La influencia: nueva niña del terror en versión española (y con hacha)

La influencia dirigida por Denis Rovira van Boekholt se estrena en cines españoles el 21 de junio en un filme de terror con niña poseída incluida. 

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La historia: Alicia (Manuela Vellés) es una joven enfermera que viaja desde Madrid hasta la casona asturiana de la que huyó siendo una niña. Acompañada de su marido Mikel (Alain Hernández) y de su hija Nora (Claudia Placer), encuentran un panorama desolador con su madre (Emma Suárez) conectada a un respirador artificial, y con su hermana Sara (Maggie Civantos) aterrorizada por unos extraños fenómenos.  

La crítica: La influencia supone una más que decorosa ópera prima del cineasta Denis Rovira van Boekholt en esta adaptación cinematográfica basada en la novela homónima del escritor británico Ramsey Campbell. 

La cinta se suma al festival de cine terror que estamos viviendo en este primer semestre del año, y cumple ya de paso con la cuota de cine español dedicada al género. De presentación modélica en cuanto a personajes, contexto geográfico, y narrativa, el guión de La influencia escrito por Michel Gaztambide nos regala sesenta minutos iniciales de un gran suspense y una atmósfera opresiva muy bien conseguida. 

El problema, y no menor del largometraje, consiste en que la resolución de su abigarrado libreto gira, y sustituye la gran intriga producida hasta el momento por un espectáculo en forma de apariciones, sustos o gritos que rompen el tempo de la película. No obstante, en esa locura final en la que se convierte la narrativa hay un momento de lucidez. En él, queda explicado el comportamiento de la madre de Alicia y el porqué de la huida de esta última del hogar familiar. 

El cineasta debutante recurre de manera acertada a intercalar flashbacks como medio narrativo para conocer la historia de este peculiar matriarcado asturiano marcado por la tragedia. Por lo tanto, la historia no está narrada en orden cronológico. De esta manera, y al contrario de lo que sucede en otras historias de género, los personajes protagonistas tienen más información que el espectador con el acertado propósito de causar incertidumbre, tensión e intriga en el mismo. 

No quiero explicar mucho más de lo que sucede en la trama pues cualquier detalle puede destripar o reventar la argumentación central y esto en una película de suspense es más imperdonable si cabe. 

Lo que si vamos a hacer es repasar los personajes principales a través de un reparto bien equilibrado.

En la imagen superior observamos a la actriz española Maggie Civantos en el año de su consagración definitiva como actriz. En este 2019 obtuvo el galardón a la Mejor Actriz de Reparto en el Festival de Cine de Málaga por su interpretación en la comedia Antes de la quema. Es ahora y un papel dramático cuando demuestra todas sus capacidades como interprete. Su personaje en la cinta, Sara, está marcado por una trágica situación que vivió junto a su hermana Alicia en la niñez. Pero fue ella la que tuvo que quedarse en la casona asturiana reflejada en la historia, y convivir con las paranoias de su madre.  

Alicia mientras tanto no pudo soportar los sucesos ocurridos en la siniestra morada, y huyó buscando rehacer su vida. Ahora el encuentro con los fantasmas del pasado, con su hermana y con su madre enferma, volverán a cambiar su vida para siempre. Este papel está correctamente interpretado por Manuela Vellés (Velvet) aunque la sombra de la sobre actuación está presente en pantalla. Su marido en la pantalla es Alain Hernández que cumple sin más, y su siniestra suegra que es interpretada con excelencia por Emma Suárez (Julieta, Las hijas de Abril).  

Mención especial para Claudia Placer (Verónica) que interpreta a una nueva niña del terror que es poseída por su abuela (la siniestra suegra), y realmente acojona en pantalla. Una de las perlas que deja en pantalla es cuando se dirige a su madre (Alicia) con la siguiente frase: "Como le digas algo a papá, le mato". Teniendo en cuenta que la niña maneja un hacha a su antojo, agrede a una compañera de escuela con un compás, y tiene más mala leche que un gato callejero, la amenaza no es algo menor.

En la parte técnica cabe destacar una buena fotografía nocturna de Isaac Vila que permite ver lo que está sucediendo en pantalla. Y es que a modo de oximorom diría que hace lo invisible, visible y demuestra que se puede "iluminar" de manera adecuada la noche. En cualquier caso, un buen trabajo en la dirección de fotografía puede quedar anulado si el proyector de nuestra sala de cabecera está obsoleto. Es entonces, cuando no veremos nada en las escenas nocturnas, y poco en las diurnas. 

La dirección de arte se centra en fabricar una autentica casa del terror bizarra, gótica y por momentos horripilante. El hogar cumple con la función narrativa de ser otro personaje más de la película. 

Las localizaciones exteriores fueron grabadas en la verde y húmeda Asturias, principalmente en el pueblo de Luarca, que por su arquitectura, sus calles estrechas, y su puerto guardan concordancia con la sensación opresiva que el cineasta ha querido transmitir. 

En conclusión, La influencia es una aterradora diversión de la que disfrutaran especialmente los amantes del binomio cine de suspense con dosis de terror, y con niña incluida. Es cierto que los múltiples giros del tercio final van a causar controversia, pero siempre es mejor esto que la pura indiferencia al salir de una sala de cine. En definitiva, el debut cinematográfico en el largometraje de Denis Rovira van Boekholt me ha parecido moderadamente divertido en su narrativa, muy loco por momentos en sus giros finales, pero aceptable dentro de los parámetros del género fantástico. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Denis Rovira van Boekholt

Guión: Michel Gaztambide

Reparto: Emma Suárez, Manuela Vellés,
Maggie Civantos, Alain Hernández,
Claudia Placer, Mariana Cordero.

Música: Arnau Bataller

Fotografía: Isaac Vila

Duración: 100 minutos.

Estreno España: 21 de junio de 2019

¡Otras 10 películas más malas que la sarna! (Parte 2)

Tras el morboso éxito de audiencia que tuvo la entrada ¡Diez películas más malas que la sarna...!, hoy  vamos con la segunda parte dedicada a otras 10 "joyas" de la cinematografía mundial. Para elaborar la publicación esta vez no seré yo el encargado de seleccionar las películas candidatas.

La selección estará basada en las opiniones de las personas que amablemente contestaron a mi pregunta en la primera parte y que consistía en elegir cuál era para ellos la peor experiencia que tuvieron en la sala de cine. No han cabido todas las opiniones al ser un decálogo, pero hay una buena representación de las mismas. Como hice en la primera entrega, reflejaré las opiniones, desahogos y demás perlas literarias que dejaron algunas personas que se dedican al "noble" oficio de la crítica cinematográfica. También habrá opiniones recogidas en algunos portales de Internet por sus usuarios. En resumen, en esta ocasión la calidad de las películas no es lo que se juzga. De lo que se trata es de recoger la percepción que tuvieron determinadas personas al visionar las películas de este ranking marciano.

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1. Esta abuela es un peligro (Big Momma's House), EE UU, año 2000, dirigida por Raja Gosnell (película elegida por Josep María Panadès). 

Miguel Blanco en Sensacine escribió lo siguiente: "Una comedia zafia que mostraba la decadencia del humor de Lawrence que, sorprendentemente, cometería el atrevimiento de hacer dos secuelas".

Megracia en Filmaffinity dijo lo siguiente: "Estiércol interminable. Llegué a mirar unos 37 minutos, hasta que la reproductora de DVD se apiado de mí y se colgó. Lamentable el desnudo de la “abuela”, pero en fin, es una dama."

Juan_Diego_GP en Zynema Clásico escribió, quizás de manera irónica, lo siguiente: "Gran mensaje para entender un poco a las madres solteras. Recomendable".

