VIII Edición de los Premios Marcianos: lo mejor del cine en 2023

Bienvenidos un año más a la salerosa Gala de los Premios Marcianos 2023 que llegan ya a su octava edición. El año ha sido magnífico para la taquilla y confirma la recuperación del Cine en el Cine. Este 2023 ha estado marcado por el fenómeno "Barbienheimer" y por la huelga de guionistas que finalmente fue desconvocada. En lo artístico no ha sido un gran año aunque ha habido buenas películas y variedad en la cartelera. 

Para quien aún no sepa cómo se seleccionan los Premios Marcianos paso a explicar el modus operandi: para que una película pueda ser premiada seguiré la norma de que la cinta en cuestión se haya estrenado en España en 2023. También tendrá que haber sido reseñada en la web marciana. Este año volvemos a tirar la casa por la ventana y la dotación económica de estos suntuosos premios se sitúa en 10 millones de dólares a pagar con dinero del Monopoly.

Comienza la ceremonia y al acabar se procederá al capítulo de agradecimientos que este año será con carácter general. 

En letra azul los enlaces a las críticas.

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Mejor Película: El imperio de la luz de Sam Mendes

Mejor Director: Ridley Scott por Napoleón 

Mejor guion original: Woody Allen por Golpe de Suerte

Mejor Guion Adaptado: Colm Bairéad por The Quiet Girl

Mejor Actor: Joaquin Phoenix por Napoleón 

Mejor Actriz: Vanessa Kirby por Napoleón 

Mejor Actor de Reparto: Brad Pitt por Babylon

Mejor Actriz de Reparto: Lily Gladstone por Los asesinos de la luna

Mejor Actor Revelación: Micheal Ward por El imperio de la luz

Mejor Actriz Revelación: Lupe Mateo Barreda por El amor de Andrea

Mejor Dirección Novel: Estibaliz Urresola por 20.000 especies de abejas

Mejor dirección de arte y vestuario: Napoleón 

Mejor montaje: El imperio de la luz

Mejor Sonido: Napoleón 

Mejores Efectos Visuales: King

Mejor Banda Sonora: El imperio de la luz

Mejor Fotografía: Golpe de Suerte

Publicación más visitada en 2023: La desconocida

Agradecimientos

Como cada año a cada persona que leyó una crítica en la web. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión.

¡Muchas gracias!

Cine y críticas marcianas vuelve el próximo martes 2 de enero de 2024 tras una breve pausa navideña.  Os deseo muy felices fiestas y un buen fin de año. 

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Blood de Brad Anderson: un niño chupóptero, su perro sarnoso y la madre que parió al glorioso

Blood de Brad Anderson se estrena en cines españoles el próximo día 15 de diciembre de 2023. La película se presentó en la Sección Oficial del Festival de Sitges, donde el director recibió el Premio Máquina del Tiempo. 

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La historia: Tras su divorcio, Jess, una joven enfermera, se muda con sus dos hijos a una casa en las afueras que no está encantada. La casa digo. Gran sorpresa. Igualmente hay circo. Sigo. A su pequeño hijo Owen se le escapa su perro y cuando el animal regresa, endemoniado y sarnoso, ataca al niño. Las heridas sanan, pero Owen se ve poseído por una inexplicable sed de sangre que le vuelve un chupóptero de marca mayor.  

La crítica: Ya estaba tardando mucho el año 2023 en saciar mi sed de 'Niños siniestros y perros en el cine' y por fin llegó mi sabrosa ración sazonada con madre desquiciada. La única pena que me queda es que la casa no está hechizada, ni hay un triste coche que no arranque. En fin, no se puede tener todo lo que se desea, pero me conformo con este gran sarnazo antes de proceder a la entrega de los Premios Marcianos. 

Blood de Brad Anderson (no estoy haciendo SEO, el título en España es así), llamada Sed incontrolable en México, es la misma película de siempre, con el mismo ruido de siempre y con las mismas rutinas de siempre. Por cierto, el perro se muere. Lo digo para evitar dramas innecesarios si ven esto en el cine. ¿Esto es spoiler? Sí. Pero como sucede en los primeros minutos no cuenta. Por cierto, más que morirse, le mueren. Vamos que la madre de la gloriosa criatura chupóptera al ver que el perro viene poseído de un paseo por el bosque, le pega un estacazo que le quita la tontería y el endemoniamiento, pero también la vida. DEP.

