martes, 22 de octubre de 2024

Amal: el peligro del fanatismo


Amal dirigida por Jawad Rhalib se estrena en cines españoles el próximo día 25 de octubre de 2024. El filme belga se estrenó a nivel internacional en la competición oficial del Festival Black Nights de Tallin (PÖFF) donde se alzó con el Premio a Mejor Actriz para Lubna Azabal, quien interpreta magistralmente a Amal, la profesora. 

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La historia: Amal, una profesora francesa de un instituto de Bruselas, anima a sus alumnos a cultivar la pasión por la lectura, defender la libertad de expresión y promover la tolerancia. Sin embargo, sus ideas molestan a algunos alumnos y compañeros vinculados con el extremismo islámico, totalmente opuesto a sus métodos de enseñanza. Aun así, Amal se mantiene firme, especialmente cuando tiene que ayudar a Monia, una de sus estudiantes, una chica reservada a la que han atacado, acosado y amenazado por las sospechas sobre su homosexualidad (Festival Films).


La crítica: Si en Francia, la integración musulmana es muy compleja, en Bélgica hablamos de un puzzle muy difícil de encajar. Especialmente en  algunas zonas de Bruselas que se han convertido en semillas de odio, fanatismo religioso y verdadero peligro para los valores occidentales. La cinta retrata el día a día de una escuela y el adoctrinamiento del profesor de religión en la parte más radical del Islam. A mí lo que me sigue sorprendiendo de manera especial es como las mujeres jóvenes siguen y estudian con fe el cómo van a ser sometidas por hombres que deberían ser su compañeros y no sus dueños. Sin la rebelión de las propias mujeres musulmanas será imposible avanzar en sus propios derechos. 

Amal está dirigida por un buen cineasta belgomarroquí que firma una implacable obra marcada por el compromiso. Hablamos claramente de cine social que no está reñido con el entretenimiento. Es la conmovedora e impactante historia de una profesora, Amal, que reivindica su libertad de pensamiento y enseñanza, oponiéndose con fuerza al oscurantismo, a la censura, a los extremismos religiosos y a la homofobia, que empiezan a abrirse camino en su clase y en el instituto donde trabaja.

Sin embargo, sus ideas molestan a aquellos que tienen afinidad con el extremismo. Aún así, la profesora mantiene su firmeza y defensa de la libertad sexual cuando Monia se declara homosexual. A partir de ahí el acoso contra la chica es incesante. No solo en clase, sino a través del teléfono y redes sociales. La quieren llevar al suicidio solo porque le gusten las mujeres. A veces pienso que si en la conservadora religión católica se ha avanzado y al menos medio respetado las opciones sexuales, con educación, estudio y comprensión la religión musulmana podría ser más  flexible. Quizás sea utópico. 

Gran interpretación de Lubna Azabal como la profesora que quiere comprometer al alumnado con unas ideas que no quieren escuchar. Un personaje con valores muy valientes y firmes. Igualmente y con los mismos valores se siente Monia, pero no la van a dejar vivir su vida. Kenza Benbouchta la interpreta de manera sólida y emocional. Una actriz con potencial y a la que creo veremos más al menos en el cine europeo. El ogro o villano es el profesor de religión -un islamista radical de carácter tranquilo- bien interpretado también por el actor Fabrizio Rongione

En la parte técnica es un filme plano sin nada que destacar o criticar. Está bien filmado, el montaje es correcto y dirección de arte o música no desentonan. Si que cabe decir que el cineasta ha tenido que llevar escolta en el Festival de Toronto y por tanto hablamos de otro valiente que se la juega con el fuego incendiario del radicalismo. Tuve oportunidad de entrevistarlo, pero por otras cuestiones de agenda no pude. Si viene a Madrid en otra ocasión haré lo posible. Por cierto, enhorabuena al Instituto Francés de Madrid por el gran trabajo que realiza por la cinematografía. Tienen un cine cerca de la embajada que muy poca gente conoce y que es una preciosidad. Abierto al público en algunos horarios por si visitan Madrid. Ciudad a la que aún le quedan tres o cuatro cines de los de toda la vida y también se agradece que estén abriendo cines muy cuidados incluso en el centro de la ciudad. Me fui del tema, je, je. 

Amal es una pequeña joya que pone en evidencia el problema que existe en Bélgica, en sus escuelas y en algunos guetos con el radicalismo islámico. Desconozco incluso si los críticos y periodistas de allí han podido hablar con plena libertad de esta película. Una cinta que con un reparto bien equilibrado nos muestra como la homosexualidad, el velo en las escuelas, la intransigencia o el miedo van ganando terreno en una tierra que durante el siglo XX fue un ejemplo de libertad.

Nota: 7'5.


Nacionalidad: Bélgica

Director: Jawad Rhalib

Guion: Jawad Rhalib

Fotografía: Lisa Willame

Montaje: Nicolas Rumpl

Música: Mounir Hathout

Duración: 110 minutos

Reparto: 👇

Lubna Azabal: Amal

Fabrizio Rongione: Nabil

Catherine Salée: Directora de la escuela

Kenza Benbouchta: Monia

Ethelle Gonzalez-Lardued: Jalila


martes, 15 de octubre de 2024

La habitación de al lado: Almodóvar retrata con firmeza el fin de la vida


 La habitación de al lado dirigida por Pedro Almodóvar se estrena en cines españoles el próximo 18 de octubre de 2024. La cinta rodada en inglés ha sido galardonada con el máximo premio del Festival de Venecia: El León de Oro. 

