Flow: el gato que ha conquistado al mundo

Flow dirigida por Gints Zilbaloidis se estrena en Filmin el próximo día 16 de mayo de 2025. La ganadora del Oscar y del Globo de Oro para Letonia a la Mejor Película de Animación del presente año es una bella perla animada que se ha consagrado como uno de los grandes descubrimientos cinematográficos del año.

🐱🐱🐱🐱🐱

La historia: Un gato se despierta en un mundo cubierto de agua, donde la raza humana ha desaparecido. Busca refugio en un barco con un grupo de otros animales. Pero llevarse bien con ellos resulta ser un reto aún mayor que superar su miedo al agua. Todos tendrán que aprender a superar sus diferencias y adaptarse a este nuevo mundo en el que se encuentran.

La crítica: Con la victoria en los Oscar de Flow se marca un hito histórico para el cine letón. Su director es ya considerado un héroe nacional y su recibimiento fue apoteósico. Y eso que dicen que los gatos negros dan mala suerte. Por fin, se rompe un mito y observamos que el color de la piel o del pelo gatuno no influye en la fortuna. La suerte también se busca. 

La fascinación de Gints Zilbalodis por el cine comenzó a una edad temprana, cuando veía películas clásicas y empezó a hacer cortometrajes. Antes de “Away”, realizó 7 cortometrajes utilizando diversas técnicas, como la animación dibujada a mano y la animación 3D de acción real, a menudo mezclando sus características estéticas. “Flow, un mundo que salvar” -título en España- es su segundo largometraje de animación, que se estrenó mundialmente en el Festival de Cannes en la sección Un Certain Regard y ahora comienza a llegar a plataformas. 

La cinta es una road - movie clásica en la que en un grupo de animales unen sus fuerzas para subsistir en un mundo distópico en el que hay vestigios humanos pero con la raza extinguida. Gato -ya que Flow no es su nombre- se encarga de liderar a un pequeño grupo de animales en una balsa ya que el planeta está inundado: un perro, una capibara, un lémur y un ave secretaria. Estos animales, que actúan de manera realista sin antropomorfismo -no hablan, no hay diálogos (pero si gruñen, maúllan y se comunican)-, forman una comunidad improvisada para sobrevivir a la gran inundación. La narrativa destaca sus interacciones y el simbolismo de sus comportamientos, como la cooperación y la resiliencia. El mensaje en tono de fábula más evidente es la importancia de la amistad. 

Flow es una lección, muy dura para Disney que no deja de hacer el ridículo ya sea con La sirenita negra o con la nueva mulata Blancanieves en acción real en la que se profana un clásico de manera descabellada. Qué nadie vea racismo en mis palabras pues la raza negra es igual o en muchos casos superior a la blanca. Esto de escribir cada vez es más complejo pues si perdemos tiempo en justificarnos bajamos el nivel de la literatura. Del tema de los enanitos ya ni comento nada. Sé que es la acondroplasia y empatizo con ellos. De nuevo, justificación. Pero la lección para Disney no es solo por ese complejo, es por no saber crear narrativas nuevas, importantes y sólidas. 

Personajes principales

Gato negro: El protagonista, un felino cauteloso y temeroso del agua, representa la independencia y la superación de los miedos. A lo largo de la historia, aprende a confiar en otros animales y a enfrentar sus temores. Su voz fue grabada del gato real Miut, perteneciente al diseñador de sonido Gurwal Coïc-Gallas.

Perro (Golden Retriever): Un animal juguetón, amigable y dependiente al inicio, que busca guía en los demás. Evoluciona hacia la autonomía, mostrando un contraste con el gato. Está inspirado en los perros del director según leo en la nota de prensa del filme. 

Capibara: El personaje más pacífico y equilibrado, actúa como una figura de mentor. Simboliza la paz interior y la capacidad de adaptarse al momento. Zilbalodis lo eligió por su naturaleza diplomática, y su sonido en la película proviene de un camello bebé, ya que el sonido real de capibara no encajaba con su calma.

Lémur: Reservado y territorial, muestra una actitud desconfiada, pero su obsesión por coleccionar objetos refleja su deseo de ser aceptado por el grupo. Termina apoyando a sus compañeros

Ave secretaria: Un personaje majestuoso y protector, con un aire místico. Inicialmente pensado como una gaviota, se cambió por su imponente presencia. Defiende al gato, lo que le cuesta ser herido por su propia parvada, y su destino en una escena clave (absorbido por una luz) simboliza sacrificio o trascendencia.

La ballena: Personaje extraordinario, con un aire místico. Su destino en una secuencia fundamental simboliza la trascendencia y aquí la película cobra otra dimensión. Mitología, desaparición de las especies -incluida la humana- y otras teorías que quedan a la libre interpretación.

La técnica es sencilla y sorprende por el preciosismo de las imágenes. Visualmente es una maravilla y la música acompaña con éxito a la fábula. La cinta es de bajo presupuesto, pero no lo parece. Se ha utilizado un sistema de código abierto mediante el software Blender. Hoy con el mundo digital accesible para casi todos en el cine prima más el talento que los grandes presupuestos. Vale más un lápiz, que mil cachivaches. 

Flow me ha parecido original, intensa, y mucho más profunda de lo que aparenta. Pero para ser honesto también le pondría algún pero: a veces es repetitiva, puede generar confusión en su final abierto y las altas expectativas pueden causar alguna decepción. De lo que no cabe duda es que el filme europeo es emotivo, pone en valor la cooperación y sobre todo es una invitación a reflexionar sobre el papel de los humanos en su casa, en su planeta. Nos falta hermandad y nos sobra soberbia. Tenemos el don de la vida, la Naturaleza, un planeta inigualable, unos animales que nos acompañan y nos alimentan y además tenemos el poder de crear vida. Somos una especie desaprovechada y que no se enfoca en el talento para poder desarrollarnos en armonía y felicidad. Aún con todo solo nos queda seguir creyendo en los valores humanistas y en volver a creer en valores que podamos compartir todos: libertad económica e individual, solidaridad entre pueblos, democracias asentadas, respeto a los animales, a la Naturaleza y a las personas y sus ideas, ayuda a la investigación médica y justicia como mecanismo para la creación de la verdadera igualdad y de las oportunidades para todos. El ser humano está a tiempo de revertir el daño causado y tiene el derecho además de disfrutar de lo único real que tenemos que es la vida. El cine nos habla a lo largo de su historia de cómo éramos, de cómo somos, de cómo seremos y puede aportar su granito de arena para reflexionar sobre el sentido de la vida con películas tan sencillas, pero a su vez tan reflexivas como la hoy reseñada. 

