Minari. Historia de mi familia: delicado viaje en busca del sueño americano

 

Minari. Historia de mi familia dirigida por Lee Isaac Chung se estrena en cines españoles el próximo día 12 de marzo. La película, producida por Brad Pitt, se convirtió en la gran triunfadora de la pasada edición del Festival de Sundance donde ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público.

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La historia: A mediados de los 80, una familia coreano-estadounidense se muda a una pequeña granja de Arkansas en busca del sueño americano. Vista a través de los ojos de un niño de siete años la historia profundiza en las relaciones familiares y en los conflictos emocionales que todo cambio de vida conlleva. El viaje en busca de la prosperidad será la piedra de toque para un matrimonio en plena crisis existencial. 

La crítica: Titulada con el nombre de una hierba coreana para cocinar, Minari, es una oda tierna, divertida y evocativa sobre cómo una generación de una familia lo arriesga todo para establecer los sueños de la siguiente generación. La cinta se despliega con toda la intensidad de una memoria vívida. Aunque en una primera impresión la película parezca una historia conocida —la historia de unos inmigrantes que intentan su propio Sueño Americano—, el director Lee Isaac Chung aplica un enfoque nuevo y revelador. En la médula del film cohabitan detallados recuerdos de familia a un tiempo potentes, alegres y cándidos que contribuyen a un relato más grande: el impacto del viaje de una generación nueva de jóvenes americanos que se preguntan cuál es su lugar en el mundo.

La historia es sencilla al igual que su delicada narrativa. Todo empieza cuando en la América de la década de los ochenta Jacob, un coreano recientemente llegado, se lleva su familia de California a Arkansas, decidido a forjarse una sólida independencia como granjero, aunque el terreno sufra de falta de agua. Si bien Jacob contempla Arkansas como tierra de oportunidades, el resto de su familia está agobiada por este movimiento tan inesperado hacia una nueva vida en un pedazo de tierra perdido en mitad de la nada. El espectador contempla de manera hipnótica un viaje que se tambalea en el hilo de la derrota. 

Sin embargo, serán dos miembros impensados de la familia, cada uno a un extremo distinto del espectro, quienes comenzarán a forjar el nuevo sendero del clan: el indisciplinado David, de ojos bien abiertos y siete años de edad, y su abuela Soonja, igualmente desafiante, que acaba de llegar de Corea en avión. En medio de tamaño cambio, al principio chocan, pero pronto descubren los lazos imperfectos aunque mágicos que enraízan la familia con su pasado a medida que afrontan el futuro. La cadencia en la narración nos mece como espectadores integrándonos en la trama como un miembro más de la familia. Poco a poco deseamos conocer, estar, vivir o viajar hasta Arkansas con lo que el cine vuelve a cumplir su misión de ser un transportador de sueños a través de fotogramas en movimiento.

Protagonizada por Steven Yeun ("Burning", "The walking dead"), Yeri Han ("Niebla"), y el joven actor Alan Kim, junto a Will Patton ("Armageddon", "Mensajero del futuro") no podría destacar ninguna interpretación memorable. El reparto se muestra hierático sin mostrar demasiadas emociones con una contención exagerada y contrapuesta a las reglas de un buen melodrama como demuestra ser Minari. 

Toda esa calidez que falta por momentos, está contrarrestada con una preciosista puesta en escena en la que destacan los tonos pastel que actúan también como sujeto narrador. Toda esta paleta de colores nos acerca a una familia que se va reconvirtiendo en sureños de campo enfrentados a la fe, a la intolerancia, a la salvación y a sus propios defectos como familia. El cineasta que creció en Lincoln, Arkansas, en una pequeña granja de los montes Ozark, usa la experiencia vivida para dar calor a una película con matices autobiográficos a la vez que universales. 

En conclusión, Minari. Historia de mi familia me ha parecido una reconciliación con el buen cine de autor. La historia narrada posee una gran mezcla de tonos: divertidos, dulces, tristes, y esperanzadores en su génesis. En definitiva, la cinta explora cómo una familia atraviesa no sólo los muy específicos dilemas en el proceso de asimilación a la América rural, sino también cómo afronta cuestiones más amplias de humanidad básica: los vacíos que combatimos todos entre los vínculos familiares y la independencia, la fe y el escepticismo, a caballo entre el sentimiento de outsider y el anhelo de pertenencia. 

Nota: 8/10

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Lee Isaac Chung 

Guion: Lee Isaac Chung 

Música: Emile Mosseri

Fotografía: Lachlan Milne

Duración: 115 minutos

Reparto: Steven Yeun, 

Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, 

Alan S. Kim, Noel Cho,

Will Patton, Scott Haze

The Owners (Los propietarios): la embarazada, los fumetas y dos abuelos con ganas de guerra

The Owners dirigida por Julius Berg se estrena en cines españoles el próximo día 5 de marzo. La película es el primer largometraje (y ojalá sea el último) dirigido por Berg (miniserie de Netflix "El bosque"), quien adapta la novela gráfica “Une nuit de pleine lune” de Yves H. y Hermann Huppen.

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La historia: Inglaterra rural, años 90 (hubiera dado igual los 60, los 80, o los 2000). Un grupo de tres fumetas colocados y una joven embarazada, deciden entrar a robar a casa de una pareja de ancianos cuando estos han salido a echar unos bailes. La cosa es que son tan bobos que pensaban abrir la caja fuerte a martillazos. No lo logran, claro. En esta, que la pareja de ancianitos regresan a la casa y les pillan con las manos en la masa. Pero lo que parecía una negociación sencilla se complica cuando los abueletes entran en modo guerra al ver la incapacidad total del grupo.

La crítica: Pues sí, aunque sin niño poseído, ni perro sarnoso incluido, el cine de ¿terror? vuelve por sus fueros con la función de circo que se ha montado el cineasta Julius Berg. Comienzo a pensar que este tipo de guiones solo pueden ser escritos bajo el poder de las drogas o en su defecto tras visionar algún vídeo de los que sube a Youtube la aclamada artista española Leticia Sabater. Eso sí es terror del bueno.

