She Dies Tomorrow dirigida por Amy Seimetz llegará a los cines españoles el próximo viernes 30 de octubre tras recibir el Premio Jurat Carnet Jove a la Mejor Película en el Festival de Sitges. Considerada una de las películas de género fantástico más peculiares del año, está protagonizada por Kate Lyn Sheil ("House of Cards"), y cuenta con la presencia de intérpretes como Chris Messina ("The Sinner"), Michelle Rodriguez (la saga "Fast & Furious") o Jane Adams ("Twin Peaks: The Return"), entre otros.
👻👻👀👻👻
La historia: Amy (Kate Lyn Sheil) está obsesionada con la idea de que va a morir mañana, lo que la introduce en una peligrosa espiral que la induce a pensamientos cada vez más peligrosos. Sin embargo, su escéptica amiga Jane (Jane Adams) descubre que también comparte esa sensación de muerte inminente. La idea se hace contagiosa entre sus conocidos como si un extraño virus mental se estuviera introduciendo en la mente de todos ellos. ¿Se cumplirá la premonición?
La crítica: El segundo largometraje como directora de Amy Seimetz, se presenta como un espeluznante cuento de terror que explora nuestro miedo primario a la muerte y cómo éste se puede esparcir como un virus. Hablamos, en cierta manera, de un tipo de cine experimental en el que la música y los juegos de luces cobran una vital importancia en su forma narrativa. Gustará más o gustará menos, pero aquí hay cine novedoso y cualificado lo cual de por sí ya es todo un triunfo.
El cine independiente se puede permitir experimentos como She Dies Tomorrow. Lo cual no quiere decir que sea una cinematografía apta para todos los públicos. La cinta, abre nuevas vías narrativas y explorar un nuevo lenguaje visual en un entorno amenazante y hostil. Pero esa hostilidad no viene cubierta de sustos gratuitos y menos de niños poseídos. Ya era hora. Más bien la cineasta se muestra como una buena creadora de atmósferas con la vida y la muerte como frente discursivo.
El miedo a morir es universal. Suele acentuarse cuando vivimos una pérdida próxima, o cuando algún suceso (por ejemplo una pandemia mundial), pone de manifiesto que somos seres finitos y mortales. Más o menos ese el mensaje que nos transmite Amy Seimetz en una obra con aromas al cine de David Cronenberg. Además, un acertado metraje de menos de 90 minutos consiguen un ritmo adecuado para mantener en vilo al espectador. En su debe, se puede afirmar que She Dies Tomorrow no logra explicarse por sí misma por lo que pierde credibilidad aunque hablemos de cine que se mueve en el entorno del género fantástico.
Con un interesante reparto coral que ha logrado reunir un elenco de nombres ilustres en el cine indie estadounidense, querría destacar a la protagonista Kate Lyn Sheil, vista en éxitos recientes del género como“Tú eres el siguiente” o “The Sacrament”, y que ya trabajó en “Sun Don’t Shine”, la ópera prima de la directora. Mencionar también a la estrella de “Fast & Furious”, Michelle Rodriguez con un pequeño papel en la cinta.
Los espacios escenográficos limpios y diáfanos otorgan al filme bastante comodidad visual en contraste a lo enrevesado de su argumento. Sin embargo, es la música la que destaca por meter a la fuerza al espectador en escena. Se echa de menos, aunque las hay, algunas localizaciones exteriores para que nos coloquen en el contexto geográfico adecuado.
En conclusión, She Dies Tomorrow me ha parecido una apuesta meritoria en la que se logra encontrar un equilibrio adecuado entre buen suspense y novedosos patrones narrativos. Su final abierto deja en manos del espectador la valoración de lo ocurrido en la trama y si esta tiene sentido o por el contrario la cineasta peca de cobardía al no cerrar el círculo de manera concluyente. En cualquier caso, Amy Seimetz demuestra personalidad y ganas de avanzar en su carrera. Atentos a su cine.
Dirigida por Michaël Youn, cineasta galo,El club de los divorciados llega a los cines españoles el próximo día 23 de octubre. La cinta, ha sido número uno de taquilla en Francia durante este verano. Hablamos de una supuesta comedia que ha sido galardonada con Premio de la Prensa en el Festival de l’Alpe d’Huez 2020. No quiero imaginar como han sido las no premiadas. ¿Risas? contra la pandemia...
📹📹📹📹📹
La historia: Despues de cinco años de plácido matrimonio, y estando perdidamente enamorado de su mujer, Ben (Arnaud Ducret) descubre en público que su mujer le está engañando. Hundido, Ben intenta recuperarse de este duro golpe hasta que en su camino se cruza Patrick (François Xavier Demaison). Su antigua amigo que también está divorciado, le ofrece mudarse con él. Patrick quiere aprovechar al máximo su nueva soltería, pero Ben aún no está preparado para ello. Sin embargo, ambos se unen a otros divorciados. Es de esta manera como un grupo de cuarentones comienzan a elaborar las reglas de una cosa que pasa a llamarse: "El club de los divorciados".
La crítica: Decía Groucho Marx que: “Nunca pertenecería a un club que admitiera como socio a alguien como yo”. Partiendo de esa premisa yo advertiría de que si eres un buen cinéfilo deberías entrar con cuidado en "El club de los divorciados". O al menos, habría que ir con pies de plomo al pasar. Tras Fatal (2010) y Vive la France (2013), Michaël Youn vuelve con una comedia acartonada que se programa para reivindicar la risa frente a la pandemia. La narrativa, si es que la hubiere, trata de afrontar el tema del divorcio a través de la idealización de la soltería. El mensaje es simple: mejor solo que mal acompañado. No hay mucho más pero habría que matizar algunos aspectos de por qué comedias así triunfan en taquilla.
