martes, 29 de noviembre de 2022

Venus: Jaume Balagueró se inspira en Lovecraft con Ester Expósito de sólida heroína


Venus dirigida por Jaume Balagueró se estrena en cines españoles el próximo día 2 de diciembre.  Protagonizada por Ester Expósito y producida por Álex de la Iglesia la cinta tuvo una gran acogida por parte de público y crítica en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

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La historia: Lucía trabaja bailando en una discoteca de Madrid. Una noche, tras su jornada, roba una bolsa repleta de droga al dueño del club. Herida, tras ser descubierta, se refugia en casa de su hermana que vive en el edificio Venus. Pero la vivienda será su ratonera. 


La crítica: El filme escrito por el propio Balagueró junto al dos veces nominado al Goya Fernando Navarro es el proyecto dos de Fear Collection. El sello español está especializado en terror y suspense siendo creado por Sony Pictures en colaboración con Álex de la Iglesia. La apuesta es fuerte por lo que espero que tenga éxito en las salas de cine.

Venus es una versión libre de Los Sueños en la casa de la bruja, una obra de Lovecraft publicada en 1933. Allí se mezclaban leyendas y mitos paganos que se confrontaban con el interés científico del protagonista del relato. Éste alquilaba una habitación junto a una hechicera que escapó de los tribunales de Salem. En el caso de la cinta hoy reseñada, el personaje de Lucía (Ester Expósito) llega de manera fortuita a la habitación de la casa de su hermana (Ángela Cremonte) situada en el misterioso edificio Venus de Madrid. Un lugar en el que se produjeron crímenes, sesiones de güija y que está habitado por personajes siniestros que mostrarán su cara a lo largo del filme. Balagueró imprime una fuerte tensión narrativa en un clásico thriller que deriva en el cine de género.

En Venus también hay niña del terror. Pero la cría no está poseída por fuerzas extrañas. Decía Lee Cronin, cineasta europeo, en la entrevista para esta web que: "La moda de niños en el cine de terror tiene que ver con el cambio que se está produciendo en los hábitos de la niñez, y en cómo van a ser las nuevas generaciones. La inocencia está muriendo a una edad cada vez más temprana". Y así es. En la cinta se utiliza al personaje de la niña con intención psicológica sin que tenga que voltear la cabeza como una peonza, vomitar y otras costumbres que pululan en el cine de género. Pongan a una niña pálida a las tres de la mañana en el salón de su casa con un camisón blanco y si sus familiares, amigos, novias o amantes aguantan el susto es que su corazón está a prueba de bombas. 


La actriz española Ester Expósito, a la que entrevistamos en su prometedor debut en el cine, muestra una gran evolución como intérprete con el personaje de Lucía. Carga con todo el peso del reparto y se echa la película a sus espaldas. Su personaje es el de una joven que comete la torpeza de robar una bolsa de droga en su trabajo lo que la lleva a refugiarse en el infierno del edificio. Mientras tanto, y esperando que los mafiosos a los que ha robado no la encuentren, comienza a relacionarse con las macabros personajes que habitan el lugar. Lucía tiene carácter, es obstinada, fuerte y su personaje juega con los patrones clásicos del héroe, en este caso el de una sólida heroína. En el resto del reparto cabe mencionar a Ángela Cremonte que hace de la hermana de Lucía, y a Inés Fernández, su sobrina (la niña), de las que está distanciada por motivos personales. 

En la técnica destaca el uso de los espacios interiores de un gran edificio, en un ambiente insalubre con miseria y problemas en un mundo sórdido. Se crea una atmósfera opresiva e irrespirable. Los efectos visuales son notables y se sienten inspirados en The Shallows con cortes y heridas que se tiene que suturar la propia protagonista en un papel muy físico. 

Venus está muy trabajada con un inicio veloz, un desarrollo bien narrado y un final muy controvertido. No debo desvelar nada. Con Ester Expósito ya preparada para seguir los pasos de Ana de Armas en Hollywood, nos hallamos ante una producción bien armada pero con una secuencia final muy polémica. De hecho, podría anular la intención de Balagueró al explorar terrenos originales para el nuevo sello cinematográfico. 

Nota: 7/10. 


Nacionalidad: España

Dirección: Jaume Balagueró

Guión: Jaume Balagueró, 
Fernando Navarro

Historia: H.P. Lovecraft

Fotografía: Pablo Rosso

Música: Vanessa Garde

Duración: 100 minutos

Reparto: Ester Expósito,
Ángela Cremonte, Magüi Mira,
Fernando Valdivieso, Inés Fernández

martes, 22 de noviembre de 2022

La maternal: infancia interrumpida


La maternal dirigida por Pilar Palomero se ha estrenado en cines españoles el día 18 de noviembre. Producida por Inicia Films y Bteam Pictures, la película compitió en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, donde se alzó con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación para su actriz protagonista, la joven Carla Quilez, de tan solo 14 años.

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La historia: Carla es una niña de 14 años en riesgo de pobreza que llega embarazada al centro de acogida La Maternal. Allí tiene que aprender a convivir con chicas de su edad y estar lista para ser una buena madre. Un gran desafío que pasa por conocerse a sí misma y entender el mundo que tiene alrededor, además de lidiar con una destructiva relación con su madre y con sus propios miedos.


La crítica: La buena ópera prima de Pilar Palomero me hizo pensar que lo iba a tener difícil para superar su debut. Las niñas era tan cadenciosa, profunda y estuvo tan bien rodada que la misión se antojaba compleja.

La maternal es un sutil retrato de la maternidad en la adolescencia. Una historia sobre la fortaleza, la valentía, la superación, pero también sobre el abandono. Los 120 minutos  de metraje para una trama tan minimalista se sienten como una losa cocinada a fuego lento. La propia cineasta se percata y suprime el momento del parto pero no se atreve a meter las tijeras del todo en una historia que hubiera funcionado como un tiro con los clásicos 90 minutos de toda la vida. 

Palomero tuvo la posibilidad de conocer en primera persona un centro de acogida para madres precoces y de ahí surge la idea de la película. Una reunión con el director del centro dio paso a charlas largas y emotivas con mujeres que, ya desde su mirada adulta, le contaron cómo había sido para ellas vivir su maternidad. La cineasta se enfrenta a la complejidad de reflejar cómo debe ser niña y madre al mismo tiempo. El retrato es luminoso, alegre y doloroso. La cinta destila ternura y con ello se compensa la falta de mayor ritmo narrativo. 