En fin, la cosa es que vemos a tres muchachos sin muchas luces fumándose unos porritos antes de dedicarse a la invasión domestica que es la fuente de este sub-género cinematográfico. Como deben tener algún tipo de retraso mental y son incapaces de abrir una caja fuerte -para eso habían entrado en la casa de los abueletes-, deciden esperar a que regresen. Para hacer tiempo, uno de los tarados y su novia deciden echar un polvo. Pero en medio del fragor sexual, la joven le suelta al novio que está embarazada. Como era de esperar, el tipo palidece y la cosa se viene abajo. Se acabo el sexo y comienza el circo.

Los propietarios de la casa llegan a su hogar y se encuentran con esta pandilla de merluzos. El merluzo jefe propone al abuelo que les proporcione la combinación de la caja fuerte bajo amenaza de matar o hacer daño a su esposa. El abuelo, que no se ha visto en otra igual, se niega a dar la información. Total, que uno de los merluzos coge una sierra eléctrica para cortar la cabeza de la abuelita pero como no le pone el alargador no llega. Esto que cuento es real. La abuela se pone histérica, el novio de la chica se pone histérica, el espectador se pone histérico, Penélope Cruz se pondrá histérica si ve la película, (si no también) y la embarazada se pone histérica. Solución tras muchas discusiones: sartenazo en la cabeza a la abuela por parte de la embarazada. El abuelo se enfada ante tal acción, se suelta el pelo y mete a la embarazada en un armario por portarse mal. Esto que cuento sigue siendo real. 

Total que con el circo ya en plena ebullición, resulta que los abuelos se rebelan y descubren su lado más siniestro. Se colocan unos trajes EPIS, sí esos que protegen del coronavirus, y tiran unos botes de gases lacrimógenos por toda la casa. ¿Por qué tenían eso en su casa? Da igual, el caso es que los tenían. Con esta acción perpetrada por el cenutrio del cineasta, la casa se llena de humo y dejamos de ver la acción por unos largos minutos. O sea, vemos humo y oímos cosas. La embarazada se escapa del armario y creo que pretende irse de la película. Pero ya es tarde. El resto de la mamarachada la dejo sin tocar por si alguien se atreve a verla sin estar colocado. Si esto no es posible, doblen la dosis de lo que tomen. 

Y hablando de colocarse. ¿Qué sucede cuando llegas una noche de fiesta si eres actriz y lees un guion que tenías olvidado en la mesita de noche? Pues que en ese estado te parece una locura maravillosa, llamas a tu agente y le dices que esa película es para ti. Algo así debió sucederle a la actriz Maisie Williams ("Los nuevos mutantes"), mundialmente conocida por su papel de Arya Stark en la serie de TV “Juego de Tronos”. Sí, esta es la embarazada que le pega un estacazo a la abuela. Por cierto, la pobre mujer del hostión recibido pierde la dentadura. Cosa menor porque luego la encuentra y le encaja de puta madre. Este papel es interpretado por Rita Tushingham que en su día salió en "Doctor Zhivago". Otra a la que han engañado para salir en el bodrio reseñado. De los fumetas mejor no destacar a nadie porque son tan malos actores como los personajes a los que interpretan. Por cierto, el penoso, barato y horrendo diseño de producción parece adquirido en una tienda de los chinos de la esquina. Peor ambientación imposible. Sin embargo, el póster de la producción es bastante aceptable lo que lleva a la completa confusión del espectador. 

En conclusión, The Owners me ha perecido una brillante obra maestra. Sutil, delicada y con una narrativa perfecta, nos hallamos ante una obra de arte nunca vista antes por un servidor. Los brillantes diálogos escritos por un cineasta deslumbrante me han dejado postrado a sus pies. Con muchas ganas de ver su nuevo proyecto, de momento me conformo con relamerme de gusto ante la propuesta presentada. De hecho, creo que The Owners desbancará para siempre de la memoria cinematográfica a obras como Ciudadano Kane, El padrino o Viridiana que palidecerán ante la majestuosidad de los hechos narrados.

Nota: 💯

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Julius Berg

Guion: Julios Berg

Fotografía: David Ungaro

Duración: 92 minutos

Reparto: Maisie Williams, 

Rita Tushingham, Sylvester McCoy,

Jake Curran, Ian Kenny, Andrew Ellis

Dating Amber: cine pop y libertad sexual

Dating Amber dirigida por Ruairi O'Brien, responsable de la prestigiosa cinta de terror The Cured, se estrena en cines españoles el próximo día 26 de febrero. La cinta irlandesa participó en la 58ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón dentro de la sección Enfants Terribles. 

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La historia: Ambientada en Irlanda a mediados de los años noventa, Eddie y Amber deciden fingir una relación heterosexual para evitar que todos especulen sobre su orientación sexual. Eddie está ansioso por entrar en el ejército como su padre, mientras que Amber sueña con mudarse al centro liberal de Londres. Sin embargo, su arreglo comienza a desmoronarse, lo que obliga a Eddie a profundizar en su propia negación. Es entonces cuando Amber se da cuenta del peligroso futuro que le espera a su mejor amigo si ella no interviene. 

La crítica: Decía Truman Capote que: "El amor, al no entender de geografía, no conoce fronteras". Mucho de esto, adornado con una preciosista puesta en escena pop, es lo que refleja Dating Amber en su trasfondo. Viajamos al centro de la Irlanda rural para acompañar a Eddie y Amber que se presentan como una extravagante pero muy tierna pareja adolescente. Ambos jóvenes tienen parecidos problemas respecto a su orientación sexual lo que les lleva a su teatral alianza. Asimismo observamos como la "salida del armario" en un entorno rural se convierte en algo quimérico para ambos. El tono gamberro de la cinta se siente acertado con perlas como las pronunciadas por el personaje de Eddie.

Éste, trata de justificar su fallida heterosexualidad con frases como: "Estuve a punto de tocarle una teta...pero de repente sonó el timbre". Amber, su contraparte femenina, también de manera locuaz dice: "Quiero que la gente piense que soy hetero, ¡no una puta!".

Dating Amber retrata con fuerza la frustración y como gestionarla para fortalecer al individuo. Es decir, nos habla y nos inquiere sobre los tiempos en la que la orientación sexual debe ser comunicada o si por el contrario es mejor guardarla en la intimidad para no ser juzgados. La ambientación de la película es mixta. Por un lado, el lado represor de la vida sexual se muestra durante los días de instituto, mientras que la liberación sexual es mostrada a través de un entorno bucólico. Observamos naturaleza, espacios abiertos y paseos en bicicleta donde los personajes son más propensos a relacionarse, conocerse, amarse, desearse o simplemente se dedican a disfrutar de la vida en una acertada alegoría del verano.