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La historia: Una madre muy imperfecta y una hija rencorosa están separadas por un malentendido. Entre ambas, otra mujer, Ingrid (Julianne Moore), amiga de la madre, es depositaria del dolor y la amargura de ambas. Martha, la madre (Tilda Swinton), es reportera de guerra e Ingrid novelista de autoficción. La película habla de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad, habla de la muerte, de la amistad y del placer sexual como los mejores aliados para luchar contra el horror. Y también habla del dulce despertar con los trinos de los pájaros, en una casa construida en plena reserva natural en New England, donde las dos amigas viven una situación extrema y extrañamente dulce.


La crítica: Si en Los destellos, Pilar Palomero retrataba el fin de la vida desde una perspectiva natural hasta que el cuerpo del enfermo terminal dijera basta, en La habitación de al lado, Pedro Almodóvar también afronta el tema de la muerte en los enfermos terminales, pero desde la perspectiva de la eutanasia. Dos películas similares que han llegado a las carteleras casi al mismo tiempo y que desde luego se atreven a plantarle cara a la muerte. Lo que parece claro es que en muchos países hay un vacío legal sobre el tema, teniendo que recurrir a la trampa de la sedación o a la ayuda de alguien capaz de tener la conciencia tranquila si actúa en consonancia con los deseos del enfermo y de su testamento vital. 

La habitación de al lado es a mi parecer la película más honda y profunda de la carrera del cineasta manchego. Esto no quiere decir que sea una cinta magistral en cualquier caso. Sería muy bonito que Palomero hiciera un remake en español de la de Almodóvar y viceversa. Digamos que la primera es una película rural y la hoy reseñada un filme urbano. Sus dos puntos de vista se cruzan cuando vemos la importancia de los cuidados mutuos, el valor de la familia o la amistad y por supuesto en esa visión de cómo las personas encaran la muerte y lo hacen sin miedo. 

Almodóvar, tiene una narrativa brillante, pero en este caso partimos de la base que en los primeros compases de la película ya sabemos lo que va a suceder y cómo va a suceder. Esta linealidad en la historia y el muy poco humor negro utilizado dejan un regusto amargo en un filme rodado de manera maestra, pero sin ninguna sorpresa a la que agarrarnos. La música de la que luego hablaré va proponiendo un suspense inexistente lo que resulta contradictorio. De lo que no cabe duda es la mano de hierro que utiliza el cineasta con las actrices. Eso en realidad es un director de cine. Si luego, además escribe el guion y sabe narrar es un plus a resaltar. 

No voy a escribir mucho más sobre la historia central, pues es demasiado sencilla para el cine. Hablamos de una amiga que le pide a otra compañía en la recta final de su vida. Ahí es cuando observamos buenos planos, un buen montaje y sobre todo muchas confidencias, recuerdos, reflexiones, también silencios y una moderada espera hasta el desenlace final de la cinta. Un epílogo policial aporta lo único novedoso por llamarlo de alguna manera, además de un final redondo y emotivo. 


Martha, interpretada con acierto por Tilda Swinton, es el eje central de la historia y la peticionaria de una eutanasia prohibida en Estados Unidos según el filme. Padece un cáncer y tras fracasar todos los tratamientos decide que no quiere seguir luchando. Y es curioso porque mediante flasbacks conocemos su dura juventud y su etapa como reportera de guerra. Una luchadora cansada de luchar. 

Julianne Moore con su personaje de Ingrid le regala a Almodóvar un papel que ayuda a dulcificar la película y por cierto aguanta unos primeros planos de impresión como si tuviera 30 años. Joder como trata la vida a unas y a otros los avejenta a marchas forzadas. Su personaje es la cara de la solidaridad, la empatía y la valentía que son tres temas que dan para reflexionar a través del cine. 

Muy breve papel de John Turturro en el que además hay un error de concepto en el guion al igualar liberalismo y ultra derecha. Recordemos que en Europa y EE UU vivimos en democracias liberales que pueden ser dirigidas por conservadores o socialdemócratas sin entrar en más debate. 

En la parte técnica destacan las localizaciones. Según ABC la historia que cuenta la cinta se sitúa en Nueva York y el en el bosque de Woodstock, situado en el mismo estado, pero lo cierto es que la espectacular vivienda de diseño en la que está rodada el grueso de la película está ubicada a este lado del Atlántico: en el municipio madrileño de El Escorial. La dirección de arte de los espacios interiores es magnífica: jardines, ventanas, muebles, cuadros, etc. Alberto Palacios compone una música con potencial de Oscar. Sin embargo, su uso preponderante y casi machacante anula en parte su buen hacer. La música se debería utilizar como subrayador de momentos emotivos o alegres, pero sin ocupar tanto espacio que además no tiene mucho sentido. 


La habitación de al lado es el sueño cumplido de Almodóvar que rueda en inglés, ha ganado el Festival de Venecia y entiendo que tendrá posibilidades en las nominaciones al Oscar. La película parte de un concepto muy válido como es el derecho a una muerte digna y sin sufrimiento. A veces me pregunto cómo es posible que sacrifiquemos a nuestras mascotas para evitar un sufrimiento horrible, y por cuestiones de carácter legislativo o religioso vemos morir a algunos de nuestros semejantes con dolores, sufrimiento e impotencia. Si algo podemos sacar de esta película es el derecho a un testamento vital que reconozca al ser humano como adulto y en el que pueda acabar sus días con dignidad. 

