso Bassave). Este es un atractivo monitor de gimnasio con un fuerte deseo por ser padre. La pareja se está planteando la contratación de una madre de alquiler para cumplir los deseos de Álex. Blanca (Maite Perroni), la hermana de David, irrumpe en sus vidas revelando los oscuros secretos del pasado familiar cambiando la idílica vida de la pareja y sus planes de futuro que se verán trastocados para siempre. 

La crítica: Apoyada en confusos flashbacks, Chus Gutiérrez nos lleva al día en que Blanca fue acusada del terrible descuido que provocó el incendio en el que perdieron la vida sus padres, por lo que pagó 6 años de cárcel a pesar de los esfuerzos en demostrar su inocencia. Mientras tanto, su hermano David, ha rehecho su vida y sigue culpando a su hermana del fuego que provocó el trágico suceso que rompió la familia. 

Sin ti no puedo busca ser un intenso thriller emocional que comienza de manera muy atractiva pero que se va desinflado poco a poco. Hablamos de tres historias cruzadas con el sentimiento de culpa como principal referencia narrativa. El filme gira sobre el nuevo triangulo familiar en un ambiente tóxico que va en incremento según avanza la trama. Blanca tratará de resolver las incógnitas mediante la reconciliación familiar.

El deseo sexual, la tentación y la infidelidad son otras de las temáticas sobre las que gira la historia. La feliz pareja protagonista, David y Álex, llevan una idílica vida -muy impostada en pantalla- en su casa con piscina. Pero a esa vida que parece diseñada por catálogo no estaría completa sin el bebé que muchas parejas sueñan. Es ahí cuando el libreto introduce el debate sobre la gestación subrogada y Blanca, viendo su oportunidad, se ofrece como posible madre gestante del bebé de su hermano. Ser mamá y tía a la vez surge como una idea descabellada para su hermano que no sabe como deshacerse de la presencia de la mujer. El personaje de David aparece cada vez más perturbado. La mezcolanza de temas del guion se siente demasiado agresiva sin llegar a profundizar en ninguno de ellos. Por otro lado, se despierta la curiosidad por la resolución de la trama propuesta y sobre todo en cómo la cineasta atará todos los cabos sueltos.

El reparto principal está compuesto por Alfonso Bassave, Maite Perroni y Mauricio Ochmann (dos de las estrellas más populares del cine y la televisión mexicanas). Encuentro tanto a Bassave como a Ochmann muy incomodos con sus personajes. Sin embargo, Maite Perroni (Rebelde) aparece como una actriz sorprendente, ágil y otorgando su verdad más grande al personaje representado. Un personaje poliédrico, bien diseñado y claramente el mejor escrito para otorgar algo de peso al irregular filme. 

Rodada en Madrid durante el pasado verano, el filme no aprovecha los exteriores de la ciudad y se limita a rodar en los interiores de un chalet o en edificios de oficinas. Solo en las escenas de la piscina -algunas tórridas y bien rodadas- apreciamos el contexto geográfico de la acción. 

Sin ti no puedo me ha parecido un filme entretenido aunque claramente insustancial. Hablamos de un relato con aire de telefilme de sobremesa que al menos se ajusta a los 90 minutos clásicos de toda la vida. Un buen detalle que más bien parece un acto de contrición que disimula la inanidad de la propuesta presentada.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España - México

Dirección: Chus Gutiérrez

Guion: Frank Ariza, Alicia Luna

Música: Maria Vertiz

Fotografía: Javier Salmones

Duración: 90 minutos

Reparto: Mauricio Ochmann,

Maite Perroni, Alfonso Bassave,

Pedro Casablanc, Rubén Ochandiano

JFK: Caso revisado: Oliver Stone vuelve al lugar del crimen

JFK: Caso revisado dirigida por Oliver Stone se ha estrenado en cines españoles el día 20 de mayo. El filme llega a las carteleras tras su paso por la pasada edición del Festival de Cannes y por el Bcn Film Festival. 