Este no es un fenómeno que solo se da en Francia. De hecho, en España la comedia de Santiago Segura "Padre no hay más que uno 2" ha reventado las taquillas durante este verano. Y es que tras el criminal año 2020 que estamos viviendo el espectador demanda la comedia como forma de evasión. En parte, estoy de acuerdo. Pero si juzgamos de manera crítica la propuesta presentada no hay por donde cogerla.
Los clichés son tan manidos e incluso sexistas que sonrojan casi en cada escena. Ben, el recién divorciado, se va a vivir a la casa de su amigo. Hablamos de una mansión convertida en un verdadero paraíso para adolescentes de cuarenta años. Hay sala de juegos, jakuzis, pantallas gigantes para ver fútbol, piscina y mujeres con poca ropa. Sin olvidar un lémur en el jardín y, para servirles, un árabe con un extraño acento para seguir con los redundantes clichés. Este lugar se convierte en El club de los divorciados con fiestas y alcohol en abundancia.
Con frases como: "Me siento tan empalmado como Harvey Weinstein antes de un casting" vamos llegando al desarrollo final con cara de circunstancias. No obstante, estas notas de humor políticamente incorrectas hacen ganar algunos enteros al filme francés. Los embrollos a los que son sometidos los personajes tienen una correcta resolución en el tercio final. Eso es lo más destacable de la propuesta.
Arnaud Ducret (Ben) y François-Xavier Demaison (Patrick) son los encargados de interpretar con corrección a los dos principales divorciados del filme. Los dos amigos, refugiados en su bunker sexual, dan rienda suelta para que Michaël Youn realice una serie de gags que se sienten siempre impostados. Aún así, el personaje de Ben es un típo que cae bien y que causa empatía. Es un personaje con una buena evolución que tras ser humillado por su mujer, que le pone los cuernos, consigue aceptar lo que le ha sucedido y así dar un gro radical a su vida. En la parte femenina del reparto cabe destacar a Caroline Angalde que interpreta a la chica que hará cambiar el rumbo vital de Ben tras su separación.
La mansión es otro de los personajes de la historia. El mejor personaje. La villa, situada en Le Pradet, cerca de Tolón, pertenece a la belle époque y cuenta bellos jardines colgantes con piscina incluida. La fotografía realizada por Stéphane Le Parc eleva el peso del diseño de producción.
El club de los divorciados es una película excéntrica de principio a fin. Se siente como un retrato viejo, descoordinado pero también sincero en lo que promete. Es decir, hablamos de una comedia de situación para espectadores poco exigentes que traten de evadirse de la cruda realidad.
Dehesa, el bosque del lince ibérico dirigida por Joaquín Gutiérrez Acha ha llegado a los cines españoles el día 9 de octubre. La nueva película del director de Cantábrico ha sido galardonada con un Premio del Jurado en los Jackson Wild Media Awards, conocidos como los Premios Oscar del Cine de Naturaleza. El filme es coproducido entre España y Portugal.
🐾🐾🐾🐾🐾
La historia: En la cinta documental se narra la historia de un bosque único en el mundo donde descubriremos situaciones muy diversas de este preciado ecosistema. Encinas, alcornoques y quejigos dan lugar a un campo de batalla donde pelean los herbívoros, donde cazan los elegantes y sigilosos linces ibéricos y donde las águilas otean el horizonte como dueñas del cielo. Pero también puede ser un lugar amable que recibe cada año a miles de viajeros de larga distancia, que tienen en estos parajes sus cuarteles de invierno. Las aves migratorias buscan un clima más cálido y el alimento necesario para su supervivencia. En estos campos ibéricos conviven también los humanos criando, entre otros, al cerdo ibérico, al toro bravo y a las ovejas. Éstas, con su leche y lana, darán la materia prima necesaria para el sustento de los ganaderos.
La crítica: Tras la épica Cantábrico, los dominios del oso pardo, Joaquín Gutiérrez Acha vuelve al medio natural para dar a conocer al mundo la fantástica dehesa ibérica puesta en peligro por el cambio climático. Su anterior película fue el documental más visto en cine en los últimos años con 110.000 espectadores en las salas.
Las impresionantes imágenes rodadas por Joaquín Gutiérrez Acha y su equipo, de por sí cautivadoras, se ven ensalzadas gracias al minucioso sonido del naturalista Carlos de Hita, quien también escribe los textos de la locución. Acompañados de la música de la compositora española Victoria de la Vega, el filme nos lleva en sus 90 minutos a conocer un hábitat apasionante lleno de fauna y flora que luchan por sobrevivir en un mundo cada vez más hostil contra el medio natural.
Pienso que la mejor manera de realizar la crítica es mediante segmentos que nos introduzcan mejor en la narración. De esta manera podremos conocer mejor lo que trata de explicar la película.
La dehesa
El protagonista indiscutible de esta película es el propio ecosistema. La dehesa es una forma de bosque exclusivo de la Península Ibérica. En las dehesas ibéricas se concentran las especies más exclusivas de la fauna ibérica: cigüeñas negras, buitres, linces ibéricos o águilas imperiales son solo algunas de las más representativas. Los dos últimos, el lince ibérico y águila imperial, no existen en ningún otro lugar del mundo. Son, por tanto, endémicas de la Península Ibérica.
Hablamos de modelo forestal único en el mundo donde el hombre y la vida salvaje caminan juntos. Pero las dehesas también, en cierta manera, están en peligro de extinción por las plagas de insectos, por el calentamiento global y por la desertificación del terreno. Un patrimonio único que también se ha visto afectado por la pandemia y por la caída de las exportaciones españolas. Las imágenes rodadas durante dos años son de una belleza tremenda. Respecto a la flora me gustaría destacar la técnica del Time Lapse que nos deja fotogramas nunca antes filmadas, como la apertura de una de las flores más bellas de la dehesa, las peonías, también conocidas como rosa de Alejandría.
