Vivarium es un filme estadounidense dirigido por Lorcan Finnegan que se estrena en cines virtuales el próximo 8 de abril. La iniciativa parte de A Contracorriente Films ante la crisis del coronavirus. La película llegó a estrenarse en los cines de Francia y ahora llega a las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv. También podrá verse en la Sala virtual de Cine y si se reabren las salas durante el mes de abril o mayo podrá estrenarse también de manera convencional en los cines.
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La historia: Tom (Jesse Eisenberg) y Gemma (Imogen Poots) son una joven pareja que deciden dar el paso de irse a vivir juntos. Para ello, visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño tipo que les acompaña a Yonder. Esta, es una nueva urbanización donde todas las casas son idénticas. De repente, el agente de ventas se esfuma y la pareja queda atrapada en la laberíntica urbe donde nada es lo que parece.
La crítica: Cuando un servidor pensaba que lo había visto todo en la vida y en el cine, los acontecimientos vividos durante el último mes demuestran que la realidad supera con creces a la ficción. Vivarium es un filme tan novedoso y extraño que también rompe la premisa de que en el cine estaba ya todo inventado.
Un vivarium es un área, generalmente cerrada, para guardar y criar animales o plantas para observación o investigación. Frecuentemente, se simula en una pequeña escala una porción del ecosistema de una particular especie, con controles para condiciones ambientales.
Nunca sabremos si nuestra especie es una enorme granja humana dirigida por un Dios o si simplemente somos un accidente de la Naturaleza que nos permite habitar por el momento sobre el planeta azul.
La premisa del filme es muy original y apenas se puede encontrar alguna referencia en el marco estético con El show de Truman. Lo demás es muy novedoso. Tom y Gemma están atrapados en una urbanización sin vida. Tras dar vueltas y vueltas con el coche para encontrar la salida deciden pasar la noche en una de esas idénticas casas. Al despertar y salir a la calle se encuentran con una nueva sorpresa. Un bebé con estas instrucciones: "criad al niño y seréis liberados".
Vivarium nos habla de manera distópica de la supuesta vida ideal que ha calado en la sociedad actual. Casas con jardín, buen posicionamiento social y un buen coche en la puerta. Es el cebo que conduce a muchos a la trampa de hipotecarse de por vida. Las áreas naturales se destruyen para dar paso a filas de casas idénticas. Son laberintos para que una sociedad atomizada viva su días sin pararse a pensar. Comemos alimentos procesados envueltos en plástico, los medios nos llevan al pensamiento único y el propio consumismo nos consume como especie.
Vivarium se alimenta de estas ideas. La narrativa las amplifica y lo ordinario se hace extraordinario a través de la lente de la ciencia ficción. Hablamos de una historia surrealista y retorcida que es también oscuramente humorística. Un universo hipnótico reflejado con gran inteligencia emocional.
En el reparto destaca Imogen Poots (Jane Eyre). La actriz británica fue galardonada en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges por este papel. La complejidad de su personaje radica en que se ve obligada a ser madre de un niño tan siniestro que dan ganas de rebanarle la cabeza. Este papel es interpretado de manera maestra por el niño Senan Jennings. Sin duda, se coloca como uno de los favoritos a mejor actor revelación del año en curso. Un personaje realmente terrorífico y que aporta también novedades respecto a porque los niños siniestros asustan tanto en el cine. Por último, un irregular Jesse Eisenberg (Café Society) ocupa el papel del desconcertado "hombre de la casa".
En conclusión, Vivarium me ha parecido una perfecta crítica a la sociedad de consumo y un retrato descarnado del matrimonio como institución. Pero si por algo destaca la producción es por las altas dosis de suspense y por el mensaje que nos deja sobre el recorte de las libertades civiles. Su final redondo y circular completan una experiencia muy sorprendente.
"El futuro pertenece a quienes creen en la belleza de sus sueños". -Eleanor Roosevelt.
¿Qué es el tiempo? ¿Cuánto vale un segundo, un minuto o una hora de nuestro tiempo? ¿Empatizamos ahora con las personas que viven solas, aisladas o incluso en una prisión? El cine, o el cortometraje en este caso, suele tener respuestas para casi todo. Los días de confinamiento por el coronavirus siguen pasando y ya comienzan a recordarnos al famoso día de la marmota del filme Atrapado en el tiempo.
Todos somos un poco Bill Murray al despertarnos cada mañana.
Tiempo al tiempo es un corto español dirigido por Alex Vallejo en el año 2015. Está interpretado por Arántzazu Carsí y nos propone en apenas dos minutos una interesante reflexión sobre el tiempo. Es además, una historia común que habla de las cosas que nos enamoran. Estas son, a veces, las que también nos separan. Una historia de finales, de amores negados y de deseos perdidos. Pero sobre todo es una historia de esperanza y un toque de atención para cada segundo que nos regala la vida.
¡Un fuerte abrazo para todos y adelante terrícolas!
Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas al cineasta español Manolo Munguía. Debido a las circunstancias excepcionales que vivimos a cuenta de la grave situación de salud pública la entrevista se ha realizado a través de medios telemáticos.
Con estudios de Ingeniería de Telecomunicación en Santander y Dirección de Cine en Barcelona, Manolo Munguía ha participado en diversos cortometrajes como Director de Fotografía ("Colmillos de Felpa" o "Envidia") y ha dirigido dos cortos con presencia en festivales de cine internacionales. Fueron "GOW" y "ROTA" y están disponibles en Youtube.
Su debut en el largometraje se produjo con la película "H0us3". Se estrenó en cines durante el otoño pasado y podéis leer la crítica que realicé en el siguiente enlace. Sin más preámbulos, os dejo ya con la entrevista.
Hola, Manolo. En primer lugar te quiero felicitar en nombre de los lectores de Cine y críticas marcianas por tu ópera prima.
Muchas gracias a vosotros por vuestro tiempo.
También quiero agradecerte de forma muy especial la concesión de esta entrevista telemática en estos tiempos tan complejos para la salud pública. Para situar en el contexto adecuado al lector que aún no conozca “H0us3”, ¿cuál es el argumento central de la película?
Bueno, aviso que voy a soltar algún spoiler (no todos) para captar más interés. La historia trata de unos antiguos compañeros informáticos de Universidad que quedan para verse después de muchos años. Uno de ellos les confiesa haber desencriptado un archivo de Wikileaks imposible de abrir. Ante la incredulidad del resto del grupo, les enseña algo que ha encontrado dentro: una aplicación móvil que puede ver lo que va a pasar 30 segundos en el futuro. A partir de ahí, todo se complica.
