lunes, 8 de abril de 2024

Menudas piezas: notable comedia española con Alexandra Jiménez como reina del tablero


Menudas piezas dirigida por Nacho G. Velilla se estrena en cines españoles el próximo día 12 de abril de 2024. La cinta española se presentó en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso. 

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La historia: Candela cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana y su padre, esos a los que lleva años mirando por encima del hombro.


La crítica: Algunas claves para que una comedia funcione deben pasar por la transgresión, también por una cierta amabilidad, por tocar algunos temas de actualidad, contener un guion con diálogos divertidos, confrontar clases sociales y sobre todo por convertir una situación dramática en algo ameno o hilarante para el espectador. En ese aspecto podríamos decir que Nacho G, Velilla supera de manera notable las claves de la buena comedia y por tanto consigue el objetivo del género. 

Menudas piezas está basada en una historia real ocurrida en 2018. Enrique Sánchez, un profesor de Instituto, apasionado del ajedrez, que aprendió a jugar con los huéspedes que se alojaban en su casa, transformada en pensión de estudiantes, consiguió una hazaña impensable: convertir a cinco alumnos de un colegio humilde, de un barrio obrero de Zaragoza, en jugadores de ajedrez que competían con la élite de otros colegios.

En la cinta reseñada se introducen los lógicos cambios para exagerar a los personajes. El profesor jubilado, pasa a ser el personaje de Candela que es una joven maestra que solo ha dado a clase en colegios de élite. En el grupo de muchachos nos encontramos de todo un poco. Se conjuga a un grupo de chicos excluidos y con problemas de integración escolar. Es decir a unas buenas piezas que encontrarán en el ajedrez su tabla de salvación. 

La superación personal, tanto de maestros como de alumnos, es el leitmotiv de una historia que además de risueña consigue ser conmovedora. La objeción principal del filme son los ciertos clichés que se ofrecen en la comparativa entre la educación pública y la privada. Sobre todo en el desarrollo de los personajes más por sus formas que por su fondo. Sin embargo se abordan con acierto temas como la integración racial, la sexualidad en los jóvenes o la propia precariedad social.


Alexandra Jiménez vuelve a reinar en la comedia española y sustenta con su interpretación la base cómica del relato. Una actriz que desde la aclamada "Toc-toc" no deja de superarse situándose como la reina del tablero nacional. Su personaje, Candela, ha sido siempre una luchadora. Su padre le enseñó a no rendirse y ella se esforzó en salir del barrio humilde donde creció. Y cuando creía haberlo conseguido -un buen trabajo, una casa de ensueño, una familia y una posición- su mundo se viene abajo al descubrir que su marido le es infiel. Tras años de sacrificio, pierde los nervios y le monta a su marido una escena con la que solo consigue perder el trabajo y la reputación que tanto esfuerzo le ha costado construirse. Se siente derrotada y su única opción es buscar refugio en la casa de su padre interpretado por un buen Francesc Orella, para descubrir que todos estos años ha estado huyendo del recuerdo de una infancia humilde y un entorno social degradado. Ahora llega el momento de redimirse a través de la enseñanza en la escuela pública e intentar sacar adelante a unos jóvenes con el mundo cuesta arriba. 

Otro personaje importante es Lope que está interpretado con solera por Luis Callejo. Su papel es el del director del Instituto Luís Buñuel en Zaragoza, aquel en el que estudió y al que ahora le intenta devolver todo lo que le dio. En esa labor se ha implicado veinticuatro horas al día desde hace años y se ha dejado la vida, las ganas y la vocación. Lope es de los que siempre ha visto la enseñanza como un servicio público y un ascensor social para los más desfavorecidos. Aunque él no lo sabe, quizás Candela sea el empujón que necesita para recuperar su motivación. O quizás sea el empujón que necesita para dejar la enseñanza. Completan el reparto de los adultos, María Adanez como hermana de Candela y Alain Hernández como la expareja de Candela que deja buenos momentos.

Los chicos y chicas hacen un buen trabajo en sus respectivos papeles. Destacaría a Pablo Louazel como el joven que con 16 años está a punto de cruzar esa delgada línea que separa al gamberro del delincuente. Si la enseñanza es un lastre para él, él también es un lastre para la enseñanza aunque también encontrará la redención a través del ajedrez. Y en la parte de las chicas destaca el papel interpretado con desparpajo por Rocío Velayos. Ella es una de las alumnas más populares del instituto. Viste, actúa y habla de forma provocativa. Se la puede reconocer fácilmente porque el botellón es su hábitat natural, la cachimba un complemento más y porque es la única del instituto que luce su embarazo como una prueba de que no es de las que piensa mucho las cosas.


En la parte técnica destaca la luminosa fotografía y las localizaciones que se sitúan en Zaragoza. La ciudad tendrá su pequeña recompensa en forma de recuerdo, ya que ha quedado hermosamente retratada en la película. También destaca la música y canciones elegidas. Entre ellas destacan temas de Ginebras, Amaral, Afro Juice, Luna Ki o el gran Serrat. 

