martes, 26 de septiembre de 2023

Golpe de suerte: Woody Allen vuelve a su mejor versión


Golpe de suerte dirigida por Woody Allen se estrena en cines españoles el próximo día 29 de septiembre de 2023. Rodada en París y protagonizada por los intérpretes franceses Lou de Laâge, Melvil Poupaud y Niels Schneider, es la película número 50 de Allen y su primer film rodado en francés.

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La historia: Fanny (Lou de Laâge) y Jean (Melvil Poupaud) parecen el matrimonio ideal: ambos tienen éxito en su trabajo, viven en un piso precioso en un exclusivo barrio de París y parecen estar tan enamorados como cuando se conocieron. Pero cuando Fanny se topa accidentalmente con Alain (Niels Schneider), un antiguo compañero de instituto, se vuelve loca de amor. No tardan en volver a verse y cada vez intiman más...

La crítica: Con un final digno de una obra maestra, Woody Allen vuelve a su mejor versión con una cinta muy en la línea de Match Point. Con 87 años, siendo su película número 50 y con ese cierre narrativo, quizás sería el momento de retirarse por la puerta grande. 

Golpe de suerte es la vuelta a París del maestro estadounidense. Aunque la filmografía de Woody Allen está indiscutiblemente asociada con Nueva York, la Ciudad de la Luz siempre ha ocupado un lugar muy especial en el corazón del realizador. Después de filmar -en parte- "Todos dicen I love you" en París en 1996 y de convertir a la capital francesa en un personaje por derecho propio en "Midnight in París", esta vez regresa a la capital gala para rodar una película íntegramente en francés.

El azar y la suerte, un tema recurrente en la obra de Allen, vuelven a aparecer con fuerza en Golpe de suerte. El cineasta siempre ha pensado que la fortuna y el azar juegan un papel mucho más importante de lo que estamos dispuestos a reconocer: nos gusta pensar que si trabajamos duro, si nos aplicamos y somos disciplinados, podremos controlar nuestras vidas. Pero eso solo es una verdad a medias, a pesar de que es una idea que puede resultar desconcertante. En la película, Jean, el marido de Fanny, comenta que él fabrica su propia suerte sin saber lo que le espera. Cuando Fanny se cruza casualmente en la calle con Alain, un antiguo compañero de clase reconvertido en escritor, la mujer queda prendada de él. No sólo le reaviva la atracción que él siente por ella, sino que Fanny comprende que no está viviendo la vida que realmente quería y que se ha convertido para Jean en una especie de esposa trofeo de la que está orgulloso de presumir ante su círculo de amigos. ¿Qué estará dispuesto a hacer este hombre ante la infidelidad de su esposa? ¿Fanny se atreverá a dejar su posición social por amor? ¿Qué papel jugarán los celos?

Buen trabajo de la actriz francesa Lou de Laâge como Fanny. Su personaje es el de una joven que se sentía vulnerable e insegura y que, en un momento concreto de su vida, necesitó apoyarse en alguien y por eso recurrió al adinerado y excéntrico Jean. Su marido logra ocultar algunos aspectos de su personalidad que se vuelven cada vez más siniestros. De eso también trata la película: nunca conoces del todo a la persona con la que vives. Papel interpretado con corrección por Melvil Poupaud. Y luego para completar el triangulo amoroso aparece Alain. Un personaje que se presenta como trasunto de lo que Woody Allen fue o quiso ser en su juventud. Alain es un optimista empedernido que confía plenamente en la vida y se deja llevar por la corriente. Cuando se cruza con Fanny, el único amor de su vida que se le escapó en su momento, consigue que ella se descubra a sí misma, a lo que solía ser, a lo que ha perdido. Buena interpretación de Niels Schneider.

Importante trabajo en la dirección de fotografía del maestro Vittorio Storaro. En mi opinión el mejor fotógrafo de cine de la historia. Café Society, también con Allen, fue un trabajo deslumbrante, y en Golpe de suerte vuelve a deslumbrar por hacer narrativa con la luz de sus lentes. La fotografía y los diferentes colores, desde los tonos cálidos y dorados hasta los más fríos, realzan la belleza de la ciudad y expresan el viaje emocional que van a recorrer los personajes. Storaro busca enfatizar visualmente la oposición entre los dos protagonistas. Escoge tonalidades cálidas para Fanny, utilizando la preciosa luz del mediodía o la cálida luz del atardecer, ya que son los momentos en los que se ve con Alain. Para realzar la sensación de libertad de Fanny, la filma principalmente con una Steadicam y con un objetivo más largo. Con Jean fue todo lo contrario, ya que el personaje se asocia con la luz de la luna. Asimismo, quiso conferir al precioso piso parisino -el territorio por excelencia de Jean- un tono azulado que se va intensificando a medida que aumenta la tensión.

