lunes, 9 de diciembre de 2019

Pintores y reyes del Prado: el cine como lienzo pintado


Pintores y reyes del Prado dirigida por Valeria Parisi llega a las pantallas el 9 de diciembre. La película documental italiana se exhibirá de manera limitada en cines y se estrenará en más de sesenta países. 
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Con motivo de las celebraciones oficiales del 200 aniversario del Museo del Prado, Pintores y reyes del Prado es el primer viaje cinematográfico a través de las salas, historias y emociones de uno de los museos más visitados del mundo. Su riqueza cultural, con más de 8000 tesoros artísticos es una experiencia fascinante que atrae a casi 3 millones de visitantes a Madrid cada año.


Decía Ettore Scola que el cine es como un espejo pintado. En este caso, la cinta reseñada hoy es como un hermoso lienzo pintado. La película documental escrita por Sabina Fedeli y dirigida por Valeria Parisi, nos acompaña a través de las obras maestras de unos de las pinacotecas más importantes del mundo. El actor ganador del Oscar Jeremy Irons guiará a los espectadores en el dulce paseo de este patrimonio único del arte. Como madrileño es un orgullo poder escribir esta crítica. Como cinéfilo un regalo. Como espectador, crítico o reseñador un placer. 

Pintores y reyes del Prado nos muestra magníficas obras maestras que cuentan la historia de España y de todo un continente. Su colección cuenta la historia de reyes, reinas, dinastías, guerras, derrotas y victorias, así como la historia de los sentimientos de los hombres y mujeres de antaño y de hoy. Sus vidas se entrelazan con las del museo: gobernantes, pintores, artistas, arquitectos, coleccionistas, curadores, intelectuales y visitantes. Esta herencia es universal e incluye las obras de Velázquez, Rubens, Tiziano, Mantegna, El Bosco, Goya o El Greco entre otros.

1700 obras exhibidas y otros 7000 tesoros artísticos son patrimonio de la humanidad en el Prado. La vida de la colección del museo comenzó con el nacimiento de España como nación y el matrimonio entre Fernando de Aragón e Isabel de Castilla. La unión marcó el inicio del gran Imperio español. Sin embargo, durante mucho tiempo a lo largo de los siglos, la pintura había sido un lenguaje universal que no conocía fronteras. Si hay un museo donde está claro que la pintura no se vio afectada por el nacionalismo, entonces ese museo debe ser sin duda el Prado, con sus colecciones eclécticas y polifacéticas demostrando que el arte no tiene pasaportes que limiten su circulación, sino más bien significa entender los sentimientos universales de los seres humanos.


Goya, del que toman su nombre los premios de la Academia de Cine, firmó Los fusilamientos del tres de mayo. El óleo narra las consecuencias de la rebelión de los españoles contra el ejército francés; constituye una obra que se convertirá en símbolo de todas las guerras y que inspirará a Picasso para “El Guernica”. Como éste, también Dalí y Federico García Lorca quedaron hechizados por el museo, al tiempo que el escritor y pintor Antonio Saura lo definió así: “un tesoro de intensidades”. Por tanto, un arte que ilumina el presente y que hace nos interroguemos acerca de lo que ha sido el Museo del Prado a lo largo de estos doscientos años, de lo que es ahora, y de lo que continuará representando para las generaciones futuras. El Prado fue un faro para todos los españoles en los momentos más oscuros de la dictadura y una patria a la que volver para artistas e intelectuales en el exilio. Un museo que fue salvado del fascismo por los republicanos. Ellos, protegieron los cuadros de los salvajes bombardeos del franquismo cuando intentaban tomar la capital de España. Sí, Madrid fue machacado por los que se envolvían en la bandera. Una curiosa demostración de amor por España.


En el desarrollo del film documental, se entrelazarán la narrativa del arte con el estudio de la arquitectura y el análisis de valioso material de archivo. Son entrevistados diversos expertos del museo: Miguel Falomir, Director del Prado; Andrés Úbeda de los Cobos, Director adjunto de Conservación e Investigación; Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española hasta 1800; Manuela Mena, Jefa de Conservación de Pintura de 1800 y Goya; Enrique Quintana, Coordinador jefe de Restauración y documentación técnica; Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700; Almudena Sánchez, restauradora de Pintura del Prado; Leticia Ruiz, Jefa del Departamento de Pintura Española del Renacimiento y del Área de Marcos.

Otros testimonios interesantes son los del gran Norman Foster, arquitecto del proyecto del Salón de Reinos (premio Pritzker), Helena Pimenta, Directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Madrid; Laura García Lorca, Presidenta de la Fundación que lleva el nombre de su tío, el poeta Federico García Lorca o la actriz Marina Saura.


Pintores y reyes del Prado es en conclusión un regalo para conservar en la memoria colectiva el verdadero significado del arte. La narración y locución de Jeremy Irons es un lujo.

Gracias señor, gracias artista. Y gracias, mil gracias a Valeria Parisi por hacer del cine una emoción de fotogramas en movimiento. 

Calificación: Obra de arte.



Título original: The Prado Museum,
A Collection of Wonders

Nacionalidad: Italia

Dirección: Valeria Parisi

Guion: Parisi & Fedelli

Duración: 90 minutos

Estreno: 9 de diciembre

martes, 3 de diciembre de 2019

Midway: Roland Emmerich recrea de manera épica la batalla naval y aérea de Midway


Midway dirigida por el cineasta Roland Emmerich llega a los cines españoles el próximo día 5 de diciembre tras su estreno en Estados Unidos. La filmación recrea una de las batallas que cambió el curso de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico. 

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La historia: La cinta se centra en la Batalla de Midway y en el brutal choque que hubo entre la flota estadounidense y la armada imperial japonesa en el año 1942 durante la Segunda Guerra Mundial. La película, basada en los sucesos reales de esta heroica hazaña, cuenta la historia de los líderes y soldados que usaron su instinto para superar las dificultades. El Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada, prepararon el contraataque al imponente ejército japonés tras los acontecimientos vividos en Pearl Harbor. Antes, los americanos ya se habían vengado en Tokio aunque fuera de manera testimonial. Pero en Midway el choque de colosos fue brutal. 