Nota: 7'5. 

Nacionalidad: Letonia

Dirección: Gints Zilbalodis

Guion: Gints Zilbalodis

Música: Rihards Zalupe

Fotografía: Gints Zilbalodis

Duración: 83 minutos

Género: Animación - Aventuras

Cónclave: magistral radiografía de la elección de un nuevo Papa

Cónclave dirigida por Edward Berger se ha ido estrenando a nivel mundial entre finales de 2024 y principios de 2025 con el curioso dato de que en España se mantiene en cartelera en alrededor de 150 cines desde hace cuatro meses en algo que cada vez se convierte en algo más insólito. La muerte del Papa Francisco la ha vuelto a poner en el candelero y se reestrenará de nuevo en muchos países. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: El filme sigue muy de cerca uno de los rituales más secretos del mundo: la elección del Papa. Tras la inesperada muerte del Sumo Pontífice, el cardenal Lawrence (Ralph Fiennes) es designado como responsable de dirigir el cónclave. Cuando los líderes más poderosos de la Iglesia Católica se reúnen en los salones del Vaticano, Lawrence se ve atrapado dentro de una compleja conspiración a la vez que descubre un secreto que podría sacudir los cimientos de la Iglesia.

La crítica: Con aromas al gran filme Las sandalias del pescador, Cónclave está basada en el bestseller homónimo de Robert Harris. La novela ha sido tildada de "Versión eclesiástica de House of Cards" por The Times. Su adaptación a la gran pantalla corre a cargo del guionista nominado al Oscar Peter Straughan (El topo) que ahora sí ha ganado el Oscar a mejor guion adaptado por la cinta hoy reseñada. Merecido.

Cónclave trata sobre la inesperada muerte del Papa y como los miembros del Sacro Colegio Cardenalicio se reúnen en el Vaticano para elegir a su sucesor, una decisión que inaugurará una nueva era para la Iglesia católica. Aislados dentro de la Capilla Sixtina, cardenales de todo el mundo compiten por convertirse en el nuevo sumo pontífice. El cardenal Lawrence (Ralph Fiennes), decano del Colegio Cardenalicio, ejercerá el deber sagrado de presidir este ritual secreto celebrado desde hace siglos.

Los cardenales papables que empiezan a posicionarse como favoritos son el cardenal Bellini del Vaticano (Stanley Tucci), Trembley de Montreal (John Lithgow), Tedesco de Venecia (Sergio Castellitto) y Adeyemi de Nigeria (Lucian Msamati), que de ser elegido se convertiría en el primer papa africano de la historia. A mi juicio las mejores interpretaciones son las de Fiennes, Tucci y el personaje de la monja, encargada de la Casa Santa Marta, interpretada por Isabella Rossellini. 

La cinta empieza con un duelo de guante blanco en la que parece que nadie quiere el papado. Pero pronto, el cineasta convierte al filme en un intenso thriller en el que no faltan conspiraciones y "puñaladas por la espalda" entre cardenales para conseguir los votos necesarios. Cada uno opera por interés propio y oculta secretos comprometedores que podrían cerrarle las puertas al cargo más importante de la Iglesia católica. A las revelaciones inesperadas y los complots maquiavélicos que amenazan con desbaratar el proceso se suma la lucha interna a la que se enfrenta Lawrence, sumido en crecientes dudas sobre su vocación. Al descubrir que el anterior pontífice también tenía secretos, su sentido de la responsabilidad le lleva a investigar a fondo el asunto. Jamás hubiera podido imaginarse el insospechado giro final que en mi caso me ha parecido estrambótico restándole al menos un punto para que el resultado completo hubiera sido un sobresaliente cerrado. 

El difunto papa tenía una última sorpresa para el Cónclave: el nombramiento reciente y secreto del cardenal Benítez de Kabul. El encargado de interpretar a este recién llegado es Carlos Diehz, en su primer papel importante en cine. Tiene un estilo muy fresco y una gran capacidad para transmitir todos los valores cristianos. Benítez se convierte en la inesperada voz de la razón y la conciencia, apoyando a su candidato que es Lawrence sin ambages. Un atentado islamista que rompe los cristales de la Capilla Sixtina enardece el debate y será clave en la elección del nuevo Papa. Otros se descartan al conocer sus escándalos. 

La técnica de la película es brillante y nos mete de lleno con un realismo lírico en las alcobas, comedores o rincones predilectos del Vaticano donde los papables ya no esconden sus cartas. La luz a veces tenue y otras luminosa es una metáfora del bien y del mal que encierra la Iglesia. Una institución que es uno de los patriarcados más antiguos del mundo. Marginan a las mujeres, que no tienen voz ni voto. La mayoría de los personajes, incluido Lawrence, acepta que el sistema sea así. Pero hacia el final de la película empezamos a preguntarnos por qué la Iglesia no puede abrirse a escuchar a otras voces sobre todo por su supervivencia. Es inexplicable que las mujeres no puedan ejercer y subir en la escala del sacerdocio y por tanto no cuentan con derecho al voto en la elección del Papa.

Cónclave es un drama político que explora las tensiones entre el idealismo, la espiritualidad y la realpolitik. Habla de cómo las negociaciones y el poder corrompen, porque hacen peligrar la integridad y el altruismo. Todo ello ambientado en un mundo fascinante al que no solemos tener acceso y en la que cineasta, novelista y guionista han realizado un magistral trabajo radiografiando lo que es la máxima asamblea de Cardenales. En breve se anunciará con la fumata blanca el rumbo que tomará la Iglesia en los próximos años. En conclusión, tensión y tradición se dan la mano en un apasionante thriller que nos adentra en el funcionamiento interno de la Iglesia católica, mostrando un proceso plagado de misterio y suspense.

