Estación Rocafort: ¿Estación maldita, mito o leyenda urbana?

¡Bienvenidos a la temporada 2024-2025 de Cine y críticas marcianas! En ella seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y comenzamos.

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Estación Rocafort dirigida por Luis Prieto se estrena en cines españoles el próximo día 6 de septiembre de 2024. Protagonizada por Natalia Azahara junto a Javier Gutiérrez y Valèria Sorolla, la película nos sumerge en las entrañas del metro de Barcelona adentrándonos en el corazón de las inquietantes leyendas urbanas que rodean la estación de Rocafort. 

La historia: Un misterio que durante años ha sacudido a la estación de Metro de Rocafort en Barcelona entra de lleno en la vida de Laura (Natalia Azahara) cuando empieza a trabajar en esta vieja y tranquila parada. No tardará en descubrir una leyenda que la empezará a perseguir: allí ha muerto mucha gente en extrañas circunstancias. Laura, decidida a descubrir la verdad, pedirá ayuda a Román (Javier Gutiérrez), un curtido ex policía que alberga sus propios demonios relacionados con el caso. Lo que sea que ocurre en la estación maldita sigue sucediendo a día de hoy. Irá a por ella, y a por todos los que la rodean.

La crítica: Hace 100 años exactos, y esto no sale en la cinta, se construía el Metro de Barcelona. De manera funesta y muy cerca de la que sería la Estación Rocafort se produjo un derrumbe en el que murieron una decena de obreros. Las cosas no empezaban bien. De manera posterior ya en los años setenta la estación fue conocida por una oleada de suicidios con efecto contagio. En las últimas décadas el lugar ha supuesto todo un nido para las leyendas urbanas que han acabado por forjar una película que mantiene el suspense durante sus bien pensados 90 minutos. El mayor problema del filme es que está hilado -mas bien partido- sobre una interesante trama de cine negro que queda en segundo plano para dar centrase en el cine de terror con una sobredosis de fantasmas con perro poseído incluido. En fin, tras 100 años la Estación de Metro de Rocafort sigue con problemas, pero ya tiene película. 

Iván Ledesma, guionista de la película, se documenta bien a través de diferentes trabajadores del Metro, tanto antiguos como nuevos, y ellos, le abrieron las puertas de los lugares que normalmente están vetados a los viajeros comunes. Allí descubrió un sinfín de historias increíbles: sitios escondidos dentro del metro, almacenes llenos de historia de la ciudad, estaciones nunca acabadas con leyendas propias, vías muertas, relatos de fantasmas, viajeros que salen en las pantallas de seguridad pero no están allí, puntos negros de la red donde los suicidios son frecuentes y que se ocultan o no se tratan de publicitar para evitar el "efecto llamada". Ocurre en muchas vías ferroviarias de Cercanías o en otras ciudades como París o Madrid donde se han planteado vallados transparentes para evitar accidentes o suicidios. Esta parte, bienintencionada o sugerente, se lleva al maximalismo por parte del cineasta y lo que podría ser una buena historia de suspense se va deshilvanando en una trama en la que hay más fantasmas metropolitanos que turistas en Benidorm. Laura, la joven que entra a trabajar como novata a Rocafort, se puede ir preparando -también el espectador- para fantasmas de todo rango -no podía faltar el perro- e incluso tendrá tiempo para ser poseída aunque dejaremos este verbo para la imaginación morbosa del espectador. 

Estación Rocafort, sin embargo, contiene otra parte más interesante narrada a través del cine negro sobre un crimen (ficticio) ocurrido en la parada en 1999. 25 años después el ex inspector de policía, Román, sigue frustrado y dando vueltas a lo ocurrido aquella noche. Se ha vuelto un ser taciturno, bebedor y descreído hasta que llega Laura para pedirle ayuda sobre las visiones y pesadillas que está comenzando a tener en su nuevo trabajo. Él escribió un libro sobre un asesino de una linea de Metro y tras pensarlo decide ayudar a la muchacha y con ello ayudarse a sí mismo sobre el caso que le hizo ser expulsado del cuerpo de policía. El problema del filme surge cuando se intentan fusionar ambas líneas narrativas y se opta por dar todo el peso a la línea paranormal en la que el espectador ya no sabe quien es fantasma, quien perro, quien taquillera de Metro o porque Laura no se va a trabajar a una floristería adonde la vida le parecería mucho más linda, colorida y con buena fragancia. 

La joven actriz Natalia Azahara realiza un trabajo muy sólido interpretando a Laura. Un personaje que representa a una nueva generación con trabajos precarios, soledad sentimental y sobre todo con una enorme dificultad para encontrar una vivienda digna. Ya decíamos que el mejor personaje del filme era Román interpretado por un gran Javier Gutiérrez: ex policía, alcohólico, turbio, incorrecto, pero sabedor del caso Rocafort y de las vertientes que se abren a su paso. Laura tiene una compi-amiga con más peligro que Rambo en Ucrania. Interpretada de manera muy pícara por la nominada al Goya, Valeria Sorolla, veremos que es un personaje con sorpresa incluida. Por último, destacar al gran Celso Bugallo que interpreta al hombre que estuvo implicado en el crimen de 1999 y que permanece ingresado en un psiquiátrico y que tendrá la clave de la estación maldita. 

En la parte técnica tenemos un problema. Un problemón diría yo. La iluminación diurna ya es deficiente, así que imaginaros como será la nocturna en el Metro de Barcelona. Al menos durante 20 minutos de la película se vera una pantalla negra con personajes hablando o matando sin que se vean más que sombras. El filme, por tanto, es oscuro hasta decir basta. Este falso truco no cuela ya. No se crea misterio por iluminar mal la noche. Se crea cabreo. Se puede grabar de noche, grabar en el Metro e incluso grabar en el mismo infierno con una iluminación correcta e incluso vistosa como ha quedado demostrado en decenas de películas desde el cine clásico hasta nuestros días. En la parte buena destaca la música de Nami Melumad que sabe mantener el suspense hasta el final. 