¿Cómo surgió el proyecto o la idea del filme y qué mensaje tratas de transmitir con este largometraje?
Siempre quise hacer un largometraje. Después de estudiar cine, ayudar en algunos cortos y dirigir dos de ellos, me decidí a lanzarme a rodar el largo. Animo desde aquí a todos los cortometrajistas a hacer lo mismo.
Creo que toda película debe cumplir con tres principios: Formar, Informar y Entretener. Nuestra película “Forma” sobre todo al comienzo de la peli, donde tratamos de explicar los conceptos más básicos de seguridad de redes. También “Informa” al espectador de la existencia de los archivos de Wikileaks, los “Insurance Files” y de los peligros de Internet. Y por supuesto “Entretiene” en cuanto da el salto a la ciencia ficción. Me doy por satisfecho si el espectador, después de ver la película, decide cambiar sus contraseñas por unas un poco más seguras.
Durante el filme, un personaje pronuncia la frase clave: “Este es el peso de hacerse adultos”. ¿Cuándo somos conscientes de ese peso y qué responsabilidades conlleva para las nuevas generaciones?
Creo que a medida que nos hacemos adultos, vamos pasando de Idealistas a Realistas. Creo que la clave es encontrar un punto de equilibrio: mantener sueños y metas en nuestra cabeza pero sin perder de vista las reglas de la realidad del mundo en el que vivimos.
Con respecto a las nuevas generaciones: mi abuelo no llegó a entender cómo funcionaba el video VHS. Mi padre usa lo mínimo en su iPad y se lía en cuanto le sacas de lo más básico. Creo que las nuevas generaciones nos adelantarán del mismo modo. Nos costará el triple que a ellos entender las últimas novedades en tecnología.
Fotografías por cortesía de Manolo Munguía y Ghostdog
La película cuenta con una secuencia inicial de aproximadamente 45 minutos de duración. ¿Cómo conseguiste que tuviera el tempo narrativo perfecto y cuánto tiempo llevó la grabación de este segmento de la producción?
Te refieres a la escena de la cena, con la mesa en el comedor, ¿verdad?
Así es.
Es una escena en la que se tocan los temas más interesantes y punteros de las nuevas tecnologías, y la conversación deriva poco a poco en lo vulnerables que somos en las redes sociales. De ahí a Anonymous. De ahí a Assange, a Wikileaks, y a sus “Insurance Files”. Lo más importante era conseguir que el espectador no se aburriera al aprender ciertos conceptos básicos, y también que poco a poco fuera cogiendo interés en estos archivos tan secretos. Que, por si alguien tiene dudas, son de verdad y se pueden descargar.
Rodamos esa escena en unos 7 días, con muchísimos planos y tiros de cámara distintos para que el espectador no se aburriese de ver siempre el mismo plano. La magia final la puso Sergio Martínez, que editó toda la peli dándole el dinamismo requerido.
¿Cómo fue la selección de este sorprendente grupo de jóvenes actores? ¿Han salido amistades de ese intenso rodaje con un reparto tan coral?
Orson Welles recomendaba tratar al equipo de rodaje como si se tratase de una familia. Yo he intentado hacer lo mismo. Arrancamos la elección del reparto con Cristina Raya, porque desde la escuela de cine es una fija para nosotros. Cristina nos presentó a Víctor Gómez, que además de coger un papel en la película, nos ayudó muchísimo con el casting, porque conoce a muchísimos actores. De unos llegamos a otros y así poco a poco cerramos el casting. No llegamos a publicar ningún anuncio ni nada parecido, fue todo boca a boca. Y los actores se apuntaron principalmente por el guión. Porque era algo fresco y novedoso.
Estoy enormemente satisfecho de decir que todavía tenemos un grupo de Whatsapp donde vamos poniendo temas relevantes y los actores son los que más presencia tienen en redes sociales. El otro día (antes de la cuarentena) montamos una cena para celebrar los dos años del comienzo del rodaje.
También quiero decir que a nivel personal estoy extremadamente contento con el resultado de los actores. Estoy totalmente convencido de que he podido contar con más de un diamante en bruto, actores que subirán como la espuma en pocos años.
¿Qué sucedió para que no se pudieran hacer más tomas exteriores de un paraje tan bello como es Vega de Liébana en el Norte de España?
Ese es un tema sensible porque yo soy de Cantabria. Me dio mucha rabia pero fue una cuestión de tiempo. Teníamos los permisos para rodar en el Mirador de La Hermida en Santa Catalina, en el Mirador del oso pardo y el Monumento al salmón, también en el desfiladero de la Hermida. No pudimos hacer ninguno de esos planos por problemas de tiempo. Es lo que tiene rodar una peli con tantos planos en tan solo 18 días. Fue una pena no poder sacar más exteriores de mi tierra.
“H0us3” ha sido reconocida y premiada en diversos festivales. Hubo una buena recepción general entre la crítica, pero algún reportero no supo comprender la escasez de recursos económicos que casi toda ópera prima independiente conlleva. Alguna crítica, por ello, fue ofensiva e injustificada en su agresividad. ¿Cómo has llevado esta dualidad emocional de buenas críticas y galardones con las críticas que han sido menos buenas?
He de admitir que los premios que estamos recibiendo en los festivales de cine nos llenan mucho, porque es gente que nos valora de una forma totalmente objetiva. Y que después de revisar cientos y cientos de películas que han recibido, eligen la nuestra. Por ejemplo, hace mes y medio estuvimos en el festival de Praga de Ciencia Ficción “Future Gate”. Competíamos con “H0us3“ contra "The Last Sunrise" (la peli china independiente del 2019) "Little Joe" (Mejor Actriz en Cannes 2019), "Vivarium" (con Jesse Eisenberg), "Color out of space" (con Nicholas Cage) y "Synchronic" (de Justin Benson y Aaron Moorhead, con Jamie Dornan). Y ganamos el Premio del Público. Les encantó. Por encima de todas las anteriores.
Llevamos 19 premios de festivales de cine y nunca pensamos conseguir tanto.
Respecto a las críticas negativas, creo que es un tema ligado a la madurez de cada persona. Yo personalmente valoro cualquier tipo de crítica, siempre y cuando sea constructiva. Una crítica ha de venir con una propuesta de cómo se podría hacer mejor las cosas. Las críticas “destroyer” que hemos recibido en algunos casos (“La peor película de la historia”, “Todo mal” y cosas así) no nos aportan nada. Las respetamos, como cualquier opinión, pero ahí se quedan.