2. Spanish Movie, España, año 2009, dirigida por Javier Ruiz Caldera (película elegida por Amalia Inchausti).

Carlos Boyero en El País escribió lo siguiente: "El ridículo ajeno suele hacernos mucha gracia a la casi totalidad de los humanos, pero existen infinitos y a veces insólitos o absurdos motivos que provocan esa sensación maravillosa...Algo extensible a la infame serie de Scary movie, muestrario tan procaz como tonto del presunto aunque autoconvencido ingenio de la familia Wayans".

Javier Cortijo en ABC lo vió así: "Cualquier testimonio de «La hora chanante» y muchas píldoras de «Homo zapping» estimulaban el músculo de la risa más y mejor que buena parte de los 85 minutos de este experimento con red". 

Alberto Luchini en El Mundo dijo: "De los centenares de momentos presuntamente divertidos, apenas si media docena lo son de verdad, y el resto oscilan entre previsibles, cansinos, repetitivos o directamente desagradables."

3. Gru 3. Mi villano favorito (Despicable Me 3) EE UU, 2017, dirigida por Kyle Balda,  Pierre Coffin,  Eric Guillon (película elegida por Emilio Mariscal)

Nando Salvá en El Periodico de Barcelona la castigó así: "En lugar de gags o escenas de acción que resulten memorables se limita a recurrir al 'slapstick' más obvio y los chistes de pedos y mucho grito y mucho frenetismo e inevitables dosis de sensiblería".

Horacio Bernades en Diario Página 12 escribió lo siguiente:"Guionistas y realizadores parecen más interesados en los laderos del héroe que en el antihéroe, lo cual es un grave error. (...) La serie 'Mi villano favorito' tiene problema de villanos: un psicólogo ahí."

Ignatiy Vishnevetsky en AV Club la remachó así: "Tan manida como sus elementos inútiles de los 80 (...) Los diseños de los personajes son rígidos y feos (...) Se echa mucho de menos una sensación interna de anarquía disparatada" 

4. Dos tontos todavía más tontos (Dumb and Dumber To), EE UU, año 2014, dirigida por Peter y Bobby Farrelly (película elegida por AlmaBaires).

Andrew Barker en Variety escribió: "Esporádicamente muy divertida, en general muy aburrida y en ocasiones, verdaderamente nauseabunda" 

Peter Travers en Rolling Stone dijo: "Las malas noticias no son que Jim Carrey y Daniels hayan envejecido, sino que son los chistes los que lo han hecho (...) El tiempo puede ser cruel, especialmente para las secuelas".

 J.R. Jones Reader en Chicago Reader remató así: "Ver a dos estrellas cincuentonas de nuevo con sus idiotas cortes de pelo es un poco desconcertante..." 

5. Bajo la piel de lobo, España, 2017, dirigida por Samu Fuentes (película elegida por Blanca Rosa García).

Quim Casas en El Periódico de Barcelona: "Funciona mejor cuando el personaje se expresa con gestos y gruñidos antes que con palabras...(en referencia a Mario Casas).

I42poloj en Filmaffinity se expreso así: "Va de un tío que vive solo en el campo. Y con eso está todo dicho. En esas pocas palabras se concentra la sobredosis de aburrimiento que produce esta cosa con Mario Casas".

Leugim remató la película del siguiente modo: "Mario Casas no da el perfil del trampero solitario ¿Alguien se ha fijado en su maravillosa piel? Parece que hubiera salido de un tratamiento facial antes de comenzar a rodar. Una barba poblada, un aspecto rudo, con su cuerpo rodeado de pieles, y unos gruñidos, no son suficientes para la construcción de un personaje. Carece de credibilidad..."

6. El descenso (The Descent), Reino Unido, año 2005, dirigida por Neil Marshall (película elegida por Idalia Harolina Payano)

Maldito Bastardo dijo sobre el filme lo siguiente: “The descent” es una mediocre, independiente y ridícula película de terror más cercana a “Alien vs. Predator” que a “La matanza de Texas. Los pobres bichos, que sólo cumplen con su funcional y natural ecosistema caníbal, deberían demandarlas por violencia de género e invasión de propiedad privada". 

Anchovidal se despachó así: "Me hubiera sido imposible ver la película si no me gustasen las mujeres, y sobre todo las orientales. Espero que las mujeres que me lean me entiendan y no me odien. Lo mismo la película se merece 25 Oscars y yo estoy más loco que una cabra".

Sandra de Tarrega tuvo una opinión bastante peculiar: "La peli da muchísimo miedo, y os la recomiendo aunque hay algunos pequeños fallos. Las seis chicas se parecen mucho y eso crea un problema a la hora de entender la película". 

7. Leyendas de pasión (Legends of the Fall), EE UU, año 1994, dirigida por Edward Zwick (película elegida por David Rubio)

David Rubio en Cine y críticas marcianas dejó la siguiente perla sobre Leyendas de pasión: "Pero si he de recordar una cuya visualización todavía me provoque estremecimientos de aburrimiento y agobio; si tengo que rememorar las peores dos horas de mi vida en una sala, sin duda tengo mencionar una de esas películas que solo vemos cuando recién comenzamos una relación amorosa; como muestra de nuestra sensibilidad y de lo buen novio que podemos ser".

Fernando Morales en el Diario El País opinó así: "Tan sólo la oscarizada fotografía de Toll salva de la mediocridad absoluta este insulso filme que desperdició un reparto lleno de estrellas. Blandita".

Chema de Alcazar de San Juan la fulminó: "El mayor bodrio de la historia del cine. Brad Pitt sale guapísimo y nos muestra los diferentes peinados que se pueden llevar para ir a la moda de principios de siglo. Mala de solemnidad. Es que es malísima".

8. G. I. Joe 2: La venganza (G.I. Joe: Retaliation), EE UU, año 2013, dirigida por Jon M. Chu, (película elegida por Luis Marc Rojas)

Neil Genzlinger en The New York Times escribió: "Deberían poner un letrero de 'Solo para fans' en la puerta de los cines".  

Manuel Kalmanovitz G. en Revista Semana fue breve: "Es inexpresiva, bullosa y elemental".

Megustaelcine en Filmaffinity se expreso así: "Es una auténtica basura. Ni para "serie B" sirve, por muchos artilugios "hipermegasuperguays" que nos enseñen. Ni existe guión, ni existe un personaje bueno al que querer, ni existe uno malo al que odiar. Tal vez esté hecha para los más pequeños, pero incluso éstos terminarán aburriéndose". 

9. De vuelta al insti (Strangers With Candy), EE UU, 2006, dirigida por Paul Dinello (película elegida por Marigem).

Marigem en saldelapuro.blogspot.com comentó: "A mí me encanta el humor absurdo (Jardiel Poncela es lo más), pero esta peli es un absurdo muy absurdo que por ser tan absurdo no tiene calificación"

Pedro de Jaén fue más conciso: "Sedaris, realiza un gran papel con sus gestos de colgada salida".

Quien en Filmaffinity se despachó con toda su artillería: "Películas como esta me hacen sentir vergüenza de pertecener a la raza humana. Realmente acojona el hecho de que un tío que por dentro tiene lo mismo que yo (tripas, un poco de cerebro y alguna hamburguesa del McDonalds) pueda ser capaz de hacer algo tan dañino para la continuidad de la especie como esta película".

10. Spice World. The Movie, Reino Unido, 1997, perpetrada por Bob Spiers (película elegida por María Delgado).

Y nos despedimos con la "joya de la corona" del día de hoy que incluso de lo mala que es llega a ser buena (como castigo a los presos digo).

Superjerry escribió lo siguiente: "La he visto! ......., y ahora estoy escribiendo esta critica desde el manicomio de Lepe. Mis neuronas no pudieron resistirlo; mi cerebro implosionó más o menos a la mitad de la peli. Madre del amor hermoso, con cagadas como esta los directores deberían ser ejecutados sin juicio ni jurado previo. Lamentable, triste, vomitivo".