Estación Rocafort me ha parecido un filme fallido aún partiendo de un buen planteamiento. La historia es intensa y el metraje de 90 minutos es muy sabio ya que mantiene el suspense hasta el final. Un final por cierto que se pierde buscando el origen del Mal. Este toma forma de demonio pre-colombino venido desde México, se apoya en la mitología de los perros cancerberos y como no podía ser de otra manera se asienta sobre las personas poseídas. Gente con ganas de dar la monserga a otras personas que bastante tienen ya con su vida normal de ir a Mercadona, pasear al perro a las siete de la mañana o irse una semana en agosto a la playa con suegra, niño, nieta, amigo del niño, mujer o marido, perro, gato, sombrilla y crema para el sol. Con lo bien que se está en casa. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España

Género: Suspense - Terror

Dirección: Luis Prieto

Guion: Iván Ledesma

Música: Nami Melumad

Fotografía: Marc Miró

Duración: 90 minutos

Reparto: 

Laura: Natalia Azahara

Román: Javier Gutiérrez

Cris: Valèria Sorolla

Andrés: Xavi Sáez

Albert: Francesc Albiol

Toni: Aimar Vega

Luis: Tatín Revenga

Elías: Celso Bugallo

La distancia: la cápsula de cine de Macaco y Rozalen

La distancia dirigido por Macaco y Bernat Saumell es un cortometraje inspirado en decenas de películas románticas que finalmente desembocó en un videoclip musical interpretado por el propio Macaco y por la artista española Rozalen.

 Con esta publicación me despido hasta el mes de septiembre para seguir dando rienda suelta a las críticas marcianas. ¡Feliz mes de agosto!

❤️❤️❤️❤️❤️

Hoy, en Curiosidades de cine, he querido rescatar un videoclip musical en forma de cortometraje para poner en valor estas pequeñas muestras audiovisuales. A veces, las mismas, llevan más cine dentro que muchos de los estrenos que llegan a las salas.

Los actores Jon Arias y Alba Ribas son los protagonistas. Hablamos de una pareja que mantiene una relación a distancia y que utilizan las nuevas tecnologías para reducir esa distancia de alguna manera. 

La balada, según la especialista musical Sandra Pérez: "Cuenta con unos acordes que la asimilan a un bolero antiguo, a otra época; además de una sensación de melancolía, muy favorecida por las cuerdas y el piano. Ambos artistas grabaron esta versión en acústico, con final en la que suenan solo dos voces desnudas, casi susurradas y sin instrumental".

Sin extenderme más, dejemos que hoy las imágenes, la letra de la canción, y la música sean las protagonistas. 

A menos de un centímetro

A casi un milímetro

Extraña distancia

Que no logro reducir

Tan cerca de tus labios

Lejano espacio

Que no puedo conquistar

Por mucho que me acerco a ti

A diez metros te intuí

A cinco, te vi sonreír

A un metro hablamos

A veinte centímetros me enamoré de ti

Distancia absurda

Fue más fácil llegar a la luna

Dos cuerpos paralizados

Dos labios que no se llegan a unir

Me acerco, me acerco y no puedo llegar a ti

Tan lejos, tan cerca, una distancia que no logro reducir

Me acerco, me acerco y no puedo llegar a ti

Tan lejos, tan cerca, dos labios que no se llegan a unir

Me acerco, me acerco, me acerco

Sentí tu respiración

Se acelera el corazón

Mi piel pertenece a la tuya

Porque tú la erizas, mi amor

Los ojos no pestañean

El tiempo no se balancea

Hierve la sangre, un susurro en la oreja

A medio milímetro de tu amor

En un tiempo récord

Me planté en tu mundo

Pero por mucho que lo intento, me quedo mudo

No logro cruzar ese muro

Espacio incierto

Donde no sopla el viento

Soy un número entero

No logro llegar a ti al punto cero

Me acerco, me acerco y no puedo llegar a ti

Tan lejos, tan cerca, una distancia que no logro reducir

Me acerco, me acerco y no puedo llegar a ti

Tan lejos, tan cerca, dos labios que no se llegan a unir

Me acerco, me acerco, me acerco 

Recorreré tu cuerpo 

Te amaré desde lejos

Distancia negativa 

Sería positiva si estuvieras junto a mí

Sentí a kilómetros 

Que te quería a centímetros de mí

Sentí a kilómetros 

Que te quería a centímetros de mí

Me acerco, me acerco, me acerco

¡Hasta septiembre!

Nuestro momento perfecto: oda al romance clásico

Nuestro momento perfecto dirigida por Aylin Tezel se ha estrenado en cines españoles el día 17 de julio de 2024. La cinta ha obtenido el prestigioso premio Fipresci en el Tallinn Black Nights Film Festival.

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La historia: Kira e Ian, dejando ambos atrás sus vidas y sus problemas, se encuentran durante un fin de semana de invierno en la isla escocesa de Skye. Su conexión es instantánea y profunda. De regreso a Londres, cada uno intenta seguir con su vida, pero deberán enfrentarse a su pasado antes de volver a encontrarse.

La crítica: La directora Aylin Tezel afronta con soltura su ópera prima detrás de la cámara, y no sólo dirige, sino que también da vida con gran intensidad al personaje femenino protagonista. El propio relato es una declaración de amor al romance clásico que nace de un encuentro inesperado y alejado de las nuevas tecnologías. 

Nuestro momento perfecto busca realizar un homenaje hacia el amor universal aunque también muestra como pueden ser de liquidas las relaciones amorosas en pleno siglo XXI. La cineasta nos habla un poco de todo en este sentido y se pregunta dos cuestiones básicas: ¿Cómo utilizamos el tiempo que nos es dado? ¿Y cómo incide la forma en que nos enseñan a amar en nuestro paso por el mundo?

