miércoles, 20 de octubre de 2021

El buen patrón: Javier Bardem y León de Aranoa dan un recital de buen cine


El buen patrón dirigida por Fernando León de Aranoa se ha estrenado en cines españoles el día 15 de octubre. El filme es su décima película como director y la quinta que produce de manera conjunta con The Mediapro Studio tras “Princesas” (2005) (3 premios Goya, incluyendo Mejor Actriz para Candela Peña), “Amador” (2010), el documental “Política, Manual de Instrucciones” (2016) y “Un día perfecto” (2015), protagonizada por Benicio Del Toro y Tim Robbins.

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La historia: Blanco (Javier Bardem) es el dueño de una empresa dedicada a la fabricación de básculas industriales. En breve, una comisión visitará la sede para decidir si otorga a la compañía un premio a la excelencia. Es entonces cuando un antiguo trabajador comienza a manifestarse a las puertas de la fábrica y pone en peligro los deseos del empresario.


La crítica: Ambientada también en el mundo de las relaciones laborales, en esta ocasión El buen patrón se presenta como el contraplano de la magnífica obra de Fernando León de Aranoa “Los lunes al sol”. 

En el filme encontramos sutiles referencias actualizadas a la magistral Los santos inocentes pero desde el punto de vista cómico y satírico. También se observan claras influencias de El padrino en el personaje escrito para Javier Bardem. Un personaje con cierto simbolismo divino que en bastantes planos aparece elevado por encima de los demás personajes. 

La cinta hoy reseñada es una feroz y divertida sátira protagonizada por el dueño de una empresa familiar en apuros. Hablamos de un excelente retrato sobre las relaciones laborales dentro de una gran empresa desde el punto de vista masculino. Esto casi suena a novedad pues las narraciones en el cine de autor actual suelen girar en torno al universo femenino. Aranoa vuelve, por tanto, a esa raíz que citaba al iniciar la crítica.

La originalidad de la propuesta es destacable, pues no es muy común ver en el cine historias sobre las relaciones laborales. El trabajo aparece como un lugar de encuentros, conflictos, penas y alegrías. Muestra la codicia, el recelo, los miedos y la presión que en alguna ocasión muchas personas han sentido en su puesto de trabajo al comenzar su jornada laboral. 


Javier Bardem nos vuelve a regalar una interpretación magistral. Quizás la mejor de su carrera aunque es un actor que no parece tener techo. Su personaje, Blanco, comienza dando un discurso paternalista a los empleados de su fábrica en la que ya denota su poder embaucador. Poco a poco iremos conociendo las entrañas de la empresa y como El buen patrón tiene un lado siniestro que lo hace encantador para el que lo ve desde el otro lado de la pantalla. El personaje es tan rico en matices que los 120 minutos de metraje pasan en un suspiro sin miradas al reloj.  No pocos espectadores, entre los que me encuentro, volverán a la sala de cine para un segundo visionado del filme en algo que sucede pocas veces.

El resto del reparto coral gira en torno a las andanzas del personaje principal. Así es como conocemos a Liliana, una becaria interpretada por Almudena Amor que cautivará a Blanco a pesar de que está casado. Luego está Miralles, interpretado con solvencia por Manolo Solo y que es el empleado de máxima confianza del patrón. También destacar a Óscar de la Fuente como el empleado en huelga a las puertas de la empresa. 

La dirección de arte se encarga de mostrar a la perfección los espacios escenográficos de la sede de la empresa. Un diseño de producción por lo tanto muy cuidado y respetuoso con el espectador. Además, todos y cada uno de los aspectos adicionales acompasan el ritmo del filme español. 

El buen patrón es una película brillante que parte de un excelente libreto firmado por Fernando León de Aranoa. El cineasta español vuelve a la esencia del comienzo de su carrera. Hablamos de un filme sarcástico, cómico y a la vez profundo mostrando de manera agridulce como son las relaciones humanas dentro y fuera del entorno laboral. En lo personal me parece que la Academia de Cine de España acierta al proponer para los Premios Oscar una película de mayor calado, enjundia y profundidad que las seleccionadas en años anteriores. Suerte y al toro.

Nota: 9/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Fernando León de Aranoa

Guion: Fernando León de Aranoa

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Pau Esteve Birba

Duración: 120 minutos

Reparto: Javier Bardem, Manolo Solo, 
Almudena Amor, Óscar de la Fuente,
Sonia Almarcha, Fernando Albizu 

miércoles, 13 de octubre de 2021

Los invasores de otros mundos: Ciencia Ficción, Serie B y El Tintero de Oro de H.G. Wells


Los invasores de otros mundos de Sherman A. Rose fue estrenada en el año 1954 en Estados Unidos. La película, cuyo título original es Target Earth, está enmarcada en el tradicional cine de los años 50 con la ciencia-ficción como marco de referencia. Hablamos de serie B pura y dura.

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Nora (Kathleen Crowley) es una joven mujer que recupera la conciencia tras un intento de suicidio. Cuando descubre que su edificio no tiene electricidad ni agua, sale a las calles de Chicago y las encuentra desiertas. En un momento dado, se encuentra con un hombre llamado Frank (Richard Denning). Éste, ha despertado después de haber sido golpeado en un robo. Así es como se conocen y llegan a la conclusión de que la ciudad ha sido evacuada ante una inminente invasión extraterrestre. Solos y confusos, comienzan a buscar ayuda para intentar huir de la urbe. 


Como comentaba a raíz de la publicación de la retro-reseña de "Emisario de otro mundo", para poder entender este tipo de cine de una manera adecuada habría que situarse en el contexto sociocultural de la época en que estas películas fueron rodadas. Para ello, habría que viajar de manera imaginaria al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado. Allí y en plena guerra fría se mezclaban los miedos al estallido nuclear, con los miedos a una invasión extraterrestre. Esta situación mezcla de pánico y fantasía fue debida al incidente con el ovni de Roswell que acució las fantasías con todo lo que rodeó a "La guerra de los mundos" de H.G. Wells y la posterior emisión radiofónica que realizó Orson Welles. 

En Los invasores de otros mundos nos encontramos de salida con la ciudad de Chicago desierta y con Nora totalmente desconcertada. Esta secuencia pudo ser tomada como referencia por Amenábar para rodar Abre los ojos. En ella, Eduardo Noriega atraviesa una Gran Vía de Madrid totalmente desértica es una de las escenas más icónicas del cine español. ¿Casualidad, homenaje o plagio?