La película, tras su estreno en España, ha gustado mucho en Rusia por las noticias que me llegan a través de Twitter. ¿Cómo está siendo la aventura rusa del filme? ¿Te ha sorprendido este éxito en un mercado tan gigantesco como es el ruso?
Estuvimos en el mercado de cine de Málaga de 2019 y allí nos la compró una distribuidora rusa. Tuvieron que doblarla y aplazaron el estreno varias veces, pero por fin salió en cine en Diciembre de 2019. Las salas se llenaban con Star Wars y con Jumanji y nuestra peli no tuvo el público que nos hubiera gustado, pero aún así la vieron más de 4000 rusos en cines. En Enero salió en VOD en iTunes y ahí ya llegó a mucha más gente. A los actores les han aparecido fans en Rusia y a nosotros nos ha escrito gente directamente, dándonos la enhorabuena por la peli. Y por supuesto también tenemos “haters”, que se esperaban explosiones y robots gigantes.
¿Cómo se puede ver la película de manera online? ¿Has negociado ya con Netflix u otras plataformas? ¿Saldrá en DVD o en otros formatos físicos?
Neflix nos dijo que no estaban interesados, a pesar de que a mucha gente nuestra película le recuerda a Black Mirror. “H0us3” se puede ver desde España en la plataforma “Planet Horror”, que creo que está preinstalada en las TVs Samsung desde 2018. Link directo: H0us3 en Planet Horror
La plataforma requiere una suscripción anual de 20€ con lo que se queda en menos de 2€ al mes: o sea que hay que pagar pero es muy barata.
De momento no tenemos pensado el lanzamiento en formato físico, simplemente porque nos hemos quedado sin dinero. Pero es algo que me gustaría poder hacer más adelante, una edición muy limitada, solo para coleccionistas.
¿Qué significa para ti el cine y qué te impulso a ser cineasta?
Adoro el cine desde que era niño, es sin duda alguna mi gran pasión. Quise estudiar cine con 18 años pero era muy complicado desde Santander así que estudié Telecomunicaciones. En realidad los mundos del cine y de las telecomunicaciones son perfectamente compatibles. Años después, ya en Barcelona, pude compaginar mi trabajo con los estudios de Dirección Cinematográfica.
De acuerdo con algunas estimaciones, la crisis del coronavirus podría suponer una pérdidas de hasta 5.000 millones de dólares según informa The Hollywood Reporter. ¿Cómo ves la situación de la industria cinematográfica en España y que petición harías al Ministerio de Cultura?
Creo que esta crisis nos va a afectar a todos. A unos más que a otros, pero a todos. Mi petición a Cultura sería ayudar a potenciar proyectos independientes como el nuestro. Un cortometraje se puede hacer en un fin de semana, con cuatro amigos y donde todos saben que nadie cobra nada. Pero es muy difícil levantar un largometraje serio si no eres nadie y si no tienes un padrino que te avale. Nosotros fuimos con nuestros ahorros, con un préstamo de La Caixa que seguimos pagando y con una pequeña ayuda del Gobierno de Cantabria. No conseguimos nada del ICAA ni del ICEC. Amenábar consiguió 1,4M€. Con el 1% de esa ayuda nos hubiera dado para un par de días más de rodaje y podríamos haber rodado las escenas de exteriores que nos faltaron.
¿Qué proyectos tienes entre manos en el mundo del cine o de las series?
Invertimos todos nuestros ahorros para hacer la película y a pesar de que fue muy “barata” para el mundo del cine, de momento hemos recuperado aproximadamente el 15% de lo invertido. Cualquier proyecto futuro depende de que recuperemos el 100% o más.
Por último. ¿Qué sentiste al ser premiado con un galardón tan suntuoso como el Premio Marciano al Mejor Director Novel 😂? ¿Te decepcionó que el premio se vaya a pagar con dinero del Monopoly?
Nos encantó el premio en cuanto lo vimos y se lo comunicamos a todo el equipo. Cualquier premio es extremadamente reconfortante para nosotros porque significa que nuestra peli gusta. Lo que importa no es el premio material sino la visibilidad que nos da en las redes, de igual forma que esta misma entrevista.
Como buen apasionado de las nuevas tecnologías tengo gafas de realidad virtual en casa, un dron, aplicaciones de realidad aumentada y por supuesto una impresora 3D. Sigo pensando en diseñar un trofeo con vuestro logo en 3D e imprimirme el premio en filamento de cobre o algo así 😂.
TEST PERSONAL
Tu película preferida de todos los tiempos
Sed de Mal
Una película para tiempos de crisis
Propongo “The Man From Earth” porque es una gran desconocida y a nosotros nos inspiró mucho. También “Coherence” y “The Invitation”
Tu actor preferido
Aunque ya no actúe, sigo teniendo predilección por Michael J Fox.
Tu actriz preferida
Te voy a sorprender. Me quedo con Miriam Tortosa, nuestra “Mony” en “h0us3”.
¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?
Me hubiera encantado estar en el rodaje de Sed de Mal, por supuesto. Sobre todo la noche del rodaje del plano secuencia del comienzo, que repitieron una y otra vez hasta que empezaba a asomar la luz del alba.
Tu festival de cine predilecto
El Future Gate de Praga. Totalmente recomendado.
La sala de cine más bonita que hayas conocido
El Cine Coliseum de Santander. Tengo muchísimos buenos recuerdos de mi infancia en ese cine. Las mejores películas las vi ahí.
Cine, teatro o series de televisión
Los tres. Es como primer plato, segundo plato y postre. Los tres.
Un libro que te gustaría recomendar
Me encantó y recomiendo “This is Orson Welles” de Peter Bogdanovich. Me inspiré en ese libro para hacer mi primer cortometraje “GOW”
Tu plato de comida preferido
Tortilla de patatas
Tu deporte preferido
Solía hacer Judo, pero los años pesan…(risas)
Tu canción favorita
Creo que la canción que más habré escuchado es “It's Gonna Kill Me” de Filter
Una ciudad para vivir
Santander
Una ciudad por conocer
Tokio
Una ilusión por cumplir
Viajar a Japón
Muchísimas gracias Manolo por esta completísima entrevista y mucha suerte con tus futuros proyectos. Nos despedimos ya con el tráiler de la película y con el original póster con el que se presentó la película en Rusia.