La crítica: Roland Emmerich, director de Midway, es un crack del espectáculo cinematográfico. El cineasta cuenta con una legendaria carrera que va desde éxitos de ciencia-ficción, como Independence Day, a históricos como El Patriota. Además de su alcance a nivel mundial, el trabajo del aclamado cineasta siempre suele estar basado en temas reconocibles. No hablamos de cine de autor sino más bien de un creador de cine palomitero. No es desde luego el mejor narrador, pero sabe sacar partido a los presupuestos millonarios que maneja. En esta ocasión lo vuelve a hacer de manera moderadamente decorosa. Cuando los japoneses tras el ataque a Pearl Harbor dijeron que habían despertado a un gigante dormido, sabían muy bien lo que decían. La frase textual: “Me temo que hemos despertado a un gigante dormido y le hemos obligado a tomar una terrible resolución” es atribuida a Isoroku Yamamoto que fue almirante y comandante en jefe de la Flota Combinada de la Armada Imperial Japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. En cualquier caso, y esto es una opinión personal, la barbarie nuclear cometida contra la población civil nipona no tiene ninguna justificación. Al menos la Batalla de Midway fue cara a cara entre militares y con el mismo tablero de juego. 

Aunque la clave tanto de la película como de la historia real se jugó en la retaguardia. Si en el resto de la cinta Roland Emmerich va a lo suyo que es maximizar el desarrollo visual del filme, en este apartado (los servicios de inteligencia) si profundiza en la narración. La clave de Midway estuvo en el grupo de desencriptadores que lograron descifrar las pautas que el ejetcito nipón se disponía a seguir en el Pacífico. Los errores de Pearl Harbor quedaron grabados a fuego en los servicios de inteligencia. 

La cinta sigue tres líneas argumentales que representan tres perspectivas entrelazadas sobre la batalla. Cabe decir que no están bien definidas y pueden resultar confusas para el espectador. En fin, ya que en este aspecto Midway no se explica demasiado bien, tendrá que ser "Sor Marciano" el que trate de ordenar la confusa narración. La primera trama versa sobre uno de los pilotos a bordo del portaaviones USS Enterprise, principalmente Dick Best. Una segunda historia sigue el trabajo crítico del oficial de Inteligencia Naval Edwin Layton; un descifrador de códigos y al almirante Chester W. Nimitz en Pearl Harbor. La tercera historia se centra en los oficiales japoneses, el almirante Isoroku Yamamoto, y los Oficiales japoneses Tamon Yamaguchi, Kaku Tomeo y Chūichi Nagumo, que son personajes históricos también. Me gusta, eso sí, que el cineasta americano no use el maniqueísmo. De hecho, reconoce explícitamente el valor de los soldados japoneses que perdieron la vida siguiendo las ordenes imperiales dictadas desde Japón. Respecto al reparto, hablamos de hasta quince personajes relevantes. Analicemos brevemente algunos de ellos. No por nada, sino porque si analizo los quince personajes e interpretaciones podemos estar con la crítica hasta Navidad (tampoco me podría acordar de tanta gente en pantalla, mis neuronas marcianas ya están desgastadas a esta altura del año).


Ed Skrein (Alita: Battle Angel) interpreta con acierto al héroe no reconocido de Midway. Es un tipo duro de Jersey alistado en el ejército del aire que va avanzando por la cadena de mando mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial. Un líder natural a pesar de su tendencia a polemizar con sus compañeros. Es un verdadero héroe estadounidense cuya actuación ejemplar volando con valentía su avión durante la batalla influyó directamente para cambiar el rumbo de la guerra. Según Roland Emmerich este personaje histórico cuyo nombre real era Richard Best  hundió varios portaaviones de la armada japonesa en un mismo día. Sus ataques en vuelo picado sobre los barcos nipones son filmados de manera brillante por el cineasta.  De hecho, esto es lo mejor de la filmación. 

Patrick Wilson, conocido por sus papeles en ‘Watchmen’ o en las sagas de terror ‘Expediente Warren’ e ‘Insidious’ fue galardonado con el Premio ‘Màquina del Temps’ por su trayectoria en la 52ª edición del Festival de Sitges de Cine Fantástico de Catalunya (2019). Buen papel interpretando en Midway a Edwin Layton que fue el Teniente Comandante de la Marina de los EEUU. Su trabajo fue descifrar la información de inteligencia para la estrategia militar. Layton trabajaba junto con el Almirante Nimitz y un grupo de brillantes decodificadores. Ellos descubren que los japoneses están planeando una ofensiva en la isla de Midway. Aunque el almirante Nimitz, comandante de las fuerzas aéreas, terrestres y marítimas aliadas durante la Segunda Guerra Mundial, ha recibido información contraria de la Casa Blanca, Layton está dispuesto a apostar su vida, y la vida de innumerables marines y aviadores asegurando que sus escuchas sobre el ataque a Midway son correctas. Y vaya si lo fueron. 

Woody Harrelson -pedazo de actor- interpreta a Chester W. Nimitz. Éste fue el Comandante Jefe del Océano Pacífico después de Pearl Harbor. Cuando Nimitz se enfrente a la entrada de los EEUU en la Segunda Guerra Mundial, con frentes en Europa y en el Pacífico, solicita la ayuda del oficial de inteligencia Edwin Layton para proporcionarle información para que su ejercito pudiera lanzar una ofensiva contra los japoneses. Efectivamente habían despertado a un gigante dormido. 

Dennis Quaid -grande- es un aficionado a la historia y tiene una conexión personal con la Batalla de Midway. Su padre estuvo en la Segunda Guerra Mundial, en la Marina Mercante, en el Atlántico. Aquí interpreta a William Halsey que es el comandante del Enterprise, un portaaviones estacionado en Pearl Harbor. Mientras Halsey lidia con las secuelas del ataque a la base y la invasión de los japoneses en el Pacífico, se enfrenta al desafío de que las fuerzas estadounidenses sean superadas en número por Japón. 

En la parte femenina del reparto aparece Mandy Moore. La cantante, compositora, actriz y diseñadora de moda no aporta nada a la narrativa pero sale muy mona en pantalla. Supongo que este papel metido con calzador está para cumplir con la parte romántica del filme y representar la abnegación de la mujer en aquellos tiempos de guerra.  


En conclusión, Midway es sobresaliente en los apartados técnicos. De hecho, podría estar nominada con justicia para los Oscars en las siguientes categorías: efectos visuales, diseño de sonido, fotografía, vestuario y diseño de producción. La narrativa, sin embargo, es algo confusa. La película funciona de manera más que correcta como cine palomitero y puede además enseñar algo de historia a los más jóvenes. Por todo ello considero que Roland Emmerich salva con moderación el reto de Midway

Nota: 7/10. 


