jueves, 30 de mayo de 2019

Gordon y Paddy: en busca de la malvada zorra feroz


Gordon y Paddy de la directora sueca Linda Hambäck llega a los cines el 31 de mayo en una interesante apuesta de la animación europea.

👶👶👶👶👶

La historia: Gordon es un sapo que está a punto de jubilarse como comisario jefe de un frondoso bosque del norte de Europa. Pero antes de retirarse de sus funciones, quiere dejar el mando de la comisaria en buenas manos. Tras conocer a Paddy, que es una inteligente ratona con un gran sentido del olfato, decide formarla como agente de policía. Juntos deben resolver el último caso de Gordon: el misterioso robo de las bellotas de la ardilla. ¿Podría ser la zorra la astuta ladrona o todo forma parte de un enorme equivoco? 


La crítica: El cine de animación europeo sigue en busca de alternativas al poderoso imperio Disney con singulares filmaciones como Gordon y Paddy, que apuestan por recuperar la animación tradicional en contraposición a la estética imperante basada en la generación de imágenes mediante las nuevas tecnologías CGI.

La apuesta también es clara en la reducción de los metrajes excesivos para que el público infantil pueda asimilar mejor su cine preferido.

Esta vuelta a los dibujos animados ya la veíamos en la reciente cinta francesa El malvado zorro feroz, que con apenas unos lápices, unas acuarelas, unos pinceles, y mucha imaginación, creaba un mundo colorido y lleno de diversión. También dentro de este movimiento tradicional, pero en versión stop motion, cabe recordar a la cinta francesa La vida de calabacín, que moldeaba figuras de plastilina de manera artesanal. Pero con independencia de las formas de rodaje, lo que comparten este tipo de películas es la recuperación de la fábula como medio narrativo para llegar hasta el corazón de niños y mayores.


Gordon y Paddy basa su narrativa en un bosque con distintos animales que toman forma antropomórfica para fijar la mirada en las familias.

Así es como vemos en su presentación a una pareja de conejos, a sus hijos y un cálido hogar familiar equiparable con el de cualquier familia humana. En un detalle cinematográfico que me gusta especialmente, la cinta se cierra de manera circular en el hogar en el que nos son presentados algunos de sus personajes. Allí, la cineasta sueca Linda Hambäck comienza la historia y nos habla del miedo a través de una villana en forma de zorra que tiene atemorizados a los lugareños.

La película gira entonces hacia el cine policial cuando la ardilla más popular del bosque acude en busca de ayuda del comisario Gordon. ¡Sus bellotas han sido robadas, y se muestra indignado! El desarrollo de la película se basa en la camaradería y la amistad que forjan Gordon y Paddy para resolver el caso. También se deslizan otros temas muy populares hoy en día como son la igualdad de género, la búsqueda de la identidad personal o incluso se hace hincapié en el fenómeno de la soledad de unas sociedades que parecen cada vez más aisladas e individualistas.


Basada en una obra de Ulf Nilsson y en los dibujos originales de Gitte Spee, la cinta sueca apoyada en una buena partitura musical de Martin Landquist, ha pasado por el Festival Internacional de Cine de Berlín en Alemania y por el Festival de Cine de Gijón en España. 

Ahora es el momento del estreno comercial en salas y me parece un aceptable vehículo para introducir a los más pequeños en la cinematografía. Quizás para el público adulto la cinta pueda pecar en exceso de ingenuidad y el metraje de poco más de una hora pueda dejar la sensación de experiencia incompleta. A su favor, juega paradójicamente ese metraje que le otorga el ritmo y el tempo adecuado, para por ejemplo, una sesión de cine matinal tan en auge en estos momentos. 

En conclusión, Gordon y Paddy es un proyecto realizado con mucho cariño por Linda Hambäck que tiene como moraleja principal el no ser prejuiciosos con los demás. Otras temáticas como el trabajo en equipo, la integración del diferente o el sentido de la pertenencia al grupo, hacen de la propuesta una tierna historia narrada con un moderado acierto.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Suecia.

Directora: Linda Hambäck.

Guión: Janne Vierth.

Música: Martin Landquist.

Dirección de Arte: Ola Larsson.

Animación: Elinor Bergman.

Producción: Linda Hambäck y Lina Jonsson.

Duración: 62 minutos

Estreno España: 31 de mayo de 2019.

lunes, 27 de mayo de 2019

El hijo: reinventando el género de terror


El hijo (Brightburn) dirigida por David Yarovesky y con Elizabeth Banks como madre de la criatura, se ha estrenado el 24 de mayo con una gran expectación entre los aficionados al género de terror.

👻👻👻👻👻

La historia: Ante la imposibilidad de quedarse embarazada Tori Breyer (Elizabeth Banks), sueña con ser madre sin descanso hasta que aparece un misterioso bebé abandonado en el bosque. Tori y su marido Kyle (David Denman), siempre han querido ser padres así que deciden quedarse con Brandon (Jackson A. Dunn). Pero cuando el niño cumple 12 años, y se acerca a la pubertad, una poderosa oscuridad se manifiesta en su interior. Una vez que Brandon da rienda suelta a sus retorcidos impulsos, todos a su alrededor comienzan a sentir un miedo espantoso hacia el niño. El oscuro secreto de la procedencia de aquel tierno bebé está a punto de desvelarse y no va a gustar nada a los habitantes del estado de Kansas.


La crítica: La América profunda con todas las implicaciones que este concepto conlleva, es uno de los lugares donde la literatura y la cinematografía encuentran un perfecto campo de pruebas para experimentar con casi cualquier género que la narrativa pueda ofrecer.

En este caso, la filmación ha sido rodada en Georgia, y con algunas localizaciones en el estado de Kansas donde se recreó la comunidad granjera donde Brandon es encontrado.

Es curioso, pero en el primer semestre de 2019, el que escribe estas lineas ha reseñado más cine de terror que en los tres anteriores años de la existencia de Cine y críticas marcianas. Esto podría ser casual, pero las cosas no suceden porque sí. Hubo una película en 2018 que ha reactivado toda la industria del cine de género.

Hablamos de Un lugar tranquilo (A Quiet Place) que nació casi como un proyecto de cine experimental y es ya un clásico universal que está marcando la pauta en la narrativa americana. Y es que además de estar ya en proceso la secuela de la misma, Netflix por ejemplo con la 'A ciegas' interpretada por Sandra Bullock, o ahora 'Sony Pictures' con la película reseñada hoy, bebe de la misma narrativa o al menos parecidos planteamientos en los argumentos formales. Y es que cabe recordar por tanto, que en un Un lugar tranquilo el diseño de producción de la granja, en la que meses antes de la película, se plantaron diez hectáreas de maíz, se construyeron graneros y se diseñaron unos interiores con carácter neo-impresionistas, nos trasladaba ya a una América profunda y rural, creando mayor sensación de aislamiento si cabe. Es decir, El hijo, incide en esta narrativa pero además introduce un elemento tan sorprendente que incluso podríamos hablar de la creación de un nuevo sub-género en el cine de terror. Probablemente haya nacido el cine de terror con superhéroe, en este caso, en forma de niño.

