Ghosts: la cara oculta de Estambul

Ghosts dirigida por la cineasta debutante Azra Deniz Okyay se estrena en España el próximo día 14 de mayo. Escrita también por esta joven directora turca, la producción lleva una gran carrera en festivales donde ha ganado el Premio de la Semana de la Crítica en el Festival de Venecia y los premios a Mejor Película y Dirección en los Golden Orange Antalya, entre otros.

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La historia: Estambul, año 2020. Un enorme apagón deja a la ciudad sumida en el caos. En este contexto, cuatro personajes se cruzan en un barrio marginal de la urbe. Son: una madre cuyo hijo está en prisión, una joven bailarina, una artista feminista y un astuto intermediario. Sus historias se entrelazan durante un trapicheo de drogas, ofreciendo un relato turbio de la Turquía contemporánea.

La crítica: Estambul es el principal destino turístico de Turquía ya que atrae a más de la mitad de todos los visitantes extranjeros. Pero la ciudad, al igual que otras urbes mundiales, tiene una terrible cara oculta que muestra con descarnada crudeza Azra Deniz Okyay. La cineasta opta por el cine de naturaleza social para denunciar las terribles condiciones en las que viven los más desfavorecidos. Para ello, utiliza la mirada de la joven Dilem (Dilayda Güneş) que nos guía por los suburbios de la ciudad. Los cuatro personajes principales asoman como fantasmas en una noche que se parecerá muy poco a La pasión turca legada por Antonio Gala.  

Ghosts es una dura historia metafórica de un país que se hunde en la oscuridad impuesta por Erdogan. La directora utiliza un corte de energía a nivel nacional para narrar la represión impuesta por el Gobierno tras el fallido Golpe de Estado de la noche del 15 al 16 de julio de 2016. De esta manera, nos habla de los principales problemas de los más jóvenes, de otra gente que se empobrece sin importar las edades y centra la mirada en la población que es expulsada a barrios cada vez más marginales. 

El libreto, también escrito por Azra Deniz Okyay, tiene más entusiasmo que potencia narrativa para poder enganchar al espectador de manera plena. Película, por tanto, más de crítica que de público. Asistimos a un mundo turbio en el que se pretenden abarcar demasiadas temáticas en una especie de popurrí social que se siente forzado por momentos. Quizás la ansiedad que toda ópera prima conlleva ha jugado en contra de una cineasta que no ha sabido centrar la historia en unos hechos concretos.

Así es como asistimos a un mundo donde se mezclan el feminismo, la lucha de clases, la homofobia, el tráfico de drogas, la imposición religiosa, la infidelidad amorosa, la gentrificación social e incluso las peleas de perros (2021 debería ser declarado el año del perro en el cine). Al ir viendo la película tengo la sensación de estar presenciando un batiburrillo narrativo que hace perder solidez al conjunto de la narración. 

En el reparto destaca la joven Dilayda Güneş que interpreta a Dilem. Su personaje es el de mejor construcción y sirve como hilo conductor a la trama propuesta. Dilem aspira a convertirse en bailarina mientras sobrevive con empleos de mala calidad. El filme es a la misma vez la historia de su protagonista y la descripción de un lugar, de un ambiente y de un futuro muy incierto. Nos encontramos, por tanto, con un retrato personal donde predominan los ambientes urbanos deteriorados. 

Estambul aparece como un lugar sórdido, grisáceo y plúmbeo siendo el otro protagonista destacado de la filmación. De manera alegórica la ciudad turca representa la muerte, mientras la joven Dilem sería una representación de las ganas de vivir en un entorno hostil. 

Los demás personajes tratan de sobrevivir a la vida. Así es como conocemos a Iffet (Nalan Kuruçim) buscando a la desesperada dos mil liras turcas para ayudar a su hijo que está en prisión. Es amiga de Dilem a pesar de la diferencia de edad. También conocemos a Ela (Beril Kayar). Ésta, es una activista en defensa de los niños -¿los demás no lo somos?- que aparece como un personaje impostado e incluido con calzador. En el lado masculino, aparece Emrah Özdemir que interpreta al villano de la producción. Hablamos de un tipo que trata de aprovecharse de la inmigración procedente de Siria a la vez que intenta promocionar el uso de suelo público para construir bloques de viviendas en masa.  

Observamos como se prepara una Nueva Turquía despersonalizada y gregaria. Todos estos personajes se unen en un logrado cierre circular bien ideado por la cineasta. Además, ajusta el metraje de manera inteligente en el entorno de los 90 clásicos minutos. También es cierto que en medio de tanta ruina, caos social y gente desesperada, si la película se va a los 120 minutos el que me ahorco en el baño del cine soy yo.

En conclusión, Ghosts me ha parecido una decorosa ópera prima cuya misión principal es denunciar a través del cine el nuevo fundamentalismo que se está asentando en Turquía. Dilem, nuestra protagonista,  nos guía a través de sus conflictos por la tenebrosa noche de Estambul. Los animales nocturnos retratos, como en el filme de Tom Ford, siempre están al acecho como fantasmas en busca de almas a las que poseer. En definitiva, Azra Deniz Okyay nos presenta una propuesta que destila un elegante estilo visual que contrasta con el abarrotamiento de los temas tratados. 

Nota: 6/10.

Esta crítica, con distinto formato, ha sido portada en Cinemagavia

Título original: Hayaletler

Nacionalidad: Turquía

Dirección: Azra Deniz Okyay

Guion: Azra Deniz Okyay

Fotografía: Baris Ozbicer

Música: Ekin Uzeltuzenci

Duración: 90 minutos

Reparto: Dilayda Günes, Beril Kayar,

Nalan Kuruçim, Emrah Ozdemir

Chaos Walking: una rubia en busca de planeta, un joven ruidoso y su perro pulgoso

Chaos Walking dirigida por Doug Liman se ha estrenado (por desgracia) en cines españoles el pasado día 30 de abril. La película, protagonizada por Daisy Ridley y Tom Holland, lleva una década intentando realizarse tras diversos parones y cambios en el montaje. Todo ello, solo ha servido para aumentar el caos de un libreto que parece escrito por un niño de 3 años con síntomas de embriaguez. Eso, en el mejor de los casos. 

