La hija: potente thriller de Manuel Martín Cuenca con un reparto brillante

La hija dirigida por Manuel Martín Cuenca se estrena en cines españoles el próximo día 26 de noviembre. Tras el éxito de 'El autor', el cineasta español y Javier Gutiérrez vuelven a trabajar juntos y se une a ellos la reciente Premio Goya® a la Mejor Actriz Patricia López Arnaiz, junto a la presentación de un nuevo talento: la joven Irene Virgüez Filippidis.

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La historia: Irene (Irene Virgüez Filippidis) es una muchacha tutelada en un centro de menores del que decide escaparse. La joven está embarazada y busca una salida a su compleja situación. Es entonces cuando Javier (Javier Gutiérrez), un educador del centro, le ofrece vivir con él y su mujer Adela (Patricia López Arnaiz). Pero no es oro todo lo que reluce. Irene, a cambio de ser acogida, deberá entregarles el bebé cuando el parto sea llevado a término. ¿Cumplirá la joven con este acuerdo tóxico?

La crítica: El cineasta español Manuel Martín Cuenca es uno de mis directores españoles preferidos y sin embargo hasta el día de hoy no había surgido hacer la crítica de un estreno suyo. Hablamos de uno de los autores más personales y reconocidos del cine actual. Sus películas han participado en festivales internacionales obteniendo importantes premios. Tras varios cortometrajes y documentales, debutó en la ficción con 'La flaqueza del bolchevique', a la que seguirían 'Malas temporadas' y 'La mitad de Óscar'. Luego llegaron 'Caníbal' y 'El autor', por la que recibió el gran premio FIPRESCI de la crítica en el Festival de Toronto y dos Goya®. 

La hija se centra en cómo algunas personas están dispuestas a traspasar todos los límites morales para lograr sus objetivos. En este caso el de ser padres a cualquier precio. Observamos como la infertilidad y la fertilidad temprana se entrecruzan en un juego perverso propuesto por el cineasta. Se confronta el mundo de una mujer marcada por la infertilidad con el de una chica joven que tiene la facultad para dar vida aunque para ella sea un problema por su edad y por su situación de precariedad social. 

El cineasta se pregunta y nos pregunta a lo largo del filme varias cuestiones morales: ¿Cuándo se cruza la línea que desvanece la moralidad? ¿Cuándo nos damos cuenta de que lo moral, y por tanto lo espiritual existen? ¿Cómo las personas pueden convivir con su sentimiento de culpa? ¿El mal es patrimonio de los psicópatas? ¿Hasta dónde podríamos llegar para conseguir nuestros objetivos? La hija también plantea temas polémicos y en constante debate como pueden ser la maternidad subrogada y los vientres de alquiler que en muchos países siguen con un vacío legal gracias a la ineptitud de los legisladores.

La película gira sobre sí misma con tres personajes muy bien escritos y mejor interpretados. Javier Gutiérrez, actor del momento con Campeones, Bajo Cero, El Autor o Estoy vivo en su bagaje, interpreta a Javier. Su personaje es un hombre querido en la comunidad, que se ha pasado la vida ayudando a los demás. Trabaja como educador en un centro de menores. Los años de experiencia y su carácter ecuánime le han permitido granjearse la confianza de los problemáticos adolescentes con los que trata a diario. Sin embargo, su vida privada es muy diferente. La relación con su mujer se hunde en el dolor a causa de una herida que llevan arrastrando durante largo tiempo. Esa herida les ha hecho distanciarse y socavar su amor. Para Javier, recuperar a Adela es lo más importante y por ello tendrá que poner a prueba hasta dónde es capaz de llegar.

Patricia López Arnaiz interpreta de manera óptima a Adela. Reservada y silenciosa, la pena que arrastra desde hace años le ha convertido en una persona solitaria y apartada del mundo. A pesar de ello, es alguien que sabe muy bien lo que quiere. Decidida y resuelta hasta el punto de la obsesión, Adela estará dispuesta a cualquier cosa con tal de alcanzar aquello que considera su derecho: ser madre.

En la imagen superior vemos a la actriz debutante Irene Virgüez Filippidis. Excelente interpretación que la convierte en la actriz revelación del año 2021. La semana que viene publicaré una entrevista con ella para que nos cuente sus impresiones. Su personaje es rebelde e independiente. Irene va por libre en la vida y no acepta tutelas de nadie. Sólo se aviene a escuchar a Javier, su ‘maestro’ en el centro de menores, y el único que parece preocuparse de verdad por su bienestar. La joven no contempla ningún otro plan a largo plazo que el de tirar para adelante sin saber muy bien a dónde se dirige. Sin embargo, los acontecimientos que le esperan le obligarán a enfrentarse a decisiones que marcarán su vida.

En la parte técnica destaca la banda sonora compuesta por Vetusta Morla. Desde la presentación de su álbum debut en 2008, el grupo musical no ha dejado de recibir el reconocimiento de público y crítica hasta convertirse en el referente del auge de la música en directo en España. La aclamada banda, cuya trayectoria ha estado siempre vinculada al séptimo arte, da ahora el salto a la gran pantalla componiendo su primera banda sonora para La hija, incluido su tema principal.

Asimismo destacan las localizaciones exteriores en la provincia de Jaén. Un territorio que fue frontera entre los reinos cristianos y árabes durante más de 200 años y que luego fue olvidada. El cineasta utiliza los espacios naturales a lo largo de los meses en los que dura el embarazo. El espectador transita por la primavera, otoño e invierno, y ve cambiar el paisaje y la luz en cada estación en una bella metáfora del significado de los cambios que se producen durante el embarazo de una mujer. 

La hija es un sólido thriller psicológico con elementos de terror, de crítica social y hasta de película de secuestros. Asimismo hablamos de un coming of age (en lo que se refiere al personaje de Irene). Por otro lado, se introducen elementos sociales de fuerte calado como la maternidad temprana, el robo de bebés o la infertilidad en las parejas. En definitiva, La hija es una película con sabor rural y cocinada a fuego lento. El cierre final, con un giro realmente sorprendente, compensa la parsimonia con la que arranca la historia. El círculo se cierra e Irene pasará de niña a mujer con todas las consecuencias. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Manuel Martín Cuenca

Guion: Manuel Martín Cuenca, 

Alejandro Hernández

Música: Vetusta Morla

Fotografía: Marc Gómez del Moral

Duración: 120 minutos

Reparto: Javier Gutiérrez, 

Patricia López Arnaiz, Irene Virgüez,

Darien Asian, Sofian El Benaissati

Violation: la venganza se viste de perversidad

Violation dirigida por el dúo Dusty Mancinelli & Madeleine Sims-Fewer se estrena en Filmin el próximo día 19 de noviembre. Tras su paso por los festivales de Sundance y el SXSW de Austin (Texas) la película se presentó hace apenas unas semanas en la Sección Oficial del Festival de Sitges y se estrenó con buena acogida en los cines de Portugal. 

