miércoles, 29 de abril de 2020

Películas curiosas: Este niño necesita aire fresco


Este niño necesita aire fresco es un filme dirigido por Caroline Link que fue estrenado en cines españoles el 23 de agosto de 2019. Por varias peculiaridades que iré desgranando, la cinta va directa a la sección de Películas curiosas de Cine y críticas marcianas.

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Valle del Ruhr, Alemania, 1972. Hans-Peter es un niño de nueve años que crece en un entorno familiar seguro y rodeado de una familia muy peculiar. A primera vista, no es el chico más popular del cole, pero sabe hacer reír a los demás. Pero los problemas no tardan en surgir en la vida del pequeño, ya que su madre, que era una mujer alegre y vital comienza a desarrollar una depresión mayor. El padre trabaja sin descanso y le deja a menudo al cuidado de sus abuelas. Gracias a su amor y dedicación, Hans-Peter intentará sobrevivir al caos emocional que le ha deparado la vida. 


Estos últimos días están siendo muy especiales para los niños. Tras duras semanas de confinamiento, los peques de la casa están disfrutando de sus primeros paseos al aire libre. Hablo desde España para poner en el contexto adecuado a los queridos lectores de Hispanoamérica. Aún no sabemos cuando acabará esta pesadilla distópica del Covid-19, pero esas salidas limitadas son una gran inyección de moral para ellos. Quizás la música más bonita del mundo suene cuando las escuelas puedan reabrir y escuchemos a los niños corriendo, silbando y gritando aunque sea a través de sus decoradas mascarillas. También será muy bonito ver a las mamás y a sus bebés pasear sin miedo como vemos en la imagen superior de la película hoy reseñada.  

Sí, como dice el título de esta película: los niños necesitan respirar aire fresco. Y así lo harán de manera completa cuando la ciencia encuentre la vacuna que los proteja. Volviendo al cine, así es como recordé este preciosista filme alemán que vi durante el pasado verano. El título ya es una curiosidad en sí mismo. También lo es que una película alemana se estrene de manera comercial en España. Sin embargo, en Madrid existe un festival de cine germano que cada año presenta películas curiosas. 

Otra curiosidad del filme es que nos hallamos ante un biopic parcial centrado en exclusiva en la niñez de un popular cómico alemán. Esto, además de curioso es muy acertado. Las biografías cinematográficas siempre funcionan mejor cuando se centran en una parte de la experiencia vital de un determinado personaje, que cuando quieren abarcar toda su vida. En el cine, menos es más. 

Por lo demás es una película tan especial como entrañable. Narra la historia de uno de los humoristas más apreciados de Alemania. La infancia de Hape Kerkeling, tal y como cuenta en las memorias en las que se basa la cinta. La acción está situada en la República Federal de los años 60 y 70.


El reparto de la película es tan coral como apreciamos en la fotografía superior. Seguramente pocos conozcan a los interpretes. Pero quisiera mencionar al menos a dos de ellos. En primer lugar al niño que debuta con acierto en el cine. Se trata de Julius Weckauf. Nació en una pequeña ciudad del Bajo Rin. Un muchacho que no tenía ninguna experiencia previa ante las cámaras, pero a pesar de ello envió un vídeo suyo y se impuso sobre miles de candidatos gracias a su encanto. Se lo pasó tan bien en el set con el equipo de rodaje que está deseando hacer más películas. Su personaje aborda con fuerza el sufrimiento en la infancia y como el humor supo sacarle de situaciones muy complejas. 

Y es que su madre enfermó con una grave depresión y no pudo hacerse cargo de él por un tiempo. Este papel es interpretado con gran fuerza dramática por la actriz alemana Luise Heyer. Ésta, estudió en la Academia de Música y Teatro de Rostock y se graduó en 2010. Desde entonces, ha aparecido en el Schauspielhaus Dortmund, en 'Espectros' de Ibsen y también en 'Macbeth', 'Bodas de sangre' y 'La ópera de los tres centavos'. Fue elegida Mejor Actriz en la temporada 2012 de este teatro. También apareció en la serie de Netflix 'Dark' y en la serie estadounidense 'Homeland'. Excelente actriz que representa con firmeza el papel de la madre doliente que no puede atender a su hijo. 


En conclusión, Este niño necesita aire fresco es una película muy cuidada y de una bellísima factura técnica. La exquisitez de su dirección de arte con una excelente selección de espacios interiores y exteriores la hacen aún mejor. En cierta manera la cinta es un homenaje a la infancia y al buen humor. En definitiva, hablamos de un curioso y emotivo homenaje en forma de cuento al cómico Hape Kerkeling. 