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Roland Emmerich

Guion: Wes Tooke

Música: Harald Kloser

Fotografía: Robby Baumgartner

Duración: 138 minutos

Estreno EE UU: 7/11/2019

Estreno México: 15/11/2019

Estreno España: 5 de diciembre 2019

Reparto: Woody Harrelson,
Patrick Wilson, Luke Evans,
Aaron Eckhart, Ed Skrein,
Mandy Moore, Dennis Quaid,
Darren Criss, Luke Kleintank,
Alexander Ludwig, Mark Rolston,
James Carpinello, Tadanobu Asano,
Jake Manley, Ellen Dubin,
Keean Johnson, Kevan Ohtsji,
Brandon Sklenar, Tyler Elliot Burke,
Nobuya Shimamoto, Garret Sato.

viernes, 29 de noviembre de 2019

Películas curiosas: Super Size Me


Super Size Me dirigida por Morgan Spurlock es una cinta documental del año 2004. La película, además de curiosa y divertida, supuso un duro golpe para la corporación McDonald's. Hoy vamos con su retro-reseña. 

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Al más puro estilo Michael Moore (Bowling For Columbine), el cineasta debutante Morgan Spurlock sorprendió al mundo con Super Size Me. La película se llevó el Premio al Mejor Director en el Sundance Festival y además fue nominada al Oscar de la Academia. Pero quizás, lo más curioso fueron sus logros para que el cine volviera a recobrar un cierto sentido de denuncia social. Consiguió, además, doblegar a McDonald's. Seis meses después de su proyección en Sundance, la cadena de hamburguesas retiró de sus menús el tamaño Super Size. Ya habría tiempo para volver a recuperar la idea o incluso para pasar del Big Mac a lo que ahora se denomina como Grand Big Mac.


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Super Size Me es un reto que parte de la siguiente premisa: Morgan Spurlock se propuso durante 30 días alimentarse exclusivamente con los productos que venden en McDonald's. Es decir, tendría que desayunar, almorzar y cenar a base de hamburguesas, batidos, "ensaladas", patatas fritas, nuggets de pollo, refrescos, salsas, y demás comida rápida que se sirven en estos establecimientos. Además y según sus propias normas, cada vez que le fuera ofrecido por los empleados el menú gigante lo debía de aceptar. El objetivo de este experimento era comprobar los efectos sobre la salud de la comida basura.

Spurlock dejó grabada en el documental la analítica que se hizo antes de comenzar el reto. Luego las contrastó con las que se hizo al concluir con su cometido. Los resultados obtenidos en las pruebas médicas se recogen en la película documental y son concluyentes en el perjuicio de la comida rápida para la salud. La cinta funciona como un perfecto reloj sincronizado gracias a un montaje genial que sabe enganchar al espectador. Los toques de humor siempre irónicos más la música empleada hacen de la función algo así como un número circense en el mejor sentido de este término.

También cabe decir que la película cae en la demagogia continuamente ya que nadie en su sano juicio podría llevar una dieta durante treinta días desayunando, comiendo y cenando en McDonald's. Pero aún así y sin olvidar que esto es cine-espectáculo, en cierta manera, la película dejó su poso de denuncia social en asuntos que giran en torno a la epidemia de la obesidad que arrasa ya en USA. 

Una caloría es una unidad de energía térmica equivalente a la cantidad de calor necesaria para elevar la temperatura de un gramo de agua en grado Celsius. Dicho de otra manera, si te metes en el cuerpo 5000 calorías a base de hamburguesas y refrescos, obviamente en la panza veremos los resultados de una manera más que evidente. De hecho, nuestro protagonista ganó once kilos en un mes, su indice de grasa corporal (IMC) pasó de 11 a 18 y su colesterol se elevó 65 puntos pasando de 165 a 230. Y es que según los cálculos efectuados, la cantidad de azúcar ingerida en este mes fue de 14 kilogramos. Todos estos datos llevaron al cineasta a duplicar el riesgo de accidente vascular que probablemente hubiera ocurrido de haber seguido comiendo así un poco más de tiempo.


En cualquier caso y aparte del loco juego al que se sometió el propio guionista y director de la película, la función social del documental es advertir sobre la obesidad que se ha convertido en la segunda causa de muerte en Estados Unidos. Solo por detrás del tabaquismo. Preguntada una nutricionista en la filmación sobre la cantidad de veces que sería recomendable acudir o traer comida a casa de McDonalds o de cualquier otro establecimiento de comida rápida, la respuesta fue así de contundente: "Si hubieses ido a parar a una isla desierta o nos bombardearan con antrax, y esta fuera la única comida disponible, solo en esas hipotéticas situaciones serían las únicas en la que estaría justificado alimentarse de comida basura". ¿Exagerada?

Otro de los temas que toca con acierto el documental es la obesidad o los malos hábitos alimenticios en la infancia. En primer lugar, con el propio gancho que McDonald's emite hacia la población infantil con su conocido payaso Ronald McDonald y con sus mágicos Happy Meals. En ellos se  introduce un juguete en el menú infantil para que desde pequeñitos queden ya enganchados a la comida rápida. Además, la experiencia feliz que supone compartir esos momentos felices con sus padres o familiares les queda en la mente como un agradable recuerdo. En otros momentos de la película se muestra un surrealista comedor escolar infantil en Estados Unidos. Allí, se ven a los niños como pueden elegir comer pizzas, patatas fritas, chocolates y refrescos sin el menor rubor por parte de los responsables de la escuela.


En conclusión, Super Size Me no pudo evitar la expansión de McDonald's, ni la de otros lugares de comida barata. De hecho, siguen progresando a nivel mundial. Pero al menos si consiguió de una manera parcial que este tipo de restauración comenzara a emitir una publicidad más responsable y a incluir en los envases de sus alimentos la información nutricional.

La corporación estadounidense amplió y apostó de alguna forma por incluir en sus menús las ensaladas de una manera más eficiente e incluso llegó a incluir algunas piezas de frutas en los menús infantiles. Supongo que toda esta evolución le dará absolutamente igual a Don Gorske. Este tipo es conocido como el hombre Big Mac. Come todo los días dos de estas hamburguesas. En el año 2004 llevaba 19.852 Big Macs engullidos. El 4 de mayo del año 2018 y a sus 64 años llegó a la extraordinaria cifra de 30.000 Big Macs. Fue felicitado por McDonald's.

¿Fue por los más de 150.000 dólares gastados en hamburguesas o por tener una cifra de colesterol según él de 140? Creo que por ambas cosas. Dicho lo cual y para no caer en la demagogia barata, el que escribe estas lineas también sucumbe de vez en cuando a los encantos de McDonald's. Eso sí, el jamón ibérico está mejor. Otra cosa es su precio. 


P.D. La historia de como se fundó McDonald's se describió en una película con Michael Keaton en el papel de Ray Krock y quedó reseñada en el siguiente enlace de Cine y críticas marcianas: El Fundador (The Founder).

