Eduard Fernández en la cumbre con: 'El 47' y 'Marco'

Eduard Fernández ha tenido un 2024 en la que ha consumado su excelencia como interprete. Por eso hoy, y antes de proceder a la entrega de los Premios Marcianos, vamos a realizar dos mini-críticas de dos grandes películas que por circunstancias se quedaron sin reseña: El 47 y Marco: una realidad inventada. 

🎬🎬🎬🎬🎬

Eduard Fernández, se formó en el Institut de Teatre de Barcelona y debutó en el teatro con la compañía Els Joglars, de la mano Albert Boadella. Ha trabajado a las órdenes de directores teatrales como Lluís Pasqual, Calixto Bieito, Álex Rigola o Georges Lavaudant. Fue con la película Los lobos de Washington (1999), dirigida por Mariano Barroso, que consiguió su primera nominación al Goya. Desde entonces, sus papeles le han valido numerosos reconocimientos: tres Premios Goya: Mejor Actor Protagonista por Fausto 5.0, dirigida por Álex Ollé y Carlus Padrissa; Mejor Actor de Reparto por En la ciudad, de Cesc Gay; y Mejor Actor de Reparto en Mientras dure la guerra, dirigida por Alejandro Amenábar. También ha sido reconocido con la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián por El hombre de las mil caras, y ha recibido tres Premios Gaudí y tres Binazgas de Plata, entre otros. En televisión ha trabajado en series como Mano de hierro, de Lluís Quílez; Historias para no dormir, de Rodrigo Cortés; en 30 Monedas –Premio Feroz 2021 a Mejor Actor–, de Álex de la Iglesia; o en Criminal, de Mariano Barroso. 

----------------------------------------------------------------

El 47: magistral retrato de la emigración a Cataluña

El 47 dirigida por Marcel Barrena se estrenó en cines españoles en septiembre de 2024 y ha conseguido ser la película en catalán más vista de los últimos 40 años en salas de cine de toda España. 500.000 espectadores y 3 millones de euros de recaudación la convierten en un éxito absoluto. Supera a Alcarràs y se queda muy cerca de 'La Plaza del Diamante' de Francesc Betriu, que registró 503.835 espectadores totales. Al cierre de esta publicación puede haber llegado a superarlos. 

El 47 cuenta la historia de un acto de disidencia pacífica y el movimiento vecinal de base que en 1978 transformó Barcelona y cambió la imagen de sus suburbios para siempre. Manolo Vital era un conductor de autobús que se adueñaba del bus de la línea 47 para desmontar una mentira que el Ayuntamiento se empeñaba en repetir: los autobuses no podían subir las cuestas del distrito de Torre Baró. Un acto de rebeldía que demostró ser un catalizador para el cambio, de que las personas se enorgullecen de sus raíces, de una lucha del vecindario, de la clase trabajadora que ayudó a crear la Barcelona moderna de los años 70.

El 47 es una cinta muy emotiva, sólida en su narrativa y refleja de maravilla como fue la emigración dentro de España. Sobre todo andaluces, extremeños y murcianos se desplazaron a encontrar una vida mejor a zonas más industrializadas del país. Hechos ocurridos en los años sesenta del siglo pasado en los que también hubo una fuerte inmigración hacia países europeos y americanos. Lo curioso es que ciertos grupos políticos o personas muy radicalizadas ahora son contrarias a que España reciba a personas inmigrantes con los mismos deseos que tuvimos nosotros. Lo bueno de la película es que se centra en un hecho muy concreto, pero que sin embargo sirve para universalizar la búsqueda de una vida mejor. Eduard Fernández está incomensurable dando vida al personaje real de Manolo Vital que siendo un humilde conductor de autobús consiguió integrar el extrarradio de Barcelona de una manera inteligente y muy eficaz consiguiendo los servicios públicos necesarios. 

Nota: 9/10. 

Marco: la gran mentira de un mediocre

 Marco dirigida por Aitor Arregi y Jon Garaño (Handia) se estrenó en cines españoles el 8 de noviembre de 2024. La cinta fue nominada en el Festival de Venecia a Mejor Película en la sección Orizzonti del certamen. Eduard Fernández por su parte ha sido nominado en los 30º Premios Forqué 2024 como mejor interprete masculino. Y todo parece indicar que puede ser doblemente nominado a los Goya lo que de manera paradójica puede dividir el voto entre El 47 y Marco restándole posibilidades. 

Marco cuenta la historia de Enric Marco que dijo ser un deportado de  Mauthausen y no lo fue, un hombre que durante años fue capaz de mantener, ante la opinión pública y su propia familia, una mentira difícil de imaginar: que había sido prisionero en un campo de concentración nazi. Carismático y convincente, Marco ascendió a la presidencia de la Asociación Española de Víctimas del Holocausto, donde se convirtió en una figura destacada y admirada por su supuesta valentía y sufrimiento. Hasta que un día un historiador descubre que su relato era completamente falso.

Marco es un filme que retrata de manera perfecta la mentira, la impostura o la vanidad. Todo en un solo personaje -real- al que interpreta de manera majestuosa, Eduard Fernández. La cinta ahonda en una persona que no solo no fue víctima de los nazis, sino que se ofreció voluntario para ir a trabajar en la Alemania de la Segunda Guerra Mundial. Su gran fantasía nace en los años 60 cuando ya empieza a inventar cosas que nunca pasaron en su estancia en el país germano. Incluida una relación con una mujer con la que tuvo descendía y ocultó a su mujer española (esto si fue real). La única debilidad que encuentro en el filme es que no llegamos a odiar a este villano, pero tampoco le llegamos a amar o comprender. Y el cine, como la política es el arte de lo posible. Quiero decir con esto que hay cientos de películas en las que amamos al villano y a las tropelías que va cometiendo. Aquí la falta de humor negro -otra pega- nos hace sentir desprecio por un tipo estrafalario, cobarde y con una historia surrealista. Sin embargo, nos hallamos ante una buena película y ante una historia digna de conocer. 