Y es que a través del personaje de Brandon, David Yarovesky introduce algunos elementos de este tipo de cine pero llevándolo a las formas clásicas o originarias como sucedió con el mítico Superman basada en el personaje de DC Comics. En El hijo, y sin desvelar nada de lo que ya se conozca, todo parte de la premisa de la secuencia inicial en la que Brandon es un bebé extraterrestre llegado a La Tierra por un accidente de su cápsula espacial. No obstante, podríamos adelantar que lejos de intentar hacer el bien como el personaje de Superman, aquí nos hallaríamos ante la antitesis perfecta y ante la utilización de sus poderes sobrenaturales para realizar el mal.

Pero en mi opinión, este aspecto de la película es secundario ante la potencia del mensaje y de la propia narrativa clásica ambientada en la América profunda. En realidad, y por encima de otras consideraciones, El hijo es una profunda metáfora sobre el poder y sobre la utilización del mismo por parte del individuo que lo posee.


Elizabeth Banks (Los juegos del hambre), está estupenda en el papel de la madre coraje que hace lo posible y lo imposible para tratar de integrar a su hijo en la sociedad. Su personaje retrata con certeza la maternidad en el más amplio espectro de este término. Su marido en la pantalla es un grisáceo David Denman (Puzzle), que interpreta a un personaje bastante tontorrón si se me permite la expresión. Y es que a través de este personaje encuentro algún agujero de guión con actitudes inexplicables frente a su propio hijo. Por último, destacar a un nuevo niño del terror en versión villano interpretado con acierto por el joven Jackson A. Dunn.

En la cinta es muy destacable el uso de los espacios escénicos. La residencia de los Breyer es una propiedad histórica en la ciudad de Newnan, en un terreno abierto de varias hectáreas con un lago. Una casa muy vieja que ha sido remasterizada para que en la película aperezca como una morada en la que se mezcla arte punk-rock con otro tradicional americano de larga tradición en el cine estadounidense. Otra parte destacable serían ciertas escenas gore que serán "deliciosamente" sangrientas para los amantes de las mismas. Sin embargo, la zona de los efectos visuales, especialmente en la parte final de la cinta, son más propios de la serie B que de una película altamente profesional.

En conclusión, El hijo es en su fondo formal la reinvención del género. Podríamos calificar está modalidad como cine de terror con superhéroe. De hecho, la cinta es un claro homenaje al personaje de Superman pero llevándolo a la forma de oscuro villano y en forma de niño. Pero tras este matiz que supone nada más que una consideración general, la cinta tiene una narrativa clásica en el cine de terror. Hay diálogos, personajes cotidianos y estructuras narrativas formales. Todo ello, permite que la historia sea universal, y muy asimilable para los amantes del suspense.

Nota: 7/10.


Nacionalidad: Estados Unidos.

Título original: Brightburn.

Dirección: David Yarovesky

Reparto: Elizabeth Banks,  David Denman,
Meredith Hagner,  Jackson A. Dunn.

Guión: Brian Gunn, Mark Gunn.

Música: Tim Williams

Fotografía: Michael Dallatorre

Duración: 90 minutos.

Estreno mundial: 24 de mayo de 2019.


jueves, 23 de mayo de 2019

Víctor Matellano, director de cine, nos presenta su película: "Regresa El Cepa"


Regresa El Cepa dirigida por el cineasta español Víctor Matellano se estrena en cines el 24 de mayo de 2019 para conmemorar, indagar e investigar sobre el filme El crimen de Cuenca de Pilar Miró del que ahora se cumplen 40 años de su rodaje. 

፨፨፨፨፨

Hoy tenemos el honor de recibir en Cine y críticas marcianas al cineasta, director teatral y escritor Víctor Matellano que nos ha concedido una entrevista para conversar sobre el inminente estreno de su nueva película documental Regresa el Cepa. En la entrevista abordaremos el significado que tuvo para la población española la obra maestra de Pilar Miró: El crimen de Cuenca. Cerraremos con el test tradicional marciano.


Hola Víctor, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver “Regresa El Cepa”?

Se van a encontrar un mundo que parece sacado de la ciencia ficción, que da auténtico miedo, cuando en España en los primeros tiempos de la democracia se prohíbe una película y se procesa militarmente a su directora, a pesar de contar unos hechos sentenciados por el Tribunal Supremo, el Caso Grimaldos… Se cumplen cuarenta años del rodaje, intento de estreno y prohibición de “El crimen de Cuenca” de Pilar Miró. Una película decisiva para la democracia española.

¿Qué te ha llevado en lo personal a embarcarte en un proyecto tan atractivo y arriesgado a su vez?

No sé si es arriesgado, lo cierto es que para mí era el momento de hablar de ciertos temas que siempre me preocupan, fuera de los códigos de cine de género como tal. De libertad de expresión, de derechos humanos, del poder de cambio del cine, de una mujer cineasta como es Pilar Miró, absolutamente reivindicable. Y de censura cinematográfica, yo que he sufrido que me corten una película en el extranjero. Aunque, eso sí, he planteado el documental con estructura de película de ficción, tiene mucho de thriller. Me impactó lo que contaba esa película y me impactó más aún conocer lo que sufrió su directora y lo que significó para nuestro país. 

¿Cuánto tiempo has empleado en llevar a cabo la producción y cuántas entrevistas has realizado para dar vida al proyecto?

La idea se planteó durante el rodaje de “Stop Over in Hell”, cuando le pregunté a Guillermo Montesinos, el intérprete de “El Cepa” en “El crimen de Cuenca” si había vuelto a los lugares de rodaje de la película. A partir de ahí, y con la investigación de Emeterio Diez Puertas, el año pasado planteamos el rodaje y el largo proceso de postproducción, ya con la participación de Antonio Durán en el guion. Me estudié mas de seiscientos folios de material, hicimos cuarenta entrevistas, rodamos los recursos, y con las horas y horas de material nos pusimos a montar. Descartado material, nos salían casi cinco horas de metraje útil, y con eso lo hemos dejado en ochenta minutos de duración…

La película se ha rodado en las poblaciones conquenses de Belmonte, Osa de la Vega, Tresjuncos, Villaescusa de Haro y Borox en Toledo. ¿Qué recuerdos tienen los vecinos de aquellos municipios sobre la película “El crimen de Cuenca” y el impacto que tuvo entre la población española?

Si citas a cualquier español “El crimen de Cuenca”, siempre encontrarás respuesta. En unos casos te dirán que les impactó la película, en otros que recuerdan que hubo lío para estrenarla. Es una de las películas más vistas de la historia del cine español. En Cuenca ciudad no hacía nada de gracia el tema y el título, y me temo que no lo sigue haciendo, y yo les doy la razón porque el título entonces llevaba a confusión, remitía al eterno sambenito. Pero lo cierto es que esa película cambió la leyenda negra de Cuenca. Por su parte, en los pueblos se vivió y vive de otra forma, su relación con Pilar Miró y su equipo fue muy buena. Aunque, el fondo de la motivación del Caso Grimaldos sigue vigente, porque hay “rivalidad” entre pueblos.


¿Cuál era la intención de los autores del golpe de estado del 23-F en España al incluir a Pilar Miró sus “listas negras”?