El inicio del film es la parte más potente del mismo. Se produce un gran dominio de la escenográfia generando la tensión narrativa adecuada. Hablamos de unos 30 minutos de buen cine que se dilapidan cuando el primer invasor llegado de otro mundo aparece en escena. Hablamos de un robot procedente del planeta Venus que parece realizado por un niño de tres años en estado etílico. En esta parte la película toma forma de comedia involuntaria. Sin embargo, estos efectos especiales tan chapuceros propios de la serie B de la época, son los que convierten a este tipo de películas en una curiosidad cinematográfica.


En la fotografía superior observamos el cuidado vestuario que se utilizaba en aquella época. Los hombres solían aparecer trajeados y las mujeres con vestidos chic acompañados de zapatos con tacones. El mundo se podía estar derrumbado pero la elegancia no entendía de invasiones. Este tipo de películas solía tener en el reparto a actores no muy conocidos. El presupuesto no daba para pagar a grandes estrellas de Hollywood.

Además de los mencionados actores Richard Denning y Kathleen Crowley como protagonistas, hay más humanos en pantalla. Nora y Frank, sus personajes, se encuentran con otra pareja. Son Jim (Richard Reeves ) y Vicki (Virginia Gray). Éstos se ha pasado la noche bebiendo por lo que aún están borrachos y por ello tampoco pudieron unirse a la evacuación de Chicago. Deciden formar un grupo, aislarse en un hotel y esperar a que el ejercito actúe. Como comentaba, no hay ninguna interpretación que fuera muy destacable. Si acaso mencionar a la actriz americana Kathleen Crowley a la que vemos atacada por el ridículo robot de la imagen inferior. Cabe interpretar que el bicho es varón por lo que lleva en la entrepierna.


En conclusión, Los invasores de otros mundos (insólita traducción de Target Earth) es una cinta bastante irregular en su totalidad, pero que cuenta con una premisa muy divertida para los amantes de la serie B dedicada a la ciencia ficción. Un película en definitiva bastante marciana que se convierte por méritos propios en un delicioso placer culpable.


Dirección: Sherman A. Rose

Nacionalidad: Estados Unidos.

Guion: James H. Nicholson

Duración: 75 minutos

Música: Paul Dunlap

Fotografía: Guy Roe (B&W)

Reparto: Richard Denning,
Kathleen Crowley, Virginia Grey,
Richard Reeves, Robert Roark,
Mort Marshall, Arthur Space,
Whit Bissell, James Drake



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P.D. La crítica de 'Los invasores de otros mundos" nace del inspirador artículo de David Rubio Sánchez sobre H.G. Wells. El escritor fue uno de los padres de la ciencia ficción. Asimismo la reseña que acabáis de leer participa fuera de concurso y en la sección 'Otras participaciones' de la XXVIII edición del concurso literario El Tintero de Oro

miércoles, 6 de octubre de 2021

Madres paralelas: Almodóvar gira de lo urbano a lo rural en un intenso melodrama


Madres paralelas dirigida por Pedro Almodóvar se estrena en cines españoles el próximo día 8 de octubre. La cinta, presentada en el Festival de Venecia, cuenta en el reparto con Penélope Cruz, Milena Smit y con Aitana Sánchez-Gijón como las tres estrellas femeninas del reparto. 

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La historia: Madrid, 2021. Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smit), ambas a punto de dar a luz, coinciden en la habitación del hospital mientras llega el momento del parto. Tras el nacimiento de sus bebés intercambian los teléfonos y comienzan una amistad que cambiará sus vidas para siempre. Algo insólito ocurrido en la clínica se desvelará a lo largo de la trama. 


La crítica: Tras la biográfica Dolor y Gloria, Pedro Almodóvar vuelve a sus clásicos melodramas en los que se desenvuelve como pez en el agua. Al igual que en la brillante Julieta, en Madres paralelas vuelve a explorar el universo femenino a través del significado de la maternidad. La película comienza con una sesión de fotos. Janis (Penélope Cruz) es fotógrafa y le está haciendo un retrato a Arturo Buendía (Israel Elejalde), un antropólogo forense, miembro de una fundación navarra que ya ha intervenido en la exhumación de una fosa. Arturo será el que dirija la apertura de la fosa del bisabuelo de Janis, pero eso ocurrirá unos años después. Almodóvar pausa esta subtrama y centra la narrativa en la venida al mundo de dos niñas. 

Dos madres, diferentes edades y la misma incertidumbre antes del parto. Los embarazos serán llevados a término aunque no fueron planificados. En los primeros cuarenta minutos de la película, cadenciosos en exceso, el cineasta manchego nos pone en antecedentes del personaje de Janis. Conocemos su relación con Arturo -el padre del bebé-, su lucha por recuperar los restos de su bisabuelo asesinado en la Guerra Civil y su mirada ante el nuevo mundo que se le viene encima. Penélope Cruz, en el papel de Janis, realiza el mejor trabajo de su carrera dirigida con mano de hierro por Almodóvar. El Premio Goya sería muy merecido. 

La historia de la madre paralela, es decir de Ana, es revelada más tarde. La película sobrepasa las dos horas de metraje y el conflicto narrativo tarda en estallar. Con este personaje, interpretado de manera sensacional por la joven Milena Smit, nos adentramos en un triangulo amoroso en el que convergen Janis, Ana y Arturo. La madre de Ana, Aitana Sánchez-Gijón, representa la figura de la madre ausente y de los problemas que esto causa en la formación de la joven.


Con Madres paralelas asistimos a un giro metafórico de Pedro Almodóvar.

En sus primeros años de carrera, el cineasta manchego realizó un viaje de lo rural a lo urbano a través de los personajes representados en sus películas. Con ello, de manera autorreferencial, alude a su propia biografía y a lo que supuso su llegada a la capital desde un lugar de La Mancha. En la cinta hoy reseñada el viaje es de lo urbano a rural y esto se aprecia en el último tercio de la filmación. 

Observemos dos imágenes cedidas por la productora El Deseo para comprobar ese viaje de lo urbano a lo rural al que hago referencia. 