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La historia: Miriam (Madeleine Sims-Fewer), junto a su marido, va a pasar unos días a la casa de campo de su hermana Greta (Anna Maguire). Allí la recibe junto a su esposo Dylan (Jesse LaVercombe). Cuando todo parecía ir bien, Miriam y Dylan comienzan a coquetear con consecuencias extremas e impredecibles para el clan familiar.

La crítica: Violation es un crudísimo drama alrededor de una agresión sexual en un entorno familiar por lo que el acto en sí mismo se presenta en pantalla de una manera taimada y sutil. Los cineastas dejan claro que la joven Miriam no consintió la relación sexual y en dos ocasiones, aún bebida, pidió a Dylan, que además era su cuñado, que se detuviera. En contraposición a estos hechos asistiremos a una venganza desproporcionada, perversa y con una de las secuencias más duras rodadas en el cine convencional no siendo apta para menores de 18 años.  

Violation reformula el clásico subgénero del cine de terror del rape & revenge ("violación y venganza"), en el que un personaje es víctima de una agresión sexual y, a continuación, inicia un liberador y salvaje camino de vendetta contra sus verdugos. Gracias a una inspirada disposición narrativa que mezcla las distintas líneas temporales de la historia, la venganza en esta ocasión es más angustiosa de lo habitual. 

La cinta está narrada de manera no lineal por lo que será el espectador el que tendrá que cavilar en que momento de la narración estamos: pasado, presente y futuro se mezclan en un juego un tanto maquiavélico.

Lo que comienza como un sencillo fin de semana de dos matrimonios en su casa de campo, se convierte en una orgía sentimental de emociones y violencia. Los cineastas utilizan, quizás de manera abusiva, los saltos temporales mediante el uso del flashback y del flashforward para mantener en vilo al espectador. El cierre del relato atará de manera original casi todos los cabos sueltos aunque se podría hablar de final abierto. El espectador sabe más que los propios personajes en un buen recurso que deja a nuestra imaginación las consecuencias a futuro de lo ocurrido en el interior de la cabaña. 

Madeleine Sims-Fewer, ademas de codirigir la cinta canadiense, interpreta de manera correcta a la protagonista. Su personaje, Miriam, está pasando un mal momento en su matrimonio e intenta encontrar apoyo en su hermana Greta. Papel interpretado de manera aséptica por Anna Maguire. Ella le tiende la mano, pero las rencillas del pasado familiar salen a la luz durante el fin de semana. Pero el verdadero motivo de explosión del conflicto narrativo viene a través del marido de Greta. De esta manera es como observamos a Dylan, interpretado por un gran Jesse LaVercombe, seduciendo a Miriam a la que viola de manera sibilina cuando ella se duerme durante una excursión por los alrededores de la cabaña. 

La banda sonora, obra de Andrea Boccadoro, mezcla de música barroca y música clásica experimental, es otro de los aspectos que otorgan al film una identidad única. Los sonidos del bosque y la brumosa fotografía otorgan a la cinta una atmósfera opresiva que incrementa la tensión narrativa apoyada en planos cortos y diálogos veloces.

En conclusión, Violation me ha parecido un filme magnético, muy crudo y en el que se sabe utilizar la estructura fragmentaria del guion. Hablamos de una experiencia visual dolorosa y desafiante, con la habitual catarsis emocional del subgénero violación y venganza, pero cambiando los habituales patrones de género. En esta ocasión es la mujer la que se transforma en una vengadora cruel y despiadada. Película, en definitiva, muy interesante y que pone en valor al cine independiente con una narración imposible de visionar en el cine que llega de Hollywood. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Canadá

Dirección: Dusty Mancinelli,

Madeleine Sims-Fewer

Guion: Dusty Mancinelli,

Madeleine Sims-Fewer

Música: Andrea Boccadoro

Fotografía: Adam Crosby

Duración: 107 minutos.

Reparto: Madeleine Sims-Fewer,

Anna Maguire, Jesse LaVercombe,

Obi Abili, Jasmin Geljo, C. Ashperger

Pan de limón con semillas de amapola: Benito Zambrano deslumbra con una oda a la maternidad

Pan de limón con semillas de amapola dirigida por Benito Zambrano se estrena en cines españoles el próximo día 12 de noviembre. La película es la adaptación cinematográfica del bestseller homónimo de Cristina Campos, quien firma el guion junto al propio cineasta. 

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La historia: 2010, Valldemossa (Mallorca). Marina (Elia Galera) y Anna (Eva Martín) son dos hermanas de mediana edad que se reencuentran en el pueblo que se criaron para recibir una extraña herencia de una mujer a la que creen no conocer. El principal legado que van a recibir es la panadería del municipio en la que encontrarán las respuestas a todas las preguntas sin resolver que marcaron la infancia de ambas. 

La crítica: La novela Pan de limón con semillas de amapola se publicó en enero de 2016 a través de la Editorial Planeta. Un dato curioso pues coincide con la salida a la luz de Cine y críticas marcianas. Tan solo un mes después fue escogida con nueve libros más de todo el mundo para participar en el Festival de Cine de Berlín dentro de la sección “Books at Berlinale”, un escaparate dentro del festival para aquellas obras literarias susceptibles de convertirse en película. Un premio hecho realidad para Cristina Campos a la que agradezco la dedicatoria de su novela. 

En la primera valoración de la adaptación cinematográfica realizada por Benito Zambrano mi impresión es que ha sabido demostrar la potencia del buen melodrama con un filme intenso, rotundo y poético. Además y como carta de presentación se ha realizado un cartel cinematográfico que me parece por sí mismo una verdadera obra de arte. El título, con peso narrativo, también me parece una preciosidad. 

Pan de limón con semillas de amapola es una historia de crecimiento, de superación, de cicatrizar heridas, de mujeres maduras e inteligentes que no necesitan ni el permiso ni la aprobación de un hombre para tomar decisiones. Pero, sobre todo, es una historia de amor y ternura que traspasará el corazón de los espectadores que de manera inevitable se emocionarán e incluso se conmocionarán según sea la sensibilidad de cada uno. En lo personal volví a llorar en el cine y a recordar el porqué de mi pasión por las historias narradas a través del celuloide. 