Menudas piezas vuelve a situar a la comedia española en un buen nivel. La cinta es divertida, emotiva y con un ritmo adecuado. Con un buen reparto y una historia basada en la superación saldremos más que satisfechos de la sala de cine. El libreto está pensado para enfrentar de buen rollo a varias generaciones y que se vean retratadas ante el espejo. Nos hallamos, por tanto, ante una historia muy abierta, con grandes dosis de comedia y de emoción, que retrata muy bien el duelo generacional y la diferencia de clases sociales de sus divertidos personajes.

Nota: 7'5/10.


Nacionalidad: España

Género: Comedia

Dirección: Nacho G. Velilla

Guion: Nacho G. Velilla

Música: Juanjo Javierre

Fotografía: Andreu Ortoll

Duración: 100 minutos

Reparto: Alexandra Jiménez,
María Adánez, Francesc Orella,
Miguel Rellán, Alain Hernández, 
José Manuel Poga, Luis Callejo. 

lunes, 1 de abril de 2024

Mayday Club: alocada comedia nórdica sobre el miedo a volar


Mayday Club dirigida por Hafsteinn Gunnar Siurðsgson se estrena en cines españoles el día 5 de abril de 2024. Sigurðsson es el realizador de las ingeniosas 'Under the tree' (Buenos vecinos), que pasó por Venecia o Toronto, 'Paris Of The North' o 'Either Way' (ganadora del Festival de Turín 2011).

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La historia: Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en el remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas y volar.


La crítica: La aerofobia es un miedo irracional a realizar un desplazamiento en un avión. Según el INE entre el 5% y el 6% de la población española, más de 2,5 millones de personas, padece ansiedad antes de tomar un avión. Con esta premisa, ideal para realizar comedia, Siurðsgson nos deja un alocado retrato que resulta inverosímil y por momentos fallido. 

Mayday Club trata sobre como superar el miedo a volar a través del humor. Ahí se encuentra el reto. Para ello, un grupo heterogéneo de pasajeros fóbicos está a punto de completar un curso terapéutico de alto nivel para superar su particular pánico a volar. El objetivo final del curso es realizar un vuelo de exposición de corta distancia en el que se enfrentarán a su fobia y, en teoría, vencerán su miedo de una vez por todas.

Los miembros del grupo, desconocidos entre sí, no sólo tendrán que enfrentarse a sus propios miedos, sino también a los comportamientos, a veces chocantes, de sus compañeros de viaje. A medida que las tensiones aumentan y los conflictos se intensifican, la trama que en teoría debería tener gracia, se va desinflando a medida que avanza la acción. Va pasando el tiempo y la cinta se limita a ser una sucesión de gags que en el mejor de los casos pueden levantar una ligera sonrisa. 


Los personajes y el reparto están encabezados por Sarah, buen papel de Lydia Leonard, que es una exitosa promotora inmobiliaria de 40 años. Necesita tenerlo todo bajo control, pero una nueva variable ha entrado en su vida y está aterrorizada por cómo podría alterar el frágil equilibrio que tanto se esfuerza por mantener: está enamorada y los vuelos en avión son necesarios para su vida laboral y amorosa. 

Edward (que es protagonizado por Timothy Spall) es un veterano de guerra traumatizado. El miedo a volar es, en cierto modo, la menor de sus preocupaciones, pero actúa como una lente a través de la cual los horrores de su pasado pueden verse con mayor claridad. Sara y Edward son los personajes mejor construidos ya que el resto se limitan a ser estereotipos: una pareja de “influencers” y el instructor del grupo. 

Nada que destacar en la técnica de rodaje. Si acaso, y en negativo, una oscura e insólita fotografía para ser una comedia. Los parajes nevados de Islandia, adonde se traslada el grupo desde Londres, tampoco son aprovechados y se limitan a algunos planos generales. 


Mayday Club me ha parecido un filme discreto que intenta quitar hierro a la aerofobia y supongo que ayudar a las personas que la padecen. Otra cosa es que lo consiga. Con un ritmo trepidante y un metraje muy ajustado, el cineasta trata de hilar una aventura divertida y excéntrica consiguiendo solo lo segundo que no parece mucho bagaje. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: Islandia

Título original: Northern Comfort

Género: Comedia

Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Fotografía: Niels Thastum

Duración: 95 minutos

Reparto: Timothy Spall, Lydia Leonard,
Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, 
Gina Bramhill, Sverrir Gudnason.

martes, 26 de marzo de 2024

Los niños de Winton (One Life): pasaporte a la vida


Los niños de Winton dirigida por James Hawes se ha estrenado en cines españoles el día 22 de marzo de 2024. Protagonizada por el dos veces ganador del Oscar® Anthony Hopkins (El Padre, Los dos Papas) la cinta está basada en la increíble historia real de cómo un hombre corriente logró algo extraordinario. 

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La historia: Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.


La crítica: Al igual que en La lista de Schindler la cinta hoy reseñada trata de poner en valor a aquellas personas que desde lo individual hicieron lo posible para el bien del prójimo durante o en los momentos previos a la Segunda Guerra Mundial. En este caso viajamos a la Checoslovaquia ocupada en la que otra lista ideada por Nicholas Winton trataba de salvar a niños judíos del exterminio nazi. El traslado de Praga a Inglaterra guarda semejanzas a lo que se hizo con Los niños de Rusia en su traslado desde España durante el conflicto civil ibérico. 