Nacionalidad: Alemania.

Título original:
Der Junge muss an die frische Luft

Título anglosajón: All about me

Dirección: Caroline Link

Guion: Ruth Toma.
(Libro: Hape Kerkeling)

Música: Niki Reiser

Fotografía: Judith Kaufmann

Reparto: Luise Heyer, Sönke,
Martina Eitner, Diana Amft,
Elena Uhlig, Joachim Król,
Rudolf Kowalski, U. .Werner.

viernes, 24 de abril de 2020

¡Diez besos de cine (pre-mascarillas)!


Los besos en el cine son una perfecta excusa para oxigenar a Cine y críticas marcianas de la vorágine del puñetero coronavirus. Por eso, he pensado en hacer un decálogo con diez de los besos que por una u otra razón han tenido influencia en la historia de la cinematografía. Y es que aún no sabemos como será el cine post-Covid 19, pero besos de momento no veremos en la gran pantalla.

Así lo dicen los primeros protocolos que se están entregando a los guionistas: menos pasión, menos ardor y menos besos. El distanciamiento social también ha llegado al cine.

Este decálogo va a seguir un orden cronológico de los felices tiempos pre-mascarillas.

1. The Kiss, 1898.


En el cine siempre hubo besos. Tanto en los patios de butacas de las salas de todo el mundo, como en las propias pantallas de los propios recintos.

Pero, ¿cuál fue el primer beso rodado y exhibido en la gran pantalla?

Pues tenemos que viajar hasta el año 1898 y situarnos en el cortometraje titulado The Kiss rodado en New Jersey bajo las ordenes del inventor y empresario Thomas Edison. En el mismo, el actor John C. Rice y la actriz May Irwin se besaban durante 18 segundos inaugurando esta "displicina".

Este beso escandalizó a la puritana sociedad de la época.

2. Lo que el viento se llevó, 1939. 


Lo que el viento se llevó sigue siendo proporcionalmente la película más taquillera y la más vista de la historia del cine. Y el beso entre Rhett Butler y Escarlata O’Hara, o sea, Clark Gable y Vivien Leigh fue el primer gran morreo que recuerdo a todo color. La frase que pronunciaba el personaje de Rhett Butler denotaba seguridad e incluso un poco de prepotencia, ¿no creen?:

“Ninguno de esos necios ha sabido besarte así jamás.”

3. Casablanca, 1942.



"El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos".

Película mítica, e icónica que nos regalaba el beso entre Ingrid Bergman y Humphrey Bogart.

Rescatemos un dialogo de la Casablanca dirigida por Michael Curtiz:

Ilsa: _Lo dices porque quieres que me vaya.

Rick: _ Lo digo porque es la verdad. Los dos sabemos que tu lugar es con Víctor. Tú eres parte de su obra. Si no te vas con él, te pesará.

Ilsa: _¿Y nosotros?

Rick: _ Nosotros siempre tendremos París. No lo teníamos hasta que viniste a Casablanca. Anoche lo recuperamos.

Ilsa: _Y yo dije que nunca te dejaría.

Rick: _Nunca me dejarás. También tengo obras que realizar. No puedes ser parte de lo que yo debo hacer.

4. Vacaciones en Roma, 1953. 



Otro clásico universal del cine que fue reseñado en su momento en Cine y críticas marcianas con la colaboración especial de la escritora María Delgado.

Os dejo un fragmento de la reseña publicada en la sección ¡Qué maravilloso es el cine!:

"El film es como una gran receta. Posee todos esos ingredientes de calidad que, unidos, jamás podrían fracasar: una princesa agotada de su agenda encorsetada, un periodista en busca de una noticia sensacionalista, la relación romántica entre ambos y la ciudad eterna como telón de fondo".

El beso entre Audrey Hepburn y Gregory Peck fue de auténtico cine.

5. La Dolce Vita, 1960. 


¡Épico!

Anitta Ekberg fue la sueca que era la antítesis del actual Ikea. Es decir, un monumento humano sin derecho a réplica. Con ella Federico Fellini compuso la mítica escena de la Fontana di Trevi en la que se besaba con Marcello Mastroianni. Sobran más comentarios.

6. Desayuno con diamantes, 1961. 



Besando bajo la lluvia sería un estupendo título para el beso entre Audrey Hepburn y George Peppard bajo la dirección de Blake Edwards.