Nota: 7/10. 


Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Fotografía: Eduard Grau

Música: Alberto Iglesias

Duración: 107 minutos

Reparto: Julianne Moore
Tilda Swinton, John Turturo,
Alessandro Nivola

martes, 8 de octubre de 2024

Los destellos: más allá de la vida


Los destellos dirigida por Pilar Palomero ha llegado a los cines españoles el día 4 de octubre de 2024. El tercer largometraje de la cineasta está protagonizado por Patricia López Arnaiz, Antonio De la Torre, Julián López  y la debutante Marina Guerola. 

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La historia: La vida de Isabel da un inesperado giro el día en que su hija le pide que visite regularmente a Ramón, que se encuentra enfermo. Tras quince años alejada de su exmarido, un hombre al que ve como a un desconocido pese a que fueron familia durante años, en Isabel comienzan a reavivarse resentimientos que creía superados. Sin embargo, al acompañar a Ramón en su momento más vulnerable, Isabel conseguirá ver con otros ojos el fracaso que vivieron para centrarse en el presente.


La crítica: Tras su premiada ópera prima titulada Las niñas y la muy notable La maternal, Pilar Palomero vuelve con su intimista y delicado cine basándose en esta ocasión en el relato "Un corazón demasiado grande", de Eider Rodríguez. La película se centra en el reencuentro obligado de una pareja que no funcionó. Este conflicto, permite a la cineasta hablar sobre la complejidad que pueden tener los vínculos que creamos, y sobre todo, propone una reflexión sobre las huellas que nos dejan y que nos hacen ser quienes somos. O como el pasado marca nuestro futuro. 

Los destellos es un filme que trata con delicadeza la fase final de la vida. Quizás la historia se toma demasiado en serio la muerte y deja muy poco espacio para el humor aunque este sea negro. Por otra parte en una sociedad atomizada y egoísta también es cierto que el poco humanismo que nos queda aparece cuando la enfermedad o la muerte de alguien cercano nos afecta de manera cercana. Ahí es cuando parecemos dar más valor a las personas. Sin embargo, cuando estas están vivas solo parecemos ver sus defectos que pasan a ser incluso virtudes cuando mueren. Por tanto, lo que propone la cineasta es una sutil reflexión sobre la vida, la muerte, el duelo y la reconciliación. 

Palomero con esta película ha intentado retratar lo que se siente al perder a un ser querido, con la esperanza de poder encontrar algo de belleza en ese profundo dolor. "Un corazón demasiado grande" se transformó en Los destellos: una cinta que habla sobre el paso del tiempo, sobre lo que perdura y desaparece, sobre las huellas que dejamos y las que otros dejan en nosotros. Pero, sobre todo, una historia que reivindica la bondad y el amor, que defiende el perdón y los cuidados mutuos, y una invitación a disfrutar plenamente de la única certeza que tenemos.

Patricia López Arnaiz vuelve a dar un recital de naturalidad al interpretar. Por este papel ha sido galardonada con la Concha de Plata del Festival de San Sebastián y se postula de manera clara para ganar el Goya del próximo año. Aborda a un personaje que vuelve con desgana a cuidar de su ex marido en cuidados paliativos. Ella tiene pareja y la situación tampoco es fácil. Pero poco a poco esa desgana se convierte en una emotiva despedida con destellos de luz como el título de la película. 

Un magistral Antonio de la Torre interpreta a Ramón al que la ha tocado la "lotería" de una muerte injusta por encontrase en la mediana edad. Su personaje diría que es perfecto: se comporta con dignidad, da a conocer sus miedos y a su vez se siente valiente ante su familia que ha decido acompañarle es sus últimas semanas. El Goya también parece claro. 

Completa el reparto Julián López como la nueva pareja de Isabel y la debutante Marina Guerola que interpreta de manera muy sólida a la hija de Ramón. Es otra luz en la película sobre todo en la escena del baile con su padre que filma con maestría la cineasta. 

En la técnica -qué es puro sentimiento- destaca la localización del rodaje. Viajamos hasta Horta de San Juan en Tarragona y hacia sus alrededores. Las Tierras del Ebro y del Matarraña con sus masías y paisajes de olivos imprimen ese color rural cálido que tienen un fuerte componente sentimental para la cineasta. Sus vivencias están allí y de ahí que su película sea tan humana. 

Los destellos es una cinta rocosa, dura y no apta para ir al cine a divertirse lo que en principio suena a contradicción. Hablamos entonces de un cine intimista, de cocción lenta y de carácter existencial. Por tanto es un filme muy especial y para estar en la sala de cine -o en casa- preparados para asistir a un duelo por anticipado. Sin embargo, la directora deja unos destellos de luz que según por el momento vital que pase el espectador pueden ser tomados como un regalo y como una celebración de la vida. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Pilar Palomero

Guion: Pilar Palomero 

Fotografía: Daniela Cajías

Música: Vicente Ortiz Gimeno

Duración: 101 minutos

Reparto: Patricia López Arnaiz,
Antonio De la Torre, Julián López,
Marina Guerola, Ramón Fontseré

martes, 1 de octubre de 2024

Soy Nevenka: la crueldad del poder


Soy Nevenka dirigida por Icíar Bollaín se ha estrenado en cines españoles el día 27 de septiembre de 2024 tras su paso por el Festival de San Sebastián. Una película original Movistar Plus+ y con distribución cinematográfica de Buena Vista International (Disney). 