Los niños de Winton está narrada en dos lineas temporales separadas por 50 años (1938-1988). El caso de los niños refugiados pasó desapercibido hasta los años 80 hasta que un programa de la televisión inglesa dio voz al impulsor de este movimiento. Con un buen pulso narrativo el cineasta cuenta la historia de cuando el joven Winton llega a Checoslovaquia donde existía una ONG muy pequeña, el Comité Británico para Refugiados en Checoslovaquia. Un pequeño grupo de personas con muy poco dinero, tratando de ayudar a refugiados que huían de la persecución nazi que comenzó con la apropiación de los Sudetes en Checoslovaquia.

Winton y su equipo decidieron centrar sus esfuerzos en los niños que estaban en riesgo. Tal vez el caso más fácil de presentar tanto en el extranjero como en el propio Reino Unido: rescatar a personas que estaban en inminente riesgo de persecución y posible asesinato. Hoy en día solo se puede sentir vergüenza ajena ante la aplastante matanza de niños en Gaza provocada primero por Hamas y luego por Israel con la Comunidad Internacional mirando para otro lado. Es por eso que Los niños de Winton resulta una película muy actual con la que observamos como la historia se repite cambiado los roles del pueblo oprimido que pasa a ser opresor. En la Checoslovaquia ocupada por los nazis murieron más de 15.000 niños judíos. Este dato puede quedar pequeño cuando salgan los datos definitivos de los niños de Gaza. Paradojas de la humanidad. 


Anthony Hopkins interpreta a Nicholas Winton y vuelve a dar un recital interpretativo. Completan este buen reparto, la dos veces nominada al Oscar Helena Bonham Carter (El discurso del rey), el nominado al Oscar Jonathan Pryce (La buena esposa), la nominada al Bafta Romola Garai (Mas allá de la pasión) y Johnny Flynn quien interpreta al joven Winton en sus viajes a Praga. 

Un rodaje de 33 días, en dos países y dos períodos de tiempo, trabajando con dos equipos en dos idiomas es el desafío técnico que ha afrontado James Hawes. Las ambientación, música y fotografía son notables de manera especial en la recreación de la Praga de 1938. Era importante para Hawes y los productores filmar en Praga, utilizando las ubicaciones auténticas de la ciudad, incluso filmando en la plataforma real de la estación en la que los niños se despidieron de sus familias y partieron hacia Inglaterra. Una estatua de bronce de Winton con dos niños y una maleta marcan el lugar histórico real. 

Los niños de Winton me ha parecido un buen ejercicio de memoria histórica y un aceptable retrato cinematográfico que descubre un hecho quizás solo conocido por los historiadores. Citado en la película hay un proverbio en hebreo, traducido como: "Salvar una vida, salvar el mundo". Y ese es el mensaje que trata de dejarnos el cineasta. Se estima que hay más de 6.000 descendientes a día de hoy debido al rescate de los niños de Praga. Desde luego no se me ocurre mejor legado que el de ayudar a salvar una vida y en eso Winton dejó su sello más preciado. 

Nota: 7/10. 


Nacionalidad: Reino Unido

Título Original: One Life

Género: Drama, Historia.

Dirección: James Hawes

Guion: Lucinda Coxon

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 110 minutos

Reparto: Anthony Hopkins, 
Helena Bonham Carter, Jonathan Pryce,
Lena Olin, Romola Garai, Johnny Flynn.

miércoles, 20 de marzo de 2024

Teresa: preciosista retrato de la Santa de Ávila

Tras su paso por cines, Teresa dirigida por Paula Ortiz llega a Filmin el día 22 de marzo de 2024. La directora nos acerca a la historia de esta mujer del siglo XVI y a su enfrentamiento con la Inquisición Española hacia el final de su vida.

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La historia: Teresa, monja de clausura, espera paciente a ser entrevistada por el Inquisidor que llegará en breve. Sabe que ha llegado el momento. De su visita dependerá lo que pase con el Monasterio de San José que tanto le costó e incluso su propia vida por acusaciones de herejía. 

La crítica: El nuevo film de Paula Ortiz (La novia), es una versión de la obra teatral de Juan Mayorga, “La lengua en pedazos”, basada a su vez en el “Libro de la Vida”, de Santa Teresa de Jesús. En la cocina del convento -un espacio importante para Teresa, a quien se atribuye la cita de: “Entre pucheros también anda Dios”– tiene lugar el duelo entre la mujer reformadora con un hombre de la Iglesia, un Inquisidor cuyo propósito es el cierre de San José y el regreso de Teresa a la ortodoxia del Carmelo. Se trata de un combate teológico, pero también personal. A los argumentos y amenazas del Inquisidor, Teresa opone su fe y su carácter. Si ella afirma que Dios se le aparece y le habla, su oponente intenta desacreditar como ilusión esas visiones y la misión que sobre ellas sostiene.