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La historia: En Prentisstown, Todd ha crecido creyendo que la "Masilla" fue la responsable de liberar un germen que asesinó a todas las mujeres y contagió con el "ruido" al resto de los hombres...

Aunque en este apartado de "La historia" no suelo transcribir la sinopsis oficial de la película, hoy he querido colocar la apertura de la distribuidora para comprobar si alguien sabe donde está Prentisstown o me puede explicar qué es la Masilla. Lo del "ruido" ya lo explicaré luego. 

La historia real es la siguiente:

2257 d.C. Nos presentan un planeta llamado "Nuevo Mundo" al que han huido algunos habitantes de La Tierra pero en el que las mujeres no han sobrevivido. Allí vive Todd Hewitt (Tom Holland) con su perro. De repente, se encuentra a una rubia (Daisy Ridley) que ha aterrizado misteriosamente en su planeta. El resto es fácil de imaginar: muchos hombres corriendo detrás de la rubia, el muchacho se dedica a protegerla y el pobre perro corre que te corre por todo el planeta persiguiendo a los tortolitos.

La crítica: El perro se muere. Lo digo para acabar con el sufrimiento lo antes posible. Con eso, un interprete menos que analizar. Descanse en paz el pobre chucho y a ver si consigo explicar alguna cosa.  

Basada en el libro de Patrick Ness, El cuchillo en la mano, nos hallamos ante una de las películas más estúpidas que he visto en los últimos años. La cosa es que en este planeta todos pueden escuchar los pensamientos de los demás. A esto se le denomina "el ruido". Además, este ruido se puede ver a través de las exhalaciones que emiten las personas al respirar.

El cineasta le pone colores al ruido como si el espectador tuviera algún tipo de retraso mental y no supiera identificar lo que son solo pensamientos y lo que es el lenguaje oral. Aún así, el galimatías es tremendo. De esta manera nos encontramos en un poblado primitivo lleno de hombres hablando mucho y a su vez emitiendo pensamientos en voz alta. Si la cosa ya estaba jodida, para colmo, llega una terrícola rubia en una nave y como es de suponer se lía la de Dios.

La rubia lo flipa en colores y sale de allí como alma que lleva el diablo. No hay más. El resto del bodrio se resume en lo siguiente: una rubia corriendo durante toda la película acompañada de un muchacho que se recorre todo el planeta para intentar que ésta le de un beso. De follar, ni hablamos.

Al pobre perro le asfixian de tanto correr. Algunos lugareños mueren exhaustos de tanta carrera y los que quedan vivos se vuelven por donde habían venido. Total, que tras este maratón cinematográfico el cineasta tiene la brillante idea de dejar el final abierto con los jóvenes a punto de besarse. Desde luego que la rubia es dura de cojones y el chaval un plasta de marca mayor. Habrá que esperar a la segunda parte para ver si se besan, a la tercera para ver si hacen el amor y a la cuarta para ver si nace un bebé mutante que sustituya al pobre chucho. Por mi parte, no tengo nada más que añadir. 

Nota: 1/10 (el uno por el papel del perro)

P.D. Este engendro cinematográfico ha necesitado seis guionistas que merecerían la misma suerte que el chucho o al menos unos años de cárcel.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Doug Liman

Guion: Charlie Kaufman, Gary Spinelli,

Lindsey Beer, John Lee Hancock,

Andrew Gottlieb, David Rosen

Música: Marco Beltrami

Fotografía: Ben Seresin

Duración: 110 minutos

Reparto: Daisy Ridley, Tom Holland,

Mads Mikkelsen, Demian Bichir,

David Oyelowo, Kurt Sutter,

Nick Jonas, Ray McKinnon

Crónica de una tormenta: el precio del poder

Crónica de una tormenta dirigida por la cineasta argentina Mariana Barassi se estrenará en España el próximo día 30 de abril. La película se presentó en la 23 edición del Festival de Cine de Málaga y en el XIX Festival de Cine de Almería, donde Ernesto Alterio ganó el premio al mejor actor. 

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La historia: Antonio (Ernesto Alterio) dirige con mano de hierro un importante periódico de tirada nacional. Cuando cae enfermo, llega el momento de elegir a su sucesor. La partida de la sucesión se la jugarán entre Maca (Clara Lago), una joven periodista en pleno ascenso y Vargas (Quique Fernández) que es el subdirector dispuesto a utilizar todas sus malas artes para hacerse con el puesto y desbancar a su oponente. 

La crítica: Crónica de una tormenta está basada en la obra de teatro 'Testosterona' de Sabina Berman. De hecho, hablamos de un filme rodado en espacios interiores y con solo tres actores por lo que se puede decir que es una representación teatral llevada al cine. De esta manera es como en la cinta se observan referencias a "Secretos de un matrimonio" de Bergman, a "Un dios salvaje de Polanski" o mirando más de cerca al cine moderno, hallamos parámetros parecidos a la estupenda cinta española "El método" dirigida por el cineasta argentino Marcelo Piñeyro. 

Los personajes principales de esta historia, Antonio y Maca, juegan los roles de mentor y discípula en el entretenido juego que nos propone la cineasta argentina. La tormenta que da título al filme es la causante de que los protagonistas se queden encerrados durante toda la noche en las oficinas del periódico. A partir de ahí, los roles de poder se intercambian y comienzan a caer las barreras con confesiones personales y una cierta tensión sexual que se acrecienta cuando los protagonistas comienzan a compartir unas copas de whisky que les desinhiben de la tensión laboral.   

Crónica de una tormenta, cuyo libreto también está adaptado por Mariana Barassi, busca explorar los límites de las personas en una situación improvisada. La cinta trata de responder hasta dónde somos capaces de llegar para alcanzar el poder y dónde queda la ética en ese camino. Asistimos a infinitos diálogos, un tanto impostados, entre jefe y subalterna que van desarrollando entre confesiones sobre aspectos de sus respectivas vidas personales que nunca compartieron a lo largo de veinte años de trabajo. Uno de los temas principales que se abordan en el filme es el del poder masculino sobre el femenino en los entornos laborales, principalmente en los periódicos (a nivel mundial, hoy en día el porcentaje de que una mujer ocupe la dirección de un medio de comunicación es inferior al 5%).