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La historia: Treinta años después del primer examen del asesinato de JFK por parte del director Oliver Stone, este vuelve a acercarse en un filme documental al horrible evento que moldeó a una generación. Usando nuevo metraje desclasificado y reexaminado, Stone pone sobre la mesa el hecho de que las teorías de la conspiración sobre la muerte del presidente son, en realidad, “hechos de la conspiración”.

La crítica: En JFK: Caso revisado el polémico cineasta Oliver Stone recobra la cordura y su buen pulso narrativo tras una serie de películas absurdas glosando a dictadores hispanoamericanos. En diciembre de 1991 se estrenó “JFK”, el largometraje de Stone sobre el asesinato del presidente John F. Kennedy. A través de los ojos del abogado Jim Garrison, interpretado por Kevin Costner, la película exploró las innumerables controversias y encubrimientos que rodearon el dramático asesinato de uno de los políticos más influyentes que Estados Unidos haya conocido.

Después de que Kennedy fuera asesinado a tiros en el centro de Dallas el 22 de noviembre de 1963, la Comisión Warren concluyó que su asesinato fue obra del pistolero solitario Lee Harvey Oswald. Y cuando Oswald, mientras estaba bajo custodia, fue asesinado a tiros solo dos días después por el dueño del club nocturno Jack Ruby, enturbió aún más las aguas. A lo largo de los años, Stone y muchos otros se convencieron de que había fuerzas más grandes que un solo hombre detrás del asesinato de Kennedy.

Tras ver JFK: Caso revisado queda claro que el magnicidio no fue cosa de un lobo solitario y que conllevó una planificación metódica. Pero quizás ese deseo por saber quién o quiénes fueron los asesinos del presidente oculta la verdadera pregunta que deberíamos de hacernos. ¿Cuáles fueron las motivaciones reales para eliminar a Kennedy del tablero político? La película llega a unas conclusiones algo subjetivas, pero basadas en hipótesis nada alocadas y apoyadas en documentos oficiales. 

Cabe recordar que dos años antes de su muerte, Kennedy había autorizado la fallida invasión de Bahía de Cochinos en Cuba, un plan originalmente puesto en marcha por su predecesor, el presidente Eisenhower, para derrocar al líder cubano Fidel Castro. Un año después, la crisis de los misiles en Cuba avivó aún más las tensiones entre Estados Unidos, Cuba y la Unión Soviética. La cuidadosa diplomacia de Kennedy con el líder soviético Nikita Khrushchev aseguró que la Guerra Fría no se convirtiera en un Armagedón nuclear.

En la misma línea, Kennedy trató de retirar al primero de los 15.000 asesores de Estados Unidos de Vietnam el mes antes de que lo mataran. Para ello emitió el Memorando de Acción de Seguridad Nacional 263, retirando a 1.000 de esos asesores de Vietnam a finales de 1963. Esto supuso un duro golpe para aquellos que buscaban sacar provecho de la escalada de la guerra en el sudeste asiático. Según la teoría de Oliver Stone los planes de Kennedy sobre Vietnam pudieron originar malestar en la CIA y algunos elementos descontrolados pudieron conspirar para facilitar el asesinato del presidente. 

En octubre de 2017, 54 años después del asesinato, el presidente Donald Trump anunció que esperaba publicar todos los archivos restantes de JFK, pero luego se retractó en las últimas horas, citando una vez más la "seguridad nacional" y solo liberando una parte de los archivos.

Tras esta frustración y a la espera de que en 2029 sean desclasificados todos los documentos, Oliver Stone consigue un buen documental con la parte desclasificada de los archivos secretos más secretos del planeta.

JFK: Caso revisado me ha parecido un filme oportuno aunque algo reiterativo. Con una excelente locución por parte de los ganadores del Oscar Whoopi Goldberg y Donald Sutherland, hablamos de un filme muy trabajado con testimonios médicos, jurídicos y forenses que justifican una nueva revisión y otra vuelta de tuerca al caso Kennedy.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original:

JFK Revisited: Through the Looking Glass

Dirección: Oliver Stone

Guion: Libro de James DiEugenio

Música: Jeff Beal

Fotografía: Robert Richardson

Reparto: Documental

Duración: 115 minutos

¡¡Cine y críticas marcianas llega a 1.000.000 de visitas!!