La cinta tiene un inicio potente cuando Kira e Ian se conocen por pura casualidad. Hay vitalidad, alegría y sueños. De igual manera y cerrando el círculo de manera virtuosa hallamos un final muy bien elaborado. El principal problema del filme es lo que se narra -y es casi todo el metraje- entre estos dos momentos señalados. Si bien es cierto que conocemos a los dos protagonistas, sus otras relaciones y sus traumas, el relato se hace sombrío y elitista con gente que parece fuera de la sociedad actual. 

Kira e Ian son el núcleo y el corazón de esta película. Sus historias son personales e individuales, pero las cuestiones sobre la vida y el amor que presenta esta película son universales. Todos conocemos el deseo o la nostalgia de un amor o de un hogar, el dolor de la pérdida y el miedo de lidiar con traumas de nuestra niñez o adolescencia; el poder liberarnos de los fantasmas de nuestro pasado.

Las interpretaciones de Aylin Tezel y Chris Fulton son buenas destilando buena química en pantalla. Sus personajes están perdidos en esa frontera entre los 30 y los 40 años en los que aún no han encontrado ni el amor, ni su trabajo deseado e incluso sus relaciones familiares se encuentran nubladas por su propio ego. Poco a poco evolucionan como individuos y comenzarán a valorar a sus propias familias, a ellos mismos e incluso a las otras parejas que pasaron por sus vidas. 

Otros dos personajes principales de la historia son la isla escocesa de Skye y la metrópolis de Londres, dos lugares que reflejan el deseo sereno y la disrupción ruidosa de Kira e Ian. La gente de la isla de Skye tiene su propia forma de vida, su ritmo propio. Los padres de Ian viven su aislamiento y reaccionan a los traumas familiares sin palabras; su casa es silenciosa. La naturaleza, por su parte, es poderosa y omnipresente. Londres presenta un contraste fuerte: una capital pulsante dividida política, cultural y espiritualmente. Es rápida, jadeante, desenfrenada, y donde es fácil perderse en esa corriente anónima. Kira e Ian tratan de encontrar un hogar en esa ciudad que no tiene nada que ver con sus raíces. Londres les rechazará a ellos y a sus sueños al inicio, y sin embargo seguirá siendo el lugar que les da esperanza de encontrarse cuando más perdidos están. Los colores y la música son también importantes en esta película, ya que crean el lenguaje con el cual los protagonistas se expresan.

Nuestro momento perfecto es una cinta que trata de hacer una reflexión general de cómo son las relaciones amorosas en la actualidad. Se percibe una fuerte crítica al daño en la autoestima que se producen en las aplicaciones de citas y en la selva de las redes sociales. Por tanto hablamos de una oda al romance clásico, pero adaptándolo a los usos sociales de nuestro tiempo. La maternidad, base de la vida, apenas es mencionada e incluso se ve como una rara ávis entre quienes optan por ser padres. La cineasta ha querido mostrar como son las primeras 24 horas que pasan juntos Kira e Ian y su intensidad. No solo porque están compartiendo uno de los momentos más vulnerables de la vida de Ian, sino también porque su relación pasa de un coqueteo pasajero a una conexión real en el espacio de una noche. A medida que les seguimos en sus vidas diarias individuales, después del día que se conocieron vemos cómo tras volver a sus vidas se echan de menos. En definitiva, tengo la sensación de que la película se ha planteado con un comienzo trepidante y con un final bien trenzado, pero con la pega de que la parte central del relato se hace demasiado parsimonioso. Es por ello que el grueso de la narrativa resulta grisácea y repetitiva lo que no menoscaba la buena conclusión que une al amor con la libertad. Algo que el ser humano más posesivo no parece acabar de comprender. 

 Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Alemania, Reino Unido 

Título Original: Falling Into Place

Género: Drama romántico

Dirección: Aylin Tezel

Guion: Aylin Tezel

Música: Jon Hopkins

Fotografía: Julian Krubasik

Duración: 113 minutos

Reparto: Aylin Tezel, Chris Fulton,

Rory Fleck-Byrne, Alexandra Dowling

Fly me to the Moon: distendida versión del viaje a la Luna

 Fly me to the Moon dirigida por Greg Berlanti se ha estrenado en cines el día 12 de julio de 2024. Protagonizada por Scarlett Johansson y Channing Tatum, la cinta es una comedia dramática ambientada en el histórico alunizaje del Apolo 11. 

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La historia: Llamados para mejorar la imagen pública de la NASA, las chispas vuelan en todas las direcciones cuando la prodigio del marketing Kelly Jones (Johansson) causa estragos en la ya difícil tarea del director del lanzamiento Cole Davis (Tatum). Cuando la Casa Blanca considera que la misión es demasiado importante para fracasar, Jones recibe la orden de simular un alunizaje falso como respaldo, comenzando la verdadera cuenta atrás...(Sony Pictures).

La crítica: Si en Figuras ocultas se abordaba el trabajo de la mujer en la carrera espacial y en Space Cowboys se fantaseaba con un viaje de unos veteranos a la Luna -también sonaba en su magistral final el Fly me to the Moon en la voz de Sinatra-, en la película hoy reseñada el guion se centra en realizar una ficción histórica que juega con gracia con una de las versiones conspiranoicas. Se trataba de crear un plan B televisivo para que en caso de fracaso de la misión, se emitieran imágenes pregrabadas en un plató con los astronautas pisando el satélite. 

La NASA se estaba preparando para llevar a cabo el sueño del difunto presidente Kennedy, llegar a la Luna, y la responsabilidad recae sobre Moe Burkus, un "fontanero" del Gobierno que piensa que los ciudadanos necesitan una nueva visión del programa espacial. Y es entonces cuando consigue llevar a Kelly hasta Florida para venderles a todos la misión a la Luna. Aquí nos encontramos con la parte más potente del filme. Se da un recital de lo que es el marketing masivo e incluso una clase maestra de esta especialidad en los primeros 30 minutos de metraje. 