Exquisita dirección de arte en interiores


En cualquier caso, Almodóvar no se olvida de Madrid. Su ciudad de las estrellas. La urbe se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. En Madres paralelas, aún se aprecia un recorrido específico por las viviendas, los lugares de ocio y comercio, los espacios públicos o los sitios donde el propio director se divirtió y lloró en la ciudad de Madrid. Para un servidor, nacido y criado en la ciudad es muy especial observar a través de su cine el retrato de los espacios urbanos, residencias, bares, comercios y edificios emblemáticos de la capital en los que el director manchego se ha recreado.

Las localizaciones en el cine sobrepasan el concepto de meros escenarios para participar en la trama como un personaje más. Se integran en los argumentos. Otorgan el punto de modernidad y hablan de sentimientos. Son el espejo donde se reflejan y proyectan las diferencias sociales, culturales, ideológicas o personales de los protagonistas. 

Madres paralelas es un intenso melodrama con dos tramas que convergen en su cierre final. La parte política, con un cierto parcheado en el tema de las diabólicas fosas del franquismo, no acaba de integrarse bien en la trama principal. La película es mucho mejor cuando se adentra en la historia de los personajes. En sus relaciones, miedos, anhelos, desafíos y recuerdos. En definitiva, con una narración de luces y sombras, Almodóvar firma una cinta irregular aunque muy reconocible por su autoría tan delicada y personal. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: José Luis Alcaine

Duración: 123 minutos

Reparto: Penélope Cruz,
Milena Smit, Israel Elejalde,
Aitana Sánchez-Gijón, Inma Ochoa
Rossy de Palma, Julieta Serrano

miércoles, 29 de septiembre de 2021

¡Películas tan malas como la sarna o más allá! (Parte 3)


Como no hay dos sin tres, hoy vamos con una nueva entrega de "películas" infernales, deplorables o sencillamente más malas que la sarna como indica el título de la publicación. Como en las dos anteriores entregas, se recogerán los desahogos, críticas u otras ocurrencias vertidas por algunos humanos que salieron bastante cabreados de las salas de cine.

1. Cincuenta sombras más oscuras (Fifty Shades Darker), EE UU, año 2017, dirigida por James Foley.


Comenzamos fuerte con la segunda parte de Cincuenta sombras de Grey que superó en estulticia cinematográfica a su muy lamentable antecesora.

Peter Travers en la revista Rolling Stone dejó la siguiente perla: "Cincuenta sombras más estúpidas sería más apropiado. La única convicción que Johnson y Dornan aportan a sus papeles viene de su mutua incomodidad".

Tim Grierson en Screendaily escribió"Es un bufet de estupidez, donde sus placeres bobalicones no se distinguen de sus muchos momentos extrañamente melodramáticos."

Ezequiel Boetti en Diario Página 12 afirmó lo siguiente"Sin conflicto a la vista, poblada por personajes más insípidos que una hostia, dueña de una serie de diálogos imposibles y de una misoginia galopante". 

2. Jacuzzi al pasado (Hot Tub Time Machine), EE UU, año 2010, dirigida por Steve Pink.


Horacio Bernades en Diario Página 12 comentó "Comedia resueltamente post-hermanos Farrelly. La película dirigida por el perfecto desconocido Steven Pink es una de esas guarradas tan impresentables como irresistibles." 

Javier Cortijo en el ABC escribió: "Amalgama material de desguace dispar, desde la screwball clasicorra hasta las charlotadas 'youtuberas' (...) En suma, un chorrazo de burbujas en dirección al perineo que dar gustirrinín sí que da a ratos".

A. O. Scott en The New York Times la remató así: "Si eres un devoto del humor sexual, escatológico o simplemente quieres droga dura, esta película satisfará tu apetito, puede que incluso lo sobrepase"

3. Campo de batalla: La tierra (Battlefield Earth), EE UU,  año 2000, dirigida por Roger Christian.




Elvis Mitchell en The New York Times escribió: "Tras los primeros 20 minutos de esta película amateur, la extinción tampoco parece una idea tan mala."

Gene Seymour en Newsday dijo: "Las palabras 'tan mala que es buena' luchan por hacerse oír entre tanta burda bravuconería y mugriento jaleo que hay en la película."

Steven Rosen en el Denver Post fue breve: "Tú no ves esta película: tú la sobrevives."

4. Una relación peligrosa (Gigli), EE UU, año 2003, dirigida por Martin Brest.


Ángel Fernández Santos en el Diario El País fue breve: "Un engendro".

Mauricio Isla desde Albacete se desahogó así: "Nueva obra maestra de los amigos Ben Affleck y Jennifer Lopez. Otra película más de gran calidad en la carrera de ambos. Esta comedieta se permite el lujo de no arrancar ni una maldita carcajada pese a buscarla una y otra vez de la manera más fácil posible. El amigo Martin Brest se ha lucido".

Shinboneniná en Filmaffinity fue claro: "Tres tontos muy tontos, y yo que la he visto cuatro".

5. La bella y la bestia (The Hottie and the Nottie), EE UU, año 2008 dirigida por Tom Putnan.



Críticas de usuarios de Internet: 

Neathara de Tajikistan dijo: "Gracias a la extraña simpatía que suscita esta ridícula muchacha (por París Hilton), la peli resulta más estúpida que ofensiva pese a su insulto a la inteligencia. Yo si fuera rica y mala actriz, también me pagaría una peli donde todo el mundo suspirase por mis huesitos y mis amigas me adorasen a muerte y además yo quedase regia ayudando a todo el mundo". 

The Mags desde Bolivia escribió: "La película es abominable con todos y cada uno de sus intérpretes de cárcel (destacando la Hilton of course que no sé si se mete en estos desechos por tonta o a propósito), no hay dirección, ni guión, no hace la más mínima gracia, es tópica e hiper-predecible, y el mensaje que da es totalmente negativo".

Beautiful_disaster desde España fue más amable: "A mí, al contrario que a la gran mayoría de la gente, Paris Hilton me cae genial, porque es una chica que se permite el lujo de hacer lo que le da la gana (y con su fortuna puede permitírselo). Por eso, me apetecía ver su última aventura cinematográfica...así que se merece el aprobado". 

6. Santa Claus conquista a los marcianos (Santa Claus Conquers the Martians), EE UU, año 1964. dirigida por Nicholas Webster.



Críticas de usuarios de Internet:

Gary Winston desde las Islas Canarias dijo: "Solo aconsejable a los adictos a la caspa. Si queréis que vuestros hijos dejen de creer en Papa Noel ponedles esta película porque no se lo van a creer".