Tráiler en español de Super Size Me:



Título original: Super Size Me

Año: 2004

Duración: 100 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Morgan Spurlock

Guion: Morgan Spurlock

Música: Steve Horowitz

Fotografía: Scott Ambrozy

lunes, 25 de noviembre de 2019

CutreCon 2020: el festival de cine más malo que la sarna rinde tributo a Super Mario Bros


El noveno Festival Internacional de Cine Cutre de Madrid, se celebrará entre los días 29 de enero y 2 de febrero de 2020. Más conocido como: CutreCon, llega este año con la intención de rendir un sarcástico tributo a una de las películas más cutres de la historia como fue Super Mario Bros

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Cine y críticas marcianas también tiene como misión rendir tributo al cine casposo en la sección de Películas más malas que la sarna. Y es hay películas que de tan malas que son llegar a ser buenas. Pero hoy vamos a dar su espacio al festival dirigido por Carlos Palencia. 

Ya están las entradas a la venta para una de las adaptaciones más fallidas de la historia del cine, Super Mario Bros (1993). Considerada un fracaso artístico absoluto en el momento de su estreno, con el paso de los años se ha convertido en un título de culto con miles de fans a lo largo del mundo. Esta gente celebra con cachondeo las controvertidas decisiones creativas de esta surrealista e irrepetible película. La proyección contará con la presencia de la directora del filme, Annabel Jankel. Será el día 1 de febrero a las 21:30 en el Palacio de la Prensa en Madrid


Pero habrá más. El castigo cinematográfico -sarna con gusto no pica- se regodeara con las películas dedicadas a buscar los peores y más desternillantes monstruos marinos en un disparatado viaje por las profundidades del séptimo arte. Carlos Palencia es claro. Nos conmina de la siguiente manera: "Póngase el traje de neopreno, tenga a mano la bombona de oxígeno (por si le entra un ataque de risa) y descienda con nosotros a lo más bajo de la cinematografía mundial para conocer a medusas gigantes hechas con bolsas de basura, pulpos de goma, langostinos congelados para la cena de Nochevieja y tiburones de corchopán que desfilarán por las distintas pantallas del festival". 

CutreCon es un festival que combina sesiones gratuitas y de pago. Cuenta con una programación de más de 20 películas tan malas como la sarna o más allá. Estas se repartirán en las ya clásicas sedes del festival: el Palacio de la Prensa de Madrid y el Centro Cultural de la Casa del Reloj, que acogerá la tradicional maratón de la jornada del sábado.

La página web de CutreCon se irá actualizando conforme se aproxime el evento:


Una razón, como otra cualquiera, para visitar la ciudad de Madrid. Si además, alguien quiere visitar el Museo del Prado, el Parque del Retiro o los tres últimos cines míticos que quedan en la capital de España como son el Capitol, el Callao o el Doré, la visita puede merecer la pena. Yo curiosamente ese fin de semana no estoy en Madrid. Me ha invitado Scarlett Johansson a pasar el fin de semana en Nueva York y con mucho dolor me perderé el glorioso festival de cine más malo que la sarna.

lunes, 18 de noviembre de 2019

Adiós: magistral thriller español dirigido con mano de hierro por Paco Cabezas


Adiós dirigida por Paco Cabezas se estrena en cines españoles el próximo día 22 de noviembre. La impactante película ibérica está protagonizada por Mario CasasNatalia de Molina, Ruth Díaz y Carlos Bardem

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Hay películas que marcan un antes y un después en la vida de un cineasta. Adiós es una de ellas. Hoy tengo el placer y la responsabilidad de escribir sobre la película que más me ha impactado en este año 2019. Peliculón sin reservas. Hay críticas que se pueden despachar en dos lineas. Pero hoy es el día para entrar a analizar en profundidad una historia desgarradora convertida en un orgullo y en un lujo para la cinematografía española. Ejemplo a seguir y un viaje sin retorno para el director español. 

La pequeña hija de Triana (Natalia de Molina) y de Juan Santos (Mario Casas) muere en un accidente de tráfico en la barriada de Las Tres Mil Viviendas en Sevilla. El padre iba al volante y es embestido por otro vehículo de una manera brutal. Juan, preso en tercer grado, junto a su pareja Triana, va a remover cielo y tierra con tal de encontrar a los culpables del crimen. Ambos, con la ayuda de la inspectora Eli (Ruth Díaz) se toparan con toda una difusa red que busca tapar al criminal conductor que acabó con la vida de su pequeña. La agente, recién incorporada al cuerpo policial, se involucra en una investigación que le llevará a sumergirse en las entrañas de las marginales calles del barrio sevillano. Pero Juan y Triana recelan de la investigación policial liderada por Eli, lo que lleva al joven matrimonio a buscar apoyo en su clan familiar apodado como Los Santos. Estos fueron expulsados en el pasado de las propias Tres Mil Viviendas y se implicarán en la investigación tomándose la justicia por su cuenta. Con la policía y la familia investigando el caso, el choque a tres bandas entre padres e inspectora destapará toda una red de pactos silenciados que pululan a lo largo y ancho de las cloacas de la barriada sevillana. Un lugar filmado de manera impresionante donde esquinas y soportales ocultan secretos que conducirán a todos los protagonistas a un choque brutal con consecuencias imprevisibles para todos ellos. 


El encargado de llevar a cabo la impresionante filmación es el cineasta español Paco Cabezas. Por si alguien desconoce su trayectoria, apuntaré unas notas sobre su carrera. Paco Cabezas (Sevilla, 1976) es un guionista y director de cine andaluz. Tras estudiar dirección en el Centro Andaluz de Teatro y dirigir varias obras, su carrera empieza a forjarse en 2005 con su primer cortometraje: Carne de neón. Lleva años desarrollando su labor creativa también cómo guionista. Tras rodar Aparecidos y Carne de neón (el largo), que obtuvo una gran acogida internacional, se le abren las puertas de Hollywood y decide aceptar el reto que le depara la vida. 

Actualmente vive entre Madrid y Los Ángeles, donde ha rodado sus dos últimas películas: Tokarev, protagonizada por Nicolas Cage y Mr. Right, con guion de Max Landis y protagonizada por Sam Rockwell y Anna Kendrick. En los últimos años también dirige series de televisión internacionales entre las que se encuentran: Dirk Gently, Into the Badlands, The Strain, Fear the Walking Dead, The Alienist y Penny Dreadful. 