En cualquier caso, Barassi también pone en la picota al género femenino cuando las mujeres, como es el caso de la protagonista, utilizan sus encantos para tratar de ascender en el poder. Por tanto, nos hallamos ante un mensaje contradictorio en la que la cineasta parece arremeter contra todo todo lo que se mueve en un circunloquio consigo misma y que probablemente solo le interese a ella misma. 

En el reparto nos encontramos con la habitual solvencia de Ernesto Alterio aunque tengo la sensación personal de que no se encuentra cómodo con un papel demasiado teatralizado. Su personaje, Antonio, adora el poder y se divierte explorando los límites de la gente a la hora de tener que lidiar con él. Con los años se ha vuelto un manipulador aunque envuelto en una fachada de persona comprensiva y progresista. No quiere dejar de moverse en las esferas de influencia pero ahora debe enfrentarse a la tragedia de saber quién es más allá del trabajo.

Su contraparte femenina, está interpretada por la actriz Clara Lago en un papel en la que se la siente desbordada y tan incomoda como a Alterio. Maca, su personaje, es joven, libre y tiene un futuro que forjarse. Conoció a Antonio cuando comenzaba su carrera de periodismo, y le admiraba por su ímpetu, desparpajo y ganas de cambiar el mundo. Es leal y se preocupa por la enfermedad recién diagnosticada a su jefe. Pero una vez llegado el momento de la toma del poder en la empresa, está dispuesta a utilizar todas las armas que tiene a su alcance. 

El tercer personaje en discordia le corresponde a un buen Quique Fernández que se encarga de interpretar al subdirector del periódico. Ha compartido con Antonio sus viejos y gloriosos días de corresponsal en el extranjero. Comparten carácter, se mueven en los mismos círculos, y son cómplices de algunas decisiones muy poco éticas profesionalmente.

En conclusión, Crónica de una tormenta me ha parecido un filme con una interesante premisa de salida pero con un desarrollo y una resolución muy deshilvanada que resta credibilidad al conjunto de la obra. Y si de obras hablamos, quizás la historia cunda más en teatro que en la sala de cine. No obstante, la intensidad dramática de los conflictos planteados y la complejidad de los personajes son las bases donde descansa la construcción de una trama que no enamora pero mantiene la tensión.

Nota: 6/10. 

P.D. PREMIOS ÓSCAR 2021: La gran triunfadora de la noche ha sido Nomadland, que se ha llevado el galardón de Mejor Película, de Mejor Dirección para Chloé Zao y de Mejor Actriz para Frances McDormand. Puedes leer la crítica AQUÍ

Nacionalidad: España

Dirección: Mariana Barassi

Guion: Mariana Barassi

Fotografía: Gregory Mayo

Música: Paula Olaz

Duración: 85 minutos

Reparto: Ernesto Alterio,

Clara Lago, Quique Fernández

Wildland (Kød & Blod): la familia que asesina unida permanece unida

Wildland dirigida por Jeanette Nordahl se estrena en cines españoles el próximo día 23 de abril. El thriller danés tuvo su premiere mundial en el Festival de Berlín y compitió en Sección Oficial en el Festival de Gijón. Tras su paso por los cines la cinta se podrá ver en la plataforma digital Filmin. 

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La historia: Después de la trágica muerte de su madre en un accidente de coche, la joven Ida se muda a vivir con su tía Bodil y sus tres primos mayores. Ha encontrado un refugio de protección en el que es querida y respetada. Pero Ida no tardará en descubrir que la violencia, el crimen y la crueldad no son para nada ajenos a su "angelical" familia.

La crítica: Wildland nos habla de manera principal sobre la familia aunque la retratada no sea para nada ejemplar ya que se mantiene a flote gracias al dinero de la droga y el crimen. La cinta se presenta con un flashback en el cual la joven Ida, de 17 años, pierde a su madre. La acogida en casa de su tía y de sus tres primos sustenta el primer tercio de la narrativa que se presenta alejada del melodrama apostando por el minimalismo tanto en lo escénico como en lo sentimental. No obstante, el filme atrapa desde el primer momento con un cierto magnetismo por conocer a los extraños seres que habitan en el nuevo hogar de Ida. Nada es lo que parece. 

La ópera prima de la directora Jeanette Nordahl muestra cómo el amor familiar y la violencia pueden entrelazarse peligrosamente. En el segundo tercio del filme se produce un crimen accidental en el que se ven involucrados los tres primos varones y la joven Ida. La respuesta de la matriarca ante los acontecimientos es clara: la familia que asesina unida permanece unida. A partir de ese momento la narración se adentra en el noir nórdico con cierta frialdad pero despertando la curiosidad en ver como se resuelve la trama y se atan los hilos. Ahora es todo lo que parece.

En el último tercio del filme se afronta un cierto sprint final que contrasta con la pausa en la presentación y en el desarrollo dramático. De hecho, durante muchos momentos del ajustado metraje la directora debutante se recrea en la vida cotidiana de esta singular familia. Con ecos de títulos como “Animal Kingdom” o incluso al filme italiano Sole, podríamos hablar de un nuevo movimiento que se acercaría al Neorrealismo y que si se cuida puede tener cierto recorrido al menos en Europa. 

En el reparto nos encontramos con una sólida Sidse Babett Knudsen (“Borgen”) que interpreta a la matriarca de la familia. Se trata de una mujer que mueve como marionetas a sus hijos pero no sabe muy bien que hacer con la joven huérfana llegada al hogar. La muchacha es interpretada de manera notable por la joven actriz danesa Sandra Guldberg Kampp. Ida, su personaje, es el círculo concéntrico del filme apareciendo en casi todos los planos de la película. Ella es la representación de la soledad y de la pérdida en un mundo hostil para una joven en plena transformación personal. El resto del reparto, compuesto por los personajes de los primos de Ida, cumplen con corrección con los roles de tres jóvenes marginales dedicados a los encargos mafiosos que les encomienda su madre. 

En la parte técnica la filmación es bastante plana y solo sería reseñable la correcta dirección de arte en interiores. Por otro lado, los exteriores que no aportan nada significativo a la narración han sido rodados en Særslev, Bogense, Otterup y Søndersø en la isla danesa de Fyn.