Fly me to the Moon ha tenido el privilegio de recibir el apoyo de la NASA, quien les ha puesto en contacto con varios técnicos que estuvieron en activo durante los lanzamientos de los Apolo. Sería normal pensar lo difícil que sería obtener la cooperación de la agencia espacial en una película que muestra a un personaje oscuro del gobierno de Estados Unidos cuyas órdenes son rodar un alunizaje ficticio. Hay gente que todavía cree en esa teoría de la conspiración, aun teniendo una sobrecogedora cantidad de pruebas que demuestran que el ser humano sí llegó a la Luna. Y ahí está la gracia y la paradoja del filme: va a aumentar las teorías de la conspiración, pero a su vez con Scarlett Johansson como protagonista y productora -y casi directora- la NASA recibirá publicidad gratuita y se recobrará el interés por el espacio con Marte en la brújula. 

Como decía antes, Scarlett se ha buscado un papel que le viene como anillo al dedo y nos deja una gran interpretación como es habitual. Su personaje es brutal: Kelly es una vendedora cínica, una experta en marketing y publicidad de Manhattan. Ella entra como un huracán en las instalaciones de la NASA y convence a senadores, técnicos y marcas publicitarias para seguir invirtiendo en la conquista lunar. Como director del lanzamiento está Channing Tatum que hace todo lo posible por cargarse la película con su pésima interpretación. Inexplicable elección del protagonista. Creo que Joe Biden lo hubiera hecho mejor. Sin embargo, Woody Harrelson nos congracia con el arte de la interpretación con ese personaje salido de las cloacas y que cuando comparte pantalla con Johansson es un verdadero goce.

Uno de los mayores retos técnicos del filme ha sido la recreación de la sala de control, el espacio donde los ingenieros de Cape Kennedy orquestaron el lanzamiento del Apolo 11. Se han usado decorados enormes para que los espectadores sientan la magnitud de la narración, desde la sala donde lanzan los cohetes hasta la mismísima superficie de la Luna. Otra característica a destacar es el vestuario típico de aquella época. Johansson con su increíble estilo años 60, Tatum con los suéteres mod y Harrelson con los típicos trajes del personaje siniestro al que interpreta. Respecto a la música tenemos jazz, música clásica de orquesta, música típica americana y todos esos sintetizadores de cuando llegamos a la Luna. 

Fly me to the Moon es una cinta distendida, amena y evasiva que trata de emular a las ingeniosas comedias de Katherine Hepburn y Spencer Tracy, pero con el enorme hándicap de contar como protagonista con Channing Tatum. En cualquier caso hablamos de un filme con un diseño estético muy notable y que cuenta con un ritmo narrativo más que aceptable. La Luna es mística y mágica. Ha sido la mayor fuente de luz que ha tenido la humanidad de noche durante miles de años, en esas horas donde se da rienda suelta a la pasión. En definitiva, hablamos de una película que recrea de manera cómica uno de los mayores logros de la humanidad y que de paso da una lección de como a través del marketing se puede engañar o seducir a millones de personas. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Comedia romántica 

Dirección: Greg Berlanti

Guion: Rose Gilroy

Fotografía: Dariusz Wolski

Música: Daniel Pemberton

Duración: 130 minutos

Reparto: Scarlett Johansson,

Channing Tatum Jim Rash,

Ray Romano, Colin Woodell, 

Anna Garcia, Woody Harrelson

Películas curiosas: "Impacto" de Arthur Lubin

Impacto dirigida por Arthur Lubin es una película clásica estrenada en el año 1949 y enmarcada en el ámbito del cine negro americano. La cinta podría haber sido publicada en la sección de ¡Qué maravilloso es el cine!, pero guarda entre sus entrañas una curiosidad o peculiaridad que la inscribe en mi serie de películas curiosas de la historia del cine.

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Walter (Brian Donlevy) es un exitoso empresario que vive en un idilio permanente junto a su joven esposa Irene (Helen Walker). Pero como dice el refrán: "No es oro todo lo que reluce". El industrial desconoce que su mujer tiene un amante y que juntos han ideado un siniestro plan para matarle. Al ser consciente de estos hechos tras un incidente, decide esconderse un tiempo en un alejado pueblo. Allí, prepara la venganza a la vez que asume el duelo por el engaño al que ha sido sometido. En el pequeño municipio al que ha ido a parar, conoce a una joven llamada Marsha (Ella Raines). Ésta, le ayudará a recomponer su vida y a preparar su vuelta a la ciudad en la que volverá a encontrase con su todavía esposa. 

Impacto es una de esas películas que podría ser mencionada como ejemplo de tener un buen argumento. Es decir, un buen guion. Pero como decía en la presentación, la película es bastante curiosa porque fue una de las primeras que incluyó sin tapujos la publicidad encubierta en el cine. La Coca-Cola sale dos veces mencionada y la imagen de la marca se ve reflejada con claridad en dos escenas.

Otras marcas comerciales que se ven en pantalla son las furgonetas Bekins, gasolina, aceite y neumáticos Mobil, la cerveza Pabst Ribbon, los relojes Gruen y las joyas de Magnin & Co. Estas son presentadas en las escenas iniciales y están perfectamente integradas en la trama. A lo largo de la cinta, la esposa de Walter sigue usando varias joyas de Laykin et Cie.

Otra curiosidad de la cinta es que aparece en el cine una de las primeras mujeres que se dedicaban a la mecánica de coches en un taller. De hecho, en la actualidad sigue siendo una rareza que una mujer trabaje de mecánico. Suelen estar, si están, en la recepción de los talleres. Esto no pretende ser ni un alegato, ni una defensa, ni un ataque. Es una realidad sin más que añadir por mi parte.

Respecto a la propia temática de la película y debido a sus características voy a contar muy poco. Hablamos de un cine de intriga y suspense que debe ser disfrutado en su totalidad para quien aún no haya visto la producción. Los narrativa se circunscribe al clásico cine negro con continuos giros de guión de principio a fin de la propuesta.

El reparto está alejado del glamour de las estrellas de cine de Hollywood. Casi podríamos hablar de cine B por su presupuesto. Brian Donlevy interpreta de manera potente al empresario engañado. Su personaje representa la frustración, el dolor y el duelo por haber perdido el amor de la mujer a la que tanto amó.