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La historia: Año 2000. Nevenka Fernández, de 24 años, concejala de Hacienda en el Ayuntamiento de Ponferrada, sufre una persecución implacable, tanto sentimental como profesional, por parte del alcalde, un hombre acostumbrado a hacer su voluntad en lo político y en lo personal. Nevenka decide denunciar, aunque sabe que deberá pagar un precio muy alto: su entorno no la apoya, la sociedad de Ponferrada le da la espalda y los medios la someten a un juicio público.   

La historia: Se han escrito libros, rodado documentales, el filme está sobre publicitado, pero si alguien era la cineasta indicada para llevar esta historia al cine sin duda, Icíar Bollaín era la persona adecuada. La distribuidora ofrece una pequeña nota muy acertada a mi entender: "Su caso inicia en España el movimiento #metoo mucho antes de que se invente el término. Una historia inspirada en hechos reales que convierte a su protagonista en una pionera al llevar por primera vez a un político influyente y popular ante los tribunales por acoso sexual y laboral". 

Soy Nevenka se caracteriza por tener un ritmo fluido y por estar narrada más o menos en orden cronológico -aunque tiene saltos en el tiempo- lo que le da un cierto aire documental. Lo más triste es que los hechos reales contados en el filme, con otras personas -víctimas y verdugos-, se estarán repitiendo como una constante a la hora que escribo o que tú estés leyendo este texto. Hablamos de un caso de acoso sexual de manual y de la crueldad del poder cuando es manejado por personas sin escrúpulos. Y lo peor, los cómplices por omisión del deber de socorro o por la simple adulación al líder. Y solo hablamos de un alcalde...

Desde el primer momento, Nevenka se sintió inspirada por el carisma de su líder, un alcalde respetado y admirado por muchos. Sin embargo, a medida que pasaron las semanas, la admiración de la joven se tornó en incomodidad. Más bien en ultraje. Las formas del alcalde comienzan de manera muy suaves hasta que se convierte en un acosador de su concejala. En lenguaje llano hablamos de un cerdo que una vez que fue condenado por los hechos narrados, fue votado con un nuevo partido por más de 5000 ponferradinos a los que recomiendo vean la película (aunque como decía Donald Trump "Soy tan popular que si sacara una pistola y disparará a la gente por la calle me seguirían votando"). 

El camino no fue fácil. Nevenka enfrentó dudas y temores, pero también encontró una pequeña comunidad de apoyo que la alentó a seguir adelante. Finalmente, se presentó una querella criminal contra el alcalde. Aunque el proceso ha sido largo y doloroso, esta mujer que ahora vive fuera de España se sintió empoderada al tomar el control de su historia y es ahora cuando realmente parece feliz y victoriosa como demostró en su visita al Festival de Donosti para asistir a la proyección. 

Gran interpretación de Mireia Oriol que le debería valer al menos la nominación al Goya. La actriz catalana se ha echado a la espalda la película y nos lleva por ella con verdad e intensidad. Es capaz de pasar por todas las emociones del personaje, desde la ilusión y el optimismo del principio, al desconcierto, la confusión, la vergüenza, la culpa, el terror y por último la rabia por la que transita su personaje. Es un trabajo muy hondo de matices y cambios muy grandes, que Mireia borda.

Urko Olazabal también acomete con mucha valentía a este personaje también complejo, contradictorio, simpático y carismático a veces y oscuro y sin empatía otras. Los dos se han compenetrado muy bien en este baile siniestro que es su relación y tienen momentos juntos que causan estupor. Muchos personajes rodean a los protagonistas, pero ninguno tiene suficiente peso narrativo en la acción. 

En la técnica destaca el viaje hacia el año 2000. Con muchos cambios estéticos de ropa, coches, tiendas, etc. El actual equipo de Gobierno del Ayuntamiento, del Partido Popular, ha negado los permisos para que las grabaciones se llevasen a cabo en la ciudad en la que Nevenka sufrió el acoso del ex alcalde Ismael Álvarez, así que Bollaín ha rodado en Bilbao y Zamora, que tenían que parecer la ciudad leonesa. 

Soy Nevenka es una película ejemplar, perfecta en su rodaje y cuyo único defecto es que la historia ya está bastante trillada. Ahora bien, quien no conozca la historia debe emocionarse ante unos hechos muy duros para cualquier persona y en especial para una mujer joven e indefensa por aquel entonces. Se resalta la importancia de denunciar el acoso sexual y el abuso de poder. También la fuerza que se puede encontrar en la solidaridad y el apoyo de los demás. Nevenka aprendió que su voz importaba y que, aunque el camino hacia la justicia puede ser complicado, siempre vale la pena luchar por lo que es correcto y sobre todo por la dignidad de las personas. 

Nota: 8/10.