Nota: 7/10.

👽👽👽👽🎬👽👽👽👽

Emilia Pérez: ridículo y vanidoso pseudomusical con ínfulas de grandeza

Emilia Pérez dirigida por Jacques Audiard se estrena (por desgracia) en cines españoles el próximo día 5 de diciembre de 2024. La "película" franco-mexicana obtuvo el Premio del Jurado del Festival de Cannes en un claro caso de chovinismo snob que deja al certamen como un concurso elitista, pedante y folletinesco. 

👎👎👎👎👎

La historia: Un narco mexicano apodado "El manitas", casado y con hijos, decide que ahora quiere ser mujer y retirarse del mundo criminal. Para ello tendrá la ayuda de una abogada que le asesorará con la reasignación de sexo. A partir de ahí comienza el circo con esperpénticas canciones, amoríos de folletín y surrealistas batallas entre narcos. 

La crítica: Hoy vamos a hacer amigos. Y es que el tremendo bodrio hoy reseñado no da ni para hacer comedia o sátira con la crítica marciana. Primera hora de película: el cineasta tarda 60 minutos en contar que un tipo quiere ser mujer, se opera y se retira a hacer el bien. En medio de esta simpleza reconocida y superada por la sociedad se introducen números musicales ordinarios, con canciones peor que malas y coreografías de parvulario. Esto por lo visto y el folletín posterior, ha encantado a la crítica especializada pues han visto originalidad donde solo hay mamarrachada y mal gusto en todos los sentidos. 

Por mi parte daría por acabada la crítica y aconsejaría que a nadie en su sano juicio se le ocurra gastarse 10 euros en una entrada que solo valdría para perder los valiosos 130 minutos que dura el duro esperpento presenciado. Quizás en un fuerte estado etílico o con drogas muy duras se pueda superar el trance sin tener que ir al cuarto de baño a ahorcarse para acabar con el sufrimiento. El tráiler por lo menos avisa. 

Emilia Pérez, nombre que se asigna el narco, tiene una segunda hora con vocación de telenovela turca de tercera categoría y desde luego que lo consigue. Resulta que Doña Emilia ahora se hace lesbiana, vuelve a creer en el amor y además quiere recuperar a sus hijos. Su ex mujer lo flipa, yo lo flipo, y el jurado de Cannes lo flipa. Además de todo este absurdo enredo a la nueva mujer le entra una bondad sobrevenida -la crítica llamará a esto redención- y abre una ONG para hallar los desaparecidos que se producen por culpa del Narco en México. Pues en esta parte la complejidad del ridículo sube de nivel. Ahora los números musicales ya pasan al terreno de lo aberrante. Como ven la mezcla de estupideces es insuperable. 

Karla Sofía Gascón, la dominicana Zoe Saldaña, la estadounidense Selena Gómez y la mexicana Adriana Paz, componen este universo femenino que también se han llevado en conjunto el premio a mejor actriz en Cannes. Si bien Gascón hace un buen papel y no tiene ninguna culpa del caos narrativo, lo inexplicable es que Selena Gómez sea premiada cuando en la cinta lo único que hace es intentar hablar en español y lo que hace es balbucear una especie de idioma extraño que podría recordar al español que habló Aznar cuando estuvo en EE UU reunido con Bush. Lo mejor de la película es que no hay perro, ni gente poseída que por cierto hubiera animado aún más el inverosímil cotarro. 

En la técnica me voy a reiterar de manera clara: los números musicales son una gran mierda. Esto solo puede estar pensado por gente muy puesta. 

Emilia Pérez es sobre todo una pérdida de tiempo y de dinero. Hablamos de una cosa que de manera pedante han bautizado como un nuevo subgénero: el 'narcotransmusical'. Toda la absurdez relatada, además, no hará ningún bien al movimiento transgénero que aquí en Cine y críticas marcianas defendemos, comprendemos y respetamos. Pero es que la realidad cinematográfica de la que hablamos me lleva a enjuiciar que estamos ante un sarnazo vestido con una falsa pátina de originalidad. La historia se queda en un folletín inclasificable, pedante, falsario, caótico en su narrativa y tan estúpido como ordinario. 

Nota: 0/10. 

Nacionalidad: Francia - México

Género: Drama, Musical

Dirección: Jacques Audiard

Guion: Jacques Audiard

Música: Clément Ducol

Fotografía: Paul Guilhaume

Duración: 130 minutos

Reparto: Karla Sofía Gascón,

Zoe Saldaña, Selena Gomez, 

Adriana Paz, Edgar Ramírez 

La infiltrada: potente retrato de los héroes anónimos

La infiltrada dirigida por Arantxa Echevarría se estrenó en cines españoles el día 11 de octubre de 2024. Un día mágico para el Cine ya que coincidió con la puesta de largo de La sustancia situándose ambas películas como revelaciones de la temporada y del año. 

👽👽👽👽👽

 

La historia: Tras pasar varios años infiltrada en los ambientes de la izquierda abertzale como una joven simpatizante más de la banda terrorista ETA, una agente de policía consigue lo que buscaba: ETA contacta con ella. Necesitan que aloje en su piso a dos etarras que tienen el objetivo de preparar varios atentados. A partir de este momento empieza la misión más difícil de su vida: ir informando a sus superiores mientras convive con dos terroristas que, si en algún momento sospechan de ella, no dudarán en matarla.