Benito Zambrano consigue gracias a la fuerza de sus personajes, de sus dramas y de sus vidas atraparnos de manera hipnótica. Deja que la cámara solo sea una narradora privilegiada. Está cerca para captar cada mínimo detalle, pero sin estorbar. Deja que todo ocurra con la contundencia de la verdad y la sinceridad. Por ello, cuando una historia resulta tan potente como Pan de limón con semillas de amapola, lo que ha intentado, como director, es desaparecer. Es decir, que la dirección no se note y que la sutileza y elegancia estén al servicio de una historia que se transforma de preciosista a crudísima en su tercio final. 

Elia Galera nos regala una interpretación seria y rotunda. Su personaje, Marina, viaja por el mundo trabajando como doctora para una ONG. Sus deseos de ser madre se revelarán a lo largo de la trama siendo esta parte la que más descosida queda de la historia. Observamos un romance en dos tiempos con un compañero de trabajo que resulta algo insustancial sin aportar casi nada al conjunto de la narración. 

La segunda hermana retratada es interpretada con una gran dulzura por Eva Martín. Su personaje, Anna, apenas ha salido de Valldemossa y sigue casada con un hombre que la maltrata. Agobiada por la quiebra de sus finanzas intentará convencer a su hermana de que venda la panadería.

Claudia Faci realiza una interpretación magistral del personaje de Catalina. Ella tiene la llave para que los secretos familiares salgan a la luz. Esta mujer siempre fue la empleada de confianza de la panadera fallecida y tendrá la clave del porqué la panadería ha sido legada a las dos hermanas. También tiene la clave de cómo se hace y del significado del Pan de limón con semillas de amapola que da título al filme.

En los aspectos adicionales de producción destaca la dirección de arte en interiores con la panadería artesana como circulo concéntrico por el que se mueven los personajes retratados. Asimismo gozamos de la belleza de Valldemossa que obtuvo su universalidad al ser el nidito de amor de Michael Douglas y Catherine Zeta Jones los que aún poseen una gran mansión en el corazón de la Sierra de Tramuntana.

Estrella Morente interpreta de manera mágica la canción "Semillas de amapola", el tema principal de la película. La acompaña a la guitarra José Carbonell "Montoyita". No es la primera vez que la artista flamenca presta su voz al cine. También participó en Volver, de Pedro Almodóvar; en Toro, de Kike Maíllo o en Buñuel y la mesa del rey Salomón, de Carlos Saura. 

Pan de limón con semillas de amapola es un relato sobre la amistad, la maternidad y los secretos que esconde una receta de pan olvidada en la isla de Mallorca. También es la bella historia de dos hermanas que, tras mucho tiempo separadas por el destino, se reencuentran en su pueblo natal en las Islas Baleares. Una película en definitiva llena de emociones contenidas, de relaciones que se quedaron aguardando en el pasado y de secretos familiares que se esconden durante demasiados años.

Nota: 8/10

Nacionalidad: España

Dirección: Benito Zambrano

Guion: Benito Zambrano,

Cristina Campos

Fotografía: Marc Gómez del Moral

Música: Joan Valent

Duración: 120 minutos

Reparto: Elia Galera, Eva Martín,

Mariona Pagès, Marilu Marini,

Tommy Schlesser, Claudia Faci,

Pere Arquillué, Pep Tosar

A un paso de mí: Tatiana, su príncipe-rana y una película mala con ganas

A un paso de mí dirigida por Jose Mario Salas se estrenó en cines españoles el día 10 de septiembre de 2021. Tras el abrumador éxito de público, (creo que la vieron 10 o 12 personas y un perro), Amazon Prime osa a exhibirla entre sus estrenos con el reclamo de un póster pseudo-erótico que produce mucho pudor incluso para los que somos amantes de la belleza femenina. Al final del texto podrán verlo.

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La historia: A ver como resumo este engendro. Tatiana (Johanna Solano) es una periodista costarricense a la que su jefe le encarga que escriba un blog de cinco entradas sobre la paz interior. El panfleto debe estar publicado en diez días lo que parece llevar a Tatiana, a los espectadores y al perro que vio la película a una profunda crisis existencial. 

La crítica: El "buen" amigo que tuvo la deferencia de enviarme la cosa esa llamada Killer Sofá lo ha vuelto a hacer. Me envía la cinta costarricense A un paso de mí por si quiero decir alguna cosa sobre ella. Y la verdad es que algunas cositas voy a comentar sobre uno de los mayores esperpentos que he visto en mi vida. Decir que la cosa es mala como la sarna es poco. Esto llega ya a un nivel Dios de entre lo peor de lo peor de un cubo de basura. 

La salida es de traca. Observamos como la bella Tatiana está reflexionando en una playa sobre la puñetera "paz interior". Esto es un mantra que se repetirá secuencialmente durante los interminables 115 minutos que dura el bodrio. Mientras el cineasta y Tatiana nos tratan de endosar un argumento de autoayuda de quinta división sobre la espiritualidad, la protagonista no deja de lucir modelitos, bikinis y distintos looks totalmente sexualizados en una especie de bipolaridad entre la paz interior y la belleza exterior. Hablamos de un guion que parece firmado por un instagramer borracho de unos 12 años de edad y con las hormonas totalmente desbordadas. 

El caso es que la muchacha, Tati para los amigos, ha sorprendido a su novio -el bellísimo Alonso- con otra y ha terminado la relación. Durante 15 o 20 minutos le pega una chapa tremenda a su amiga Raquel. El espectador se tiene que tragar el drama de la infidelidad de Alonso (el príncipe-rana), los consejos de su amiguísima y las diatribas sobre si en la paz interior está la solución para todo. Permanezco absorto y perplejo ante el folletín televisivo que se ha montado el cineasta. Ante la gravedad de la situación para la joven, para mí mismo y para la salud mental en general, prosigo el visionado para comprobar si estamos ante un experimento o lo que veo en pantalla es real. 

Durante unos minutos Tatiana se vuelve algo marrana. Es decir, -como en las pelis de Hollywood- se mete en la cama, se pone a comer helado con galletas y a la vez a navegar por Internet con el portátil. Esta cochinería dura una noche y al despertar ya todo luce perfecto. Tati vuelve a lucir bellísima y decide pagarse un viaje por toda Costa Rica para poder relajarse, buscar su paz interior y escribir un blog sobre el encuentro con uno mismo. Tiene cojones la cosa. 