Nacionalidad: España

Género: Drama - Juicios 

Dirección: Icíar Bollaín

Guion: Icíar Bollaín

Novela: J. J. Millás

Música: Xavier Font

Fotografía: Gris Jordana

Duración: 110 minutos

Reparto: Mireia Oriol, 
Urko Olazabal, Ricardo Gómez,
Carlos Serrano, Lucía Veiga,
Luis Moreno, Javier Gálego

martes, 24 de septiembre de 2024

Puntos suspensivos: viaje al centro del suspense


 Puntos suspensivos dirigida por David Marqués se ha estrenado en cines españoles el día 20 de septiembre de 2024. Tras su premiere mundial, dentro de la Sección Oficial Fuera de Concurso del 27º Festival de Málaga de Cine Español, la cinta fue galardonada con el Black Raven al Mejor Thriller en el 42º Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas.

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La historia: Leo (Diego Peretti), exitoso escritor de novelas de misterio, se oculta bajo el seudónimo de Cameron Graves. Mientras escribe su próximo libro en un aislado chalet, recibe la extraña visita de Jota (Jose Coronado), un inquietante personaje que dice ser periodista. Nadie conoce la identidad de Leo y solo Victoria (Cecilia Suárez), su agente, sabe que está allí, así que: ¿Cómo ha conseguido Jota llegar hasta él?, ¿Cuáles son sus intenciones? Mentiras, traiciones, amenazas y muerte marcarán el despiadado duelo entre estos personajes (Vertice Cine).


La crítica: A mi juicio la cinta está inspirada en La soga y con más aires hitchconianos. David Marqués que también escribe un guion casi perfecto da con la tecla adecuada para llevarnos hacia un gran viaje al centro del suspense cinematográfico. Si los 30 primeros minutos ya son perfectos, la hora restante no baja el ritmo narrativo en ningún momento. La única pega de la producción española es que sabemos que estamos viendo una película o mejor dicho que tiene un sesgo peliculero por algunas decisiones tomadas por los protagonistas.

Puntos suspensivos está sustentada en un guion cargado de un cierto humor negro sobre todo en su parte final. La narrativa lleva al espectador de sorpresa en sorpresa sin apenas respiro, siendo una de esas películas en las que, cuanto menos sepas del argumento, mucho más vas a disfrutarla. Pero aquí estamos para hacer crítica de cine y se puede escribir sobre la cinta sin desvelar nada importante. En definitiva estamos o estoy juzgando, opinando y orientando de manera subjetiva sobre un tipo de cine que está entre mis preferidos: el de suspense o suspenso como dirían por las Américas. También podríamos hablar de un thriller clásico. 

Uno de los aciertos del filme es que la narración no guarda un orden cronológico y es presentada por capítulos alternos en el tiempo. Otra cosa positiva es que cuenta con un argumento no predecible y en el que a veces no sabes que es ficción o que es literatura ya que hablamos de un duelo de escritores. Pero lejos de dejar nada en el aire, el cineasta apuesta por cerrar la película con un gran final en el que se explican todos los detalles que nos faltan durante el transcurso de su desarrollo. 

Aquí no valía un final abierto o algo tan vergonzante como hubiera sido resolver la trama en la que todo era un sueño. Por otro lado, metacine y sobre todo metaliteratura se fusionan para crear una historia que interesará de manera muy especial a guionistas, escritores profesionales o no, reseñistas o como escribía al principio a todo aquel cinefilo interesado en la forma de narrar del maestro Hitchcock. 


Apoyándose en las dos soberbias interpretaciones del duelo entre José CoronadoDiego Peretti, completan el reparto Cecilia Suárez (La casa de las flores) y Georgina Amorós (Código emperador). Podríamos decir que el cuarteto protagonista ha mantenido líos amorosos en los que se mezclan profesiones, vocaciónes literarias e intereses económicos.

En la técnica de rodaje cabe decir que el filme proviene de la tradición teatral, con pocos personajes, ambientado generalmente en una mansión o caserón aislado. Por tanto, nos hallamos ante un solo espacio escenográfico al que no obstante se le saca todo el partido posible. El apoyo del jardín de la casa y una buena iluminación nocturna se completan con buenos encuadres y primeros planos.

Puntos suspensivos es ante todo un filme divertido, intenso y con una estructura de guion muy notable. Con unas fantásticas interpretaciones y un argumento bien pensado, hablamos de una apuesta segura. Además, -y esta es ya una lucha personal- se vuelve a demostrar que en 90 minutos se puede configurar y resolver un puzzle con una ganancia extrema en el ritmo narrativo. La cinta critica sin perder su espontaneidad, a una sociedad en la que los valores son maleables y en la que la vanidad lleva a los personajes hasta cualquiera de los límites que podríamos imaginar. 

Nota: 9/10. 


Nacionalidad: España

Género: Thriller

Director: David Marqués

Guion: David Marqués

Música: Óscar López

Fotografía: Santiago Racaj

Duración: 90 minutos

Reparto: Jose Coronado, Diego Peretti,
Cecilia Suárez, Georgina Amorós

martes, 17 de septiembre de 2024

Treasure (Tesoro): delicado retrato sobre la vuelta a los orígenes


Treasure dirigida por Julia von Heinz se estrena en cines españoles el próximo día 20 de septiembre de 2024. La película fue presentada en la sección Berlinale Special Gala de la última edición del Festival de Berlín.