Cómo ya sabéis los cines en España están cerrados por el coronavirus y no queda otra que tener paciencia hasta que la crisis de salud pública sea superada. Por eso en el día de hoy, y ya que vamos a estar mucho tiempo en nuestras casas, quiero recomendar diez películas muy especiales.
1. La La Land dirigida por Damien Chazelle.
Nada mejor que un musical para levantar el ánimo en estos tiempos de crisis. La La Land es el musical de los musicales y un repaso implícito a la historia de la cinematografía mundial. La cinta estadounidense galardonada con seis Oscars de la Academia es cine dentro del cine como apreciamos en la imagen superior. Su fuente de inspiración bebe de la mítica Casablanca de Michael Curtiz. Bogart sale mencionado expresamente en el filme y el póster con la imagen de Ingrid Bergman preside una secuencia. De hecho, la imagen de portada de Cine y críticas marcianas recoge la misma. Emma Stone preside el blog marciano. En mi crítica en el momento del estreno recibió la máxima puntuación.
2. Resacón en Las Vegas dirigida por Todd Phillips.
Hablar de Resacón en Las Vegas es hablar de Bradley Cooper y viceversa. El novio de América alcanzó la celebridad mundial en una película que obtuvo casi 500 millones de dólares de recaudación en taquilla. Desternillante por momentos y un excelente ejemplo de comedia gamberra. El filme estadounidense subirá tus endorfinas en estos duros momentos. Excelente su guión. Sin embargo, sus secuelas dejaron ya bastante que desear. Me quedo con la primera parte.
3. Inside Out de Disney-Pixar.
Alegría, ira, tristeza, asco y miedo. Estas cinco emociones que en algún momento todos vamos a sentir durante este confinamiento quedan recogidas de manera maestra en esta película animada. Las transiciones del desarrollo evolutivo por las que todo ser humano pasa, se representan en la película de forma muy interesante. Así entonces, podemos encontrar situaciones como la importancia de los lazos familiares y sociales, la madurez proveniente del paso de los años y la represión de símbolos amenazantes u hostiles. Un filme que además contiene las suficientes dosis de humor para pasar un gran momento junto a los más pequeños.
4.Los paraguas de Cherburgo dirigida por Jacques Demy.
Alucinante e incluso, visto hoy día, extraterrestre musical francés del año 1964 con una extraordinaria música compuesta por Michel Legrand. Nos hallamos ante una película inocente, blanca y extremadamente llamativa por sus diálogos completamente musicalizados. De colores muy intensos y vestuario que nos recuerda a La La Land, supuso el salto al estrellato de la gran actriz francesa Catherine Deneuve que apenas contaba con 20 años.
5. Una noche en la ópera dirigida por Sam Wood.
Supuso la sexta película de los hermanos Marx y la primera para la Metro-Goldwyn-Mayer. Obra maestra que siempre será recordada por la secuencia del camarote. Tanto es así, que mucha gente piensa que la cinta se titula "El camarote de los hermanos Marx". Esta frase, además, se utiliza de manera popular para cientos de situaciones. En mi opinión, nos hallamos ante la mejor secuencia cómica de la historia de la cinematografía. La película es del año 1935 del siglo pasado. En quince años se cumple su centenario y debería ser exhibida como homenaje en todos los cines de manera simultanea.
6. Angel-A dirigida por Luc Besson
Angel-A es un cuento urbano de carácter romántico apoyado en una magistral dirección de fotografía en blanco y negro. El encargado de llevarnos a recorrer el París de nuestros días con unas imágenes de ensueño, fue el maestro Thierry Arbogast que compuso auténticos lienzos en movimiento. Con este extracto de mi reseña en la sección de ¡Qué maravilloso es el cine!, quiero volver a recordar y recomendar una película absolutamente imprescindible para ver en tiempos de crisis. Imperdible.
7.Matrimonio a la italiana dirigida por Vittorio De Sica
Una de las películas preferidas de mi padre y por tanto una comedia que tuve oportunidad de ver varias veces desde que era un niño. Con una bellísima Sophia Loren y un no menos atractivo Marcello Mastroianni, hablamos de una de las películas cómicas cumbre del cine italiano. Data del año 1964 y detrás de la hilarantes situaciones que se producen, también se encuentran mensajes profundos en torno al egoísmo, el amor, el engaño o la amistad. Para ver en pareja.
8. Aterriza como puedas de Jim Abrahams, David Zucker, Jerry Zucker.
Descacharrante comedia estadounidense del año 1980 que recuerdo con gran cariño. La primera vez que la vi era un niño marciano y varias veces me tuve que tapar los ojos pues me faltaba el aire ante las carcajadas que me produjo. Lo que se viene conociendo como "partirse de risa". La cinta es una parodia satírica de los filmes catastróficos que se rodaron en aquella época. La premisa era sencilla: tras enfermar la tripulación en pleno vuelo, un ex-piloto de combate se tiene que hacer con los mandos de un avión que no controla en absoluto. Las situaciones que se van sucediendo son a cada cual más hilarantes. Fue considerada la décima película más cómica de la historia del cine estadounidense por el American Film Institute. La volveré a ver en estos próximos días.
9.La escopeta nacional dirigida por Luis García Berlanga.
Una de las mejores comedias de la historia del cine español que fue estrenada en 1978. La historia nos cuenta las peripecias de un empresario catalán que viaja a Madrid, acompañado de su amante, para asistir a una cacería que él mismo ha organizado. Lo que busca es relacionarse con gente de la alta sociedad española para promocionar su negocio. En la finca del marqués de Leguineche conoce a personajes de amplio pelaje y a cada cual más disparatado. La cinta fue una ácida crítica al tardo-franquismo y a la propia idiosincrasia del carácter de los españoles. Tras este filme se acuñó la frase: "La España de Berlanga" para referirnos a multitud de situaciones. A cuenta de la crisis del coronavirus esa España ha vuelto a reaparecer con fuerza. Cabe recordar que en el Estado de Alarma, decretado por las autoridades, se permite el transito para ir a comprar o sacar a pasear a la mascota. Como no podía de ser de otra manera en el país ibérico la picaresca se ha impuesto. Ahora los perros son alquilados por horas para que la gente pueda salir a estirar las piernas. Spain is different.
10. ¡Qué bello es vivir! dirigida por Frank Capra.