El lince ibérico
Otro de los personajes destacados en la cinta. Se insertan imágenes sorprendentes de la conducta del lince ibérico, como hasta ahora no se habían visto. Una especie que estuvo muy cerca de la extinción y que ahora reina en esta especie de sabana ibérica. El felino al no tener depredadores naturales pecó de un exceso de confianza -muy raro en los gatos- y fue también víctima de la caza furtiva. Su principal sustento alimenticio era el conejo y tras la despoblación de estos, quedaron muy pocas parejas en la Península Ibérica. Fruto de las actuaciones de conservación de estos programas, en 2016 se contabilizaron más de 400 linces en estado silvestre entre todas las áreas de actuación del proyecto (Portugal, Extremadura, Castilla-La Mancha y Andalucía). En la actualidad se estima que existen 800 ejemplares de este bello felino.
El toro bravo
La belleza de la fuerza. Hablamos de un animal mítico para España y que en el documental pasa de puntillas. Hoy en día hablar del toro o de la tauromaquia es un serio problema y parece que Joaquín Gutiérrez Acha no ha querido entrar en polémicas. El animal se extinguirá de manera paradójica gracias a la sensibilidad que todos tenemos por los animales. Y con ello, además, la dehesa podría estar abocada a la desaparición. Los ganaderos que cuidan de ellos soportan grandes pérdidas que van a ir a más tras la corriente mayoritaria de la prohibición de los espectáculos taurinos. Y es que el toro bravo sin apoyo del hombre no puede sobrevivir en el medio natural. Por tanto, si los festejos taurinos desaparecen se llevaran con ellos a uno de las animales más bellos que pueblan la Península Ibérica.
El cerdo ibérico
Este cochino tiene la supervivencia asegurada. El jamón ibérico está demasiado bueno y no parece que el mundo animalista lo tenga en su punto de mira. En él, encontramos al otro rey de la dehesa que produce además unos ingentes ingresos económicos para los ganaderos que se dedican a su cría. Se alimenta de las bellotas que dan las encinas que a su vez se infiltran en su grasa otorgando el característico sabor al llamado jamón de bellota. En España durante el año 2019 se llevaron a cabo exportaciones por un valor total de 452.463.021 millones de euros con 48.007,28 toneladas entre jamón curado, ibérico, serrano y paletilla.
El águila imperial
Majestuosa ave que también estuvo al borde de la extinción. Se trata de una de las aves más emblemáticas de nuestra fauna. La disminución del conejo (su principal fuente de alimento), así como la destrucción y fragmentación de su hábitat la tienen en constante peligro. En el año 2019 se censaron 400 parejas en España de las que 73 fueron fueron censadas en la Comunidad de Madrid. Los planos cenitales que nos regala el cineasta nos recuerdan con fuerza el vuelo del águila.
El ciervo
Presenciaremos, durante la berrea, los combates entre ciervos machos, habituales, pero complicados de filmar. En la cinta documental podremos ver una secuencia espectacular donde se muestran a cámara lenta violentas peleas entre estos ciervos. Y cuando un ciervo u otro animal muere aparecen los buitres. De manera sigilosa, Gutiérrez Acha nos cuela en la intimidad del buitre leonado: los podremos ver bañándose en grupo, en lugares secretos donde se vuelven extremadamente vulnerables por la impresionante carga de agua que llevan en sus cuerpos y los veremos disputarse la carroña con los valientes zorros que les plantan cara a pesar de salir vencidos en casi todas las ocasiones.
Dehesa, el bosque del lince ibérico me ha parecido en definitiva un documento imprescindible para todos los amantes de la Naturaleza. El cine, además de ser un entretenimiento, puede servir como vehículo para salvar a ecosistemas como la dehesa de su desaparición. Muchas son las amenazas que se ciernen sobre este bosque ibérico tan especial, pero aún queda esperanza para su conservación. Es por ello que Joaquín Gutiérrez Acha, como ya hiciera antes en Cantábrico, ha puesto todo su empeño para alumbrar una película limpia, bella y delicada en su composición artística. En mi opinión, nos hallamos ante el mejor documental de lo que va del año 2020 en un verdadero lujo cinematográfico.
Fátima dirigida por Marco Pontecorvo se estrena en cines españoles el próximo día 16 de octubre. Basada en los hechos ocurridos, en la ciudad de Fátima (Portugal) durante la Primera Guerra Mundial, la película nos habla sobre el poder de la fe y está protagonizada por Harvey Keitel (El Irlandés), Sônia Braga (Wonder), Joaquim de Almeida (Una vida a lo grande) y la española Stephanie Gil (El mejor verano de mi vida).
🎬🎬🎬🎬🎬
La historia: Años 80, Portugal. El autor y escéptico Profesor Nichols (Harvey Keitel) visita el convento situado a la orilla del río en la ciudad de Coimbra, donde Sor Lucía (Sonia Braga), una monja anciana, relata cómo vivió en primera persona el histórico evento que tuvo lugar en 1917. La conversación entre el pragmático académico y la ascética religiosa ilumina décadas de misterio y preparan el escenario de una inspiradora historia que ha fascinado a millones de personas durante más de un siglo.
La crítica: La base de la cinematografía consiste, según mi opinión, en provocar emociones a través de los fotogramas en movimiento. En esta ocasión y por encima de mi posicionamiento agnóstico, no tengo la menor duda en que el cineasta italiano Marco Pontecorvo ha sabido tocar las teclas cinematográficas adecuadas para conseguir con Fátima una estupenda recreación de los hechos acaecidos en Portugal en el año 1917. Además, y lo más importante, ha conseguido una estupenda película. No sé muy bien si enmarcarla en el género fantástico o histórico pero el resultado es óptimo. Cine de altura por encima de la fe.