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La historia: Es 1990 y la periodista musical Ruth y su padre Edek, un superviviente del Holocausto, realizan un viaje por su tierra natal, Polonia, desde EE UU. Mientras Ruth está ansiosa por encontrar un sentido al pasado de su familia, Edek emprenderá el viaje con sus propios planes. Y se convertirá en un momento de superación de viejos traumas y, además, en un tesoro inesperado…


La crítica: Tengo la impresión que en los últimos años o décadas el tema de la vuelta a nuestros orígenes se ha amplificado en artes como el cine, la literatura o el teatro. Y es algo que me genera bienestar emocional pues aún produce esperanza en un humanismo que parece que se nos está yendo de las manos a base de móviles, redes sociales o la tan temida Inteligencia Artificial que ya tiende al control sobre los humanos. 

Treasure es el medio usado para la búsqueda de algo tan universal como es la vuelta a nuestros orígenes. El regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al país donde nos criamos o se criaron nuestros padres o el reencuentro con objetos familiares deseados es el retrato que con naturalidad nos presenta esta hábil propuesta independiente.

Basada en la novela de Lily Brett, ‘Too many men’ (Demasiados hombres), la cinta se centra en la curiosa relación entre un padre y su hija que emprenden un viaje muy personal hacia Polonia, en busca de sus raíces. La acción se sitúa a principios de los 90 y aún se ve a un país muy deprimido e intentando levantar cabeza de la influencia rusa en los años duros del 'Telón de acero'. También hablamos de una mirada a la Europa del Este de la citada época. Hoy en día su evolución es más que positiva. 

Treasure se centra en la “historia de amor” entre padre e hija, dos individuos que no podrían parecerse menos. Edek Rothwax, superviviente del Holocausto, irradia fuerza, optimismo y humanidad, y se hace amigo de todos los que conoce. Su hija, y nuestra protagonista femenina, Ruth, sin embargo, arrastra el trauma de sus padres y se enfrenta a Polonia, el país de la muerte de su familia, con rabia y amargura. Esta agridulce historia está narrada con una tonalidad ligera y cómica, sin enmascarar el profundo dolor que arrastran nuestros protagonistas.


El dúo protagonista del filme son un padre y su hija, formado por los interpretes Stephen Fry y Lena Dunham, al que acompañan, entre otros, Zbigniew Zamachowski, actor polaco que participó en la trilogía 'Tres colores', de Krzysztof Kieślowski. En general el reparto brilla y solo cabe felicitar la gran selección realizada en el casting actoral. Los personajes como ya he explicado antes son muy contradictorios, pero en definitiva se mueven por esa vuelta y recuperación de su memoria personal en la que varios objetos y un tesoro tendrán la clave del viaje emprendido. 

En la técnica de rodaje destaca la imponente presencia de Auschwitz. Aunque a los equipos de rodaje no se les permite entrar, Von Heinz obtuvo un permiso especial para rodar en el aparcamiento y fuera de la valla a lo largo de la frontera. Además, se permitió al equipo tomar fotografías cerca de los barracones para que el equipo de efectos visuales pudiera insertar imágenes en la postproducción. La música, deliciosa y rítmica, nos lleva en volandas y a pesar de ello el metraje se siente algo pasado de frenada. 

Treasure es una película con un aire tragicómico muy especial. Los personajes se van haciendo adorables y el espectador no tardará en empatizar con ellos. El filme logra narrar una entrañable historia familiar, de corte universal, que está contada con un tono de comedia dramática, a modo de road movie, siguiendo los pasos de un padre que consiguió salir con vida del Holocausto y de una hija que necesita rememorar y estudiar la historia de su familia para cicatrizar una herida aún abierta. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: Alemania - Polonia

Género: Comedia dramática

Dirección: Julia von Heinz

Guion: Julia von Heinz

Música: Mary Komasa

Fotografía: Daniela Knapp

Duración: 112 minutos

Reparto: Lena Dunham, Stephen Fry, 
Zbigniew Zamachowski, André Hennicke

martes, 10 de septiembre de 2024

El consentimiento: manipulación contra la inocencia de una niña


El consentimiento dirigida por Vanessa Filho se estrena en Filmin el próximo día 13 de septiembre de 2024. El estreno de la película francesa (que pasó por cines españoles el pasado mes de abril) llega en unos tiempos en los que, según un estudio de Ciivise, 160.000 menores son víctimas de violencia sexual al año en Francia.

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La historia: París, 1985. Vanessa tiene trece años cuando conoce a Gabriel Matzneff, un hombre muy manipulador. El reconocido escritor de cincuenta años seduce a la joven. La adolescente se convierte en la amante y musa de un hombre celebrado por el mundo cultural y político. Perdiéndose en la relación, gradualmente comienza a darse cuenta de cuán destructiva es la situación, hasta que finalmente ve a Gabriel Matzneff como el depredador que realmente es. Vanessa ahora tiene un largo viaje para liberarse de su influencia y sanar de su sufrimiento.


La crítica: El diccionario Littré se refiere a El consentimiento, como la conformidad sentimental significando que uno está de acuerdo con la persona que solicita el consentimiento. El permiso se refiere a cosas que no están permitidas, que están prohibidas y para las cuales se obtiene una exención. Pero lo que realmente refleja la cinta gala es la perversidad moral y la manipulación de un hombre de 50 años sobre una inocente niña que alrededor de sus 15 años fue arrastrada a una relación sexual y "amorosa" en la que ella se perdió embaucada por la fama del escritor. 