Por su parte, Helen Walker no acaba de convencer en su interpretación como villana mayor del reino. Su personaje es la crueldad personificada. Es manipuladora, fría y calculadora. Por el contrario, el personaje de Marsha es su perfecta antítesis. La joven que cura las heridas del industrial engañado es todo bondad. Se encarga de este papel la bella actriz americana Ella Raines que impresiona por sus enormes ojos azules que resaltan incluso en el blanco y negro de la filmación.

En conclusión, Impacto es una pequeña joya del cine clásico que aporta numerosas curiosidades para la historia de la cinematografía. Una película que también nos invita a investigar en el comportamiento del alma humana o sencillamente un filme que sirve para hacernos disfrutar del maravilloso mundo del cine.

Título original: Impact

Duración: 111 minutos

Género: Cine negro, Drama

País: Estados Unidos

Dirección: Arthur Lubin

Guion: Dorothy Davenport, Jay Dratler
(Historia: Jay Dratler)

Música: Michel Michelet

Fotografía: Ernest Laszlo

Reparto: Brian Donlevy, Ella Raines,
Charles Coburn, Helen Walker,
Anna May Wong, Robert Warwick,
Clarence Kolb, Art Baker

En tierra de santos y pecadores: directa, sencilla y funcional

En tierra de santos y pecadores dirigida por Robert Lorenz se estrena en cines españoles el día 3 de julio de 2024. El filme irlandés participó en la Sección Orizzonti Extra de la 80ª edición del Festival de Cine de Venecia. 

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La historia: Irlanda, años 70. Deseoso de dejar su oscuro pasado atrás, Finbar Murphy (Liam Neeson) lleva una vida tranquila en el pequeño pueblo costero de Glen Colm Cille, lejos de la violencia política que asola el resto del país. Cuando llega al pueblo un peligroso grupo de terroristas liderado por la despiadada Doireann (Kerry Condon), Finbar se verá inmerso en un peligroso juego que le obligará a elegir entre mantener su identidad secreta o defender a sus vecinos y amigos (Vértice Cine). 

La crítica: Relativa y grata sorpresa la que nos depara un filme destinado a ver en salas de cine por su formato con grandes panorámicas. O sea, hablamos de la antítesis de lo que son los telefilmes. Ya en la presentación observamos esa grandeza que también ofrece un relato de hechos bien construido. Veremos un atentado del IRA con coche bomba que luego imitaría ETA en España en los llamados "años de plomo". 

En tierra de santos y pecadores es una clásica cinta de acción, pero su narrativa contiene algunos de los elementos narrativos del western. También nos ofrece una mirada sobre el IRA y sobre Irlanda. La banda se formó en 1913 como los Voluntarios Irlandeses, en una época en la que toda Irlanda formaba parte del Reino Unido. Los Voluntarios participaron en el Alzamiento de Pascua contra el dominio británico en 1916 y en la Guerra de Independencia que siguió a la Declaración de Independencia del Parlamento revolucionario Dáil Éireann en 1919, durante la cual el grupo pasó a ser conocido como el IRA.

El cineasta ha optado por narrar una historia original, ambientada en una época y un lugar especiales, con un reparto de personajes muy peculiares. La película cuenta la historia de un irlandés que debe elegir entre mantener en secreto su vergonzoso pasado de sicario o revelarlo todo para proteger a sus amigos y vecinos de los terroristas que han invadido su tranquilo pueblo costero. Se ha propuesto hacer una película auténtica y lo ha conseguido. Desde la textura de los trajes de época hasta los paisajes agrestes como telón de fondo, pasando por el reparto irlandés con sus peculiares acentos, el objetivo es transportar al público a este mundo único en esa Irlanda que ya veíamos en Almas en pena de Inisherin.

Liam Neeson vuelve a hacer de Liam Neeson, pero con un traslado hacia los años setenta del siglo pasado. Su personaje es similar al ya visto en muchas ocasiones: pistolero, asesino, vengativo, justiciero y en busca de redención una vez que se ha cargado a medio planeta. En cualquier caso hace un buen papel con un filme de profundas raíces irlandesas. Aparte de dos "compañeros de trabajo", sólo mantiene una relación muy estrecha con su anciana vecina, Rita, y con Vincent, el policía local, ninguno de los cuales conoce su verdadero ser. Luego está Kerry Condon como jefa del comando terrorista del IRA que se refugia en una casa alejada del pueblo. Por una disputa personal con el personaje de Neeson comienzan una persecución a modo de perro y el gato en el que solo uno sobrevivirá.

La banda sonora juega con los códigos típicos de un western, mezclados con instrumentos tradicionales irlandeses y combinados con una orquesta sinfónica y un coro para darle ese aire misterioso de los años setenta. Para las imágenes pausadas y poéticas, la película necesitaba temas hermosos que varían y se establecen a lo largo de la película. La música prepara al público para un gran enfrentamiento. Las grandes panorámicas completan lo mejor de la cinta en los aspectos técnicos. 

En tierra de santos y pecadores es directa, sencilla y funcional. Da al público lo que busca en este tipo de cine y lo hace de manera notable. El guion está bien estructurado y las interpretaciones son buenas. En el debe, cabría decir que no se profundiza demasiado en el conflictivo pasado político de Irlanda. En definitiva hablamos de un filme que pivota sobre el género acción, el western y el thriller con un resultado más que positivo.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Irlanda

Título original: In the Land of Saints and Sinners

Género: Acción, Thriller

Dirección: Robert Lorenz

Guion: Terry Loane, Mark Michael McNally

Música: Diego Baldenweg

Fotografía: Tom Stern

Duración: 105 minutos

Reparto: Liam Neeson, Ciarán Hinds, 

Colm Meaney, Kerry Condon, 

Jack Gleeson, Desmond Eastwood.

Shayda: Sólido y universal retrato de la violencia machista

Shayda dirigida por Noora Niasari se estrena en cines españoles el próximo día 28 de junio. La ópera prima de la cineasta iraní está basada en sus propias vivencias durante su infancia en un centro de acogida para mujeres junto a su madre. 