Para acabar con este decálogo de recomendaciones quiero finalizar recordando una película muy especial. Su visionado es válido para cualquier caso de crisis existencial o de emergencia mundial como el que estamos atravesando. Escribí una retro-reseña muy especial junto a mi querido amigo David Rubio. Su mensaje es ahora más necesario que nunca. Más si cabe para afrontar la crisis de salud pública que estamos viviendo. Por eso, quiero recordar que: "La vida de cada persona, no pertenece en exclusiva a su individualidad. De hecho, cada persona afecta en la vida de otras muchas de una manera extraordinaria". Como decía, mi también amiga a la distancia, Alma Baires en la anterior entrada de Cine y críticas marcianas: "A nuestros abuelos les han pedido que vayan a la guerra; a nosotros que nos quedemos en casa...". Contribuyamos a ello. ¡Ánimo terrícolas! Unidos venceremos al maldito bicho.
P.D. Os pido vuestra contribución en los comentarios a través de la siguiente pregunta:
¿Cuál es vuestra película preferida y, por tanto, cuál es vuestra recomendación cinematográfica para pasar mejor el confinamiento?
Tras el cierre de los cines en China, Corea del Sur e Italia las medidas preventivas contra el coronavirus (Covid-19) ya afectan también a la industria del cine en España y por ende a Cine y críticas marcianas. De momento, en el país ibérico las salas de cine se mantienen abiertas pero en Madrid se verán reducidos los aforos según la última orden ministerial. En primer lugar y como no podía ser de otra manera quiero expresar mi pesar por los fallecidos a cuenta del virus. Desde luego ahora lo más importante es afrontar esta crisis de salud pública y desear una pronta recuperación a todas las personas que estén o podamos ser infectadas en un futuro. Una vez dicho esto, quiero expresar que mientras un solo cine de la ciudad de Madrid siga abierto el blog marciano seguirá informando puntualmente de los estrenos que se vayan produciendo. Si en algún momento se decretara el cierre de los cines o un servidor se viera afectado por algún tipo de cuarentena, trataría de buscar otros contenidos cinematográficos de películas para el recuerdo o curiosidades de cine.
De momento, la crítica que iba a ser publicada en el día de hoy se suspende por el aplazamiento de su estreno. Se trata de la película Operación Camarón dirigida por Carlos Therón y protagonizada por Julián López, Carlos Librado, Nene, y Natalia de Molina. Su estreno previsto para este 13 de marzo se pospone hasta el próximo día 11 de septiembre. También se suspende la promoción y las entrevistas para las que un servidor había solicitado estar presente. La decisión se toma de manera unilateral por Disney España y Telecinco Cinema que son los que tenían los derechos sobre la misma. Por mi parte dejo en el aire si la crítica se publicará en septiembre u optaré por dar voz a otro estreno de mayor interés que se pueda producir en la citada fecha. Ya veremos.
Otra película que tenía ya vista y realizada la crítica es Un amigo extraordinario protagonizada por Tom Hanks y cuyo estreno estaba previsto para el próximo 20 de marzo. En esta ocasión ha sido Sony Pictures la que pospone su estreno al verano de 2020 sin fecha fija. Igualmente veremos si llego a publicar la crítica pues dependerá si estoy de vacaciones o no.
Otra medida llamativa ha sido la suspensión del Festival de Cine de Málaga en el que se pre-estrenan una buena parte de las películas españolas que íbamos a ver en este año 2020. El Ayuntamiento de Málaga ha comunicado a través de su cuenta de Twitter su decisión de aplazar el festival que habría de celebrarse a partir de este fin de semana.
Las dificultades organizativas que ha planteado el virus COVID 19 aconsejan la cancelación, según el Ayuntamiento, ya que la mayoría de los profesionales convocados al festival no van a poder llegar a Málaga. De momento, no hay ningún dato sobre en qué momento se espera reprogramar el certamen.
Otras medidas al cierre de esta publicación son las siguientes:
1. La tercera película programada por Telecinco para 2020, Malnazidos, que ocupaba ese 11 de septiembre, se ha quedado con su estreno en el aire.
2. Otras películas españolas, como El inconveniente, de Bernabé Rico, con Juana Acosta y Kiti Manver, con fecha de estreno inicial el 3 de abril, se están planteando aplazar su salida.
3. La última entrega de James Bond, Sin tiempo para morir, aplazó su estreno en todo el mundo del 2 de abril al 25 de noviembre. Aquí hay que contemplar también la taquilla china, la segunda en importancia en el mercado.
4. El rodaje en Italia de Misión: Imposible 7 se ha cancelado (algo bueno tenía que tener el coronavirus).
5. El estreno en China de Mulan ha sido aplazado sine die, mientras en el resto del mundo se estrenará el 27 de marzo (veremos).
6. El Festival de Cannes sigue adelante a pesar de que el Gobierno francés ha prohibido reuniones de más de 5.000 personas en recintos cerrados hasta el 31 de mayo (veremos).
7. La industria cinematográfica india anuncia el aplazamiento de su gran ceremonia anual, equivalente a los Oscar de Bollywood, debido a la epidemia de coronavirus. Los premios de la International Indian Film Academy (IIFA) debían entregarse el próximo 27 de marzo en la ciudad de Indore (India central).
8. De acuerdo con algunas estimaciones, la crisis por el Covid-19 podría suponer pérdidas de más de 5.000 millones de dólares, asegura el diario especializado The Hollywood Reporter, mientras estudios como Disney y Universal reducen al máximo los viajes de sus ejecutivos y los desplazamientos en rodajes.
9. Los musicales El rey león y Anastasia en Madrid han decido anular las funciones de estos dos espectáculos hasta el 25 de marzo. 40.000 personas habían comprado entradas para los espectáculos.
10. El Ayuntamiento de Madrid fue más drástico y anunció el cierre todos los teatros municipales (Español, Fernán Gómez) y otros centros como Matadero hasta el 27 de marzo. El Centro Dramático Nacional suspendió el lunes las actuaciones del Piccolo Teatro de Milán previstas esta semana y los Teatros del Canal han anulado las de Pippo Delbono el 2 y 3 de abril.
Por el momento es todo. Me reitero en que Cine y críticas marcianas seguirá dando cuenta de los estrenos de cine mientras las salas permanezcan abiertas. Es cierto que las anulaciones o aplazamientos de algunos estrenos complican tener una buena programación de las entradas correspondientes.
Suerte y salud amigos terrícolas. P.D. Actualización informativa a 13 de marzo de 2020:
Los cines en Madrid, ciudad en la que resido, han sido cerrados hasta nueva orden. Como comentaba en esta entrada publicada el 12 de marzo Cine y críticas marcianas no cierra. A partir de ahora y hasta la re-apertura de los cines, se publicarán críticas de películas ya estrenadas o contenidos relacionados con la cinematografía en general. Mucho ánimo para todos y gracias por vuestra atención.