La crítica: Con más de 1 millón de espectadores que han pasado por taquilla y casi dos meses después de su estreno comercial, La infiltrada se sitúa ya como la segunda película española más vista del año siguiendo aún en algunos cines en un hecho casi insólito en el panorama actual. 

Arantxa Echevarría tras Carmen y Lola o Chinas se consolida como una de las mejores cineastas españolas y ahora además arrasa en taquilla de manera muy merecida. Intuición, talento y buena narrativa marcan el sello de la casa manejándose en cualquier género como pez en el agua. 

La infiltrada está basada en lo siguiente: Aranzazu Berradre es el pseudónimo con el que en 1998 se infiltró una policía nacional en ETA con 22 años. Consiguió adentrarse en la banda presentándose como militante del Movimiento de Objeción de Conciencia de Logroño, siendo la única mujer que convivió con la banda terrorista. Durante su infiltración, que duró 6 años, no se vio obligada a cometer ningún delito e hizo posible la desarticulación del comando Donosti, liderado por Sergio Polo y Kepa Etxebarria. Se demuestra con ello que a ETA le fueron colando topos que fueron decisivos en la disolución de una banda que dejó 850 muertos y miles de heridos en el conjunto de España. 

A modo de reflexión personal, que coincide con la unidad política de aquellos momentos, la principal petición del Estado y pueblo era que ETA dejara las armas. Con ello podría defender sus postulados -la independencia vasca- a través del parlamento o sea a través de la palabra. Lo curioso y absurdo de todo el asunto es que una vez derrotada la banda con entrega de armas incluida, aún hay voces que ahora también están en contra de que esos postulados se puedan defender parlamentado. El lodo político lo embarra todo, pero no olvidemos de dónde venimos. 

Volviendo al trepidante filme ya desde su comienzo tiene un fuerte enganche para el espectador. Quizás para el espectador foráneo menos, pues hablamos de un contexto muy local y se dan por sabidos hechos que no todo el mundo tiene porque conocer. Sin embargo, para todos aquellos que vivimos la barbarie etarra no hace falta mucha explicación. Había que meter topos en la banda criminal y estos héroes anónimos así como los confidentes fueron clave para la desarticulación de ETA. 

Gran interpretación de Carolina Yuste que se coloca como clara favorita para ganar el Goya a mejor actriz. Su personaje, Aranzazu, es reclutada para infiltrarse en las entrañas de ETA lo cual consigue con un duro trabajo de seis años. Es dura, terca, leal al Estado y sobre todo una persona con valores muy sólidos anteponiendo el bien común. 

Buen papel también el de Luis Tosar que interpreta al inspector jefe que tiene la idea de reclutar a jóvenes policías para topar a la banda. Con él también observamos la rivalidad que existió entre la Policía Nacional y la Guardia Civil para detener comandos terroristas. También es terco, protector y luchador hasta la extenuación para lograr acabar con ETA. 

Respecto a los dos personajes reales del comando Donosti se encargan de interpretarlos Iñigo Gastesi y Daniel Anido que da un recital en otra majestuosa interpretación. A los etarras se los retrata con realismo puro: gente fanática, sin escrúpulos y bordeando la psicopatía en algunos casos. 

En la parte técnica destaca la fotografía y las localizaciones llevadas a cabo en San Sebastían, Pasajes o Errenteria. Otro aspecto muy sólido es el sonido y un montaje muy complejo pues no es nada sencillo narrar seis años de la vida de una persona en 118 minutos. 

La infiltrada es a mi juicio la película del año por su potente narrativa, su vigor en el género del thriller y por su despolitización del relato. Se muestran los hechos tal como fueron y se deja de manera acertada la emotividad para su tercio final. La cinta se centra en lo concreto y con ello consigue universalizar el dolor causado por un grupo terrorista que fue vencido por la unidad del Estado a pesar de los palos en las ruedas que algunos se empeñaron en colocar. En conclusión, hablamos de la consolidación definitiva de una cineasta nacida para dar grandes alegrías al cine como medio de transmisión de los buenos valores. 

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España 

Género: Thriller

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Arantxa Echevarría

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Javier Salmones

Duración: 118 minutos

Reparto: Carolina Yuste,

Luis Tosar, Iñigo Gastesi,

Diego Anido

Borgo: el hilo del bien y del mal

Borgo dirigida por Stéphane Demoustier se estrena en cines españoles el próximo día 22 de noviembre de 2024. La cinta francesa es un thriller carcelario inspirado en un doble asesinato ocurrido en Córcega en 2017, en el que la actriz Hafsia Herzi interpreta magistralmente a una guardia de prisión ambigua y contradictoria.

👮👮👮👮👮

La historia: Melissa, una funcionaria de prisiones de 32 años, se muda a Córcega con sus dos hijos y su marido. Es su oportunidad para comenzar una nueva vida. Empieza a trabajar en un centro penitenciario que es muy diferente a los demás. Allí, se dice que son los presos los que vigilan a los guardias. La mujer logra integrarse gracias a Saveriu un joven recluso que parece ser influyente allí dentro y la pone bajo su protección. Sin embargo, cuando el chico queda en libertad, vuelve a ponerse en contacto con Melissa para pedirle un favor, con el que se pone en marcha una peligrosa mecánica.