Teresa tiene un aire preciosista en los recurrentes flashbacks a los que nos somete la cineasta. A mi juicio esta manera de narrar corta en demasiadas ocasiones el combate dialéctico entre los dos protagonistas del relato. En cualquier caso la manera de rodar, los encuadres y la visualidad de la película rozan la perfección apoyados en una gran iluminación. 

La cinta española tiene más aciertos que errores en todo caso. El metraje se ajusta a los 100 minutos, no hablamos de una biografía al uso, sino más bien de un retrato parcial sobre los ideales y visiones de esta mujer y sobre todo es un filme que se puede ver como una historia de ficción sin tener que tener conocimientos sobre Teresa de Jesús.

La película, por tanto, no pretende ceñirse a su biografía histórica, sino explorar su condición humana y reflexiones. Se centra en su lucha interna, no en sus hitos históricos. Existen cientos de libros sobre ella, películas, obras de teatro, pero lo más interesante aquí son las dudas expresadas, las contradicciones o la controversia sobre las visiones sobre las que hay teorías para todos los gustos: desde la locura, pasando por alucinaciones debido a sus ayunos o que estuviera diciendo la verdad. 

Teresa, es interpretada por Blanca Portillo de manera muy sólida. Ha sido la gran olvidada de la temporada de premios de manera inexplicable. Asimismo nos hallamos ante una gran papel de Asier Etxeandia como el Inquisidor que determinará cuál será la sentencia del juicio a la Santa de Ávila: libertad, cárcel u hoguera. Greta Fernández interpreta a Teresa en su versión joven y Ainet Jounou en la etapa de la niñez. 

En la parte técnica destaca el sonido y las localizaciones realizadas en Aragón que simulan ser las de la Ávila natal del personaje retratado. Jaca y sobre todo el Monasterio Viejo de San Juan de la Peña nos transportan hasta épocas pretéritas envueltas en un halo de realismo mágico. 

Teresa me ha parecido una película magnética, intensa y que afronta de manera inteligente la mirada a una figura histórica controvertida. Con un reparto sobresaliente y un ritmo irregular nos hallamos ante un viaje por la vida de una de las mujeres más abismales de la cultura occidental. Su mundo se movía entre lo real y lo imaginado, subiendo hasta el cielo o bajando hasta el peor de sus infiernos. En ese tránsito y en su obra literaria nos ofrece las palabras más hermosas, los paisajes más intensos, y un reflejo actual, crudo y singular sobre el poder de la fe. 

Nota: 6'5/10. 


Nacionalidad: España.

Género: Religioso, Histórica.

Duración: 100 minutos.

Dirección: Paula Ortiz.

Guion: P. Ortiz, Javier G Arreondo.

Fotografía: Rafael García.

Música: Juanma Latorre.

Reparto: Blanca Portillo, 
Asier Etxeandia,Greta Fernández, 
Ainet Jounou. 

viernes, 15 de marzo de 2024

¡10 interpretaciones femeninas para el recuerdo!

Si en la publicación anterior echábamos una mirada a 10 de las mejores interpretaciones masculinas hoy hacemos un ranking con 10 grandes interpretaciones femeninas en la historia del cine. Por supuesto, faltarán muchas intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación. 

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10. Jodie Foster en Acusados de 1988.

Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Martin Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con 'Acusados' con la que conseguiría su primer Oscar como actriz principal. Barbara Valera dijo lo siguiente: "Lo más destacable de la cinta es la gran actuación de una joven Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos".

9. Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo de 1951.

Pablo Kurk de FilmAffinity encontró las palabras adecuadas para definir la cinta y las interpretaciones: "Elia Kazan bucea en las relaciones de pareja, según la obra de Tennessee Williams, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. Magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. Imprescindible.

8. Nicole Kidman en Dogville de 2003.

Impactante actuación en una película con una decoración no menos impactante. Daniel Andreas lo explicó de manera perfecta: "Abrumadora y perversa inteligencia de Lars Von Trier que hace que la forma y fondo sean una unidad inseparable, y uno no sabe qué admirar más: si la coherencia del relato, el juego metafílmico entre el personaje del intelectual y el propio director, la mezcla y renovación de los géneros fílmicos, el decorado-escenario, el conjunto como alegoría, la fuerza de las escenas individuales, la magistral interpretación de Nicole Kidman, la fugaz pero deslumbrante presencia de James Cann o ese final operístico y demoledor. Nadie hace cine ni remotamente parecido".

7Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc en 1958. 

Peter Bradshaw en The Guardian hizo una gran revisión de la película. Maggie (Elizabeth Taylor), es crucificada por su desesperación por lograr que Brick la desee: se la interpreta con una intensidad hipnóticamente felina, irradiando desde ese rostro ovalado perfecto, el vestido blanco prístino sobre su combinación opaca ceñida para acentuar una cintura notablemente delgada y la absoluta imposibilidad de estar embarazada. Y un placer cómico negro muy real de la película es lo odiosos que somos de niños. El propio WC Fields asentía sombríamente ante el comportamiento de estas espantosas pequeñas bestias, sumergiendo sus manos sucias en tarros de helado o disparando seis tiros de juguete que destrozan los nervios a los adultos"

6. Bette Davis por Eva al desnudo en 1950.

Una interpretación memorable que marcó su gran carrera. Luis Martínez en el Diario El País revisó la película con esta perla: "Bette Davis está genial. Aunque la pregunta es quién no lo está en esta inmarcesible película sobre la ambición, la capacidad de envenenar y, al margen de lecturas, sobre el placer de escuchar un guión perfectamente hilvanado". 