Voy a rescatar un fragmento de mi reseña sobre la mítica película americana:

Nueva York amaneciendo, suena la canción 'Moon River' y Audrey Hepburn baja de un taxi, camina unos pasos y se detiene frente a la joyería Tiffany's. Allí, con la mirada perdida en un sueño de luz y brillantes, y en pie, saca de un paquete un café, un croissant y desayuna con diamantes.

7. Titanic, 1997. 



James Cameron unió para siempre a Leonardo Di Caprio y a Kate Winslet a través los besos de la cinta ganadora de 11 Oscars de la Academia. Eso sí, al personaje de Rose le vendría bien el dicho de: "Te quiero mucho perrito, pero pan poquito". ¿Había o no había hueco en la tabla para que el pobre Jake se hubiera subido con ella? En fin, casi mejor; con eso no hubo segunda parte.

8. Sabrás qué hacer conmigo, 2016.



Los últimos tres besos los he querido dejar para la zona marciana. Es decir, besos y películas que fueron reseñadas de estreno en Cine y críticas marcianas.

Sabrás qué hacer conmigo es una película independiente mexicana que me encantó, y que sigue estando entre las entradas más visitadas del blog.

El beso entre Ilse Salas y Pablo Derqui me da pie a rescatar un breve fragmento de la crítica:

La narración de la historia es lo más singular y vanguardista de la cinta. La película tiene un doble comienzo que se siente como cine experimental dentro de la sencillez de la composición. Nos encontramos ante la mejor "antielipsis cinematográfica" que he visionado en los últimos años.

9. Amar, 2017. 



La también película independiente española Amar de Esteban Crespo nos dejo un póster y un beso entre María Pedraza y Pol Monen para el recuerdo.

Otra película muy intima de la que guardo un grato recuerdo, y de la que voy a rescatar el siguiente fragmento de la crítica marciana:

Laura (María Pedraza) y Carlos (Pol Monen) están enamorados a tiempo completo. Es decir, 24 horas sobre 24, pensando el uno el otro sin más norte que su próxima cita o su próxima llamada. Quizás dentro de veinte años, el amor de Carlos y Laura evolucione hacia un amor a tiempo parcial. Así es el amor de los padres de ambos representando la mirada irónica y desgastada del amor maduro. Ya decía alguien, que la manera ideal de acabar con el amor era un buen matrimonio...

10. Disobedience, 2018.


Y para acabar con este decálogo: el beso de la polémica.

Protagonizado por Rachel Weisz y Rachel McAdams se produjo en Disobedience que fue una cinta dirigida con enorme sensibilidad por Sebastián Lelio. 

La película levantó una gran polvareda entre los sectores más conservadores e incluso me llegaron peticiones nada conciliadoras para que retirara la reseña: "por atentar contra la moralidad y la decencia en las familias cristianas".

Evidentemente la crítica no fue borrada, y también voy a extraer un pequeño fragmento de la misma:

En Disobedience, nos encontramos con un viaje donde los afectos universales explotan salvajemente cuando la sexualidad pasa de reprimida a exteriorizarse de una manera ávida e instintiva. La secuencia lésbica central va a pasar a la historia por marcar un antes y un después tanto para las actrices, como por la bellísima manera de estar rodada en el cine convencional. En este caso, el cineasta logra atravesar unos limites que en otros tiempos -y veremos ahora- estarían calificados como perversión.

El día 13 de abril de cada año se celebra el Día Internacional del Beso en el que se conmemora el beso más largo de la historia. Esperemos que el año que viene se vuelva a celebrar con normalidad.

Este beso duró 58 horas y  fue protagonizado por una pareja tailandesa durante un concurso de besos.

¡Cosas de terrícolas! 

lunes, 20 de abril de 2020

¡Qué maravilloso es el cine! El cartero y Pablo Neruda


Por Alma Baires & Miguel Pina

El cartero y Pablo Neruda dirigida por Michael Radford es una película italiana del año 1994 que destaca por la sutileza de sus lineas narrativas y por lo preciosista de sus evocadoras imágenes. “Il Postino”, que es su título original, se estrenó en Italia en el Festival de Venecia el 1° de septiembre de 1994 y fue distribuida en las salas italianas el 22 de ese mismo mes. Una película del, hasta ese momento no muy conocido, director inglés Michael Radford y de Massimo Troisi. Porque, aún si luego nunca fue acreditado, el actor italiano que saltó a la fama por este papel, fue el co-director de la película y se involucró también en la redacción del guion. 


El filme está basado en la novela titulada “Ardiente paciencia” (1986) del escritor chileno, Antonio Skármeta. La cual, cuando fue leída por Massimo Troisi, le causó un gran impacto emocional y no se detuvo hasta poder comprar los derechos para llevarla a la gran pantalla.