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Género: Drama, Religión

Dirección: Edward Berger

Guion: Peter Straughan

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Stéphane Fontaine

Duración: 115 minutos

Reparto: Ralph Fiennes,

Stanley Tucci, John Lithgow,

Sergio Castellitto ...

El casoplón: sarna con gusto no pica

 El casoplón dirigida por Joaquín Mazón se ha estrenado en cines españoles el día 16 de abril de 2025. La nueva comedia del cineasta español está protagonizada por Pablo Chiapella y Raquel Guerrero con distribución de Buena Vista International.

🏠🏠🏠🏠🏠

La historia: Toñi, Carlos y sus tres hijos están pasando el peor verano de sus vidas; sin vacaciones, encerrados en un piso de 50 metros cuadrados, ambos padres trabajando a tiempo completo… y para colmo, se estropea el aire acondicionado en plena ola de calor. Toñi y los niños convencen a Carlos para quedarse a dormir en el casoplón vacío donde le ha tocado trabajar como jardinero durante un par de semanas. Lo que iba a ser una escapada puntual del bochorno veraniego se convierte en unas vacaciones inolvidables y llenas de aventuras, entre mansiones y vecinas famosas, que transformarán a esta familia para siempre y les harán replantearse lo que de verdad es importante para cada uno de ellos (Disney España). 

La crítica: Hay comedias, como es el caso de El casoplón, de las que no se puede esperar mucho más de lo que ya dejan entrever. Es decir: género cómico familiar que podríamos englobar en el cine de evasión al que yo he titulado con lo de sarna con gusto no pica. Sabemos que va a ver situaciones ridículas, algún chiste subido de tono y unos cuantos niños con perro (en este caso con un conejo) haciendo el cabra. En este caso, ir a ver una comedia implica buscar reírse y pasarlo bien sin ninguna necesidad de reflexionar que para eso ya esta el absurdo mundo en el que vivimos. Otra comedia, o más bien tragicomedia real sería la que protagoniza en el mundo real, Donald Trump, pero lo malo es que esto ya no es un chiste. Y es que en el caso del mandatario estadounidense sus votantes deberán añadir algo al refrán: "Sarna con gusto no pica, pero mortifica". 

El Casoplón es una comedia familiar con un buen ritmo que aborda temas adultos: las aspiraciones sociales, el deseo de progresar económicamente, los valores que transmitimos a los más pequeños. La cinta está también en la linea de lo que viene haciendo Santiago Segura con la saga de "Padre no hay más que uno" (padres perdidos con niños enloquecidos). Son películas flojitas, pero son las que sacan las castañas del fuego a la industria del cine español. Algo que ya pasaba con el Landismo o con Pajares y Esteso. Risas y muchos ingresos para que el cine independiente pueda tener su hueco y poder seguir haciendo buenas películas dramáticas españolas que cuentan cómo somos y cómo fuimos. 

En la cinta hoy reseñada queda claro que los niños actores y los adultos han conseguido disfrutar durante el rodaje, combinando una peculiar historia de familia con la locura más divertida que te puede dar un verano diferente. También podría haber titulado con un: "De Móstoles a La Moraleja". Es decir de un municipio de gente trabajadora donde el verano es abrasador, a un incierto viaje a una de las urbanizaciones más ricas de Madrid. Y la verdad es que uno siente empatía hacia los personajes. ¿Por qué quedarse en el infierno mostoleño si tu padre tiene que cuidar de un casoplón durante quince días? ¿Qué malo podría pasar? Pues ya os imaginareis que pasará de todo y se romperán bastantes cosas. 

Pablo Chiapella y Raquel Guerrero son los sufridos padres que veis en la imagen superior y que se mueven como pez en el agua en la comedia. Su tremendo bagaje en series hacen que se les vea curtidos y sólidos en sus papeles. La película completa su reparto con los niños Nerea Pascual, Noah Casas y Álvaro Lafuente, junto a la cantante Edurne que es la sorpresa de la cinta. Iñaki Miramón hace un breve, pero jugoso papel. 

En la técnica destaca la colorida fotografía de Chiqui Palma, un loco vestuario veraniego y la selección de la moderna morada donde se desarrolla la acción. La música aporta poco y el metraje es ideal con 90 minutos de las desventuras de la familia de turno. 

El casoplón es en definitiva un filme entretenido, familiar, pero en su totalidad podemos hablar de una comedia flojita que causa alguna sonrisa y pocas carcajadas. Hablamos de una película para ver con niños o en todo caso para padres que desean rememorar las travesuras de esos pequeños monstruitos que nos alegraron una parte muy importante de nuestra vida. Ahora bien, si me estás leyendo y pretendes ser padre o madre, mejor quédate en casa o vete al parque porque se te van a quitar las ganas. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Joaquín Mazón

Guion: Roberto Jiménez

Música: Vicente Ortiz 

Fotografía: Chiqui Palma

Duración: 90 minutos

Reparto: Pablo Chiapella,

Raquel Guerrero, Edurne,

Iñaki Miramón ...

Parthenope: una carta de amor a Nápoles y a la mujer italiana

Parthenope dirigida por Paolo Sorrentino se estrena en Filmin el próximo día 17 de abril de 2025 tras su paso por los cines a nivel global. La nueva película del director napolitano, obtuvo más de 1 millón de espectadores en menos de un mes en cines italianos. Se ha convertido ya en la película más taquillera de Sorrentino, superando a 'La Gran Belleza'.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Una carta de amor a ese Nápoles que ríe, hechiza y enamora, que nos hace viajar por la vida de Parthenope (Celeste Dalla Porta) desde su nacimiento en los años 50 hasta hoy. Un cuento  que rebosa pasión y libertad y nos sumerge en los grandes amores y decisiones que todo lo cambian para siempre. La vida de esta mujer sin prejuicios y adelantada a su tiempo es un viaje bellísimo, caótico y fascinante mientras descubre y aprende el oficio de vivir, en un entorno tan puritano como opresor (Caramel Filmes). 