Beatlespock se preguntaba cosas: ·¿Os masturbaríais si fueseis Eduardo Manostijeras?¿Os comeríais un huevo puesto hace veinte años por una gallina con gripe aviar? ¿Meteríais vuestro pene en un estanque de pirañas? No os riáis, que hay gente que ha hecho algo mucho peor: Ver "Spiceworld".

Mickey 91 soltó lo siguiente: "Tocar la guitarra, ir al baño, jugar con tu sobrino, ver mittines de Aznar, aprender acupuntura, limpiar el fregadero, llamar a líneas eróticas, ver los peces de la pecera, sintonizar la COPE, escuchar la COPE, cagarte en los de la COPE, masturbarte, otra vez, una más, hacer acumputura a tu perro, volver al baño, fumarte un "pitillo", ver mittines de Zapatero, ir a dar un paseo al parque, sintonizar la SER, escuchar la SER, cagarte en los de la SER, cagarte en la política, ir a cagar, oír cantar a Paris Hilton, ver balbucear a Aída Nízar en Salsa Rosa, reflexionar sobre "qué eras antes de nacer", llamar al Tarot, leer el interviú, tocarte las pelotas, leer el Abc, leer El País, compararlos, contar las muescas de la pared, ver porno duro, no hacer nada... Todo esto es mejor que ver esas pijas en acción, sobre todo a Miss Beckam".

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Saludos de Miss Universo Marciana 2019

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Manuela Velasco: "El rodaje de 'Antes de la quema' ha sido una experiencia vital única"

Hoy tenemos el privilegio de recibir en Cine y críticas marcianas la visita de Manuela Velasco, actriz galardonada con el Premio Goya de la Academia de Cine de España. En la entrevista nos hablará de su participación en la película 'Antes de la quema', dirigida por Fernando Colomo, y que ha tenido su estreno en España el día 7 de junio de 2019. 

La actriz madrileña comienza a desarrollar sus dotes como actriz siendo una niña y, con tan solo ocho años, realiza un pequeño papel en la serie de televisión Los desastres de la guerra. Tres años más tarde, en 1987, debutaría en la gran pantalla de la mano de Pedro Almodóvar en La ley del deseo.

Tras ganar el Goya por Rec y el premio a la Mejor Actriz en el Festival de Sitges por la misma película, Manuela Velasco ya siempre he tenido la fortuna de trabajar como actriz y comenta en esta conversación que se enamoró de su profesión cuando hizo ‘La ley del deseo’ con Pedro Almodóvar. 

Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista completa. 

Hola Manuela, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver “Antes de la quema”?

Parafraseando a Fernando Colomo, director de la película: «Es una película de género fluido». Los espectadores se van a encontrar con la historia de un joven llamado Quique que es interpretado por Salva Reina, que se ve metido en un gran lío del que no tendrá escapatoria. Y no tiene otra salida porque sus circunstancias personales y las de su familia, les están llevando a vivir una situación muy dramática. Esto es solo el reflejo de lo que pasa en muchas familias con precariedad, y especialmente en algunas zonas de Cádiz -"parece que estoy contando un drama social"- (risas). Quique es un antihéroe que se va a ver en unas situaciones muy surrealistas y que son muy divertidas de ver. La comedia nos sitúa en las situaciones desesperadas en las que se ve involucrado el personaje protagonista y que causarán mucha diversión en el espectador.

¿Cómo recibiste la noticia de que el maestro Fernando Colomo había pensando en ti para el papel, y cómo ha sido trabajar con él?

Pues mira, no me lo creí literalmente. Mi representante me hizo llegar el guión a través de un correo electrónico, y me comentó que me querían para esta peli. Además no era para hacer una prueba, si no que había sido elegida ya para el papel propuesto. Incluso pensé que mi representante artístico se había equivocado. Pero no, era el propio Fernando Colomo el que me había elegido. Así que finalmente quede con el director para hablar en persona del personaje de Rosario. En esa conversación con Fernando, en la que él me dio toda la confianza del mundo, le vi muy entusiasmado y con mucho amor por la profesión. En definitiva, el papel me llegó con incredulidad pero ha sido un regalo.  

¿Qué destacarías del personaje de Rosario?

Es una mujer desarraigada, no se sabe muy bien de donde viene, y a donde va, y parece estar siempre de paso. Y en ese desarraigo, justo va a encontrar la luz, y el hogar en Cádiz. Así es como decide unirse a Quique que es el personaje más insospechado y surrealista que se ha encontrado en su vida. Además, Rosario se humaniza al entrar en contacto con Quique y su familia. En resumen, Rosario descubre la bondad e intuye que ese es su lugar.

¿Cómo ha sido rodar en Cádiz que desde luego recibe un homenaje en las localizaciones grabadas en la ciudad?

Yo me fui a hacer la película entusiasmada por trabajar con Fernando Colomo y con Salva Reina ya que con ellos fue con los que más ensayé en Madrid. Pero al final, este rodaje ha sido una experiencia vital que tiene que ver con haber vivido Cádiz desde dentro: en los barrios, con la gente, haber vivido el carnaval desde dentro -aunque no era carnaval- con todas las chirigotas, las comparsas, los cuartetos.

Nos han contagiado pasión por el carnaval incluso a gente que como yo nunca lo habíamos vivido desde dentro.  Y es que aparte Cádiz te acoge, te abraza, te lo da todo…es tan hermosa, tan gustosa…

Cádiz es indomable, y Fernando Colomo aprovecha toda esa energía, y abraza la vida para llevarla a su cine.

Entonces observo que esto ha sido algo más que un rodaje, ¿Verdad?

Así es. Esto ha sido una experiencia vital única. Una oportunidad de vivir una ciudad como Cádiz de una forma irrepetible.

Texto y fotos: Miguel Pina

CARRERA PROFESIONAL

¿En qué momento de tu vida decidiste ser actriz?

Me enamoré de mi profesión cuando hice ‘La ley del deseo’ con Pedro Almodóvar.  Aunque era muy pequeña y mis padres con muy buen criterio decidieron que yo siguiera estudiando. Y después de acabar de estudiar mi carrera universitaria, me dije que lo yo quería es ser actriz, cursé estudios para formarme…pero lo sabía desde siempre.

¿Qué supuso para ti tanto en lo personal como en lo profesional ser galardonada con el Premio Goya por tu interpretación en la película REC?

Supuso una alegría muy grande, inexpresable. Yo llevaba por aquel entonces 10 años como presentadora de vídeo-clips. También había estudiado interpretación en las escuelas de Cristina Rota, de Juan Catrlos Coraza, y había realizado mucha figuración y muchísimos castings. Pero a raíz del Goya por REC, ya siempre he tenido la fortuna de trabajar como actriz.

¿Cuáles son tus próximos proyectos?

Ahora estoy ensayando para retomar la obra teatral 'El banquete' que hago con la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

¿De qué trata 'El banquete'? 

Es una obra muy particular porque sucede en una mesa gigante, como si fuera un banquete, e incluso el público se sienta con nosotros en la mesa. Hacemos un homenaje al simposio de los griegos donde bebían vino y se levantaban para filosofar sobre diferentes temas. Iremos al Festival de Almagro.

¿Y tienes más proyectos en el teatro?

Si, después empiezo a ensayar para otra obra en el Teatro Pavón Kamikaze de Madrid sobre un texto de William Shakespeare que es un sueño a cumplir. Aún no puedo decir el título.

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos.

Cantando bajo la lluvia de Stanley Donen y Gene Kelly.

Tu película española preferida.

La ley del deseo de Pedro Almodóvar.

Tu director de cine español preferido.

Luis Buñuel.

Tu director de cine internacional predilecto.

Tim Burton, Krzystof Kieslowski, Coppola...

Tu actor preferido.

Javier Bardem.

Tu actriz preferida.

Meryl Streep.

Tu festival de cine preferido.

Sitges.