Carla Quílez fue la sorpresa de la 70ª edición del Festival de cine de San Sebastián. Con tan solo 14 años se llevó el premio a la mejor interpretación femenina. La niña hace un papel brutal y tendrá también su Premio Marciano a mejor actriz revelación. Nada que ver, pero toda suma. Quilez interpreta a una niña de su edad con un personaje rebelde, duro y complejo que queda embarazada de su mejor amigo. Decide no contar nada al joven padre y asume su responsabilidad.

Ángela Cervantes que ya destacaba en Chavalas hace otro buen trabajo. Su personaje es el de la joven madre de Carla que se va a convertir en abuela antes de los treinta años. Regenta un restaurante de carretera, está separada y con un nuevo novio que provoca el rechazo de su hija. El progenitor de Carla se fugó y representa la figura del padre ausente. El resto del reparto lo componen el resto de niñas de la casa de acogida y los responsables de la misma. Cumplen.

En la técnica destaca el rodaje en tonos pastel fotografiados por Julián Elizalde. Sorprende también una preciosista versión de 'Tu calorro' de Estopa interpretada por La Húngara sobre los créditos finales. Como curiosidad adicional cabe decir que parte de la cinta se ha rodado en Los Monegros y que el mismo bar de carretera se usó en Jamón, jamón de Bigas Luna. También ha habido escenas en el campo de fútbol que salía en la cinta protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz y Jordi Mollá.


La maternal es profunda, dura y compleja. Con un reparto bien equilibrado en el que brilla con luz propia Carla Quílez, nos hallamos ante un sobrio relato llevado con parsimonia por la cineasta. Aún así, demuestra talento para trabajar con actrices sin mucha experiencia que destacan por su naturalidad. Una cinta, en definitiva, sutil y delicada que navega por la vida de la maternidad temprana con mucho respeto a sus niñas, al espectador y hacia una historia de jóvenes con la infancia interrumpida. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Pilar Palomero

Guion: Pilar Palomero

Fotografía: Julián Elizalde

Duración: 120 minutos

Reparto: Carla Quílez, Olga Hueso,
Àngela Cervantes, Jordan Dumes, 
Pepe Lorente, Rubén Martínez, 
Gal-la Sabaté, Neus Pàmies

martes, 15 de noviembre de 2022

Cariño, cuánto te odio: amor, Navidad y almíbar a granel

Cariño, cuánto te odio escrita y dirigida por Peter Hutchings se estrena en cines españoles el próximo día 18 de noviembre. La película es una producción de los hermanos Dal Farra, ya conocidos por comedias románticas como Cuando apareciste tú, No te lo vas a creer o Despedida de soltera.

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La historia: Nueva York, 2022.  Lucy, empleada de una editorial, mantiene una relación de amor/odio con Joshua, su compañero de trabajo. Esta se verá incrementada cuando ambos luchen por un ascenso laboral. Pero tras este juego de máscaras luce una tensión sexual no resuelta a dilucidar fuera de la oficina.

La crítica: Basada en el libro de Sally Thorne, The Hating Game,  publicado en más de 25 países y que fue seleccionado como una de las 20 mejores novelas de 2016 por el Washington Post, nos hallamos ante una comedia romántica edulcorada con toneladas de almíbar a granel. Si en Mercadona llevan vendiendo el turrón desde septiembre, este próximo fin de semana se abre el fuego navideño en el cine con varias producciones en la que ya es Navidad. El amor y la ciudad de Nueva York hacen el resto. 

Cariño, cuánto te odio, un loco título inventado por los traductores de cine, vendría a ser como una peli de Antena tres o del canal Hallmark pero en plan morritos de Instagram. O sea una cosa moderna pero en plan viejuno. Los protagonistas son tan sexys, guapos, elegantes, listos y cuquis que dan asco. Vamos que aparece un gitano en la película y se produce una estampida.

Aún así la intención de la cinta no es mala. Peter Hutchings trata, a su modo, de resucitar la guerra de los sexos que se produjo en la comedia estadounidense. Desde Luna nueva hasta Cuando Harry encontró a Sally, pasando por La fiera de mi niña o La costilla de Adam este género es uno de los más deliciosos e indelebles del cine. De este modo y volviendo al filme nos hallamos ante Lucy atrapada en una oficina compartida. Ella se embarca en un despiadado juego de superioridad contra Josh. Su rivalidad laboral se irá complicando a medida que va creciendo la atracción entre ambos. ¿Es amor o un juego para lograr ascender en la empresa?

Antes de analizar de manera breve las interpretaciones no me quiero olvidar de la banda sonora original editada para Cariño, cuánto te odio. Al menos hace que la cinta suene bien. Cuenta con artistas entre las que se encuentran Of Monsters and Men, Chelsea Cutler, Astrid S., Bulow, Jeremy Zucker, Benee, Dagny, Joy Oladokun, y una nueva versión del hit de Duffy "Mercy" interpretada por Angelina Jordan. Lo mejor de la película pasa por su ambientación y diseño de producción. Una historia que tiene lugar en Nueva York, con Brooklyn, el otro lado del East River o en Manhattan pues siempre tiene un plus. El plus de quedarse dormido con buenas vistas. 

Lucy Hale interpreta con cierta gracia a Lucy. Es muy impulsiva, inteligente y emprendedora. La gente la apoya porque es la desvalida. Una mujer en un mundo de hombres que lucha por lo que quiere aunque su personaje se pasa la película pintándose los labios. Creo que bate el récord de repasos labiales con el objetivo de excitar a su compañero de trabajo. 

Austin Stowell interpreta con nula gracia a Joshua. Es muy lógico, muy pragmático, está con la mente fija en sus objetivos y no se permite desviarse de su camino. O sea un plomo. Dice, su personaje digo, que está harto de que las mujeres solo le quieran para pasar una noche. Mucho me parece. Un personaje, por cierto, con más tetas, que Lucy. Y eso está feo. Pobre chica. Ya decía Groucho Marx que «Nunca iba a ver películas en las que el pecho del héroe era mayor que el de la heroína.»