En conclusión, Wildland me ha parecido un aseado thriller en el que destacaría la buena construcción del personaje de Ida. A través de sus ojos observamos la pérdida de la inocencia de una joven que no encuentra su lugar en el mundo. Jeanette Nordahl se recrea en su ópera prima en el funcionamiento de las dinámicas familiares y juega con el subgénero de los clanes mafiosos integrándolos en la trama. No se trata, por tanto, de reinventar o subvertir la mezcla de géneros, sino más bien de adaptarlos a lo que realmente quiere contar la directora apoyada en un irregular libreto de la escritora Ingeborg Topsøe. En definitiva, hablamos de una cinta poliédrica que sin ser brillante deja buenas sensaciones y con ganas de ver como se desarrollan los próximos proyectos de la cineasta danesa.

Nota: 6/10.

 

Nacionalidad: Dinamarca

Dirección: Jeanette Nordahl

Guion: Ingeborg Topsøe

Música: Puce Mary

Fotografía: David Gallego

Duración: 88 minutos

Reparto: Sandra Guldberg Kampp,

Sidse Babett Knudsen, Joachim Fjelstrup

Otra ronda (Druk): la borrachera como método

Otra ronda dirigida por Thomas Vinterberg se ha estrenado en cines españoles el día 9 de abril. La cinta danesa ha sido nominada a los Oscars en las categorías de mejor película internacional y de mejor dirección. 

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La historia: Cuatro profesores de secundaria se hacen eco de la teoría de que con una pequeña cantidad de alcohol en nuestra sangre, y que una ligera embriaguez abre nuestras mentes al mundo que nos rodea, disminuyendo nuestros problemas y aumentando nuestra creatividad. Animados por esa teoría, Martin y tres de sus amigos se embarcan en un experimento para mantener un nivel constante de intoxicación etílica a lo largo de su jornada laboral. Si Churchill ganó la II Guerra Mundial aturdido por el alcohol, ellos se proponen triunfar en su vida personal y profesional a base a unos niveles medios de alcohol en sangre. 

La crítica: Thomas Vinterberg (Kursk: El submarino que conmocionó al mundo), vuelve a las historias locales con una premisa sorprendente y divertida que le ha valido para dar la vuelta al mundo por distintos festivales hasta llegar como uno de los favoritos a la carrera por la mejor película en habla no inglesa en los premios de la Academia de Cine. 

La cinta se basa en una hipótesis del psicólogo y profesor universitario noruego Finn Skårderud. Éste, teoriza sobre un supuesto déficit de alcohol en sangre (un 0,05 %) en los seres humanos y concluye, según los cuatro protagonistas del filme, que con ese nivel de alcohol el rendimiento social aumenta en gran medida. Así es como Martin, Thommy, Nikolaj y Peter deciden ir a sus clases con unas copas de más y de manera sorprendente todo empieza a mejorar en sus vidas. También a nivel personal y familiar.

Otra ronda va evolucionando de una comedia con moderada diversión hacia un drama social cuando los profesores comienzan a perder el control sobre su consumo diario de alcohol. Pero antes observamos como después de los primeros tragos de alcohol, la conversación de los profesores crece y se hace fluida, los problemas dejan de agobiarlas e incluso sus parejas los comienzan a ver como tipos brillantes sin sospechar a que se debe esa nueva alegría de vivir. Sus alumnos ahora también les adoran e incluso están aumentando su rendimiento escolar. 

En cierta forma, Thomas Vinterberg, rinde un homenaje al consumo moderado de alcohol y en ese lado gamberro es cuando la película gana enteros. Sin embargo, el cineasta danés echa el freno en la segunda parte del filme mostrando un lado moralista que en parte destruye el buen planteamiento inicial del filme. De esta manera y a través de una secuencia entre un alumno y su profesor trata de mostrar el grave problema con el consumo de alcohol que existe en Dinamarca y en buena parte del Norte de Europa. Desconozco si Vinterberg se ha pasado por España, Italia o Grecia pero la gente del Sur del viejo continente ya suele convivir de manera ocasional o total con un cierto nivel etílico en sangre. 

Martin es el protagonista de la historia siendo interpretando por un magnífico Mads Mikkelsen. A través de sus ojos vemos a este póker de profesores que en su vida se han visto en otra igual. Hablamos de cuatro buenos hombres en la crisis de los cuarenta. Los encontramos en un mundo aburrido y mediocre que los va encerrados en la monotonía de sus patrones y hábitos, atrapándolos en una escala de grises nada atractiva. Al mismo tiempo que van bebiendo más y más van recordando la libertad de la juventud, los encaprichamientos amorosos o la ingravidez de una vida sin responsabilidades. Cabe recordar que los cuatro actores protagonistas (Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang y Lars Ranthe) se llevaron de manera compartida y muy merecida la Concha de Plata a la mejor interpretación masculina en el pasado Festival de San Sebastián. 

En los aspectos técnicos el filme se siente correcto aunque algo plano en un metraje pasado de frenada. El gran ritmo inicial cae en picado en la segunda parte de la narración. Destacaría, eso sí, como Vinterberg realiza una recopilación de imágenes con políticos contemporáneos en estados asociables a la embriaguez. Observar a Boris Yeltsin en supuesto estado de borrachera se transforma en uno de los momentos épicos de la película. 

En conclusión, Otra ronda, me ha parecido mejor por su premisa de salida que por su desarrollo final moralista. No obstante, la película representa de manera aseada como la amistad es un factor tan importante como puede ser la familia o el amor. Thomas Vinterberg apoyado en un buen reparto nos regala en definitiva una historia llamativa llena de luces y sombras. 

 Nota: 7/10.

Nacionalidad: Dinamarca

Dirección: Thomas Vinterberg 

Guion: Thomas Vinterberg 

Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen

Duración: 116 minutos

Reparto: Mads Mikkelsen,

Thomas Bo Larsen, Magnus,

Millang, Lars Ranthe, Susse Wold

I Care a Lot: Rosamund Pike como la mala más buena del año

 

I Care a Lot dirigida por J Blakeson llega a los cines españoles el próximo día 9 de abril. El thriller, que se estrenó en el Festival de Toronto, ha supuesto para Rosamund Pike una gran reválida al ser nominada y ganadora del Globo de Oro 2021 como mejor actriz de comedia.