¿Cuál es tu sala de cine preferida?

Los Cines Ideal de Jacinto Benavente en Madrid.

Cine, teatro o televisión.

Las tres cosas.

Tu plato de comida preferido.

El cocido madrileño.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

La antología poética de Alfonsina Storni.

Una ciudad para vivir.

Cádiz.

Una ciudad por conocer.

Jerusalén.

Una ilusión por cumplir.

Bucear con ballenas jorobadas (risas).

En nombre de todos los lectores y seguidores de Cine y críticas marcianas quiero agradecer muy especialmente a Manuela Velasco la concesión de esta entrevista personal, así como desearle mucha suerte en todos los proyectos que emprenda de ahora en adelante. Agradecer también a Cristina Marinero, y a Eduardo Gil Rodriguez la gestión de la entrevista que fue realizada en los Cines Renoir Princesa de Madrid.

Texto y fotos: Miguel Pina.

La entrevista ha sido un trabajo conjunto entre Cine y críticas marcianas y Cinemagavia donde también podéis leer la entrevista con otras fotos y formato en el siguiente enlace.

Otras entrevistas seleccionadas de entre las publicadas en Cine y críticas marcianas:

Victor Matellano, director de cine, nos presenta "Regresa el Cepa"

Iria del Río, actriz protagonista en El increíble finde menguante

José Dueso, escritor, antropólogo y cinéfilo nos presenta su libro

Manuela Velasco (selección de trabajos realizados).

CINE

ANTES DE LA QUEMA  · Dir. Fernando Colomo

REC 4. APOCALIPSIS · Dir. Jaume Balagueró

HOLMES MADRID SUITE 1890 · Dir. José Luis Garci

REC 2 · Dir. Jaume Balageró, Paco Plaza

EL DOS DE MAYO · Dir. Jose Luis Garci

REC · Dir. Jaume Balagueró, Paco Plaza

EL CLUB DE LOS SUICIDAS · Dir. Roberto Santiago

EL JUEGO MÁS DIVERTIDO · Dir. Emilio Martínez-Lázaro

LOS DESASTRES DE LA GUERRA · Dir. Mario Camus

LA LEY DEL DESEO · Dir. Pedro Almodóvar

TEATRO

EL BANQUETE · Dir. Catherine Marnas y Helena Pimenta

TODO ES MENTIRA · Dir. Quino Falero

BAJO TERAPIA · Dir. Daniel Veronese

HAMBRE, LOCURA Y GENIO · Dir. Juan Carlos Coraza

SERIES

TRAICIÓN · TVE

VELVET · Antena 3

AÍDA · Telecinco

AGUILA ROJA · TVE

DOCTOR MATEO · Antena 3

CUÉNTAME CÓMO PASÓ · TVE

HOSPITAL CENTRAL · Telecinco

MÉDICO DE FAMILIA · Telecinco

Antes de la quema: curiosa narco-chirigota de Fernando Colomo

Antes de la quema dirigida por Fernando Colomo se estrena el próximo día 7 de junio en cines españoles tras haber sido galardonada con el Premio del Público en el pasado Festival de Cine de Málaga. 

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La historia: Quique (Salva Reina) es un gaditano en paro que se dedica a ensayar con su agrupación musical para presentarse al concurso de chirigotas en el famoso Teatro Falla de Cádiz. Pero antes del concurso, recibe, y acepta una oferta de trabajo en la incineradora de droga más grande de toda Europa. Pronto, El Tuti (Joaquín Núñez) que es un narcotraficante de la zona, le propone que le ayude a robar la droga almacenada en la incineradora antes de que se produzca la quema de la misma por las autoridades. ¿Podrá Quique rechazar la oferta o se verá obligado a involucrarse en la mayor aventura de su vida?

La crítica: Para los lectores que lean esta crítica desde Hispanoamérica habría que aclarar qué es una chirigota, y la importancia que tienen las mismas en los carnavales de la ciudad española de Cádiz. La podríamos definir así: una agrupación musical compuesta por aproximadamente doce personas, clasificadas en tenores, segundas y altos. Sus letras están compuestas por los integrantes de las mismas y son una crítica, una burla o una mirada satírica sobre diferentes aspectos de la sociedad. 

Como comentaba en la entradilla, la cinta española ha obtenido el Premio del Público y la Biznaga de Plata a la Mejor Actriz de Reparto (Maggie Civantos) en la última edición del Festival de Cine de Málaga. También es cierto que estos galardones pueden estar algo "contaminados" por ser una película muy, muy andaluza y por la buena acogida que ha tenido en casa.

En lo personal, y siendo yo de origen gaditano (aunque nacido en Madrid), me puedo situar perfectamente en el contexto de la película, y de hecho la he disfrutado especialmente. No obstante, y tratando de ser objetivo con la película, habría que esperar a ver la ver la reacción tanto en el resto de España, como en Hispanoamérica, para comprobar si la narración conecta con todo tipo de público y se puede catalogar como comedia universal. 

Antes de la quema cuenta con una buena presentación con el personaje principal dirigiéndose directamente a cámara, y cerrando de la misma manera. En esta parte me recuerda a la cinta también española Selfie que fue rodada como falso documental. En el debe de la producción podríamos tildar la narrativa de previsible, y de un cierto abuso en los personajes estereotipados. En la parte positiva, cabe destacar que Fernando Colomo consigue un buen ritmo narrativo, y que la película cuenta con unas buenas interpretaciones que pasamos a analizar.

El protagonista principal es Quique y está interpretado con su habitual desparpajo por Salva Reina al que ya vimos en La isla mínima o en El intercambio. A través de su personaje, nos adentramos en el mundo de la chirigota gaditana, observamos la precariedad laboral de los jóvenes y sobre todo nos introducimos en el mundo del narcotráfico en un tremendo embrollo al que se ve sometido su personaje.

Manuela Velasco, actriz ganadora del Premio Goya por [•REC], interpreta con su habitual solvencia a Rosario. Ella es una integrante de la banda de ladrones que pretende robar la droga de la incineradora donde trabaja Quique. Sin embargo, el romance que surge entre ella y Quique pone en peligro toda la operación con situaciones divertidas para el espectador. 

Otros papeles destacados serían para Maggie Civantos (El mejor verano de tu vida) como hermana de Quique. La actriz malagueña interpreta a una joven recién salida de la cárcel que se suma a una situación ya caótica de por sí. El genial actor gallego Manuel Manquiña (La matanza caníbal de los garrulos lisérgicos), interpreta al jefe de la banda de ladrones que a su vez es tutelada por un mafioso neo-torrentiano interpretado por un no menos genial Joaquín Nuñez (Grupo 7).

En la película cabe destacar el estupendo diseño de producción que elige la ciudad de Cádiz como marco referencial en sus espacios escenográficos. Así es como nos sumergimos en el gran Teatro Falla,  paseamos por el popular barrio de La Viña, y llegamos hasta el chalet del narcotraficante apodado como "El Tuti", que es un fiel reflejo de la España cañí con personajes casi berlangianos.

En conclusión, con Antes de la quema, el cineasta español Fernando Colomo sigue incidiendo en la comedia, y demuestra una vez más que es el género en el que se encuentra más a gusto. Quizás esta no sea su mejor película, pero al menos nos deja retazos de originalidad, y sobre todo rinde homenaje al Carnaval, a la tacita de plata y a la chirigota gaditana.

Nota: 6/10.

P.D. El próximo lunes, la actriz ganadora del Premio Goya, Manuela Velasco, estará en Cine y críticas marcianas para narrarnos en una entrevista los pormenores del rodaje del filme. 

¡Os esperamos!

Título: Antes de la quema.

Nacionalidad: España.

Dirección: Fernando Colomo.

Guion: Javi Jáuregui.

Música: Antonio Carmona, Fernando Furones.

Reparto: Salva Reina, Manuela Velasco,
Maggie Civantos, Joaquín Núñez.