La película cuenta con un reparto que encabezan Fionn O’Shea, actor al que hemos visto en el drama histórico El día que vendrá y que pronto protagonizará Cherry, junto a Tom Holland. En el papel de Amber se luce Lola Petticrew, que ha participado en Here Are The Young Men, junto a Anya Taylor-Joy. Ambos actores destilan química en pantalla y se lucen en una interpretación bastante orgánica. El resto de personajes destacan por su excentricidad en un reparto coral bastante acertado.  

Recapitulando, Dating Amber es una sencilla historia que sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una sutil gamberrada sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son. La libertad sexual aparece como principal frente discursivo en un tema que no se acaba de resolver por los múltiples prejuicios que perduran en la sociedad. Y es que no se acaban de soltar amarras con un pasado marcado por el catolicismo represor de dicha libertad sexual. En definitiva, la cinta nos ofrece una mirada honesta sobre los altibajos de la vida reflejados en dos personajes que se hacen querer por sus torpezas, aciertos y deseos frente a la incomprensión de sus semejantes.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Irlanda

Dirección: David Freyne

Guion: David Freyne

Fotografía: Ruairi O'Brien

Duración: 92 minutos

Reparto: Fionn O'Shea, Lola Petticrew,

Sharon Horgan, Barry Ward, Simone K,

Evan O'Connor, Ian O'Reilly, Emma Wil

Nuevo orden: magistral distopía sobre el caos

Nuevo orden dirigida por Michel Franco se estrena en cines españoles el día 19 de febrero. La película fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de Venecia llevándose el Gran Premio del Jurado, y recientemente ganadora del premio Forqué a la Mejor Película Latinoamericana del año.

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La historia: Ciudad de México, 2021.  La ciudad vive la mayor crisis social y política de la historia. Mientras tanto, Marian (Naian González Norvind) y Alan (Darío Yazbek Bernal) son una feliz pareja de la alta sociedad que están a punto de celebrar su boda. Lo que se supone que iba a ser el mejor día de sus vidas, está a punto de convertirse en una auténtica pesadilla cuando en medio del banquete se cuelan unos intrusos rebeldes dispuesto a acabar con las ilusiones de novios e invitados. El caos se desata en la mansión y nadie está a salvo. Los asistentes tratan de esconderse y huir pero cada vez los disturbios se van apoderando de la casa, de la urbanización en la que residen y de la ciudad. En medio de toda esta marabunta, el gobierno mexicano utiliza la situación para instaurar un nuevo orden con poderes absolutos y con consecuencias imprevisibles. 

La crítica: Michel Franco, director de Las hijas de Abril, da un brutal salto en su carrera con un impresionante thriller distópico que le coloca entre los más grandes directores del panorama actual. Tras cinco años reseñando películas de estreno en Cine y críticas marcianas, Noroeste Madrid o en Cinemagavia puedo aseverar que es el filme más duro que un servidor haya presenciado en una sala de cine en este lustro. El Gran Premio del Jurado del del Festival de Venecia se antoja merecido y no hubiera sido de extrañar que si el filme hubiera sido estadounidense hubiera arrasado en los Oscars de la Academia. No obstante y de México para el mundo nace un filme con sutiles reminiscencias a Salò o los 120 días de Sodoma o incluso a La naranja mecánica del maestro Kubrick. 

Es cierto que el giro de Michel Franco en Nuevo orden es muy sorprendente y pocos esperábamos un puñetazo en la mesa de tales características. Un cineasta que más bien se había caracterizado por una cinematografía íntima, descarnada, dura, fría y entroncada en lo que solo el cine independiente puede ofrecer. Es decir, hablamos de un tipo de cine social más de silencios que de palabras, más de visiones que de certezas y que estaría en la antítesis de lo que una superproducción de Hollywood puede ofrecer. Pero en la brutal obra hoy reseñada consigue conjugar el cine independiente y el espectáculo que majors y público en general desean. El director mexicano se las apaña para conjugar calidad, mensaje y espectáculo en la cuadratura del círculo cinematográfico. Cabe decir o avisar que la cinta ha sido calificada con el B-15 por sus imágenes perturbadoras y por su violencia gráfica. Violencia, que por otro lado, solo hace reflejar lo que sucede en algunos entornos de la sociedad mexicana y en otros países de su entorno geográfico. 

Nuevo orden presenta dos realidades sociales enfrentadas por la desigualdad en la Ciudad de México. Por un lado, vemos a la alta sociedad -mayoritariamente blanca y culta- celebrando un banquete en una lujosa casa con jardín y por otro lado, -como en Roma-, observamos como el servicio -de origen mestizo- se presenta servil, humillado y con pocas oportunidades de prosperar en la escala social. En cierta manera y de manera muy sutil, Michel Franco bebe de Los santos inocentes en la manera que Mario Camus presentó de manera descarnada la lucha de clases o más bien la disparidad de clases.

Una vez situados en el contexto social expuesto, el cineasta gira la acción hacia una brutal distopía en la que la novia -rica, guapa, blanca y culta- es secuestrada por una corrupta facción del ejercito para pedir un rescate. Otras muchachas y algunos jóvenes varones de la alta sociedad también están siendo secuestrados y reunidos en naves para ser torturados mientras esperan su rescate. Asimismo, el ejercito con ayuda del Gobierno, y ante las revueltas sociales generalizadas, se aplica un auto Golpe de Estado con toques de queda bajo amenaza de muerte, vulneración de todos los derechos civiles y sociales o ejecuciones publicas sin juicio o con coartadas preparadas por las propias autoridades.

En esta parte, la narración es durísima pero refleja con realismo el significado de los secuestros, torturas o ajustes de cuentas que se dan entre el crimen organizado mexicano. Michel Franco, afronta el tercio final de la narrativa con arrojo y en apenas 88 minutos de metraje, nos ofrece una lección magistral de tensión cinematográfica con secuencias y planos que por su sutileza se sienten aún más violentos de lo que realmente aparece en pantalla. Aunque lo que aparece o se sugiere en pantalla es despiadado por la violencia sugerida y a veces expuesta sin tapujos. 