La crítica: Belleza, juventud y el paso del tiempo son los ejes fundamentales sobre los que se asienta una película de formas preciosistas y de fondo muy reflexivo cuando la dejamos reposar en nuestra mente. Pero ya desde el principio la belleza en el rodaje engancha como si estuviéramos viendo una escultura cinematográfica. 

A Parthenope, la protagonista, la conocemos incluso antes de nacer. Tras una elipsis narrativa ya la vemos como una bella muchacha de 18 años con mucho carácter y con unas altas capacidades para sus estudios. Se dedica a la antropología y su profesor la considera una alumna brillante. Cuando por su belleza la intentan captar para ser actriz, la duda llega a su vida. A ella le encanta seducir, pero opta por seguir estudiando y disfrutando de su vida napolitana. La cinta es ante todo un viaje emocional. 

Parthenope es una película sobre lo sagrado. Sobre todo lo que una mujer no ha podido olvidar en sus setenta y tres años de vida: la bahía de Nápoles y sus padres, sus primeros amores —uno puro y brillante, el otro sórdido e indescriptible—, el verano perfecto en Capri, despreocupado, con sus amaneceres salados, sus mañanas tranquilas y sus noches templadas; esos encuentros fugaces y fatídicos, el descubrimiento de la seducción y el vértigo de la libertad; sentirse tan plenamente viva que suspira ante la exuberancia de la vida. La búsqueda desesperada de su verdadero yo: amores perdidos o apenas saboreados. Las penas que la sumergen en la adultez; el inexorable paso del tiempo; el único amante que nunca la abandona. Y en todo esto está Nápoles, con su vitalidad exasperante y todos siempre listos, como si esperaran perpetuamente tras una cortina invisible, para subir al escenario y ofrecer caos, vulgaridad, sorpresa, promiscuidad y todo lo demás.

Encabeza el reparto la debutante Celeste Dalla Porta a la que Sorrentino filma como una bellísima sirena haciendo hincapié en el mito griego que lleva por nombre. Stefania Sandrelli (Novecento), ocupa el papel de Parthenope en otra etapa de su vida. El oscarizado Gary Oldman, hace del escritor John Cheever, cuyos libros ha leído con gran admiración, y que se convierte en unos de los confidentes de la joven mujer. Luisa Ranieri (Fue la mano de Dios); Silvio Orlando (Ariaferma, El sol del futuro); Isabella Ferrari (La gran belleza) y Giampiero De Concilio (La cena perfecta) completan un reparto que están al servicio de la protagonista. 

La fotografía corre a cargo de la directora Daria D’Antonio. Hablamos de una cinematografía perfecta con elegancia y belleza en cada una de las imágenes. La película es un lienzo en movimiento que retrata la belleza del sur de Italia de manera magnífica. Asimismo tanto el vestuario como la música ponen un toque de sutil erotismo que envuelve el entorno como un viaje hacia la belleza de la propia mitología que se encuentra tras el fondo de la historia. Por tanto, hablamos de fondo y forma. 

Parthenope me ha parecido una rotunda obra de arte visual que se complementa con una gran historia de fondo. Quizás la última elipsis narrativa sea precipitada y caiga en el debe de la producción. Pudiera deberse a la necesidad de amoldar el metraje y que el filme no se extendiera en exceso. Sin embargo, esto es una mera anécdota. La cinta es una oda a la belleza de la mujer y una carta de amor a Nápoles: la ciudad que nunca juzga. Nápoles es como Parthenope. Su libertad es una constante, algo a lo que nunca renunciará. Incluso si eso significa abrazar la soledad. Porque, con demasiada frecuencia, la soledad y la libertad van de la mano, como a veces el amor y el desamor son un conjunto. 

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Italia

Género: Drama

Dirección: Paolo Sorrentino

Guion: Paolo Sorrentino

Música: Lele Marchitelli

Fotografía: Daria D'Antonio

Duración: 135 minutos

Reparto: Celeste Dalla Porta,

Gary Oldman, Stefania Sandrelli,

Luisa Ranieri ...

Sorda: notable retrato del mundo no oyente

Sorda dirigida por Eva Libertad se ha estrenado en cines españoles el día 4 de abril de 2025. La cinta española ha sido la gran triunfadora del Festival de Málaga con la Biznaga de Oro a la Mejor Película y otros cinco premios más. Ya se perfila como una de las películas favoritas para los próximos Premios Goya.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Ángela, una mujer sorda, va a tener un bebé con Héctor, su pareja oyente. La llegada de la niña altera la relación de pareja, y lleva a Ángela a afrontar la crianza en un mundo que no está hecho para ella.

La crítica: Buen debut de, Eva Libertad en una ópera prima cocinada con mucho cariño, emotividad y buscando en lo cotidiano de las personas momentos extraordinarios. Un noble noviazgo, una secuencia estremecedora de un parto y la crianza de un bebé son las bases narrativas sobre las que se asienta una producción que nos recuerda en algo a la también premiada Cinco lobitos. 

Según como está el mundo con conflictos bélicos, guerras arancelarias y la carestía de la vivienda por las nubes, quizás dentro de diez años podríamos hablar de que la cinta española sería una distopía o pura ciencia - ficción. ¿Existirán para entonces las parejas tradicionales? ¿Gente que quiera o pueda traer a bebés a este mundo? ¿Existirá el concepto de familia o seremos seres individualizados conectados a un teléfono móvil? Y ya puestos, ¿cómo será el mundo para las personas con alguna discapacidad cómo la sordera, ceguera o la pérdida del habla? 

Sorda es el primer largometraje español protagonizado por una actriz sorda y parte del cortometraje homónimo nominado a los Premios Goya en 2023 dirigido por Eva Libertad y Nuria Muñoz. La película explora los desafíos que surgen en la pareja al afrontar la maternidad y paternidad potenciados por el encuentro de los mundos sordo y oyente. Sobre todo hablamos de un aprendizaje para la comprensión hacia las personas que no pueden escuchar desde su nacimiento o que quedaron sordas por algún evento físico. A veces, aunque sean sordos, si que pueden hablar con relativa normalidad al no ser que sean sordomudos. 