La crítica: En el filme La chica del brazalete, Stéphane Demoustier ya demostraba su pericia tras las cámaras. Ahora en Borgo se confirma como uno de los cineastas más punzantes en lo que al género negro se refiere. En la película hoy reseñada también se centra en el cine social con personajes marginados, sin integrarse en la sociedad y con la temática de fondo del mundo carcelario. Un crimen por encargo dejará ver como la prisión extiende sus garras más allá de sus muros. 

Borgo está basada de manera libre y ficticia en el caso de una funcionaria de prisiones que vivía en Córcega desde hacía poco y se había visto envuelta en un ajuste de cuentas entre bandas rivales. La guardia tuvo que señalar al «blanco» al llegar al aeropuerto de Poretta, misión que cumplió al darle un beso a la que sería la víctima. La figura de esta funcionaria de prisiones es el detonante de la película, pero se crea un personaje nuevo en el que el cineasta se hace la siguiente pregunta: ¿cómo se puede pasar en tan solo unos meses de tener una vida normal a tener la de una criminal? La cinta intenta y consigue darle una explicación a este cambio, o, más bien, a esta caída en picado de una mujer con unos principios que parecían muy sólidos. El hilo que separa al bien y al mal es muy fino. 

La cárcel es otro de los personajes importantes de la cinta francesa. Allí los reclusos se mueven en libertad, las celdas están abiertas y la relación con los funcionarios es amigable. Hablamos de una especie de 'Modulo de respeto' en la que los presos viven con cierta normalidad y privilegios que son cortados de inmediato cuando se produce algún incidente importante. Y luego está, Córcega. Hablamos de un territorio insular francés bastante desconocido y marcado por los atentados del Frente de Liberación Nacional de Córcega que preconizaba la independencia de la isla. Movimiento hoy en proceso de desarme, pero aún con influencias de carácter mafioso.

La actriz Hafsia Herzi interpreta de manera intuitiva y natural a la funcionaria de prisiones que vive a caballo entre su centro de trabajo y su familia compuesta por un marido incapaz de encontrar trabajo y dos niños pequeños que se van integrando poco a poco en la vida de la isla. En esta parte de presentación de personajes es cuando vamos conociendo un territorio que es presentado de manera muy gris, con problemas raciales y violencia soterrada. El otro protagonista importante es el joven Saveriu al que Melissa trata de proteger en una especie de cadena de favores que existe entre ellos. El chico es interpretado de manera correcta por Louis Memmi. Otro personaje al borde del abismo. 

Muy poco que destacar en la técnica de rodaje. Película muy plana y de bajo presupuesto en el que brilla su narrativa por encima de otras cuestiones como fotografía, dirección de arte o música. 

Borgo demuestra que el cine francés existe más allá de la comedia aunque sea anecdótico en lo comercial. Hablamos de una película que va de menos a más y que poco a poco va metiendo en la historia al espectador. Un crimen por resolver, la dura vida de una prisión y las particularidades de la isla de Córcega son los ingredientes principales que utiliza el cineasta para crear una historia en la que impera un principio de reclusión que explica el comportamiento de cada uno de los personajes.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Francia

Género: Thriller

Dirección: Stéphane Demoustier

Guion: Stéphane Demoustier

Música: Philippe Sarde

Fotografía: David Chambille

Música: Philippe Sarde

Duración: 115 minutos

Reparto: Hafsia Herzi,

Moussa Mansaly, Louis Memmi,

Michel Fau, Cédric Appietto

Nunca te sueltes: atrapados por el bosque

Nunca te sueltes dirigida por Alexandre Aja se estrena en cines españoles el próximo día 15 de noviembre de 2024. La cinta de suspense sobrenatural está protagonizada por la ganadora del Oscar® Halle Berry, Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. 

👽👽👽👽👽

La historia: Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno, «el Mal». Necesitan estar conectados en todo momento a los cimientos de su cada vez más destartalada casa, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero a medida que la comida escasea, los niños empiezan a preguntarse si «el Mal» es real y los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia.

La crítica: Con una premisa inteligente que cambia el papel de la casa encantada por el del bosque encantado ya al menos observamos una vuelta de tuerca en este subgénero tan maltratado. Ahora la morada -una cabaña en el bosque- es el lugar seguro a la vez que refugio de los extraños acontecimientos que parecen están ocurriendo en el exterior. Yendo un poco más allá , el cineasta trata de hacer una disertación sobre el bien y el mal que por momentos se siente forzada. 

El visionario cineasta francés Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos, Infierno bajo el agua), dirige este inquietante thriller psicológico de terror que promete una montaña rusa de emociones y giros inesperados que explora los límites de la protección familiar y el terror sobrenatural. También nos habla de la locura, los miedos heredados y lo más importante es que consigue mantener el suspense hasta el final de la película e incluso un poco más allá. El final un tanto abierto busca a ver si suena la flauta en taquilla y tenemos secuela. Sería innecesaria.

Nunca te sueltes parte de la siguiente pregunta: ¿y si hay una familia confinada en su casa por culpa de una fuerza maligna exterior que les persigue, pero la fuerza es incapaz de traspasar la seguridad de sus muros? En realidad es algo más sencillo de lo que parece. Antes o después la comida se acabará, las cuerdas "mágicas" que les unen en las salidas al bosque o alguna lesión hará que alguien de la familia se vea obligado a atravesar el perímetro y comprobar si hay alguien dispuesto a ayudar. 

La cuestión es que la madre y cabeza de familia asegura que el bosque y el mundo está maldito siendo la cabaña la única salida que les queda. Hasta que uno de los hijos comienza a dudar de la madre ante los comportamientos que se están volviendo perturbadores para la familia. Esas dudas que el espectador hace suyas comprometen la estabilidad familiar con un giro inesperado que se produce de manera sorprendente cuando aún queda bastante metraje por delante. No hablamos de que director y libreto estén descubriendo el Cine, pero si que se observan rasgos distintivos y originales en la narrativa. 