Teniendo en cuenta, (y no estoy de broma), que A un paso de mí está patrocinada por una funeraria -con cementerio incluido- llamada La piedad, comienzo a entender que la búsqueda de la paz interior debe ser un mensaje subliminal para comprar una plaza -o sea una tumba- en el citado camposanto. Desde luego, algún espectador habrá captado el mensaje y a mitad de metraje se habrá ido al baño con ideas autolíticas para encontrar la paz interior. Yo me lo tomé con más calma y seguí el metraje hasta el final para ver todos los modelitos lucidos por Tati. 

Tatiana está interpretada por la actriz y modelo costarricense Johanna Solano. Hablamos de la nueva Meryl Streep centroamericana por su expresividad y formación pectoral. Actoral quería decir. Me cuentan que abandonó sus estudios para dedicarse al modelaje y al fitness. En fin, cada cual a lo suyo y yo a lo mío que es intentar acabar esta reseña para recobrar de una vez mi paz interior. En la película sale más gente (supuestos actores) que se dedican a reír las gracias del personaje principal. Solo destacar a Esteban  Hidalgo y a su personaje de Jason.

El muchacho, igual de bello que Tati, se pasa toda la película persiguiendo a la joven en su recorrido por Costa Rica para intentar conquistarla. La invita a cenar, a ir a la playa y así durante días y días hasta que se percata de que Tatiana no quiere nada con él. No nos engañemos. Jason quiere sexo con ella y supongo que el conjunto de la población mundial también. El tema es que Tati está tan enfrascada en la búsqueda de la puñetera Paz Interior que no tiene tiempo para darse un revolcón con nadie. Así que manda a paseo a Jason y todos lloramos. No podía faltar la escena de Tatiana haciendo yoga para encontrar eso que ya sabéis y ahí la cinta entra ya del todo en la comedia involuntaria y en el desastre consumado.

A un paso de mí es un subproducto cinematográfico que tiene como misión ser un publi-reportaje de Costa Rica y de Miss Solano. De hecho, si la película fuera un documental sobre la inmensa belleza del país centroamericano tendría algún sentido estético. El problema radica en que se pretenda hacer una ficción sobre esto y haya alguien que lo financie. Creo que jamas en mi vida he sentido tanta vergüenza ajena al ver una película. En conclusión, y tras visionar esta obra maestra llena de sutilezas narrativas, he decidido viajar a Costa Rica a ver si encuentro a Johanna Solano y me puede explicar como podría encontrar mi paz interior sin morir en el intento. Fin.

Nota: -1/10.

Nacionalidad: Costa Rica

Dirección: Jose Mario Salas Boza

Guion: Jose Mario Salas Boza

Música: Jason Parra

Fotografía: Jose Mario Salas Boza

Duración: 115 insufribles minutos

Reparto: Johanna Solano,

Esteban Hidalgo, Gustavo Rojas, 

Flor Urbina, Verónica Suárez,

Willbert Salazar, Stefano Rucci

Supernova: Colin Firth y Stanley Tucci agrandan su leyenda

Supernova dirigida por Harry Macqueen se ha estrenado en cines españoles el día 22 de octubre. La cinta británica es una narración íntima y singular que aborda algunas de las cuestiones humanas más importantes: cómo vivimos, amamos o reímos, incluso cuando nos acercamos al final de nuestras vidas.

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La historia: Supernova cuenta la historia de amor de una pareja (Colin Firth y Stanley Tucci) que decide convertir el final de la vida en una celebración de la amistad, el amor y la felicidad que han podido compartir juntos. La pareja decide emprender un viaje por carretera para volver a ver a amigos y familiares y visitar esos lugares que recorrieron en el pasado. A medida que avanza su viaje juntos, abordan sus planes de futuro, descubren sus secretos y ponen a prueba su amor como nunca antes lo habían hecho.

La crítica: El actor, escritor y director inglés, Harry Macqueen, centra su mirada en el amor maduro para regalarnos una historia preciosista y narrada de manera inteligente en los 90 clásicos minutos de toda la vida. El cineasta cuenta la dura historia de amor de una pareja de nuestro tiempo que se enfrenta a un diagnóstico de demencia precoz. 

Supernova presenta a Sam (Colin Firth) y a Tusker (Stanley Tucci) que llevan veinte años juntos y siguen tan enamorados como el primer día. Pero hace dos años, a Tusker le diagnosticaron principio de demencia y desde entonces sus vidas han cambiado por completo. La enfermedad de Tusker avanza y Sam se ve obligado a hacer un paréntesis en su vida y dedicarse a cuidar de su pareja a tiempo completo.

De hecho, el tiempo que pasan juntos se ha convertido ahora en lo más importante de sus vidas y cada momento que comparten tiene una trascendencia definitiva. Así que planean realizar un viaje por carretera mientras Tusker pueda seguir viajando. La narración toma forma de road-movie romántica y quizás su único defecto sea un exceso de almibar amplificado por la partitura musical. 

A medida que avanza el viaje que han emprendido juntos, se hace evidente que sus ideas sobre el futuro son diferentes. Es entonces cuando surgen los conflictos. Los secretos y los planes personales salen a la luz y el amor que sienten el uno por el otro deberá superar una durísima prueba. En última instancia, tendrán que enfrentarse a lo que significa amarse cuando deben enfrentarse a la enfermedad incurable de Tusker.

Colin Firth y Stanley Tucci agrandan su leyenda con dos interpretaciones contenidas y relajadas que son lo mejor de la película británica. Sus personajes están muy bien escritos describiendo como Tusker era la roca firme en la que se apoyaba Sam. Ahora le toca a Sam ponerse al mando y está decidido a que su pareja tenga una vida lo más normal y feliz posible. Pero bajo su aparente fortaleza, libra una batalla interna que empaña cada momento de su vida. Por su parte, Tusker es consciente de que su estado tiene un efecto devastador en sus vidas y que está empezando a perder el control. El suicidio aparece como frente discursivo lo que lleva a la pareja a encuentros, desencuentros y finalmente a una mutua comprensión. 

En los aspectos adicionales de la cinta destacan los enormes espacios abiertos por los que viajan nuestros protagonistas. Fotografía, banda sonora y dirección de arte en interiores completan un trabajo que en lo estético es intachable. El metraje, ajustado al máximo, ayuda a que el fondo dramático de la propuesta se digiera y se comprenda mejor. 