Ahora vuelve a sus orígenes. A su país, a su familia, a su barrio. Y de esa necesidad vital parte la idea de rodar un filme tan especial y emotivo. Una película muy dura también. Durísima, diría yo. Si un servidor que acude casi a diario a una sala de cine ha salido impactado de la proyección, el espectador que solo acude de manera ocasional al cine va a salir aturdido. Los rostros cubiertos de lágrimas prevalecerán ante una narrativa brutal. Si el cine es emoción, Paco Cabezas consigue maximizar las mismas a través de un noir que marca la pauta a toda una generación de cineastas. Esa vuelta a los orígenes del cineasta español es recurrente en la historia del cine. También de la literatura. Él mismo reconoce que tras rodar a ambos lados del océano, sentía la necesidad de volver a rodar en su idioma, en español, en dialecto andaluz, en sevillano y, si se puede ser aún más concreto, en el "idioma" que hablan en el barrio de Los Pajaritos donde se crió. Quizás el único error del filme haya sido meter en este papel a Mario Casas. El actor español, que muestra una clara progresión, no es andaluz y le cuesta hacerse con el personaje. No obstante, la mano de hierro en la dirección de actores de Paco Cabezas solventa el problema y demuestra que un interprete necesita ser dirigido con rigor y astucia. 


La actriz andaluza Natalia de Molina en el papel de la madre doliente desgarra el alma en una interpretación que la debería llevar de manera directa a ser galardonada con su tercer Premio Goya. La interprete nos acompañó en Cine y críticas marcianas durante este verano en una entrevista que también fue publicada en Cinemagavia. Le da buena réplica Ruth Díaz que tan buen sabor de boca dejó en el también impactante thriller: Tarde para la ira. Ella es la inspectora que profundiza en la investigación para tratar de atar los cabos de la historia presentada. Carlos Bardem también nos regala un gran interpretación como el jefe directo policial de la agente Eli. Por último, destacar en el reparto la sobrecogedora actuación de Mona Martínez que desde luego también tiene muchas posibilidades de ser nominada en los premios de la Academia de Cine. Interpreta a la matriarca del clan de Los Santos y produce escalofríos de pavor en pantalla. Impresionante actuación. 

Vanessa de la Haza es la directora de arte del filme y consuma una obra cumbre en esta disciplina cinematográfica tan especial. El viaje hasta el barrio obrero de Sevilla cuenta con unas localizaciones que son un personaje más en la película. Los interiores también nos ponen en contexto de como se puede crear auténtico cine negro a todo color. Una bellísima paradoja que es aumentada en las vistas cenitales sobre Sevilla. La pareja protagonista es filmada de manera preciosista en una terraza que cuenta, además, con valor narrativo. Un final redondo, emotivo y circular es acompañado en las secuencias finales a través de la fotografía de Pau Esteve Birba. Todo ello conforma una brillante parte técnica. Mención especial también para la banda sonora original compuesta por Zeltia Montes y a una canción interpretada por Rosalía que pone los pelos de punta como contrapunto emocional del filme. 


En conclusión, Adios es un viaje emocional que sobrepasa los patrones del género narrativo elegido. Un filme con la venganza como principal frente discursivo pero con cientos de matices que hacen del cine una experiencia, que esta vez sí, va más allá del puro entretenimiento. El gran libreto creado por el también sevillano José Rodríguez profundiza en el dolor, en el amor y en la pérdida. Quizás, solo el que haya vivido la paternidad pueda llegar a comprender la verdadera dimensión de un filme que ya forma parte de la historia del cine negro español. 

Nota: 9/10.


Nacionalidad: España.

Dirección: Paco Cabezas. 

Guion: José Rodríguez.

Fotografía: Pau Esteve Birba

Música: Zeltia Montes

Duración: 114 minutos.

Estreno España: 22 de noviembre.

Reparto: Mario Casas,
Natalia de Molina, Ruth Díaz,
Carlos Bardem, Mona Martínez.

miércoles, 13 de noviembre de 2019

Si yo fuera rico: Alexandra Jiménez reina en la comedia española


Si yo fuera rico dirigida por Álvaro Fernández Armero llega a las pantallas de cine en España el próximo día 15 de noviembre. La cinta está dispuesta a reventar las taquillas con la asociación de Paramount y Mediaset.

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La historia: Santi (Álex García) malvive en una furgoneta cerca de la costa asturiana. Sin encontrar un rumbo para su vida, de la noche a la mañana, su suerte cambia de golpe. Santi consigue volverse muy rico tras obtener 25 millones de euros en el bote de la lotería. El problema al que se enfrenta ahora es que no puede contar nada ni a sus amigos ni a su ex. Él está en pleno proceso de divorcio con Maite (Alexandra Jiménez) y teme que le reclame la mitad del premio. ¿Será fácil para el nuevo rico ocultar su boyante posición económica cuando cobre la millonaria cantidad?


La crítica: Basada en la cinta francesa "Ah! Si j'étais riche" del año 2002 dirigida por Gérard Bitton, Si yo fuera rico es un dulce pero inane remake a la española que juega hábilmente con la siguiente pregunta:

¿Qué harías si de la noche a la mañana fueras millonario?

Yo desde luego comprar Mediaset España, un porcentaje de Disney e invitar a Scarlett Johansson a una cena romántica a ver si cuela la cosa. Pero nuestro protagonista no opta por ninguna de estas tres opciones. Su ocurrencia es intentar ocultar a su esposa el dinero obtenido ya que está a punto de divorciarse y están casados en régimen de gananciales. 

¿Creéis que su mujer se enterará?

La pregunta es retórica. Por supuesto que lo hará.

¿Pero puede cambiar una suma millonaria un matrimonio en descomposición?

Ahí lo dejo. La incógnita se resolverá en la clásica premisa de chico pierde a chica, chico recupera a chica, chico la caga con una amante -una puta en este caso-, chica la caga con un ligue (jefe en este caso) y para rematar: parió la suegra. En este caso, el suegro dando la lata e interpretado por un gran Antonio Resines que siempre deja buenas sensaciones en pantalla. 


La narrativa es sencilla -más bien simple-. Hablamos de una comedia de evasión que cumple lo que promete y nada más. O nada menos. La sinceridad en este caso tanto en trailer, promoción y póster no pueden llevar a engaño a nadie. Y tampoco está mal ir al cine a divertirse sin más. No hay que pensar y solo dejarse llevar. Y sí, se podría optar por hacer comedia de calidad pero creo que para ello habría que resucitar a Berlanga o al maestro Billy Wilder. De momento es lo que hay. 

Lo que si es destacable en la cinta es el marco narrativo geográfico que es otro personaje más en la película. Hablamos de Asturias en general y de Gijón en particular. Allí la producción encuentra el entorno perfecto con unos paisajes espectaculares. El cineasta se aparta de la grandes urbes como Madrid o Barcelona y busca ir a un entorno más familiar donde es mucho más complejo esconderte si has ganado 25 millones en la lotería. 

La amistad y el toque de comedia feel-good hacen amena la cinta en todo momento. Por otro lado, el entorno narrativo romántico azucaran en exceso el filme español. No apta, por ello, para diabéticos en ayunas. El reparto cuenta con dos integrantes de Toc toc que ayudan a solventar la producción. De hecho, el elenco artístico es lo mejor del remake español. 