En realidad, en lo de las listas negras del 23 F habría mucho que contar. Se vieron y se saben quiénes estaban. Era lógico en el caso de Pilar Miró, muchos la consideraban en 1981 la enemiga de la Guardia Civil. El propio Guillermo Montesinos te cuenta lo que se pensaba que ocurriría con unos u otros, a qué estadio de fútbol serían llevados, en caso de triunfar el golpe militar. Como pasó en Chile, en Argentina…

¿Cómo reaccionó Pilar Miró en relación al secuestro, y a la censura de “El crimen de Cuenca”?

A Pilar le llega la película por encargo. En principio ella quería rodar otra historia, pero se lo propone el productor Alfredo Matas, con guion ajeno, y ella acepta. Lo que ocurre es que después defiende la película como suya hasta el final. Era muy valiente y sacó pecho. Hasta que el juez militar decide que es ella, y sólo ella, la responsable de la película a la que hay que formar un consejo de guerra…

En lo personal considero “El crimen de Cuenca” una obra maestra de la cinematografía española. Sin entrar en consideraciones políticas, ¿qué valores cinematográficos destacarías de la película?

Este tema es muy interesante. Si de algo se quejaba ya durante la prohibición Pilar Miró era de que una vez que se estrenase la película, el público no la iba a ver de forma normal, si no como la película del escándalo. A mi me parece que Pilar Miró rodaba de una forma muy clásica, muy elegante, y eso ha hecho que “El crimen de Cuenca” haya resistido muy bien el paso de estos cuarenta años. Tiene una gran factura, está muy bien interpretada. Y su tema está, desgraciadamente, muy vigente.

¿Qué supuso finalmente “El crimen de Cuenca” para que hubiera cambios en el código de justicia militar?

Lo propicia “El crimen de Cuenca” y otros procesos contra la libertad de expresión que se habían producido en 1979 y 1980. No había opción ni defensa para los encausados, la justicia, y los jueces, que no olvidemos eran los del franquismo, no iban a ceder. Por eso, la única forma era cambiar la ley para que no fuesen condenados. Y cambió la ley. Y eso se lo debemos a “El crimen de Cuenca”. 

¿Consideras que la auto-censura en el cine es más peligrosa que la propia censura o esto es un latiguillo que se tiende a reproducir en ciertos sectores?

Fíjate, en “El crimen de Cuenca” ya había auto censura. Los hechos reales eran aún más crudos y los transformaron con precaución. Aunque eso no les libró de que se les intentara censurar de verdad. No es un latiguillo, claro que hay auto censura, desde por lo “políticamente correcto” hasta lo que pueda pasar. Hace poco se han detenido y condenado artistas, censurado libros… Pero, no lo olvidemos, no es comparable a aquellos tiempos, a los predemocráticos, y a los convulsos de la transición. Hemos avanzado mucho y esto se lo debemos a quienes han luchado por los valores democráticos. 

¿Qué nuevos proyectos tienes entre manos en el mundo del cine, del teatro o de la literatura?

Pues estos días presento nuevo libro, “El Mago de Oz. Secretos más allá del arcoíris”. Se cumplen ochenta años del estreno de esa maravillosa película, mi preferida, y cincuenta de la muerte de Judy Garland. Me apetecía mucho contar qué había detrás de esa película tan influyente en lo cinematográfico y lo social. He contado con prólogo de Boris Izaguirre y portada de Sanjulián, admirados amigos los dos. Y por lo demás, nuevos proyectos de todo tipo, cine, teatro… Soy inquieto por naturaleza.


TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos.

El Mago de Oz.

Tu película española preferida.

Bienvenido Mr. Marshall.

Tu director de cine español preferido.

Luis Buñuel.

Tu director de cine internacional predilecto.

Orson Welles y Ersnt Lubitsch.

Tu actor preferido.

Robert Mitchun, pero porque se define como el no actor.

Tu actriz preferida.

Meryl Streep.

Tu festival de cine preferido.

El de Sitges, Nocturna, y Venecia.

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más cómodo o la que más te gusta?

En la que más cómodo me siento siempre, es en el Artistic Metropol, que tiene mucho significado para mí, y la sala que más me ha gustado siempre es la del cine Capitol. Añorando aquel Palafox donde estrené dos películas en el festival Nocturna…

¿Cine, teatro o televisión?

Las tres cosas.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

“Vestidas de azul” de Valeria Vegas y “El Proxeneta” de Mabel Lozano, son magníficos. Y estoy leyendo “Supercotilla” de Victoria Vázquez, me encanta también la literatura infantil y juvenil.

Tu plato de comida preferido.

El gazpacho y las setas.

Una ciudad para vivir.

Me gusta mucho Barcelona, pero estoy feliz en Madrid.

Una ciudad por conocer.

Pekín.

Texto y fotos realizadas en la librería Ocho y medio libros de cine de Madrid por Miguel Pina. 


Víctor Matellano (Selección de trabajos realizados)

CINE

» Director y coguionista del largometraje documental REGRESA EL CEPA (2019).
Con: Guillermo Montesinos, Héctor Alterio, José Bono, Gonzalo Miró, Mercedes Sampietro, Mabel Lozano, Assumpta Serna, Diego Galán, entre otros.
(Distribuido por Begin Again Films)

» Director y coguionista de la pieza Horror Comedy LLAMAME VAMPUS (2018)
Con: Saturnino García, Diego Arjona, Alberto Rivas. Voz de Héctor Cantolla.
(Distribuido en cines por Begin Again Films. Estreno en canal Dark)

» Director y coguionista del largometraje de ficción STOP OVER IN HELL/PARADA EN EL INFIERNO (2016).
Con Tania Watson, Enzo G. Castellari, Veki Velilla, Ramón Langa, Nadia de Santiago…

(Película de clausura en el Almería Western Film Festival. Premiere en la Muestra Syfy de Universal. Distribuida internacionalmente por VMI Worldwide)

» Director y coguionista del largometraje de ficción VAMPYRES (2015).
Con Caroline Munro, Christian Stamm, Veronica P. Bacorn, Marta Flich, Luis Hacha y Fele Martínez.

(Mejor película y Mejor fotografía en el Horrorant Film Festival de Atenas. Distribuido internacionalmente por Reel Suspects, en España en cine por Premium Cine, y en Home Cinema por RedRum)

» Director y coguionista del largometraje de ficción WAX (2014).
Con Geraldine Chaplin, Jack Taylor, Jimmy Shaw y Denis Rafter.

(Mención Especial para Jack Taylor y Geraldine Chaplin en el Festival Rojo Sangre de Buenos Aires. Distribuido internacionalmente por Reel Suspects y en España en Home Cinema por Tema distribuciones)

» Director y guionista del largometraje documental ZARPAZOS!. UN VIAJE POR EL SPANISH HORROR (2013).
Director y guionista Con Joe Dante, Colin Arthur, Paco Plaza, Jorge Grau, Eugenio Martín, May Heatherly…

(Estrenado en el Festival de Málaga- Cine Español. Mención Especial en C-Fem. Distribuido en Home Cinema en España por Tema distribuciones)

TEATRO

» Director de “¿Te gusta?” (Erika Elizalde) con Veki Velilla y Almudena León.