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La historia: Marla Grayson (Rosamund Pike) es una exitosa tutora legal de ancianos completamente acostumbrada a usar la ley para satisfacer sus propios intereses y normalmente, en perjuicio de sus clientes. Todo es lujo en su vida en compañía de su novia Fran (Eiza González) hasta que un día se da cuenta de que su nuevo clienta esconde oscuros secretos. Ahora, Marla tendrá que usar todo su ingenio si quiere salir viva de esta historia y de su vida como estafadora.

La crítica: I Care a Lot se presenta como un singular thriller de suspense, cargado de humor negro, escrito y dirigido con mucha acidez por J Blakeson (La desaparición de Alice Creed). Ya desde el inicio del filme británico nos percatamos de que estamos ante un largometraje distinto y que no provocará indiferencia en el espectador. 

La cinta expresa de manera constante una dicotomía entre el bien y el mal. Marla define la vida como una lucha entre leones y corderos e incluso se define como una "puta leona". Es por eso que actúa en consecuencia a su ambición desmedida por el dinero. Su única debilidad pero también su mayor punto de apoyo es Fran. Ambas forman un equipo a lo Bonnie & Clyde en versión femenina. La homosexualidad se integra en la trama de manera natural sin mencionarse de manera expresa.

I Care a Lot se siente como una atinada sátira sobre el extraño mundo de los tutores legales de ancianos en Estados Unidos. Si la película reflejara una realidad, estaríamos hablando de una verdadera mafia en la que las personas mayores son tratadas como mercancía con la complicidad de las residencias de ancianos. Parece que la sociedad ve a nuestros mayores como un problema que debemos solucionar u ocultar, olvidando que se trata de individuos únicos que todavía viven. Como dice Marla en la película, "no subestimes a las personas mayores" porque todos los que viven en residencias de ancianos han tenido vidas muy diferentes, y a menudo más interesantes que quien los envía allí como una mercancía. 

Otra fuente narrativa de la que bebe la película es la ambición desmedida de determinadas personas. Hablamos en cierta manera de una crítica hacia el sueño americano cuando el individuo sitúa a la economía por encima de la propia humanidad con nuestro prójimo. La cinta nos habla acerca de los compromisos  morales  que  la  gente  está  dispuesta  a  hacer  para conseguir el éxito y la riqueza. Y nos plantea preguntas sobre cómo las personas que están dando forma a nuestro mundo han obtenido  su  riqueza y poder. ¿Qué líneas tuvieron que traspasar para tener éxito? ¿Y cuáles fueron los daños colaterales que sufrieron para convertirse en ricos y poderosos? 

Rosamund Pike brilla en su papel como la mala más buena del año. Su personaje de tutora legal sin escrúpulos tiene la virtud de conectar con el espectador a pesar de tener más maldad que vergüenza. Marla es una gánster que abusa de los más vulnerables para obtener poder y ganancias. Pero es una gánster legal avalada por la justicia estadounidense.

Su compañera de aventuras está interpretada por la actriz mexicana Eiza González. En el papel del antagonista de Marla aparece Peter Dinklage (Juego de Tronos). Éste se mete en la piel de un mafioso ruso llamado Roman. Cuando Marla comete el error de convertirse en tutora legal de su madre (Dianne Wiest), elige a la anciana equivocada. Roman emprende una vendetta contra Marla y todo se resuelve en un giro de guion realmente brillante. 

En los aspectos técnicos destaca la apariencia, el estilo y el ambiente que se crea en el filme. Blakeson realiza una película bastante colorida influenciado por las películas en Technicolor de los años 50 y 60 y de Godard de la década de los 60. La paleta de colores utilizada también resulta muy ochentera con un contraste realmente alto y muy llamativo. 

I Care a Lot me ha parecido un gran ejemplo de lo que hay que hacer para realizar una buena comedia negra. La cinta logra un equilibrio muy delicado entre el tono, la forma, el mensaje y el estilo visual. Con una gran Rosamund Pike a la cabeza y unas buenas interpretaciones con carácter general, hablamos de un filme bien construido y mejor acabado con un cierre circular que bordea la excelencia cinematográfica. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Director: J Blakeson

Guion: J Blakeson

Música: Marc Canham

Fotografía: Doug Emmett

Duración: 118 minutos

Reparto: Rosamund Pike, 

Peter Dinklage, Eiza González,

Dianne Wiest, Chris Messina,

Isiah Whitlock Jr., Macon Blair

Nomadland: Chloé Zao llega a la cumbre con su apabullante lirismo cinematográfico

Nomadland dirigida por Chloé Zao se ha estrenado en cines españoles el día 26 de marzo. La cinta fue galardonada con el León de Oro en la última edición del Festival de Venecia y se perfila como una de las favoritas en la carrera por los Oscars de la Academia de Cine. 

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La historia: Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que ha perdido su casa y su trabajo tras el colapso económico de una empresa en una zona rural de Nevada. Los hechos narrados sucedieron tras la crisis financiera provocada por la burbuja inmobiliaria de principios de siglo. Tras estos sucesos, Fern decide embarcarse en un viaje a través del Oeste viviendo en una caravana como un nómada en busca de su destino.

La crítica: Nomadland está basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century de Jessica Bruder. El ensayo se editará en castellano con el título “País nómada. Supervivientes del siglo XXI”. Con estos mimbres la cineasta china-estadounidense Chloé Zao, directora de la mágica The Rider, se consolida como una de las más potentes narradoras del cine actual.  

La cinta se presenta como un amplio retrato panorámico del espíritu nómada estadounidense. Para ello, sigue el rastro del trabajo migratorio estacional a través de los ojos de una mujer marcada por la pérdida. Perdió a su esposo, perdió su trabajo y perdió su hogar. Observamos su decadencia en contraposición a la grandeza del Oeste americano: desde las tierras baldías de Dakota del Sur hasta el desierto de Nevada y el noroeste del Pacífico. Pero en este proceso de duelo, Fern va ganando fuerza y encuentra su comunidad en las reuniones de otros nómadas a las que asiste para simplemente sobrevivir a la vida. 