En conclusión, Supernova, me ha parecido una apuesta acertada, intimista y narrada de manera muy eficaz. Hablamos de una cinta que narra la relación entre personas del mismo sexo de una manera original. Presentar una relación amorosa en la que la sexualidad de los personajes no determina en modo alguno la narrativa es un gran acierto. Una película, en definitiva, que nos habla sobre parejas que llevan mucho tiempo juntas y que están unidas por un amor profundo hasta el final de sus días.

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Harry Macqueen

Guion: Harry Macqueen

Fotografía: Dick Pope

Música: Keaton Henson

Duración: 90 minutos

Reparto: Colin Firth, Stanley Tucci,

James Dreyfus, Pippa Haywood,

Sarah Woodward, Tina Louise

El buen patrón: Javier Bardem y León de Aranoa dan un recital de buen cine

El buen patrón dirigida por Fernando León de Aranoa se ha estrenado en cines españoles el día 15 de octubre. El filme es su décima película como director y la quinta que produce de manera conjunta con The Mediapro Studio tras “Princesas” (2005) (3 premios Goya, incluyendo Mejor Actriz para Candela Peña), “Amador” (2010), el documental “Política, Manual de Instrucciones” (2016) y “Un día perfecto” (2015), protagonizada por Benicio Del Toro y Tim Robbins.

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La historia: Blanco (Javier Bardem) es el dueño de una empresa dedicada a la fabricación de básculas industriales. En breve, una comisión visitará la sede para decidir si otorga a la compañía un premio a la excelencia. Es entonces cuando un antiguo trabajador comienza a manifestarse a las puertas de la fábrica y pone en peligro los deseos del empresario.

La crítica: Ambientada también en el mundo de las relaciones laborales, en esta ocasión El buen patrón se presenta como el contraplano de la magnífica obra de Fernando León de Aranoa “Los lunes al sol”. 

En el filme encontramos sutiles referencias actualizadas a la magistral Los santos inocentes pero desde el punto de vista cómico y satírico. También se observan claras influencias de El padrino en el personaje escrito para Javier Bardem. Un personaje con cierto simbolismo divino que en bastantes planos aparece elevado por encima de los demás personajes. 

La cinta hoy reseñada es una feroz y divertida sátira protagonizada por el dueño de una empresa familiar en apuros. Hablamos de un excelente retrato sobre las relaciones laborales dentro de una gran empresa desde el punto de vista masculino. Esto casi suena a novedad pues las narraciones en el cine de autor actual suelen girar en torno al universo femenino. Aranoa vuelve, por tanto, a esa raíz que citaba al iniciar la crítica.

La originalidad de la propuesta es destacable, pues no es muy común ver en el cine historias sobre las relaciones laborales. El trabajo aparece como un lugar de encuentros, conflictos, penas y alegrías. Muestra la codicia, el recelo, los miedos y la presión que en alguna ocasión muchas personas han sentido en su puesto de trabajo al comenzar su jornada laboral. 

Javier Bardem nos vuelve a regalar una interpretación magistral. Quizás la mejor de su carrera aunque es un actor que no parece tener techo. Su personaje, Blanco, comienza dando un discurso paternalista a los empleados de su fábrica en la que ya denota su poder embaucador. Poco a poco iremos conociendo las entrañas de la empresa y como El buen patrón tiene un lado siniestro que le hace encantador para el que le ve desde el otro lado de la pantalla. El personaje es tan rico en matices que los 120 minutos de metraje pasan en un suspiro sin miradas al reloj.  No pocos espectadores, entre los que me encuentro, volverán a la sala de cine para un segundo visionado del filme en algo que sucede pocas veces.

El resto del reparto coral gira en torno a las andanzas del personaje principal. Así es como conocemos a Liliana, una becaria interpretada por Almudena Amor que cautivará a Blanco a pesar de que está casado. Luego está Miralles, interpretado con solvencia por Manolo Solo y que es el empleado de máxima confianza del patrón. También destacar a Óscar de la Fuente como el empleado en huelga a las puertas de la empresa. 

La dirección de arte se encarga de mostrar a la perfección los espacios escenográficos de la sede de la empresa. Un diseño de producción por lo tanto muy cuidado y respetuoso con el espectador. Además, todos y cada uno de los aspectos adicionales acompasan el ritmo del filme español. 

El buen patrón es una película brillante que parte de un excelente libreto firmado por Fernando León de Aranoa. El cineasta español vuelve a la esencia del comienzo de su carrera. Hablamos de un filme sarcástico, cómico y a la vez profundo mostrando de manera agridulce como son las relaciones humanas dentro y fuera del entorno laboral. En lo personal me parece que la Academia de Cine de España acierta al proponer para los Premios Oscar una película de mayor calado, enjundia y profundidad que las seleccionadas en años anteriores. Suerte y al toro.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Fernando León de Aranoa

Guion: Fernando León de Aranoa

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Pau Esteve Birba

Duración: 120 minutos

Reparto: Javier Bardem, Manolo Solo, 

Almudena Amor, Óscar de la Fuente,

Sonia Almarcha, Fernando Albizu 

Los invasores de otros mundos: Ciencia Ficción, Serie B y El Tintero de Oro de H.G. Wells

Los invasores de otros mundos de Sherman A. Rose fue estrenada en el año 1954 en Estados Unidos. La película, cuyo título original es Target Earth, está enmarcada en el tradicional cine de los años 50 con la ciencia-ficción como marco de referencia. Hablamos de serie B pura y dura.

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Nora (Kathleen Crowley) es una joven mujer que recupera la conciencia tras un intento de suicidio. Cuando descubre que su edificio no tiene electricidad ni agua, sale a las calles de Chicago y las encuentra desiertas. En un momento dado, se encuentra con un hombre llamado Frank (Richard Denning). Éste, ha despertado después de haber sido golpeado en un robo. Así es como se conocen y llegan a la conclusión de que la ciudad ha sido evacuada ante una inminente invasión extraterrestre. Solos y confusos, comienzan a buscar ayuda para intentar huir de la urbe. 

Como comentaba a raíz de la publicación de la retro-reseña de "Emisario de otro mundo", para poder entender este tipo de cine de una manera adecuada habría que situarse en el contexto sociocultural de la época en que estas películas fueron rodadas. Para ello, habría que viajar de manera imaginaria al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado. Allí y en plena guerra fría se mezclaban los miedos al estallido nuclear, con los miedos a una invasión extraterrestre. Esta situación mezcla de pánico y fantasía fue debida al incidente con el ovni de Roswell que acució las fantasías con todo lo que rodeó a "La guerra de los mundos" de H.G. Wells y la posterior emisión radiofónica que realizó Orson Welles. 