Alexandra Jiménez reina a sus anchas en la comedia española y es cada vez mejor actriz. Su papel en la película ibérica es lo más hilarante de la misma. La secuencia en la que está follando (haciendo el amor si queréis) con su amante y los gestos que va haciendo son memorables. En la parte masculina de la pareja, aparece un correcto Álex García al que ya vimos en No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas. Además de en este filme, Álex García y Alexandra Jiménez ya habían trabajado juntos en las películas Gente que viene y bah (2019)  y en Kiki, el amor se hace (2015).

El resto del reparto luce a buen nivel con mención especial para Adrian Lastra (el tipo que no paraba de decir: "fenomenal" en Toc toc).

Resines, Jordi Sánchez y la asturiana Paula Echevarría completan lo más destacado del reparto coral. Esta última sale bien parada en un pequeño pero pícaro papel como amiga de Maite (Alexandra Jiménez).

La música ayuda a subir el ritmo de la producción y la excelente fotografía (fundamental en una comedia) suben algo la nota de la narrativa que se compensa con un metraje ajustado. Poco más de 90 minutos de duración son más que suficientes para ayudar a taponar las vías de agua del filme. 


En conclusión, Si yo fuera rico es una flojita comedia de evasión que no obstante consigue hacer pasar un rato divertido. El mayor reto propuesto era convertir un concepto ganador, como es el que te toque la lotería, en un infierno para el protagonista. Después, ya solo quedaba adaptarlo a nuestras costumbres y a nuestro entorno ibérico. El resultado: aceptable. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Álvaro Fernández Armero

Guion: Álvaro Fernández Armero,
Ángela Armero, Tom Fernández

Música: Vanessa Garde

Fotografía: Aitor Mantxola

Duración: 95 minutos

Estreno España: 15 de noviembre



viernes, 8 de noviembre de 2019

¡Qué maravilloso es el cine! Angel-A


Una rubia de piernas largas que fuma como una loca no es como te imaginas a un ángel. -André Moussah.

André (Jamel Debbouze) es un estafador de poca monta que acosado por las deudas decide suicidarse desde un puente sobre el río Sena en París. Ángela (Rie Rasmussen) es una espectacular rubia que coincide con André en el mismo puente para acabar también con su propia vida. Cuando ella salta sobre el río, es el hombre el que la socorre y le salva la vida. A partir de ese momento comienzan a recorrer juntos París y a desvelarse mutuamente las razones por las qué ambos se encontraban en el mismo sitio y a la misma hora con propósitos suicidas.


Y entonces con la posibilidad del suicidio como nuevo frente discursivo, aparece Clarence, el ángel que debe ganarse sus alas y todo el conflicto narrativo y existencial de la historia estalla a la vez...

Este extracto de la retro-reseña dedicada al mítico e icónico filme ¡Qué bello es vivir! del maestro Frank Capra, sirve como nexo de unión para comprender la génesis y el proyecto con el que el cineasta francés Luc Besson rindió un precioso tributo a una de las mejores películas de la historia del cine. Esta vez el ángel venía vestido de mujer, y la historia estaba enmarcada en el París del año 2005, fecha de estreno del filme.

Angel-A es un cuento urbano de carácter romántico apoyado en una magistral dirección de fotografía en blanco y negro. El encargado de llevarnos a recorrer el París de nuestros días con unas imágenes de ensueño, fue el maestro Thierry Arbogast que compuso auténticos lienzos en movimiento. La música de la compositora noruega Anja Garbarek completa un sueño de fotogramas para el recuerdo.

La historia tiene múltiples interpretaciones y a su vez una que es la más importante: el amor, y la amistad como revulsivo vital ante un mundo que por diversas circunstancias se hunde para André. Él es un hombre sin autoestima, con un físico que le acompleja y con diversos problemas de integración en la sociedad. Ella es un ángel caído del cielo que tiene como misión rescatarlo, sanarlo y volver a hacer de él un hombre con ilusiones por cumplir. ¿Pero qué sucede cuando te enamoras de un ángel?


Ángela es interpretada por la explosiva actriz danesa Rie Rasmussen que además es directora, escritora, modelo y fotógrafa. Lo que se dice un buen partido. Ella representa la belleza, la fragilidad y su personaje es diseñado por Luc Besson para enfrentar al espectador con la dicotomía de ver a a un ángel femenino que se prostituye para conseguir sus propósitos.

André es interpretado con una enorme expresividad por Jamel Debbouze. El actor galo no es modelo, ni fotógrafo, ni escritor. Él representa la fealdad y la corrupción. Pero también, la fragilidad. Su personaje es diseñado por Luc Besson para tratar de indagar en el interior del alma humana.

En cierta forma, Angel -A, es también una fábula universal que supone una actualización del cuento de hadas La bella y la bestia de Gabrielle de Villeneuve pero en una versión distópica y rupturista no vista antes. 


¿Si te doy mi vida sabrías que hacer con ella? 

Esta frase puesta en boca de Ángela resume la pasión puesta por Luc Besson en una película hipnótica, profundamente psicológica y muy emocionante en su conjunto. Y es que al final como ya se decía en Casablanca: "siempre nos quedará París"

Os dejo con una secuencia inolvidable


Nacionalidad: Francia. 

Año: 2005.

Duración: 90 minutos.

Dirección: Luc Besson.

Guion: Luc Besson.

Música: Anja Garbarek.

Fotografía: Thierry Arbogast.

Reparto: Jamel Debbouze,
Rie Rasmussen, Gilbert Melki,
Serge Riaboukine, Akim Chir.


martes, 5 de noviembre de 2019

Ventajas de viajar en tren: provocadora, original, grotesca, inclasificable...


Ventajas de viajar en tren se estrena en cines españoles el próximo 8 de noviembre tras su buena recepción en el recién concluido Festival de Sitges 2019. Supone la ópera prima del cineasta Aritz Moreno y cuenta con reparto de lujo encabezado por Luis Tosar, Pilar Castro y Ernesto Alterio. 

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La historia: Tras internar a su pareja en un psiquiátrico, Helga (Pilar Castro) regresa en tren a su hogar en Madrid. En el viaje de vuelta, conoce a Ángel (Ernesto Alterio). Él dice ser un psiquiatra que trabaja investigando los trastornos de personalidad. Le cuenta la historia de Martín (Luis Tosar) que es un enfermo paranoico que se halla en algún lugar desconocido de la capital de España. Su misión, dar con él. En breve, una serie de sucesos se irán precipitando en una montaña rusa con un incierto final. 