Cariño, cuánto te odio aspira a ser una película actual, fresca y sexy. Pero convertir un libro en una película significa tomar decisiones, crear personajes complejos y transformar la voz interior en acciones concretas. Nada de esto sucede aquí. En el mejor de los casos es una película para tortolitos en celo, amantes de la Navidad en Nueva York o gente que no sepa qué hacer con su vida y que tampoco encontrará soluciones para ello. La parte buena del filme es que no es muy largo y es poco ruidoso por lo que el efecto melatonina se puede presentar en cualquier momento.

Nota: 5/10.

 

Título original: The Hating Game

Nacionalidad: Estados Unidos

Música: Spencer David Hutchings

Fotografía: Noah Greenberg

Editado por Jason Nicholson

Producción: Debbie De Villa

Vestuario: Astrid Brucker

Sonido: Ruy Garcia

Duración: 103 minutos

Reparto: Lucy Hale, Austin Stowell, Corbin Bernsen, Sakina Jaffrey, Yasha Jackson, Brock Yurich, Sean Cullen

martes, 8 de noviembre de 2022

La forja de un campeón: Russell Crowe apadrina al "Gladiator" del siglo XIX


La forja de un campeón dirigida por Daniel Graham se ha estrenado en cines españoles el día 4 de noviembre. El filme explora la apasionante vida de Jem Belcher, quien a los 19 años se convirtió en el campeón mundial más joven de la historia.

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La historia: Jem Belcher, figura en la historia del deporte, fue un brillante boxeador en la Inglaterra georgiana de principios del siglo XIX. El joven púgil provenía de una larga dinastía a la que supo defender sobre el ring pese a su aparente timidez en público. 


La crítica: De manera pública reseño películas desde el año 2016 para Cine y críticas marcianas, Noroeste Madrid o Cinemagavia. Pero nunca lo había hecho sobre una trama sustentada en el boxeo. Toro Salvaje de Martin Scorsese es una de mis películas preferidas aunque el boxeo no sea una disciplina que me guste demasiado. Pero a mi modo de ver, funciona como un tiro en el relato llevado al cine. Quizás el ejemplo más gráfico sea Rocky de John G. Avildsen que tiene la épica adecuada y consigue la emoción en el espectador yendo de menos a más. 

La forja de un campeón me interesa porque indaga en cómo se creó lo que hoy conocemos como boxeo. Si bien la lucha siempre estuvo presente en la historia de la humanidad, podríamos decir que con la creación de esta disciplina se logró imponer una serie de normas que incluso lo han llevado a ser deporte olímpico desde los Juegos Olímpicos de San Luis 1904. En 1984 se estableció como obligatorio el uso del casco de seguridad para evitar males mayores. Las mujeres no pudieron competir hasta los Juegos de Londres del año 2012.

En 1800, Jem Belcher (Matt Hookings) se convirtió en el campeón de boxeo más joven de la historia. Esta es su increíble historia real. A principios del siglo XIX, el cambio social y el progreso se extendían lentamente por el Imperio Británico. En Inglaterra, tanto en la ciudad como en el campo, seguían imperando la pobreza, el desorden y la conflictividad. Pero en los callejones y ferias de Bristol nacía un nuevo héroe. Jem Belcher iba a transformar el pugilismo primitivo en un deporte de reyes. Él creció en las calles sin nada, aprendiendo de la dura realidad viendo cómo su célebre abuelo (Russell Crowe) se destruía a sí mismo y a quiénes le rodeaban por culpa de su adicción al alcohol. 

A medida que fue ganando combates, su estilo de vida fue cambiando radicalmente, pasando de la pobreza en las calles de Bristol a codearse con la burguesía londinense. Jem defendió su título, invicto durante cinco años, antes de que sobreviniera la tragedia. Un accidente le dejó ciego del ojo izquierdo. Al no poder competir, Jem se refugió en la bebida, y esto derivó en una caída destructiva que llevó al campeón a la cárcel. Pero resurgió de sus cenizas en un relato llevado de manera muy habilidosa por Daniel Graham que consigue imponer un buen ritmo narrativo.


Russell Crowe apadrina a este "Gladiator" del del siglo XIX en un papel en el que se muestra eficaz y en el que tiene que hacer de abuelo. Su deterioro físico le ayuda para el trabajo aunque cuesta verlo así. Hablamos de un personaje que enseña a su nieto a boxear y le transmite la pasión por esta disciplina tan controvertida. 

Matt Hookings se mete en la piel de Jem Belcher. Además, escribe el guión y produce la cinta por lo que su implicación es máxima. El actor británico se ha forjado su trayectoria trabajando con algunos de los mayores talentos de la industria, como Angelina Jolie, Michael Caine y Tom Cruise. El padre de Matt, fue David Pearce, el campeón británico de los pesos pesados por lo que entendemos el contexto del proyecto.

Ray Winstone interpreta a Bill. Éste es la antítesis del personaje de Crowe e intenta llevar a Jem por el buen camino. Es su entrenador y representa a la figura paterna. Bill convenció a Jem de que podía ser el mejor boxeador del mundo, y a partir de ahí comenzó el ascenso del que sería el campeón más joven de la historia de Inglaterra. El resto del reparto juega al servicio de estos tres personajes sin aportar demasiado.  


La forja de un campeón es un biopic sólido que refleja de manera épica a Jem Belcher. Un tipo con un aire byroniano, apuesto, brillante, pero incapaz de afrontar la fama y el éxito repentino. La cinta retrata una epopeya del boxeo enraizada en un oscuro drama familiar. También documenta el combate de dieciocho asaltos contra Henry Pearce conocido como “La pelea olvidada del siglo”. Graham dota al filme de un lenguaje visual, que combina la complicada situación de su protagonista con el avance imparable de la historia. Esta estética parece arraigada en títulos como Barry Lyndon o La puerta del cielo, pero es algo novedoso dentro del género del boxeo. Es por ello que la cinta tiene cierto halo de originalidad dentro de la narrativa épica de este tipo de cine.

Nota: 7/10. 


Título original:
Prizefighter: The Life of Jem Belcher

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Daniel Graham

Guion: Matt Hookings

Fotografía: Ziryab Ben Brahem

Música: Paul Saunderson

Duración: 102 minutos

Reparto: Russell Crowe, Ray Winstone,
Matt Hookings, Marton Csokas, 
Jodhi M, Julian Glover, Steven Berkoff.

martes, 1 de noviembre de 2022

Corten! (Coupez! 2022): Michel Hazanavicius se entrega a la comedia zombi

Corten! dirigida por Michel Hazanavicius (director de la oscarizada cinta The Artist) se estrena en cines españoles el próximo día 4 de noviembre. La cinta francesa fue la Película Inaugural de la Sección a Competición del último Festival de Cannes. 