El reparto, sin estar mal, es la parte más flojita de la producción. Un filme de esta categoría hubiera merecido interpretes más curtidos en grandes producciones internacionales. Aún así cumplen de manera aseada con sus papeles. Nuevo orden está protagonizada por algunos de los actores jóvenes mexicanos de moda: Diego Boneta (“Luis Miguel: La serie”, “Terminator: Destino Oscuro”), Dario Yazbek Bernal (la serie “La casa de las flores”) y Naian González Norvind que es la que más destaca en su papel de la chica de clase bien que es ultrajada por unos salvajes animales humanos. Un personaje que es el círculo concéntrico en el que se unifican las narrativas expuestas y que asemejamos a la tragedia griega. 

El diseño de producción es elegante cuando trata de reproducir el lado luminoso de la vida y siniestro cuando nos transporta hasta los túneles de la maldad. Así es como nos encontramos con una radiante fotografía en la fiesta inicial del filme para ir evolucionando hacia un lado más turbio cuando el caos se apodera de la ciudad. Asimismo, nos encontramos ante un preciosista diseño de vestuario en la presentación de personajes que se van desnudando emocionalmente y literalmente en consonancia a la evolución narrativa propuesta por el brillante libreto de Michel Franco. 

En conclusión, Nuevo orden me ha parecido un monumental ejercicio de buen cine sobre una sociedad distópica que no se aleja demasiado de la realidad social actual. La debilidad del reparto impide que hablemos de una obra maestra. En cualquier caso, podemos afirmar que el brutal filme mexicano dejará huella por sus grandísimos elementos cinematográficos. En definitiva, nos hallamos ante un filme  profundo y a la vez visceral que nos habla ante todo de las emociones humanas. Sí, de aquello que nos mueve y nos conmueve, de la cobardía y de la valentía, de la bondad y de la maldad. Pero sobre todo, nos habla de venganza, de resentimiento, de odio y de unas sociedades rotas por la desigualdad social. 

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: México

Dirección: Michel Franco

Guion: Michel Franco

Fotografía: Yves Cape

Duración: 88 minutos

Reparto: Naian González Norvind,

Diego Boneta, Mónica del Carmen, 

Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle,

Eligio Meléndez, Lisa Owen,

Patricia Bernal, Enrique Singer.

La chica del brazalete: la sombra de la duda

 

La chica del brazalete dirigida por Stéphane Demoustier ha tenido su estreno en cines españoles el día 12 de febrero. La producción gala se estrenó en Francia el 5 de febrero de 2020 tras formar parte de las secciones oficiales de los festivales de Locarno y Londres.

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La historia: Todo comienza con una excursión familiar a la playa. Se produce entonces un giro repentino en el guión cuando Lise (Melissa Guers), de 17 años, de una familia adinerada de clase media, es investigada tras la muerte de su mejor amiga. Mientras sus padres (Chiara Mastroianni y Roschdy Zem) lidian con el trauma de diferentes maneras, Lise debe dar cuenta de una forma de vida que no siempre se ajusta a la moral aprobada por el sistema judicial.

La crítica: Donde se ponga un buen crimen que se quiten todas las guarrindongadas de perros, niños poseídos e incluso burros que le ha tocado reseñar a un servidor en este comienzo de 2021. El problema es que entre tanta fauna silvestre casi se me ha olvidado hacer una crítica que se tome en serio lo visto en pantalla de cine. Vamos a ver que sale. 

El tercer largometraje del escritor y director Stéphane Demoustier es un drama judicial nítido e implacable que consigue enganchar al espectador desde el primer minuto. Lise, de 18 años, está acusada de haber asesinado a su mejor amiga. Ésta, antes de su muerte, había subido un vídeo de Lise con un contenido de alto voltaje sexual. Es por eso que la justicia pone en el punto de mira a la muchacha y la acusa de asesinato en supuesta venganza por la difusión de su vídeo íntimo. Pero las pruebas reales son tan débiles que algo no cuadra en la instrucción judicial. Mientras tanto -y de ahí el título del filme- a Lise le colocan un brazalete electrónico a la espera del juicio penal. Un juicio que se convierte más bien en un espectáculo moral sobre la libertad sexual de la acusada. 

La narrativa está estructurada a través del juicio involucrando con fuerza al espectador. Se intercalan imágenes de la vida familiar para otorgar descanso entre las duras sesiones judiciales. El director obliga a dudar continuamente al público sobre si la muchacha es inocente o es culpable. Incluso llega un momento en el que los propios padres dudan sobre quién mató a la amiga de Lise. Todo este suspense va in crescendo según van apareciendo testigos y testimonios contradictorios. De este modo, y abriendo cada vez más la premisa inicial, el cineasta consigue mantener el ritmo narrativo hasta el clímax final que siempre quedará a la interpretación del espectador. 

Pero una cosa es mantener el suspense hasta el final y otra es resolver la trama con un libreto que se explique por sí mismo. Es decir, no se ofrecen alternativas a quién pudo cometer el crimen qué da lugar a toda la historia. Por tanto, es el espectador al final el que tiene que juzgar si la muchacha asesinó a su amiga o imaginar alguna otra posibilidad por su cuenta. Cabe recordar que durante la vista oral no aparece ni como posibilidad que otra persona pudiera estar detrás del crimen. Es por eso que la parte más floja del guión es la de no incluir una lista de posibles sospechosos con la que se hubiera creado muchísima más tensión narrativa. Por otro lado, el morbo sexual impregna buena parte del filme. Vamos conociendo como Lise, era además de amiga, amante ocasional de la joven asesinada en un giro que complica aún más su frágil coartada. 

La chica del brazalete es interpretada por Melissa Guers. Hablamos de una prometedora actriz francesa de 22 años formada en el Conservatorio Sucy-en-Brie. Su interpretación es su primer papel en un largometraje. En la película de Stéphane Demoustier, retrata a la perfección a una joven misteriosa e inquietante que consigue hacer suyo el papel de Lise. Los padres también realizan una contenida interpretación. Chiara Mastroianni y Roschdy Zem son ya veteranos en estas lides y apenas se despeinan en pantalla. Destacar también a la abogada defensora en un gran papel secundario realizado por Annie Mercier. La asesinada Flora Dufour solo aparece en algún flahsback aislado por lo que aún siendo protagonista de la premisa del filme poco cabe decir de la interpretación de Émilie Lehuraux. Destacar, eso sí, el buen diseño de producción de Thomas Jaubert y el montaje de Damien Maestraggi. 