En fin. Pues la cosa es que el niño se ha vuelto vampiro y si no le dan sangre pues se enoja. ¿Y qué hace una madre ante eso? Pues como la mujer tampoco anda muy bien, pues se dedica al menester. Mata conejos, secuestra señoras, roba sangre en bolsas e incluso se corta para satisfacer al joven chupóptero. El niño tan contento claro. Incluso se bebe la sangre con pajita como si fuera un zumo. Todo esto que estoy contando no es inventado, ni estoy bajo los efectos de las drogas. Palabra.

Encabeza el reparto Michelle Monaghan como suministradora sanguínea. Su personaje es el típico en este tipo de sarnazos: gritona, desquiciada, madre coraje, etc. El niño vampiro está protagonizado con arte por Finlay Wojtak-Hissong. Y luego el perro hace un buen papel, pero muy corto. En la película sale más gente gritando, pero no creo que nadie esté interesado en saber quien los interpreta. Si alguien se queda con muchas ganas que me escriba un correo y detallamos las sosegadas interpretaciones. 

La parte técnica es fácil de resumir: música, fotografía y montaje dignos de un telefilme de sobremesa de Antena 3. 

Blood de Brad Anderson es un pufo hasta en la traducción del título. Pero también es verdad que ha saciado por completo mi sed de sangre y sarna para acabar el año de manera gloriosa. Con un final absurdo intentando explicar que la culpa de todo la tiene un árbol maldito, habrá que esperar hasta ese momento para ver si los humanos siguen el camino del perro, si el niño sigue con la manía de beber sangre a modo de zumo y si la madre decide darlo en adopción para pasarle el marrón a los de la segunda parte de la película que capaces serán de hacerla. Fin.

Nota: Obra Maestra. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Blood 

Dirección: Brad Anderson

Género: Terror

Guion: Will Honley

Música: Matthew Rogers

Duración: 108 minutos

Reparto: Michelle Monaghan, 

Skeet Ulrich, June B. Wilde, 

Finlay Wojtak-Hissong,

Onalee Ames, Rodrigo Beilfuss.

Robot Dreams: Pablo Berger escribe una carta de amor al Nueva York de los ochenta

Robot Dreams dirigida por Pablo Berger se estrena en cines españoles el día 6 de diciembre de 2023. La cinta de animación tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes. El estreno nacional de la película tuvo lugar en el Festival de Cine de Sitges, donde se alzó con el Gran Premio del Público. 

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La historia: Dog es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot para paliar su soledad. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los ochenta. Una noche de verano, Dog con gran pena, se ve obligado a abandonar a su amigo Robot. ¿Volverán a encontrarse?

La crítica: Hace ya una década que el cineasta, Pablo Berger sorprendía con su original  Blancanieves. La película gustó y fue ganadora de diez premios Goya y del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián. Ahora con Robot Dreams vuelve a dar una vuelta de tuerca con un filme de animación ambientado en el Nueva York de los ochenta. 

El guion, que firma el propio Berger, es una adaptación de la exitosa novela gráfica homónima de la artista norteamericana Sara Varon. Ella es una de las ilustradoras más reconocidas de los Estados Unidos. Su mundo antropomórfico de animales con comportamiento humano que viven en Nueva York es el pie para que el cineasta haga una película animada para todos los públicos. Quizás algo más enfocada al público adulto, pero los niños la disfrutarán igualmente. 

Robot Dreams es un viaje en el tiempo a una ciudad que ha enamorado a varias generaciones de espectadores. Dog, el perro protagonista, vive en un pequeño apartamento en el East Village. Es un perro, pero se identifica de manera rápida con cualquier persona que viva una soledad no deseada. Y es ahí cuando compra un robot para sentirse acompañado. Hablamos de una metáfora sobre el aislamiento social y de como los robots se presentan como suplentes de los humanos. Más si cabe cuando la IA sea doméstica.

El filme mira hacia la animación tradicional, pero pensada para el público de hoy. La animación clásica, en dos dimensiones, dibujada fotograma a fotograma tiene su propia expresión, humanidad y empatía. Se siente cercana. El cineasta no ha querido utilizar diálogos y opta por narrar mediante imágenes, música y pequeñas muecas. En el fondo Berger mira a Chaplin, Buster Keaton o Harold Lloyd y en ese aspecto sale bien parado de una apuesta con ciertos riesgos. 