La camarista dirigida por la cineasta mexicana Lila Avilés se ha estrenado en España el día 6 de marzo. La cinta galardonada en los premios Ariel y en el Festival de Morelia fue la apuesta de México para competir en los Premios Oscar de este año 2020.
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La historia: Eve (Gabriela Cartol) trabaja en un lujoso hotel de la Ciudad de México ejerciendo las funciones de abnegada camarista. Ella, confronta la monotonía de los largos días de trabajo con exámenes silenciosos de las pertenencias olvidadas de los huéspedes más adinerados. Con el objetivo en mente de ascender en su puesto de trabajo, acepta apuntarse a un programa de escolarización que ofrece la dirección del establecimiento. Así mismo, comienza a forjar nuevas amistades con los demás empleados.
La crítica: La reivindicación de los derechos laborales pueden encontrar diversas formas de expresión. El cine, desde el arte, tiene a veces mayor poder de concienciación que cualquier manifestación callejera. Estas a veces solo ocupan segundos en un noticiero. En España, a las camaristas se las conoce como camareras de pisos. Dicho sin eufemismos, son las personas que limpian las habitaciones de los hoteles para los huéspedes. Curiosamente en el país ibérico estas se han asociado con un nuevo apodo siendo conocidas como "Las Kellys".
Ellas, -aunque también trabajan hombres de forma minoritaria- optaron por unirse sin importarles sus preferencias políticas para dar visibilidad a su profesión. A inicios de 2016 con el fin de hacer oficial su existencia, optaron por constituirse como asociación. Sus reivindicaciones abarcan desde el derecho a la jubilación anticipada hasta la vinculación de la categoría de los hoteles a la calidad del trabajo que realizan.
En La camarista observamos de una manera sutil y cadenciosa como es la vida -a través de Eve- de estas personas que no pocas veces cumplen las funciones de ángel de la guarda. Y es que las situaciones imprevisibles que se pueden producir en la habitación de un hotel son muy peculiares.
La cinta rodada de una manera muy delicada se podría calificar como cine de arte en México o arte y ensayo en España. Además de a la protagonista, también vemos la manera meticulosa de como funciona la maquinaria de un gran hotel. Con Eve como vehículo narrativo, el espectador se convierte en voyeur observando las funciones de la ascensorista, de la ama de llaves, de los limpia-cristales, de las cocineras o del profesor de la escuela para empleados. Como metáfora narrativa la gerencia es como un fantasma que solo aparece denegando ascensos vía telefónica.
El hotel es como una pequeña ciudad con sus conflictos. También tiene su lado divertido e incluso es un lugar donde puede aparecer el amor. Asi se sugiere con la relación de Eve y el empleado que se encarga de limpiar los cristales del hotel. Incluso hay una escena erótica entre ambos con un cristal de por medio y la inmensidad de la Ciudad de México ante ellos. El espectador permanece embelesado a pesar de ser una historia narrada de manera muy pausada.
Eve, en definitiva, nos recuerda mucho a la Cleo de Roma por las semejanzas que se establecen entre las empleadas domésticas de la película de Cuarón con las camaristas del filme de Avilés. La excepcional fotografía también es un elemento común entre ambas filmaciones. A destacar la gama de blancos que también son metáfora de la cinta.
En el reparto, la actriz mexicana Gabriela Cartol (La tirisia) da una lección en su interpretación cargando con todo el peso de la película. Y esto no es un decir. La actriz está presente en cada plano de las 120 secuencias de la filmación. Maravillosa actuación.
Como anécdota personal tengo que decir que Gabriela me impresionó con su clarividencia en la respuesta que dio a un periodista. Al leer lo que decía una lágrima de emoción recorrió mi mejilla. Ante la pregunta de si prefería ver cine en el cine o una película en Netflix expresó literalmente lo siguiente:
"Cine mil veces. Las películas son experiencias que se tienen que ver en pantalla grande y con las luces apagadas. Es una inmersión y suspensión en el tiempo". Eso, exactamente, es el cine para el que escribe estas letras.
El resto del reparto está al servicio de los avatares de Eve en las estancias del hotel. Son papeles muy pequeños entre los que cabría destacar a Teresa Sánchez como compañera de fatigas de nuestra protagonista. Otro "actor" a mencionar es el propio hotel que como explicaba anteriormente es como una pequeña ciudad en miniatura.
La camarista me ha parecido una reconciliación con el buen cine de autor. Aunque por momentos puede pecar de ser demasiado pausada en su ritmo narrativo, Lila Avilés logra realizar una esplendorosa ópera prima sobre la servidumbre y sobre la posición social que cada individuo ocupa en la vida. El cine, una vez más, aparece como un lienzo pintado.
Frida. Viva la vida dirigida por Gianni Troilo se estrena en cines españoles el próximo día 8 de marzo. La película documental italiana rodada en México está enmarcada en el ciclo Los Grandes del Arte en el Cine.
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La historia: La actriz Asia Argento pone voz al guion para descubrir las dos caras de la pintora, siguiendo un hilo narrativo que consiste en las propias palabras de Frida: cartas, diarios y confesiones privadas. El público descubrirá cómo la obra de la pintora tiene sus raíces en la pintura tradicional del siglo XIX, en los 'retablos' mexicanos, así como en el arte y el compromiso de los hombres de su tiempo, desde el compañero de toda la vida, Diego Rivera, hasta León Trotsky.
La crítica: El cine documental es en mi opinión el que mayor pureza narrativa aporta al séptimo arte en la actualidad. Frida. Viva la vida es un inteligente vehículo visual que integra documentos reales con preciosistas imágenes en "tiempo real" de la bailarina méxicana Laura Andrea Bazàn. El blanco y negro se alterna con el color de una forma bellísima. También podemos observar increíbles planos cenitales sobre la Ciudad de México y en especial sobre el Museo Frida Kahlo y sobre La Casa Estudio de Diego Rivera y de la que fuera su esposa. Otras imágenes, nos llevan al desierto de San Luis de Potosì y se hace hincapié con acierto en la inspiración precolombina de la artista.