La narrativa se asienta sobre los prejuicios que existen sobre determinadas personas en los Estados Unidos. Hay discriminación por edades, etnias, sexos y un cierto rechazo a contar historias sobre personas mayores o personas que han acabado en la periferia de la sociedad renunciando por completo al sueño americano. La película, en cierta forma, es la negación del significado final de este sueño entroncando de manera maestra con Las uvas de la ira del maestro John Ford. Así es como observamos, a veces entre lágrimas, como nuestra protagonista, Fern, vaga por el Oeste americano trabajando en un centro de distribución de Amazon, en una planta de cosecha de remolacha azucarera, en la cafetería de una atracción turística y como limpiadora de un campamento en un Parque Nacional. Su odisea, que aparece como un lienzo pintado en medio de hermosos parajes, es el retrato perfecto de la decadencia estadounidense. 

 

Frances McDormand, tras su Oscar por Tres anuncios en las afueras, vuelve a realizar una interpretación magistral que bien merecería otro premio de la Academia. Su personaje evoluciona en consonancia a la estructura narrativa propuesta. Al vivir en una camioneta, se ve cada vez más expuesta a la naturaleza: a su belleza pero también a su hostilidad que de manera paradójica aumentan su capacidad para reponerse y sanar de sus heridas vitales. En cierta forma, el espectador que consiga empatizar con Fern y su situación de especial vulnerabilidad, irá sanando con ella las cicatrices de su propio destino. Los demás personajes, también nómadas, buscan como ella su lugar en el mundo a través de un viaje de conocimientos y experiencias puestas en común a lo largo del filme. Fern encuentra su comunidad en las reuniones nómadas a las que asiste, que incluyen a Linda May y Swankie (nómadas de la vida real que se interpretan a sí mismos). Asimismo cabe destacar la semilla de una amistad romántica con Dave (David Strathairn) poniendo con ello un contrapunto emocional a una película cocinada a fuego lento. 

El lirismo en la película también se muestra a través de la magnífica música que nos regala el compositor y pianista italiano Ludovico Einaudi. También cabe destacar la preciosista fotografía de Joshua James Richards que actúa como sujeto narrador fundamental en los enormes espacios abiertos del interior de los Estados Unidos. Un regalo a la vista.

Nomadland, por avatares del destino, llega en el momento perfecto para reivindicar el verdadero sentido que tiene el séptimo arte para ser vivido en su hábitat natural. Hablamos de un filme con amplias panorámicas, profundidad narrativa y con un libreto adaptado con rigurosidad. 

Chloé Zao, en definitiva, redibuja la idea del sueño americano y lo ve desde una nueva perspectiva: la perspectiva de una cineasta nacida y criada en una cultura completamente diferente. Aún así, no es un filme que hable solo sobre lo malo o lo bueno que puede ser el sueño americano. La película representa ante todo el poder del cine como perfecto vehículo cultural y emocional. El profundo y a la vez preciosista relato de Nomadland es el sueño en fotogramas con el que Chloé Zao llega a la cumbre con su apabullante lirismo cinematográfico. Hablamos de una película que por sí misma explica el sentido de ver cine en la sala de cine. 

Nota: 10/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Chloé Zao

Guion: Chloé Zhao, Jessica Bruder

Fotografía: Joshua James Richards

Música: Ludovico Einaudi

Duración: 108 minutos.

Reparto: Frances McDormand, 

David Strathairn, Linda May,

Charlene Swankie, Bob Wells, 

Gay DeForest, Patricia Grier

The Mauritanian: puñetazo en la mesa de Kevin Macdonald

The Mauritanian dirigida por Kevin Macdonald se ha estrenado en cines españoles el día 19 de marzo. De manera simultanea, la cinta también ha llegado a las plataformas digitales. La película llega avalada por el Globo de Oro 2021 con el que ha sido galardonada Jodie Foster como Mejor Actriz de Reparto. Tahar Rahim también fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor (drama).

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La historia: Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

La crítica: Decía el abogado y amigo David Rubio Sánchez a cuenta del filme francés La chica del brazalete que: "En los juicios de verdad no existen alternativas, se limitan a los hechos y cuales de ellos quedan probados y vinculados con el investigado. Ante ello, el jurado debe decidir, no si ha sido otra persona, sino si el investigado es responsable en base a las pruebas". En la película hoy reseñada no hablamos, por tanto, de juicios fantasiosos con golpes de efecto. En realidad, asistimos a un juicio real con toda su crudeza pero también con toda su verdad. 

The Mauritanian está basada en las memorias publicadas en el libro: “Diario de Guantánamo” escrito por Mohamedou Ould Slahi. Hablamos por tanto de un relato con sesgo de parcialidad dirigido con rigor por Kevin Macdonald, director ganador del Oscar por “One Day in September” (Mejor documental). Con una sólida experiencia en la creación de thrillers con carga política, contundentes y que provocan la reflexión, Macdonald nos trae esta vez un relato inspirador sobre la supervivencia, contra viento y marea. Ese es el mensaje principal del filme. 

La película también es un alegato en favor del Estado de Derecho y de la Convención de Ginebra. Ambos fueron violentados en la prisión de Guantánamo por las fuerzas estadounidenses que practicaron la tortura física y psicólogica contra centenares de prisioneros llevados hasta allí a la fuerza. La narrativa, que con acierto siempre va de menos a más, refleja con eficacia las torturas sufridas por Mohamedou Ould Slahi para que confesara o se inventara una confesión. Las dramáticas secuencias rodadas por Macdonald son fieles a lo expresado en el libro. 

El cine puede y debe tener la obligación de denunciar estas situaciones. Es el vehículo cultural que llega a más personas e ideal como modo de concienciación social. Es por ello que The Mauritanian se siente como una enmienda a la totalidad de la justicia en Estados Unidos. La primera democracia del mundo no puede permitirse la supresión del derecho internacional y luego aspirar a dar lecciones de democracia por el resto del mundo. La prisión de Guantámano fue -y aún sigue pendiente del cierre total- un gulag moderno dentro de un limbo legal inventado por la Administración de George W. Bush.

En la cinta, sin embargo, el secretario de Defensa Donald Rumsfeld apenas es citado cuando fue el responsable principal de las políticas de torturas llevadas a cabo en Abu Ghraib y Guantánamo. 