El mundo visual y sonoro en el que habitan Dog y Robot ha sido creado gracias a la colaboración de un gran equipo con experiencia tanto en animación como en imagen real. José Luis Ágreda es el director de arte, que ya triunfó con el largometraje de animación 'Buñuel en el Laberinto de las Tortugas'. El belga Benoît Feroumont es el director de animación de Robot Dreams y de las inolvidables películas de animación 'Bienvenidos a Belleville' y 'El libro de Kells'. Alfonso Villalonga es el compositor habitual de las bandas sonoras de las películas de Pablo Berger desde 'Blancanieves' y por la que ganó el Goya a mejor BSO. El equipo lo completan el reconocido montador Fernando Franco que ya trabajó con Berger en 'Blancanieves' y la diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo que también trabajó con él en 'Abracadabra' y  que ganó un Goya por As Bestas.

Robot Dreams es un filme distinto, distinguido y divertido. Es decir, tiene la "regla de las tres des" que acaba de ser inventada por un servidor. Hablamos de una fábula sobre la amistad, la ruptura y el reencuentro. En definitiva, Berger realiza un sutil retrato sobre la soledad desde una perspectiva luminosa, algo tibia y con un mensaje esperanzador.

Nota: 7/10.

P.D. Robot Dreams acaba de ser nominada a 4 Premios Goya: Mejor película de animación, Mejor guion adaptado (Pablo Berger), Mejor música original (Alfonso de Vilallonga) y Mejor montaje (Fernando Franco). Por otro lado, 20.000 especies de abejas se coloca como líder en nominaciones con 15. Puedes leer la crítica aquí.

Nacionalidad: España

Dirección: Pablo Berger

Guion: Pablo Berger

Música: Alfonso de Vilallonga

Novela gráfica: Sara Varon

Duración: 90 minutos

Reparto: Animación

El amor de Andrea: lúcida visión sobre la paternidad

El amor de Andrea dirigida por Manuel Martín Cuenca se ha estrenado en cines españoles el día 24 de noviembre de 2023. El cineasta español es uno de los directores más prestigiosos y reconocidos del cine actual con títulos como 'La flaqueza del bolchevique", "El autor" o "La hija". Película distribuida por Filmax. 

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La historia: Andrea, una joven de 15 años, quiere recuperar el amor de su padre, que desapareció de sus vidas cuando se divorció de su madre. Andrea recuerda a un padre amoroso y no puede entender por qué ahora no quiere ver a sus hijos. Tomás y Fidel, sus dos hermanos, son sus compañeros infatigables en esta aventura que habla de amor y familia.

La crítica: Si bien, Martín Cuenca ya exploraba en "La hija" la complejidad de las relaciones familiares, es ahora con El amor de Andrea cuando las profundiza y matiza con su sutil enfoque narrativo. En su anterior película la premisa pivotaba sobre el deseo de ser padres y ahora da la vuelta a la situación girando sobre un padre que no desea ejercer su responsabilidad. 

La narración es minimalista, pausada y cadenciosa. Por momentos lenta. Incluso con un ajustado metraje de 100 minutos. En esta ocasión podríamos decir que en lo cotidiano no se halla nada que parezca extraordinario. Aún con todo, nos hallamos ante un valioso ejercicio de búsqueda de la identidad. Y es precisamente esa identidad la que trata de encontrar la joven Andrea. Es perseverante. No entiende  por qué se separaron sus padres y sobre todo se pregunta por su padre ausente. 

El amor de Andrea es un retrato generacional y una visión sobre la precariedad laboral. También se afrontan temas como los divorcios, los derechos sociales, los problemas de los menores, la negociación de acuerdos, la importancia de los profesores y sobre todo la voluntad inquebrantable de las personas que no se dan por vencidas. La lucha de la joven Andrea por el derecho a tener un padre es el leitmotiv del relato.

Lupe Mateo Barreda sostiene la película de principio a fin con el grandísimo trabajo en el papel de Andrea. Si la suerte le acompaña tenemos intérprete para largo y espero que sea nominada al Goya como actriz revelación. El personaje está muy bien escrito y muestra una adecuada evolución a lo largo de la trama. La contraparte la encontramos con la correcta intervención de Jesús Ortiz que representa el arquetipo del padre ausente como comentaba anteriormente. También está la madre de Andrea bien interpretada por Irka Lugo. Un personaje complejo y críptico al que le cuesta abrirse con su hija. Los hermanos pequeños de Andrea completan personajes y un reparto poco conocido.