En conclusión, La chica del brazalete a pesar de algunas inconsistencias en su libreto me ha parecido un buen drama judicial con un suspense sostenido hasta su resolución. El final semi-abierto deja un poso en el pensamiento del espectador que tratará de resolver la propuesta por sí mismo. El filme francés también deja preguntas en el aire. ¿Hasta qué punto podemos conocer a nuestros propios hijos? ¿Cuánto los entendemos realmente? ¿Hay límites para el amor que podemos sentir? ¿Es incondicional el amor de los padres? En definitiva, Stéphane Demoustier juega de manera hábil con las expectativas del público que se quedan colgando, suspendidas en el aire, como se deja colgando a los protagonistas mientras esperan su destino. Y cuando llega el veredicto final, viene teñido de dudas. Como suele ocurrir en los juicios penales sin pruebas incontrovertibles, siempre existe la sombra de la duda. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Francia

Título original: La fille au bracelet

Dirección: Stéphane Demoustier

Guion: Stéphane Demoustier

Música: Carla Pallone

Fotografía: Sylvain Verdet

Duración: 95 minutos

Reparto: Melissa Guers, Roschdy Zem, 

Anaïs Demoustier, Annie Mercier,

Pascal Garbarini, Chiara Mastroianni

¡Qué maravilloso es el cine! El chico (The kid)

El chico dirigida por Charles Chaplin regresa a los cines españoles en su versión restaurada en 4K. Este reestreno se ha producido el día 5 de febrero casi coincidiendo con el 100 aniversario de una de las películas más icónicas de la historia. Su estreno oficial se produjo el 6 de febrero de 1921 en los cines de Estados Unidos. Es por eso que hoy desde Cine y críticas marcianas, quiero más que hacer una crítica de esta obra maestra, rendir mi humilde tributo a Chaplin y al significado del cine. 

Para el que escribe estas lineas ha sido muy emocionante el hecho de poder ver este clásico restaurado en una sala de cine. Y más en el contexto en el que nos hallamos. La pandemia ha golpeado a la industria cinematográfica durante el último año pero hay un precedente que sugiere que el cine puede volver con más fuerza. Recordad que el cine siempre vuelve. Convivió con la televisión, venció a guerras, venció al vídeo casero y convivirá junto al subproducto cultural llamado Netflix. Además vencerá a esta pandemia como ya lo hizo hace cien años. Porque eso es lo que hizo Hollywood después de la devastación de la mal llamada gripe española hace un siglo. Como ese virus asesino seguía devastando a Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, -igual que ahora-, un gran autor estaba trabajando en un proyecto que lo cambiaría todo. El chico nacía con vocación de clásico universal y cien años después se puede afirmar que lo consiguió. 

Lo que hizo que El chico fuera especialmente importante fue que Chaplin, quien no solo escribió, dirigió, produjo y protagonizó e, incluso más tarde, escribió su partitura, ya era una superestrella cuando la filmó. Era el gran vehículo original de una gran estrella, pero una estrella que hasta ahora solo había aparecido en pantalones cortos. El público amaba al 'pequeño vagabundo' y quería más, así que Chaplin se lo dio. El creador de uno de los personajes más famosos de la cultura popular, el vagabundo de buen corazón conocido en nuestro país como Charlot, ya había dado muestras de su talento en el campo del cortometraje, pero a partir de entonces su maestría se manifestaría en todo su esplendor, tanto en el cine mudo como en el sonoro. Hablamos de un maestro de maestros con enormes influencias aún en nuestros días y seguramente en el futuro. 

Charles Chaplin ha sido, es y será uno de los grandes nombres de la historia del cine. El chico fue la primera de sus muchas aportaciones al séptimo arte, con títulos tan destacados e inolvidables como “El gran dictador”, “Tiempos modernos”, “Luces de la ciudad” o “Candilejas”.

El chico nos cuenta como Charlot se ve obligado a adoptar a un bebé abandonado. No tarda en tomarle cariño y cuando crece le enseña algunas técnicas esenciales de supervivencia callejera. Con el tiempo los dos forman un gran equipo para buscarse la vida. Pero un día el chico enferma y los servicios sociales tratan de arrebatarle la custodia a Charlot. Hablamos de una película muda en la que la música también actúa como sujeto narrador. Una música que eleva, acompaña y define una trama sencilla pero eficaz. Con la fotografía restaurada ahora en lo visual también es un lujo por lo que la experiencia es completa. 

El chico también tiene una historia de fondo extraordinaria: Chaplin había perdido a su hijo pequeño, Norman, solo diez días antes de que comenzara la producción. Esto profundiza en la poderosa interacción entre el vagabundo y el niño. La película tiene alma, tiene fondo y tiene forma. Con un metraje de una hora de duración y diversión en cada secuencia, podríamos volver a decir eso de: ¡Qué maravilloso es el cine!

No me quiero extender más para dejar en la medida de lo posible libertad visual para aquel que no haya visto la producción. Si diré que la cinta contiene todos los elementos universales que confluyen en dos sentimientos tan importantes como son la bondad y el amor.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Charles Chaplin

Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografía: Roland Totheroh (B&W)

Duración: 68 minutos

Reparto: Charles Chaplin, Jackie Coogan

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Niños siniestros y perros en el cine: un virus para el que Pfizer no encuentra vacuna

Equiparar perros y niños no es políticamente correcto. Lo sé. Pero ambas especies han sido utilizadas en el cine para crear terror, desazón y sustos gratuitos. O sea, como la vida misma. Ya lo decía el maestro Alfred Hitchcock en una cita que no me canso de repetir: "Nunca trabajes con niños, con perros o con Charles Laughton". La publicación de hoy nace a raíz de una alabanza que yo mismo hacía en la crítica de El año que dejamos de jugar hacia la niña del conejo rosa y que no se me entienda mal. Por lo del conejo, digo. La cosa es que allí decía lo siguiente: "En el reparto destaca la niña Riva Krymalowski que a sus 12 años demuestra unas dotes actorales que le pueden llevar a ser una estrella de cine en poco tiempo". Con ello, dejo constancia que no tengo nada en contra de los niños. De hecho, por casa tengo una con coletas y en principio no está poseída. Veremos la evolución de María. Tampoco tengo nada en contra de los perros. De hecho, hicieron una gran labor durante el confinamiento e incluso pensé en alquilar uno para poder salir a la calle. El caso es que el compañero David Rubio Sánchez a colación del comentario sobre la niña Riva Krymalowski, me propuso que hiciera una entrada sobre los cinco mejores actores infantiles y sobre los cinco peores. Pero como realmente no pienso hacer sangre con los niños que hicieron un papel patético en algunos filmes, la cosa ha evolucionado hacia perros y niños siniestros como por arte de magia. Así que sin más que decir por el momento, os presento un ranking marciano con 5 niños siniestros y 5 perros que se lucieron en la gran pantalla. Por cortesía, primero los niños.