» Director de «Una vida en el teatro»​ (David Mamet) con Saturnino García y Juanjo Pinto.

» Director de “Rapsodia Española” (Antología) con Francisco Valladares y Julia Martínez.

» Director de “Danza de la muerte” (Anónimo siglo XII) con Paul Naschy y Saturnino García.

LITERATURA

Autor de veinticuatro libros de cine entre los que se encuentran “Spanish Horror”, “Diseñado por…Yvonne Blake, figurinista de cine”, “Decorados, Gil Parrondo”, “Rodando…Bienvenido, mister Marshall”, “El Hollywood español” o “Spanish Exploitation. Sexo, sangre y balas”.


lunes, 20 de mayo de 2019

Como pez fuera del agua: la comedia italiana sigue en buena forma


Como pez fuera del agua dirigida por Riccardo Millani llega a las carteleras de cine españolas el próximo 24 de mayo tras haber cosechado más de 2 millones espectadores en Italia, y 10 millones de euros recaudados en uno de los fenómenos del cine italiano durante el pasado año.

🏄🏄🏄🏄🏄

La historia: Giovanni (Antonio Albanese) trabaja para un prestigioso grupo de pensamiento italiano (un think tank) que se propone integrar a los habitantes de las periferias de las ciudades italianas con las gentes de los núcleos urbanos más acomodados. Mónica (Paola Cortellesi) se gana la vida en un centro para mayores en uno de los suburbios más poblados de Roma. Dos mundos opuestos condenados a entenderse cuando descubren que sus hijos adolescentes, Agnese y Alejo, se han enamorado. A pesar del inevitable rencor muy a la italiana por las diferencias de clase social, Giovanni y Mónica decidirán unir sus fuerzas para intentar terminar con la historia entre sus hijos. ¿Tendrán éxito o unirán más a los jóvenes tortolitos? ¿Se acabarán por entender ellos también? Veremos...


La crítica: Un think tank vendría a ser como un laboratorio de ideas o centro de pensamiento para analizar los retos de una sociedad y proponer soluciones. Sus iniciativas, como en el caso que se refleja en la película hoy reseñada, buscan encontrar financiación en el Consejo Europeo de Relaciones Internacionales para mejorar la vida de los ciudadanos.

Así es entonces como el cineasta italiano Riccardo Millani nos introduce en el personaje de Giovanni que se dedica a pensar por los más débiles, y además le pagan por ello. Él es un tipo progresista, integrador, liberal, y cree en un "mundo mejor". Hasta que lo tocan lo suyo, claro.

¿Y qué es lo suyo?

Pues lo suyo es su hija adolescente. Esta habiendo recibido el ejemplo en casa del mensaje integrador e igualitario de sus padres, no ve inconveniente en echarse como novio a un chico de color, lleno de tatuajes y de una barriada marginal romana. ¡Hasta aquí hemos llegado!

Como pez fuera del agua es un tratado sobre la hipocresía envuelto en la siempre eficaz, y a veces hiperbólica comedia italiana. La vuelta de tuerca en la historia, y la mayor variante narrativa es cuando Millani introduce al personaje de la madre que parádojicamente también se opone a que su pequeño vástago salga con una chica de clase alta. Pero lo que es una evidencia casi científica, y para esto no hace falta ningún think tank  o tanque de pensamiento, es que no hay mejor pegamento para una joven pareja en formación que el rechazo o la oposición de las familias.

A partir de este momento entramos ya en zona de enredo, y disfrute para el espectador mientras van sucediéndose situaciones cada vez más rocambolescas entre padres, hijos y demás familiares. Aquí, y muy a la italiana, van entrando en pantalla secuencias diversas según las necesidades de un eficaz libreto escrito a cuatro manos por Furio Andreotti, Giulia Calenda, Paola Cortellesi, y el propio Riccardo Milani.


En la imagen superior vemos como Giovanni y Mónica son muy distintos pero acaban yendo juntos al cine en una secuencia que supone una ruptura en la película. El propio cine es otro personaje secundario de la cinta. Ahí, también observamos las diferencias de clase. De alguna manera los cines que frecuenta Giovanni son los de arte y ensayo, circunstancia que es aprovechada hábilmente por el director para pegar un zasca a la propia crítica de cine y a las películas de autor. Sin embargo, a través del personaje de Mónica, vemos como son los cines populares de las barriadas obreras en la que la gente come, grita y disfruta de las películas sin importar demasiado el contenido. Igualmente el cineasta refleja otras diferencias de clase. Algunas son las siguientes: distintas lugares de vacaciones o recreo, distintos coches, distinto lenguaje o distintas formas de alimentarse. Todo ello converge finalmente en la mutua atracción de los personajes que se atraen como polos opuestos. 

Las interpretaciones de Paola Cortellesi y Antonio Albanese son excelentes y guardan las características propias de la idiosincrasia italiana. Especialmente ella, refleja ese carácter franco y abierto que ya usaba la mítica Sophia Loren con su habitual desparpajo. Salvando las distancias por supuesto. Los niños Simone de Bianchi y Alice Maselli sin embargo aparecen muy encorsetados en sus papeles. Otros personajes hilarantes son dos gemelas que comparten piso con Mónica, y el marido de esta última, interpretado por un gran Claudio Amendola que recién salido de prisión aparece en el hogar familiar en el momento más inoportuno. 

En conclusión, Como pez fuera del agua cumple de sobra con todas las expectativas que una comedia debe aspirar a cumplir. Quizás demasiado endulzada en su parte final, esto no impide que la producción consiga introducir a través de la sonrisa un mensaje demoledor en cuanto a la hipocresía de ciertas élites. 

Nota: 6/10.

👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽

P.D. En beneficio de la comunidad marciana, seguidores de Twitter, Facebook, Blogger y demás formas de contacto, os informo que uno de los medios informativos lideres en el sector de cine en España, como es Cinemagavia pasa a contar con mí presencia como redactor, crítico de cine, y miembro de su Consejo Consultivo. Ha sido una propuesta irrechazable de su director Eduardo Gil Rodríguez. Esto beneficiará a la comunidad marciana en que tendré más acceso a los pases de prensa, a más entrevistas y a posicionar mejor a Cine y críticas marcianas en los buscadores de Google. En cualquier caso, y aunque tenga que dedicar más tiempo para ello, nada cambiará en el blog marciano. Os resumo en un pequeño esquema como se estructura mi información a partir de estos momentos. 

 CINE Y CRÍTICAS MARCIANAS 


Será el primer lugar de referencia y se seguirán publicando dos críticas a la semana. Por lo general la primera se publicará el lunes o el martes y la segunda el jueves o el viernes. De cara al verano se irán reduciendo la intensidad de las publicaciones para reabrir la temporada como todos los años en septiembre. Seguirán las secciones de entrevistas, noticias o curiosidades y retro reseñas de cine para el recuerdo. 

NOROESTE MADRID


Sigo con mi labor en la redacción de cine del diario online líder en la zona Noroeste de Madrid, con las entrevistas realizadas para este medio y con otras tareas de representación en cine y cultura de dicho medio. 