Avancemos un poco más en lo que cuenta la película que no tiene porque coincidir exactamente con lo que sucedió en aquel lugar de Portugal. Mientras deambulaba por una cueva cerca de su casa en el pueblo de Aljustrel, a las afueras de Fátima, una niña de 10 años llamada Lucía es visitada por un ángel que le enseña una visión de una batalla. La Primera Guerra Mundial está arrasando Europa y cobrándose la vida de muchos jóvenes de la aldea de la joven. En la visión, Lucía ve a su hermano, Manuel, soldado en el frente, atrapado en una explosión. Más tarde, mientras cuida del rebaño de ovejas de su familia, Lucía, su prima pequeña Jacinta y Francisco tienen otra aparición, en esta ocasión de la Virgen María. “Nuestra Señora del Rosario”, como se llama a sí misma esta mujer, pide a los niños que anuncien la importancia de rezar el rosario y hacer sacrificios para reestablecer la paz en el mundo. También les dice que volverá al mismo lugar cada mes durante seis meses y que espera verles de nuevo. La narración con una ambientación asombrosa respira cine por cada poro. Fátima es más que una película religiosa. Es sencillamente cine clásico por encima de nuestras creencias o no creencias.
La cinta se siente como una historia muy humana acerca de una pequeña niña, la relación con su madre y cómo el cuestionamiento sobre la fe puede llevar a una fe aún mayor. Toda la aldea, salvo sus padres, estaban colocando a la pequeña en el punto de mira. Incluso la Iglesia en un principio no la creyó. Y además de no creerla, tanto el párroco, como el alcalde, así como las demás fuerzas vivas del pueblo la denostaban con carácter general. Cabe decir que el cineasta se mantiene neutral en la narración hasta la parte final de la cinta. Ahí ya toma partido con sesgo más religioso aunque tampoco creo que nadie se pudiera esperar lo contrario. La cinta se decanta por la divinidad pero sin aportar pruebas.
Como dato adicional cabe señalar que en el día de la fecha prevista de la última aparición de la Virgen en Fátima, cerca de 70 mil personas llegaron, esperando un milagro que los convenciera de su existencia. Lo que experimentaron todavía es comentado hoy en día y el lugar de las apariciones es uno de los sitios más populares del mundo católico. Lo que era una pequeña aldea de granjeros se convirtió en un lugar de culto conocido debido a las apariciones que tenían los niños. El lugar llega a ser visitado por cerca de 6 millones de peregrinos al año. Estas secuencias están rodadas a través de panorámicas recordando a la cinta Rey de Reyes con el sermón de Jesús en la montaña.
Con un reparto de carácter internacional y con actuaciones muy sólidas me gustaría destacar a la niña Stephanie Gil que se transfigura para representar a Lucía. Este personaje en su edad adulta es representada por Sonia Braga en la parte más interesante y cualificada de la película. Allí, a finales de los 80, se produce una interesante entrevista entre el escéptico Profesor Nichols (Harvey Keitel siempre grande) y Sor Lucía (la niña vidente que se convirtió en monja) en la que cada cual expresa sus posturas sobre el hecho religioso. El resto del inmenso reparto coral están al servicio de los principales protagonistas de la historia.
Fátima fue rodada completamente en Portugal, en Tapada de Mafra, Coimbra, Tomar, Lisboa, Cidadelhe, el municipio de Ourém y en la ciudad medieval de Tomar, sustituyendo el mercado de Ourém y el pueblo de Aljustrel. La imágenes son bellamente fotografiadas al son de una banda sonora espectacular. Esto, junto al diseño de vestuario hacen de la película una completísima experiencia cinematográfica. Mencionar, por tanto, al cinematógrafo Vincenzo Carpineta, que crea las brillantes escenas al aire libre y los interiores a la luz de las velas.
Fátima me ha parecido una experiencia muy gratificante en un entorno de cine clásico de alto calado. Me interesa más la propia narrativa que el mensaje a transmitir si es que lo hubiere. Las cartas están marcadas para que creyentes y no creyentes pueden encontrar algo en esta película. La historia con una visión muy humanista solo puede adscribirse al género fantástico para las personas de ciencia. Esto no menoscaba que los hechos narrados sean ciertos o no. Simplemente no hay pruebas sólidas que demuestren la verdad de las apariciones de Fátima. En cualquier caso, no es lo más importante. Cuando hay cine con mayúsculas y una buena historia, es indiferente la veracidad de los hechos. La película -que al final como todas es una ficción- merece la pena ser vista en una sala de cine para poder disfrutar de una inmersión completa en su lenguaje visual.
Rifkin’s Festival dirigida por Woody Allen llega a los cines españoles tras su paso por el Festival de San Sebastián. El cineasta de Manhattan, muy cuestionado en su país, ha encontrado en Europa la salida a su cita anual con los espectadores. Con este nuevo proyecto rinde un preciosista homenaje a la ciudad de Donosti y al cine clásico europeo.
Estreno en cines españoles: 2 de octubre.
🎥🎥🎥🎥🎥
La historia: Mort Rifkin (Wallace Shawn), un amante del cine, decide acompañar a su mujer publicista, Sue (Gina Gershon), al Festival de Cine de San Sebastián en España. Allí, preocupado por la fascinación que su esposa siente por un joven director de cine, Philippe (Louis Garrel) constata que su mujer se ha enamorado del joven cineasta. El estado de ánimo de Mort mejora, cuando conoce a la doctora Joanna Rojas (Elena Anaya), su alma gemela, y cuyo matrimonio con el impetuoso pintor Paco (Sergi López) también hace aguas por todas partes. Mientras Sue se pasa los días con Philippe, la relación de Mort con la doctora Rojas se va estrechando por su afición común al cine. La diferencia de edad con la joven médica no es impedimento para que ambos comiencen una amistad que les llevará por diversos lugares de la ciudad.