Buen papel de Halle Berry con un personaje traumado, casi inmovilizada por un miedo real o sugestionado y qué en su lógica actúa como una madre coraje para proteger a sus hijos. Está convencida de que el mal se ha extendido por el bosque, pero sus extrañas visiones hacen dudar de la veracidad de su teoría. Buenas interpretaciones también de los niños Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. Tampoco nos olvidemos del perro -no podía faltar este elemento- ya que en esta ocasión tiene incluso una secuencia clave para la narración.

En la técnica destaca el ambiente de fábula, de cuento de hadas que el director construye para la historia. La producción se decantó por una localización a las afueras de Vancouver, en la Columbia Británica (Canadá). Se ha escogido una casita abandonada a modo de cabaña dotándola de simbología, velas, y diferentes aspectos con toques de hogar mágico. Los bosques que la rodean son increíbles, naturales, increíblemente musgosos y con ecosistemas diferenciales. 

Nunca te sueltes es original, asfixiante y por otro lado poco emotiva para lo que busca su cineasta. Un filme que nos habla de la siguiente triada: locura, miedo e hiperprotección. Hablamos de una cinta con muchos símbolos, mucho simbolismo por todas partes y muchas capas. Capas de historia. Capas de psicología. Capas de relaciones. Todo inmerso en una especie de cuento de hadas oscuro y aterrador. Y  como en todos los cuentos de hadas, el escenario fantástico refleja un miedo demasiado real, en este caso: la protección.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: EE UU

Título original: Never Let Go

Género: Terror, Suspense

Dirección: Alexandre Aja

Guion: Kevin Coughlin

Música: Robin Coudert

Fotografía: Maxime Alexandre

Duración: 100 minutos

Reparto: Halle Berry, Percy Daggs IV, 

Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson

Películas curiosas: La sustancia

 La sustancia dirigida por Coralie Fargeat se estrenó en cines españoles el día 11 de octubre de 2024. La cinta es ya una de las grandes sorpresas de la temporada por su controversia, narrativa y polémica generada por su contenido. Directa a Películas curiosas.

👽👽👽👽👽

¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos. Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia. Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta. Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

El cine y las películas también cumplen la función de fantasear con cosas muy improbables aún en un futuro lejano. El culto al cuerpo, a la juventud y la adicción a la estética componen un puzzle narrativo que comienza como una intensa película de suspense y que finaliza con un festival gore que ha generado la mayor controversia. 

La sustancia está protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid y se hizo con el Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes y también ha conquistado el Premio del Público de la sección Midnight Madness, dedicada a los títulos de género, en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

En palabras de su cineasta, La sustancia: "Es una película sobre el cuerpo de las mujeres, sobre cómo los cuerpos de las mujeres son escrutados, fantaseados y criticados en el espacio público. Sobre lo mucho que, como mujeres, se nos hace creer que no tenemos más remedio que ser perfectas, sexis, delgadas y hermosas para ser valoradas en la sociedad. Y lo imposible que es para las mujeres escapar de esto, por muy educadas, fuertes de mente e independientes que seamos". 

Suscribo sus palabras y sin embargo hay algo de lo que no se ha hablado demasiado. Se trata de las adicciones o la adicción a cualquier elemento: belleza, moda, drogas, sexo, alcohol, etc. Cabe recordar que desde la hipnótica premisa una de las condiciones más importantes es que el rejuvenecimiento solo puede durar siete días y los otros siete deben ser con el cuerpo original de la protagonista. Cualquier paso de ese tiempo, estropearía el experimento y avejentaría uno de los cuerpos. El original. Pues aún sabiendo eso, el lado joven de la protagonista se pasa de tiempo en varias ocasiones lo que ocasiona una tormenta perfecta de consecuencias imprevisibles. Y eso es la adicción. Es decir, algo que no podemos controlar aunque nos creamos preparados para tal menester. 

En el reparto destaca la excelencia en la interpretación de Demi Moore. Ha demostrado ser una de las actrices más relevantes de la industria al utilizar su talento en películas muy diversas para la gran y pequeña pantalla tanto delante como detrás de la cámara. Batió un récord en 1995 cuando se convirtió en la actriz mejor pagada de Hollywood, una prueba de su estrellato. Lo único que me ofrece alguna duda es que la actriz se conserva muy bien y no le hace falta ninguna "sustancia" para seguir luciendo atractiva. Es decir, el casting sería más lógico con una actriz más envejecida. Su personaje es una locura muy cuerda: aquí se tiranizará, ridiculizará y se romperán los cuerpos de la misma forma en que creo que la sociedad intenta moldear a las mujeres con todas las reglas ya desfasadas. 

Margaret Qualley también hace un buen papel en el yo joven de Elisabeth. Hace poco ha trabajado en “Dos chicas a la fuga”, dirigida por Ethan Coen, y en “Pobres criaturas”, de Lanthimos, con Emma Stone y Mark Ruffalo, y hace unas semanas en “Kinds of Kindness”, del mismo director, con Jesse Plemons y Emma Stone. No tardaremos en verla en “Honey Don’t”, de Ethan Coen, con Subrey Plaza y Chris Evans. Su personaje representa a mi juicio más a la adicción que a la fama. Algo incontrolable y que desatará un final de vértigo. También observamos la pura ambición. 