Camarada Eristoff desde Madrid escribió: "Tras perder hora y media de mi insulsa vida (y replanteármela tras este bodrio) me disponía a ponerle un 1, cuando me di cuenta de que la película no es culpable de no estar dirigida a mí. Seguro que en su día esta película hizo las delicias de jóvenes americanos sesenteros que, incluso, se aterrarían al ver a marcianos consistentes en hombres con cara plateada, un embudo en la cabeza y un bigote falso". (le puso un 2) 

NeoJ desde Albacete se despachó así: "Voy a ser directo: la película es mala de narices, pero tiene marcianos con antenas, santa claus marcianos, pseudo dioses que se llaman Chochem, robots y -desgraciadamente- niños repipis y mensajes navideños que te pueden convertir en diabético".

7. Bratz: The Movie, EE UU, año 2007, dirigida por Sean McNamara.



Claudia Puig en USA Today escribió: "Una película tonta que es esencialmente una serie de clichés puestos juntos con la apariencia de película."

Javier Ocaña en el Diario El País dijo: "Apología del consumismo infantil amparada en la frase más trascendental para la existencia de las crías: 'No tengo nada que ponerme'.

Lenny Nero en Filmaffinity dejó una de las mejoras perlas sarcásticas en la historia de la crítica de cine: "Mitad cine comprometido europeo, mitad western crepuscular, Bratz nos envía el mensaje de que aún hay esperanza en este mundo de desasosiego, caos y opresión. Utilizando hábilmente la metáfora del instituto cómo campo de concentración en una sociedad fascista, se nos presenta una compartimentación de la sociedad en grupos fácilmente manipulables por un líder populista y tiránico, un mundo donde la personalidad y los valores quedan suprimidos bajo la promesa de la seguridad que da el grupo, exenta de riesgos como la soledad y/o el desarraigo". 

8. El gurú del buen rollo (The Love Guru), EE UU, año 2008, dirigida por Marco Schnabel. 


A. O. Scott en The New York Times escribió: "No es nada divertida, es una experiencia que te hace preguntarte si alguna vez volverás a reír de nuevo."

Javier Cortijo en el Diario ABC dijo: "El lucero de la Alba. (...) la falta de rigor responde al nombre de 'El gurú del buen rollo', una astracanada exótico-festiva".

Francisco Marinero en el Diario El Mundo la remató así: "Mike Myers logra lo que parecía imposible: llevar su humor a un nivel todavía más bajo que el de la serie Austin Powers. (...) sucesión de gags y diálogos de humor infantiloidemente guarro". 

9. Drácula 3000 (Dracula 3000: Infinite Darkness), Sudáfrica, año 2004, dirigida por Darrell James Roodt.


Pablo González Taboada en Cinemanía: "Deleznable".

D. Ego en Zinemaniacos: "En definitiva, una basura por la que no merece la pena perder los poco más de 80 minutos que dura".

Ramón 91 en Filmaffinity se extendió de la siguiente manera: "Para quien vaya a ver esta "película" le sugiero que desperdicie su tiempo en otra cosa mas entretenida como mirar a una mosca o sentarse en una silla una hora y media sin hacer nada. El argumento parece escrito por un niño de 5 años con algún defecto que le provoca total incoherencia en lo que escribe".

10. Barb Wire, EE UU, año 1995, perpetrada por David Hogan. 


Nos despedimos con esta obra cumbre de la historia de la cinematografía universal a mayor gloria de este icono de la elegancia, y de la delicadeza llamada Pamela Anderson.

Críticas de usuarios de Internet:

Neathara de Tajikistan escribió:  "De Barb, pero también B de Bodrio, Basura y Bazofia. Esta inclasificable monstruosidad, sólo comparable a los anuncios de Chuck Norris de la Teletienda, no es serie B, ni Z, debería tener una letra para ella sola (¿Y griega?). Esta absurda revisión de "Casablanca" en futurista y al servicio de la neumática Pamela Anderson -creo que es innecesario hablar de sus capacidades actorales, que no las pectorales- es probablemente una de las películas más genuinamente cochambrosas jamás rodadas".

Metabaron se despachó de la siguiente manera: "Pam ligera de ropa (sale tantas veces empapada, enjabonada o desvestida que el largometraje a veces se convierte en algo así como una explotation movie hecha a la vez por Russ Meyer y el primo tonto de Alex Proyas), aparece el inefable Udo Kier (¡YEAH!) y la trama es un disparate que se apodera del argumento de "Casablanca" para pergeñar una parida distópica de apenas hora y media".

Sandro en Filmaffinity dejó una bella, mordaz y sarcástica crítica. Sin desperdicio. Así se refirió a Barb Wire: "David Hogan ha demostrado estar muy por encima de la mayoría de sus coetáneos americanos firmando esta la que se convertiría en una obra maestra del género. Pamela Anderson ha demostrado una capacidad interpretativa a la altura de las más grandes divas del cine clásico. Con la etiqueta de la nueva Betty Davis, por sus más que demostradas dotes dramáticas, la bella actriz se ha abierto paso con una carrera nada desdeñable a pesar de las dificultades de pasarse varios años a la sombra de David Hasselhoff, posiblemente el mejor actor de comedia-playera de los últimos 20 años. En definitiva, una intachable interpretación de Pamela Anderson (se encerró en un correccional de Arkansas durante 2 años para interpretar el papel, aunque no tenga nada que ver con su personaje) y un manejo de la cámara muy por encima de los sobrevalorados Hitchcock y Welles, por parte de Hogan, hacen de esta película, posiblemente el mejor drama histórico del siglo XX. ¿creen que exagero? Pasen y véanla. Les aseguro que no lo lamentarán".

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¡Diez películas más malas que la sarna! (Parte 1)

¡Otras 10 películas más malas que la sarna! (Parte 2)

P.D. De regalo os dejo con un breve vídeo de la imperdible película turca 'Kareteci Kız' y con la brillante interpretación de Bülent Kayabaş, su protagonista masculino. 

miércoles, 22 de septiembre de 2021

Breakfast at Tiffany's: Navidad en Nueva York


Breakfast at Tiffany's dirigida por Blake Edwards en 1961 es el título de la película que me ha inspirado para participar en el reto propuesto por David Rubio en su Tintero de Oro. La dinámica es la siguiente: escribir un micro de 250 palabras como máximo, inspirado en el título de una película.