Cine y críticas marcianas salió a luz en los primeros días de 2016 con la única intención de transcribir a digital lo que ya venía haciendo durante años en mis cuadernos manuscritos. La bitácora digital recogería críticas de los estrenos de cine, reseñas de cine clásico y algunas curiosidades del mundo cinematográfico. Me presentaba de la siguiente manera: 

Desde que era un niño, siempre me impresionó aquella sala oscura con aquella gigantesca pantalla donde el mundo de los sueños se hacía realidad. Las luces se apagaban y el carrusel del cine empezaba. Mis sueños y mi imaginación volaban como si estuviera en Marte y el universo fuera una hermosa pantalla. Para mi eso es el cine, un dulce viaje donde nos olvidamos del mundo exterior durante 90 minutos...

De manera tímida comenzaron a llegar las primeras visitas, algunos comentarios y pequeñas influencias a través de las redes sociales. Pero sin ninguna duda la explosión del blog marciano se produjo cuando Alfredo García, director de Cinefilia -red de Google+ con 300.000 usuarios- decidió incluir algunas de las primeras críticas en su revista virtual Cinefilia. El incremento de visitas y la influencia de Cine y críticas marcianas comenzaba a tener peso y formalicé un dominio web para la página. Después llegaron los primeros pases de prensa, las colaboraciones en diarios regionales o en revistas nacionales. Sin darme apenas cuenta estaba entrevistado a actrices ganadoras del Goya, cineastas o escritores. 

Lo mejor de toda esta aventura es la gente que he conocido tanto de manera personal, como de manera virtual. Y agradecer a personas con mucha mayor preparación que la mía como me ayudaron y me siguen aconsejando hoy en día. Soy de los que pienso que para llevar a cabo un proyecto debes rodearte de los mejores, ser humilde en tu desempeño y aprender cada día de los demás. También hubo cosas malas como vetos de distribuidoras que se molestaron por alguna crítica. O gente que no supo entender la sátira de las críticas marcianas con ese sello inconfundible (generalmente salen en ellas perros, niños poseídos, algún que otro animal o Penélope Cruz). Sí, también he recibido improperios o presiones para borrar alguna crítica. Pero estos pequeños sinsabores no son nada comparado con el cariño recibido por todos vosotros y siempre con el objetivo de seguir divulgando Cine.  

¿Qué hacemos para celebrar el 1.000.000 de visitas?

Tengo que reconocer que he tenido algunos ofrecimientos  para celebrar la cifra: actrices para promocionar su próxima película, escritores para presentar algún libro sobre cine o compañeros que me hicieron llegar propuestas muy complejas por la distancia geográfica. Así que he decidido hacer eso que tanto gusta en las entrevistas. Es decir, un test personal ampliado en el que me podéis conocer un poco mejor y que nunca hasta ahora había contestado. 

TEST PERSONAL DE CINE Y CRÍTICAS MARCIANAS A MIGUEL PINA

👽40 COSAS SOBRE MÍ👽

1. ¿De dónde eres?

De Madrid.

2. ¿Cómo te definirías?

Leal, honesto y marciano.

3. ¿Un perfume? 

La dama de noche (es una flor).

4. ¿Un documental?

El viaje del emperador.

5. ¿Una estación?

La primavera.

6. ¿Un día de la semana? 

El lunes.

7. ¿Algo que te haya cambiado?

El cine.

8. ¿Algo que no soportas?

El tabaco.

9. ¿Algo curioso sobre ti?

Toreé a una vaquilla.

10. ¿Un grupo musical? 

Dire Straits.

11. ¿Y una canción?

Fly me to the moon.

12. ¿Una manía?

No ver trailers en el cine.

13. ¿Un secreto confesable?

Un dulce antes de ir a dormir.

14. ¿Un blog de cine que sigas?

Cápsulas de cine.

15. ¿Una sensación?