La cineasta busca con el largo ese deseo de explorar más en profundidad la complejidad del vínculo entre el mundo sordo y el mundo oyente: los encuentros o desencuentros, la conexión y el amor, pero también los choques o los conflictos... algo que ha sido esencial en su vida pues Miriam Garlo, la actriz protagonista, es su hermana, es actriz y es sorda. Hace unos años, la propia Miriam empezó a plantearse ser madre. Hablaron mucho sobre este tema y de esas conversaciones surgió el cortometraje de Sorda, que las dejó con la sensación de que quedaba mucho por contar en la historia de Ángela en la cinta que ahora ha visto la luz. 

La película, como decía, está protagonizada por la actriz sorda Miriam Garlo, hermana de la directora y por Álvaro Cervantes. Ambos han sido premiados con las Biznagas a las mejores interpretaciones en el Festival de Málaga. Cervantes estuvo un año preparando el papel ya que tuvo que aprender la lengua de signos. Completan el reparto Elena Irureta y Joaquín Notario, entre otros actores que van conformando un reparto coral con pequeñas interacciones. Los personajes están bien definidos con un realismo que conecta de manera rápida con el espectador aunque con una cierta parsimonia que es algo repetitiva en la ejecución del relato. 

La huerta, una luz única, la vegetación, el sonido de los pájaros... son parte de esta película que Eva Libertad tenía muy claro que se tenía que rodar en Murcia. Una casa de campo es el epicentro de la cinta otorgando a toda la narrativa un aire rural, cálido y luminoso. Buena técnica por tanto. 

Sorda es un viaje único al epicentro de las personas sordas. La cineasta enfoca el filme desde la perspectiva del mundo oyente, para en la parte final silenciar el sonido y cambiar la perspectiva en la que vemos con claridad lo que sienten las personas no oyentes. Pero ante todo nos hallamos ante un relato protagonizado por una cálida historia de amor en la que también hay encuentros y desencuentros. Un final lírico deja muy buen sabor de boca y con ganas de seguir el recorrido de una cineasta que viene a sumarse a la gran renovacion de las directoras españolas. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Eva Libertad

Guion: Eva Libertad

Música: Aránzazu Calleja

Fotografía: Gina Ferrer

Duración: 100 minutos

Reparto: Miriam Garlo, Álvaro

Cervantes, Elena Irureta, Joaquín Notario.

Vida en pausa (Quiet Life): El extraño caso del síndrome de resignación

Vida en pausa dirigida por Alexandros Avranas se estrena en cines españoles el próximo día 4 de abril de 2025. El quinto largometraje del premiado cineasta griego tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y compitió en Sección Oficial en el Festival de Sevilla.

👶👶👶👶👶

 

La historia: Suecia, año 2018. Un inexplicable síndrome afecta a niños y niñas en un país acostumbrado a la perfección y el orden. Sergei y Natalia, recién llegados con sus dos hijas, esperan obtener asilo político. Trabajan duro, aprenden el idioma y se someten a inspecciones regulares. Pero cuando su solicitud es rechazada, la hija menor entra en coma, pasando a engrosar la temida lista. ¿Hasta dónde llegarán para permanecer despiertos en un mundo diseñado para adormecerlos? Inspirada en hechos reales. 

La crítica: Si alguien se enfrenta al visionado del filme europeo podría pensar que se trata de una distopía cuando en realidad hablamos de una enfermedad rara, pero real. Además solo se produce en los niños refugiados en Suecia. Sociedad, la sueca, que es presentada con individuos muy rígidos, protocolos de acero y con un funcionamiento tan mecánico que apuntala el efecto distópico de la narrativa. Desde luego, Alexandros Avranas, ha conseguido una puesta en escena muy efectiva. 

Vida en pausa retrata, por tanto, un inquietante fenómeno real, el Síndrome de Resignación Infantil, a través de una estética escalofriante que sirve de crítica a la estricta burocracia nórdica. Un misterioso fenómeno que apareció en Suecia en la década de los 2000 y que afecta a los niños que llegan junto a sus familias pidiendo asilo. Afectados por el trauma, entran en un inexplicable coma. El fenómeno generó un importante revuelo en la sociedad y fue ampliamente cubierto en medios como la BBC o New Yorker. En 2019, la nominación al Premio Óscar del cortometraje documental "La vida me supera" puso en el mapa internacional a los afectados. Sin embargo, hoy por hoy, el Síndrome de Resignación Infantil sigue desconcertando a la ciencia.

La narrativa se asienta sobre un matrimonio con dos hijos que huye de Rusia por amenazas, agresiones al padre que solo defendía la libertad de expresión como profesor en las aulas rusas. Se cree que cuando los niños son testigos de violencia o amenazas contra un padre, su vínculo más importante en el mundo queda destrozado. Por lógica y tras los conflictos en Gaza y en Ucranía podríamos especular que este síndrome se puede extender en los nuevos refugiados como si habláramos de una pandemia mental. Y mientras ocurre todo esto los mandatarios se enredan en más deportaciones, menos solidaridad y menos acogida a quien huye del horror, la guerra o la miseria. Futuro sombrío en este aspecto. 

Vida en pausa es la historia de su lucha por recuperar la esperanza y la estabilidad, sin importar el coste. Es un relato sobre encontrar luz en medio de la oscuridad porque muchos de los niños que padecen el síndrome logran despertar como si hubieran dejado su cerebro en pausa en una especie de desconexión con el mundo real. Neurólogos siguen estudiando este fenómeno que aún no llegan a comprender del todo. 