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Dos apuntes antes de pasar al reto: el filme, basado en la novela de Truman Capote, fue titulado en España "Desayuno con diamantes", en Hispanoamérica "Diamantes para el desayuno" y en Argentina "Muñequita de lujo". La locura de las traducciones viene de lejos y este es buen ejemplo. Por otro lado, quisiera comentar que el relato que vais a leer es una adaptación del publicado en Tertulia de escritores y que nació por la confianza de Olivia Howard para que yo creara un cuento navideño. Por cierto, la película, por una vez, es mejor que el libro. 


BREAKFAST AT TIFFANY'S: NAVIDAD EN NUEVA YORK

Fue en mi primer viaje a la ciudad de los rascacielos. Había que cerrar un acuerdo comercial y la productora en la que trabajaba me envío a mí. Era Navidad y estaba solo en Nueva York. Tras dormir hasta pasado el mediodía decidí, por fin, salir del hotel. Caminé sin rumbo fijo y sin saber cómo, me encontré con la famosa joyería Tiffany's.

La sensación fue increíble. Allí mismo y frente a su escaparate, la dulce Audrey Hepburn desayunó con diamantes en 1961. Decidí entrar y observar como los allí presentes ultimaban sus compras entre luces de brillantes.

El día empezó a oscurecer. Salí, tomé un taxí amarillo de esos que salen en las películas, y me dirigí a los alrededores del puente de Brooklyn. Quería observar el encendido de las luces navideñas. Esperé sentado en un banco y por fin el climax luminoso se hizo realidad. La ciudad era un enorme decorado navideño: un auténtico sueño de luz y color.

Y entonces apareció ella...

Se llamaba Andrea y me sonrió. En un impulso increíble dada mi timidez, me acerqué, le acaricié el pelo y la besé. Desde ese día, Andrea y yo, no nos volvimos a separar ni una sola noche.

Ahora, cada año, volvemos a nuestra ciudad de la estrellas para celebrar la Navidad.

miércoles, 15 de septiembre de 2021

Sevillanas de Brooklyn: picaresca a la española


Sevillanas de Brooklyn dirigida por Vicente Villanueva se estrena en cines españoles el próximo día 17 de septiembre. La película, distribuida por Filmax, participó fuera de concurso en el Festival de Málaga.

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La historia: Sevilla, 2021. Ana (Carolina Yuste) es una joven universitaria que compagina sus estudios con su trabajo como profesora de baile de sevillanas. Su madre, con su peculiar familia empobrecida por la crisis, decide engañar a una agencia para acoger en su casa a Ariel Brooklyn por 700€. Éste, es un estudiante afroamericano de familia adinerada que no da crédito al hogar en el que va a ser acogido para aprender español. Pero la llama del amor prende en el joven cuando comienza a convivir con Ana a pesar de la excentricidad de su nueva familia española.


La crítica: El creador de la ya mítica Toc toc, Vicente Villanueva, vuelve a la comedia de enredo aunque en esta ocasión apuesta por dar un toque romántico a la propuesta presentada. Hablamos de una comedia familiar para todos los públicos que además nos cuenta una entretenida historia de amor interracial. La película, flojita en todo caso, viaja al centro de la picaresca española que desde luego se ha agudizado por la precariedad laboral y social que nos ha traído la crisis del coronavirus.

Villanueva bebe de muchas fuentes de la comedia para desarrollar la narrativa: choque de culturas, equívocos, cambios de idioma, engaños, sexualidad y de la idiosincrasia andaluza. Sevillanas de Brooklyn es una comedia costumbrista española con unos personajes secundarios muy bien perfilados, humanos y reconocibles. Además, hay temas subyacentes como la aceptación y el orgullo de clase, el racismo soterrado o el contraste de culturas.

Nacho de la Casa, creador del guion, opta por narrar de manera desenfadada como ante la crisis, algunas familias han optado por acoger en sus casas a estudiantes extranjeros de clase media alta. Una agencia se encarga de seleccionarlas para que cuenten con viviendas y entornos acordes a sus clientes de alto poder adquisitivo. La vuelta de tuerca o la gracia de la película es que nos hallamos ante una familia de acogida que roza de manera continua el esperpento. Es cierto que se produce un abuso de ciertos tópicos ibéricos pero tampoco creo que nadie se espere un filme de Bergman al ver el panorama. 


En el papel protagonista de Ana, brilla Carolina Yuste, una de las grandes revelaciones del cine español y a la que vimos hace muy poco en Chavalas. Para el papel de Ariel Brooklyn, se eligió a Sergio Momo para ponerse en la piel del estudiante americano. Cumple con su trabajo. Del resto del reparto coral cabe destacar a Manolo Solo, Canco Rodríguez, Adelfa Calvo, María Alfonsa Rosso y el gamberro papel de Estefanía de los Santos. 

Lo mejor de la película pasa por una buena banda sonora creada por Riki Rivera que es uno de los compositores más versátiles del panorama musical español. Su buen trabajo se ve amplificado por la colaboración de dos de las grandes voces españolas del momento, Miguel Poveda y Vanesa Martín, que interpretan los dos temas principales de la banda sonora de la película. Atención especial al tema "Paso a dos" que la artista malagueña ha compuesto junto a Riki Rivera y con arreglos de Violetta Arriaza. Una canción escrita e interpretada con toda la honestidad del mundo y que puedes escuchar aquí. La fotografía luce acorde al entorno sevillano.


En conclusión, Sevillanas de Brooklyn cumple de manera ágil con las estructuras clásicas de la comedia romántica. Como he comentado en otras ocasiones, se utiliza la fórmula recurrente de chico conquista chica, chico comete un error perdiendo a su amor y chico hace lo imposible para recuperar a la joven. En definitiva, hablamos de como la imparable picaresca española se adapta a los tiempos que corren y como el cine a través de la comedia romántica se hace eco de ello. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Vicente Villanueva

Guion: Nacho de la Casa

Música: Riki Rivera

Fotografía: Luis Ángel Pérez

Duración: 95 minutos

Reparto: Carolina Yuste, 
Sergio Momo, Estefanía de los Santos,
Manolo Solo, Canco Rodríguez,
María Alfonsa Rosso, Adelfa Calvo

miércoles, 8 de septiembre de 2021

La Verónica: brutal retrato de Instagram


La Verónica dirigida por Leonardo Medel se estrena en España, México y Portugal el próximo día 10 de septiembre de la mano de Filmin. El film chileno, uno de los más destacados en la última edición de Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián, cuestiona la aparente frivolidad y el exhibicionismo de los influencers en las redes sociales.