Si bien en el libro la historia se ambienta en un pequeño pueblo de pescadores de la Isla Negra, cerca de las costas chilenas, en junio de 1969; para la película se decidió hacerlo en el año 1952, período en el que realmente Pablo Neruda se encontraba exiliado en Italia. Después de probar a rodar la película en la isla de Pantelería (Sicilia), se eligió hacerla en Procida y Salinas, en las cercanías de Nápoles. En este lugar nació Massimo Troisi y ahí es cuando comprobamos la máxima implicación del actor en el proyecto que cambiaría su vida. El cine, una vez más, es el reflejo de las emociones de sus creadores.

El mapa geográfico y sentimental de El cartero y Pablo Neruda siempre transcurre de manera paralela en la bellísima filmación. A Pantelería es donde el poeta Pablo Neruda llega pidiendo asilo político. Allí es donde entabla amistad con Mario (Massimo Troisi) que es contratado como cartero para hacerle llegar la correspondencia al famoso poeta. Pablo Neruda es interpretado por el famoso actor francés Philippe Noiret, con hasta ese momento una larga lista de éxitos internacionales (¿quién podría olvidar su personaje de Alfredo en Cinema Paradiso de Tornatore?). Y ese cartero, un hombre pobre y simple, hijo de un pescador analfabeto (como casi todos los habitantes de la isla), es el ya nombrado Massimo Troisi, conocido en Italia como “el cómico de los sentimientos”.


El filme italiano gira en torno a la relación maestro/discípulo que de alguna manera ya se apreciaba en la antes citada Cinema Paradiso. En aquella mítica cinta era la sala de cine la que servía como referencia cultural, social e informativa de un pequeño pueblo italiano. Este municipio abría sus ojos al mundo a través de la cinematografía. Sin embargo, en El cartero y Pablo Neruda el motor que mueve a los personajes representados es la poesía. La película es también una una interesante metáfora que refleja perfectamente la realidad social de la población italiana de la época. Una sociedad castigada por la posguerra y desconectada en cierta manera de la vida cultural de las grandes ciudades.

Pero el amor no entiende de fronteras sociales o culturales. Tampoco lo hace el deseo sexual. Y ahí es cuando entra en escena Beatricce. Ésta, es interpretada por una hermosa Maria Grazia Cucinotta que representa el poderío de la mujer italiana. En esta parte de la producción, narrada en forma de cuento rural costumbrista, es cuando se establece un triangulo social entre Neruda, el cartero y la joven Breatricce. Mario, que es un hombre tímido, encuentra el coraje y también los medios para intentar conquistar a la mujer que ama a través de los versos de su amigo el poeta.

La escenografía de la cinta es evocadora. La pureza del Mediterráneo siempre está presente en un segundo plano cuando no en un primero. En la parte final se alterna el preciosista color con algunas imágenes en blanco y negro. Con ello, el cineasta apuesta por el melodrama con el que encuentra un contrapunto emocional a la dulzura expresada en la primera parte de la historia. También apreciamos una música muy especial compuesta por el famoso pianista y compositor argentino Luis Bacalov que se llevó el Oscar a la mejor banda sonora original.


El cartero y Pablo Neruda es una cinta bella, sutil y cadenciosa. Nos parece que es mucho más que una película. Es todo un himno a la poesía y al poder de la palabra. Éstas, son capaces de elevar el alma de cualquier ser humano. Mario Ruoppolo, el cartero, se alimenta del aprendizaje del maestro y poeta que tenía a su lado. Hablamos, por tanto, de la historia de una amistad que nace de una admiración profunda y que al final de la película se muestra recíproca. Con ello, se pone en valor la humildad como principal vector moral de la dulce propuesta presentada.


Este texto ha sido escrito de manera conjunta junto a Alma Baires a la que agradezco de manera muy especial su colaboración y su amor por el cine.  

Alma es una escritora argentina afincada en Italia que dirige el blog: Las pasiones de Alma. En él, nos regala su pasión por los libros, las películas y la música. Además de ello, administra otras tres páginas web que podéis consultar en su perfil. Con Alma, comparto una manera muy parecida de ver la vida y con ello la manera de amar el cine. Porque el cine es solo el reflejo de la historias que conforman nuestras vidas, nuestro pasado y nuestro futuro. Gracias Alma y gracias a toda la comunidad que conforma este universo mágico al que aspira a ser Cine y críticas marcianas. 

jueves, 16 de abril de 2020

Los profesores de Saint-Denis: el cole volverá


Los profesores de Saint-Denis se estrena de manera online el próximo 17 de abril. El filme francés superó los 1,8 millones de espectadores en las salas del país galo y se podrá ver desde el mismo día del estreno a través de las plataformas digitales Movistar+, Vodafone, Rakuten.tv, iTunes y Google Play. También a través de la Sala virtual de cine.