La crítica: La novela homónima de Antonio Orejudo da pie a una película que nace con la vocación de irritar y provocar. El filme español en un juego de matrioshkas, que aunque original, no encuentra un hilo conductor común que haga converger las historias narradas en los tres capítulos expuestos en pantalla. 

Ventajas de viajar en tren es el primer largometraje de Aritz Moreno. Un proyecto en el que lleva involucrado más de cinco años y que fue seleccionado en el mercado de coproducción del Festival de Berlín en 2018. Nacido en San Sebastián, en 2003 dirigió su primer corto que fue seleccionado en más de 90 festivales internacionales. Desde entonces ha realizado cortometrajes, videoclips y ha trabajado en publicidad.

El cineasta español ha retado a los medios acreditados, medio en broma, medio en serio, a que intenten clasificar su debut cinematográfico. Él, define su película como una muñeca rusa de géneros o un thriller conspiranoico que esconde comedia, romance y drama. Y sí, es cierto. El filme es una fusión de géneros. Pero en mi opinión, es ahí donde la cinta no encuentra el tempo preciso.

Es decir, los episodios narrados funcionan de manera correcta si se toman como unidades distintas. Pero también, cabe decir, que son demasiado groseros dentro de la comedia negra. Sin embargo, esa provocadora manera de narrar no es el mayor defecto. El mayor problema radica en la manera inconexa de unir las subtramas propuestas. Pasemos entonces a analizar los delirantes personajes. El reparto, de un nivel muy alto, supone lo mejor de la cinta ibérica. 


Luis Tosar, Pilar Castro y Ernesto Alterio

De salida, el libreto adaptado por Javier Gullón nos recuerda de manera directa a Extraños en un tren dirigida por Alfred Hitchcock. Él también adaptaba una novela de éxito. Hablamos, por ende, de un encuentro fortuito con dos personajes enfrentados y de la historia de dos vidas que se cruzan en un viaje por ferrocarril. Hasta ahí las coincidencias. A partir de entonces, un gran Ernesto Alterio desarrolla el personaje de un psiquiatra que le cuenta una rocambolesca historia a Helga.

Helga Pato es una editora en apuros interpretada por una enorme Pilar Castro. Debería ser nominada al Premio Goya como Mejor Actriz. Es ahora, cuando la historia se bifurca en distintas ramas. Luis Tosar, excelente como siempre y a través del personaje de Martín Urales de Úbeda, vertebra la cinta o al menos ese es el propósito del cineasta.

Cabe decir, que la película con estos tres personajes entra en el terreno de la meta-ficción y no sabemos qué es cierto o qué es ficticio. Martín Urales de Úbeda es el personaje incógnita de la película. Y por más que yo me empeñara en hacen un spoiler no sería posible. Al entrar en el terreno de los trastornos de la personalidad e incluso en un mundo onírico, guionista y director pueden jugar con el espectador sin necesidad de justificar las extravagantes tramas presentadas. En una de ella Luis Tosar es un barrendero y en otra es un soldado destinado en Kosovo. Es cierto, que en el sorprendente final queda más o menos justificado el desarrollo de la cinta. Pero malo es que una película no se explique por sí misma y sea una crítica la que trate de poner en orden las ideas planteadas. 

Quim Gutiérrez y una historia de amor perruna

Hay actores que nacen estrellados y otros con estrella. Quim Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro) es uno de ellos. No diré que sea un mal interprete, pero transmite en pantalla lo mismo que un funcionario en una mañana de lunes. Esta subtrama dentro de la cinta nos habla del noviazgo interpretado por su personaje y el de Helga Pato (Pilar Castro). Si de manera formal esta parte es buena en su mensaje contra el machismo, la posesión, la sumisión o el desamparo, la forma narrativa es vomitiva. Y el director lo sabe. Es repugnante ver como una mujer es violada por un perro, como es obligada a comer comida para animales o como se despieza (literalmente) el cerebro de un hombre que es brutalmente asesinado. Lo dicho, este segmento del filme es fallido y baja el conjunto final de la propuesta presentada.


Macarena García y una historia de amor entre lisiados

Lo mejor de la película y en contraposición al segmento narrado con anterioridad, viene en una especie de cortometraje insertado en la película sin ninguna conexión con la trama general si es que la hubiere o hubiese. Aquí, brilla con luz propia la actriz Macarena García. Ella interpreta a una chica coja que es atracada en un viaje a París. Allí y en la habitación del hotel en el que se hospeda con su novio lisiado se viven los momentos más hilarantes de la producción. Incluso hay buen gusto narrativo y se maneja con excelencia la dirección de arte como vemos en la fotografía de la bañera. Esta parte, sube la nota de la película.

Conclusión (si esto fuera o fuese posible)

Ventajas de viajar en tren es en definitiva la comedia del absurdo o el absurdo de la comedia. Si bien hay que reconocer la originalidad y la osadía de Aritz Moreno en su ópera prima, tengo la sensación de que se ha pasado de frenada. Mi conclusión es clara: si te gustó la novela, disfrutarás mucho con la cinta española. Si no la has leído, ve con cuidado al cine. Es lo que se dice una película no apta para todos los públicos.

Calificación: Seamos originales entonces. Mi nota es: Π x 2 -1= 5.2831852072


Nacionalidad: España

Dirección: Aritz Moreno

Guion: Javier Gullón

Música: Cristobal Tapia de Veer

Fotografía: Javier Agirre Erauso

Duración: 105 minutos

Estreno España: 8 de noviembre

Reparto: Luis Tosar, Pilar Castro,
Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez,
Belén Cuesta, Macarena García,
Javier Godino, Javier Botet


jueves, 31 de octubre de 2019

Terminator, destino oscuro: si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías


"Si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías". Woody Allen. 

Terminator: destino oscuro llega a las carteleras de los cines españoles el día 31 de octubre de la mano del cineasta Tim Miller. El actor metido a político, Arnold Schwarzenegger y con 72 años a cuestas, vuelve al cine en la sexta entrega de la saga que le dio la celebridad mundial. 

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La historia: Tras los sucesos ocurridos en Terminator 2, y obviando lo ocurrido en la tercera, cuarta y quinta parte de la saga, Sarah Connor (Linda Hamilton) se ve obligada a luchar del lado de Grace (Mackenzie Davis). Esta mujer es un híbrido entre humano, cyborg y Donald Trump. De ellas, dependerá el futuro de la humanidad que está gravemente amenazado por un nuevo y poderoso Terminator (Gabriel Luna).

En su camino, además, tendrán la ayuda del modelo T-800 (Arnold Schwarzenegger) para acabar de montar el circo o el lamentable despropósito perpetrado por Tim Miller. 