La cineasta Vanessa Filho se basa en la novela autobiográfica de Vanessa Springora (Ed. Lumen, 2020) para relatar la estremecedora relación que mantuvo la escritora cuando era niña con el reconocido intelectual francés, de entonces 50 años, Gabriel Matzneff. El autor, de 88 años actualmente, cuenta en su bibliografía con varios libros en los que ha manifestado abiertamente su atracción por los menores de entre 10 y 16 años (“Los menores de dieciséis años” o “Diarios íntimos”). Hablamos de un pedófilo en toda regla que sin embargo fue aceptado por la sociedad francesa de los 80 con el falsario mantra de una falsa libertad -amparada en la literatura- en la que todo valía si era "consentido". 

El consentimiento tiene un ritmo pausado, pero fascinante en el que vemos el arte de la manipulación en toda regla. La narrativa, puesta en escena y el desarrollo del filme es hipnótico a la vez que observamos imágenes duras, pero rodadas con sutilidad y una gran delicadeza. Quizás esa naturalidad con la que van sucediendo los hechos sea lo más monstruoso de la película. Otro tema interesante es como la fama de un escritor, cantante, futbolista puede ser tan atractiva para ciertas jóvenes que pueden perder el norte con unas pocas palabras amorosas para caer en las redes de este tipo de depredadores sexuales. 

El filme es un proceso que conduce a la resiliencia. Además, poca gente conoce a Gabriel Matzneff. El hecho de que se le nombre en la película, al contrario que en el libro, donde se le menciona con la inicial G es un acto de justicia poética. Nombrarlo, puesto que el asunto Matzneff ya se había hecho público, también daba fuerza a la película. Nombrar las cosas, en general, también permite enfrentarse a ellas y seguir adelante. Es lo contrario de la negación.


La joven actriz Kim Higelin interpreta de manera virtuosa a la adolescente Vanessa y al calvario al que ella misma se sometió creyendo poder controlar al escritor convertido en monstruo. Éste es interpretado por un buen Jean-Paul Rouve que como todo buen actor se mete tanto en el papel que llega a causar repugnancia. Completa el reparto Laetitia Casta en el papel de la madre de la víctima que es otra que mira para otro lado como el resto de la sociedad que sabía lo que estaba pasando. 

La parte técnica del filme francés es correcta con una buena puesta en escena, una eficaz fotografía y una música que no se impone a las imágenes. Destacaría la triple narrativa -sexual, psicológica y literaria- y la bien recogida premisa de la sociedad literaria e intelectual de entonces, en la que estaba “prohibido prohibir” que en la actualidad parece aún más ridícula que entonces. Hablamos del consentimiento de la pedofilia. 

El consentimiento es un filme que revitaliza al cine francés y que lo saca de su zona de confort asentado en la comedia en los últimos años. El cine es otro testimonio que complementa al literario con otro enfoque sensorial y emocional que quizá permita a otras víctimas reconocerse, liberarse y seguir adelante. De hecho, la cinta se convirtió en un fenómeno viral de TikTok entre las jóvenes francesas que se grababan antes y después de ver la película para mostrar su reacción. Este trend, con más de 7 millones de visualizaciones, ha logrado que el mensaje y el filme lleguen a un público más amplio y joven siendo una de las películas más adultas de los últimos años. 

Nota: 8/10.


Nacionalidad: Francia

Género: Drama

Dirección: Vanessa Filho

Guion: Vanessa Filho

Música: Olivier Coursier

Fotografía: Guillaume Schiffman

Duración: 119 minutos.

Reparto: Kim Higelin, 
Jean-Paul Rouve, Laetitia Casta, 
Sara Giraudeau

martes, 3 de septiembre de 2024

Estación Rocafort: ¿Estación maldita, mito o leyenda urbana?


¡Bienvenidos a la temporada 2024-2025 de Cine y críticas marcianas! En ella seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y comenzamos.

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Estación Rocafort dirigida por Luis Prieto se estrena en cines españoles el próximo día 6 de septiembre de 2024. Protagonizada por Natalia Azahara junto a Javier Gutiérrez y Valèria Sorolla, la película nos sumerge en las entrañas del metro de Barcelona adentrándonos en el corazón de las inquietantes leyendas urbanas que rodean la estación de Rocafort. 


La historia: Un misterio que durante años ha sacudido a la estación de Metro de Rocafort en Barcelona entra de lleno en la vida de Laura (Natalia Azahara) cuando empieza a trabajar en esta vieja y tranquila parada. No tardará en descubrir una leyenda que la empezará a perseguir: allí ha muerto mucha gente en extrañas circunstancias. Laura, decidida a descubrir la verdad, pedirá ayuda a Román (Javier Gutiérrez), un curtido ex policía que alberga sus propios demonios relacionados con el caso. Lo que sea que ocurre en la estación maldita sigue sucediendo a día de hoy. Irá a por ella, y a por todos los que la rodean.


La crítica: Hace 100 años exactos, y esto no sale en la cinta, se construía el Metro de Barcelona. De manera funesta y muy cerca de la que sería la Estación Rocafort se produjo un derrumbe en el que murieron una decena de obreros. Las cosas no empezaban bien. De manera posterior ya en los años setenta la estación fue conocida por una oleada de suicidios con efecto contagio. En las últimas décadas el lugar ha supuesto todo un nido para las leyendas urbanas que han acabado por forjar una película que mantiene el suspense durante sus bien pensados 90 minutos. El mayor problema del filme es que está hilado -mas bien partido- sobre una interesante trama de cine negro que queda en segundo plano para dar centrase en el cine de terror con una sobredosis de fantasmas con perro poseído incluido. En fin, tras 100 años la Estación de Metro de Rocafort sigue con problemas, pero ya tiene película. 