En la técnica destaca la banda sonora de Vetusta Morla, en la que supone la segunda colaboración de la reconocida banda de rock madrileña con el director. El tema principal de la película está interpretado por la cantante Valeria Castro junto a la banda. La otra protagonista principal de la película es la ciudad de Cádiz. Tendremos la sensación como espectadores de que hasta la infelicidad es más fácil de sobrellevar en el sur del sur. La ciudad no sólo actúa como paisaje visual, sino que alcanza valor narrativo por sí misma. Hablamos de un gran acierto en la selección de las localizaciones exteriores y se constata una buena dirección de arte en interiores.

El amor de Andrea me ha parecido un filme valiente, algo reiterativo, pero bien estructurado en su fondo y forma. Con unas interpretaciones muy sólidas y con ese preciosismo visual que aporta la ciudad de Cádiz, Martín Cuenca nos ofrece una lúcida visión sobre la paternidad desde los ojos de una niña. No hablamos de una cinta grandiosa, tampoco se busca, pero si de una obra con la suficiente calidad narrativa como para darle una oportunidad en la sala de cine o en plataformas digitales.

Nota: 7/10.

Este artículo, con distinto formato, ha sido portada en Cinemagavia

Nacionalidad: España

Género: Drama, Adolescencia

Dirección: Manuel Martín Cuenca

Guion: Manuel Martín Cuenca

Música: Vetusta Morla

Fotografía: Eva Díaz

Duración: 100 minutoa

Reparto: Lupe Mateo Barredo, 

Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez,

Agustín Domínguez, Irka Lugo.

Napoleón: Ridley Scott, corona su carrera como Emperador del Cine

Napoleón dirigida por Ridley Scott se estrena en cines españoles el próximo día 24 de noviembre de 2023. La superproducción guionizada por David Scarpa y protagonizada por el ganador del Oscar® Joaquin Phoenix se presenta como uno de los eventos cinematográficos más importantes del año. 

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La historia: Biografía que detalla el ascenso y la caída del icónico Emperador Napoleón Bonaparte. La película muestra la incesante carrera de Bonaparte hasta el poder, a través del prisma de la adictiva y volátil relación con Josefina, la que fue su único amor verdadero. Se presentan también sus visionarias tácticas políticas y militares a través de las batallas que marcaron su carrera. 

La crítica: Con un inicio explosivo, un desarrollo vibrante y un final redondo, Ridley Scott se corona Emperador del Cine. Quizás sea la mejor película del año 2023 y una de la más potentes de su carrera. En lo personal denominaría como su triangulo de oro los filmes "Alien", "Blade Runner" y "Thelma & Louise". En ellas, y en otras de su carrera, muestra audacia, capacidad, y olfato para apasionar al público.

Napoleón fue uno de los líderes militares más importantes de la historia. Su vida despierta críticas y admiración por parte de historiadores, políticos y de los que fueron sus súbditos. Su ascenso al poder y sus duras campañas militares han influido en las generaciones venideras, desde Churchill a Nietzsche. Tal fue su brillantez táctica y su reputación despiadada que se necesitaron siete coaliciones diferentes entre países europeos para derrotarle. Pero fuera del campo de batalla, su obsesión con Josefina –su amante, esposa y emperatriz– definiría su vida tanto como cualquier batalla. La película mantiene un equilibrio perfecto entre la vida personal y militar de Bonaparte. No hablamos de un biopic completo ya que no se narra ni la niñez ni la juventud del lider galo lo cual parece acertado para completar un perfecto metraje de 157 minutos. Suficiente para mantener la tensión narrativa y por tanto en vilo al espectador. 

Napoleón es un personaje de película fascinante, ya que, al igual que muchas personas, fue esclavo de su propio corazón y emociones. La cinta también le muestra como un narcisista, a veces un loco, otras un brillante táctico, un tirano en la batalla, pero también en sus placeres carnales. Se muestra a un tipo que va de camino a invadir Moscú, y a su vez obsesionado con lo que su mujer estaba haciendo en París. Los celos también le hacen volverse de la guerra en Egipto para intentar contener las infidelidades de su esposa. Es incluso acusado de deserción aunque consigue dar la vuelta a la acusación. 