CINEMAGAVIA


Con una posición privilegiada en los motores de búsqueda de Google en el sector de la cinematografía y en plena expansión internacional, en Cinemagavia ejerceré como crítico cinematográfico, redactor y formaré parte del Consejo Consultivo del medio.


En definitiva, todo esta nueva situación redundará en una mejor información en cuanto a los estrenos de cine y a otras informaciones relacionadas con el medio. ¡Muchas gracias por vuestra lectura!


👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽👽


Título original: Come un gatto in Tangenziale

Nacionalidad: Italia. 

Dirección: Riccardo Milani. 

Guión: Furio Andreotti, Giulia Calenda,
Paola Cortellesi, Riccardo Milani.

Reparto: Paola Cortellesi, Antonio Albanese,
Simone de Bianchi, Alice Maselli. 

Fotografía: Saveri Guarna.

Duración: 98 minutos. 

Estreno España: 24 mayo de 2019.



jueves, 16 de mayo de 2019

De la India a París en un armario de Ikea: un delicioso cuento moderno


“¡Y sin embargo, algunas personas dicen que se aburren! ¡Démosles libros! ¡Démosles fábulas que los estimulen! ¡Démosles cuentos de hadas!”.
 ― Jostein Gaarder

La historia: El joven Aja (Dhanush) sobrevive en la India gracias a su ingenio, pillería, y a sus habilidades para embaucar a sus conciudadanos. Su sueño es viajar hasta Francia para cumplir el sueño de su madre. Una vez en París, y sin blanca, decide pasar la noche en un Ikea donde conocerá a Marie (Erin Moriarty). Pero sus esperanzas amorosas se desvanecen cuando queda atrapado dentro de un armario que es enviado a Inglaterra, iniciando un viaje que cambiará su vida para siempre.


La crítica: La película dirigida por el cineasta británico Ken Scott es una preciosista producción francoindia que adapta una novela del escritor galo afincado en España, Romain Puértolas. El libro con el peculiar título de: “El increíble viaje del faquir que quedó atrapado en un armario de Ikea” fue publicada en agosto de 2013 con un gran éxito editorial. 

El cuento, la fábula o una historia inventada con parámetros modernos es una experiencia de la que disfrutan especialmente los niños. Además, esta forma de narrativa es un nexo de unión muy especial entre los padres y sus pequeños cuando estos últimos son los receptores del mensaje, por ejemplo, antes de irse a dormir. A los niños les gustan los cuentos porque refuerzan su imaginación, son una forma de combatir sus temores y los perciben como una forma de cariño de sus familiares.

De la India a París en un armario de Ikea es un cuento moderno que utiliza el personaje de Aja para redimir o hacer ver a tres niños de 12 años que la delincuencia juvenil no es el camino indicado para progresar en la vida. Así es como vemos en la presentación de la cinta como Aja, un hombre ya formado, entra en una comisaria de policía de una cuidad de la India en la que están detenidos estos menores y les cuenta una historia con moraleja incluida. Con ello, intenta que cambien de actitud y los invita a acudir a la escuela en la que él da clases tras haber estado en la misma situación que ellos. La historia se cierra de una manera circular en un adorable detalle cinéfilo de Ken Scott cuando Aja finaliza su fábula en el centro de detención y con ello se da por finalizada también la película. Lo que sucede en el intervalo de estos 100 minutos es la narración fabulada de su propia historia y de un viaje por Europa que cambió su vida para siempre.

La película comienza por lo tanto en Bombay, la India, principalmente en las calles estrechas y pintorescas del distrito marinero de Worli, el barrio de pescadores donde se crió el héroe del film. Allí, Aja cuando es un niño, encuentra un catálogo de Ikea que le fascina por el minimalismo de los muebles en contraposición a la abigarrada decoración de los hogares y locales de su ciudad. Por ello, y cuando ya es un adulto lo primero que hace al llegar a París es visitar un Ikea en el que casualmente conoce a Marie, que es una joven americana, de la que se enamora a primera vista.

Un enredo descomunal es aprovechado por Ken Scott para llevarnos de viaje por el propio París en los que logró captar lugares emblemáticos desde nuevos e inventivos ángulos. Con unas tomas en dron mejoradas por efectos especiales se siguió el vuelo de un pequeño avión de papel desde la Torre Eiffel al cementerio de Père Lachaise. Un guiño a la secuencia de apertura de Forrest Gump y a ese maravilloso recurso de la pluma que cae sobre el pie de Tom Hanks. La película toma el formato de road-movie cómica a continuación y nos lleva a Inglaterra, Libia, al aeropuerto de Barcelona o a la bellísima Roma donde en la Fontana de Trevi, y al célebre borde de piedra de la obra maestra de Nicola Salvi, se produce una escena para el recuerdo. Allí, Aja conversa con una actriz que se encuentra rodando en la capital italiana y con la que entabla una amistad que contendrá las claves para su regreso París.


Encabezando el reparto nos encontramos con el atractivo y cómico actor indio Dhanush que es una estrella emergente en su país y especialmente en el cine Tollywood, (el cine Tamil) y en esa cosa llamada Bollywood que arrasa en la India. En la cinta reseñada hoy, su personaje Aja, interpreta un divertido número musical y es el vehículo que utiliza el cineasta para dar forma a la fábula moral sobre la que gira el argumento principal.

Quizás la parte más floja de la cinta se encuentre tanto en el personaje de Marie (lleno de clichés), como en la propia interpretación de Erin Moriarty que poco ha evolucionado desde aquella infausta cosa llamada Blood Father protagonizada junto a Mel Gibson.

Sin embargo, el personaje de Nelly es notablemente interpretado por la bella actriz franco-argentina Bérénice Bejo (The artist), que se mete en la piel de una personaje que representa a una actriz caprichosa, autoritaria y glamourosa, que recibe una lección de vida por Aja en una preciosa secuencia rodada en la anteriormente citada Fontana de Trevi.


De la India a París en un armario de Ikea es en conclusión un viaje emocional y una fábula moral preciosista que proporciona una dosis de bienestar cinematográfico muy potente. En definitiva, la adaptación al cine de la aclamada novela de Romain Puértolas es un éxito en forma de cuento de hadas universal que será distribuida en más de cuarenta países, entre ellos Italia, España, China, México, Japón, Rusia, EE.UU, Suecia, Israel, Turquía, Australia, Brasil, y en la propia India. Curiosamente en el país asiático disfrutarán por primera vez en todo el territorio nacional de una película principalmente francesa. Un cine, el francés, que está experimentando durante el primer semestre de 2019 una cierta recuperación centrándonse en el cine de animación, en la comedia o en las fábulas universales lo que puede suponer un revulsivo para el deprimido cine galo, y un impulso para el propio cine europeo.

Nota: 8/10.

Título original: The Extraordinary Journey of the Fakir.

Nacionalidad: Francia, India, Bélgica, Singapur.

Dirección: Ken Scott.

Guión: Luc Bossi (Novela: Romain Puertolas).

Reparto: Dhanush,  Bérénice Bejo,
Erin Moriarty, Sarah-Jeanne Labrosse,
Barkhad Abdi, Gérard Jugnot, Abel Jafri.

Música: Nicolas Errèra.

Fotografía: Vicent Mathias.

Estreno Francia: 30/05/2018.