👇👇👇👇👇
La crítica: Tras su romántica Día de lluvia en Nueva York, Woody Allen vuelve al exilio europeo para escribir y rodar una carta de amor al cine. Rifkin’s Festival pretende ser un homenaje al cine clásico aunque se percibe más como turismo cinematográfico. La cinta se acerca más a Vicky Cristina Barcelona o A Roma con amor que a otras grandes obras rodadas en territorio europeo como así lo hizo con su magistral Match Point. Hay secuencias que son puras recreaciones muy reconocibles de películas de Ingmar Bergman, François Truffaut, Federico Fellini, Jean-Luc Godard y Luis Buñuel. También hay mucho de España en la película.
De hecho, hablamos de una cinta producto de la colaboración entre el cine español y el estadounidense. En esta ocasión y aunque hablamos de una comedia de corte romántico, Woody Allen,riza el rizo y la vez que muestra su amor por el Festival de Cine de Donosti, realiza una dura crítica hacia el mundo del cine en general y hacia la crítica en particular.
En la cinta hoy reseñada quiero resaltar la óptima fotografía realizada por el maestro Vitorio Storaro. Es contenido y no continente. Se establecen dos mundos visuales radicalmente opuestos en una misma película. Este es un aspecto común en las cuatro cintas de Storaro con Woody Allen. Por ejemplo, los diferentes enfoques del Hollywood clásico en comparación con la vida nocturna de Nueva York en Café Society o la yuxtaposición del sórdido apartamento en el que viven los protagonistas y los suntuosos colores de Coney Island en Wonder Wheel.
En Rifkin’s Festival, Storaro fotografía la realidad externa del festival y de San Sebastián en color, y la vida interna del protagonista en blanco y negro. Él, sueña en blanco y negro porque se identifica mucho con las películas clásicas que tanto le gustan. Los preciosistas tonos pastel en longitud de onda caliente prevalecen en la parte rodada en color. E incluso, como vemos en la imagen inferior, existe un pequeño homenaje a La La Land con otra referencia añadida a Ryan Gosling en otra escena.
El personaje que interpreta el actor neoyorkino Wallace Shawn, es el claro alter ego de Woody Allen en pantalla. Un papel que le venía como anillo al dedo al propio Allen y que se intuye no ha querido interpretar para no ser acusado de ser un depravado sexual o de ser el mismo Diablo con patas. Y es que el personaje de Mort Rifkin es el de un viejo profesor de cine que se enamora de una joven doctora. Ésta, es interpretada de manera muy sensual por la actriz española Elena Anaya. Al poco de conocerse, Mort descubre la enorme cantidad de cosas que tiene en común con ella: un gusto por el cine marcado por la común aversión hacia la película de Philippe, el amor hacia Nueva York y un infeliz matrimonio.
El reparto es completado por el marido de la doctora interpretado con acierto por el también español Sergi López. Él, es un pintor egoísta e impetuoso que la engaña constantemente y hace que su vida sea miserable. La otra cara del espejo es formada por la esposa del protagonista (grande Gina Gershon) y por el moderno Philippe (Louis Garrel) convertido en el seductor cineasta francés. Durante todo la filmación hay bastante tensión sexual no resuelta perjudicando de manera ostensible la obra de Allen. Pero, tras ser acusado de todos los males del mundo parece que Woody Allen no ha querido llevar el argumento al terreno sexual en un hecho comprensible por los vetos a los que está siendo sometido.
Rifkin’s Festival me ha parecido un sencillo homenaje al cine clásico que retrata con cierta ironía el mundo actual del cine. Un filme que puede pecar de cierto academicismo pero que será muy comprensible para todo aquel que haya seguido la carrera del maestro. No sé cuantas películas nos quedaran por ver de Woody Allen, pero espero que aguante al pie del cañón como lo ha hecho Clint Eastwood. Dos cineastas, que desde visiones muy diferentes, son para mí claves en la conformación de la narrativa cinematográfica contemporánea a nivel mundial.
La habitación (The Room) dirigida por Christian Volckman se estrena en cines españoles el próximo día 2 de octubre. Hablamos de una coproducción europea exhibida en la Sección Oficial del Festival de Cine de Sitges. Su estreno comercial ha sido retrasado varias veces por la pandemia de coronavirus por lo que llega con moderada expectación entre los aficionados al género fantástico.
👻👻👻👻👻
La historia: Matt (Kevin Janssens) y Kate (Olga Kurylenko) se mudan a una nueva casa en las afueras de la ciudad. Al hacer la reforma, descubren una habitación oculta. Cuando consiguen entrar en ella, se dan cuenta de que cualquier deseo que formulen allí se hará realidad, pero no sin ciertas condiciones. Después de dos embarazos malogrados, lo que Matt y Kate desean, por encima de todo, es un bebé...pero antes disfrutarán a un ritmo desenfrenado de los placeres que les otorga su nueva morada.
La crítica: Pide un deseo y la habitación te lo concederá de inmediato. Desde luego hay tipos con suerte. Nuestro protagonista tiene como pareja a Olga Kurylenko y una habitación en su nuevo hogar que les nutre de todos sus deseos: dinero, manjares, afrodisíacos, riquezas y ese tipo de cosas. Ha quedado claro que hablamos de cine fantástico en toda su dimensión con gente guapa, inteligente y bien avenida.
Tras una media hora inicial que se convierte en una auténtica montaña rusa de emociones, el cineasta Christian Volckman tiene un "ataque" de director de cine y comienza a tomarse en serio su propia película. Y es ahí cuando lo que parecía un producto original y divertido entra en el terreno pantanoso de las casas encantadas con niño incluido.