En Los invasores de otros mundos nos encontramos de salida con la ciudad de Chicago desierta y con Nora totalmente desconcertada. Esta secuencia pudo ser tomada como referencia por Amenábar para rodar Abre los ojos. En ella, Eduardo Noriega atraviesa una Gran Vía de Madrid totalmente desértica es una de las escenas más icónicas del cine español. ¿Casualidad, homenaje o plagio?

El inicio del film es la parte más potente del mismo. Se produce un gran dominio de la escenográfia generando la tensión narrativa adecuada. Hablamos de unos 30 minutos de buen cine que se dilapidan cuando el primer invasor llegado de otro mundo aparece en escena. Hablamos de un robot procedente del planeta Venus que parece realizado por un niño de tres años en estado etílico. En esta parte la película toma forma de comedia involuntaria. Sin embargo, estos efectos especiales tan chapuceros propios de la serie B de la época, son los que convierten a este tipo de películas en una curiosidad cinematográfica.

En la fotografía superior observamos el cuidado vestuario que se utilizaba en aquella época. Los hombres solían aparecer trajeados y las mujeres con vestidos chic acompañados de zapatos con tacones. El mundo se podía estar derrumbado pero la elegancia no entendía de invasiones. Este tipo de películas solía tener en el reparto a actores no muy conocidos. El presupuesto no daba para pagar a grandes estrellas de Hollywood.

Además de los mencionados actores Richard Denning y Kathleen Crowley como protagonistas, hay más humanos en pantalla. Nora y Frank, sus personajes, se encuentran con otra pareja. Son Jim (Richard Reeves ) y Vicki (Virginia Gray). Éstos se ha pasado la noche bebiendo por lo que aún están borrachos y por ello tampoco pudieron unirse a la evacuación de Chicago. Deciden formar un grupo, aislarse en un hotel y esperar a que el ejercito actúe. Como comentaba, no hay ninguna interpretación que fuera muy destacable. Si acaso mencionar a la actriz americana Kathleen Crowley a la que vemos atacada por el ridículo robot de la imagen inferior. Cabe interpretar que el bicho es varón por lo que lleva en la entrepierna.

En conclusión, Los invasores de otros mundos (insólita traducción de Target Earth) es una cinta bastante irregular en su totalidad, pero que cuenta con una premisa muy divertida para los amantes de la serie B dedicada a la ciencia ficción. Un película en definitiva bastante marciana que se convierte por méritos propios en un delicioso placer culpable.

Dirección: Sherman A. Rose

Nacionalidad: Estados Unidos.

Guion: James H. Nicholson

Duración: 75 minutos

Música: Paul Dunlap

Fotografía: Guy Roe (B&W)

Reparto: Richard Denning,
Kathleen Crowley, Virginia Grey,
Richard Reeves, Robert Roark,
Mort Marshall, Arthur Space,
Whit Bissell, James Drake

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P.D. La crítica de 'Los invasores de otros mundos" nace del inspirador artículo de David Rubio Sánchez sobre H.G. Wells. El escritor fue uno de los padres de la ciencia ficción. Asimismo la reseña que acabáis de leer participa fuera de concurso y en la sección 'Otras participaciones' de la XXVIII edición del concurso literario El Tintero de Oro. 

Madres paralelas: Almodóvar gira de lo urbano a lo rural en un intenso melodrama

Madres paralelas dirigida por Pedro Almodóvar se estrena en cines españoles el próximo día 8 de octubre. La cinta, presentada en el Festival de Venecia, cuenta en el reparto con Penélope Cruz, Milena Smit y con Aitana Sánchez-Gijón como las tres estrellas femeninas del reparto. 

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La historia: Madrid, 2021. Janis (Penélope Cruz) y Ana (Milena Smit), ambas a punto de dar a luz, coinciden en la habitación del hospital mientras llega el momento del parto. Tras el nacimiento de sus bebés intercambian los teléfonos y comienzan una amistad que cambiará sus vidas para siempre. Algo insólito ocurrido en la clínica se desvelará a lo largo de la trama. 

La crítica: Tras la biográfica Dolor y Gloria, Pedro Almodóvar vuelve a sus clásicos melodramas en los que se desenvuelve como pez en el agua. Al igual que en la brillante Julieta, en Madres paralelas vuelve a explorar el universo femenino a través del significado de la maternidad. La película comienza con una sesión de fotos. Janis (Penélope Cruz) es fotógrafa y le está haciendo un retrato a Arturo Buendía (Israel Elejalde), un antropólogo forense, miembro de una fundación navarra que ya ha intervenido en la exhumación de una fosa. Arturo será el que dirija la apertura de la fosa del bisabuelo de Janis, pero eso ocurrirá unos años después. Almodóvar pausa esta subtrama y centra la narrativa en la venida al mundo de dos niñas. 

Dos madres, diferentes edades y la misma incertidumbre antes del parto. Los embarazos serán llevados a término aunque no fueron planificados. En los primeros cuarenta minutos de la película, cadenciosos en exceso, el cineasta manchego nos pone en antecedentes del personaje de Janis. Conocemos su relación con Arturo -el padre del bebé-, su lucha por recuperar los restos de su bisabuelo asesinado en la Guerra Civil y su mirada ante el nuevo mundo que se le viene encima. Penélope Cruz, en el papel de Janis, realiza el mejor trabajo de su carrera dirigida con mano de hierro por Almodóvar. El Premio Goya sería muy merecido. 

La historia de la madre paralela, es decir de Ana, es revelada más tarde. La película sobrepasa las dos horas de metraje y el conflicto narrativo tarda en estallar. Con este personaje, interpretado de manera sensacional por la joven Milena Smit, nos adentramos en un triangulo amoroso en el que convergen Janis, Ana y Arturo. La madre de Ana, Aitana Sánchez-Gijón, representa la figura de la madre ausente y de los problemas que esto causa en la formación de la joven.

Con Madres paralelas asistimos a un giro metafórico de Pedro Almodóvar.