Estreno España: 10/5/2019.


lunes, 13 de mayo de 2019

Iria del Río: "El increíble finde menguante es un viaje sideral realizado con mucho cariño"


Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz Iria del Río que tras su estupenda interpretación en la película El increíble finde menguante es ya una de las actrices revelación del año 2019.

Con un currículum envidiable en el mundo del teatro y de las series, alcanzó la popularidad por sus interpretaciones en: Amar en tiempos revueltos, El ministerio del tiempo, Velvet o Las chicas del cable.

Ahora es el momento de dar el salto definitivo a la gran pantalla de cine con su exitoso primer papel protagonista.

El increible finde menguante es la historia de Alba (Iria del Río) y Pablo (Adam Quintero) que son una pareja de novios treintañeros que deciden pasar un fin de semana junto a sus amigos en una casa aislada en el campo. Tras una discusión con su novio, Alba comienza a experimentar un desfase horario en el que los hechos se vuelven a repetir una y otra vez en un bucle temporal. Aunque al principio no comprende que es lo que está sucediendo, pronto entenderá que en cada repetición de los hechos su día se acorta una hora en una cuenta atrás con un incierto final.

Texto y fotos: Miguel Pina

LA PELÍCULA

Hola Iria, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver El increíble finde menguante?

Se van a encontrar una película diferente, arriesgada y un viaje emocional de bucles temporales que será un aprendizaje vital para los personajes representados.

El título de la película es muy llamativo siendo un juego de palabras con el clásico cinematográfico. ¿Qué significado se le otorga en este caso al término menguante?

El término menguante hay que situarlo en el contexto de los bucles temporales en los que entra la protagonista. Para ella a cada determinada hora, el fin de semana vuelve a empezar. A esto hay que añadirle, y a diferencia de otras películas que se han hecho de viajes en el tiempo, que el bucle es una cuenta atrás para el personaje de Alba. De hecho cada bucle dura una hora menos que el anterior lo que acentúa el concepto de menguante.

¿Cómo llegó el papel hasta tus manos y qué te intereso de él?

En realidad Jon me propuso hacer otro personaje pero una mañana propuso un giro y yo pase a ser la actriz protagonista. Me pareció un reto increíble y acepté. Me puse muy nerviosa pero me lancé al vacío.

¿Cómo definirías a Alba que es papel que has tenido que interpretar?

Alba es una chica que está en un momento de su vida en la que le cuesta tomar decisiones. En cierta manera está acomodada porque vive con sus padres, laboralmente no está en su mejor momento y no acaba de encontrar su lugar en el mundo. Los bucles temporales son como manera de ver como se siente ella interiormente. Durante la película hay un arco emocional en el que el personaje de Alba va entendiendo algunas cosas que sirven para activarla y ponerla en acción.


Continua las siguientes frases Iria...

El increíble finde menguante es: "Un viaje sideral que ha impulsado Jon Mikel Caballero que se presenta en el mundo del largometraje con su primera película. En definitiva, un proyecto realizado con mucho cariño".

El increíble finde menguante ha supuesto para mí: "La primera oportunidad de realizar un protagonista en cine lo que ha significado un aprendizaje muy bonito".

En la película vuelves a coincidir con Nadia de Santiago con la que has coincidido en otros trabajos. ¿Es importante una buena relación de amistad para que esta se transmita en la pantalla? 

Si hay esa amistad como es el caso mio con Nadia de Santiago es como un regalo. Nos conocemos desde hace mucho años y somos muy amigas. Es una actriz maravillosa. En cualquier caso no es imprescindible que hay una relación de amistad entre los compañeros del reparto para que llegue a haber una complicidad; pero cuando hay vínculos emocionales eso ayuda mucho en nuestro desempeño.

De alguna manera el director nos habla de la generación millennial, de la precariedad laboral y de la visión de los más jóvenes ante el mundo. ¿cómo ves la situación de una generación muy preparada academicamente pero con pocas oportunidades laborales?

Creo que esta película muestra rasgos de nuestra generación pero tampoco me gusta generalizar y pensar que somos una generación marcada por el drama laboral. Nos podemos definir por otras muchas cosas. Pienso que tampoco deberíamos acomodarnos en lo que se suele decir de que nuestra generación lo ha tenido muy difícil y habría que tratar de dar la vuelta a las cosas.


CARRERA PROFESIONAL 

¿Por qué decidiste ser actriz y cómo te formaste para ello?

Yo misma me lo pregunto muchas veces y no creas que lo tengo sumamente claro. Es una pregunta difícil de responder. Siempre me ha gustado el cine desde muy niña, el teatro (verlo, hacerlo), y bueno cuando acabé mi carrera universitaria me puse a estudiar interpretación mucho más en serio. Pero lo fundamental es que me gustaba mucho y me divertía con ello. Es maravilloso el proceso creativo, el leer, estudiar, ver, y el enriquecerse con este mundo. Me siento plena como actriz.

Has trabajado en importantes series como Amar en tiempos revueltos, Velvet, o Las chicas del cable en Netflix. Con el papel de Alba en El increíble finde menguante tienes tu primer papel protagonista en el cine. ¿Qué significado tiene para ti verte en la gran pantalla?

Es raro, pues yo normalmente en las series que he realizado soy más consciente de mi interpretación. Sin embargo en la gran pantalla he sentido un arco emocional muy intenso e incluso me olvide de que era yo cuando vi el primer pase de la película en el cine. En definitiva, un flipe, mucha ilusión, un aprendizaje increíble y un gran reto.


¿Tras tu buen trabajo en la película te gustaría enfocar más tu carrera en el mundo del cine?

Yo quiero trabajar principalmente. Pero creo que todos anhelamos hacer cine porque es un medio que nos encanta. También me gusta mucho trabajar en televisión, en teatro, no me cierro a nada. Yo lo que quiero es desarrollarme como actriz.

Por cierto, ¿cuales son tus nuevos proyectos?

Acabo de rodar una serie llamada 'Las del hockey' sobre deporte femenino y se estrenará en Netflix en septiembre.  Sobre cine tengo alguna propuesta pero hasta que no esté cerrado no puedo comentar nada

¿Cuál es la procedencia de tu nombre?

Es gallego, y proviene de Iria Flavia. Tengo familia en Galicia, y aunque yo nací en Barcelona tengo la familia divida entre las dos tierras.


TEST PERSONAL

¿Cuál es tu película preferida de todos los tiempos?

El apartamento de Billy Wilder y American Beauty de Sam Mendes.

¿Cuál es tu película española preferida?

El sur de Víctor Erice.

Tu director de cine favorito en la actualidad.

Carla Simón, Alberto Rodriguez...serían muchos. 

Tu actriz preferida.

Gena Rowlands y Nora Navas.

Tu actor preferido.

Paul Dano.

Tu festival de cine predilecto.

Málaga y Sundance en el ámbito internacional.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

Las niñas prodigio de Sabina Urraca y Voz de vieja de Elisa Victoria.

Tu plato preferido de comida.

Arroz con bogavante.

Una ciudad para vivir.

Lisboa.

Una ciudad por conocer.

Marrakech

Una ilusión por cumplir. 

Rodar fuera de España.