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La historia: Filme que se ambienta en el rodaje de una película de zombis en un edificio en desuso. Entre técnicos hartos y actores poco implicados, sólo el director parece investido de la energía necesaria para dar vida a otra película de terror de bajo presupuesto. Sin embargo, la irrupción de ¿zombis reales? en el rodaje produce el pánico de todos los responsables. El relato gira hacia la comedia con sorpresa incluida. 

La crítica: El filme francés supone el remake de la exitosa cinta japonesa ‘One Cut of the Dead’. El propio Michel Hazanavicius, junto a su mujer y también actriz en la película Bérénice Bejo, presentaron en el Festival de Sitges 2022 la película ante el público. Ambos, también, dieron salida a la esperada Zombie Walk, que llevaba 2 años sin realizarse por lo que Corten! ha sido un impulso para el citado festival y para los amantes del cine de género. Ahora, y con los rescoldos de Halloween aún en llamas, la cinta será el remate perfecto para la ebriedad de disfraces y calabazas. 

Hazanavicius ofrece un recital de metacine que no estalla hasta pasado el minuto 30 de metraje. Corten! se presenta, por tanto, como una idea muy original de metacine transgresor. Hablamos de un ejercicio que permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión a través de su práctica, en el que el cine se mira al espejo con la pretensión de conocerse mejor. O sea cine dentro del cine. El orden cronológico también se altera para diversión del espectador. Pero aquí entramos en terrenos pantanosos. El público debe aguantar los primeros 30 minutos para hilar la trama y la paciencia no es algo que cultivemos hoy en día. 

La película comienza con un plano secuencia malogrado. Tanto, de hecho, que se vuelve intrigante. Debo ser cauto y críptico en cuanto al desarrollo de la trama. Pero cuando finalmente nos damos cuenta de que este plano secuencia no es el verdadero propósito de la película, sino la historia de cómo y quién la rodó, todo se esclarece. Este giro narrativo nos lleva a conocer a la familia del personaje del director que rueda la película y nos conecta con la comedia francesa de situación. 


Romain Duris al que ya vimos en Míster Bojangles interpreta con eficacia a Remi. Su personaje es el de un cineasta de segunda al que una productora japonesa le ofrece rodar una película de zombis de bajo presupuesto. Duris, cada vez mejor actor, ha trabajado con directores de la talla de Jacques Audiard, Ridley Scott, Pascal Chaumeil, Michel Gondry, Jean Pierre Salomé, Eric Lartigau, François Ozon o Régis Roinsard. 

Bérénice Bejo es una de las principales actrices francesas en activo en la actualidad. Está casada con el propio Hazanavicius, quien le dio el papel protagonista de ‘The Artist’, una película que se alzó con 5 Premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor. En Corten! interpreta a la esposa de Remi que a su vez es Nadia: una maquilladora sobreexcitada de la película que están rodando. En el resto del reparto destaca Grégory Gadebois al que este año hemos visto en "Delicioso", "Bojangles" o "En las cartas de amor". Todas reseñadas en Cine y críticas marcianas. Su papel es el de un actor al que le toca hacer de zombi y llega al set de rodaje borracho como una cuba. 

El estilo visual de la película se apoya en una fotografía dinámica y que cambia según sean las secuencias rodadas. Cuando vemos la parte ficticia, observamos una imagen muy teñida de esos viejos brotes de tipo campy con niveles de grano de alta saturación. También hay momentos filmados de manera regular en una mezcla que funciona bien y que ha debido ser una locura en la sala de montaje. 


Corten! es un festival para los amantes del cine zombi. También para los estudiosos del metacine. Pero no es una película redonda. El filme comienza de forma catastrófica y su concepto se va revelando a medida que avanza la historia hasta terminar de forma inesperada. Presentada inicialmente como una película de zombis clásica, pasa poco a poco a ser otro tipo de película de zombis distinta. Luego se transforma en una comedia de situación, para terminar en un nuevo género que, al parecerse a un falso making of, reúne todas las facetas que se han explorado hasta ese momento. Así es como se llega a un final explosivo y divertido para el espectador siempre que éste no haya abandonado la sala de cine antes del minuto treinta de un metraje algo excesivo. 

Nota: 6/10


Nacionalidad: Francia

Dirección: Michel Hazanavicius

Guion: Michel Hazanavicius

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Jonathan Ricquebourg

Duración: 110 minutos

Reparto: Romain Duris, Bérénice Bejo,
Grégory Gadebois, Matilda Anna Ingrid
Lutz, Finnegan Oldfield, Luàna Bajrami

martes, 25 de octubre de 2022

El cuarto pasajero: Álex de la Iglesia viaja en BlaBlaCar


El cuarto pasajero dirigida por Álex de la Iglesia se estrena en cines españoles el próximo día 28 de octubre. La cinta es una producción de Telecinco Cinema y Pokeepsie Films que se unen de nuevo tras el éxito de crítica y público de 'Perfectos Desconocidos'. Participan también Mediaset España y Movistar Plus+. 

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La historia: España, 2022. Julián (Alberto San Juan) está separado, en la crisis de los cuarenta y se encuentra en el peor momento económico de su vida. Entonces decide recurrir a una aplicación para compartir su coche con todo aquel que necesite viajar a Madrid. Una de esas personas es Lorena, (Blanca Suárez) una joven que se ha vuelto muy asidua al coche de Julián ya que viaja a menudo a la capital. Pero este nuevo viaje será...


La crítica: Ritmo, ritmo y ritmo. Eso es lo esencial en la comedia y Álex de la Iglesia se lo sabe. No duda, por tanto, en aplicar esta lógica narrativa en una road-movie de vértigo. Tras el batacazo comercial de "Veneciafrenia" el cineasta español vuelve por sus fueros como ya hiciera en El bar o en Perfectos desconocidosEl cuarto pasajero es notable.