Vida en pausa cuenta en su reparto con los siguientes intérpretes: Chulpán Jamátova (Good bye, Lenin!, La fiebre de Petrov), Grigory Dobrygin (ganador del Oso de Plata a Mejor Actor en el Festival de Berlín por Cómo terminé este verano), Naomi Lamp, Miroslava Pashutina y Eleni Roussinou. Buenas interpretaciones con carácter general. Los personajes están bien definidos: un matrimonio que huye de la dictadura rusa y sus hijas que están traumatizadas ante la situación al filo de la navaja de sus padres. La deportación a Rusia siempre está presente por lo que el estrés va haciendo mella en las pequeñas. 

Para la técnica de rodaje, Avranas, ha creado un sello estético que luce de forma quirúrgica en la película, con un diseño de producción de Markku Pätilä, director de arte habitual de Aki Kaurismäki. Una apuesta que potencia una realidad de apariencia kafkiana y distópica, donde la perfección escandinava queda en entredicho. 

Vida en pausa es un filme sorprendente y rodado de manera muy seria. Observamos de forma clara cuales son y cuales van a ser las consecuencias de los millones de refugiados que se esperan en el planeta en los próximos años. El eslabón más débil, los niños, si es que no han sido masacrados en las guerras son los más dañados tanto en la salud mental como en sus emociones cotidianas. El punto álgido se está produciendo en Suecia en un fenómeno con tintes casi inexplicables para la ciencia. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Francia - Suecia

Dirección: Alexandros Avranas

Guion: Alexandros Avranas

Música: Tuomas Kantelinen

Fotografía: Olympia Mytilinaiou

Duración: 100 minutos

Reparto: Chulpan Khamatova,

Grigoriy Dobrygin, Naomi Lamp,

Miroslava Pashutina, Eleni Roussinou

Sting. Araña asesina: un loro, una niña repelente y su araña indecente

Sting. Araña asesina dirigida por Kiah Roache-Turner se estrena de manera inexplicable en cines españoles el próximo día 28 de marzo de 2025. Hablamos de una monster movie en la que en su "enigmático" título ya encontramos el 90 por ciento de la reseña realizada. 

👾👾👾👾👾

La historia: Una araña asesina se hace gigante y se dedica a asesinar. Le vale todo: perros, loros, bichos, humanos... con excepción de la repelente niña que la cría y la engorda sin ningún tipo de conocimiento. Otra a la cola para el Ozempic. La araña digo. 

La crítica: Esa cosa con patas refrita y devorada que veis en la imagen superior es lo que queda del loro. El señor de al lado es el exterminador de plagas al que llaman los vecinos al ver el apetito de la araña. Y hay perro. Ya os imaginareis como acaba. El fentanilo acabará con el  gremio de guionistas.

Sting. Araña asesina parte de la siguiente premisa: un asteroide se acerca a la tierra (súper original) y un mini-meteorito cae en casa de la niña repelente. La cría como parece que no tiene amigos adopta a la araña que venía en un huevo dentro del meteorito, la mete en un tarro de cristal y se dedica a engordarla a base de otros asquerosos bichos. Todo precioso. 

El resto es que está explicado en el título. Qué le vamos a hacer. La araña se hace gigante y asesina y por ende se dedica a esas labores. Lo único que queda por saber es quien sobrevive al arácnido y al visionado de este horripilante filme por llamarlo de alguna manera. Qué tengáis buen día. Fin. 

Nota: 1/10 (el uno es In Memorian del loro). 

Nacionalidad: Australia

Título original: Sting

Género: Terror

Duración: 1h 32m

Dirección: Kiah Roache-Turner

Guion: Kiah Roache-Turner

Fotografía: Brad Shield

Música: Anna Drubich

Reparto: Alyla Browne, Ryan Corr,

Penelope Mitchell, Robyn Nevin.

Wilding, el regreso de la naturaleza: del desierto biológico al hábitat silvestre

Wilding, el regreso de la naturaleza dirigida por David Allen se estrena en cines españoles el próximo día 21 de marzo de 2025. La película documental está basada en el libro best seller de Isabella Tree: "Asilvestrados".

🐼🐤🐎🐔🐽

La historia: Una pareja apuesta por la naturaleza para el futuro de su fallida finca de cuatrocientos años. Los jóvenes luchan contra las tradiciones y se atreven a poner el destino de su granja en manos de la naturaleza. Derribando las vallas, devuelven la tierra a la naturaleza y confían su recuperación a una mezcla heterogénea de animales tanto mansos como salvajes. Es el comienzo de una gran apuesta que se convertirá en uno de los experimentos de reconstrucción más importantes de Europa.

La crítica: Tras nueve años escribiendo crítica de cine tengo claro que el cine documental es el que mayor pureza cinematográfica ha conservado con el paso de los años. Un cine con cuestiones reales para reflexionar, meditar y hacer de este mundo algo mejor si esto es aún posible. En el caso de la película hoy reseñada tiene el valor añadido de que es apolítica, no pretende ser panfletaria y se dedica a mostrar un experimento para recuperar la diversidad en los suelos dañados por la agricultura intensiva. 

Wilding, el regreso de la naturaleza cuenta la historia de, Isabella y Charlie Tree, que en los años 80 heredan Knepp, una finca abandonada de 400 años de antigüedad en el sur de Inglaterra. Oponiéndose a la arraigada tradición, se arriesgan a dejar que la naturaleza decida el destino de su granja, con un ambicioso proyecto de recuperación de la naturaleza inspirado en el pensamiento de ecologistas europeos como Frans Vera. Es el inicio de un gran experimento que llegará a convertirse en uno de los más importantes de Europa. Hablamos de una cinta inspiradora que nos muestra el camino para que la naturaleza vuelva a entrar en nosotros.

Sin embargo, a finales de los 90, la pareja tienen que afrontar la realidad: las tierras no dan frutos y acumulan una deuda de 1,5 millones de libras. Tras derribar las cercas, y con la esperanza de regenerar el crecimiento de los hongos micorricicos en lo más profundo del suelo, devuelven la tierra a la naturaleza y confían su recuperación a una variopinta mezcla de animales para que vivan en libertad. Y el conjunto comienza a funcionar: abonos naturales, nada de pesticidas, mucha paciencia y todo superando la intolerancia de vecinos y a la lenta burocracia inglesa. 