El aspecto psicológico del personaje y las espectaculares batallas han sido dos puntos que Scott ha encontrado igual de atractivos a la hora de hacer la película. En lo personal jamás había visto en el cine unas batallas tan bien rodadas, explicadas y montadas. Se recrean entre otras las de Austerlitz, Waterloo, Marengo y Borodino. Aunque la parte romántica, la de Napoleon y Josefina, es igualmente impecable en lo emocional. Ella tenía una sensualidad natural ya que creció en los trópicos, con el calor, la música, la cultura y ese entorno tan especial. En sus primeros años está más centrada en los sentidos que en el intelecto. Pero cuando se casa con Napoleón se tiene que adaptar, tiene que cambiar radicalmente para poder sobrevivir. Tiene que convertirse en una mujer distinta, en la mujer que él quiere. Se entrega, pero no puede evitar ser infiel lo que va volviendo cada vez más irascible a Bonaparte. 

Joaquin Phoenix realiza y nos regala una interpretación colosal que le coloca como favorito para obtener su segundo Oscar. Quizás no sea un papel tan potente como en Joker, pero su contención en Napoleón explora otra vertiente más sutil que es la otra cara de la moneda de un actor descomunal. Asimismo, Vanessa Kirby en el papel de Josefina demuestra una capacidad arrolladora. Hablamos de una interpretación delicada, sólida y que la coloca como una de las mejores actrices del momento. El resto del muy extenso reparto coral cumple a la perfección estando al servicio de la pareja protagonista, pero no destacaría a nadie en concreto. 

La parte técnica de rodaje, diseño de producción, fotografía y música es fascinante, pero tengo dos pegas que me impiden dar a la película la máxima puntuación. La primera sería que el cineasta se apoya en los créditos tanto iniciales, como finales en textos sobre-impresionados en pantalla para ofrecer datos que deberían haber sido narrados por los personajes. Y la segunda es algo que me resulta incomodo y puede sacarme de la película: escuchar a Napoleón, a Josefina y a las tropas francesas hablando en inglés es cuanto menos muy extraño. Quizás la película hubiera tenido que haberse rodado en francés y haber optado por intérpretes galos o actores que dominaran esa lengua. Por supuesto que hablo de la versión original del filme y no de la versión doblada en la que ya se pierde la esencia completa de los actores.

No obstante, quisiera destacar la utilización visual y narrativa de la luz. En una película de época, siempre se intenta usar luz natural, como Rembrandt o Caravaggio. Siempre usaban una única fuente de luz, ya sea una gran ventana, una chimenea o velas. El efecto es precioso, así que se ha empleado mucha luz frontal como la de los cuadros de David. La iluminación siempre hace que destaquen Napoleón y los personajes principales, dejando al resto de personajes en la sombra. Cada una de las localizaciones han influido en la luminosidad de la escena. La luz de Egipto es muy dura y brillante, formando siluetas. La de Rusia es más difusa y tenue, como de eterno anochecer, con tanta nieve que la hace casi monocromática. La opulencia de los palacios se muestra con la riqueza de colores y los dorados. En definitiva hablamos de una obra maestra en lo visual que pasará a la historia de la cinematografía. 

Napoleón me ha parecido un filme rotundo, muy sólido y brillante en la narración. No entraré en comentar los posibles errores históricos, si los hubiere, pues esa es la labor de los historiadores aunque no deben olvidar que no estamos ante un documental, sino ante una película de ficción. Con unas interpretaciones señoriales, un desarrollo trepidante y un final bien explicado nos hallamos ante una obra magna que nos reconcilia con el Cine. El año ha sido bueno para la taquilla, pero mediocre en lo artístico. Ridley Scott, realiza en definitiva una obra compleja en la que hay explosiones, cañones disparando, caballos al galope, extras, localizaciones, secuencias de guillotina y sin embargo es la parte sentimental la que añade un gran valor añadido a un filme grandioso.

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Histórico, Biografía

Dirección: Ridley Scott

Guion: David Scarpa

Fotografía: Dariusz Wolski

Música: Martin Phipps

Duración: 157 minutos

Reparto: Joaquin Phoenix,

Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier,

Ben Miles, Tahar Rahim, Ian McNeice, 

Matthew Needham, Paul Rhys,

John Hollingworth, Youssef Kerkour.

Que nadie duerma: un final potente levanta una historia mundana

Que nadie duerma dirigida por Antonio Méndez Esparza se estrena en cines españoles el próximo día 17 de noviembre de 2023. La cinta española es una adaptación de la novela homónima de Juan José Millás con un guion coescrito por el cineasta junto a Clara Roquet. 

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La historia: Lucía (Malena Alterio) pierde su empleo de informática y decide dar un giro definitivo en su vida comenzando a trabajar como taxista. Mientras recorre las calles de Madrid, en busca del amor y nuevos objetivos, Lucía acaba embarcándose en una venganza en contra de aquellos que le han robado su vida.