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La historia: Samia (Zita Hanrot) es una joven maestra que asume la jefatura de estudios en una escuela en los suburbios de París. En su tarea diaria descubrirá los problemas de disciplina y la realidad social que pesa sobre el barrio de Saint-Denis. Ella, pidió el traslado de manera voluntaria para estar más cerca de su novio y comprobar por sí misma las carencias de la educación pública en las barriadas marginales de la capital parisina. 


La crítica: Los profesores de Saint-Denis estaría enmarcada en lo que popularmente conocemos como cine social. Este sub-género utiliza el cine como medio para la crítica o denuncia de diversas circunstancias sociales. Por ello, este tipo de películas pretenden la transformación social a través de documentales u obras de ficción. En todos los casos, se tratan de obras que se alimentan de la realidad social en una determinada época. Los cineastas que abundan en el cine social piensan el mismo como un medio y no como un fin en sí mismo. Es decir, cumple con dos de los parámetros que comentaba hace no mucho Manolo Munguía: formar e informar. Sin embargo, lo más complejo para este tipo de cine es lograr el tercer parámetro. O sea: entretener.

En lo personal yo añadiría un cuarto valor para cualquier tipo de película por encima de los demás: emocionar. ¿Consigue entonces la película reseñada poner en valor algunos de los parámetros antes señalados? Pues dependerá de como veamos el vaso. Nuestra percepción será distinta si lo vemos medio lleno o medio vacío. 

El cine francés parece atrincherado en las comedias de corte social como ya sucedía en Bienvenidos al barrio. En ella, se hacía hincapié en las relaciones laborales que se establecían en los suburbios de París. En Los profesores de Saint-Denis se incide en la misma idea pero situando el contexto en el ámbito escolar. Cualquier parecido con el cine made in Usa y con sus felices muchachos es pura coincidencia. Mientras allí la mayor preocupación parece estar centrada en el baile de fin de curso o en la popularidad de los alumnos, aquí observamos la dura realidad de la escuela pública en algunos lugares de Europa.  

La película se trata de hilar a través de un cruce de historias entre los profesores y los alumnos del instituto. Se mezclan amores, pedagogía y realidad social en un tono siempre amable pero un tanto monótono. Los 115 minutos de la producción son el mayor error de la misma. Demasiada densidad y muy pocas elipsis narrativas, hacen que el ritmo de la narrativa se resienta por momentos. 


El inmenso reparto coral, como vemos en la imagen superior, hace imposible la valoración de cada interpretación en su justa medida. Pero todos los personajes encuentran un nexo de unión en la excelente actriz francesa Zita Hanrot. La actriz dio el salto a la popularidad en la película Fátima, por la que fue galardonada con el premio César a la mejor actriz revelación en 2015. También la hemos visto en en la serie de Netflix: Amor Ocasional. Su personaje es el que vertebra la acción de todos los demás. Es así, como el espectador de manera omnisciente obtiene toda la información para hacerse una idea del conjunto social representado. 


En conclusión, Los profesores de Saint-Denis me ha parecido una apuesta meritoria a pesar de que se queda a medio camino entre la comedia pura y el cine social más comprometido. Con algunos momentos brillantes y otros realmente previsibles, lo mejor de la filmación es poder comprobar que la vuelta al cole y la vuelta a la normalidad de sus conflictos está cada vez un poquito más cerca. Un aplauso también para todos los maestros. 

Nota: 6/10. 


Dirección y guion:

Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Título original: La vie scolare

Nacionalidad: Francia

Duración: 115 minutos

Música: Angelo Foley

Fotografía: Antoine Monod

Reparto: Zita Hanrot, Soufiane G,
Alban Ivanov, Moussa Mansaly,
Liam Pierron, Bakary Diombera,
Adèle Galloy, Gaspard Gevin-Hié,
Antoine Reinartz, Redouane Boug,
 Maera Chouaki, Hocine Mokando

domingo, 12 de abril de 2020

La alegría de las pequeñas cosas: la constelación de los afectos


La alegría de las pequeñas cosas dirigida por Daniele Luchetti tenía previsto su estreno en España el día 10 de abril. Con los cines aún cerrados, el estreno del filme italiano se produjo ese mismo día en la Sala virtual de cine y en las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv.