La brisa del mar.

16. ¿Qué hay sobre tu mesilla de noche? 

Un vaso de agua, un despertador, una radio...

17. ¿De dónde viene el nombre de Cine y críticas marcianas?

Es un homenaje a las Crónicas marcianas de Ray Bradbury.

18. Tu director de cine favorito.

Clint Eastwood.

19. Tu película preferida de todos los tiempos.

El paciente inglés.

20. Una película para tiempos de crisis.

¡Qué bello es vivir!

21. Tu actor preferido.

Javier Bardem.

22. Tu actriz preferida.

Emma Stone.

23. ¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?

Vacaciones en Roma.

24. La entrada más vista de Cine y críticas marcianas.

La crítica al bodrio 'Chaos Walking'.

25. Y la menos vista.

El bosque de los suicidios.

26. Tu entrada preferida de las realizadas hasta ahora.

Inside Out.

27. Alguna de la que te arrepientas.

Ninguna.

28. Menor puntuación para una película.

Un menos uno sobre diez para 'A un paso de mí'.

29. Tu película preferida de las que tienes crítica.

La La Land.

30. Perro sarnoso, niña poseída o casa encantada.

Los tres por dios ;)

31. Si tuvieras que pasar una noche en una casa encantada...

Organizaría una fiesta de pijamas con niños poseídos, Penélope Cruz de niñera y Carlos Pumares en la narración.

32. Tu festival de cine predilecto.

DocumentaMadrid.

33. La sala de cine más bonita que hayas conocido.

Cine Bogart en Madrid.

34. Tu crítico de cine preferido.

Carlos Boyero con permiso de Pumares.

35. Un libro que te gustaría recomendar.

Pintores en el cine de Gloria Camarero.

36. Tu plato de comida preferido.

La tortilla de patatas poco hecha.

37. Tu deporte preferido.

Fútbol.

38. Una ciudad para vivir.

Madrid.

39. Una ciudad por conocer.

Nueva York.

40. Una ilusión por cumplir.

Viajar en el tiempo...

Diseño de David Rubio Sánchez

La maniobra de la tortuga: el cine negro viaja al lado oscuro de Cádiz

La maniobra de la tortuga dirigida por Juan Miguel del Castillo se estrena en cines españoles el próximo día 13 de mayo. La película es una producción de Áralan Films, A Contracorriente Films, coproducida por Aleph Media (Argentina) con la participación de RTVE, Canal Sur, Movistar+ y Telecable.

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La historia: Manuel Bianquetti (Fred Tatien), un inspector de policía de origen francés, es trasladado a la comisaría de Cádiz para que olvide un turbio asunto en el que ha estado involucrado. Su tranquilidad inicial se verá rota por el hallazgo del cadáver de una joven que le recordará a un evento que también sucedió con su hija. Pese a la oposición de sus superiores, Bianquetti emprenderá una cruzada en solitario para atrapar al culpable por empatía con los padres que fueron a pedirle ayuda de manera extraoficial. Su vecina (Natalia de Molina), una enfermera acosada por su ex pareja, parece ser la única persona que está de su lado y con la que trazará una amistad en un un mal momento vital para ambos. 

La crítica: La Maniobra de la Tortuga es un thriller con tintes sociales basado en la exitosa novela homónima de Benito Olmo perteneciente a la saga del Inspector Bianquetti, que resultó finalista del III Premio Santa Cruz a la mejor novela negra publicada en 2016. 

Juan Miguel del Castillo repite con Natalia de Molina después de 'Techo y Comida', que obtuvo más de 30 premios, destacando el Premio Goya 2016 para la actriz andaluza que ya nos visitó en una entrevista para Cine y críticas marcianas. En la secuencia final de la película su personaje tendrá la clave del título del filme.

El relato nos lleva a la antítesis de lo que es la ciudad de Cádiz. Al igual que sucedía con el viaje a Sevilla en Adiós, el cineasta nos adentra en un mundo violento, oscuro y con las cloacas de la policía mirando para otro lado cuando se comete un crimen. Más si cabe cuando la victima es una chica de 16 años.