Las películas para ser originales deben adaptarse a los nuevos usos sociales. Supongo que sabéis qué es BlaBlaCar pero si alguien anda perdido lo explico de manera breve. Hablamos de una aplicación que pone en contacto a conductores que publican sus trayectos previstos en la web (o en la app) y a viajeros que desean sumarse a esos viajes, de modo que comparten los gastos de gasolina para ahorrar en el desplazamiento. El propietario del coche sufraga parte del desplazamiento y el pasajero, por su parte, paga menos de lo que le supondría el mismo viaje en transporte público. 100 millones de usuarios en Brasil o 7 millones en España dan cuenta del éxito y el cine no se podía quedar ajeno a esto.

¿Pero qué sucede cuando cuatro desconocidos comparten un trayecto en el que de manera inevitable tienen que conversar? Pues que surge la vida: amistades, romances, accidentes o algo más. El cuarto pasajero guioniza las posibles situaciones para hacer parodia. Las secuencias de la gasolinera, el hotel y la caravana estructuran la película en presentación, desarrollo y desenlace con maestría en los tiempos narrativos.


Alberto San Juan interpreta a Julián. Divorciado, desempleado y en plena crisis está convencido de que sigue siendo sensato, razonable y estable. Todos los fines de semana sube a Bilbao desde Madrid con Lorena. O… ¿lo hace por ella y solo por ella? Y es que ha decidido que en este viaje se le declarará. Pero una mala elección de los compañeros de viaje hará saltar sus planes por los aires con lo sale a la luz parte de una personalidad oculta hasta ese momento del metraje.

Blanca Suárez interpreta a Lorena. La vemos con San Juan en la imagen superior. Dos intérpretes, por cierto, con mucho recorrido y a los que por diferentes razones se les ha tratado de forma injusta. Lorena es una chica romántica, familiar y tirando a formal. A veces demasiado siendo el único personaje que no se dedica a hacer el cabra. Le gusta creer que es muy espontánea, pero se siente bastante a gusto en su zona de confort. Todos los fines de semana sube en el coche de Julián, para viajar de Bilbao a Madrid, para estar con sus padres, o… ¿será una excusa para ir con Julián?


Ernesto Alterio interpreta con gracia a Rodrigo en un personaje que consigue causar la carcajada varias veces por ser tan caradura. Dice ser muchas cosas: pedagogo (le encanta enseñar a todos cómo deben actuar en su vida), emprendedor (es un volcán en empresas solidarias) y psicólogo (tiene consejos sentimentales para todo el que quiera escucharle). Y, sobre todo, le encanta llevar la contraria, así que a diferencia de Julián él baja de Bilbao a Madrid. Cerca de él, el concepto “zona de confort” carece de sentido y pondrá en aprietos al resto de los pasajeros. 

Rubén Cortada cumple de manera correcta con su papel. Es el cuarto pasajero en subir al coche y trata de ligar con Lorena ante un Julián que comienza a perder los papeles. No quiere llamar la atención y ha accedido a la aplicación con el perfil de su primo, para poder llegar a su destino, tranquilo y relajado. Así que si el “plan” de Julián descarrila, ahí estará él para “consolar” a Lorena que le utiliza para dar celos a Julián. 

En los aspectos técnicos destacaría de nuevo a Rita Noriega en la dirección de fotografía. Como ya hacía en Cerdita se vuelve a tomar la molestia de saber iluminar las tomas nocturnas dando una lección a aquellos que confunden los planos oscuros con crear suspense. Incluso una comedia entre negra y romántica como la hoy reseñada debe ser muy cuidadosa con los aspectos adicionales y en eso Álex de la Iglesia suele acertar. 


El cuarto pasajero me ha parecido una comedia notable, divertida y con un gran ritmo narrativo. Álex de la Iglesia consigue conjugar una historia alocada con algo tan cotidiano como son los viajes compartidos. El cineasta nos muestra a personajes embarcados en un viaje por la vida como si esta fuese una carretera; algo de comedia clásica; y, sobre todo, un reparto que lo ha dado todo para que el público disfrute con ello. Nos entrega, por tanto, una película llena de ingenio, de acción, de comedia, de romanticismo y todo ello con su sello personal. 

Nota: 8/10. 


Nacionalidad: España

Dirección: Álex de la Iglesia

Guion: Álex de la Iglesia

Fotografía: Rita Noriega

Música: Roque Baños

Duración: 115 minutos

Reparto: Alberto San Juan, 
Blanca Suárez, Ernesto Alterio,
Rubén Cortada, Carlos Areces,
Jaime Ordóñez, Carolo Ruiz

martes, 18 de octubre de 2022

Halloween: El final: a ver si es verdad


Halloween: El final dirigida por David Gordon Green se ha estrenado por desgracia en muchas salas de cine españolas y mundiales el día 14 de octubre. La enésima parte de la saga interminable se sitúa cuatro años después de los acontecimientos de Halloween Kills y será la última ocasión en la que Jamie Lee Curtis interprete a su personaje. Siempre dice la misma monserga, así que ni caso. La veremos en 20 secuelas más con posibles títulos que serían algo así como "Hallowen: "La despechá", "Hallowen: El último perreo", "Hallowen: Los viajes del Imserso" o "Hallowen: Los asesinos del reggaetón". 


La historia: Después de 45 años, la franquicia de terror más pesada de la historia del cine llega a su final (no me creo nada de nada). Laurie Strode se enfrenta de nuevo y por última vez a la encarnación del mal, Michael Myers. Será una confrontación decisiva en la que ella se pondrá muy brava mientras se parte la caja de que le sigan pagando por hacer lo mismo de siempre en un bucle infinito.


La crítica: Insufrible. 




Nota: 0/10.


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: David Gordon Green

Guion: David Gordon Green

Fotografía: Michael Simmonds

Música: Daniel Davies

Duración: 111 minutos

Reparto: Jamie Lee Curtis,
Will Patton, Andi Matichak,
Rohan Campbell, Nick Castle

martes, 11 de octubre de 2022

Cerdita: pueblo pequeño, infierno grande


Cerdita dirigida por Carlota Pereda se estrena en cines españoles el próximo día 14 de octubre. La coproducción hispano - francesa tuvo el honor de tener su premiere internacional en el Festival de Sundance y ha llegado hasta el Festival de Sitges 2022 con una enorme expectación. 