En sus primeros años de carrera, el cineasta manchego realizó un viaje de lo rural a lo urbano a través de los personajes representados en sus películas. Con ello, de manera autorreferencial, alude a su propia biografía y a lo que supuso su llegada a la capital desde un lugar de La Mancha. En la cinta hoy reseñada el viaje es de lo urbano a rural y esto se aprecia en el último tercio de la filmación. 

Observemos dos imágenes cedidas por la productora El Deseo para comprobar ese viaje de lo urbano a lo rural al que hago referencia. 

Exquisita dirección de arte en interiores

En cualquier caso, Almodóvar no se olvida de Madrid. Su ciudad de las estrellas. La urbe se ha convertido en eje vertebral de una cinematografía que no se puede entender sin su presencia. En Madres paralelas, aún se aprecia un recorrido específico por las viviendas, los lugares de ocio y comercio, los espacios públicos o los sitios donde el propio director se divirtió y lloró en la ciudad de Madrid. Para un servidor, nacido y criado en la ciudad es muy especial observar a través de su cine el retrato de los espacios urbanos, residencias, bares, comercios y edificios emblemáticos de la capital en los que el director manchego se ha recreado.

Las localizaciones en el cine sobrepasan el concepto de meros escenarios para participar en la trama como un personaje más. Se integran en los argumentos. Otorgan el punto de modernidad y hablan de sentimientos. Son el espejo donde se reflejan y proyectan las diferencias sociales, culturales, ideológicas o personales de los protagonistas. 

Madres paralelas es un intenso melodrama con dos tramas que convergen en su cierre final. La parte política, con un cierto parcheado en el tema de las diabólicas fosas del franquismo, no acaba de integrarse bien en la trama principal. La película es mucho mejor cuando se adentra en la historia de los personajes. En sus relaciones, miedos, anhelos, desafíos y recuerdos. En definitiva, con una narración de luces y sombras, Almodóvar firma una cinta irregular aunque muy reconocible por su autoría tan delicada y personal. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: José Luis Alcaine

Duración: 123 minutos

Reparto: Penélope Cruz,

Milena Smit, Israel Elejalde,

Aitana Sánchez-Gijón, Inma Ochoa

Rossy de Palma, Julieta Serrano

¡Películas tan malas como la sarna o más allá! (Parte 3)

Como no hay dos sin tres, hoy vamos con una nueva entrega de "películas" infernales, deplorables o sencillamente más malas que la sarna como indica el título de la publicación. Como en las dos anteriores entregas, se recogerán los desahogos, críticas u otras ocurrencias vertidas por algunos humanos que salieron bastante cabreados de las salas de cine.

1. Cincuenta sombras más oscuras (Fifty Shades Darker), EE UU, año 2017, dirigida por James Foley.

Comenzamos fuerte con la segunda parte de Cincuenta sombras de Grey que superó en estulticia cinematográfica a su muy lamentable antecesora.

Peter Travers en la revista Rolling Stone dejó la siguiente perla: "Cincuenta sombras más estúpidas sería más apropiado. La única convicción que Johnson y Dornan aportan a sus papeles viene de su mutua incomodidad".

Tim Grierson en Screendaily escribió: "Es un bufet de estupidez, donde sus placeres bobalicones no se distinguen de sus muchos momentos extrañamente melodramáticos."

Ezequiel Boetti en Diario Página 12 afirmó lo siguiente: "Sin conflicto a la vista, poblada por personajes más insípidos que una hostia, dueña de una serie de diálogos imposibles y de una misoginia galopante". 

2. Jacuzzi al pasado (Hot Tub Time Machine), EE UU, año 2010, dirigida por Steve Pink.

Horacio Bernades en Diario Página 12 comentó "Comedia resueltamente post-hermanos Farrelly. La película dirigida por el perfecto desconocido Steven Pink es una de esas guarradas tan impresentables como irresistibles." 

Javier Cortijo en el ABC escribió: "Amalgama material de desguace dispar, desde la screwball clasicorra hasta las charlotadas 'youtuberas' (...) En suma, un chorrazo de burbujas en dirección al perineo que dar gustirrinín sí que da a ratos".

A. O. Scott en The New York Times la remató así: "Si eres un devoto del humor sexual, escatológico o simplemente quieres droga dura, esta película satisfará tu apetito, puede que incluso lo sobrepase"

3. Campo de batalla: La tierra (Battlefield Earth), EE UU,  año 2000, dirigida por Roger Christian.

Elvis Mitchell en The New York Times escribió: "Tras los primeros 20 minutos de esta película amateur, la extinción tampoco parece una idea tan mala."

Gene Seymour en Newsday dijo: "Las palabras 'tan mala que es buena' luchan por hacerse oír entre tanta burda bravuconería y mugriento jaleo que hay en la película."

Steven Rosen en el Denver Post fue breve: "Tú no ves esta película: tú la sobrevives."

4. Una relación peligrosa (Gigli), EE UU, año 2003, dirigida por Martin Brest.

Ángel Fernández Santos en el Diario El País fue breve: "Un engendro".

Mauricio Isla desde Albacete se desahogó así: "Nueva obra maestra de los amigos Ben Affleck y Jennifer Lopez. Otra película más de gran calidad en la carrera de ambos. Esta comedieta se permite el lujo de no arrancar ni una maldita carcajada pese a buscarla una y otra vez de la manera más fácil posible. El amigo Martin Brest se ha lucido".

Shinboneniná en Filmaffinity fue claro: "Tres tontos muy tontos, y yo que la he visto cuatro".

5. La bella y la bestia (The Hottie and the Nottie), EE UU, año 2008 dirigida por Tom Putnan.

Críticas de usuarios de Internet: 

Neathara de Tajikistan dijo: "Gracias a la extraña simpatía que suscita esta ridícula muchacha (por París Hilton), la peli resulta más estúpida que ofensiva pese a su insulto a la inteligencia. Yo si fuera rica y mala actriz, también me pagaría una peli donde todo el mundo suspirase por mis huesitos y mis amigas me adorasen a muerte y además yo quedase regia ayudando a todo el mundo". 

The Mags desde Bolivia escribió: "La película es abominable con todos y cada uno de sus intérpretes de cárcel (destacando la Hilton of course que no sé si se mete en estos desechos por tonta o a propósito), no hay dirección, ni guión, no hace la más mínima gracia, es tópica e hiper-predecible, y el mensaje que da es totalmente negativo".

Beautiful_disaster desde España fue más amable: "A mí, al contrario que a la gran mayoría de la gente, Paris Hilton me cae genial, porque es una chica que se permite el lujo de hacer lo que le da la gana (y con su fortuna puede permitírselo). Por eso, me apetecía ver su última aventura cinematográfica...así que se merece el aprobado". 