El inspector Bianquetti no parará de buscar al asesino o asesinos de la chica colombiana a pesar de los palos en las ruedas que le pone la propia policía. Las localizaciones del filme con un aire sucio y opresivo dan lugar a una atmósfera inmersiva. Castillo realiza una obra empática hacia las víctimas de la violencia sexual que acaban retirando las denuncias por coacciones, miedo o por el dinero de algunos poderosos que se encuentran en la cara b de la sociedad.

El reparto está encabezado por un a veces titubeante Fred Tatien que interpreta a un policía en horas bajas. Su personaje está lastrado en los sótanos de comisaría para hacer trabajos de archivo. Pero al saber del crimen de una joven que le recuerda a su hija decide saltarse todos los procedimientos. En el otro lado, Cristina (Natalia de Molina) es una enfermera que vive en vilo continuo tras unas llamadas de su agresor que acaba de salir de la cárcel. Los personajes, policía y enfermera, apenas se cruzan salvo en el ascensor o en las escaleras. Pero tras entablar amistad se dirigen hacia un choque frontal de emociones que no se desvelará hasta el último fotograma del filme. Es ahí donde el cineasta tratará de unir todas las piezas de un puzzle macabro y de plena actualidad.

La película tanto en su fotografía, como en su música y en su dirección artística nos recuerda por momentos al cine negro más violento. Cinta por tanto bien planteada en su técnica cinematográfica, pero a la que le falta profundidad en el desarrollo de los personajes. 

En conclusión, La Maniobra de la Tortuga me ha parecido un buen noir opresivo que retrata la lacra de la violencia hacia las mujeres en varios ámbitos sociales. Hablamos de la realidad de unas jóvenes que salen plenas de vida de casa para disfrutar con sus amigos y vuelven plenas de muerte a la memoria de sus padres. Unos padres a los que solo le queda la esperanza de una justicia que la mayoría de las veces está desbordada por los escasos recursos económicos que la sociedad le brinda. Por otro lado, la cinta española también se hace eco del acoso psicológico que sufre el personaje de Cristina -representando a una enfermera de clase media- y de cómo se tiene que esconder en su caparazón a modo de tortuga en el que muchas mujeres se verán reflejadas. En definitiva, hablamos de un relato bien trenzado que sabe utilizar el cine negro como palanca para denunciar la impunidad, el crimen o la indiferencia ante la insostenible violencia criminal contra las mujeres.

Nota: 7/10 

Nacionalidad: España

Dirección: Juan Miguel del Castillo

Guion: Juan Miguel del Castillo

Música: Xavier Font

Fotografía: Gina Ferrer

Duración: 102 minutos

Reparto: Natalia de Molina, 

Fred Tatien, Mona Martínez, 

Ignacio Mateos, Gerardo de Pablos, 

Luisa Vides, Miguel Diosdado

Esperando a Míster Bojangles: la magia del cine se viste de Francia

Esperando a Míster Bojangles dirigida por Régis Roinsard se estrena en cines españoles el próximo día 13 de mayo. El filme galo es el tercer largometraje del director y guionista francés que dio el salto al largometraje en 2012 con la comedia Populaire, que superó los dos millones de espectadores en Francia.

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La historia: Georges (Romain Duris), vividor por naturaleza, se cuela en una fiesta de la alta sociedad y queda profundamente enamorado de Camille (Virginie Efira). Tras un breve romance en el que engendran a su pequeño hijo Gary, se instalan en un apartamento parisino en el que cada noche sueñan y bailan con el tema Mr. Bojangles, su canción favorita. Pero la salud mental de Camille y una vida por encima de sus posibilidades llevarán al límite a la excéntrica familia. 

La crítica: Con una primera hora sobresaliente que nos reconcilia con la magia del cine, Esperando a Míster Bojangles nace con vocación de clásico universal. La cinta está basada en la aclamada novela homónima de Olivier Bourdeaut, traducida a 30 idiomas y publicada en más de 40 países. Hablamos de una cinta con aromas de Peter Pan y realizada a modo de cuento urbano en la Francia de los años sesenta del siglo pasado.