La crítica: El cine actual suele pecar de argumentos que se desinflan en su parte final. Sin embargo, en Que nadie duerma esto no sucede. Hablamos de una historia más o menos sencilla que encuentra en su bien explicado final una potente resolución que por lógica no entraré a desvelar. 

La cinta es la historia de una pérdida y de un nuevo comienzo. El cineasta ha tratado de explorar parte del comportamiento social a través de la visión de un taxi o mejor dicho de la visión de su conductora. Es así como observamos a distintos estamentos de la sociedad, pero también poco a poco vamos conociendo a la protagonista que tiene muchas más aristas de lo que aparenta su sencilla personalidad. Aparece la perversidad. 

Que nadie duerma es una road movie que transita por la ciudad de Madrid, pero centrada en unos personajes complejos, egoístas, a veces falsos y crudos como el pavimento de la gran urbe. El cineasta busca una amalgama de realidad y ficción que unas veces es delirante, otras trepidante, pero en otras algo reiterativas por un pequeño exceso de metraje que se va a los 120 minutos sin demasiada justificación. 

Malena Alterio afronta su papel más importante como plena protagonista y sale muy bien parada de la apuesta. Un gran trabajo con el personaje de Lucía que soporta casi todos los planos de la película. Ella es un mujer con una personalidad amigable hasta que le tocan el moño. ¿Se ha entendido? Le acompañan en el reparto la gran Aitana Sánchez Gijón con un personaje secundario, pero muy bien construido. Su personaje es el de una productora teatral que entabla amistad con Lucía en uno de los viajes en el taxí. Completan el reparto Rodrigo Poisón, José Luis Torrijo, Manuel de Blas y Mariona Ribas que van apareciendo en la vida de Lucía como pasajeros, vecinos o compañeros de su anterior trabajo. Todos los personajes guardan oscuridad, complejidad humana, doble moral y narcisismo. Unas joyas. 

En la parte técnica destaca el buen equilibrio entre los espacios exteriores e interiores. Un buen sonido directo hace más fácil que el esfuerzo por vocalizar de los intérpretes tenga buenos frutos. Sin embargo se observa una sobreutilización de la música para crear intriga o tensión. No hablamos de que la música de Zeltia Montes sea fallida. El problema radica en que en el montaje se ha enfatizado demasiado la música que nunca debería ser el sujeto narrador, sino más bien acompañar a la idea desarrollada sin cobrar un protagonismo tan estridente. 

Que nadie duerma me ha parecido un filme original, algo críptico y con un final potente que levanta una historia mundana. Esparza nos presenta un retrato generacional de una mujer que toma las riendas de su vida en un momento inesperado. En definitiva, hablamos de una película entretenida que consigue superar la parsimonia inicial con un desarrollo que siempre va a más siendo esta su mayor virtud y un buen ejemplo a seguir.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama, Suspense

Dirección: Antonio Méndez Esparza

Guion: Antonio Méndez Esparza,

Clara Roquet

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Barbu Balasoiu

Duración: 120 minutos

Reparto: Malena Alterio,

Aitana Sánchez-Gijón, Rodrigo Poisón,

José Luis Torrijo, Manuel De Blas.

Diego Sanchidrián Rubio, director de cine, nos presenta su película "No estás sol@"

Hoy recibimos al cineasta, dramaturgo y guionista Diego Sanchidrián Rubio para presentarnos su debut en el largometraje con la producción española No estás sol@. La entrevista se produce en el contexto del Día Internacional contra la Violencia y el Acoso Escolar que se celebra el primer jueves de noviembre. Este 2023 ha sido el día 2 de noviembre y en el año 2024 será el día 7 de noviembre. 

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Diego Sanchidrián Rubio es director de cine licenciado en Comunicación Audiovisual y posee dos másters universitarios: en Tecnologías Digitales Interactivas y en Dirección Cinematográfica. Su pasión por el cine le llevó a los quince años a comenzar colaborando en diversos cortometrajes, acumulando un total de casi 50 colaboraciones en todo tipo de funciones y puestos. En 2003 creó su propia productora, Hora Bruja Producciones, ocupándose durante doce años de las tareas de realizador, productor y montador; y encargándose igualmente de llevar a cabo diferentes trabajos corporativos, reportajes y documentales.  Hasta el momento ha dirigido seis cortometrajes de ficción, que han recibido más de 50 premios en diferentes festivales nacionales e internacionales y múltiples selecciones por todo el mundo.  En 2013 creó el espacio teatral El Esconditeatro, en pleno centro de Madrid, donde llegó a dirigir 17 obras de teatro.