El tercero en discordia está interpretado de manera simpática por Dennis Quaid (Harvey). Pero en definitiva hace de villano y es el personaje que despide de su trabajo a la protagonista por ser demasiado mayor. Un reflejo de Hollywood y de lo que pasa con las actrices cuando van cumpliendo años. El loco enfoque de cámara hacia él es original. 

La técnica es monumental por lo que es determinados apartados debería optar al Oscar. Especialmente maquillaje, vestuario y efectos especiales son de diez. Música, fotografía y arte no desentonan. Mi única pega es el exceso de metraje ya que nos lleva a revistar ciclos de transformación de manera algo repetitiva. Y el final no es apto para estómagos sensibles. 

La sustancia es divertida y muy seria al mismo tiempo. El filme es hipnótico, sorprendente y parte de una premisa muy atractiva. En parte hablamos de cine experimental. Por otro lado, observaremos una cinta de excesos con el objetivo de liberar los monstruos y las dudas juveniles de la cineasta. También las dudas de las mujeres maduras y porque no de los hombres maduros. El culto al cuerpo y a la belleza gana terreno también entre el género masculino. Aquí se tiraniza, ridiculiza y se destruyen los cuerpos de la misma forma que la sociedad destruye la mente de algunas mujeres con todas las reglas que las enseñan a seguir en silencio desde niñas. En definitiva, hablamos de una sátira desmesurada y polémica que vuelve a hacer del cine un instrumento liberador, original y potente. 

Nacionalidad: Reino Unido

Género: Ciencia Ficción

Dirección: Coralie Fargeat

Guion: Coralie Fargeat

Música: Raffertie

Fotografía: Benjamin Kracun

Duración: 140 minutos

Reparto: Margaret Qualley,

Demi Moore, Dennis Quaid,

Gore Abrams

Yo no soy esa: Verónica Echegui brilla en una ligera comedia naíf

Yo no soy esa dirigida por María Ripoll se estrena en cines españoles el próximo día 31 de octubre de 2024. La película pasó por la Sección Oficial Fuera de Concurso del pasado Festival de Málaga donde consiguió una calurosa acogida.

👽👽👽👽👽

La historia: Cuando Susana (17 años), cae en coma en la década de los 90, lo último que esperaba era despertarse de nuevo en 2024. Susana tendrá que hacer frente a una sociedad ajena a la que conocía, madurar a marchas forzadas y darse cuenta de que lo más importante no es ni el amor romántico, ni la popularidad: es una misma y ser fiel a quién eres (Sony Pictures).

La crítica: Con una premisa atractiva con la idea de lo qué pasaría si por un coma despertáramos dentro de treinta años, María Ripoll construye una comedia demasiado ligera que es salvada por los pelos por la brillantez de Verónica Echegui. 

Yo no soy esa parte de cuando la joven Susana cae por la ventana de su habitación, decorada al estilo de los 90 y cuando soñaba con el viaje ideal con el chico que le gusta. Pero un accidente inesperado le llevó a un coma profundo. Un sueño del que se despertaría tras más de veinte años. 

Al abrir los ojos a la vida, el zumbido de los nuevos dispositivos electrónicos la envuelve. Todo es diferente. La cineasta propone un juego sobre una persona que no sabe nada de teléfonos móviles, aplicaciones, nuevos modelos familiares, sexo casual, pandemias y demás cosas que han ido pasando durante estas décadas. Y la verdad, suena atractivo.

Pero hay algo en el desarrollo de la premisa que no acaba de fluir. Los chistes son forzados, las situaciones no sorprenden demasiado y el globo del argumento se va desinflando poco a poco. La búsqueda de un antiguo novio y el reencuentro con su amiga de la infancia no parecen situaciones suficientes o novedosas para hilar un guion que hubiera necesitado máxima incorrección política y gamberrismo cinematográfico. 

El extraño caso de Verónica Echegui sostiene la película. Brilla y luce muy simpática con esa Susana más madura que vale el precio de la entrada. Nada fuera de lo habitual. Es una estrella del cine español, pero siempre me he preguntado que pasó para que Penélope Cruz diera el salto a Hollywood y ella -siendo mejor actriz, igual de bella con ese aire a Audrey y muy talentosa- se haya quedado sin un sitio en el top de la interpretación. Recuerdo que con su trabajo a las órdenes de Bigas Luna en Yo soy la Juani se daba por descontado que viviría lo que por ejemplo ahora vive Ana de Armas. En cualquier caso cabría una publicación especial o entrevista para sacar todas las conclusiones posibles. 

Completan el reparto Silma López (Valeria), la veterana Angela Molina ( Blancanieves), Daniel Grao ('Julieta') y Adam Jezierski ('Los Farad'). Sus personajes son el de la amiga de toda la vida, su madre, el antiguo novio y su nuevo pretendiente. En la técnica destaca la colorida fotografía de Joan Bordera lo que hace a la película muy rica en su visualidad. 

Yo no soy esa me ha parecido una cinta fresca, ágil, pero decepcionante en cuánto al desarrollo de su prometedora premisa. El mundo ha cambiado mucho desde 1990 e igualmente pasará en 2050 si alguien cayera en coma y despertara en el futuro. Quizás ese modelo de argumento y basado en la ciencia ficción podría haber dado una historia más original y con el mismo tipo de frescura que ofrece la película hoy reseñada. 

Nota: 5/10. 