1. Harvey Stephens en La profecía (1976)

Telita con el primer monstruito. Más conocido por Damien, el infante se dedica a las típicas cosas de cualquier niño poseído. Pero ojo, que aquí también hay perro incluido. La niñera de Damien es visitada por un perro negro y tras esto se suicida ahorcándose en su quinto cumpleaños, dedicándolo como un regalo al niño. Todo, precioso. La profecía fue estrenada el 6 de junio de 1976 en Reino Unido, y el 25 junio de 1976 en Estados Unidos recaudando más de cuatro millones de dólares en su primer fin de semana. La película recaudó un total de $60.922.980.

2. Lisa y Louise Burns en El resplandor (1980)

Horror por duplicado. “Hola Danny. Ven a jugar con nosotras. Ven a jugar con nosotras, Danny...para siempre”, decían las muy cabronas a otro niño que salía en la película. Un minuto de metraje les dio el pasaporte para la fama mundial. No volvieron, por suerte, a salir en ninguna película más.

3. Joselito, genio y figura ibérico en El pequeño ruiseñor (1956)

Este caso es curioso porque la posesión versus transformación se fue produciendo a lo largo de los años como vemos en la imagen superior. Aunque en lo personal pienso que siempre estuvo poseído cuando cantaba, cuando actuaba e incluso cuando dormía. Me sigue produciendo pesadillas sobre todo cuando le recuerdan en Televisión Española.   

4. Claudia Placer en La influencia (2019)

Nueva niña del terror en versión española con hacha y con perro incluido. El éxtasis total. Extraigo un extracto de la crítica marciana para hacernos una idea de por donde van los tiros. "Mención especial para Claudia Placer (Verónica) que interpreta a una nueva niña del terror que es poseída por su abuela (la siniestra suegra), y realmente acojona en pantalla. Una de las perlas que deja en pantalla es cuando se dirige a su madre (Alicia) con la siguiente frase: "Como le digas algo a papá, le mato". Teniendo en cuenta que la niña maneja un hacha a su antojo, agrede a una compañera de escuela con un compás, y tiene más mala leche que un gato callejero, la amenaza no es algo menor".

5. Linda Blair en El exorcista (1973)

El premio gordo. Antes de pasar a los perros no podía dejar pasar a la niña poseída por el excelencia de la cinematografía mundial. Nos deja perlas en la cinta como las siguientes:

_ ¿Has visto lo que ha hecho la cochina de tu hija?

_ Métete la polla por el culo, ¡puerco degenerado!.

_Tu madre está lamiendo coños en el Infierno.

_ Maldita puta de mierda.

_¡Fóllame!, ¡Fóllame!

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1. Cujo, (El perro asesino en Hispanoamérica) de 1983

Sí, en Cujo también sale niño, pero aquí lo importante es el can. El perro por excelencia del cine de terror fue creado en la mente de Stephen King y llevado al cine por el cineasta Lewis Teague. La historia tiene guasa: Cujo, un amigable y despreocupado San Bernardo, persigue a un conejo salvaje y por error, se atora su cabeza en una cueva de piedra caliza, donde un murciélago rabioso le muerde la nariz. En fin, cosas de perros. 

2. Perro blanco de Samuel Fuller en 1982

Otro buen cabronazo con patas. Este individuo es básicamente un perro racista entrenado para atacar a los negros. Aquí no hay niño, pero la protagonista es una joven actriz que viene a ser como una niña pero más grandecita. Como curiosidad, Ennio Morricone puso música a la cosa. 

3. Cuerdas dirigida por José Luis Montesinos en 2020

Perro y niña o niña y perro que viene a ser lo mismo. La pobre, además, está paralítica por lo que el cabronazo del perro se la quiere zampar. A este también le mordió un murciélago y de ahí las malas pulgas que desarrolla. Escribí lo siguiente en la crítica marciana: "Hay que echarle un par para debutar en un largometraje con perro, con niña y con ésta en una silla de ruedas. José Luis Montesinos es un valiente y solo cabe quitarse el sombrero ante tal osadía. Si además, se hubiera atrevido a colocar a Penélope Cruz poseída y dando gritos por la casa rural estaríamos hablando de un ser de otra galaxia".  

4. El collar rojo dirigida por Jean Becker en 2019.

La crítica marciana del filme francés fue titulada así: "Amor en tiempos de guerra (y con perro)". Cuidado con este perro y con este director que dejan entrever que el chucho es un galán bisexual. Yo lo vi de esta manera: "Sophie Verbeeck (Rosemary's Baby), la campesina, interpreta a Valentine. Ella, hace las veces narrativas de la mujer leal, guapa, buena y que además vive sola en una pequeña granja por lo que es el amor soñado por los habitantes del lugar (y por el perro...). Ahí lo dejo. 

5. Rebecca dirigida por Alfred Hitchcock en 1940. 

Para cerrar la selección volvamos a la frase inicial de Hitchcock y a su tormentosa relación con los perros. "Nunca ruedes una película ni con niños, ni con perros, ni con Charles Laugton". A esto yo le añadiría, ni con Penélope Cruz, ni con Mario Casas. Pero esto son obsesiones personales que no vienen al caso. Sin embargo, no creáis que el maestro del suspense, odiaba a los canes. De hecho, tuvo una pareja de Sealyham Terrier, se hacía fotos con ellos y una de sus grandes éxitos le llegó de mano de otros animales como fue con la celebérrima: 'Los pájaros'. El problema tanto con los perros, como los niños no era que fueran malos interpretes, sino más bien la guerra que daban en los rodajes. El perro de la imagen superior es Jasper y protagoniza alguna escena en Rebecca. Hay que reconocer que Jasper es muy mono y no muerde a nadie en la película. De todos, el mejor con mucha diferencia. 