La cinta está presentada en seis capítulos para hacerla más digerible. Su metraje ajustado a los 90 minutos clásicos también ayudan a que el filme tenga el tempo preciso. En los seis segmentos narrados emprendemos un viaje desde el corazón de México, alternando entrevistas exclusivas con documentos de época, reconstrucciones evocadoras y cuadros de la propia Kahlo. Se incluyen sus obras más icónicas como el retrato de Diego Rivera en 1931, "Las dos Fridas" en 1939, "La columna rota" de 1944 o "El ciervo herido" de 1946. Como no podía ser de otra manera el filme se cierra con su última obra que es la que da título a la película.
La vida de Frida fue muy dolorosa tanto en su salud como en su parte sentimental. Una vida marcada por un accidente ocurrido en la calle Fray Servando de Mier & Calzada San Antonio Abad de Ciudad de México y que en la cinta se documenta de manera perfecta. Frida tenía solo 18 años y el accidente de tráfico la dejó discapacitada. La artista tuvo que soportar el dolor físico que sufriría hasta su muerte. También tuvo que convivir con el dolor sentimental que le produjo su esposo con sus devaneos amorosos. Ella también le fue infiel. En definitiva, fue una relación tormentosa con dos carácteres explosivos que quedan plasmados con garra en el transcurso del filme.
Frida. Viva la vida es a su vez una investigación de la vida de la artista a través de sus objetos personales. Se muestran fotografías, ropa y otros objetos pertenecientes a Frida, guardados en los archivos del Museo Frida Kahlo y normalmente no accesibles al gran público. Asi mismo podemos ver los negativos originales de fotografías tomadas por Graciela Iturbide durante la apertura del baño de Frida en 2004. También se entregan relatos y aportaciones de expertos y artistas. Importante el de Hilda Trujillo quien, desde 2002, ha sido la directora del Museo Frida Kahlo. Este es uno de los tres museos más visitados de la Ciudad de México y está ubicado en la Casa Azul que fue por un tiempo el hogar donde vivió la pintora.
Destaca en el filme las dos almas de Frida Kahlo (1907-1954): por un lado, el icono y símbolo del feminismo contemporáneo, y por otro la artista, libre, a pesar de las limitaciones de un cuerpo torturado. Sin embargo, gracias a su pintura pero también a su escritura, su forma de vestir, su estilo inconfundible, a lo largo de los años Kahlo se ha convertido en un modelo a seguir que ha influido en artistas, músicos y diseñadores. Su importancia como figura ha llegado a superar su protagonismo como artista gracias a la intensidad y determinación con la que se enfrentó a una vida de sufrimiento. El dolor, aunque es una parte esencial de su trabajo, no es suficiente para explicar las razones de un logro tan generalizado y unánime. La película también recoge la energía vital de Frida y el amor por su país y sus colores. De hecho, su etapa en Estados Unidos fue la más negra de su vida y la que impulsó el amor por su patria natal.
Frida. Viva la vida es un poema visual que nos lleva al interior de México, en medio de cactus, monos, ciervos y loros, alternando testimonios únicos con documentación no vista antes y obras de la propia Kahlo, incluyendo los autorretratos más famosos. Una obra en definitiva imprescindible para los amantes del arte en el cine.
Nota: 8/10.
Nacionalidad: Italia-México
Dirección: Gianni Troilo
Guion: Jacopo Magri,
Marco Pisoni, Gianni Troilo
Música: Remo Anzovino
Reparto: Asia Argento, Laura Andrea Vargas Bazàn. Duración: 90 minutos. Estreno Italia: 25/10/2019 Estreno Perú y Colombia: 28/11/2019 Estreno España: 8 de marzo de 2020 Estreno EE UU: marzo de 2020 Estreno México: marzo de 2020
El doble más quince dirigida por Mikel Rueda de Sasieta se estrena en España el día 28 de febrero. La cinta ibérica está basada en el cortometraje “Caminan”. Éste, también contaba en el reparto con Maribel Verdú.
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La historia: Ana (Maribel Verdú) es una doctora con una vida aparentemente ideal. Está casada, tiene dos hijos y reside en la casa perfecta. Sin embargo, no es feliz. Una tarde, buscando nuevas experiencias, decide entrar en un chat sexual donde conoce a Eric (Germán Alcarazu). El joven, que solo tiene quince años, propone a la mujer un intercambio de sexo por dinero. Él, es el que pretende negociar con su propio cuerpo y Ana excitada decide quedar con el muchacho a cambio de pagarle 100 euros. El primer encuentro será solo para conocerse y la semilla de una compleja relación.
La crítica: En el año 1971 se estrenaba la icónica película "Verano del 42" dirigida por Robert Mulligan. Allí, se narraba la historia de un muchacho de 14 años que se enamoraba de Dorothy. Ella, era una mujer casada y bastante más mayor que él. En El doble más quince habría que recurrir a la frase: "¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?
En el cine no es común ver determinados roles sociales invertidos. De hecho, es más normal una narrativa similar a la que se establecía en la Lolita de Stanley Kubrick basada en la novela homónima de Vladimir Nabokov. Es decir, se ve más natural un romance entre un hombre maduro y una jovencita que el caso inverso. Al menos desde la retrógrada perspectiva patriarcal. En cualquier caso es algo amoral.
Incluso podríamos estar ante un problema legal y/o delictivo. En lo personal me es indiferente el sexo del individuo seductor. Sea este hombre o mujer. Pero si me supone un problema ético y moral que las relaciones sexuales se establezcan entre adultos de más cuarenta años y niños o niñas de apenas quince años. No lo voy a valorar desde el punto de vista legal. Pero incluso aunque estas relaciones fueran consentidas por los menores, algo chirría cuando algo de este tipo sucede.
En El doble más quince cabe recordar que el cineasta está realizando una ficción. Por ello, no está justificando lo que sucede en pantalla. Solo está contando una historia y esto además de lícito es necesario. En la ficción no cabe ningún tipo de censura. Por tanto, lo que cabe juzgar desde el punto de vista de la crítica cinematográfica es si la narrativa es acertada, creíble y está bien rodada. Pero tampoco está de más debatir sobre los hechos narrados en la historia. Esto es lo que he tratado de explicar antes de emitir un juicio sobre el filme. Lo haré en la conclusión para no alargarme en exceso y a través del análisis del minimalista reparto.
Maribel Verdú que en mí opinión es la mejor actriz española de la actualidad, nos deja una actuación muy profesional. Todo el peso de la película recae sobre sus espaldas en una brillante analogía a la importancia de su personaje en la trama central. Su personaje, Ana, es la fuente de la polémica del filme. Pero con independencia a esto nos abre el principal frente discursivo de la película.