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La historia: Verónica (Mariana Di Girolamo), esposa de una estrella de fútbol internacional, está siendo investigada por la muerte de su primer hijo. En medio de la presión de la investigación, comienza a sentir celos de Amanda, su hija recién nacida. Además, la atractiva influencer de Instagram en que se ha convertido, le está llevando a un terreno muy peligroso. En esta etapa de su vida está dispuesta a todo por conseguir más seguidores en su red social predilecta. 


La crítica: En La Verónica todo está articulado desde la visión que esta mujer (ficticia) tiene sobre sí misma y sobre la influencia que sus fotografías tienen en las redes sociales de Chile. Medel firma una historia insólita y experimental con un encuadre en permanente primer plano. Di Girolamo se enfrenta a la cámara de manera interrumpida durante 52 escenas en una intimidad casi pudorosa. La película se convierte de esta manera en un homenaje al primer plano siendo este el protagonista de la manera de narrar.  Me ha parecido una apuesta arriesgada, pero original. 

El retrato satírico de esta ficticia Victoria Beckham chilena es un alegre juego de masacre en el que se disuelven las fronteras entre lo público y lo privado, entre la verdad y la mentira o entre ética e inmoralidad. Cada plano-secuencia revela una nueva faceta del personaje, a la vez conmovedor y superficial. Leonardo Medel masacra sin piedad a las influencers de Instagram que estarían dispuestas a "matar" por conseguir un millón de seguidores. Al menos en esta ficción. 

El uso del plano secuencia denota la influencia del melodrama occidental (Bergman, Dreyer, Kieslowski). Con ello se enfatiza la mentira y hace que el espectador se perciba como alguien que vigila a una mentirosa. La Verónica también nos habla del miedo. En este caso del miedo a no ser aceptados. Decía el argentino Rodolfo Fogwill que: "Hay dos miedos: el miedo a algo, y el miedo al miedo, ése que siempre llevas y que nunca vas a poder sacarte desde el momento en que empezó. Despertarte con miedo y pensar que después vas a tener más miedo, es miedo doble”. Lo curioso en el filme chileno es que ese miedo no es hacia una enfermedad, una pérdida o hacia la pobreza. Aquí hablamos de un miedo patológico a no recibir un like o a bajar de un millón de seguidores. 


La brillante interpretación de Mariana Di Girolamo, influencer en sí misma que cuenta con más de un millón de seguidores en Instagram, fue galardonada por Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine para Mujeres de Aswan, prestigioso certamen de Egipto. Carga con todo el peso del reparto con unas breves apariciones de su marido, algunas amigas para hacerse fotos y el personal de servicio de la mansión en la que vive.  

Los aspectos técnicos más destacables son el uso del plano secuencia y del primer plano como destacaba anteriormente. Esta manera de rodar, casi experimental, puede resultar opresiva o producir un cierto cansancio visual en el espectador. En lo personal, lo observo como una virtud. 

La Verónica es un profundo viaje de la luz a la oscuridad del alma humana. La luz de los focos dan paso una mujer enigmática y calculadora. En conclusión, Leonardo Medel carga a través de la sátira contra el mundo influencer en una película poco convencional y llena de riesgos. 

Nota: 7,5/10.


Nacionalidad: Chile

Dirección: Leonardo Medel

Guion: Leonardo Medel

Fotografía: Pedro García

Duración: 100 minutos

Reparto: Mariana Di Girolamo,
Antonia Giesen, Ariel Mateluna,
Josefina Montané, Willy Semler

miércoles, 1 de septiembre de 2021

Chavalas: regreso al barrio


Chavalas dirigida por Carol Rodríguez Colás se estrena en cines españoles el próximo día 3 de septiembre. El filme ibérico fue uno de los grandes triunfadores del pasado Festival de Málaga, consiguiendo la Biznaga de Plata Premio del Público, el Premio Movistar+ a la Mejor Película y el Premio ASECAN a la Mejor Ópera Prima. Con esta publicación Cine y críticas marcianas comienza la temporada de cine 2021/2022. Esta nos debería llevar hasta finales de julio del próximo año si la parte contratante de la primera parte no lo impide. Sed bienvenidos de nuevo. 

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La historia: Marta (Vicky Luengo) aspirante a fotógrafa, trabaja en Shame, un exclusivo magazine de arte y fotografía. Entre excéntricos shootings y un ambiente snob, Marta intenta conseguir el caché necesario para codearse con el elitista grupo de creadores. Pero un recorte laboral acaba de repente con sus ilusiones. Es entonces cuando sin dinero y sin vivienda debe regresar a su humilde barrio donde la esperan Desi, Soraya y Bea, amigas inseparables en la adolescencia, pero con inquietudes opuestas al perfil elitista de la joven recién despedida. 


La crítica: La vuelta a los orígenes, en este caso al barrio, es un tema recurrente en el cine y en la literatura. El regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al barrio donde nos criamos o el reencuentro con viejos amigos de la escuela son retratados con naturalidad en esta hábil propuesta que nos presenta la cineasta española debutante Carol Rodríguez Colás.

De esta manera, y con sus Chavalas como medio narrativo, nos adentramos en las amenazantes hileras de pisos de Cornellà en Barcelona. Las edificaciones aparecen amenazantes e incluso siniestras. 

Marta se siente un pez fuera del agua. Un pez fuera del barrio. Con su pamela y su estilo vintage se siente absurda en un mundo que ahora le es ajeno. Sintiéndose atrapada en el aire provinciano que ella ve en todo eso y refugiada en su aire de superioridad, ningunea cualquier cosa que hacen sus amigas. Pero aún le queda el plato fuerte: el regreso a la casa de sus padres. El círculo de la vuelta a los orígenes queda completo con un inteligente libreto plagado de diálogos realistas y pegados a la calle. 

Marta, hundida, sin ninguna oportunidad en Barcelona y repudiada en Cornellà, llega por fin a un verdadero punto de inflexión. El olor a detergente de la ropa tendida de balcón a balcón, los abuelos echando la tarde, el sol escondiéndose entre los bloques fabricados en serie de colores chirriosos y las plazas de cemento, se convierten en imágenes inspiradoras que fotografía y la acercan por fin a sus raíces. Así es como parece encontrar un sentido a su existencia. El filme destila franqueza. 