No estás sol@ es un estudio de 360º del acoso escolar que da voz a todos los que de un modo u otro han tenido y tienen que ver con el bullying, sin olvidar a los compañeros de las víctimas: los testigos. Supone, en definitiva, un cara a cara entre todos los polos con el objetivo de sensibilizar a la sociedad.  

Entre los múltiples testimonios que ofrece la cinta figuran los de la actriz Elisabeth Larena (‘La que se avecina’), víctima de bullying, y el coach del programa Hermano Mayor, Jero García, exacosador.

Hola, Diego. Tras una exitosa carrera como director de cortometrajes, estás a punto de acabar y presentar tu primer largometraje titulado “No estás sol@”. Cuéntanos cuándo comienzas a rodar la película documental y qué te lleva a centrar el mensaje del filme en el acoso escolar. 

Mi objetivo con esta película es educar, concienciar, sensibilizar, ofrecer nuevas perspectivas y, sobre todo, prevenir conductas en relación con esta terrible problemática del acoso escolar. El documental tuvo un proceso de nueve meses de pre-producción y se ha rodado en diferentes espacios entre los años 2022 y 2023. Me ha costado muchísimo encontrar testimonios concretos y más aún encontrar espacios públicos cedidos por los ayuntamientos que en general miraban para otro lado. Igualmente pasaba con los colegios hasta que un director de un colegio de Murcia dio el paso de visibilizar la situación. Se trata del Colegio Joaquín Carrión Valverde dirigido por Toni García que para mí fue como un ángel de la guarda. Allí si pude grabar recursos y entrevistas personales. 

Ha habido algún proyecto muy interesante como El bullying no pinta nada  en el que Mutua Madrileña y Disney se asociaron para concienciar a la población sobre la lacra del acoso escolar. Tú y tu equipo empujáis desde la iniciativa privada y desde el cine este combate pero, ¿qué medidas puede tomar el Gobierno y las Comunidades Autónomas para que estas sean realmente efectivas?

Yo no he tenido ninguna subvención para realizar el proyecto y toda la aportación ha sido privada. Así que como también fui víctima de acoso escolar creo que tengo algunas ideas para aportar a las Administraciones Públicas. En primer lugar los protocolos anti-acoso deben implementarse con mayor profundidad y de no cumplirse solo las sanciones a colegios, agresores e incluso a padres de agresores pueden hacer algo para parar esta lacra. También están los aspectos formativos del profesorado que muchas veces se encuentran sin herramientas para saber como actuar en estos casos. Y por supuesto campañas de sensibilización por parte de Gobierno y Comunidades Autónomas. 

¿Qué le dirías a un joven que está pasando ahora lo mismo que tu pasaste en tu propia piel?

Precisamente de ahí viene el título de la película. Le diría, no estás solo, estoy contigo. Yo hubiera necesitado que alguna persona me hubiera dicho eso. Y durante cinco años no encontré a nadie que me lo dijera. En definitiva: escuchar, comprender y tomar acciones. 

El silencio de la víctima durante 13 meses de media antes de revelar el acoso que sufre a diario es algo constatado en los informes de la Fundación ANAR. En la película das un dato escalofriante. ¿Cuántos suicidios de niños y adolescentes se producen al año solo en España? ¿Los protocolos que se están introduciendo en los centros escolares son suficientes según tu visión?

Cómo te decía anteriormente los protocolos están bien, pero hay que aplicarlos con máximo rigor. Los datos que te voy a dar son escalofriantes: entre 60 y 70 niños o jóvenes se suicidan cada año en España y buena parte de ellos son como consecuencia del acoso escolar. Las gráficas son imparables y se acrecientan. Es hora de actuar sin más dilación. 

Volvamos a tu proyecto. “No estás sol@”es un filme documental que se encuentra actualmente en fase de postproducción, pendiente de finalizar la música, la corrección del color y sonido. El objetivo es tener lista la película a finales de diciembre para inmediatamente después hacer realidad su pre-estreno, distribución y lanzamiento. ¿Cuéntanos en qué consiste la campaña Campaña de Crowdfunding que has iniciado y desde que cantidad se puede apoyar la película?