La habitación pasa, por tanto, de ser lujuriosa en el mejor sentido de este término, a derivar en un producto soso con un refrito de situaciones ya vividas. Es decir, una casa encantada que no quiere ser habitada, un bebé siniestro que aparece de la nada para joder la vida de los tortolitos y los ruidos estremecedores acompañados de los juegos de luces que se apagan y encienden a su conveniencia. Vamos, un asco de casa. Claro que con la Kurylenko por allí danzando pues no hay quien quite ojo a la pantalla. En eso, bien.
El mayor acierto de la cinta consiste en acompasar los planos con tenues notas musicales de piano que provocan una extraña intriga en el espectador. Después de muchos desbarres narrativos -a lo Nolan y Aronofsky- la cinta consigue levantar el tono inicial en la sensacional escena de cierre. Es decir, La habitación destaca por su apertura y por su cierre que engañosamente dejan un buen regusto final.
Además de la citada Kurylenko, La habitación cuenta con un sólido reparto en el que destacan los nombres de Kevin Janssens (Revenge; Operación: Éxtasis), John Flanders (Iron Sky: The Coming Age) o el niño Joshua Wilson, que debuta en el cine con esta cinta. La casa, bien diseñada por el departamento de dirección artística es el personaje principal de la cinta. Especialmente, la habitación que da nombre al filme y que hace cumplir los deseos de sus moradores. No voy a desvelar cual es la condición que pone la habitación para que los deseos se cumplan, por si alguien quiere ver la cosa esta con una cierta intriga. Tampoco voy a revelar si los protagonistas tienen sexo pero algo tendrán que hacer en los 100 minutos que dura la aventura.
En definitiva, La habitación (esta cosa de repetir muchas veces el título de las pelis es por una cosa llamada SEO en Google y sirve para que se enteren de que tienen que posicionar la crítica) me ha parecido una película divertida a pesar de las objeciones realizadas con anterioridad. También es verdad que si en vez de Olga Kurylenko, la protagonista hubiera sido Leticia Sabater y sus canciones, ni siquiera me hubiera molestado en escribir la crítica marciana.
Nota: 6/10.
Nacionalidad: Francia
-Luxemburgo-Bélgica
Dirección: Christian Volckman
Guion: Christian Volckman,
Sabrina B. Karine, Eric Forestier
Duración: 100 minutos
Música: Raf Keunen
Fotografía: Reynald Capurro
Reparto: Olga Kurylenko,
Kevin Janssens, Marianne Bourg,
Francis Chapman, John Flanders,
Éric Gigout, Michaël Kahya,
Joshua Wilson, Carole Weyers
El próximo día 2 de octubre se estrena en cines españoles Akelarre dirigida por Pablo Agüero. Tras su buena recepción en el Festival de San Sebastián, el filme cuenta con un buen reparto encabezado por Àlex Brendemühl y con la presencia de la sorprendente actriz Amaia Aberasturi.
🌛🌛 🎃🌛🌛
La historia: Ambientada en el País Vasco del año 1609 la historia narra la llegada a la región del juez Rostegui. Éste ha sido encomendado por el Rey de España para purificar la región. Los hombres de las poblaciones se han ido a la mar para conseguir su sustento. Mientras tanto, la joven Ana participa en una fiesta en el bosque con otras chicas de la aldea. El juez Rostegui molesto con este tipo de fiestas las arresta y las acusa de brujería. Además, decide hacer lo necesario para que confiesen lo que saben sobre el akelarre, ceremonia mágica durante la cual supuestamente el Diablo inicia a sus servidoras y se aparea con ellas.
La crítica: La mayoría de las cosas de las que eran acusadas las brujas, al final eran delitos comunes, envenenamientos o cuestiones que nada tienen que ver con la magia. Algo parecido sucedía en los ajustes de cuentas que se produjeron en la Guerra Civil. Allí, tanto el bando franquista como el republicano, aprovecharon la guerra para dirimir asuntos particulares. De esta manera es como en Akelarre se hace un gran retrato de como la inteligencia femenina intentó vencer a los inquisidores en su caza de brujas.
Cuando se estudia la caza de brujas, la inquisición, los juicios y demás temáticas que afectaron especialmente al Norte de España, nos hallamos ante un claro desenfoque del folklore tradicional. En Akelarre, lo único que hacían las muchachas era ir al bosque para cantar, danzar o contarse sus intimidades. Por cosas así, muchas chicas fueron acusadas de brujería. La Iglesia, en su paronia, no podía permitir conductas "impuras", "lascivas" o "impropias" de jóvenes que debían someterse al hombre en exclusividad.
La cinta nos transporta de manera ágil a principios del siglo XVII para narrar un truculento episodio recogido a su vez en el libro “La Bruja” de Jules Michelet. Nos situamos en el País Vasco, donde Pierre De Lancre -en el filme representado por el juez Rostegui-, fue el más barroco y literario de los inquisidores desarrollando su akelarre fantasmagórico. Llegó a hacer cantar y danzar a supuestas brujas que lo perturbaban por su juventud, libertad y belleza. Así es como Pablo Agüero se inspiró para fundir en Akelarre lo que fue una primera visión feminista del mundo y que costó a muchas mujeres la vida al ser acusadas de brujas.
De hecho, la película es una certera sátira contra la monarquía clerical y sobre los fantasmas del hombre representados en un juez que dictaba las sentencias de antemano. Es entonces cuando las muchachas se percatan de que van a ser sentenciadas a muerte. Para evitar el plan del juez inquisidor urden entre ellas un plan para dar la vuelta a la tortilla. Deciden asumir los cargos de brujería e inventan una historia de como se hicieron brujas con el objetivo de ganar tiempo. En la próxima luna llena está previsto que sus padres, novios o hermanos regresen del mar y con su llegada tienen la esperanza de que puedan ser salvadas de la quema.