Y para concluir vamos a reconciliarnos con los niños e incluso con los perros. En "El mago de Oz" hay una canción inolvidable interpretada por Judy Garland y con perro incluido. Os dejo con la maravillosa Somewhere Over the Rainbow. 

La maldición de Lake Manor: el niño, la niña, un perro, la casa encantada y la madre chiflada

La maldición de Lake Manor dirigida por Roberto De Feo se ha estrenado en cines españoles el día 22 de enero. La cinta se presentó en la sección oficial del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges.

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La historia: Elena y su hijo Samuel viven en un caserón que se encuentra aislado en medio del bosque. El niño quedó paralítico en un accidente de coche en el que perdió a su padre (como veis, un argumento la mar de alegre). Sigo. En la casa, además, vive un siniestro médico, un perro y una criada. El niño, aislado del mundo, se entretiene tocando el piano ya que su madre le ha prohibido salir de la finca. La tortura de esta siniestra vida parece llegar a su fin cuando la madre contrata a una criada extra. Se trata de Denise. Ella es una guapa adolescente y entabla amistad con Samuel. Mientras tanto Elena y el médico de la casa mantienen conversaciones secretas sobre una nueva sociedad al margen del mundo. 

La crítica: Éramos pocos y parió la abuela. Bonito año este 2021. Con una tercera ola de la pandemia haciendo estragos, una nevada catastrófica en Madrid, militares, alcaldes y curas vacunándose sin que les corresponda y múltiples terremotos en Granada, llega a España la primera peli de terror con niño incluido. Por cierto, sale un perro bastante grande durante una escena y se ve que se muere o se va de la casa porque desaparece por completo. Otro día hablaré de perros y niños en el cine de terror.

La maldición de Lake Manor es un timo ya desde su presentación, traducción, cartel y supuesta nacionalidad. Vayamos por partes. Aunque la película parezca estadounidense no lo es. Hablamos de una italianada de terror. La cosa es que en España la hacen pasar por supuesto producto hollywoodiense. La cinta se titula Il nido o sea El nido. Pues eso, llega un sabio traductor y le coloca eso de La maldición de Lake Manor. Pero es que además no hay ninguna maldición en la casa. Hablamos, por tanto, de traducir mal por puro vicio o de timar al personal por la jeta. En fin, ya puestos a traducir y a inventar a mi me sale: "El niño, la niña, un perro, la casa encantada y la madre chiflada". De hecho, voy a titular así.

En fin, la cosa es que vemos a un niño de unos diez años en una silla de ruedas dando la murga con el piano a todas horas. La madre -que muy bien no está la pobre mía- se cabrea y castiga a la criatura durante un mes sin tocar el piano. El espectador descansa y la madre también. Creo que el perro se escapa porque está hasta los cojones del niño, de la madre y del puñetero piano. Total, que la madre contrata a una joven sirvienta y el niño se pone cachondo. ¿Y qué hace? Pues lo que sabe. O sea tocar el piano de nuevo para tratar de conquistar a la muchacha. La joven le dice que deje dar la matraca con el piano clásico y que aprenda rock. Y venga tocar el piano. Ahora piano rock. Vaya tela. De vez en cuando, aparece un siniestro médico y le pone una inyección al niño. Después a tocar el piano. Las inyecciones son para producirle parálisis en las piernas. Eso, lo manda la madre. Es decir, el pobre niño no estaba paralítico. La madre idea el siniestro plan para que no salga de casa. Ya puestos, le podría haber paralizado las manos para que dejara de una vez de tocar el piano. 

¿Y todo esto por qué y para qué? El espectador no sabe nada hasta el último minuto del filme. Debemos entender que fuera de la casa y de la finca hay un enemigo exterior al acecho. O también podemos entender que la madre de la criatura está tratando de crear una especie de sociedad secreta a salvo de las influencias del exterior. Todo encuentra una habilidosa resolución en un final bien explicado dentro de la paranoia que nos presenta el señor De Feo. Por lo demás, mucho piano y pocas nueces. 

En la fotografía superior vemos el idílico panorama presentado. El niño, el piano y la joven sirvienta son los tres protagonistas del reparto. El mejor, el piano. Por dejar constancia de los interpretes humanos sus nombres son: Ginevra Francesconi que interpreta a Denise y Justin Korovkin que interpreta al niño pianista. Por otro lado, esta la madre que es interpretada por la ex-modelo italiana Francesca Cavallin. Creo que decir que la actriz está sobre actuada es quedarse corto. Digamos que es como meter a Penélope Cruz en una turmix con un Red-Bull y ya tendríamos a una mamá completamente chiflada. Para rematar la faena, nos encontramos a Maurizio Lombardi haciendo de médico siniestro y que se dedica a poner inyecciones paralizantes, dar electroshocks según convenga y en los ratos libres ahorca o asfixia a gente que visita la morada. Entiendo que los demás médicos italianos no tomaran nota de este angelito. 

En conclusión, La maldición de Lake Manor me ha parecido una propuesta aceptable para ser consumida con un alto nivel de psicotrópicos en sangre. También valdría con tequila o cervezas -muchas-. Si bien es cierto que la chifladura reseñada consigue mantener el suspense hasta final e incluso tiene un aceptable giro en su resolución, los 100 minutos iniciales conseguirán que te den ganas de ahorcar al niño, quemar el puñetero piano y darle un tranxilium a la madre. Por lo demás, bien.

Nota: 4/10.  

Nacionalidad: Italia

Título original: Il nido

Dirección: Roberto de Feo

Guion: Lucio Besana, M. Ferr

Música: Teho Teardo

Fotografía: Emanuele Pasquet

Duración: 107 minutos

Reparto: Maurizio Lombardi, 

Justin Korovkin, Francesca Cavallin,

Gabriele Falsetta, Ginevra Francesconi

Cine, Filmin y el Día Internacional en Memoria de las Víctimas del Holocausto

El próximo día 27 de enero se celebra el Día Internacional en Memoria de las Víctimas del Holocausto. Cabe recordar que el mismo día del año 1945 se produjo la liberación por las tropas soviéticas del campo de concentración y exterminio nazi de Auschwitz-Birkenau. Es por ello que la plataforma audiovisual Filmin, en colaboración con el Instituto Polaco de Cultura, estrenará tres documentales inéditos en muchos países.