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La historia: Shayda, una mujer iraní que vive en Australia, encuentra refugio en un centro de acogida para mujeres maltratadas con su hija de 6 años. Tras huir de su marido y solicitar el divorcio, Shayda lucha por mantener la normalidad para Mona. La nueva situación y el régimen de visitas que la niña está obligada a cumplir con su padre, aumentan la tensión día a día, pero no merman sus ganas de iniciar una nueva vida.

La crítica: Tras reseñar El último late night y ahora Shayda compruebo la pujanza del cine australiano del que me llegaban referencias desde distintos foros centrados en las cinematografías del mundo. Hoy hablamos de un filme que ganó el Premio del público en Sundance. También fue la candidata australiana a mejor cinta internacional en los Oscar 2024, entre otros reconocimientos.

Shayda retrata de manera sólida la lacra del maltrato y las consecuencias que tiene para la vida de las mujeres que se ven obligadas a refugiarse en casas de acogida. Si los presupuestos públicos tienen algún sentido, -vaya que si lo tienen-, no encuentro mejor manera de aplicarlos que los que vayan dedicados a la atención social, jurídica o médica. 

La ópera prima de la cineasta iraní Noora Niasari se basa en su experiencia real. La cinta también retrata la diaspora de los iraníes que se mueven por el mundo en busca de las oportunidades que el régimen de su país les niega. Se refleja con acierto el tema de la inmigración y la integración de las costumbres en culturas ajenas.  

Niasari nos cuenta de manera pausada como mujeres como su madre fueron condenadas al ostracismo por reivindicar unos derechos humanos básicos. El derecho a pedir el divorcio, a tener la custodia de sus hijos, a elegir cómo vestirse, a bailar en la calle o a dejarse llevar por oportunidades en el trabajo o en el amor. Encontró esas libertades en Australia, pero la nostalgia por su patria nunca cesa: a pesar de estar a un mundo de distancia de su familia en Irán, su madre le enseñó a hablar farsi, a celebrar el Nowruz, a bailar persa, a leer poesía y, sobre todo, le enseñó la resistencia y la fuerza de las mujeres iraníes. Todo esto se refleja en la película de manera delicada, sutil, pero firme. 

Nacida en Teherán en 1981, la actriz Zar Amir Ebrahimi soporta el mayor peso del reparto con una interpretación muy firme. Su personaje, -Shayda-, está viviendo la parte más oscura de una separación que vino motivada por la violencia de su marido. Su hija, Mona, de 6 años es interpretada de manera mágica por Selina Zahednia. Un personaje bien definido que es utilizado con malas artes por su padre en la ficción al que interpreta Osamah Sami. Él es la cara del terror y de la intolerancia. 

En la técnica de rodaje destaca el enfoque hacia 1995 ya que la época y los detalles de la historia exigían autenticidad. Los suburbios de Melbourne en East Doncaster se han mantenido casi inalterados desde entonces y permiten a la producción retroceder en el tiempo a un periodo muy particular de la moda, el diseño y la tecnología. Buena parte del rodaje es en interiores donde destaca la dirección de arte que nos lleva a conocer las costumbres iraníes. Algunos toques musicales endulzan el drama. 

Shayda demuestra que el cine independiente puede ser emotivo, ameno y potente sin necesidad de contar con los presupuestos de los grandes estudios. Nos hallamos ante un relato universal que documenta de manera sobria uno de los males de nuestro tiempo. Narrada a través de los ojos de una niña, el filme de Niasari da testimonio de la vulnerabilidad de esas personas que quisiéramos que fuesen las más invencibles: nuestros padres.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Australia

Género: Drama, Cine social

Dirección: Noora Niasari

Guion: Noora Niasari

Fotografía: Sherwin Akbarzadeh

Duración: 115 minutos

Reparto: Zar Amir-Ebrahimi,

Leah Purcell, Osamah Sami

Jillian Nguyen, Meaghan Fahy.

La bandera: Imanol Arias, solo ante el peligro

La bandera dirigida por Martín Cuervo se ha estrenado en cines españoles el día 14 de junio de 2024. Imanol Arias, Aitor Luna, Miquel Fernández y Ana Fernández protagonizan esta película española basada en una obra original del dramaturgo Guillem Clua.

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La historia: Un padre, dos hijos y una cena. La historia transcurre durante una comida familiar, donde Tomás llama a sus dos hijos, Jesús y Antonio, para darles una importante noticia. El patriarca, al que acompaña su biógrafa, Lina, se toma su tiempo para decirles lo que realmente quiere, pero sus descendentes comienzan a perder los nervios. En un momento dado, uno de los hijos descubre la presencia de una bandera enorme en el jardín, desatándose una disputa que pone en serio peligro la aparente armonía familiar (A Contracorriente Filmes). 

La crítica: No veremos la bandera a la que hace mención el título en ningún momento de la película. Sabremos que es enorme, llamativa y llegaremos a la conclusión que daría igual que perteneciera a Palestina o a Israel e incluso que fuera una bandera comunista o fascista. La tela actúa como macguffin narrativo para mantener el interés del espectador. 

La bandera es la historia de una herencia. Ese es el motivo por el que el padre llama a sus dos hijos a los que hace tiempo que no ve. Va a comunicar lo que va a hacer con su casa valorada en un millón de euros y observar la reacción de sus dos herederos. ¿Cisma o concordia? 

El cineasta trata de compactar la historia de una familia en 90 minutos acertando con el metraje. Nos habla de un padre de familia destrozado desde que perdió a su esposa. Se afrontan temas tan distintos como el deterioro cognitivo, la rivalidad entre hermanos, la ambición por las herencias, el abandono o la dejadez hacia nuestros mayores y sobre todo el transcurrir de las relaciones familiares. 