Básicamente es una recaudación de fondos entre particulares que tendrán una serie de recompensas. Con una pequeña aportación de 10 euros tendrás tu legado en la lucha contra el bullyng y a favor de la prevención del suicidio y además:

- Nuestro agradecimiento de corazón por tu colaboración.

- Apoyo a la problemática del acoso escolar y de la salud mental en menores.

- Apoyo al cine y cultura.

- Agradecimientos y mención en Instragram.

- Agradecimientos en los créditos de la película.

Incluso puedes llegar a ser productor ejecutivo de la película si te parece interesante. 

Suerte, Diego, con este remate de la película y dejo a los lectores los pasos a seguir para unirse al proyecto >>>Crowdfunding

¿Cuál es el recorrido que tienes pensado para la película? ¿Vas a presentar la propuesta a concurso en DocumentaMadrid 2024 o en DocsBarcelona? ¿Tienes ilusión de que se estrene en cines comerciales o la previsión es que vaya a plataformas como Filmin?

Mi ilusión es que tenga la mayor difusión posible sea cual sea el medio. La idea de nuestra película es que se vea lo máximo posible, por eso, intentaremos que se emita en TV, que se visualice en el mayor número de plataformas importantes, y distribuirlo por múltiples festivales de cine documental y social a nivel nacional e internacional. Me encantaría estar en DocumentaMadrid, también me gustaría encontrar distribuidora para el estreno en cines comerciales y por supuesto Filmin sería una plataforma ideal aunque no descarto ninguna a nivel internacional. Al final hablamos de un problema de calado universal. 

Además de tu trabajo como cineasta, has dirigido 17 obras de teatro en el espacio teatral “El Esconditeatro” en Madrid. ¿Qué significa para ti el teatro y me gustaría saber si tienes en proyecto retomar tu actividad como director de teatro?

Comencé a dirigir teatro de manera algo tardía cuando tenía unos 30 años. Antes me había formado como realizador audiovisual. Pero cuando tuve la experiencia de dirigir obras teatrales y estar en contacto directo con los interpretes y con el público las sensaciones fueron maravillosas. Es una experiencia muy enriquecedora. Te hace sentir muy vivo. Estás recibiendo la respuesta del público en vivo, cosa que en audiovisual no sucede de igual manera. A corto plazo estoy centrado en esta película que te presento hoy y en el cine, pero no descarto volver a dirigir piezas teatrales. 

Respecto al cine y tras la película que nos presentas hoy, ¿cómo quisieras enfocar un posible segundo largometraje? ¿Seguirías en el género documental o intentarías dar el salto al cine de ficción? ¿Qué otros proyectos tienes? 

En principio intentaría seguir ligado al cine documental aunque yo me he formado para contar historias de ficción que es lo que más me gusta. Pero ahora estoy centrado en este documental al que le queda aún mucho recorrido por festivales y lógicamente en la promoción y distribución de este proyecto tan especial para mí y para la causa de la erradicación y prevención del acoso escolar. Estoy abierto abierto a dirigir tanto documentales, como películas de ficción. Mi experiencia como director de cortometrajes ha sido muy positiva, pero ahora me gustaría seguir con los largometrajes. 

Texto y fotos: Miguel Pina

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos

Big Fish

Una película para tiempos de crisis

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Tu actor preferido

Jake Gyllenhaal

Tu actriz preferida

Anne Hathaway

¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?

Carrie

Tu festival de cine predilecto

Cannes

La sala de cine más bonita que hayas conocido

La más impresionante es la sala grande del Kinepolis Madrid

Cine, teatro o series de televisión

Cine

Un libro que te gustaría recomendar

Autobiografia de un Yogui de Paramahansa Yogananda

Tu plato de comida preferido

Pollo al curry con leche de coco y arroz de jazmín

Tu deporte preferido 

Tenis

Tu canción favorita

«Y nos dieron las diez» de Joaquín Sabina

Una ciudad para vivir

San Sebastían

Una ciudad por conocer

Brujas

Una ilusión por cumplir

Muchas, muchas, muchas -risas-. Pero si tuviera que elegir alguna sería dirigir un largometraje de ficción y que lo viera mucha gente. 

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Equipo Técnico de No estás sol@: 

Diego Sanchidrián Rubio: Creador, director y productor.

Carla Machado: Jefa de producción.

Miguel Morales y Alfonso Antolín: Directores de fotografía.

Alfonso Antolín: Sonido directo.

Felipe Milano: Música.

Sophie Álvarez-Vieitez Pons y Olga Rubio: Asesoras en el área de psicología.