Duración: 96 minutos.

Estreno: 7 de junio de 2019.

¡Diez películas más malas que la sarna...!

Recuerdo, allá por el año 2016, tras una crítica muy negativa hacia un largometraje, una anécdota curiosa. Sucedió en la añorada red social de Google, y allí el amigo y divulgador de contenidos cinematográficos Alfredo García (ahora en Flipboard), me proponía la creación de una sección de reseñas de películas que fueran tan malas como Glitter.

Sin llegar a descartar la opción, pienso que para una crítica negativa tenga gracia, morbo o sea incluso irritante, el factor clave es que el reseñador o crítico cinematográfico, salga tan cabreado de la sala de cine que escriba de forma natural todo lo que se le pase por la cabeza.

Finalmente descarte la opción, y dejé esas críticas negativas para cuando de manera natural surgieran tras visionar cine de estreno. Habría muchos ejemplos desde que Cine y críticas marcianas comenzó su andadura, pero hoy me voy a centrar en diez críticas externas y que considero "joyas" de la literatura cinematográfica (finalmente he añadido algo que un servidor también escribió).

El orden seguido es aleatorio.

Son películas tan malas que es casi imposible poner orden en ver cual es peor que otra.

¡Vamos a ello!

1. Jack y su gemela (Jack and Jill) año 2011, EE UU, dirigida por Dennis Dugan.

Lou Lumenick en New York Post escribió lo siguiente: "Es bastante triste ser un cómico y que lo más divertido de tu peli sea Al Pacino. Jack y su gemela hace que 'Little Fockers' parezca 'Sonrisas y lágrimas': también tiene más chistes de pedos de los que he visto jamás en una película" 

Andrew Barker en Variety se despachó de la siguiente manera: "La estupidez general del filme, la descuidada dirección y la dependencia de un único chiste, el de su premisa, que para empezar, no era demasiado divertido, son sólo los problemas más evidentes de esta película"

Roger Moore en Orlando Sentinel la remató: "Incluso para los desaliñados estándares cinematográficos de Sandler, esta película es un desastre".

2. La novia de Chucky (Bride of Chucky) año 1998, EE UU, dirigida por Ronny Yu.

Lisa Schwarzbaum en Entertainment Weekly dijo lo siguiente: "Estaría mejor enterrada en la tumba de las franquicias de miedo de los 80 (...) Terror adolescente para idiotas." 

Sin embargo a Mick LaSalle del San Francisco Chronicle parece que le gustó más: "Nadie va a pensar que 'Bride of Chucky' pretende ser un clásico como 'Bride of Frankenstein', así que todo aquel que busque pasar un buen rato se quedará encantado."

Omar Khan en el El País la sentenció: "Para ver y tirar".

3. Disaster Movie, año 2008, EE UU, dirigida por Jason Friedberg.

Glen Ferris de Empire escribió: "Una terrible pérdida de tiempo, oxigeno y dinero".

David Bernal de Cinemanía fue algo más amable y escribió: "No es cine, pero si más divertida (dentro de su estupidez), que las infaustas 300 o Epic Movie".

Miguel Pina en Cine y críticas marcianas opinó así: "Se trata de la producción estadounidense con el título premonitorio de Disaster Movie y que básicamente era un subproducto para el lucimiento de Carmen Electra y Kim Kardasihan".

4. Supernova, año 1993, España dirigida por Juan Miñon.

A continuación algunas perlas dejadas por críticos no adscritos a los grandes medios sobre este monumental bodrio realizado (supuestamente sin querer) para que la cantante española Marta Sánchez acabara con su carrera cinematográfica nada más comenzarla:


Tomi Roberts escribió: "Todo está mal en la película, un guión patético hasta el extremo, unas actuaciones ridículas, y unos efectos cutre salchicheros de peor calidad imposible".

Horrorfanático comentó: "El largometraje es un cúmulo de situaciones absurdas y sin sentido, actuaciones exageradas , y personajes vacíos". 

Moyano Lizana remató así a Supernova: "Tengo que reconocer públicamente que yo fuí uno de los pocos inconscientes que fue al cine a ver Supernova. Ahora, y después de 18 largos años de vergüenza y de sufrimiento en silencio, por fin he sido capaz de salir de la espiral de incomprensión que me provocó este pseudo film".

5. Anaconda, año 1997, EE UU, dirigida por Luis Llosa.

Stephen Holden en The New York Times redactó lo siguiente "Una versión cutremente entretenida de 'Tiburón' con reptiles, ambientada en el corazón de la húmeda selva amazónica. (...) Incluso más miedo que cualquiera de las criaturas (...) da la interpretación de Jon Voight".

Luis Martínez en El País escribió: "Hay películas que de puro disparatadas encandilan (...) Inenarrables efectos especiales. Pero un éxito: lo dicho, hay otros delirios, pero están en éste" 

Javier Ocaña en Cinemanía remató así: "Típica entrega de bicho amenazante con un estímulo: Jennifer López"

6. Crepúsculo ("Twilight"), EE UU, 2008, dirigida por Catherine Hardwicke. 

Alberto Luchini en el diario El Mundo dijo: "Todo queda muy platónico, muy idílico y muy casto, al limitarse el romance a una sucesión de frases cursis y ridículas que en más de una ocasión provocan vergüenza ajena".

Jordi Costa en El País escribió: "Diseñada para satisfacer a su público potencial y excluir a unos no iniciados que, inevitablemente, verán en ella un amanerado (y ocasionalmente ridículo) ejercicio de narcisismo adolescente. (...) propone un sintomático y revelador giro en el tratamiento cinematográfico del arquetipo." 

Kyle Smith en New York Post la criticó de la siguiente manera: "Le falta sangre. (...) combina el argumento de la serie 'True Blood' con el nivel de intensidad de Salvados por la campana".

7. El amante doble (L'amant double'), Francia, 2017, dirigida por  François Ozon.

Philipp Engel en Fotogramas escribió: "La trama es un delirio (...) Ozon quiere hacer un De Palma, y no llega ni a 'The Neon Demon' (NWR, 2016). Los juegos metaficcionales le salieron mejor 'En la casa' (2012). Esto es un disparate sin demasiada gracia." 

Luis Martínez en el diario El Mundo dijo: "Entre el histerismo y el postureo (...) Todo luce calculado, superficial y envuelto en una asepsia sospechosamente falsa".

Miguel Pina en Cine y críticas marcianas opinó así: "El cobarde uso narrativo de los sueños oníricos para ir justificando la trama, es sencillamente una tomadura de pelo. Y para colmo, el final tramposo, ramplón y realmente ridículo cierran una propuesta que se mueve entre la chulería y el atrevimiento impúdico de su director".

8. Cincuenta sombras de Grey (Fifty Shades of Grey), EE UU, 2015, dirigida por Sam Taylor-Johnson.

Luis Martínez en El Mundo se despachó así: "Parte del convencimiento de que el espectador (y antes el lector) es imbécil. Y así, en consecuencia, es tratado durante las dos horas largas que dura el asunto. (...) es mala, lo que se dice mala de solemnidad".

Nando Salvá en El Periódico de Barcelona escribió: "Aburre y decepciona (...) El filme evita la transgresión (...) No hay historia, ni personajes con entidad, ni emoción. Cualquier contrato de arrendamiento tiene más profundidad dramática." 

Sergi Sánchez en Fotogramas la remató: "Aburrida, ridícula y reiterativa, invita a abandonar las salas (...) Si quieren excitarse o buscar salidas creativas a la monotonía sexual de su vida en pareja, esta no es su película." 

9. The Emoji Movie, EE UU, 2018,  dirigida por Anthony Leondis.

Charles Bramesco en The Guardian escribió: "Un gran pulgar hacia abajo. No se debería dejar ver 'The Emoji Movie' a los niños ...Un film que parece hecho con prisas por un ejecutivo de publicidad poco inspirado".