Iván Ledesma, guionista de la película, se documenta bien a través de diferentes trabajadores del Metro, tanto antiguos como nuevos, y ellos, le abrieron las puertas de los lugares que normalmente están vetados a los viajeros comunes. Allí descubrió un sinfín de historias increíbles: sitios escondidos dentro del metro, almacenes llenos de historia de la ciudad, estaciones nunca acabadas con leyendas propias, vías muertas, relatos de fantasmas, viajeros que salen en las pantallas de seguridad pero no están allí, puntos negros de la red donde los suicidios son frecuentes y que se ocultan o no se tratan de publicitar para evitar el "efecto llamada". Ocurre en muchas vías ferroviarias de Cercanías o en otras ciudades como París o Madrid donde se han planteado vallados transparentes para evitar accidentes o suicidios. Esta parte, bienintencionada o sugerente, se lleva al maximalismo por parte del cineasta y lo que podría ser una buena historia de suspense se va deshilvanando en una trama en la que hay más fantasmas metropolitanos que turistas en Benidorm. Laura, la joven que entra a trabajar como novata a Rocafort, se puede ir preparando -también el espectador- para fantasmas de todo rango -no podía faltar el perro- e incluso tendrá tiempo para ser poseída aunque dejaremos este verbo para la imaginación morbosa del espectador. 

Estación Rocafort, sin embargo, contiene otra parte más interesante narrada a través del cine negro sobre un crimen (ficticio) ocurrido en la parada en 1999. 25 años después el ex inspector de policía, Román, sigue frustrado y dando vueltas a lo ocurrido aquella noche. Se ha vuelto un ser taciturno, bebedor y descreído hasta que llega Laura para pedirle ayuda sobre las visiones y pesadillas que está comenzando a tener en su nuevo trabajo. Él escribió un libro sobre un asesino de una linea de Metro y tras pensarlo decide ayudar a la muchacha y con ello ayudarse a sí mismo sobre el caso que le hizo ser expulsado del cuerpo de policía. El problema del filme surge cuando se intentan fusionar ambas líneas narrativas y se opta por dar todo el peso a la línea paranormal en la que el espectador ya no sabe quien es fantasma, quien perro, quien taquillera de Metro o porque Laura no se va a trabajar a una floristería adonde la vida le parecería mucho más linda, colorida y con buena fragancia. 


La joven actriz Natalia Azahara realiza un trabajo muy sólido interpretando a Laura. Un personaje que representa a una nueva generación con trabajos precarios, soledad sentimental y sobre todo con una enorme dificultad para encontrar una vivienda digna. Ya decíamos que el mejor personaje del filme era Román interpretado por un gran Javier Gutiérrez: ex policía, alcohólico, turbio, incorrecto, pero sabedor del caso Rocafort y de las vertientes que se abren a su paso. Laura tiene una compi-amiga con más peligro que Rambo en Ucrania. Interpretada de manera muy pícara por la nominada al Goya, Valeria Sorolla, veremos que es un personaje con sorpresa incluida. Por último, destacar al gran Celso Bugallo que interpreta al hombre que estuvo implicado en el crimen de 1999 y que permanece ingresado en un psiquiátrico y que tendrá la clave de la estación maldita. 

En la parte técnica tenemos un problema. Un problemón diría yo. La iluminación diurna ya es deficiente, así que imaginaros como será la nocturna en el Metro de Barcelona. Al menos durante 20 minutos de la película se vera una pantalla negra con personajes hablando o matando sin que se vean más que sombras. El filme, por tanto, es oscuro hasta decir basta. Este falso truco no cuela ya. No se crea misterio por iluminar mal la noche. Se crea cabreo. Se puede grabar de noche, grabar en el Metro e incluso grabar en el mismo infierno con una iluminación correcta e incluso vistosa como ha quedado demostrado en decenas de películas desde el cine clásico hasta nuestros días. En la parte buena destaca la música de Nami Melumad que sabe mantener el suspense hasta el final. 

Estación Rocafort me ha parecido un filme fallido aún partiendo de un buen planteamiento. La historia es intensa y el metraje de 90 minutos es muy sabio ya que mantiene el suspense hasta el final. Un final por cierto que se pierde buscando el origen del Mal. Este toma forma de demonio pre-colombino venido desde México, se apoya en la mitología de los perros cancerberos y como no podía ser de otra manera se asienta sobre las personas poseídas. Gente con ganas de dar la monserga a otras personas que bastante tienen ya con su vida normal de ir a Mercadona, pasear al perro a las siete de la mañana o irse una semana en agosto a la playa con suegra, niño, nieta, amigo del niño, mujer o marido, perro, gato, sombrilla y crema para el sol. Con lo bien que se está en casa. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: España

Género: Suspense - Terror

Dirección: Luis Prieto

Guion: Iván Ledesma

Música: Nami Melumad

Fotografía: Marc Miró

Duración: 90 minutos

Reparto

Laura: Natalia Azahara

Román: Javier Gutiérrez

Cris: Valèria Sorolla

Andrés: Xavi Sáez

Albert: Francesc Albiol

Toni: Aimar Vega

Luis: Tatín Revenga

Elías: Celso Bugallo