La bandera supone la vuelta al cine de Imanol Arias que es el sostén de la película. El caso del actor español daría para una publicación especial. Un interprete que durante las décadas de los 80 y 90 estuvo en la élite del cine español y que lleva unos 20 años sin ser nominado al Goya ya que por decisión propia se alejó del cine y el teatro para dedicarse a ser un actor de televisión. Ha ganado mucho dinero, está envuelto en problemas con Hacienda, se ha hecho muy célebre en España, pero a los amantes del cine y el teatro nos dejó con apariciones muy puntuales y de escaso éxito. 

Ana Fernández interpreta a Lina. Su personaje es el de una psicóloga de 30 años a quien los hijos de Tomás han contratado para que compruebe el estado mental en el que se encuentra su padre. Sin embargo, Tomás no lo sabe. Para él, Lina es una simple biógrafa que se encarga de entrevistarle para ayudarle a escribirle sus memorias.

Aitor Luna hace el papel de Antonio. Su personaje es el de un artista de 40 años con un aspecto y personalidad totalmente opuesta a la de su hermano mayor Jesús. Aitor es bohemio y siempre ha vivido una vida sin responsabilidades. Sin embargo, a pesar de intentar mostrar su imagen de persona humilde, donde el dinero no es un elemento fundamental en su vida, su pensamiento cambia cuando Tomás les da la gran noticia.

Miquel Fernández interpreta a Jesús. Él es un empresario de 45 años. Le gusta el dinero y una de sus mayores preocupaciones es mostrar una buena apariencia. Es una persona bastante ocupada y siempre está hablando por teléfono, uno de los principales motivos por los que lleva tiempo distanciado de su familia.

En la parte técnica cabe mencionar que la cinta se aproxima a una obra de teatro rodada en cine. La mayoría del relato se rueda en el interior de la casa con una escenografía monocorde y grisácea. 

La bandera es una cinta curiosa, reflexiva, pero también reiterativa en el uso de metáforas que tratan de explicar el manejo de los lazos familiares. Lo mejor es ver al personaje que interpreta Imanol Arias que se encuentra solo ante el peligro de sus propios hijos. Un filme, en definitiva, que dentro de su cierta impostura retrata de manera muy eficaz cosas tan distintas como la ambición, la filantropía o el amor verdadero. 

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: España

Género: Comedia dramática

Dirección: Martín Cuervo

Guion: Guillem Clua

Música: Iván Valdés

Fotografía: Pablo Bürmann

Duración: 90 minutos

Reparto: Imanol Arias, Aitor Luna,

Miquel Fernández, Ana Fernández.

Vidas perfectas (Mothers' Instinct): irregular intento de revitalizar el buen melodrama

Vidas perfectas dirigida por Benoît Delhomme se estrena en cines españoles el próximo día 14 junio de 2024. El filme está protagonizado por las oscarizadas Jessica Chastain y Anne Hathaway.

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La historia: Alice (Jessica Chastain) y Celine (Anne Hathaway), disfrutan de sus idílicas vidas junto a sus respectivos hijos y exitosos maridos. Son mejores amigas y vecinas. La perfecta armonía de sus vidas se rompe repentinamente después de un trágico accidente. Una combinación de culpa, sospecha y paranoia destruye el vínculo entre Alice y Celine dando lugar a una dura batalla psicológica cuando los instintos maternales de ambas revelen su lado oscuro para defender a los suyos (Vértice Cine). 

La crítica: El filme está basado en la novela "Derrière la Haine" de Barbara Abel y es un remake de la película belga "Duelles" de Olivier Masset-Depasse. Ambientada en los felices años 60 en Estados Unidos, nos hallamos ante un angustiante retrato de los personajes de Alice y Céline. Mientras sus lazos familiares se van minando poco a poco por la culpa y la paranoia que sienten tras una tragedia familiar, se va desarrollando una intensa batalla de voluntades que revelará el lado más oscuro del amor maternal. La cinta retrata el corto paso que hay entre la felicidad y la desgracia o entre la amistad y la enemistad. 

Vidas perfectas es un irregular intento de revitalizar el buen melodrama. La historia del cine tiene arraigada esta forma de narración. Cuando hablamos de melodrama tendemos a pensar que es un término despectivo cuando no siempre es así. Es más, si nos vamos a la etimología veremos que melodrama es un vocablo procedente del griego. Melo viene de música y drama sería acción dramática. Por tanto cualquier película que en su relato use la música para resaltar la emocionalidad, sería un melodrama a todas luces. En cualquier caso -y ahí viene parte del problema del género- la cinta hoy reseñada se pasa de frenada y lleva la acción a situaciones muy exageradas. Esto resta credibilidad a lo que está sucediendo en pantalla con giros cada vez más retorcidos. 

La historia evoluciona del drama de urbanización residencial a intentar ser un thriller hitchcockiano. No lo consigue, pero al menos el cineasta debutante se fija en el maestro a la hora de plantear la acción. Hitchcock representó como nadie a una época en la industria del cine en la que se podían inventar muchas cosas. Podías inventar formas, figuras, efectos ópticos, ideas y metáforas. Además de sus inventos, el mago del suspense trabajaba con una concepción freudiana de la vida. Ahora, cuando ves sus películas, parecen muy modernas, incluso más que muchas de las actuales incluida Vidas perfectas. 

Lo mejor de la película pasa por el enorme duelo interpretativo entre Jessica Chastain y Anne Hathaway. La primera realiza el papel de Alice. Recuerda también a las mujeres rubias que empleaba Hitchcock en sus repartos. Este personaje es interesante porque retrata muy bien la situación de la mujer en la década de los sesenta en Estados Unidos. Con ella se profundiza en los roles de hombres y mujeres en aquella época. Es una mujer que desea trabajar por un lado y por otro no se atreve a dar el paso para contentar a su marido. Pero el problema surge con el terrible enfrentamiento con su amiga y vecina. La segunda, -Hathaway-, se encarga del papel de Celine. A primera vista parece la mujer perfecta, pero queda desestabilizada cuando ocurre la tragedia que marca la cinta. No debo realizar ningún adelanto de los sucesos para no reventar la intriga. Los maridos de las mujeres salen en la película como efectos decorativos. Los niños si cumplen un papel fundamental en la trama y en el enfrentamiento entre las dos madres. 