Tahar Rahim, conocido por interpretar a Judas junto a Rooney Mara y Joaquin Phoenix en María Magdalena de Garth Davis, interpreta con coraje a Mohamedou Ould Slahi. Un personaje muy complejo que se tiene que mover en el espacio de su celda, en la sala de torturas y mantener la compostura en las visitas de su abogada. La actriz Jodie Foster, ganadora de dos premios de la Academia, y ganadora del Globo de Oro por este papel, interpreta el papel de la abogada defensora de Mohamedou. Personaje basado en Nancy Hollander que aún sigue ejerciendo como abogada defensora internacional y cuya imagen real, junto a la de Mohamedou, vemos en los créditos finales de la película. Gran trabajo de Jodie Foster convertida ya en una de las mejores actrices de su epoca. 

Completa el reparto un sobrio Benedict Cumberbatch, también productor del filme, que interpreta al intrépido fiscal militar, el teniente coronel Stuart Couch. Su personaje evoluciona en consonancia a la narrativa. Es así, como transita de mera correa de transmisión de sus superiores a reconvertirse en un militar que acaba por expresar un alegato moral sobre la importancia del Estado de Derecho. Por último, cabe mencionar a Shailene Woodley que interpreta a la letrada ayudante del personaje de Jodie Foster y que es una mezcla de dos abogadas reales: Teri Duncan y Sylvia Royce. Se insinúa una cierta atracción romántica por el encarcelado o al menos un fuerte apego sentimental por defender su inocencia.

En conclusión, The Mauritanian, es cine de denuncia social sobre un sistema judicial obsoleto que permite limbos legales como el vivido en Guantánamo. La película narra con precisión la tremenda historia de un hombre acusado sin pruebas de reclutar personas para el 11 de septiembre y de financiar el terrorismo. Sin embargo, la cinta nos muestra a un personaje que no parece guardar rencor hacia los hechos vividos en prisión y tan enamorado de la cultura estadounidense que puede citar cada línea de “El gran Lebowski”. Se la sabe de memoria porque la vio 110 veces mientras estaba en prisión. La suma de todos los elementos: buenas interpretaciones, una buena narrativa cinematográfica y la propia historia mostrada, hacen de la película una experiencia enriquecedora y un más que aceptable producto audiovisual.

Esta crítica, con distinto formato, ha sido portada de Cinemagavia

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Kevin Macdonald

Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani,

M.B. Traven (Libro: Mohamedou Ould Slahi)

Música: Tom Hodge

Fotografía: Alwin H. Kuchler

Duración: 129 minutos

Reparto: Jodie Foster, Tahar Rahim, 

Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch,

Zachary Levi, Corey Johnson, Langley K,

David Fynn, Darron Meyer

Inmune (Songbird): El COVID-23 llega a los cines

Inmune (Songbird) dirigida por Adam Mason y producida por Michael Bay se estrena en cines españoles el próximo día 18 de marzo. Protagonizada por la estrella de Riverdale KJ Apa y la actriz de Los descendientes, Sofia Carson es la primera película rodada en Los Ángeles durante la pandemia.

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La historia: Los Ángeles, año 2024. El COVID-19 ha mutado en el COVID-23 y con un 50% de mortalidad, el mundo se ve obligado a permanecer confinado ya que el virus se transmite ahora incluso en los espacios abiertos. Nico (KJ Apa) es un mensajero inmune al virus que debe permanecer separado de su novia Sara (Sofia Carson). Sus contactos se limitan a conversaciones tras una puerta a la espera de que alguien encuentre una solución a la nueva cepa de la enfermedad.

 

La crítica: Si en la película argentina Tóxico ya se presagiaba algo muy parecido a lo ocurrido durante la pandemia, ahora en Inmune, se juega con el factor de las nuevas mutaciones para mostrar una situación catastrofista de lo que podría ocurrir en los próximos años. Es por ello que la película más que una distopía, es una versión libre de nuestra realidad en el caso de que no hubiera vacunas o estas fueran ineficientes ante las nuevas variantes de la familia de los coronavirus. 

Pienso que se podría encontrar un término medio entre el negacionismo y el terror vírico del "todos vamos a morir". En el caso de la cinta hoy reseñada, se opta por lo segundo. La cosa no tiene mayor importancia al ser una ficción. Cierto es que el cine en muchas ocasiones se ha adelantado a los acontecimientos y a veces ha superado a la realidad. También es cierto que las pandemias se han venido repitiendo de manera natural durante la historia de la humanidad aunque esos ciclos parecen acortarse cada vez más en el tiempo. En Inmune la historia transcurre en la ciudad de Los Ángeles dentro de cuatro años. El virus ha mutado y ahora es una cepa más letal y más infecciosa: el COVID-23. Las cuarentenas, los toques de queda, la escasez de comida y la falta de suministros forman parte de la vida diaria algo con lo que Michel Franco ya especulaba en Nuevo orden.

La película es más interesante por el debate que puede generar que como propia obra cinematográfica. Su tufillo a telefilme de Netflix resulta extraño con un productor que gustará más o gustará menos, pero que se ha caracterizado por el buen acabado visual de sus películas. Para hacer realidad el mundo que había imaginado Michael Bay, el director de fotografía y su equipo han hecho un “rodaje oportunista”, o rodaje chapuza hablando en castellano. Se utilizan iPhones, GoPro y cámaras de vigilancia como fuentes de vídeo, reflejando la forma en que muchos están viendo el mundo hoy en día. Además de las filmaciones oportunistas, gran parte de la película se siente demasiado barata sin realizar apenas retoques de maquillaje o peluquería. Hay pocos planos trabajados e incluso no se cambian los decorados por lo que todo se vuelve plomizo y gris aunque el panorama presentado lo requiera.

El núcleo de Inmune es la historia de amor de dos personas que llevan mucho tiempo aisladas y tienen unas ganas enormes de estar juntas, pero no pueden mantener contacto físico. Nico, interpretado con acierto por KJ Apa, es una de las pocas personas inmunes al virus. El personaje se siente acertado ya que representa a los trabajadores esenciales menos valorados como fueron y siguen siendo los dependientes de tiendas, trabajadores de mantenimiento, cajeras e incluso mensajeros. Nico pertenece a un pequeño grupo de personas conocidas como los “inmunes” y se dedica a hacer entregas como mensajero. Durante sus recorridos ve y conoce – sin acercarse – a Sara, y se enamoran. Ésta, es interpretada con corrección por Sofia Carson que se dio a conocer con el papel de Evie en Los descendientes de Disney, y con la aclamada serie Pequeñas mentirosas: perfeccionistas. En esta parte la película se enreda en una historia romántica que se siente impostada y sin ninguna credibilidad. 