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La historia: No a todo el mundo le gusta el verano. Para Sara solo significa tener que soportar los juicios, las burlas y el acoso diario de las chicas de su pueblo. Su único refugio es la piscina a la hora de la siesta, con el pueblo muerto a la hora de más calor, cuando puede estar sola, en paz. O eso quiere creer. Pero todo cambiará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras ante la mirada perpleja de la propia joven. 


La crítica: Con guion original de la propia Carlota Pereda y rodada en Extremadura, la película está inspirada en el corto homónimo que obtuvo un gran éxito dentro y fuera de nuestras fronteras. Cerdita es un thriller de género lleno de tensión, venganza, miedo y polvo que se acerca al cine terror de una forma original sin clichés, sin sustos gratuitos y enmarcado en una narrativa marcada por el suspense que consigue mantener en vilo al espectador en sus 90 minutos. 

La cinta, enmarcada en el noir rural ibérico, nos habla sobre la tortura psicológica o bullying que sufre Sara y que no acaba cuando ésta llega a casa. Hoy en día y a través de las redes sociales este tipo de acoso puede llegar a ser infinito en el tiempo. Se requieren medidas urgentes por parte de los poderes públicos para acabar con esta lacra y esto solo puede suceder con el endurecimiento de los castigos penales y económicos contra los acosadores o en su caso contra los padres de los mismos. 

En Cerdita, un misterioso desconocido llega al pueblo y secuestra a sus acosadoras. Por fin alguien la ha defendido aunque pronto las cosa se le va de las manos. Sara lo ve todo: la sangre, el barro, el cuchillo, la furgoneta en la que se las ha llevado. Y el desconocido la ha visto a ella. Un pacto sin palabras: no se van a traicionar. Ahora es cómplice. Una serie de sucesos sacuden al pueblo, y pronto empieza la investigación. La guardia civil hace muchas preguntas, la gente del pueblo sospecha y acusa mientras las ancianas cuchichean. Y lo que es peor: el desconocido ronda a Sara, atento a todos sus movimientos. El calor es sofocante, la presión la ahoga y la culpa la atormenta. Solo ella puede salvar a las chicas, pero... ¿lo hará?


Laura Galán es una actriz estupenda. Realiza una gran interpretación del personaje de Sara y se postula como una de las posibles nominadas al Goya a mejor actriz revelación. Su personaje es solitario, inseguro y callado. Ella pasa el verano enganchada al teléfono y ayudando a su padre en la carnicería familiar. Su único momento de felicidad es cuando baja a la piscina natural, mientras el pueblo duerme la siesta. Lástima que allí encuentre a su peor pesadilla. Nadie llama a Sara por su nombre: las otras adolescentes para burlarse de su obesidad la llaman cerda o cerdita. Pueblo pequeño, infierno grande.

Richard Holmes interpreta con solvencia al inquieto secuestrador. El vengador. ¿Un ángel del karma o un psicópata? Un lobo. El auténtico outsider. El lado oscuro de nuestras pulsiones y un personaje muy bien creado con el que la cineasta juega con el espectador como si este fuera una marioneta. En el mejor sentido de este término. Incluso logra por momentos que te identifiques con él.

Carmen Machi realiza una buena interpretación como la madre de Sara. Trabaja en la carnicería y en la casa. Agotamiento, dolores crónicos y falta de sueño. Cansada de no llegar a fin de mes y de no tener ocio. Ella, como toda madre, quiere lo mejor para su hija pero tener una hija adolescente es enfrentarse a un misterio insondable aún no resuelto por la ciencia. Un personaje ambivalente que tendrá algunas claves importantes. 

El resto del reparto coral está formado por un buen elenco que cubren con firmeza a los personajes que pululan por el pueblo. Rodada en Villanueva de la Vera con una excelente dirección de fotografía por parte de Rita Noriega que se toma la molestia de saber iluminar las tomas nocturnas dando una lección a aquellos que confunden los planos oscuros o ciegos para crear suspense. La luminosidad del verano extremeño es también retratado de manera bella sin menoscabar el misterio. 


Cerdita es un alegato contra el acoso pero sobre todo es una buena película. Con algunas secuencias de fuerte violencia y un inteligente cierre circular, Carlota Pereda nos regala una ópera prima de primer nivel que nos habla sobre como el cine no puede cambiar el mundo, pero sí te ofrece la oportunidad de ver la vida desde otra perspectiva. La cinta es una oda a lo diferente en todos los sentidos. También en lo moral. Sara no es delgada, no es simpática, no es sexy. Pero es humana y, en su humanidad, consigue aceptarse y ser libre. En definitiva, la cinta viene para quedarse. Su originalidad es su mayor valor. Viene a dejarnos su huella y a cambiar las reglas del juego del cine de terror (e incluso del cine social) y se une a esta nueva ola de denuncia en el cine pero tratado desde el punto de vista del thriller, el suspense y el mismo terror que inspira nuestra sociedad.

Nota: 8/10. 

P.D. El día 11 de octubre, visitaron @El_Hormiguero las protagonistas de #CerditaLaPelícula. Carmen Machi y @lauragalanm se divirtieron en el programa charlando sobre la impactante ópera prima de @Carlota_Pereda.


Nacionalidad: España-Francia

Dirección: Carlota Pereda

Guion: Carlota Pereda

Música: Olivier Arson

Fotografía: Rita Noriega

Duración: 90 minutos

Reparto: Laura Galán, Claudia Salas,
Camille Aguilar, Pilar Castro,
Carmen Machi, José Pastor,
Chema del Barco, Richard Holmes

martes, 4 de octubre de 2022

El vasco: huida a la Argentina


El vasco dirigida por Jabi Elortegi se estrena en cines españoles el próximo día 6 de octubre. La coproducción hispano - argentina ha inaugurado la Sección Zinemira del Festival Internacional del Cine de San Sebastián de 2022. 

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La historia: Mikel, tras una ruptura amorosa y en el paro, está harto de su vida en el País Vasco. Necesita cambiar de aires, por lo que acepta la invitación de un pariente lejano, con el que sólo ha tenido contacto por redes sociales, para ir a Argentina a trabajar en la empresa que este está montando. Sin embargo, no tardará en darse cuenta de que su familiar no tiene nada que ofrecerle. Para su sorpresa, el pueblo está habitado por descendientes vascos que no han pisado la tierra de sus antepasados, pero viven sus tradiciones con pasión y de manera idealizada. Ni diez mil kilómetros lo han alejado de su casa.