Nando Salvá en El Periódico de Barcelona escribió: "Tiene un solo mérito: se las arregla para ser incluso peor de lo que parece. (...) al contemplar la película resulta imposible sentir placer ni tristeza ni nada que no sea puro tedio".

Jordan Hoffman en New York Daily News dejo la siguiente perla: "'The Emoji Movie' es un gran y humeante montón de mierda. Muestra lo bajo que puede caer Hollywood para conseguir dinero fácil". 

10. Glitter, todo lo que brilla (Glitter), EE UU, año 2001, perpetrada por Vondie Curtis-Hall.

Y para concluir nos despedimos con esta joya de la corona a mayor gloria de Mariah Carey. Como anteriormente en 'Supernova', las opiniones son de personas no adscritos a los grandes medios:

BigCat escribió lo siguiente: "Debo decir que mi amiga salió extasiada del cine, lo cual frustró mis enormes impulsos de hacer chocar mi cabeza contra un árbol para desahogarme".

Galdr opinó así: "Las pocas palabras que se me ocurren son demasiado infames para decirlas, pero es que ésta abominación de película habla por sí sola, basta decir que creí que jamás terminaría mi tortura".

The Mags se desahogó de la siguiente forma: "Se ha instaurado en los anales del cine como una de las asquerosidades más grandes y aburridas jamás filmadas".

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Me he divertido bastante escribiendo esta publicación, así que dentro de un tiempo habrá una segunda parte con otras diez películas más malas que la sarna. 

Os invito a opinar y ayudarme en la selección de las mismas respondiendo a la siguiente pregunta: 

¿Cuál es la peor película que recuerdas de la historia del cine?

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Gordon y Paddy: en busca de la malvada zorra feroz

Gordon y Paddy de la directora sueca Linda Hambäck llega a los cines el 31 de mayo en una interesante apuesta de la animación europea.

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La historia: Gordon es un sapo que está a punto de jubilarse como comisario jefe de un frondoso bosque del norte de Europa. Pero antes de retirarse de sus funciones, quiere dejar el mando de la comisaria en buenas manos. Tras conocer a Paddy, que es una inteligente ratona con un gran sentido del olfato, decide formarla como agente de policía. Juntos deben resolver el último caso de Gordon: el misterioso robo de las bellotas de la ardilla. ¿Podría ser la zorra la astuta ladrona o todo forma parte de un enorme equivoco? 

La crítica: El cine de animación europeo sigue en busca de alternativas al poderoso imperio Disney con singulares filmaciones como Gordon y Paddy, que apuestan por recuperar la animación tradicional en contraposición a la estética imperante basada en la generación de imágenes mediante las nuevas tecnologías CGI.

La apuesta también es clara en la reducción de los metrajes excesivos para que el público infantil pueda asimilar mejor su cine preferido.

Esta vuelta a los dibujos animados ya la veíamos en la reciente cinta francesa El malvado zorro feroz, que con apenas unos lápices, unas acuarelas, unos pinceles, y mucha imaginación, creaba un mundo colorido y lleno de diversión. También dentro de este movimiento tradicional, pero en versión stop motion, cabe recordar a la cinta francesa La vida de calabacín, que moldeaba figuras de plastilina de manera artesanal. Pero con independencia de las formas de rodaje, lo que comparten este tipo de películas es la recuperación de la fábula como medio narrativo para llegar hasta el corazón de niños y mayores.

Gordon y Paddy basa su narrativa en un bosque con distintos animales que toman forma antropomórfica para fijar la mirada en las familias.

Así es como vemos en su presentación a una pareja de conejos, a sus hijos y un cálido hogar familiar equiparable con el de cualquier familia humana. En un detalle cinematográfico que me gusta especialmente, la cinta se cierra de manera circular en el hogar en el que nos son presentados algunos de sus personajes. Allí, la cineasta sueca Linda Hambäck comienza la historia y nos habla del miedo a través de una villana en forma de zorra que tiene atemorizados a los lugareños.

La película gira entonces hacia el cine policial cuando la ardilla más popular del bosque acude en busca de ayuda del comisario Gordon. ¡Sus bellotas han sido robadas, y se muestra indignado! El desarrollo de la película se basa en la camaradería y la amistad que forjan Gordon y Paddy para resolver el caso. También se deslizan otros temas muy populares hoy en día como son la igualdad de género, la búsqueda de la identidad personal o incluso se hace hincapié en el fenómeno de la soledad de unas sociedades que parecen cada vez más aisladas e individualistas.

Basada en una obra de Ulf Nilsson y en los dibujos originales de Gitte Spee, la cinta sueca apoyada en una buena partitura musical de Martin Landquist, ha pasado por el Festival Internacional de Cine de Berlín en Alemania y por el Festival de Cine de Gijón en España. 

Ahora es el momento del estreno comercial en salas y me parece un aceptable vehículo para introducir a los más pequeños en la cinematografía. Quizás para el público adulto la cinta pueda pecar en exceso de ingenuidad y el metraje de poco más de una hora pueda dejar la sensación de experiencia incompleta. A su favor, juega paradójicamente ese metraje que le otorga el ritmo y el tempo adecuado, para por ejemplo, una sesión de cine matinal tan en auge en estos momentos. 

En conclusión, Gordon y Paddy es un proyecto realizado con mucho cariño por Linda Hambäck que tiene como moraleja principal el no ser prejuiciosos con los demás. Otras temáticas como el trabajo en equipo, la integración del diferente o el sentido de la pertenencia al grupo, hacen de la propuesta una tierna historia narrada con un moderado acierto.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Suecia.

Directora: Linda Hambäck.

Guión: Janne Vierth.

Música: Martin Landquist.

Dirección de Arte: Ola Larsson.

Animación: Elinor Bergman.

Producción: Linda Hambäck y Lina Jonsson.

Duración: 62 minutos

Estreno España: 31 de mayo de 2019.

El hijo: reinventando el género de terror

El hijo (Brightburn) dirigida por David Yarovesky y con Elizabeth Banks como madre de la criatura, se ha estrenado el 24 de mayo con una gran expectación entre los aficionados al género de terror.

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La historia: Ante la imposibilidad de quedarse embarazada Tori Breyer (Elizabeth Banks), sueña con ser madre sin descanso hasta que aparece un misterioso bebé abandonado en el bosque. Tori y su marido Kyle (David Denman), siempre han querido ser padres así que deciden quedarse con Brandon (Jackson A. Dunn). Pero cuando el niño cumple 12 años, y se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior. Una vez que Brandon da rienda suelta a sus retorcidos impulsos, todos a su alrededor comienzan a sentir un miedo espantoso hacia el niño. El oscuro secreto de la procedencia de aquel tierno bebé está a punto de desvelarse y no va a gustar nada a los habitantes del estado de Kansas.

La crítica: La América profunda con todas las implicaciones que este concepto conlleva, es uno de los lugares donde la literatura y la cinematografía encuentran un perfecto campo de pruebas para experimentar con casi cualquier género que la narrativa pueda ofrecer.

En este caso, la filmación ha sido rodada en Georgia, y con algunas localizaciones en el estado de Kansas donde se recreó la comunidad granjera donde Brandon es encontrado.

Es curioso, pero en el primer semestre de 2019, el que escribe estas lineas ha reseñado más cine de terror que en los tres anteriores años de la existencia de Cine y críticas marcianas. Esto podría ser casual, pero las cosas no suceden porque sí. Hubo una película en 2018 que ha reactivado toda la industria del cine de género.