5. Marilyn Monroe por Vidas Rebeldes en 1961.


En mi opinión la mejor interpretación de Marilyn en toda su carrera. En su mirada melancólica se podía deducir que el final de la estrella y del mito se acercaba. Tara Brady en Irish Times encontró las palabras adecuadas: "Reforzada por las increíbles actuaciones de Monroe y Gable y la meticulosa fotografía de Russell Metty, es una experiencia visual poderosa y emotiva".

4Katharine Hepburn por Historias de Filadelfia en 1940.  


Una diva y una actriz portentosa. Con 4 Oscars de la Academia aún sigue liderando esa marca que ninguna otra actriz ha logrado igualar. Jake Hamilton en Empire dijo lo siguiente: "Un reparto excelente, un gran argumento y un guion inteligente hacen de ella un clásico del género, con uno de los mejores papeles de Katherine Hepburn".

3Audrey Hepburn por Desayuno con Diamantes en 1961.


Esta vez tomaré mis propias palabras de la retro reseña de la película: "El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad".

2. Meryl Streep por Los puentes de Madison en 1995.


La secuencia final del melodrama filmado por el maestro Eastwood es una obra maestra en sí misma. Meryl Streep supo transmitir mejor que nadie el significado de dilema. Pablo Kurt en FilmAffinity se expresó así: "Su grandeza es que algunos la ven como una historia sobre el amor, la aventura o el adulterio, mientras otros atienden al trasfondo de la vida sacrificada, los sueños no cumplidos y el dilema del ser frente al querer ser. Algunos la ven y empatizan desde el personaje de ella, y otros reclaman atención hacia el hecho de que el verdadero drama quizá esté en él. Abierto sigue el debate. En cualquier caso nadie discute que ambos se embarcan en un viaje emocional pocas veces visto en el cine reciente. La ceguera de Hollywood la nominó a solo un Oscar -mejor actriz-. El final, siempre recordado, en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir o no la puerta a una nueva vida..."

1. Rita Hayworth por Gilda en 1946.


Para concluir era imposible olvidarse de Rita Hayworth en una película considerada una obra maestra. Extraigo un extracto de mi retro reseña sobre el filme: "Gilda dirigida en el año 1946 por el cineasta húngaro Charles Vidor es un icono en la historia de la cinematografía. Hay películas que marcan un antes y un después para algunas estrellas de cine. Y de lo que no cabe duda es que con este filme Rita Hayworth consiguió la universalidad en la memoria colectiva del espectador"

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P.D. Os animo, como en la publicación anterior, a enriquecer la entrada dejando algún comentario sobre alguna interpretación femenina que os impactara o que recordéis con cariño.

domingo, 10 de marzo de 2024

¡10 interpretaciones masculinas para el recuerdo!

Hoy vamos con un ranking que recogerá algunas de las 10 mejores interpretaciones masculinas en la historia del cine. Podrían ser 50 o 100, pero vamos a intentar hacer la publicación amena y digerible. Por supuesto, faltarán muchos intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Además, y de manera inclusiva, hoy cedemos el puesto a los caballeros y en la próxima publicación serán las damas las que protagonicen la otra parte del ranking. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación.

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10. Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (1991)

Según Miguel Vidal Martinez: "Se leyó el guión cientos de veces (literalmente) y terminó imaginándose a Hannibal Lecter como una mezcla entre la asertividad de Katharine Hepburn, la reclusión mental de Truman Capote, y la voz suave pero intrigante de la máquina HAL 9000 de la película 2001: Una Odisea en el Espacio (1968). Además, Anthony Hopkins visitó juicios por asesinatos como parte de la audiencia y a presidiarios por esos cargos para comprender psicológicamente qué lleva a un hombre a matar. El autor de la novela en la que se basa la película se inspiró en el Dr. Alfredo Balli Treviño para la creación del personaje.

9. Alfredo Landa por El crack (1981)

Incluir al fundador del Landismo no es ninguna provocación. De hecho, este papel fue fundamental para cambiar de registro y conocer a un actor portentoso y mejor persona. Javier Alpañez de El Palomitrón escribió lo siguiente: "El crack narra un caso sin resolver del detective privado Germán Areta, antiguo policía retirado interpretado por un magnánimo Alfredo Landa en un papel que acabaría convirtiendo al personaje en un icono del cine negro español. Si una parte importante de la película viene motivada por un salvaje Alfredo Landa que devora la pantalla, otra parte tiene más que ver con un Madrid asimilado a un sucio Nueva York hasta el punto de llevar los tramos finales de la película a la Gran Manzana. En Cine y críticas marcianas recogí la crítica de El crack cero.