La narrativa es un juego entre el ratón y el gato a cuenta del cuento inventado por las muchachas. La líder del grupo es interpretada de manera sensacional por la joven actriz Amaia Aberasturi. Ella, en el papel de Ana, además de involucrar al grupo, es la que se auto-acusa de bruja y de haber bailado con el Diablo. Ante tal confesión, el juez inquisidor se queda perplejo y decide alargar los interrogatorios para tratar de averiguar la verdad de tal confesión. Un papel interpretado con gran solidez por Àlex Brendemühl. El resto del reparto esta apoyado en cinco muchachas comprendidas entre los 16 y los 23 años. Las actrices son Garazi Urkola, Irati Saez de Urabain, Jone Laspiur, Lorea Ibarra y Yune Nogueiras. Ninguna de estas cinco jóvenes actrices tenía experiencia en el rodaje de una película antes de trabajar en Akelarre. Destacan por su espontaneidad y además se desenvuelven con soltura en euskera y español. Mención especial en el reparto para el veterano actor argentino Daniel Fanego que interpreta de manera majestuosa al consejero particular del juez Rostegui.
Akelarre sabe conjugar la ironía, el humor y la sensualidad para lograr una historia luminosa en un mundo lúgubre. Así es como Pablo Agüero consigue retratar con realismo la historia de un juez que recorrió el País Vasco interrogando a centenares de personas y condenando a decenas de mujeres a la hoguera por supuestos actos de brujería. Un filme, en definitiva, que está marcado por una mirada feminista y una aproximación diferente al relato de la caza de brujas.
Nota: 7/10.
Este artículo, con distinto formato, también lo puedes leer en Cinemagavia.
Nacionalidad: España-Argentina
Director: Pablo Agüero
Guion: Pablo Agüero, Katell Guillou
Música: Maite Arrotajauregi, A. Calleja
Fotografía: Javier Agirre Erauso
Duración: 100 minutos
Reparto: Amaia Aberasturi,
Àlex Brendemühl, Daniel Fanego,
Iñigo de la Iglesia, Yune Nogueiras,
Asier Oruesagasti, Elena Uriz
Greenland, El Último Refugio se estrena en cines españoles el próximo 25 de septiembre. Tras la infausta Tenet nos hallamos ante un blockbuster de mediano presupuesto que deja mejores sensaciones con una narrativa clásica, sincera y trepidante en sus 120 minutos de duración.
🌄🌄🌄🌄🌄
La historia: Jeff (Gerard Butler) es un ingeniero que se dedica a construir edificios a la vez que lidia con su separación matrimonial tras una aventura amorosa. Es entonces cuando recibe una llamada del gobierno de los Estados Unidos en la que se le comunica que un asteroide del espacio está a punto de colisionar con la Tierra. Su familia ha sido escogida para entrar en un búnker subterráneo por lo que tendrá que convencer a su todavía esposa (Morena Baccarin) e hijo para emprender un peligroso viaje donde se enfrentarán a los más imponentes peligros de la naturaleza.
La crítica: El año 2020 parece una película distópica de ciencia-ficción sin haber concluido aún. La pandemia que arrasa La Tierra está ya próxima a llevarse por delante a un millón de víctimas e incontables millones de contagiados. La crisis económica mundial que se nos avecina puede superar a los peores momentos de la Gran Depresión o de la Segunda Guerra Mundial. ¿Quién se hubiera atrevido a vaticinar una catástrofe semejante en las Navidades pasadas? El mundo ha cambiado y no tiene pinta de que los besos o los abrazos puedan volver pronto. Si a esto le añadimos los tremendos disturbios raciales vividos en Estados Unidos, la explosión del puerto de Beirut, la guerra comercial China-Estados Unidos, los desoladores incendios de la costa Oeste de EE UU y la segunda oleada de coronavirus que comienza ya en Europa, parece que el dicho de "Año bisiesto, año siniestro" se está cumpliendo con creces. Estamos ante la tormenta perfecta. ¿Pero puede pasar algo más? Medio en broma, medio en serio suelo comentar que solo nos falta que nos caiga el meteorito o el asteroide para acabar de arreglar el año. ¿Podría pasar? Pues me temo que sí, aunque espero que no. Cabe recordar que el 15 de febrero del año 2013 más de 1.000 personas resultaron heridas cuando un meteorito de 17 metros y una masa de 10.000 toneladas explotó sobre Rusia. Las imágenes se hicieron virales y no hubo misil que desviara la órbita del objeto espacial. Eso solo pasa en las películas.
Esta introducción viene a explicar que lo narrado en Greenland, El Último Refugio ha cobrado realismo y descubierto la vulnerabilidad del ser humano ante el medio natural. Ya sea este un virus, los incendios devastadores o la caída de un meteoro que impacte contra La Tierra.
Y tampoco nos puede sonar muy raro pues la teoría dice que un gran asteroide es el que acabó con la vida de los dinosaurios. Por eso la película hoy reseñada cobra cierto interés que de haber sido estrenada en el año 2019 la hubiéramos tomado como un espectáculo sin visos de que pudiera cobrar realidad en algún momento.
Entrando un poco más a fondo en la trama todo gira en torno a una familia que busca llegar a un aeropuerto canadiense para dirigirse a Groenlandia. El espectador se involucra de inmediato con ellos. El viaje no está de libre de amenazas al verse bombardeados por trozos de roca incandescente. Durante el peligroso viaje -la cinta toma forma de road movie-, John rememora varios momentos de su vida con Nathan y Allison. Aquí el cineasta nos habla de arrepentimiento y del valor de una familia. El lío de faldas de John se intuye que va a ser superado y perdonado. ¿Habrá final feliz? Habrá que esperar al final para saber si Allison decide volver a confiar en su todavía marido.