El humor, la sexualidad, los conflictos sociales y la precariedad laboral conforman el poker narrativo sobre el que se asienta Chavalas. El círculo concéntrico sobre el que gira la producción española está basado en la amistad femenina y en las alianzas que se establecen entre las cuatro jóvenes. También giramos juntos a sus conflictos y aspiraciones. El trabajo de cámara potencia esta sensación. A menudo, a lo largo de la película, las cuatro protagonistas comparten plano, estando casi las unas encima de las otras durante sus noches de confesiones. 


El reparto está compuesto de manera principal por cuatro jóvenes actrices españolas que, con matices, brillan por su espontaneidad y desparpajo. Marta es el eje principal de los personajes y la joven de vuelta al barrio. Deja lucirse a Vicky Luengo en el propósito que todo interprete desea. Es decir, ser odiada y amada por el espectador según la evolución de su personaje. Marta es una “moderna” de Barcelona. Se mueve entre el artisteo más cool, trabaja en un sitio de moda y aparenta seguridad. Ese disfraz cosmopolita se derrumba al llegar al lugar donde nació.

Brillante, como siempre, la ganadora del Goya Carolina Yuste en su papel de chica de barrio con gran corazón. Ella, en su papel de Desi, es la inconsciente. Es sensual, atrevida, inquieta y espontánea. A diferencia de Marta, su inconsciencia la hace absolutamente camaleónica de forma más genuina. Se puede pasear con la misma soltura por Nueva York sin hablar ni una palabra de inglés como codearse con los artistas de Berlín, sin tener ni idea de arte, para pasar a trabajar en el bar de Soraya y divertirse con los jubilados asiduos del bar o con un vino en un banco de la barriada. 

Soraya, interpretada por Ángela Cervantes, tiene el siguiente lema: "Cornellà es mi patria y el bar mi reino". La cuarta chica en discordia es Bea. Parece la responsable, la convencional. Trabaja en una empresa realizando tareas de marketing. Es ambiciosa a nivel laboral y también siempre tiene algo productivo que hacer: running, cursos de alemán, reuniones y además salvar a sus amigas de sus problemas. Todo ello responde a cierta ansiedad social, a la necesidad de ser útil para sentirse valorada. Es interpretada con mimo por Elisabet Casanovas.

Destacar también una breve aparición de José Mota como el dueño de una tienda de fotografía. Éste ofrece a Marta un empleo como fotógrafa de bodas y comuniones. Ella lo acepta como aterrizaje de emergencia. 


Lo mejor de Chavalas, además de sus intérpretes, pasa por una dirección de arte en exteriores e interiores que roza lo magistral. Se insiste en las transformaciones que han sufrido determinados barrios, calles, plazas, construcciones, cafeterías, restaurantes y tiendas. También en las variaciones registradas en las relaciones de los personajes con el entorno, su idiosincrasia o en los parámetros sociales de adaptación a la urbe.

Asimismo destacar el uso de las características de los decorados interiores, los cuales tienden a pivotar entorno al mundo obrero e industrial marcado por los exteriores. Nos hallamos, en definitiva, ante una sorprendente y cuidada ópera prima que sitúa a Carol Rodríguez Colás como una de las favoritas para obtener el Goya a la mejor dirección novel. Comenzamos la temporada, por tanto, con una propuesta española de calidad y con un cine, el ibérico, al que prestaremos una atención especial. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Carol Rodríguez Colás

Guion: Marina Rodríguez Colás

Música: Francesc Gener

Fotografía: Juan Carlos Lausín

Duración: 92 minutos

Reparto: Vicky Luengo, Carolina Yuste,
Elisabet Casanovas, Àngela Cervantes,
Ana Fernández, José Mota

martes, 27 de julio de 2021

"Amor a primera vista" con Mario Casas & Mireia Oriol, y... ¡Hasta septiembre!

Amor a primera vista dirigido por Ian Pons Jewell es un cortometraje patrocinado por la cervecera Estrella Damm que rinde homenaje al teatro y a la interpretación en el entorno del verano del 2021. Con esta pequeña cápsula de cine me quiero despedir de vosotros hasta el próximo mes de septiembre. Cine y críticas marcianas volverá con fuerzas renovadas para afrontar una segunda parte del año que deberá marcar la recuperación de la industria del cine gracias a la inmunización colectiva frente al Covid-19. 

Durante el primer semestre del año (+ julio) hemos vivido unas cuantas aventuras de cine. Comenzamos dando "23 paseos" en una oda al amor viejuno y perruno. Después, viajamos hasta el Berlín de "Fritzi" donde asistimos a la caída del Muro. También tuvimos tiempo para irnos de "Vacaciones contigo...y tu mujer" en otra oda al amor con burro incluido. Hubo muchos niños siniestros, casas encantadas e incluso conocimos a "La chica del brazalete".  Acompañamos a una embarazada fumeta, a una abuela poseída y asistimos a la "Crónica de una tormenta". Más perros con una rubia de otro planeta en "Chaos Walking" y más niños con la obra maestra de Chaplin "The Kid". Lo mejor pasó por "Nomadland" y por el "Nuevo orden" al que asistimos en la Ciudad de México. También pudimos practicar el "Poliamor para principiantes", asistir a un "PVT Chat" sexual e incluso hemos visionado los húmedos "Sueños de una escritora en Nueva York". En definitiva, hubo de todo y para todos. 

Volviendo al Amor a primera vista entre Mireia Oriol y Mario Casas, cabe decir que es un corto rodado en la isla de Menorca que se presenta como un perfecto escenario veraniego. Y atención porque lo mejor de esta pieza visual pasa por la casi perfecta vocalización de los interpretes españoles. Algo insólito y que hace pensar que la crítica tiene aún alguna influencia para la mejora de algunos aspectos de la cinematografía. Rodado en verso y con un final en el Teatre Principal de Maó -uno de los teatros de ópera con más historia de España- asistimos a un sentido homenaje al sector cultural español, que como en otros países, se ha visto especialmente afectado por los efectos pandémicos. El reparto del cortometraje lo completan Laia Manzanares, Nao Albet, Pep Cruz, Mònica López, Tamara Ndong, Daniel Ibáñez y Rigoberta Bandini quien, además, es la autora de “A ver qué pasa”, la canción que pone ritmo a la pieza y que se sitúa como una de las mejores canciones de este verano 

Sin más, me despido hasta el próximo mes de septiembre agradecido, honrado y feliz por el cariño con el que me acompañáis tanto en Cine y críticas marcianas, como en Cinemagavia y en Noroeste Madrid. Sigo pensando que el cine para muchos de nosotros es un matrimonio indisoluble y un fenómeno cultural que cubre a todas las capas de la sociedad. Y ahora sí, os dejo con este veraniego "Amor a primera vista".

martes, 20 de julio de 2021

¡Diez peinados de cine!