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La historia: Al comenzar su jornada, Paolo sigue una misma rutina: desayuna, se sube a su moto para ir al trabajo y se salta un semáforo. Un día al atravesar el cruce un camión lo arrolla y pierde la vida. Pero por un error de cálculo divino, Paolo obtiene una hora y media más para vivir después de la muerte. Tendrá 90 minutos más de vida acompañado por su ángel de la guarda. ¿Podrá recomponer su pasado para conquistar el futuro? ¿Qué cosas serán ahora las importantes en esta prórroga vital?


La crítica: La alegría de las pequeñas cosas está basada en las aclamadas novelas “Momentos de inadvertida felicidad” y “Momentos de inadvertida infelicidad” de Francesco Piccolo, publicadas en España por la Editorial Anagrama. Hablamos de una comedia con elementos fantásticos que juega con la idea de la vida después de la muerte, en la línea de clásicos como “El cielo puede esperar”. También nos recuerda a Angel-A, a The Family Man o incluso a ¡Qué bello es vivir! por las lineas argumentales que ya manejaba el maestro Frank Capra en el clásico navideño. 

La cinta italiana no está a la altura cinematográfica de las películas mencionadas con anterioridad. Es muy complejo combinar la comedia costumbrista con el cine conceptual. De esta manera, la cinta se queda a medio camino entre ambas variables. Sin embargo, La alegría de las pequeñas cosas consigue captar la atención por la cotidianidad y la cercanía sentimental con la que está impregnada. 

Y así es como llegamos a los avatares en la que nuestro protagonista repasa su vida: su infancia y sus deseos, las mujeres que estuvieron pero no fueron y los momentos de felicidad que si fueron pero no estuvieron. A su alrededor, una constelación de afectos. Hablamos de una película ágil sin demasiadas pretensiones y que está impregnada de sentimientos contradictorios. Es melancólica y a la vez alegre. Un ritual para exorcizar el miedo a irse, para lograr un equilibrio afectivo y para comprender como las pequeñas cosas son las más importantes de nuestra vida.


El cómico italiano Pierfrancesco Diliberto encabeza el reparto de la película intentando como puede dar réplica a los James Stewart o Nicolas Cage que antes interpretaron papeles con la redención en el punto de mira. Su compañera femenina de reparto es la cantante y actriz italiana Federica Caiozzo (Thony) que interpreta con dulzura a la esposa de Paolo. Ambos personajes comparten muchas pequeñas cosas de la idiosincrasia italiana y de la vida en pareja de manera más general. 

En estos tiempos de tribulaciones y mascarillas el contacto humano es más valorado que nunca. Y de eso es de lo que nos habla con firmeza el filme italiano. No sabemos aún como será el mundo tras la pandemia, pero si sabemos como era antes. Aún así quiero confiar en que ya volverán los abrazos y los besos como dice la preciosa canción recién compuesta por Jorge Drexler.  

La alegría de las pequeñas cosas es en conclusión una película solida que puede ser disfrutada tanto por su inofensiva superficie, como por la complejidad que encierra su mensaje. Un filme en definitiva que envuelto en la comedia alberga cierto cuerpo intelectual sin caer en la arrogancia. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Italia

Título original:
Momenti di trascurabile felicità

Duración: 90 minutos

Dirección: Daniele Luchetti

Guion: Francesco Piccolo

Música: Franco Piersanti

Fotografía: Tommaso Fiorilli

Reparto: Pierfrancesco Diliberto,
Thony, Renato Carpentieri,
Angelica Alleruzzo, Vincenzo Ferrera

lunes, 6 de abril de 2020

Cine de Semana Santa: de María Magdalena a Rey de reyes


El cine de Semana Santa o cine bíblico nos suele dejar cada año por estas fechas al menos una nueva propuesta. Sin embargo, al estar los cines cerrados los estrenos que hubiera previstos se pospondrán ya hasta el año que viene. Si un virus ha conseguido cerrar las iglesias, que Dios nos coja confesados. La paradoja de que ahora mismo ya no se pueda dar la paz en las misas y de que la gente acuda con mascarillas a las pocas iglesias que quedan abiertas en el mundo es tremenda. De esta no se libra ni Dios. 

Soy consciente que el cine bíblico no es demasiado atractivo para las personas que han comentado a lo largo de estos años tanto en Cine y críticas marcianas, como en las redes sociales. Al menos en las que dan apoyo al blog marciano. Sin embargo, surge una nueva paradoja. Las críticas realizadas hacia las películas que engloban a este género generan un tráfico web inmenso. De hecho, algunas de mis reseñas dedicadas a este tipo de cine son de las que más visitas tienen hasta el día hoy. Tercera paradoja para un agnóstico.