La crítica: El cine hispano - argentino vivió un cierto romance que fue interrumpido tras la aparición de la pandemia de Covid-19. Recuerdo interesantes títulos como  'El secreto de sus ojos', 'El baile de la victoria', 'En fuera de juego', 'Truman' o 'Mi obra maestra' entre otras muchas. El vasco retoma esa senda de colaboración entre Argentina y España por lo que estamos de enhorabuena. Eso, por supuesto, sin prejuzgar el resultado.

El filme trata un tema local como es la cultura vasca y la visión que tienen de ellas los descendientes vascos de la emigración, pero que al mismo tiempo es un tema fácilmente reconocible en todo el mundo. Para ello se utiliza la comedia - dramática que ni como concepto contrapuesto, ni como género es algo que me apasione en exceso. Sin embargo, la narrativa centrada en los orígenes o en la vuelta a ellos siempre me ha llamado la atención. Hay muchos ejemplos en el cine o en la literatura. 

De hecho, El vasco bebe con fuerza de las situaciones que se crearon en la gran película argentina 'El ciudadano ilustre'. La citada cinta nos hablaba de el regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al barrio donde nos criamos o el reencuentro con viejos amigos de la escuela. Elortegi invierte los términos y utiliza al personaje principal como una vuelta a los orígenes de los habitantes del pueblo argentino pero sin tener que viajar de manera física hacia la Euskadi que aman y recuerdan. El filme destila nostalgia. 

Cuando Mikel llega a Argentina se encuentra con algo inesperado: ha llegado a una pequeña Euskadi habitada por argentinos que nunca han pisado la tierra de sus antepasados, pero la viven con pasión y de manera idealizada. Por supuesto, desde el momento en el que el joven pisa la Casa Vasca, se convierte en una especie de “súper vasco” para toda la colonia. A partir de ese instante, la comunidad recurre a Mikel para resolver dudas sobre literatura vasca, le piden consejos y le meten en un aprieto tras otro para diversión del espectador. 


Joseba Usabiaga (Handia) interpreta de manera un tanto seca al personaje de Mikel. Un personaje que se caracteriza por la ruptura con su pareja que le ha llegado en el peor momento, si es que hay alguno bueno para eso. Se quedó sin trabajo por culpa de la pandemia y está desesperado. La decisión de irse a Argentina es más una huida hacia adelante que algo bien meditado. Mikel lamentará la decisión tomada desde el momento en el que ponga un pie allí.

Eduardo Blanco (Luna de Avellaneda, El hijo de la novia) es uno de los actores argentinos más reconocidos, tanto a nivel local como fuera. Está sobresaliente en una interpretación que es lo mejor de la película. Su personaje es un caradura argentino que está obsesionado con sus raíces vascas. Él vive al día, en un mundo paralelo que se ha creado a sí mismo. Es un perdedor que no es consciente de serlo, y si no fuera tan entrañable, cualquiera querría matarlo. En el fondo, si bien tiene una actitud completamente egoísta, no deja de ser un niño grande sin malicia pero que arrastra a Mikel a una aventura demasiado incierta.

Itziar Aizpuru (El guardián invisible) interpreta al personaje más entrañable de la película. Dolores ha pasado ya de los ochenta y vive en estado semi-vegetal desde el día en que conoció la noticia de la muerte de su hermano -el abuelo de Mikel- hace más de diez años. Cuando despierta lo hace con energía, alegría y carácter. No duda en reñir a su inventado hermano Juanito o plantarle cara a la monja franquista que cree que es su hija.

Inés Efrón (Amorosa soledad, El niño pez) interpreta de manera graciosa a Inés. Ella se fue a Buenos Aires atraída por un sueño que nunca se cumplió. Ya está de vuelta en su pueblo, cuidando a la abuela Dolores. Pero nada en ella es negativismo, al contrario, siempre es positiva. Lo contrario a Mikel. Inician un noviazgo que pone el lado romántico al filme. 


El vasco es una cinta liviana, correcta y entretenida aunque en sus entrañas guarda demasiados clichés. Se cuida mucho la fotografía, los planos, la paleta de colores y todos los ambientes en los que se desarrolla la historia. El espectador percibe de esta forma la diferencia tonal y estética entre el interior de Argentina y la costa vasca. En definitiva, la cinta puede funcionar en ambos lados del charco, ya que aunque trata temas locales, los sentimientos y las situaciones narradas son tan universales como es el amor a una tierra, a la familia o a la pareja. 

Nota: 6/10. 


Nacionalidad: España - Argentina

Dirección: Jabi Elortegi

Guion: Arantxa Cuesta, Xabi Zabaleta

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Jon Sangroniz

Duración: 100 minutos

Reparto: Joseba Usabiaga, 
Itziar Aizpuru, Eduardo Blanco, 
Inés Efrón, Laura Oliva

martes, 27 de septiembre de 2022

Modelo 77: la cárcel como reflejo de un país


Modelo 77, la nueva película de Alberto Rodríguez protagonizada por Miguel Herrán y Javier Gutiérrez, se ha estrenado en cines españoles el día 23 de septiembre. La cinta española ha obtenido muy buena recepción en su paso por el reciente Festival de San Sebastián en la que participó en la Sección Oficial pero fuera de concurso. 

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La historia: Barcelona 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, es encarcelado por desfalco en la cárcel Modelo. Se enfrenta a una posible pena de prisión de entre seis y ocho años. Su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes para reclamar una amnistía. A partir de ahí se inicia un conflicto por la libertad que hará tambalear al sistema penitenciario español.


La crítica: Para poder explicar con autoridad una película es importante situarla de manera adecuada en su contexto temporal, social, cultural y geográfico de la época retratada. Tras caer la dictadura franquista en la España de 1977 se aprobó un real decreto-ley mediante que aprobaba el derecho a huelga. El 1 de abril, España derogó el artículo 2 de la Ley de Prensa e Imprenta por el que se puso fin a la censura, las sanciones y los secuestros de los periódicos españoles. Mientras tanto, el 14 de mayo, Juan de Borbón renunció a los derechos dinásticos de la Corona de España en favor de su hijo, Juan Carlos I. Ese mismo año también se aprobaría la ley de la Amnistía y se celebrarían las primeras elecciones tras la dictadura. 