8. Tom Hanks por Náufrago (2000)

Aunque algunos piensen que la mejor interpretación de la película sea la de la pelota Wilson, yo me quedo con el entrañable Tom Hanks. Peter Travers de Rolling Stone dijo lo siguiente: "Hanks interpreta a Chuck Noland, un genio de la eficiencia de FedEx. Cuando su avión se estrella en el Pacífico Sur, Chuck pasa los siguientes cuatro años en una isla desierta, donde la palabra prisa no se aplica. No importa que Hanks bajó cincuenta libras para hacer el papel: ¡los votantes de la Academia con frecuencia confunden los cambios de peso con la actuación! pero Náufrago crece en ti. Zemeckis esquiva los clichés de la isla. Sin tiburones, sin bebés nativos, sin cameos de Survivor de Rich o Rudy. Ni siquiera una partitura musical, el truco más perezoso de Hollywood para dirigir nuestras emociones. Solo los sonidos del agua, el viento, los insectos y Chuck hablando con una pelota de voleibol a la que llama Wilson. ¿Suena aburrido? no lo es, Hanks imparte una clase magistral de actuación al mostrar a un hombre que pierde el sentido de sí mismo en gradaciones fraccionarias.

7. Henry Fonda en Las uvas de la ira 1940.

En esta ocasión me citaré a mí mismo ya que es una película retro reseñada que marcó a generaciones: "Henry Fonda afrontó a sus 35 años el papel más importante de su carrera y seguramente el que le confirmó como un actor portentoso y de largo recorrido. Otros grandes trabajos suyos fueron en las películas Pasión de los fuertes, El día más largo o En el estanque dorado por citar solo algunos de sus éxitos más reconocidos. En la cinta reseñada hoy, su papel es convincente, serio y como la propia película está fuera de los patrones clásicos del galán al uso en el Hollywood de la época. En definitiva, un actor con mucho recorrido y con bastantes matices en su carrera".

6. James Dean en Rebelde sin causa 1955.

Un actor mítico, un icono y una pérdida muy dolorosa. Paco Casado de Cine y Max dijo lo siguiente sobre la película: "Su fuerza poética, su capacidad de tensión emocional de muchas de sus escenas, remiten a lo mejor del autor que firmó films tan emblemáticos como 'Johnny Guitar' (1954) en el género del western o 'Chicago, años 30' (1958) en el policiaco. La soltura narrativa de que hace gala el realizador es típica del mejor cine americano de la década de los años 50, considerada ya como una etapa clásica. Brilla junto a la excelente dirección de actores, un James Dean espléndido y una joven Natalie Wood en su primer papel importante". Dirigida por Nicholas Ray. 

5. Robert de Niro en Toro Salvaje 1980.

Brillante, histriónico y querido por las masas. Peter Bradshaw dijo en The Guardian: "Fue protagonizada por Robert De Niro, electrizante y terriblemente carismático en el papel del campeón de boxeo de peso mediano de la década de 1940, Jake La Motta. En el cuadrilátero, era un luchador sin gracia, fuera de él, un matón repugnante y golpeador de esposas que estaba esclavizado por la mafia. La película en realidad suprime muchos de los aspectos más desagradables de la vida de La Motta y esencialmente lo toma en su propia estimación indulgente de sí mismo, enfatizando lo que supuestamente fue su resistencia inicial y obstinada a la participación parasitaria de los gánsteres".

4. James Stewart en ¡Qué bello es vivir! 1946.

La película de las Navidades con un inolvidable actor en su punto más tierno. También reseñada junto a David Rubio escribimos lo siguiente: "La vida de George es la de un soñador ambicioso al que la realidad le pone continuamente obstáculos que le obligan a elegir entre sus deseos y lo que moralmente es correcto. Cuando ya es hombre y un memorable James Stewart toma las riendas del personaje, la primera imagen que vemos es la suya con una maleta bien grande para marchar a Europa y después a la universidad y comenzar a cumplir los grandes planes que tiene en mente. Ese primer plano inicia una larga secuencia clave en la cinta en las que se nos muestra un pueblo casi utópico, en el que los vecinos se conocen por su nombre y se ayudan unos a otros. Conocemos a su padre, dueño de una pequeña empresa de préstamos que prima la ayuda a la gente sobre el beneficio económico, a su madre, y hermano, a sus amigos. Iremos a la fiesta de Mary (Donna Reed), que desde niña a amado a George y su único sueño es formar un hogar con él. ¿La pareja perfecta en el pueblo perfecto?

3. Javier Bardem en Mar adentro 2004

Ramón Sampredo tuvo que recibir ayuda para realizar su propia eutanasia. Javier Bardem se metió de tal manera en el personaje que se llegaba a confundir a la persona real con el personaje interpretado. Carlos Boyero en El Mundo dijo lo siguiente: "Mar adentro es de las películas más estremecedoras que he visto en mucho tiempo. Amenabar también consigue que te rias en medio de la tragedia de Ramón Sampedro. Todo es magistral en una película que sale del corazón. Javier Bardem está más allá del elogio, pero Belén Rueda y los secundarios también".