En su debe, cabe decir que la segunda hora de la película no aguanta el sensacional inicio marcado por la fantasía y el humor. En esta segunda parte, Régis Roinsard nos devuelve a la realidad e intensifica el melodrama con los problemas económicos de la peculiar familia retratada. Una familia que decide vivir en la fantasía hasta que el realismo de la vida cotidiana se impone a los sueños de felicidad eterna.

Esperando a Míster Bojangles se basa en una pregunta a la que trata de responder su cineasta: ¿hasta dónde somos capaces de llegar por la persona a la que amamos? Georges, el protagonista masculino, inventa cada día un nombre para su amada y crea un mundo singular, colorido y conmovedor para que ella se sienta un mujer nueva cada día. 

El filme se siente como una fiesta y engarza a su manera con el espíritu de 'Desayuno con diamantes' o incluso con 'El guateque'. El objetivo del cineasta ha sido que el espectador se sintiera como un invitado más de la fiesta, que participaran en la embriaguez de los eventos, a la vez que eran testigos del mal que poco a poco iba apoderándose de Camille. Cuando se rueda una fiesta, es como una coreografía. Debes encontrar el número adecuado de personas en función del espacio que tienes, y calcular con precisión todos los movimientos de cámara. En este aspecto, Roinsard da una lección de como llevar la locura del relato a la gran pantalla a través de la fiesta, del baile y de la buena dirección de interpretes o extras. 

Los personajes que estos dos gigantes del cine francés -Virginie Efira y Roman Duris- han creado, infunden tal magia a la novela de Olivier Bourdeaut que incluso la empequeñecen ante su imponente presencia. Dos interpretes que parecen sacados de los años dorados de Hollywood y que hacen que la magia del cine se vista de Francia. Completan el reparto el siempre eficaz Grégory Gadebois (Delicioso, Las cartas de amor no existen) interpretado a un singular mecenas que sostiene la economía de la pareja y el niño Solan Machado-Graner que se luce en un debut soñado para un chaval de 9 años.  

Todos y cada uno de los aspectos técnicos del filme abruman por su belleza. Desde la música pasando por el vestuario y un diseño de producción que nos lleva desde el inicio en el Hotel Bellerive de Antibes hasta un castillo en España donde transcurre la última parte de la acción. Este castillo, al igual que el apartamento parisino, se convierte en un personaje más de la historia por derecho propio.

Esperando a Míster Bojangles es la gran sorpresa cinematográfica del año 2022. Con un reparto en estado de gracia apoyado en un gran espectáculo técnico, el filme se muestra como una montaña rusa de emociones en el que la locura de sus personajes consiguen traspasar la pantalla con una gran intensidad. Una película, en definitiva, distinta, distinguida y apoyada en las estructuras narrativas del cine clásico que nos reconcilian de nuevo con el universo mágico del cine en el cine.

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Francia

Título original: En attendant Bojangles

Dirección: Régis Roinsard

Guion: Régis Roinsard

Fotografía: Guillaume Schiffman

Música: Clare y Olivier Manchon

Duración: 120 minutos

Reparto: Virginie Efira, Romain Duris,

Grégory Gadebois, Solan Machado-Graner, Fabienne Chaudat, Lucas Bléger, Marc Susini

Alcarràs: el amor por una tierra

Alcarràs dirigida por Carla Simón se estrena en cines españoles el día 29 de abril. La cinta española viene precedida de una expectación inusual al ser la reciente ganadora del Oso de Oro en la 72 edición de la Berlinale. MUBI ha comprado los derechos de la película en Estados Unidos, Reino Unido, Irlanda, Latinoamérica, Turquía y el sudeste asiático (incluyendo India). La película se estrenará en Estados Unidos y Reino Unido el próximo otoño.