La primera ceremonia de entrega de los premios Óscar tuvo lugar en 1929. Sin embargo, no se otorgaba ningún galardón al trabajo de los equipos de peluquería y maquillaje a pesar de que siempre han formado parte esencial del cine. No fue hasta el año 1982 cuando el gremio fue recompensado al incluirse su trabajo en los Premios de la Academia.

Hoy quiero recordar diez peinados femeninos que pasaron a la historia del cine y cuyos ecos llegan hasta nuestros días. El cabello siempre ha sido un símbolo de belleza entre las mujeres de las principales civilizaciones del mundo. Pero Hollywood y los grandes estudios de cine dieron una nueva dimensión a la peluquería. El cine aportó peinados novedosos que de algún modo influyeron en como las mujeres se peinaban tras ver las películas estrenadas en el siglo XX. 

Comenzamos con las mujeres y en una futura publicación repasaremos también diez icónicos peinados masculinos que pasaron a la historia de la cinematografía. Algunos, como los de Jim Carrey, son imperdibles.

CINE CLÁSICO

1. Rita Hayworth en Gilda (1946)

El peinado ondulado de la artista sigue estando de actualidad en las peluquerías femeninas para fiestas de gala o cenas románticas. En pasadas fechas la actual Reina de España Letizia, causó revuelo en algún sector de la sociedad por lucir en un acto público el peinado y un vestido negro de tirantes inspirados en el look de Gilda. En definitiva, los ecos de la pelirroja más famosa de la historia del cine aún llegan hasta nuestros días.

2. Marilyn Monroe en Los caballeros las prefieren rubias (1953)

Rubia, media melena con ondas y el mito más grande en la historia del cine. Una mujer que fue superada por su propio personaje y de la que sacaron provecho tanto la industria del cine como los maridos que se acercaron a ella y no la supieron o no pudieron entenderla. No se recuerdan muchos peinados con el cabello largo de ella pero haberlos haylos. Como las meigas. 

3. Audrey Hepburn en Desayuno con diamantes (1961)

El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad. Audrey también abre la publicación con los tres peinados en blanco y negro de la imagen de portada. 

4. Elizabeth Taylor como Cleopatra en 1963.

Cuando pensamos en Cleopatra nos viene a la mente Elizabeth Taylor vestida o peinada como ella. Se trata de una idealización provocada por el mundo de Hollywood. La verdad es que el famoso peinado provenía de una peluca. En cualquier caso, si vas a la peluquería y pides un look a lo Cleopatra no te harán falta dar muchas explicaciones más. 

5. Ava Gardner o el animal más bello del mundo con diferentes peinados.


Sin duda, una de las grandes actrices del siglo XX. Otro de los grandes mitos del cine y una de las más bellas. Se la conocía como «el animal más bello del mundo». Entre sus grandes exitos podríamos destacar 55 días en Pekín, Mogambo o La condesa descalza. En 1969 se instaló en Londres, donde vivió prácticamente retirada de la vida social, interviniendo en varios films. Su último trabajo fue «Regina» en 1982. 

CINE CONTEMPORÁNEO 

6. Carrie Fisher en La guerra de las galaxias (1977)


Desde que la Princesa Leia –interpretado por Carrie Fisher– apareció en la pantalla grande con ese enorme peinado, muchas mujeres trataron de imitarlo. George Lucas asegura que su inspiración surge de las adelitas mexicanas. Otros aseguran que el peinado está inspirado en la misteriosa escultura ibérica conocida como “La dama del Elche”, que data de los siglos los siglos V y IV a.C. También se apunta a las indias Hopis de Arizona o incluso a una noche de juerga y humo de George Lucas. 

7. Bo Derek en "10, la mujer perfecta" (1979)

Acompañada de Dudley Moore y Julie Andrews fue el mejor trabajo de Bo Derek. Le valió una nominación a los Globos de Oro. Además, obtuvo de inmediato el estatus de sex symbol. El peinado de la artista en la película también ha llegado a nuestros días con un trenzado a lo tribal. 

8. Uma Thurman en Pulp Fiction (1994)

Nadie que haya visto la película podrá olvidar aquella escena en donde Mia Wallace y Vincent Vega (John Travolta) bailan juntos y ganan el concurso de twist. O aquella en donde Mia estuvo a punto de morir. Pero incluso quien no haya visto la película puede reconocer al personaje de Uma Thurman. El seductor look de Mia Wallace se volvió muy popular y muchas mujeres se inspiraron en ella para cambiar su estilo: se trataba de un clásico corte chanel, con el cabello lacio hasta la altura de la barbilla, el tono era de un negro intenso y llevaba un flequillo recto justo encima de las cejas.

9. Cameron Díaz en Algo pasa con Mary (1998)

El peinado más gamberro de la historia del cine fue también uno de los que más carcajadas produjo en la historia de la comedia. Al parecer, la escena más recordada del film, cuando Mary confunde el semen con gel para el pelo y se lo pone en un mechón, estuvo a punto de no rodase por los peros de la actriz. Cameron Diaz después confesó para Variety: "Confié en Bobby y Petter Farrelly, porque obviamente son muy graciosos, y cuando vimos el lado visual del gag, me di cuenta de la razón que tenían".

10. Natalie Portman en V de Vendetta (2005)

V de Valiente, G de guapísima y M de Marciana. El peinado sin peinado. 

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P.D. En recuerdo a Louis Alexandre Raimon (1922-2008).

Un nombre que fue inolvidable en la historia del cabello del siglo XX fue Louis Alexandre Raimon (1922-2008), conocido como Alexandre de Paris. Famoso por haber diseñado el cabello de Liz Taylor en Cleopatra, tenía un salón de primer nivel en Paris y varios resorts en otras ciudades francesas donde los ricos y famosos iban a pasar sus vacaciones. Fue el diseñador de los Duques de Windsor, y trabajó 40 años con las mejores firmas de alta-costura como: Christian Dior, Coco Chanel o Yves Saint Laurent.