Nacionalidad: España

Género: Comedia, Fantástico

Dirección: María Ripoll

Guion: María Ripoll

Música: Simon Smith

Fotografía: Joan Bordera

Duración: 95 minutos

Reparto: Verónica Echegui, 

Silma López, Adam Jezierski, 

Daniel Grao

Amal: el peligro del fanatismo

Amal dirigida por Jawad Rhalib se estrena en cines españoles el próximo día 25 de octubre de 2024. El filme belga se estrenó a nivel internacional en la competición oficial del Festival Black Nights de Tallin (PÖFF) donde se alzó con el Premio a Mejor Actriz para Lubna Azabal, quien interpreta magistralmente a Amal, la profesora. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Amal, una profesora francesa de un instituto de Bruselas, anima a sus alumnos a cultivar la pasión por la lectura, defender la libertad de expresión y promover la tolerancia. Sin embargo, sus ideas molestan a algunos alumnos y compañeros vinculados con el extremismo islámico, totalmente opuesto a sus métodos de enseñanza. Aun así, Amal se mantiene firme, especialmente cuando tiene que ayudar a Monia, una de sus estudiantes, una chica reservada a la que han atacado, acosado y amenazado por las sospechas sobre su homosexualidad (Festival Films).

La crítica: Si en Francia, la integración musulmana es muy compleja, en Bélgica hablamos de un puzzle muy difícil de encajar. Especialmente en  algunas zonas de Bruselas que se han convertido en semillas de odio, fanatismo religioso y verdadero peligro para los valores occidentales. La cinta retrata el día a día de una escuela y el adoctrinamiento del profesor de religión en la parte más radical del Islam. A mí lo que me sigue sorprendiendo de manera especial es como las mujeres jóvenes siguen y estudian con fe el cómo van a ser sometidas por hombres que deberían ser su compañeros y no sus dueños. Sin la rebelión de las propias mujeres musulmanas será imposible avanzar en sus propios derechos. 

Amal está dirigida por un buen cineasta belgomarroquí que firma una implacable obra marcada por el compromiso. Hablamos claramente de cine social que no está reñido con el entretenimiento. Es la conmovedora e impactante historia de una profesora, Amal, que reivindica su libertad de pensamiento y enseñanza, oponiéndose con fuerza al oscurantismo, a la censura, a los extremismos religiosos y a la homofobia, que empiezan a abrirse camino en su clase y en el instituto donde trabaja.

Sin embargo, sus ideas molestan a aquellos que tienen afinidad con el extremismo. Aún así, la profesora mantiene su firmeza y defensa de la libertad sexual cuando Monia se declara homosexual. A partir de ahí el acoso contra la chica es incesante. No solo en clase, sino a través del teléfono y redes sociales. La quieren llevar al suicidio solo porque le gusten las mujeres. A veces pienso que si en la conservadora religión católica se ha avanzado y al menos medio respetado las opciones sexuales, con educación, estudio y comprensión la religión musulmana podría ser más  flexible. Quizás sea utópico. 

Gran interpretación de Lubna Azabal como la profesora que quiere comprometer al alumnado con unas ideas que no quieren escuchar. Un personaje con valores muy valientes y firmes. Igualmente y con los mismos valores se siente Monia, pero no la van a dejar vivir su vida. Kenza Benbouchta la interpreta de manera sólida y emocional. Una actriz con potencial y a la que creo veremos más al menos en el cine europeo. El ogro o villano es el profesor de religión -un islamista radical de carácter tranquilo- bien interpretado también por el actor Fabrizio Rongione. 

En la parte técnica es un filme plano sin nada que destacar o criticar. Está bien filmado, el montaje es correcto y dirección de arte o música no desentonan. Si que cabe decir que el cineasta ha tenido que llevar escolta en el Festival de Toronto y por tanto hablamos de otro valiente que se la juega con el fuego incendiario del radicalismo. Tuve oportunidad de entrevistarlo, pero por otras cuestiones de agenda no pude. Si viene a Madrid en otra ocasión haré lo posible. Por cierto, enhorabuena al Instituto Francés de Madrid por el gran trabajo que realiza por la cinematografía. Tienen un cine cerca de la embajada que muy poca gente conoce y que es una preciosidad. Abierto al público en algunos horarios por si visitan Madrid. Ciudad a la que aún le quedan tres o cuatro cines de los de toda la vida y también se agradece que estén abriendo cines muy cuidados incluso en el centro de la ciudad. Me fui del tema, je, je. 

Amal es una pequeña joya que pone en evidencia el problema que existe en Bélgica, en sus escuelas y en algunos guetos con el radicalismo islámico. Desconozco incluso si los críticos y periodistas de allí han podido hablar con plena libertad de esta película. Una cinta que con un reparto bien equilibrado nos muestra como la homosexualidad, el velo en las escuelas, la intransigencia o el miedo van ganando terreno en una tierra que durante el siglo XX fue un ejemplo de libertad.

Nota: 7'5.

Nacionalidad: Bélgica

Género: Drama

Director: Jawad Rhalib

Guion: Jawad Rhalib

Fotografía: Lisa Willame

Montaje: Nicolas Rumpl

Música: Mounir Hathout

Duración: 110 minutos

Reparto: 👇

Lubna Azabal: Amal

Fabrizio Rongione: Nabil

Catherine Salée: Directora de la escuela

Kenza Benbouchta: Monia

Ethelle Gonzalez-Lardued: Jalila

La habitación de al lado: Almodóvar retrata con firmeza el fin de la vida

 La habitación de al lado dirigida por Pedro Almodóvar se estrena en cines españoles el próximo 18 de octubre de 2024. La cinta rodada en inglés ha sido galardonada con el máximo premio del Festival de Venecia: El León de Oro. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Una madre muy imperfecta y una hija rencorosa están separadas por un malentendido. Entre ambas, otra mujer, Ingrid (Julianne Moore), amiga de la madre, es depositaria del dolor y la amargura de ambas. Martha, la madre (Tilda Swinton), es reportera de guerra e Ingrid novelista de autoficción. La película habla de la crueldad sin límites de las guerras, de los modos tan distintos en que las dos escritoras se acercan y escriben sobre la realidad, habla de la muerte, de la amistad y del placer sexual como los mejores aliados para luchar contra el horror. Y también habla del dulce despertar con los trinos de los pájaros, en una casa construida en plena reserva natural en New England, donde las dos amigas viven una situación extrema y extrañamente dulce.