Muchísimas gracias a Iria del Río por su amabilidad y por las facilidades puestas para realizar esta entrevista en la sala La Morada de Madrid. Agradecer también las gestiones a Katia Casariego y a Eduardo Gil Rodriguez. Por último, os dejo con un divertido vídeo de Youtube en el que la actriz habla sobre El increíble finde menguante. 


Iria del Río, Barcelona 1991. 

TRAYECTORIA PROFESIONAL (Selección de trabajos realizados)

TELEVISIÓN

2018 SERVIR Y PROTEGER TVE. Dir. Inma Torrente.
2018 LAS CHICAS DEL CABLE Netflix. Dir. Carlos Sedes.
2018 LA CATEDRAL DEL MAR Dir. Jordi Frades.
2016 VELVET Antena3. Dir. David Pinillos.
2015 EL MINISTERIO DEL TIEMPO TVE. Dir. Marc Vigil.
2015 LOS NUESTROS Telecinco. Dir. Salva Calvo.
2014 LA RIERA TV3. Dir. Esteve Rovira.
2013 POP RÀPID Dir. Marc Crehuet.
2012 AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS TVE. Dir. Eduardo Casanova.
2010 GAVILANES Antena3. Dir. Sílvia Quer.

TEATRO

LAS AMISTADES PELIGROSAS. Naves de Matadero y gira. Dir. Darío Facal.
PER AMOR A LA VIDA. Dir. Joel Minguet y Anna Sarrablo.
PIEZA ROMEO Y JULIETA. Dir. Jordi Oliver.


CINE

2014: EL CLUB DE LOS INCOMPRENDIDOS. Dir. Carlos Sedes.

2019: EL INCREÍBLE FINDE MENGUANTE. Dir. Jon Mikel Caballero.


jueves, 9 de mayo de 2019

El increíble finde menguante: notable ópera prima de Jon Mikel Caballero


El increíble finde menguante dirigida por el director español Jon Mikel Caballero se estrena en cines el próximo 10 de mayo. Nos encontramos ante una novedosa propuesta en la cual el cine experimental se fusiona con otras referencias clásicas sobre los bucles temporales.

👽👽👽👽👽

La historia: Alba (Iria del Río) y Pablo (Adam Quintero) son una pareja de novios treintañeros que deciden pasar un fin de semana junto a sus amigos en una casa aislada en el campo. Tras una discusión con su pareja, Alba comienza a experimentar un desfase horario en el que los hechos se vuelven a repetir una y otra vez en un bucle temporal. Aunque al principio no comprende que es lo que está sucediendo, pronto entenderá que en cada repetición de los hechos su día se acorta una hora en una cuenta atrás con un incierto final. ¿Podrá evitar Alba su propia desaparición?


La crítica: De alguna manera El increíble finde menguante supone en lo personal una experiencia muy gratificante y enlaza con ese tipo de cine oculto, desconocido e independiente sobre el que se asentaron las bases de Cine y críticas marcianas en su andadura inicial allá por el año 2016.

La historia nos recuerda de salida a ese magistral día de la marmota que se reflejaba en la película protagonizada por Bill Murray y dirigida por Harold Ramis traducida en España como: Atrapado en el tiempo. Pero debajo de una premisa más o menos conocida, se esconden múltiples capas que va desgranando con valentía el cineasta debutante Jon Mikel Caballero que con medios técnicos sencillos, pero muy cuidados, consigue escribir y dirigir una película que es pura vanguardia cinematográfica.

Lo sorprendente del filme es que consigue sobreponerse a una presentación de personajes y a una puesta en escena inicial demasiado teatralizada. Como comentaba en la crítica de Cementerio de animales, el cineasta hace lo increíble creíble, pero lo mundano, y por lo tanto lo que no debería generar dudas, resulta cuanto menos cuestionable. Es decir, cuesta inicialmente entrar en la historia por lo impostado de algunos personajes, pero una vez que el espectador toma la medida correcta al ritmo de la historia, la filmación evoluciona hasta el clímax final que se centra más en lo humano que en lo fantástico.

El filme supone por momentos un serio correctivo a la generación millennial a la que se presenta desmotivada, individualista, y con cierto grado de desafección con el mundo que los rodea. Sin embargo, Jon Mikel Caballero sorprende e introduce debates en torno a la precariedad laboral, a la emigración española hacia otros países europeos en busca de nuevas oportunidades o incluso y cómo mensaje más importante, dibuja el amor como medio unificador de la felicidad en contraposición al individualismo.


La actriz catalana Iría del Rio (Las chicas del cable) carga con el mayor peso de la producción con una interpretación fresca, inteligente, y contenida. Su personaje, Alba, es la pieza principal del engranaje diseñado por el director para ver a través de ella como sienten o piensan los demás jóvenes a través de las distintas subtramas propuestas. El espectador, y Alba, transitan un mismo camino ya que cuentan con más información que el resto de personajes en un buen detalle cinéfilo.

Su pareja en la pantalla es el actor hispano-británico Adam Quintero (El internado), que cumple a la perfección con lo que se le exige incluso cuando el cineasta le "congela" en los bucles temporales. Su personaje está dibujado sobre la duda de si debe continuar su relación con Alba o si por el contrario debe cortar con ella por su falta de compromiso. Este arquetipo generalmente más usado en las mujeres es otra idea bastante original del cineasta cambiando los roles establecidos en las parejas.

Un reparto coral compuesto por Nadia de Santiago, Jimmy Castro, Adrián Expósito, Irene Ruiz, y la voz de Luis Tosar como el padre de Alba completan un elenco bien balanceado.


La parte técnica de la película es sobresaliente, y más teniendo en cuenta que la cinta no cuenta con un gran presupuesto, ni está apoyada por ningún gran estudio de cine. Un montaje muy complejo y que debería estudiarse en cualquier escuela de cine, acompañado de un buen sonido directo y una gran fotografía de Tània de Fonseca, hacen aún más interesante la producción. Quizás el abuso en el uso de la música sea la parte que más dudas pueda generar en los aspectos complementarios.

Destacar las localizaciones exteriores rodadas en el valle navarro de Aézkoa que con sus frondosos bosques, sus riachuelos y la Naturaleza en plena ebullición, compensan de alguna manera las muchas secuencias rodadas en los espacios interiores de la casa rural.

En conclusión, El increíble finde menguante es una humilde producción independiente con la que se demuestra que el talento está muy por encima de los medios económicos al servicio de la producción. Por ello, solo cabe felicitar a Jon Mikel Caballero por un notable debut en el largometraje con una historia en la cual se funden el amor, la amistad y la denuncia social. Por último, destacar un recurso cinematográfico original, sutil y potente que consiste en ir reduciendo progresivamente la imagen proyectada en pantalla acompañando la cuenta atrás de Alba.

Nota: 8/10.

P.D. Al cierre de esta crítica os puedo anunciar que el próximo lunes contaremos en Cine y críticas marcianas con la presencia de la actriz protagonista de la película, Iria del Río, que amablemente me ha concedido una entrevista en la que hablaremos de la película, de su carrera artística, y de sus gustos cinematográficos. ¡Os esperamos!


Nacionalidad: España.

Dirección y guión: Jon Mikel Caballero.