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La historia: España rural, 2022. La familia Solé sigue trabajando las mismas tierras desde hace 80 años cuando un terrateniente se las cedió en agradecimiento a la ayuda recibida durante la Guerra Civil. Pero los bajos precios a los que se venden los productos de la huerta y la llegada de un nuevo propietario a las tierras, hará que asistamos a la última cosecha entre recuerdos, añoranzas y conflictos familiares.

La crítica: El segundo largometraje de Carla Simón, tras Verano 1993, es un conmovedor homenaje sobre el poder de pertenencia a una tierra, a un lugar o a un origen. La producción se apoya en actores no profesionales de la zona Lleida que a su vez nos brinda sus campos y tradiciones para trasladarnos un cuento rural que bebe del Neorealismo para adaptarse como un guante al mundo globalizado que nos ha tocado vivir. 

Alcarràs, un pequeño pueblo de la Cataluña profunda, nos brinda un escenario perfecto sobre el verano que muchos niños vivimos cuando decíamos eso de "me voy o me llevan a veranear al pueblo". Quién haya tenido esa experiencia se enamorará de la película. No obstante, hablamos de una historia universal, rodada en catalán, que ha traspasado las fronteras nacionales y ha logrado que Carla Simón sea la primera mujer española en lograr la estatuilla dorada en Berlín.

La narración se asienta sobre una familia de agricultores - los Solé – que están a punto de perder las tierras porque su dueño quiere arrancar los melocotoneros e instalar paneles solares. Simón trata de seducir al espectador para que se implique con los agricultores. Incluso el relato coquetea con la pregunta casi filosófica sobre si las tierras son de quienes las trabajaron durante ochenta años -sin nada firmado- o si pertenecen tanto físicamente, como de manera moral a su legítimo propietario. 

Carla Simón nos recuerda como la humanidad ha cultivado la tierra en familia desde el Neolítico. Es el oficio más viejo de todos los tiempos. Pero la historia de los Solé sucede en un momento en que la forma tradicional de hacer agricultura ha dejado de ser sostenible. El suyo es un caso más de las muchas familias que, tras varias generaciones de cultivos, se ven forzadas a abandonar sus tierras. ¿Qué es la agricultura hoy en día? Alcarràs es un tributo a las últimas familias de agricultores, que cada día corren un mayor riesgo de extinción en el mundo occidental. 

La película está protagonizada por Jordi Pujol Dolcet, Anna Otín, Xenia Roset, Albert Bosch, Ainet Jounou, Josep Abad, Montse Oró, Carles Cabós y Berta Pipó. Otorgan gran realismo a la película al ser no profesionales aunque algunos de ellos dan sopas con ondas a algunos profesionales. La riqueza reside en los personajes que interpretan y que en realidad son los antepasados y coetáneos de la cineasta española. La ausencia del abuelo de la directora le llevó a poner en valor su legado familiar y los árboles que cultivaba, sintiendo que algún día podrían desaparecer.

En lo visual hablamos de una producción conmovedoramente bella. Los fotogramas huelen, saben y lucen como el color ámbar del melocotón. Rodada con tonos pasteles, ocres y dorados, la película huele y sabe también a verano. Ese verano tórrido del interior de España con sus verbenas, sus amores tempranos y unas intensas relaciones familiares. Abuelos y nietos cruzan sus vidas en un recuerdo imperecedero como lo es el amor a tu propia tierra y a la de sus ancestros.

Alcarràs hace de lo cotidiano algo extraordinario. Sin embargo, un metraje algo excesivo en torno a las dos horas de duración y la reiteración de algunas situaciones pudiera provocar cierta sensación de parsimonia en el relato. Película, por tanto, para degustar a fuego lento, sin prisas y con ganas de disfrutar tanto de su contexto narrativo, como de sus preciosistas texturas visuales. En definitiva, una película para el recuerdo. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Carla Simón

Guion: Carla Simon

Fotografía: Daniela Cajías

Música: Andrea Koch

Duración: 120 minutos

Reparto: Jordi Pujol Dolcet, 

Anna Otín, Xenia Roset,

Albert Bosch, Ainet Jounou,

Josep Abad, Montse Oró,

Carles Cabós, Berta Pipó