De esta manera es fácil deducir que una cosa son los comentarios tanto aquí, como en redes sociales y otra muy distinta es el posicionamiento web en Google. Es decir, el número de visitas es un indicador bastante fiable de lo que genera o no genera interés para los lectores a nivel global. En este caso a los lectores de críticas cinematográficas.

Sin más preámbulos voy a seleccionar cinco películas de menor a mayor antigüedad en su fecha de estreno. Estas, despertaron interés, curiosidad o polémica en mayor o en menor medida.

1. María Magdalena dirigida por Garth Davis (2018).


Con un excelente Joaquin Phoenix en el papel de Cristo y una estupenda Rooney Mara interpretando a María Magdalena fue una película que desmontó el mito del pecado de esta mujer. 

¿Fue María Magdalena la precursora de los derechos de la mujer? ¿Por qué se la ha considerado una prostituta o como mínimo una mujer pecaminosa? ¿Existió realmente esta mujer como figura histórica? ¿Pudo mantener con Cristo una relación que fuera más allá de la amistosa? ¿Dónde esta enterrado su cuerpo? ¿Por qué se la acusó de estar endemoniada? ¿Fue la única mujer apóstol o sencillamente una discípula de Jesús? ¿Pudo ser relegada en los evangelios a una figura menor por su condición de fémina? ¿Estuvo enamorada del nazareno o solo enamorada de su mensaje? ¿Transmitió el mensaje evangélico y fue testigo de la resurrección? ¿Por qué entonces impide la iglesia católica a las mujeres ser sacerdotes? ¿Quién fue realmente María Magdalena?

La cinta británica trata de responder a estas preguntas que me sigo haciendo en un más que interesante documento cinematográfico.

2. Risen (Resucitado) dirigida por Kevin Reynolds (2016).


Protagonizada por un magnífico -y desaparecido- Joseph Fiennes, la cinta hispano-estadounidense es una especie de investigación policial-forense en "una de romanos". Jesús de Nazaret aparece como investigado. La cinta empieza por donde otras películas bíblicas acaban. Es decir, por la crucifixión. Por lo tanto ya nos encontramos ante un enfoque innovador. Lo hace además, desde el punto de vista de un tribuno militar romano no creyente. Este enfoque es el que otorga a la cinta una perspectiva distinta a lo habitual en el género bíblico.

3. La Pasión de Cristo dirigida por Mel Gibson (2004).


Con 30 millones de presupuesto inicial la película alcanzó la asombrosa cifra de 600 millones dólares de recaudación. La expectación fue enorme no recordando en lo personal cines tan abarrotados hasta la fecha de hoy. De hecho, solo con esta cinta y con la española Torrente 2 he visto una sala de mil personas completamente llena. Respecto a su narrativa me pareció extremadamente violenta y más cercana al cine gore que al religioso. Desde luego, se puede afirmar que es una película no apta para todos los públicos. Una mujer venezolana falleció de un infarto en la puerta del cine tras ver la proyección y en Kansas, Peggy Scott, de 56 años, sufrió un ataque al corazón fatal durante la escena de la crucifixión.

4. La última tentación de cristo dirigida por Martin Scorsese (1988).


Tildada por algunos de anti-cristiana o incluso como una herejía, la película es una elucubración de que hubiera sucedido si Jesús de Nazaret hubiera sido salvado de la crucifixión. En esta versión cinematográfica se especula con que el Nazareno habría formado pareja con María Magdalena y posteriormente hubiera contraído matrimonio con Marta de Betania. El 23 de octubre de 1988, un grupo de católicos integristas incendió un cine que proyectaba la película en el barrio de Saint Michel en París. En Estados Unidos las protestan se multiplicaron por todo el país. Con un metraje de casi tres horas de duración tal vez algún día sea retro-reseñada de manera completa en Cine y críticas marcianas.

5. Rey de reyes dirigida por Nicholas Ray (año 1961).


En contraposición a algunas de las películas que hemos mencionado con anterioridad, Rey de reyes quizás sea la película más dulce que se haya realizado sobre la vida de Jesús. Hablamos de todo un clásico del cine que destacó por la belleza de su fotografía y por la interpretación de Jeffrey Hunter. Como curiosidad adicional cabe destacar que Carmen Sevilla interpretó a María Magdalena. El filme también destacó por su música que podremos apreciar de mejor manera en el tráiler en versión original que dejo al final de esta publicación.