Con el paso del tiempo, algo de ayuda de unos encantadores cerdos y el milagroso regreso de especies raras como la mariposa tornasolada, la cigüeña blanca y la tórtola turca que tienen su hogar en Knepp, la tierra se va regenerando por si sola. Se trata de una transformación que excede con creces todo lo que alguien pudiera imaginar, capturada al detalle por David Allen, documentalista ganador de cinco premios Emmy, y Tim Cragg y Simon de Glanville, directores de fotografía galardonados con varios premios BAFTA. La técnica, por tanto, es muy sólida. 

Los proyectos de resilvestración hechos en Europa influyeron mucho en la mente de los protagonistas. Nunca hubieran imaginado que castores e incluso cigüeñas habitaran su finca de 1400 hectáreas que en su día estuvieron dedicados a la agricultura intensiva y producción de lácteos. Uno de los aspectos clave era hacer que los animales de gran tamaño en libertad fueran los que controlaran el sistema. Imaginémonos las grandes manadas de uros, sábalos, alces, jabalíes, castores, etc., que había en Europa mucho antes del ser humano, y pensemos en cómo crearon una matriz de hábitats mucho más abierta, diversa y dinámica, que es combustible para la vida salvaje y para la vida natural. 

Wilding, el regreso de la naturaleza me ha parecido una cinta precisa y preciosa. El metraje de apenas 75 minutos otorga un buen ritmo narrativo para no caer en la reiteración. Si queremos recuperar la naturaleza, una de las formas de conseguirlo es recurrir a estos grandes animales en libertad, o a sus descendientes modernos, si no se los ha cazado hasta extinguirlos. Se puede utilizar a sus descendientes domesticados para recrear el hábitat. En 20 años, la tierra ha dejado de ser un ecosistema empobrecido y agotado y se ha convertido en uno de los focos de biodiversidad más ricos de Gran Bretaña, en el que se encuentran algunas de las especies más raras. Así que en definitiva hablamos de una gran historia de esperanza basada en la perseverancia de algunas personas.

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: Reino Unido 

Dirección: David Allen

Guion: Isabella Tree

Fotografía: Tom Beldam

Duración: 75 minutos

Reparto: Documental (Rhiannon Neads, Matthew Collyer, Isabella Tree).

Presence: Steven Soderbergh subvierte de manera brillante el cine sobrenatural

Presence dirigida por Steven Soderbergh se ha estrenado en cines españoles el día 7 de marzo de 2025. La cinta fue presentada en los festivales de Toronto y Sitges con una gran recepción por público y crítica. 

👻👻👻👻👻

La historia: Rebekah (Lucy Liu), su marido (Chris Sullivan) y sus hijos comienzan a experimentar fenómenos inexplicables tras mudarse a su nueva casa. Las extrañas presencias que se manifiestan a su alrededor les harán cruzar la delgada línea entre la realidad y la percepción. 

La crítica: Creo que las críticas más duras realizadas por este servidor -ya sean en tono sarcástico o en tono más serio- han estado dedicadas al cine de terror por la repetición de argumentos, clichés y demás aberraciones narrativas. Sin embargo, es un género que me gusta y en el que hay miles de opciones para innovar. Aunque estrictamente, Presence se decanta más por ser una película de suspense con leves elementos del cine de horror. Hablamos más bien de cine experimental, pero dirigido por un cineasta muy curtido que sabe dónde se mete y lo más importante sabe como resolver la premisa planteada. 

Y es que en la cinta reseñada se opta por algo tan sencillo y a su vez innovador como cambiar la perspectiva de la narración. Es decir, aquí todo lo vivido se narra a través del punto de vista de un fantasma que habita una casa vacía. En realidad es como si los nuevos moradores fueran los invasores de su tranquilidad. Poco a poco intuiremos el porqué de esa presencia, fantasma o espíritu a la vez que conoceremos a los cuatro miembros de la familia que compra la casa. Por supuesto, Soderbergh huye de todos los clichés: no hay gente poseída, no hay perros endemoniados, tampoco niños siniestros, no hay sustos gratuitos y sí hay un asesino en serie que justifica una trama atractiva. 

Uno de los placeres de Presence está en la elaboración del libreto escrito por David Koepp. Él es un experto en realizar thrillers en entornos restringidos. Y la cinta se desarrolla en el interior de una mansión, sin apenas exteriores lo que conlleva un cierto aire de obra teatral. En cualquier caso y debido a la pericia en el manejo de la cámara todo parece novedoso sin encontrar demasiadas referencias -aunque las hay- en la historia del género. Todo se lleva a cabo en un solo lugar. Ocurren cosas raras y la familia comienza a desmoronarse ante los misteriosos hechos que se van sucediendo. Como espectador quedas enganchado. 

Otro punto fuerte son los 85 minutos de metraje que dan el ritmo adecuado a la historia. De hecho, la realización se toma su tiempo para presentar personajes y peculiaridades de la familia. Con ello se demuestra que el cine de más de 150 minutos en la actualidad está desfasado. Menos es más y lo bueno si breve dos veces bueno como diría Baltasar Gracián. 

El reparto con carácter general resuelve bien su trabajo: Callina Liang, Lucy Liu, Chris Sullivan, Eddy Maday o Julia Fox se sienten muy bien dirigidos por el cineasta. El personaje central es la hija adolescente de la familia. Ha perdido a su mejor amiga por una sobredosis de drogas y lidia con el duelo de manera principal en su habitación y sin mucho apoyo familiar a excepción del padre. Padres y hermano se sienten estupefactos ya que también son testigos de que hay una presencia en la casa por ruidos o cambios de objetos de sitio. En cualquier lugar todo es muy sutil. El único debe que pondría a la película es la poca profundidad de los personajes. Aunque no están desarrollados del todo en la parte final nos haremos una idea general de todo el entramado familiar. 

La técnica es sobresaliente. Abundan excelentes planos secuenciales, tenues toques de música y un espacio escenográfico ideal. La casa es preciosa, se rueda de día, la fotografía es luminosa y la cámara principal hace de los ojos del fantasma. Es decir, lo que comentaba de manera anterior de cambiar la perspectiva visual y narrativa de la historia. 