Reparto: Iria del Río, Adam Quintero,
Nadia de Santiago, Jimmy Castro,
Adrián Expósito, Irene Ruiz, Luis Tosar.

Fotografía: Tània de Fonseca.

Música: Luis Hernaiz.

Duración: 90 minutos.

Estreno España: 10 de mayo de 2019.



lunes, 6 de mayo de 2019

Películas curiosas: Emisario de otro mundo (Not of This Earth)


Emisario de otro mundo es una película de ciencia ficción de serie B del año 1957 dirigida por Roger Corman que se podría definir como curiosidad, marcianada, despiporre, o divertida locura para otros. El filme americano, multiplicó por diez su presupuesto inicial de 100.000 dólares hasta llegar al millón recaudado tras su estreno en Estados Unidos.

👽👽👽👽👽

La historia nos cuenta la llegada de un extraterrestre con conformación humana a La Tierra y con la peculiaridad de que no se desprende de sus gafas de sol ni en los espacios interiores. Acuciado por una extraña patología que le está "secando" la sangre, acude a una clínica para intentar que le hagan una transfusión. El doctor encargado del caso y al comprobar lo extraño de su comportamiento, así como la singular composición de su sangre tras un análisis, decide acceder a la petición de transfusión. Para ello, manda hasta la casa en la que dice alojarse a una guapa enfermera (marciano con suerte), que todas las noches y durante una semana le ayudará con las transfusiones prescritas. Pero pronto, el extraño comportamiento de este "hombre" despertará las sospechas tanto en el equipo médico como en otros conciudadanos.


Para poder entender este cine de una manera adecuada, habría que situarse en el contexto sociocultural, en la época de su realización y en las motivaciones de porqué se hacían estas películas que vistas hoy en día y descontextualizadas podrían parecer de otro planeta. Por ello, hay que viajar al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado que en plena guerra fría mezclaba los miedos al estallido nuclear con el cine de ciencia ficción. De hecho en la película reseñada hoy, el extraterrestre diseñado en el libreto de Mark Hanna y Charles B. Griffith procedía de un planeta inmerso en una guerra nuclear que infectaba la sangre de sus pobladores y buscaban en La Tierra un medio para subsistir.

Otro factor muy importante a tener en cuenta, era que la imaginación desbordada de la población, quizás debido al famoso incidente de Roswell en el que se especuló con la caída de un ovni y un encuentro extraterrestre, hizo que la ciencia ficción en aquella época viviera una época mágica de la que se recuerdan películas que hoy se consideran ya de culto. Algunos ejemplos serían: Cohete K-1, Asesinos del espacio, El planeta fantasma, La invasión de los ladrones de cuerpos, Plan 9 del espacio exterior, Invasores de Marte o la ya posterior Viaje al planeta de las mujeres prehistóricas.

En el capitulo de hoy dedicado a los "crímenes traductores", en España se optó por el curioso título de Emisario de otro mundo, siendo los italianos los que me subyugaron en esta ocasión con su peculiar y rimbombante: El vampiro del pianeta rosso. 


En México aunque mantuvieron la traducción otorgada en España o viceversa, no pudieron dejar pasar la ocasión de unir desastres nucleares, ciencia ficción y el vampirismo ya añadido por los italianos, a su obsesión por traducir o añadir leyendas con alusiones satánicas inventadas. Este cartel mexicano añadía: "El poder diabólico hacía desaparecer a sus victimas, sin dejar el menor rastro...".


Pero anécdotas aparte, y volviendo a la génesis de la producción, cabe señalar que el mítico cineasta especializado en ciencia ficción Roger Corman, fue el encargado de pilotar la nave de una manera amena, con cierto buen suspense, también algunas escenas chapuceras propias de la serie B, pero siempre con agilidad y ritmo ayudado en un acertado montaje dejando la película en apenas 67 minutos. Este metraje sería una curiosidad hoy día, pero hay que recordar que en este tipo de cine y en la época no era nada extraño. De hecho, se otorgaba mayor ritmo narrativo a las producciones y además ayudaban a los cines a programar sesiones dobles con dos películas cortas, que aumentaban más si cabe el reclamo del espectador sediento de fantasía y diversión. Como decía, Corman se especializó en el género fantástico, de terror, o sencillamente en las producciones baratas pero taquilleras. De hecho, en el año 1990 publicaba sus memorias con el sincero título de 'Cómo realicé un centenar de películas y nunca perdí un centavo'. Entre sus películas más célebres figuran: 'Five Guns West', 'El cuervo', o 'El hombre con rayos X en los ojos'.

En el reparto de la película reseñada hoy nos encontramos con actores prácticamente desconocidos para el gran público pero eficaces y cumplidores. A destacar, Paul Birch (La rebelión de los planetas) es el encargado de meterse en el cuerpo del extraterrestre y Beverly Garland (Con las horas contadas) se mete en la piel de la enfermera en un papel que representa bien la feminidad de la época, combinado ya con ciertos aires rebeldes que representaban bien la independencia que la mujer norteamericana comenzaba a conseguir en la sociedad patriarcal.


Antes de redactar unas breves conclusiones sobre la cinta, quisiera dejar constancia del plan trazado por los extraterrestres del planeta Davanna y que conforman la premisa de salida de la película. En primer lugar denominan a los terrícolas como: "Subhumanos de segundo grado, débiles y llenos de miedos" ( y esto no son declaraciones de Donald Trump). Y en segundo lugar trazan un plan por fases que son las siguientes:

1. Estudiar las características de los subhumanos.

2. Subministrar abundante sangre terrestre a Davanna.

3. Enviar a Davanna a un subhumano para diseccionarlo y estudiarlo.

4. Transfundirse sangre humana para ver si funciona en los extraterrestres.

5. Si el punto 4 funciona, entonces conquistar, subyugar y criar a humanos o subhumanos como a ellos le gusta llamar a los terrícolas.

6. Si todo lo anterior falla, se destruye el planeta Tierra y a otra cosa mariposa.


En definitiva, Emisario de otro mundo (Not of This Earth), es ante todo un divertimento, un juguete y una curiosidad de cine vista desde la época actual. En cualquier caso, guste más o guste menos, la cinta ayuda a comprender una pequeña parte de la historia del cine y su representación en la serie B que ha sido una fábrica de generar películas de culto que en principio pasaron desapercibidas y a lo largo de los años han ido ganando adeptos. Con una una buena dosis de suspense, una fotografía en blanco y negro más que decorosa, y a pesar de las deficiencias técnicas en los efectos visuales; la propuesta reseñada hoy, cumple con creces lo que Roger Corman se propuso. Pero además de una curiosidad o un entretenimiento, la película hace las veces de documento histórico de la cinematografía que se realizaba en la otra cara del Hollywood dorado.



Nacionalidad: Estados Unidos.

Título original: Not of This Earth.

Año: 1957.

Dirección: Roger Corman.

Guión: Mark Hanna y Charles B. Griffith. 

Reparto: Paul Birch, Beverly Garland,
Morgan Jones, Anne Lee Carroll,
William Roerick, Roy Engel.

Música: Ronald Stein.

Fotografía: John J Mescall.

Duración: 67 minutos.