La crítica: Si en Los destellos, Pilar Palomero retrataba el fin de la vida desde una perspectiva natural hasta que el cuerpo del enfermo terminal dijera basta, en La habitación de al lado, Pedro Almodóvar también afronta el tema de la muerte en los enfermos terminales, pero desde la perspectiva de la eutanasia. Dos películas similares que han llegado a las carteleras casi al mismo tiempo y que desde luego se atreven a plantarle cara a la muerte. Lo que parece claro es que en muchos países hay un vacío legal sobre el tema, teniendo que recurrir a la trampa de la sedación o a la ayuda de alguien capaz de tener la conciencia tranquila si actúa en consonancia con los deseos del enfermo y de su testamento vital. 

La habitación de al lado es a mi parecer la película más honda y profunda de la carrera del cineasta manchego. Esto no quiere decir que sea una cinta magistral en cualquier caso. Sería muy bonito que Palomero hiciera un remake en español de la de Almodóvar y viceversa. Digamos que la primera es una película rural y la hoy reseñada un filme urbano. Sus dos puntos de vista se cruzan cuando vemos la importancia de los cuidados mutuos, el valor de la familia o la amistad y por supuesto en esa visión de cómo las personas encaran la muerte y lo hacen sin miedo. 

Almodóvar, tiene una narrativa brillante, pero en este caso partimos de la base que en los primeros compases de la película ya sabemos lo que va a suceder y cómo va a suceder. Esta linealidad en la historia y el muy poco humor negro utilizado dejan un regusto amargo en un filme rodado de manera maestra, pero sin ninguna sorpresa a la que agarrarnos. La música de la que luego hablaré va proponiendo un suspense inexistente lo que resulta contradictorio. De lo que no cabe duda es la mano de hierro que utiliza el cineasta con las actrices. Eso en realidad es un director de cine. Si luego, además escribe el guion y sabe narrar es un plus a resaltar. 

No voy a escribir mucho más sobre la historia central, pues es demasiado sencilla para el cine. Hablamos de una amiga que le pide a otra compañía en la recta final de su vida. Ahí es cuando observamos buenos planos, un buen montaje y sobre todo muchas confidencias, recuerdos, reflexiones, también silencios y una moderada espera hasta el desenlace final de la cinta. Un epílogo policial aporta lo único novedoso por llamarlo de alguna manera, además de un final redondo y emotivo. 

Martha, interpretada con acierto por Tilda Swinton, es el eje central de la historia y la peticionaria de una eutanasia prohibida en Estados Unidos según el filme. Padece un cáncer y tras fracasar todos los tratamientos decide que no quiere seguir luchando. Y es curioso porque mediante flasbacks conocemos su dura juventud y su etapa como reportera de guerra. Una luchadora cansada de luchar. 

Julianne Moore con su personaje de Ingrid le regala a Almodóvar un papel que ayuda a dulcificar la película y por cierto aguanta unos primeros planos de impresión como si tuviera 30 años. Joder como trata la vida a unas y a otros los avejenta a marchas forzadas. Su personaje es la cara de la solidaridad, la empatía y la valentía que son tres temas que dan para reflexionar a través del cine. 

Muy breve papel de John Turturro en el que además hay un error de concepto en el guion al igualar liberalismo y ultra derecha. Recordemos que en Europa y EE UU vivimos en democracias liberales que pueden ser dirigidas por conservadores o socialdemócratas sin entrar en más debate. 

En la parte técnica destacan las localizaciones. Según ABC la historia que cuenta la cinta se sitúa en Nueva York y el en el bosque de Woodstock, situado en el mismo estado, pero lo cierto es que la espectacular vivienda de diseño en la que está rodada el grueso de la película está ubicada a este lado del Atlántico: en el municipio madrileño de El Escorial. La dirección de arte de los espacios interiores es magnífica: jardines, ventanas, muebles, cuadros, etc. Alberto Palacios compone una música con potencial de Oscar. Sin embargo, su uso preponderante y casi machacante anula en parte su buen hacer. La música se debería utilizar como subrayador de momentos emotivos o alegres, pero sin ocupar tanto espacio que además no tiene mucho sentido. 

La habitación de al lado es el sueño cumplido de Almodóvar que rueda en inglés, ha ganado el Festival de Venecia y entiendo que tendrá posibilidades en las nominaciones al Oscar. La película parte de un concepto muy válido como es el derecho a una muerte digna y sin sufrimiento. A veces me pregunto cómo es posible que sacrifiquemos a nuestras mascotas para evitar un sufrimiento horrible, y por cuestiones de carácter legislativo o religioso vemos morir a algunos de nuestros semejantes con dolores, sufrimiento e impotencia. Si algo podemos sacar de esta película es el derecho a un testamento vital que reconozca al ser humano como adulto y en el que pueda acabar sus días con dignidad. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Fotografía: Eduard Grau

Música: Alberto Iglesias

Duración: 107 minutos

Reparto: Julianne Moore

Tilda Swinton, John Turturo,

Alessandro Nivola