Y es que a través de este personaje Mikel Rueda de Sasieta nos habla de una manera franca de la llamada "crisis de los cuarenta". E incluso va un poco más allá y nos habla de las crisis existenciales cuando se cumplen unas determinadas edades. ¿Qué hacer en la vida cuando lo tienes todo y has perdido la motivación? Ana, que bien podría ser también un personaje masculino, tiene todo lo que pudiera hacer feliz a una persona. Es amada, es guapa, tiene una buena posición social y una bonita casa con jardín. El cineasta sugiere -a mi parecer con razón- que no hay nada peor en la vida que quedarse sin objetivos y sin estímulos en el horizonte. La pérdida de la adrenalina y los recuerdos de la fuerza de la primera juventud son los que sustentan la narrativa. Los diálogos cobran fuerza en la trama y aunque excesivos, por en muchas ocasiones superfluos, nos dan a entender la verdadera gravedad de lo que supone una crisis existencial en la vida de una persona.
Completa el reparto el joven actor Germán Alcarazu que sorprende con su naturalidad ente la cámara. Lejos de amilanarse ante la imponente presencia de Maribel Verdú, le da buena réplica en cada una de las escenas que comparten. Como comentaba anteriormente este personaje bebe claramente de manera invertida de la Lolita de Vladimir Nabokov.
En conclusión, El doble más quince me ha parecido una arriesgada apuesta muy bien narrada por Mikel Rueda de Sasieta. También cabe decir que resulta algo premiosa a pesar de su ajustado metraje. Rodada en la ciudad de Bilbao -de la que se omite de manera inexplicable cualquier mención- la película toma forma de cuento urbano. De esta manera, llegamos a un preciosista final sin que este resuelva ninguna de las preguntas planteadas por el propio director. Será, por tanto, el espectador el que deba cerrar la historia en una película cuya mayor virtud es que generará debate a la salida de los cines.
Nota: El doble de π.
Nacionalidad: España
Dirección y guion:
Mikel Rueda de Sasieta
Fotografía: Kenneth Oribe
Duración: 98 minutos
Estreno España:
28 de febrero 2020
Reparto: Maribel Verdú,
Germán Alcarazu,
Mario Plágaro.
Cuerdas dirigida por José Luis Montesinos se estrena en cines españoles el próximo día 28 de febrero. La cinta supone la ópera prima del cineasta español y fue exhibida en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges.
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La historia: Elena (Paula del Río) es una joven que ha quedado tetrapléjica en un accidente en el que también perdió a su hermana. Su padre (Miguel Ángel Jenner) le ha adaptado una casona rural para que pueda moverse en su silla de ruedas. Allí, cuenta con la ayuda de Athos, un perro pastor especialmente adiestrado para estar pendiente de la muchacha. De repente, su perro, que debería de cuidarla, ha contraído una extraño virus por la mordedura de un murciélago y comienza a atacar a la chica. Con su padre fuera, será Elena la que tenga que enfrentarse sola al can rabioso, a la soledad de la noche y a los fantasmas de su pasado.
La crítica: Hay que echarle un par para debutar en un largometraje con perro, con niña y con ésta en una silla de ruedas. José Luis Montesinos es un valiente y solo cabe quitarse el sombrero ante tal osadía. Si además, se hubiera atrevido a colocar a Penélope Cruz poseída y dando gritos por la casa rural estaríamos hablando de un ser de otra galaxia.
Y es que como decía el maestro Alfred Hitchcock: "Nunca trabajes ni con niños, ni con perros, ni con Charles Laughton". También es cierto que Paula del Río es una excelente actriz y ya no es una niña, qué el perro es mejor actor que Fernando Esteso y que Charles Laughton ya no está disponible por caducidad vital. Voy a ver si escribo algo de la película.
Si hay algo duro en la vida no es el hecho de sobrevivir a la muerte habiendo perdido tu movilidad y a una hermana como es el caso de Elena. Lo duro de verdad es sobrevivir a la vida. A la vida y a la culpa por el fatal accidente que ha marcado la vida de esta familia ¿Qué expectativas vitales puede tener una persona en esas condiciones? A mi parecer, muy pocas.
Es por eso que nuestra protagonista piensa en el suicidio como medio de acabar con su sufrimiento. Pero el cineasta a través de un trabajado guion opta por dar a Elena una segunda oportunidad. Solo ella puede redimirse a través del perdón hacia sí misma. Pero para poder perdonarse -ella conducía en el fatal accidente- la joven, afrontará en solitario la lucha desesperada contra decenas de elementos adversos. Sola en casa, con el perro al acecho y en su silla de ruedas, a Elena le quedan 24 horas por delante hasta que alguien se percate de lo que está pasando. Es entonces cuando el suspense se hace presente en la filmación y nos lleva en volandas hasta la resolución final en 90 trepidantes minutos.
Como decía anteriormente, en el reparto destaca la joven actriz española Paula del Río que copa todos los planos de la filmación. Un trabajo brutal el que tiene que realizar desde una silla de ruedas. Mantiene monólogos consigo misma -genial cuando dice "soy una chica con suerte"- e incluso realiza un doble papel cuando se le aparece el fantasma de su hermana fallecida. Espero que la veamos con más asiduidad en pantalla. Con apenas 20 años demuestra ser una actriz muy talentosa.
El veterano actor Miguel Ángel Jenner solventa de manera más que correcta su interpretación como el padre abnegado. Él, se encarga de preparar un nuevo hogar lleno de cuerdas para que su hija pueda tirar de ellas y facilitar de este modo su vida diaria. De ahí procede el título de la película. Del papel de perro ya hemos hablado y Athos demuestra que también es un buen actor perruno. La cinta bebe en buena parte del Cujo del maestro Stephen King. Otro perro muy peligroso. Me refiero a Cujo, no al escritor. Sin llegar a ser un remake, Cuerdas está claramante en la órbita del filme de 1983 lo cual no es malo de por sí.
La parte técnica o mejor dicho la escenografía elegida deja dudas en algunos aspectos. Un solo espacio interior predominante y un reparto tan minimalista hacen que la narrativa se repita o se vuelva predecible. Se agradece, eso sí, que no se recurran a los sustos gratuitos, ni a las fuertes subidas del tono del volumen en los que suceden. El terror está presente pero de una manera más psicológica que física.
Cuerdas me ha parecido una más que aceptable propuesta para el presupuesto tan ajustado con el contaba la producción. La inteligente mirada de José Luis Montesinos,más un libreto centrado en la idea de la supervivencia y de la superación personal ofrecen un resultado notable.