2. Joaquín Phoenix en Joker en 2019


La excelencia en la interpretación es sinónimo de lo que hizo Joaquín Phoenix en Joker. Lucero Calderón en Diario Excélsior dijo lo siguiente: "Phoenix entrega una de las mejores actuaciones de su carrera (...) Con distintas lecturas sobre la corrupción, la miseria, la violencia y el bullying (...) 'Guasón' dará mucho de qué hablar y seguramente estará nominado en los Premios Oscar."

1. Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del cuco en 1975.


Mi interpretación (masculina) preferida de la historia del cine es la que realizó Jack Nicholson en esta maravilla de película. Potente, tierno, histriónico, vital o en definitiva, ¡brutal! Pablo Kurk de FilmAffinity expresó lo siguiente: "El director checo Milos Forman y un enorme Jack Nicholson abordan la locura como concepto, la dignidad del individuo como ventana de escape en la enfermedad mental y -ya de paso- el sistema psiquiátrico norteamericano como denuncia en uno de los títulos míticos de los años setenta. Multipremiada -todavía es hoy junto a "El silencio de los corderos" (The Silence of the Lambs, 1991) y "Sucedió una noche" (It Happened One Night, 1934) una de las 3 únicas películas ganadoras de los 5 Oscars principales-, obtuvo además un enorme éxito de público. Como curiosidad, estuvo producida por un joven -tenía 29 años- Michael Douglas. Una obra formidable en la que destaca la interpretación de Nicholson, que borda un papel hoy ya inimaginable con otro actor".

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P.D. Os animo a enriquecer esta publicación dejando algún comentario sobre alguna interpretación masculina que os impactara o que recordéis con cariño. El próximo viernes publicaré la segunda parte de esta entrada con las interpretaciones femeninas. Os espero. 

lunes, 4 de marzo de 2024

Dream Scenario: original, potente e implosiva obra con el mejor Nicolas Cage

Dream Scenario dirigida por Kristoffer Borgli se ha estrenado en cines españoles el día 1 de marzo de 2024. La cinta cuenta con la presencia de Nicolas Cage, en uno de los papeles más sorprendentes de su carrera, por el que fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical.

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La historia: El desventurado padre de familia Paul Matthews (Nicolas Cage) verá cómo su vida simple y aburrida como profesor da un vuelco repentino cuando millones de extraños empiezan a verle en sus sueños. Pero sus apariciones nocturnas tomarán un cariz de pesadilla, por lo que Paul se verá obligado a lidiar su inesperado estrellato.

La crítica: Todo el mundo conoce a Nicolas Cage como actor, director y productor y que su notable versatilidad le ha llevado a cosechar grandes éxitos en todos los géneros durante más de cuatro décadas. Pero el momento que vive como actor ahora en su madurez es el mejor de su carrera aunque viva alejado de sus mayores éxitos.

En El insoportable peso de un talento descomunal ya le veíamos muy cómodo en estos nuevos roles y ahora en Dream Scenario confirma ese momento tan dulce como intérprete. Y lo hace, además, en una película original, potente aunque implosiva en su tercer acto. 

La premisa de salida es muy divertida ya que nos encontramos ante un personaje central que empieza siendo discreto e inofensivo sin saber porque se aparece en los sueños de sus estudiantes y de otras personas desconocidas. Además en esos sueños no hace nada. Se limita a observar pase lo que pase a los soñadores lo cual provoca una reacción cómica en el resto de personajes y en el espectador. Pero todo se vuelve más ambiguo a medida que avanza la historia y se desquicia antes del tercer acto. Su aparente vida feliz se va transformando en un caos según aumenta su fama. La mayor pega es que el cineasta se toma en serio a sí mismo y lo que era una ágil comedia implosiona en la parte final hacia un drama social, que aunque válido, se siente fuera de lugar. 

Una vida en apariencia de ensueños terminará convirtiéndose en una pesadilla a través de un inteligente guion que desgrana temas como la fama, la presión social, el anhelo y la obsesión por las redes sociales. 

En las interpretaciones, además de un enorme Cage, hallamos en un pequeño y gracioso papel a Michael Cera cuyo personaje trata de seducir al atribulado profesor para que aproveche la fama y anuncie una marca de refrescos cuando éste lo único que quiere es publicar un libro. En el papel de sufrida esposa aparece una anodina Julianne Nicholson

A pesar de contener elementos de cine fantástico la película es bastante plana en la técnica de rodaje por lo que solo sería destacable el maquillaje y la caracterización del protagonista. Un metraje demasiado ajustado en esta ocasión no permite desarrollar el tercio final que no obstante se pierde en una justa crítica a la cultura de la cancelación. Esto parece metido con calzador en lo que hasta ese momento era una comedia bastante gamberra y con secuencias realmente efectivas. 

Dream Scenario me ha parecido una de las películas más originales y divertidas de los últimos tiempos a pesar de ponerse demasiado seria en su desenlace. En la historia, Borgli encuentra el equilibrio entre la comedia y el género fantástico satirizando el ascenso y la caída de una persona común. Asimismo se muestran las luces y sombras de su trayectoria. Con un Nicolas Cage brillante y un libreto muy bien pensado, nos hallamos ante un descubrimiento que nos permite ver que no todo estaba inventado en el cine y eso es una gran noticia. 