Hablamos de Un lugar tranquilo (A Quiet Place) que nació casi como un proyecto de cine experimental y es ya un clásico universal que está marcando la pauta en la narrativa americana. Y es que además de estar ya en proceso la secuela de la misma, Netflix por ejemplo con la 'A ciegas' interpretada por Sandra Bullock, o ahora 'Sony Pictures' con la película reseñada hoy, bebe de la misma narrativa o al menos parecidos planteamientos en los argumentos formales. Y es que cabe recordar por tanto, que en un Un lugar tranquilo el diseño de producción de la granja, en la que meses antes de la película, se plantaron diez hectáreas de maíz, se construyeron graneros y se diseñaron unos interiores con carácter neo-impresionistas, nos trasladaba ya a una América profunda y rural, creando mayor sensación de aislamiento si cabe. Es decir, El hijo, incide en esta narrativa pero además introduce un elemento tan sorprendente que incluso podríamos hablar de la creación de un nuevo sub-género en el cine de terror. Probablemente haya nacido el cine de terror con superhéroe, en este caso, en forma de niño.

Y es que a través del personaje de Brandon, David Yarovesky introduce algunos elementos de este tipo de cine pero llevándolo a las formas clásicas o originarias como sucedió con el mítico Superman basada en el personaje de DC Comics. En El hijo, y sin desvelar nada de lo que ya se conozca, todo parte de la premisa de la secuencia inicial en la que Brandon es un bebé extraterrestre llegado a La Tierra por un accidente de su cápsula espacial. No obstante, podríamos adelantar que lejos de intentar hacer el bien como el personaje de Superman, aquí nos hallaríamos ante la antitesis perfecta y ante la utilización de sus poderes sobrenaturales para realizar el mal.

Pero en mi opinión, este aspecto de la película es secundario ante la potencia del mensaje y de la propia narrativa clásica ambientada en la América profunda. En realidad, y por encima de otras consideraciones, El hijo es una profunda metáfora sobre el poder y sobre la utilización del mismo por parte del individuo que lo posee.

Elizabeth Banks (Los juegos del hambre), está estupenda en el papel de la madre coraje que hace lo posible y lo imposible para tratar de integrar a su hijo en la sociedad. Su personaje retrata con certeza la maternidad en el más amplio espectro de este término. Su marido en la pantalla es un grisáceo David Denman (Puzzle), que interpreta a un personaje bastante tontorrón si se me permite la expresión. Y es que a través de este personaje encuentro algún agujero de guión con actitudes inexplicables frente a su propio hijo. Por último, destacar a un nuevo niño del terror en versión villano interpretado con acierto por el joven Jackson A. Dunn.

En la cinta es muy destacable el uso de los espacios escénicos. La residencia de los Breyer es una propiedad histórica en la ciudad de Newnan, en un terreno abierto de varias hectáreas con un lago. Una casa muy vieja que ha sido remasterizada para que en la película aperezca como una morada en la que se mezcla arte punk-rock con otro tradicional americano de larga tradición en el cine estadounidense. Otra parte destacable serían ciertas escenas gore que serán "deliciosamente" sangrientas para los amantes de las mismas. Sin embargo, la zona de los efectos visuales, especialmente en la parte final de la cinta, son más propios de la serie B que de una película altamente profesional.

En conclusión, El hijo es en su fondo formal la reinvención del género. Podríamos calificar está modalidad como cine de terror con superhéroe. De hecho, la cinta es un claro homenaje al personaje de Superman pero llevándolo a la forma de oscuro villano y en forma de niño. Pero tras este matiz que supone nada más que una consideración general, la cinta tiene una narrativa clásica en el cine de terror. Hay diálogos, personajes cotidianos y estructuras narrativas formales. Todo ello, permite que la historia sea universal, y muy asimilable para los amantes del suspense.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Título original: Brightburn.

Dirección: David Yarovesky

Reparto: Elizabeth Banks,  David Denman,
Meredith Hagner,  Jackson A. Dunn.

Guión: Brian Gunn, Mark Gunn.

Música: Tim Williams

Fotografía: Michael Dallatorre

Duración: 90 minutos.

Estreno mundial: 24 de mayo de 2019.

Víctor Matellano, director de cine, nos presenta su película: "Regresa El Cepa"

Regresa El Cepa dirigida por el cineasta español Víctor Matellano se estrena en cines el 24 de mayo de 2019 para conmemorar, indagar e investigar sobre el filme El crimen de Cuenca de Pilar Miró del que ahora se cumplen 40 años de su rodaje. 

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Hoy tenemos el honor de recibir en Cine y críticas marcianas al cineasta, director teatral y escritor Víctor Matellano que nos ha concedido una entrevista para conversar sobre el inminente estreno de su nueva película documental Regresa el Cepa. En la entrevista abordaremos el significado que tuvo para la población española la obra maestra de Pilar Miró: El crimen de Cuenca. Cerraremos con el test tradicional marciano.

Hola Víctor, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver “Regresa El Cepa”?

Se van a encontrar un mundo que parece sacado de la ciencia ficción, que da auténtico miedo, cuando en España en los primeros tiempos de la democracia se prohíbe una película y se procesa militarmente a su directora, a pesar de contar unos hechos sentenciados por el Tribunal Supremo, el Caso Grimaldos… Se cumplen cuarenta años del rodaje, intento de estreno y prohibición de “El crimen de Cuenca” de Pilar Miró. Una película decisiva para la democracia española.

¿Qué te ha llevado en lo personal a embarcarte en un proyecto tan atractivo y arriesgado a su vez?

No sé si es arriesgado, lo cierto es que para mí era el momento de hablar de ciertos temas que siempre me preocupan, fuera de los códigos de cine de género como tal. De libertad de expresión, de derechos humanos, del poder de cambio del cine, de una mujer cineasta como es Pilar Miró, absolutamente reivindicable. Y de censura cinematográfica, yo que he sufrido que me corten una película en el extranjero. Aunque, eso sí, he planteado el documental con estructura de película de ficción, tiene mucho de thriller. Me impactó lo que contaba esa película y me impactó más aún conocer lo que sufrió su directora y lo que significó para nuestro país. 

¿Cuánto tiempo has empleado en llevar a cabo la producción y cuántas entrevistas has realizado para dar vida al proyecto?

La idea se planteó durante el rodaje de “Stop Over in Hell”, cuando le pregunté a Guillermo Montesinos, el intérprete de “El Cepa” en “El crimen de Cuenca” si había vuelto a los lugares de rodaje de la película. A partir de ahí, y con la investigación de Emeterio Diez Puertas, el año pasado planteamos el rodaje y el largo proceso de postproducción, ya con la participación de Antonio Durán en el guion. Me estudié mas de seiscientos folios de material, hicimos cuarenta entrevistas, rodamos los recursos, y con las horas y horas de material nos pusimos a montar. Descartado material, nos salían casi cinco horas de metraje útil, y con eso lo hemos dejado en ochenta minutos de duración…

La película se ha rodado en las poblaciones conquenses de Belmonte, Osa de la Vega, Tresjuncos, Villaescusa de Haro y Borox en Toledo. ¿Qué recuerdos tienen los vecinos de aquellos municipios sobre la película “El crimen de Cuenca” y el impacto que tuvo entre la población española?

Si citas a cualquier español “El crimen de Cuenca”, siempre encontrarás respuesta. En unos casos te dirán que les impactó la película, en otros que recuerdan que hubo lío para estrenarla. Es una de las películas más vistas de la historia del cine español. En Cuenca ciudad no hacía nada de gracia el tema y el título, y me temo que no lo sigue haciendo, y yo les doy la razón porque el título entonces llevaba a confusión, remitía al eterno sambenito. Pero lo cierto es que esa película cambió la leyenda negra de Cuenca. Por su parte, en los pueblos se vivió y vive de otra forma, su relación con Pilar Miró y su equipo fue muy buena. Aunque, el fondo de la motivación del Caso Grimaldos sigue vigente, porque hay “rivalidad” entre pueblos.

¿Cuál era la intención de los autores del golpe de estado del 23-F en España al incluir a Pilar Miró sus “listas negras”?