La crítica: Si alguna vez me encuentran ahorcado en el cuarto de baño de un cine, que me encontrarán, será por culpa de películas tan feas, desagradables, oscuras, violentas y repetitivas como Terminator: destino oscuro. No tengo más que decir. Fin. 

Nota: 1/10 (el uno es porque sale la actriz colombiana Natalia Reyes y también para su maquillador)


Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Tim Miller.

Guión: David S. Goyer, Josh Friedman,
Billy Ray, Justin Rhodes

Música: Junkie XL

Fotografía: Ken Seng

Duración: 128 (interminables) minutos

Reparto: Mackenzie Davis,
Linda Hamilton, Gabriel Luna
Arnold Schwarzenegger, Natalia Reyes



jueves, 24 de octubre de 2019

Amundsen: el hombre enamorado de la nieve


Amundsen llega a los cines en España el próximo 8 de noviembre tras su exitoso recorrido por los países escandinavos del Norte de Europa. La cinta noruega está dirigida por el cineasta nominado al Oscar: Espen Sandberg.

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La historia: Roald Amundsen (Pål Sverre Hagen), desde que era un niño, siempre soñó con emular a los grandes exploradores que eran aclamados por la población cuando regresaban a casa. Su ambición se pondrá a prueba cuando siendo ya un hombre inicia una expedición para competir con el británico Robert Scott por ser el primer humano en llegar al centro de la Antártida. Esta es la mítica historia de un hombre enamorado de la nieve que marcó un hito en la historia de Noruega. 


La crítica: Los biopics son como los pimientos de Padrón. Es decir, unos pican y otros no. En esta ocasión, el biopic noruego sobre la vida del legendario explorador noruego Roald Amundsen (1872-1928) se queda a medio camino entre el picante y la dulzura narrativa.

El cineasta noruego Espen Sandberg, director de la película “Kon-Tiki”, nominada al Oscar y a los Globos de Oro como mejor película de habla no inglesa, acierta en el tono general de la narración aunque no acaba de decantarse entre lo épico (el picante) o la compleja vida sentimental (la dulzura) expuesta en pantalla. El director retrata a Roald Amundsen como un hombre implacable y eficaz, pero obsesionado en su carrera por llegar al Polo Sur, compitiendo con el equipo comandado por el explorador Sir Robert Scott en nombre del Imperio Británico.

Amundsen es un personaje que trasciende a sus logros en la conquista de los territorios helados del planeta. La cinta en ese aspecto es intachable y cumple con rigor con la figura histórica retratada. Si peca de algo es de conservadora. No obstante, y aunque se ha escrito mucho del tramo final de la vida de Amundsen, quizás ese cierto tono documental le venga bien al filme. El cineasta no entra en el tono amarillo que ha contaminado en parte los épicos logros del explorador. Me refiero a lo escrito sobre cómo murió y a lo especulado en este aspecto. 

Lo que si queda claro, o al menos esa es la tesis que sostiene el cineasta, es que el explorador noruego se movió desde joven por un acusado narcisismo. Ahí, Espen Sandberg si entra a juzgar al personaje y a la persona. De hecho, parece claro que la fama era su objetivo prioritario. Quizás incluso más que dejar un legado en la conquista de algunos territorios vírgenes del planeta. De hecho, no dudo ni un solo momento en alimentarse de los propios perros que tiraban de sus trineos para vencer a Scott. Este hecho le fue afeado en el Reino Unido y en parte de Noruega. 


El peso del reparto recae sobre Pål Sverre Hagen que interpreta con acierto, ayudado por un cuidado maquillaje, las distintas etapas vitales de Roald Amundsen. Otro personaje importante en la película y en la historia fue su hermano León Amundsen. Se encarga de meterse en su piel el buen actor noruego Christian Rubeck. Un momento clave de la historia sucede cuando León Amundsen a las 11 de la mañana del 7 de marzo de 1912 recibe un telegrama que no escondía otra cosa que la conquista del Polo Sur Geográfico. El 8 de marzo, 84 días después de que una bandera de Noruega se posase en ese punto, el mundo se despertaba con la histórica noticia. En la parte femenina del reparto y metida con calzador aparece la bella actriz londinense Katherine Waterston que cumple las veces de amor platónico del expedicionario noruego. 


La parte técnica, sobre todo en la fotografía, busca una conexión con los personajes para crear una respuesta emocional. Se utilizan para ello cámaras de mano en las escenas más íntimas. En esa línea y en las escenas interiores, las lámparas a media luz contrastan con la primorosa utilización de la luz en las escenas exteriores. En las secuencias de aventuras se usan helicópteros para darle a la película un aire épico. Viajaremos a lugares exóticos en el que se captura el sol de medianoche, veremos las auroras boreales que Amundsen experimentó en el páramo helado, y las luces del Norte de las que estaba tan enamorado.

El filme cuenta con fiestas de palacio, galas reales, se recrea la vida primitiva de los inuit y la soledad total de los parajes helados debajo de las zonas polares. El explorador noruego no era ajeno a ninguno de estos estilos de vida, pero se sentía mejor en las regiones polares que en la civilización. Para él, la naturaleza tenía un alma hermosa, mientras que la urbe, por otro lado, con sus ciudades y personas, era para él confusa y ruidosa. Durante el verano, la cinta es cálida y colorida, lo que es un fuerte contraste con la región polar. La música es grandiosa en los territorios naturales e intima en los espacios cerrados. Es otro personaje más. 

Roald Amundsen fue en definitiva uno de los hombres más controvertidos de Noruega. Dejó su huella en una nación sin grandes referentes. Un hombre que dedicó su vida al descubrimiento de tierras desconocidas, y que estaba dispuesto a sacrificar todo para alcanzar sus objetivos. Incluso mintió y traicionó a quienes le rodearon para lograr sus metas. Esto le hizo muy popular, pero como persona lo pagó con creces en su conciencia.


Amundsen a pesar de estar pasada de metraje es una cinta única para conocer más de cerca a un héroe que cambió la historia del siglo XX. No es un filme que pasará a la historia pero si es un buen filme histórico. 

Nota: 7/10. 

P.D. Amundsen tenía programada su fecha de estreno en España para el día 25 de octubre. Su fecha de estreno se retrasa hasta el día 8 de noviembre. La crítica que acaban de leer ya estaba programada para publicarse un día antes de la fecha de su estreno inicial. 

Nacionalidad: Noruega

Director: Espen Sandberg 

Guion: Ravn Lanesskog

Fotografía: Pål Ulvik Rokseth

Duración: 124 minutos

Estreno Noruega: 15/02/2019

Estreno España: 08/11/2019

Reparto: Pål Sverre Hagen,
Christian Rubeck , Fridtjov Såheim
Katherine Waterston, Mads Sjøgård