Gracias a la colaboración con dicho Instituto, que desde hace ya más de una década difunde la cultura e historia de Polonia en España, los suscriptores de la plataforma podrán conocer la realidad que se vivió en el país eslavo durante la Segunda Guerra Mundial. Bajo el nombre “Holocausto. Nuevas miradas”, este ciclo arroja luz sobre el horror del genocidio desde distintas perspectivas y con nuevos testimonios desconocidos hasta ahora.

Filmin es una plataforma disponible por el momento en España, Portugal y México. Personalmente es mi plataforma preferida por su dedicación al cine de autor, al cine independiente y sin dejar de recordar lo mejor del cine clásico. También tiene una división de cine que estrena primero las películas en las salas para posteriormente ser exhibidas bajo demanda. 

A continuación, repasaremos en tres breves reseñas las tres películas del ciclo “Holocausto. Nuevas miradas” que estarán disponibles sin coste añadido para los suscriptores de Filmin hasta el 8 de febrero de 2021. En cualquier caso y para los lectores que no dispongan de la plataforma o lean este artículo desde Hispanoamérica o Estados Unidos, pasamos a dar cuenta de tres filmes imprescindibles para mantener medidas que permitan una conmemoración eficaz, cuidar de los lugares históricos y promover la educación, la documentación y la investigación.

1. “Marek Edelman… Y hubo amor en el gueto”, de Jolanta Dylewska (2019 · 80 minutos)

Marek Edelman, fue el último líder del levantamiento del gueto de Varsovia. Fallecido en 2009, solía comentar: “¿Por qué nadie me pregunta si en el gueto hubo amor? ¿Por qué a nadie le interesa?”. Y es que el amor también hizo acto de presencia en los guetos. Quizás con más fuerza que en cualquier otro lugar. En el documental, el superviviente luchador comenta: “También había belleza en el infierno del gueto. El amor era lo más importante, incluso más que la propia vida". El filme cuenta con la colaboración de Agnieszka Holland en el guión, y de Andrzej Wajda en la dirección de escenas escenificadas. Marek Edelman… And There Was Love in the Ghetto es un proyecto conjunto entre Polonia y Alemania, producido por Anna Wydra (para Otter Films), Thanassis Karathanos y Martin Hampel, y coproducido por Beata Polaczyńska.

2. “Varsovia, ciudad dividida” dirigida por Eric Bednarski (2019 · 70 minutos)

Varsovia, ciudad dividida es un potente documental que recupera la historia de la Varsovia dividida por el muro del gueto y de su destrucción por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Las imágenes registradas en 8mm por un joven polaco que, sin ser consciente de ello, recogió un testimonio histórico sobre los dos lados de la muralla del gueto de Varsovia, resucitan en el documental para dar testimonio de los hechos acaecidos. El filme intercala imágenes de 1941 con declaraciones actuales, reflexionando acerca del legado y las heridas de hace 75 años que aún hoy son perceptibles en la capital polaca. Destaca en la película su gran material de archivo y la profundidad narrativa. 

3. “Sueños rotos” dirigida por Tomasz Magierski (2019 · 70 minutos)

Sueños rotos cuenta la historia de dos judías polacas, las hermanas Ariana y Renia Spiegel, que vivieron el horror de la Segunda Guerra Mundial en la ciudad polaca de Przemysl. El director polaco, Tomasz Magierski, utiliza para la narración el diario de una de las niñas. Y es que Renia fue una talentosa poetisa cuyo diario habla del terror y la cruda realidad de la ocupación alemana. Sus escritos, que terminan con el asesinato de la pequeña en manos de los alemanes, son el hilo conductor de este documental que reivindica la importancia de perpetuar la memoria de las víctimas del Holocausto. También conoceremos a Ariana, que fue conocida como una niña prodigio y llamada la ”Shirley Temple” polaca. 

En conclusión, pienso que el cine y las películas, ya sean documentales o ficcionadas, son un potente vehículo para preservar la memoria histórica de cualquier tipo de totalitarismo. Hoy toca honrar a las víctimas del holocausto y profundizar en el contexto histórico que dio pie a tal barbarie. Si tuviera que elegir una película universalmente conocida por todos me decantaría por La lista de Schindler dirigida por Steven Spielberg sin olvidarme de El hundimiento de Oliver Hirschbiegel. 

Vacaciones contigo... y tu mujer: el amor con burro incluido

 

Vacaciones contigo... y tu mujer dirigida por Caroline Vignal ha tenido su estreno en cines españoles el día 15 de enero. La cinta francesa, titulada originalmente: Antoinette dans les Cévennes, se coloca en el top de los crímenes traductores y también en el top de los crímenes en general. 

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La historia: Patrick es un burro de carga que pasea a los turistas por una zona montañesa llamada Les Cévennes. Hasta allí, llega Antoinette (Laure Calamy), una maestra de escuela, que intenta sorprender a Vladimir (Benjamin Lavernhe). Éste, es el padre de una de sus alumnas y amante ocasional en sus ratos libres. El lío está servido cuando coinciden la maestra, Vladimir, su mujer, la niña y el burro. 

La crítica: Si en 23 paseos hablábamos del amor nacido al calor del perro, ahora toca hablar del amor nacido al calor del burro. -Sí, efectivamente, el 2021 comienza sumamente jodido también para el cine-. Realmente hay que estar muy perturbado para escribir un guion de este tipo. También es cierto que ha nacido el género del las road-burro apostando así por reducir las emisiones que producían las road-movies de toda la vida. Además, como los burros son veganos saldrán unas películas muy malas pero muy ecológicas. Y no tengo más que decir.

Nota: 1/10 (el uno por el papel del burro).

Nacionalidad: Francia

Título original: 

Antoinette dans les Cévennes

Direción: Caroline Vignal

Guion: Caroline Vignal

Fotografía: Simon Beaufils

Música: Mateï Bratescot

Duración: 92 minutos

Reparto:

Benjamin Lavernhe, Olivia Côte,

Denis M'Punga, Laure Calamy