Presence es original, innovadora y potente ya desde los primeros planos. Un filme que parece ser una enmienda a la totalidad de los patrones utilizados por el género de terror en los últimos años. De esta manera, Soderbergh subvierte, trastoca y revoluciona un género que vuelve a los orígenes del buen suspense y del que seguro el maestro Hitchcock se sentiría muy orgulloso. En definitiva hablamos de una película intensa, sólida y que no dejará indiferente al espectador. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: EE UU

Género: Terror, Suspense

Duración: 1h 25m

Dirección: Steven Soderbergh

Guion: David Koepp

Fotografía: Steven Soderbergh

Montaje: Steven Soderbergh

Música: Zack Ryan

Reparto: Callina Liang, Lucy Liu,

Chris Sullivan, Eddy Maday, Julia Fox.

Lee Miller: el valor de la fotografía

Lee Miller dirigida por Ellen Kuras se estrena en cines españoles el próximo día 7 de marzo de 2025. Tras su premiere mundial en el Festival de Cine de Toronto, en julio de 2024, el Festival de Cine de Munich, acogió la premiere europea del filme británico y Kate Winslet recibió el Premio a toda una vida.

📷📷📷📷📷

La historia: La película gira en torno a la corresponsal de guerra Lee Miller (Kate Winslet) en su viaje a las primeras filas de la Segunda Guerra Mundial para embarcarse en la misión de destapar las verdades ocultas del Tercer Reich. Pero a consecuencia de la traición, llegará un ajuste de cuentas sobre las verdades de su propio pasado (Vértice Cine).

La crítica: La fotografía, como antes fue la pintura, es testigo del paso de los acontecimientos con un valor incalculable. Pero de manera lógica sin los fotógrafos -en este caso de guerra- y sus particulares miradas no se entendería cualquier conflicto armado y las atrocidades cometidas en ellos. Es por ello que el filme británico trata de buscar el valor añadido que aún hoy en día aportan los retratos de guerra. 

Lee Miller sigue, durante la Segunda Guerra Mundial, a la célebre y prestigiosa corresponsal de guerra, figura crucial del siglo pasado, quien con su talento y tenacidad nos brindó algunas de las imágenes más indelebles del siglo XX. Tras abandonar una glamurosa carrera como modelo de portada en Vogue con artistas como Man Ray (artista surrealista francés que la lanzó al estrellato como modelo de alta costura) coge una cámara de fotos e inicia una peligrosa cruzada como corresponsal de guerra para las ediciones británica y estadounidense de Vogue. Quería plasmar la lucha en el frente aliado, dar a conocer las atrocidades que la Alemania nazi de Hitler perpetró contra los judíos en los campos de concentración y dar a conocer los oscuros secretos del Tercer Reich. Suyas son algunas de las primeras imágenes de los campos de concentración  poco tiempo después de que los nazis huyeran de ellos. 

Otro de los aspectos destacados de la narración es la evolución de los personajes y de la propia Europa. Observamos el color de Francia antes de la guerra y su bohemia. Después el horror del paso de las tropas alemanas. También vemos la evolución de Londres antes, durante y después de la guerra. Poca gente quedó indemne, pero la victoria de los aliados volvió a poner las cosas en su sitio. Y por supuesto la evolución de Lee Miller. 

Lee siente una profunda comprensión y empatía por las mujeres y por las víctimas sin voz de crímenes atroces; sus imágenes muestran tanto la fragilidad como la ferocidad de la capacidad humana para sobrevivir, existir, defenderse y vivir. A diferencia de los muchos fotógrafos masculinos que pueden moverse libremente, a Miller le deniegan el permiso. Finalmente, tras agotar todas las vías británicas, Lee obtiene una acreditación de guerra estadounidense y, sola, viaja a Europa.

Gran trabajo de Kate Winslet merecedora de algo más que una nominación al Globo de Oro. Se deja la piel. La podemos ver de todas formas posibles: en su juventud bella y glamourosa, en el frente muy desgastada e incluso convertida ya en una mujer mayor en la entrevista ficticia que vehiculiza la narrativa. Tras enfrentarse al asedio de Saint-Malo (Francia) y fotografiar uno de los primeros usos del napalm, Lee une fuerzas con su amigo y compañero fotógrafo David Scherman interpretado de manera correcta por Andy Samberg. Lee y Scherman inmortalizan la liberación de París, se cuelan en la casa abandonada de Hitler en Múnich, donde Scherman hace la icónica foto de Miller en la bañera del Führer. Otros papeles destacados son para el compañero sentimental de Lee, papel de Alexander Skarsgård y a Marion Cotillard como confidente de nuestra protagonista. 

En la técnica destaca un montaje muy inmersivo para el espectador. El vestuario, la luz, la música, el aspecto y la sensación de los espacios por los que se mueven los personajes se sienten muy reales. Alexandre Desplat es el compositor de la música de la película. Las localizaciones nos llevan a Croacia o Budapest, pasando por los escenarios como los de Dachau, el apartamento de Hitler en Múnich, las oficinas de Vogue en Londres, la villa en el sur de Francia, París o un hospital de campaña en Normandía.

Lee Miller es una cinta imprescindible para conocer a una fotógrafa icónica, valiente y tenaz. A través de su mirada vemos los horrores de la guerra, pero sobre todo observamos como éstas cambian la vida y la felicidad de las personas. También de las ciudades o países. Con una brillante interpretación de Kate Winslet y un diseño de producción magnífico, asistimos a una nueva vuelta de tuerca en lo sucedido en la Segunda Guerra Mundial. El enfoque y la perspectiva cambian con respecto a otras películas de la misma temática y eso hace del filme un producto sólido con el añadido del interés histórico. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Ellen Kuras

Guion: Liz Hannah

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Pawel Edelman

Duración: 116 minutos

Reparto: Kate Winslet, 

Alexander Skarsgård, Josh O’Connor,

Andy Samberg, Marion Cotillard.