Modelo 77 refleja con crudeza como los avances sociales que se vivían en España no se veían trasladados al sistema penitenciario que vivía una realidad paralela como si el franquismo siguiera existiendo y los presos eran tratados como alimañas. Se amnistió a los presos políticos pero el resto de presos, los autodenominados sociales, seguían en las cárceles sometidos a unas condiciones de vida durísimas, de insalubridad y regidos por un sistema penitenciario donde los derechos humanos brillaban por su ausencia. Hablamos de gente encarcelada por delitos miserables, robos menores o leyes obsoletas. Alberto Rodríguez refleja de manera notable lo que estaba sucediendo en las cárceles españolas y a su vez nos regala una gran historia basada en las protestas en forma de motines y automutilaciones que se produjeron en la cárcel.  

La cinta es poderosa, conecta de inmediato con el espectador y consigue un excelente ritmo narrativo en sus dos horas de duración que transcurren en un suspiro. Modelo 77 es un filme de personajes dentro de un espacio cerrado, de personajes que tienen que creer y hacer un largo viaje interior para conocerse y para conseguir unos objetivos muy complejos. Presos de toda índole trabajarán en un proyecto común, de manera desesperada y sin pensar en las consecuencias. El proyecto era democratizar la prisión creando la asociación COPEL que coordinó las exigencias de los derechos humanos de los presos. Hay una secuencia rodada de manera coral impresionante. Se retrata como en la Modelo de Barcelona 200 personas se cortaron las venas a la vez para llamar la atención sobre su situación. En Carabanchel, otros presos pasaron días enteros subidos a los tejados protestando y pidiendo justicia. Casi todas las cárceles del país terminaron rebelándose contra el sistema e incluso hubo motines coordinados entre distintas prisiones. En la imagen inferior observamos el motín de la Modelo reflejado en el filme y a los presos encaramados a su tejado. 


Como comentaba antes, la película se sustenta en sus personajes, en las historias que les suceden y cómo las enfrentan. Para ello se cuenta con un plantel de actores que repasaremos a través de sus personajes. 

Manuel es interpretado por un gran Miguel Herrán. Su personaje es el hijo de una humilde familia de emigrantes andaluces. Es inteligente, obstinado, generoso, contestatario y soberbio. Tiene alma de obrero y gustos de burgués. Un advenedizo. Un desclasado carismático. Sus aspiraciones en la vida son muy altas. Él no es como los que le rodean; ese es el concepto que tiene de sí mismo. Pronto deja su barrio para buscarse la vida en la ciudad. Sabe relacionarse con la gente; es perspicaz. Educado. Con el tiempo consigue un trabajo como administrativo en una importante empresa y una buena posición social. Ha alcanzado su sueño. Y se olvida de sus orígenes. De quién es, de dónde viene. Intentando mantener su nueva vida, roba dinero de la caja de su empresa. En ningún caso piensa que vayan a cogerlo. Es más listo que nadie. O eso piensa. Pero ocurre. Cuando el país celebra el fin de una larga dictadura y Manuel acaricia el sueño de la democracia, lo encarcelan. Sin fecha de juicio y con una condena muy larga para los hechos que se le imputan, observaremos de manera hipnótica como se las apaña en las entrañas de la prisión.

Pino, interpretado con la solvencia habitual de Javier Gutiérrez es seco, poco hablador, lapidario y honesto. Es el compañero de celda de Manuel. Un preso taleguero y de largo historial carcelario. Un lobo estepario. Solitario. Escéptico y descreído. Lleva más tiempo entre rejas que fuera. Ha pasado por el reformatorio y por muchas cárceles del país. Se ha forjado la leyenda de hombre duro y violento, la única forma de sobrevivir en un lugar donde impera la ley de la selva. Hace años que vive de espaldas al mundo, a la cárcel y a los presos. Aislado de todo. En su burbuja. No cree en nada. En nadie. Su futuro no existe. Colecciona camisas de tipo fantasía y alquila novelas de ciencia ficción que se sabe de memoria, un negocio que le sirve como tapadera para vender hachís en la cárcel con la connivencia silenciosa de los funcionarios. Pero la presencia de Manuel le hará cambiar en una acertada evolución de su personaje que acaba conectando con el espectador. 


En el resto del reparto destacan Jesús Carroza y Fernando Tejero que representan a dos veteranos presos que trafican, trapichean y se mueven por la prisión como Pedro por su casa. Una cárcel muy bien recreada en los aspectos técnicos aunque la oscura fotografía resta puntos al conjunto de artes adicionales como son vestuario, maquillaje o dirección artística. Para dar algo de calidez al filme se introduce a un personaje femenino que va a ver a Manuel de manera regular con el que iniciará un romance a través de cartas y visitas. Interpretada de manera correcta por Catalina Sopelana nos hallamos ante un personaje dulce, inteligente y sensible. A veces cándida e ingenua, como la joven que es, representa la luz, la esperanza o el deseo sexual. Una mirada libre de prejuicios. Lucía es moderna y está cargada de futuro. En construcción. Como el país.


Modelo 77 me ha parecido un drama carcelario de primer nivel. Los reclusos de la época pese a no conseguir todos sus objetivos, sí lograron que la visión de lo que debía ser una prisión cambiara. Las diferentes reformas de las leyes han evolucionado de tal forma que ha cambiado el concepto de cárcel como centro de reclusión y castigo permanente a centro de reeducación con el objetivo de la reinserción social. Un cambio de paradigma que nos hace mejores como sociedad y que sin los hechos que acaecieron en la historia narrada hubieran sido imposibles o al menos muy diferentes. La suma de todos los elementos expuestos en la crítica: buenas interpretaciones, buena narrativa, buen reflejo del contexto social y la propia premisa hacen que la cinta sea una experiencia muy potente. Se muestra la cárcel como reflejo de un país y como el espejo de una sociedad que no podía mirar para otro lado en la defensa de los derechos humanos de todos sus ciudadanos. 

Nota: 9/10. 


Nacionalidad: España

Dirección: Alberto Rodríguez

Guion: Alberto Rodríguez

Música: Julio de la Rosa

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 120 minutos

Reparto: Miguel Herrán,
Javier Gutiérrez, Jesús Carroza,
Fernando Tejero, Catalina Sopelana,
Xavi Sáez, Alfonso Lara, Javier Lago