En realidad, en lo de las listas negras del 23 F habría mucho que contar. Se vieron y se saben quiénes estaban. Era lógico en el caso de Pilar Miró, muchos la consideraban en 1981 la enemiga de la Guardia Civil. El propio Guillermo Montesinos te cuenta lo que se pensaba que ocurriría con unos u otros, a qué estadio de fútbol serían llevados, en caso de triunfar el golpe militar. Como pasó en Chile, en Argentina…

¿Cómo reaccionó Pilar Miró en relación al secuestro, y a la censura de “El crimen de Cuenca”?

A Pilar le llega la película por encargo. En principio ella quería rodar otra historia, pero se lo propone el productor Alfredo Matas, con guion ajeno, y ella acepta. Lo que ocurre es que después defiende la película como suya hasta el final. Era muy valiente y sacó pecho. Hasta que el juez militar decide que es ella, y sólo ella, la responsable de la película a la que hay que formar un consejo de guerra…

En lo personal considero “El crimen de Cuenca” una obra maestra de la cinematografía española. Sin entrar en consideraciones políticas, ¿qué valores cinematográficos destacarías de la película?

Este tema es muy interesante. Si de algo se quejaba ya durante la prohibición Pilar Miró era de que una vez que se estrenase la película, el público no la iba a ver de forma normal, si no como la película del escándalo. A mi me parece que Pilar Miró rodaba de una forma muy clásica, muy elegante, y eso ha hecho que “El crimen de Cuenca” haya resistido muy bien el paso de estos cuarenta años. Tiene una gran factura, está muy bien interpretada. Y su tema está, desgraciadamente, muy vigente.

¿Qué supuso finalmente “El crimen de Cuenca” para que hubiera cambios en el código de justicia militar?

Lo propicia “El crimen de Cuenca” y otros procesos contra la libertad de expresión que se habían producido en 1979 y 1980. No había opción ni defensa para los encausados, la justicia, y los jueces, que no olvidemos eran los del franquismo, no iban a ceder. Por eso, la única forma era cambiar la ley para que no fuesen condenados. Y cambió la ley. Y eso se lo debemos a “El crimen de Cuenca”. 

¿Consideras que la auto-censura en el cine es más peligrosa que la propia censura o esto es un latiguillo que se tiende a reproducir en ciertos sectores?

Fíjate, en “El crimen de Cuenca” ya había auto censura. Los hechos reales eran aún más crudos y los transformaron con precaución. Aunque eso no les libró de que se les intentara censurar de verdad. No es un latiguillo, claro que hay auto censura, desde por lo “políticamente correcto” hasta lo que pueda pasar. Hace poco se han detenido y condenado artistas, censurado libros… Pero, no lo olvidemos, no es comparable a aquellos tiempos, a los predemocráticos, y a los convulsos de la transición. Hemos avanzado mucho y esto se lo debemos a quienes han luchado por los valores democráticos. 

¿Qué nuevos proyectos tienes entre manos en el mundo del cine, del teatro o de la literatura?

Pues estos días presento nuevo libro, “El Mago de Oz. Secretos más allá del arcoíris”. Se cumplen ochenta años del estreno de esa maravillosa película, mi preferida, y cincuenta de la muerte de Judy Garland. Me apetecía mucho contar qué había detrás de esa película tan influyente en lo cinematográfico y lo social. He contado con prólogo de Boris Izaguirre y portada de Sanjulián, admirados amigos los dos. Y por lo demás, nuevos proyectos de todo tipo, cine, teatro… Soy inquieto por naturaleza.

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos.

El Mago de Oz.

Tu película española preferida.

Bienvenido Mr. Marshall.

Tu director de cine español preferido.

Luis Buñuel.

Tu director de cine internacional predilecto.

Orson Welles y Ersnt Lubitsch.

Tu actor preferido.

Robert Mitchun, pero porque se define como el no actor.

Tu actriz preferida.

Meryl Streep.

Tu festival de cine preferido.

El de Sitges, Nocturna, y Venecia.

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más cómodo o la que más te gusta?

En la que más cómodo me siento siempre, es en el Artistic Metropol, que tiene mucho significado para mí, y la sala que más me ha gustado siempre es la del cine Capitol. Añorando aquel Palafox donde estrené dos películas en el festival Nocturna…

¿Cine, teatro o televisión?

Las tres cosas.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

“Vestidas de azul” de Valeria Vegas y “El Proxeneta” de Mabel Lozano, son magníficos. Y estoy leyendo “Supercotilla” de Victoria Vázquez, me encanta también la literatura infantil y juvenil.

Tu plato de comida preferido.

El gazpacho y las setas.

Una ciudad para vivir.

Me gusta mucho Barcelona, pero estoy feliz en Madrid.

Una ciudad por conocer.

Pekín.

Texto y fotos realizadas en la librería Ocho y medio libros de cine de Madrid por Miguel Pina. 

Víctor Matellano (Selección de trabajos realizados)

CINE

» Director y coguionista del largometraje documental REGRESA EL CEPA (2019).

Con: Guillermo Montesinos, Héctor Alterio, José Bono, Gonzalo Miró, Mercedes Sampietro, Mabel Lozano, Assumpta Serna, Diego Galán, entre otros.

(Distribuido por Begin Again Films)

» Director y coguionista de la pieza Horror Comedy LLAMAME VAMPUS (2018)

Con: Saturnino García, Diego Arjona, Alberto Rivas. Voz de Héctor Cantolla.

(Distribuido en cines por Begin Again Films. Estreno en canal Dark)

» Director y coguionista del largometraje de ficción STOP OVER IN HELL/PARADA EN EL INFIERNO (2016).

Con Tania Watson, Enzo G. Castellari, Veki Velilla, Ramón Langa, Nadia de Santiago…

(Película de clausura en el Almería Western Film Festival. Premiere en la Muestra Syfy de Universal. Distribuida internacionalmente por VMI Worldwide)

» Director y coguionista del largometraje de ficción VAMPYRES (2015).

Con Caroline Munro, Christian Stamm, Veronica P. Bacorn, Marta Flich, Luis Hacha y Fele Martínez.

(Mejor película y Mejor fotografía en el Horrorant Film Festival de Atenas. Distribuido internacionalmente por Reel Suspects, en España en cine por Premium Cine, y en Home Cinema por RedRum)

» Director y coguionista del largometraje de ficción WAX (2014).

Con Geraldine Chaplin, Jack Taylor, Jimmy Shaw y Denis Rafter.

(Mención Especial para Jack Taylor y Geraldine Chaplin en el Festival Rojo Sangre de Buenos Aires. Distribuido internacionalmente por Reel Suspects y en España en Home Cinema por Tema distribuciones)

» Director y guionista del largometraje documental ZARPAZOS!. UN VIAJE POR EL SPANISH HORROR (2013).

Director y guionista Con Joe Dante, Colin Arthur, Paco Plaza, Jorge Grau, Eugenio Martín, May Heatherly…

(Estrenado en el Festival de Málaga- Cine Español. Mención Especial en C-Fem. Distribuido en Home Cinema en España por Tema distribuciones)

TEATRO

» Director de “¿Te gusta?” (Erika Elizalde) con Veki Velilla y Almudena León.

» Director de «Una vida en el teatro»​ (David Mamet) con Saturnino García y Juanjo Pinto.

» Director de “Rapsodia Española” (Antología) con Francisco Valladares y Julia Martínez.

» Director de “Danza de la muerte” (Anónimo siglo XII) con Paul Naschy y Saturnino García.

LITERATURA

Autor de veinticuatro libros de cine entre los que se encuentran “Spanish Horror”, “Diseñado por…Yvonne Blake, figurinista de cine”, “Decorados, Gil Parrondo”, “Rodando…Bienvenido, mister Marshall”, “El Hollywood español” o “Spanish Exploitation. Sexo, sangre y balas”.