Centrándonos en la narrativa, la película consigue enganchar de principio a fin y las dos horas de proyección se pasan en un suspiro. No hay miradas al reloj. En el debe del libreto, cabe decir que la cinta es muy previsible pues el espectador adivinará casi paso por paso lo que sucederá en la siguiente secuencia. En todo caso, pienso que es un defecto menor y que Greenland, El Último Refugio consigue un buen equilibrio entre espectáculo visual y narrativa cinematográfica. De hecho, prevalecen en la película los diálogos por encima de los efectos visuales. Cuidado con el tráiler que es engañoso y nos presenta una película que poco tiene que ver con el espectacular avance. Por consiguiente, mejor no verlo.
Gerard Butler carga con todo el peso del reparto implicándose además en las tareas de producción del filme. Un actor que gana peso al visionar sus películas en versión original y que en Greenland, El Último Refugio cumple con creces su cometido. Su personaje vive atormentado por una relación extraconyugal que le encamina a un divorcio irremediable. La vida en forma de catástrofe cósmica le otorga una segunda oportunidad para volver con su mujer e hijo. No solo trata de salvar la vida de su familia, sino que con ello desea ser perdonado por su esposa y reiniciar lo que fue un matrimonio perfecto al estilo del sueño americano. Su esposa es interpretada por una algo inexpresiva Morena Baccarin a la que vimos en Deadpool. Su personaje está lleno de clichés y no aporta demasiado luz a la narrativa del filme. En definitiva, con estos dos personajes protagonistas más la aparición del niño de la pareja (Roger Dale Floyd) y del padre de la mujer (Scott Glenn) el cineasta trata de lanzar un mensaje un poco simplista sobre la unión familiar sobrevenida en tiempos de crisis.
En conclusión, Greenland, El Último Refugio meha parecido un filme trepidante, moderadamente entretenido y sobre todo sincero en lo que promete. Hablamos, por tanto, de un filme palomitero pero que abunda más en los diálogos que en los efectos especiales. Esto puede suponer un arma de doble filo. Y es que se puede quedar corta para quien solo busque explosiones y por otro lado tampoco va a convencer en exceso al que solo busque una buena narrativa cinematográfica. Sin embargo, y a pesar de estas objeciones, el filme cumple con los principios generales de la cinematografía como espectáculo. Es decir, esta debe ser amplia buscando los equilibrios necesarios entre el cine independiente y las películas de carácter más comercial. En esta ocasión, el objetivo del filme es enganchar al espectador con la intención de buscar en el cine de evasión un respiro para los momentos de crisis de este infausto 2020.
Nota: 6/10.
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: Ric Roman Waugh
Guion: Mitchell LaFortune
Música: David Buckley
Fotografía: Dana Gonzales
Duración: 120 minutos
Reparto: Gerard Butler, Scott Glenn,
Morena Baccarin, David Denman,
Claire Bronson, Brandon Quinn,
Andrew Bachelor, Hayes Mercure
El hombre que diseñó España dirigida por Andrea G. Bermejo y Miguel Larraya fue estrenada el 28 de febrero de 2020. El filme documental recoge la obra gráfica de José María Cruz Novillo. Disponible en Filmin.
🎨🎨🎨🎨🎨
¿Sabías que el logotipo de Correos, Renfe, el PSOE, la bandera y el escudo de la Comunidad de Madrid, el de la Policía Nacional, los billetes de pesetas de 1979 a 1985, los emblemas de Endesa, Repsol, La Cope, El Mundo y Antena 3 Radio, y los carteles de El Sur, La escopeta nacional y Cría cuervos fueron diseñados por la misma persona? José María Cruz Novillo rediseñó la imagen de España mientras el país se transformaba.
Quizás el título de la película sea excesivo pero desde luego es la primera curiosidad a señalar de la misma. Lo cierto es que José María Cruz Novillo, desconocido por muchos, tiene tras de sí el logro de haber diseñado las imágenes más icónicas que aún hoy día perduran en muchas empresas o instituciones públicas españolas.
Por otro lado, se ha dedicado a diseñar carteles de películas. Estas, entre otras fueron: Barrio, Los Lunes al Sol, El Sur, El Espíritu de la colmena, Pascual Duarte, El Año de las luces, Mamá Cumple 100 Años, Hay que matar a B, La escopeta nacional o Familia.
Jose María Cruz Novillo es miembro de la Academia de Bellas Artes de San Fernando. También fue premiado con el nacional de diseño en 1997. Su trayectoria profesional ha recibido el reconocimiento en el mundo del arte del diseño siendo sin embargo un gran desconocido para el gran público.
Pienso que la mejor manera de retro-reseñar la película es a través de un decálogo de diez imágenes para visualizar la importancia de Cruz Novillo.
1. Correos.
2. PSOE.
3. Policía Nacional.
4. Diario El Mundo.
5. Repsol.
6. Bandera de la Comunidad de Madrid.
7. Televisión Española.
8. Antena 3.
9.Renfe.
10. Los lunes al sol.
Como habéis podido comprobar Jose María Cruz Novillo es el referente principal de una gran parte de la iconografía española.
El hombre que diseñó España es un filme documental imprescindible para conocer la personalidad de un visionario del diseño. La cinta a través de entrevistas al artista gráfico y a distintas personalidades del panorama ibérico, es además de curiosa una buena oportunidad para profundizar en los símbolos y su significado.
Nacionalidad: España
Dirección y guión:
Andrea G. Bermejo, Miguel Larraya
Música: Nus Cuevas
Fotografía: Enrique Santiago Silguero
Reparto (documental):
José María Cruz Novillo,
Alfonso Guerra, Joaquín Leguina