6. Santa Claus conquista a los marcianos (Santa Claus Conquers the Martians), EE UU, año 1964. dirigida por Nicholas Webster.

Críticas de usuarios de Internet:

Gary Winston desde las Islas Canarias dijo: "Solo aconsejable a los adictos a la caspa. Si queréis que vuestros hijos dejen de creer en Papa Noel ponedles esta película porque no se lo van a creer".

Camarada Eristoff desde Madrid escribió: "Tras perder hora y media de mi insulsa vida (y replanteármela tras este bodrio) me disponía a ponerle un 1, cuando me di cuenta de que la película no es culpable de no estar dirigida a mí. Seguro que en su día esta película hizo las delicias de jóvenes americanos sesenteros que, incluso, se aterrarían al ver a marcianos consistentes en hombres con cara plateada, un embudo en la cabeza y un bigote falso". (le puso un 2) 

NeoJ desde Albacete se despachó así: "Voy a ser directo: la película es mala de narices, pero tiene marcianos con antenas, santa claus marcianos, pseudo dioses que se llaman Chochem, robots y -desgraciadamente- niños repipis y mensajes navideños que te pueden convertir en diabético".

7. Bratz: The Movie, EE UU, año 2007, dirigida por Sean McNamara.

Claudia Puig en USA Today escribió: "Una película tonta que es esencialmente una serie de clichés puestos juntos con la apariencia de película."

Javier Ocaña en el Diario El País dijo: "Apología del consumismo infantil amparada en la frase más trascendental para la existencia de las crías: 'No tengo nada que ponerme'.

Lenny Nero en Filmaffinity dejó una de las mejoras perlas sarcásticas en la historia de la crítica de cine: "Mitad cine comprometido europeo, mitad western crepuscular, Bratz nos envía el mensaje de que aún hay esperanza en este mundo de desasosiego, caos y opresión. Utilizando hábilmente la metáfora del instituto cómo campo de concentración en una sociedad fascista, se nos presenta una compartimentación de la sociedad en grupos fácilmente manipulables por un líder populista y tiránico, un mundo donde la personalidad y los valores quedan suprimidos bajo la promesa de la seguridad que da el grupo, exenta de riesgos como la soledad y/o el desarraigo". 

8. El gurú del buen rollo (The Love Guru), EE UU, año 2008, dirigida por Marco Schnabel. 

A. O. Scott en The New York Times escribió: "No es nada divertida, es una experiencia que te hace preguntarte si alguna vez volverás a reír de nuevo."

Javier Cortijo en el Diario ABC dijo: "El lucero de la Alba. (...) la falta de rigor responde al nombre de 'El gurú del buen rollo', una astracanada exótico-festiva".

Francisco Marinero en el Diario El Mundo la remató así: "Mike Myers logra lo que parecía imposible: llevar su humor a un nivel todavía más bajo que el de la serie Austin Powers. (...) sucesión de gags y diálogos de humor infantiloidemente guarro". 

9. Drácula 3000 (Dracula 3000: Infinite Darkness), Sudáfrica, año 2004, dirigida por Darrell James Roodt.

Pablo González Taboada en Cinemanía: "Deleznable".

D. Ego en Zinemaniacos: "En definitiva, una basura por la que no merece la pena perder los poco más de 80 minutos que dura".

Ramón 91 en Filmaffinity se extendió de la siguiente manera: "Para quien vaya a ver esta "película" le sugiero que desperdicie su tiempo en otra cosa mas entretenida como mirar a una mosca o sentarse en una silla una hora y media sin hacer nada. El argumento parece escrito por un niño de 5 años con algún defecto que le provoca total incoherencia en lo que escribe".

10. Barb Wire, EE UU, año 1995, perpetrada por David Hogan. 

Nos despedimos con esta obra cumbre de la historia de la cinematografía universal a mayor gloria de este icono de la elegancia, y de la delicadeza llamada Pamela Anderson.

Críticas de usuarios de Internet:

Neathara de Tajikistan escribió:  "De Barb, pero también B de Bodrio, Basura y Bazofia. Esta inclasificable monstruosidad, sólo comparable a los anuncios de Chuck Norris de la Teletienda, no es serie B, ni Z, debería tener una letra para ella sola (¿Y griega?). Esta absurda revisión de "Casablanca" en futurista y al servicio de la neumática Pamela Anderson -creo que es innecesario hablar de sus capacidades actorales, que no las pectorales- es probablemente una de las películas más genuinamente cochambrosas jamás rodadas".

Metabaron se despachó de la siguiente manera: "Pam ligera de ropa (sale tantas veces empapada, enjabonada o desvestida que el largometraje a veces se convierte en algo así como una explotation movie hecha a la vez por Russ Meyer y el primo tonto de Alex Proyas), aparece el inefable Udo Kier (¡YEAH!) y la trama es un disparate que se apodera del argumento de "Casablanca" para pergeñar una parida distópica de apenas hora y media".

Sandro en Filmaffinity dejó una bella, mordaz y sarcástica crítica. Sin desperdicio. Así se refirió a Barb Wire: "David Hogan ha demostrado estar muy por encima de la mayoría de sus coetáneos americanos firmando esta la que se convertiría en una obra maestra del género. Pamela Anderson ha demostrado una capacidad interpretativa a la altura de las más grandes divas del cine clásico. Con la etiqueta de la nueva Betty Davis, por sus más que demostradas dotes dramáticas, la bella actriz se ha abierto paso con una carrera nada desdeñable a pesar de las dificultades de pasarse varios años a la sombra de David Hasselhoff, posiblemente el mejor actor de comedia-playera de los últimos 20 años. En definitiva, una intachable interpretación de Pamela Anderson (se encerró en un correccional de Arkansas durante 2 años para interpretar el papel, aunque no tenga nada que ver con su personaje) y un manejo de la cámara muy por encima de los sobrevalorados Hitchcock y Welles, por parte de Hogan, hacen de esta película, posiblemente el mejor drama histórico del siglo XX. ¿creen que exagero? Pasen y véanla. Les aseguro que no lo lamentarán".

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¡Diez películas más malas que la sarna! (Parte 1)

¡Otras 10 películas más malas que la sarna! (Parte 2)

P.D. De regalo os dejo con un breve vídeo de la imperdible película turca 'Kareteci Kız' y con la brillante interpretación de Bülent Kayabaş, su protagonista masculino.