Sin embargo, me ha parecido más interesante como se aborda el fenómeno de la desigualdad social en tiempos de pandemia. Las clases pudientes siguen llevando vidas cómodas y privilegiadas, mientras los otros lo pasan francamente mal. Los poderosos están interpretados por William (Bradley Whitford) y Piper (Demi Moore) que conforman un matrimonio en vías de naufragio pero cuya fortuna les protege de los terrores diarios en una pandemia desatada. Pero esto no les inmuniza de sus desacuerdos y traiciones mutuas. Hablamos de lo terrible que sería tener una relación muerta, y quedar confinados en una casa como seguramente ha pasado durante la pandemia vivida.

En conclusión, Inmune es una película oportunista que juega con la pregunta de si el COVID-23 (valdría 24, 27 o 30) podría ser una posibilidad real. La cinta, escrita y grabada antes de la aparición de las variantes británicas, sudafricanas o brasileñas del coronavirus, especula con ello y hace del cine una vez más un vector en la anticipación de los acontecimientos. Por otro lado, la surrealista historia romántica insertada y las prisas en concluir el filme restan credibilidad al conjunto de la historia. En definitiva, la cinta se presenta como una hipotética mirada catastrofista hacia nuestro futuro. Para ello, centra el foco en el creciente aislamiento poblacional, en la militarización de la política o en el miedo instalado en la sociedad ante futuras oleadas pandémicas.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Songbird

Dirección: Adam Mason

Guion: Adama Mason

Fotografía: Jacques Jouffret

Música: Lorne Balfe

Duración: 90 minutos

Reparto: K.J. Apa, Sofia Carson,

Demi Moore, Bradley Whitford,

Craig Robinson, Jenna Ortega

Relic: enésima casa encantada con (atención): abuela poseída, hija pre-poseída y nieta fumeta en vías de posesión

 

Relic dirigida por Natalie Erika James se estrena el 12 de marzo en cines españoles en una nueva vuelta de tuerca al temita de la gente poseída. La cinta formó parte de la sección oficial a competición del Festival de Cine Fantástico de Sitges y creo que le dieron una mención. 

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La historia: Telita con la historia. Una anciana llamada Edna se pira unos días de su casona rural sin avisar y cuando vuelve, allí están la hija y la nieta esperando para echarle la bronca. De repente, comienzan a sentir que una presencia malévola en la casa podría estar poseyéndola y de ahí que disculpen a la abuelita en su escapada fallida. Una vez en familia y todas bañadas y aseadas comienza el circo de la casa encantada que aunque parezca extraño no lleva a niño incluido en su interior.

La crítica: Si pudiera decirle algo en persona a la cineasta novel Natalie Erika James le pediría que nos dijera que clase de mierda se ha fumado para escribir y dirigir una película tan esperpéntica como Relic. Pero sobre todo le preguntaría que ya puestos a repetir todas las sandeces del género, ¿por qué no ha incluido a un puto niño siniestro y un coche que no arranca? Eso sí, aunque solo salga en una fotografía incluye a un perro negro que quizás salga en la segunda parte. Sin duda, al ver el panorama el perro se escapó y se quito de enmedio de esta jaula de grillas. 

Hay que reconocer que el principio del filme australiano es aterrador. La cineasta nos "regala" un plano dorsal de la anciana saliendo de la bañera y nos muestra su trasero. Lo dicho, terror de verdad. Sin embargo, cuando la jovenzuela fumeta está en la bañera no le vemos ni una triste teta. En fin, volvemos a la triste realidad y las mujeres discuten, discuten y luego vuelven a discutir sobre si meten a la abuela en un asilo o le dejan en la casa encantada. Luego discuten más -en el minuto 38 la abuela y la nieta se echan unos bailes- y luego siguen discutiendo. También discuten sobre los aterradores ruidos que hay en la casa. Como no hay niño poseído, ni perrito que le ladre, la cineasta opta por hacernos ver que la abuela está poseída por una fuerza del mal. Después, discuten un poco más.

En esta, que la jovenzuela -la nieta- se sale al porche a fumarse un porro y pasa por allí un chico a saludar a la muchacha. Se ríe por el olor de la marihuana, conversan un poco, ella no le hace ni puto caso y se mete para adentro a seguir discutiendo con la madre y con la abuela. El joven se marcha y como el perro no vuelve a aparecer por allí. Buena decisión.

En la imagen superior observamos a la abuela ya poseída y a la nieta fumeta en vías de posesión. A la madre no la he encontrado, ni falta que hace. Mira que querer meter a la abuela poseída en un asilo. El caso es que Natalie Erika James ha logrado engañar a las reputadas actrices Emily Mortimer (La librería, Match Point), Robyn Nevin (Top of the Lake, Matrix Reloaded) y Bella Heathcote (The Neon Demon, Sombras Tenebrosas) para su primera película. Nada que objetar al reparto que bastante tienen ya con salir vivas del rodaje y sin traumas psicológicos. 

En principio no tengo mucho más que decir. Bueno, una cosa sí. En el tercio final de la película la nieta, la madre y la abuela hacen la cucharita en la cama. Supongo que para relajarse entre tanta discusión y entre tanto ruido que mete la casa encantada. En definitiva, Relic me ha parecido una película muy bonita y romántica. De sutiles lineas narrativas y diálogos dignos de William Shakespeare, he salido como nuevo de la sala cine. Sobre todo por la siestecita que me he echado entre el minuto 38 y el 90 cuando me he sobresaltado porque una señora ha tosido. Así que quedo a la espera de que la pongan una tardecita de estas en Antena-3 para echar otra siestecita la mar de rica. 

Nota: 3/10. 

Nacionalidad: Australia

Dirección: Natalie Erika James

Guion: Natalie Erika James

Fotografía: Charlie Sarroff

Música: Brian Reitzell

Duración: 90 minutos

Reparto: Emily Mortimer,

Bella Heathcote, Robyn Nevin,

Steve Rodgers, Chris Bunton, 

Jeremy Stanford, Catherine Glavicic