P.D. Esperemos que el año que viene se pueda estrenar alguna película bíblica en los cines. Sobre todo porque eso sería una señal de que la industria del cine se ha recuperado de esta pesadilla distópica que nos ha tocado vivir.

¡Feliz semana a creyentes, ateos y agnósticos!

jueves, 2 de abril de 2020

Vivarium: alucinante distopía de la vida en pareja


Vivarium es un filme estadounidense dirigido por Lorcan Finnegan que se estrena en cines virtuales el próximo 8 de abril. La iniciativa parte de A Contracorriente Films ante la crisis del coronavirus. La película llegó a estrenarse en los cines de Francia y ahora llega a las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv. También podrá verse en la Sala virtual de Cine y si se reabren las salas durante el mes de abril o mayo podrá estrenarse también de manera convencional en los cines. 

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La historia: Tom (Jesse Eisenberg) y Gemma (Imogen Poots) son una joven pareja que deciden dar el paso de irse a vivir juntos. Para ello, visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño tipo que les acompaña a Yonder. Esta, es una nueva urbanización donde todas las casas son idénticas. De repente, el agente de ventas se esfuma y la pareja queda atrapada en la laberíntica urbe donde nada es lo que parece. 


La crítica: Cuando un servidor pensaba que lo había visto todo en la vida y en el cine, los acontecimientos vividos durante el último mes demuestran que la realidad supera con creces a la ficción. Vivarium es un filme tan novedoso y extraño que también rompe la premisa de que en el cine estaba ya todo inventado. 

Un vivarium es un área, generalmente cerrada, para guardar y criar animales o plantas para observación o investigación. Frecuentemente, se simula en una pequeña escala una porción del ecosistema de una particular especie, con controles para condiciones ambientales.

Nunca sabremos si nuestra especie es una enorme granja humana dirigida por un Dios o si simplemente somos un accidente de la Naturaleza que nos permite habitar por el momento sobre el planeta azul. 

La premisa del filme es muy original y apenas se puede encontrar alguna referencia en el marco estético con El show de Truman. Lo demás es muy novedoso. Tom y Gemma están atrapados en una urbanización sin vida. Tras dar vueltas y vueltas con el coche para encontrar la salida deciden pasar la noche en una de esas idénticas casas. Al despertar y salir a la calle se encuentran con una nueva sorpresa. Un bebé con estas instrucciones: "criad al niño y seréis liberados". 


Vivarium nos habla de manera distópica de la supuesta vida ideal que ha calado en la sociedad actual. Casas con jardín, buen posicionamiento social y un buen coche en la puerta. Es el cebo que conduce a muchos a la trampa de hipotecarse de por vida.  Las áreas naturales se destruyen para dar paso a filas de casas idénticas. Son laberintos para que una sociedad atomizada viva su días sin pararse a pensar. Comemos alimentos procesados envueltos en plástico, los medios nos llevan al pensamiento único y el propio consumismo nos consume como especie. 

Vivarium se alimenta de estas ideas. La narrativa las amplifica y lo ordinario se hace extraordinario a través de la lente de la ciencia ficción. Hablamos de una historia surrealista y retorcida que es también oscuramente humorística. Un universo hipnótico reflejado con gran inteligencia emocional. 


En el reparto destaca Imogen Poots (Jane Eyre). La actriz británica fue galardonada en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges por este papel. La complejidad de su personaje radica en que se ve obligada a ser madre de un niño tan siniestro que dan ganas de rebanarle la cabeza. Este papel es interpretado de manera maestra por el niño Senan Jennings. Sin duda, se coloca como uno de los favoritos a mejor actor revelación del año en curso. Un personaje realmente terrorífico y que aporta también novedades respecto a porque los niños siniestros asustan tanto en el cine. Por último, un irregular Jesse Eisenberg (Café Society) ocupa el papel del desconcertado "hombre de la casa". 

En conclusión, Vivarium me ha parecido una perfecta crítica a la sociedad de consumo y un retrato descarnado del matrimonio como institución. Pero si por algo destaca la producción es por las altas dosis de suspense y por el mensaje que nos deja sobre el recorte de las libertades civiles. Su final redondo y circular completan una experiencia muy sorprendente. 

Nota: 8/10.


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Lorcan Finnegan

Guion: Garret Shanley 

Fotografía: Miguel De Olaso

Música: Kristian Andersen

Duración: 97 minutos

Reparto: Imogen Poots, J. Eisenberg,
Jonathan Aris, Senan Jennings.