Nota: 7'5/10. 


Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Comedia fantástica

Director: Kristoffer Borgli

Guion: Kristoffer Borgli

Fotografía: Benjamin Loeb

Música: Owen Pallett

Duración: 100 minutos

Reparto: Nicolas Cage, 
Julianne Nicholson, Michael Cera, 
Dylan Baker, Kate Berlant,
Dylan Gelula, Tim Meadows

martes, 27 de febrero de 2024

Tótem: Lila Avilés vuelve a seducir


Tótem dirigida por Lila Avilés se estrena en cines españoles el próximo día 1 de marzo de 2024. La cinta fue seleccionada en la shortlist de los Premios Oscar a Mejor Película Internacional en representación de México y también ha sido reconocida en varios festivales de cine, como la Berlinale o el Festival de San Sebastián. 

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La historia: Sol, una niña de siete años, se encuentra en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. A medida que avanza el día, un ambiente extraño y caótico se apodera lentamente de la situación, fracturando los cimientos que mantienen unida a la familia. Sol llegará a comprender que su mundo está a punto de experimentar un gran cambio por los avatares de la vida. 


La crítica: Aunque Tótem no es una película para todo el mundo por su carácter intimista e independiente, si aborda un tema tan universal como lo es la familia como pilar central para afrontar alegrías, penas y apoyos tanto afectivos como económicos. Así es como la cineasta mexicana Lila Avilés vuelve a seducir como ya lo hacía en la hipnótica La camarista.

Tótem está narrada a través de los ojos de una niña a lo largo de una jornada. Es la del cumpleaños de su padre que padece una grave enfermedad y se encuentra recluido en una habitación intentando tomar aliento para la celebración de quizás el que sea su último aniversario. Un hombre joven al que le van a demostrar lo querido que es desde el humor y la esperanza. Avilés logra narrar la jornada con continuidad y en una especie de tiempo real logrando de manera natural dejar el metraje en 90 minutos. La cámara fluye, danza o se esconde por la casona familiar dando a conocer a los personajes: Sol, sus padres, sus primos, su abuelo, sus tías y otros pobladores de la morada que poco a poco se va llenando. 

Otra dualidad que expresa Avilés gira en torno al tiempo y a la duración. El tiempo medido y nuestra percepción de su paso son muy diferentes, aunque ambos describan una secuencia idéntica de acontecimientos. Todos hemos vivido días que parecen meses y días que pasan en segundos. Nuestra experiencia del tiempo suele estar determinada por los espacios que habitamos mientras transcurre. Dado que conforman nuestro sentido del tiempo, los lugares que habitamos no son externos a nosotros. Al contrario, debemos encontrar esos lugares también dentro de nosotros, con todas nuestras imperfecciones. Y eso de manera independiente  a nuestro género, religión, país, estatus, idiosincrasia. Encontrar esta verdadera morada es un proceso de sustracción, una reducción y concentración en lo esencial. Como dice Tolstoi: “La verdad, como el oro, se obtiene no por su crecimiento, sino lavando de ella todo lo que no es oro”.


A través de Sol, se construye un retrato íntimo sobre una familia visto a través de los ojos de esa niña interpretada de manera muy especial por Naíma Sentíes. Completan el reparto coral las actrices Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Saori Gurza, Teresita Sánchez y el actor Mateo García Elizondo en los distintos roles familiares. 

En la parte técnica destaca una sola localización -una casa con jardín- en la que apreciamos una comunión entre personas y naturaleza. Las plantas entran y salen de la casa a modo de enredadera al igual que lo hace la luz. Por supuesto, la película tiene sombras, igual que un cuadro. Para entender la luz, hay que entender la sombra. A veces, son las sombras las que hacen la vida más difícil, pero también más interesante. Otra particularidad del rodaje es el retrato a las familias en América Latina, que son muy extensas. Siempre hay primos y tíos, animales, como una fiesta. Observamos cómo hablan y se relacionan en una familia, con su jerga y códigos incluso en la misma lengua.

Tótem me ha parecido de manera principal un filme muy auténtico. Lila Avilés sigue retratando la vida cotidiana desde un punto de vista muy íntimo basado en el naturalismo. Películas que son como microcosmos buscando la esencia de las cosas como las matrioskas, las pirámides, las cosas que contienen otras cosas. El tema central es el concepto de hogar y como la familia se convierte en bastión en las venidas o en las despedidas. En definitiva, nos hallamos ante un filme que trata de convertir lo cotidiano en algo extraordinario. 

Nota: 7/10.



Nacionalidad: México

Género: Drama, Familia 

Dirección: Lila Avilés

Guion: Lila Avilés

Fotografía: Diego Tenorio

Música: Thomas Becka

Duración: 92 minutos

Reparto: Naíma Sentíes,
Montserrat Marañon, Marisol Gasé, 
Teresa Sánchez, Iazua Larios, 
Mateo García, Saori Gurza