Visualmente el filme es una maravilla. Se recupera la glamurosa época dorada de Hollywood. De esta manera el relato se presenta como un lienzo en movimiento. Música, vestuario y maquillaje serían dignos de recibir cualquier premio. El punto de partida ha sido localizar dos casas contiguas, idénticas y con elementos de diseño muy específicos, necesarios para que la narración funcionara. Al final, las dos casas perfectas se encontraron en Cranford, Nueva Jersey. 

Vidas perfectas es una película que mantiene la tensión inicial con un buen ritmo narrativo, pero adolece de un guion sólido que mantenga la atractiva premisa de salida. Las situaciones evolucionan de manera sórdida y los giros no resultan creíbles. Hablamos de una cinta que retrata de manera imperfecta el amor, la amistad o la maternidad. También la locura. Lo mejor del filme son las interpretaciones femeninas y el magnífico estilo visual utilizado por el cineasta. Un metraje ajustado y el suspense que se mantiene hasta el final son los dos elementos más interesantes de un producto aseado que lo tenía todo para ser más grande.  

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama, Thriller 

Dirección: Benoît Delhomme

Guion: Sarah Conradt-Kroehler

Música: Anne Nikitin

Fotografía: Benoît Delhomme

Duración: 94 minutos

Reparto: Jessica Chastain, 

Anne Hathaway, Josh Charles, 

Anders Danielsen Lie, Caroline

Lagerfelt, Steve Routman

El deshielo: el valor de la narrativa

El deshielo dirigida por Veerle Baetens se estrena en Filmin el día 7 de junio de 2024. Tras su premiere en el Festival de Sundance, y su paso por la sección oficial del Festival de Sevilla, el filme se estrenó el pasado mes de febrero en cines españoles de la mano de Vercine. 

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La historia: Trece años después de una mala experiencia en un sofocante verano que se salió de control, Eva, una joven de 26 años, regresa a su pueblo natal con un bloque de hielo en la parte trasera de su automóvil. Al volver, tendrá que adaptarse y afrontar, de una vez por todas, su oscuro pasado y enfrentarse a sus torturadores.

La crítica: Nos hallamos ante un cuidado filme que supone la ópera prima de Veerle Baetens. Debuta como directora con la adaptación de la novela El deshielo de Lize Spit. La trama gira sobre la desgarradora historia de cuando Eva era una niña. La película está narrada en dos épocas distintas que retratan dos momentos cruciales en su vida: un caluroso verano en el que tenía 13 años, y su regreso al pueblo 13 años después del trágico suceso que marcó su vida. Eva vuelve con sed de venganza. 

El deshielo lo centra todo en el valor de la narrativa. O sea lo contrario a los golpes de efecto o a la simplificación de los hechos. La trama de una narración impone un significado a los sucesos. Estos determinan el nivel de historia para revelar al final una estructura que era necesaria para conocer los hechos expuestos. "Donde no hay narrativa, no hay historia", dixit Croce. Aquí hay historia con consecuencias morales para todos. 

 

La película nos lleva a conocer a Eva, como una niña sensible que quiere ser amada, así como una frágil mujer joven que intenta sobrevivir en un mundo abrumador que a menudo demanda ser resiliente, tener éxito y llamar la atención. La soledad infinita de la niña nos toca; su necesidad de amor, atención, comprensión y su condición gélida que no le permite dar lo que desea. Eva se está convirtiendo en su propia enemiga y en la de los demás. Es el blanco perfecto en un tórrido verano.

El personaje de Eva está interpretado por Charlotte De Bruyne ("Tori y Lokita") en su edad adulta, y por la debutante Rosa Martchant en su niñez. Martchant fue merecedora del Premio Especial del Jurado a la Mejor Interpretación en el Festival de Sundance por su este papel. También tendrá su lugar en los Premios Marcianos al terminar el año. El resto del reparto coral está al servicio de un hecho horrible que se produjo durante ese fatídico verano. La cineasta se ha mirado en Eva desde niña: "Siendo la menos bella y menos deseada, siempre queriendo agradar y complacer".

En la técnica de rodaje destaca la fotografía de Frederic Van Zandycke. Es contenido y no continente. Al principio, si te fijas en Eva, los planos son abiertos y más tarde, es como si estuviera atrapada en el encuadre. También está el lenguaje de la niña y de su madre. Nunca están en el mismo marco, eso es importante para mostrar la distancia entre ellas. En cuanto al color, es muy veraniego y alegre. Se toman referencias a Los Goonies o Stand by Me. En invierno, Eva a menudo usa colores azules, también en el pasado. En el presente de la joven mujer los colores son oscuros y más gélidos como marca de un trauma no superado. 

El deshielo es una película muy potente y su narración es excelente. Nos hallamos ante una historia que también nos habla de la vuelta a los orígenes. Pero sobre todo es un relato sobre aquellos que entierran su dolor muy dentro de sí mismos, en un lugar donde nadie puede verlo, mientras ese dolor los vacía en silencio. Las personas tranquilas, a menudo, tienen las mentes más ruidosas. Para algunas personas, el trauma está tan enterrado dentro de ellas que no es posible dejar que salga porque es demasiado amenazador. Y cuidado porque todos llevamos un león dentro de nosotros que puede rugir, matar o idear la más cruel de las venganzas. 

Nota: 8/10.

P.D. Hasta final de año el día de publicación de críticas será el martes. Muchas gracias por vuestra atención.

Nacionalidad: Bélgica

Género: Drama, Intriga 

Título original: Het Smelt

Dirección: Veerle Baetens

Guion: Veerle Baetens

Música: Bjorn Eriksson

Fotografía: Frederic Van Zandycke

Duración: 111 minutos

Reparto: Charlotte De Bruyne, 

Rosa Marchant, Matthijs Meertens, 

Anthony Vyt, Simon Van Buyten