La fotografía de Storaro, los lugares y los barrios de París por los que se mueven los personajes ofrecen una visión idealizada de la ciudad. Al igual que las localizaciones y el diseño de producción, el vestuario ayuda, a su manera, a narrar la historia y a acentuar los momentos de tensión y emoción.  En el caso de Jean y Fanny, se muestra el estatus social y el buen gusto de la pareja a través de sus trajes, zapatos y joyas. En cuanto a Fanny, al principio luce un look sofisticado y elegante que se vuelve más sencillo y desenfadado a medida que se acerca a Alain.

Golpe de suerte me ha parecido la mejor película de Woody Allen en muchos años. Con un guion vestido de ligereza se afrontan los temas más importantes en la vida desde una perspectiva desenfadada. Temas como el amor, las rupturas sentimentales, las pasiones vividas, las ilusiones, los celos, el engaño, o la vida profesional van tejiendo una historia que finaliza de manera sorprendente e inesperada. 

Hablamos de un libreto equilibrado entre tragedia y comedia con el clímax típico del genial Allen. En esta película, cada fotograma, cada decisión creativa -ya tenga que ver con el montaje o con la música- mantiene un equilibrio constante entre el patetismo y el humor, entre la sensación de amenaza y de despreocupación, de modo que te ríes y te emocionas a la vez gracias a esta asombrosa ambivalencia. El elemento de vodevil-farsa enlaza con una tradición del drama cinematográfico francés, pero está impregnado de una dimensión más oscura y ambigua a través de los personajes. La cinta expresa la visión de la existencia de Woody Allen: la vida es como jugar a los dados y todos estamos a merced del destino. La estructura del guion, implacable a pesar de su apariencia de fábula, nos congracia con el cine y con la felicidad de las buenas películas.

Nota: 9/10.


Título original: Coup de Chance

Nacionalidad: Francia - EEUU

Género: Comedia dramática 

Dirección: Woody Allen 

Guion: Woody Allen 

Fotografía: Vittorio Storaro

Duración: 100 minutos

Reparto: Lou De Laâge,
Niels Schneider, Melvil Poupaud, 
Elsa Zylberstein,Valerie Lemercier

martes, 19 de septiembre de 2023

Películas curiosas: El hombre del saco

El hombre del saco dirigida por Ángel Gómez Hernández (Voces) se estrenó en cines españoles el día 11 de agosto de 2023 y llegará a Prime Vídeo el próximo 25 de septiembre. La cinta explora los mitos y leyendas que dejó el crimen real ocurrido en la localidad de Gádor (Almería) en el año 1910 cometido por un varón que utilizó un saco para ocultar a su víctima. 

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Gádor, 2023. Una mujer (Macarena Gómez) y sus tres hijos se instalan en un pequeño pueblo de la España rural para comenzar una nueva vida. Pronto descubren que en los últimos meses se han producido desapariciones de niños y se embarcarán en una aventura a contrarreloj para descubrir la verdad que se esconde tras la peculiar leyenda de El Hombre del Saco.

Recuperamos la sección de Películas curiosas (Curiosidades de cine) con El hombre del saco que de manera independiente a que pueda gustar más o menos, recupera la mítica leyenda española para llevarla por primera vez al cine. Tras su paso por las salas se emitirá en Prime Vídeo. Cómo curiosidad adicional cabe decir que el filme es una coproducción hispano-uruguaya aunque el país latino solo se implica en la financiación. 

¿Existió en realidad El hombre del saco?: sí. En 1910, en un pueblo de Almería llamado Gádor, murió asesinado Bernardo Gómez Parra. Un niño que contaba con 7 años de edad y que fue secuestrado en un gran saco para ser utilizado en un ritual de sanación. Francisco Ortega “el moruno” estaba preocupado por su salud y empezando a padecer lo que pensaba que podía ser tuberculosis. Ante esta situación visitó a Agustina Rodríguez que era la curandera del pueblo. Esta a su vez, ante la imposibilidad de curar su enfermedad, le recomendó que visitara a Francisco Leona (El hombre del saco). Tras diagnosticar a "el moruno" con una enfermedad mortal, le ofreció la solución. Esta pasaba por someterse a un ritual en el que el enfermo tendría que beber la sangre caliente de un niño. Tras extraer al niño del saco en donde le habían metido, le practicaron una incisión bajo la axila de la que comenzó a brotar la sangre. El niño murió y todos los cómplices fueron detenidos. El curandero Leona fue condenado al garrote vil, pero murió antes de ser ejecutado en la cárcel. A partir de ese momento y hasta nuestros días algunos padres han utilizado la figura de El hombre del saco para proteger a sus hijos en sus salidas nocturnas.

La película es una aventura juvenil para grandes y pequeños que combina tensión, intriga, amistad, con algo de terror y sorpresas para descubrir los secretos y enigmas de una leyenda tan fascinante y universal como esta. La leyenda se ha extendido de manera internacional con nombres como "The boogeyman", "El hombre de la bolsa" o "El ropavejero". La narrativa nos lleva hasta la actualidad con buenas dosis de tensión y huyendo de sustos gratuitos. Una historia que nos lleva al Gádor actual y a una plaga de desapariciones de niños de la que se empieza a sospechar que sea responsabilidad de un imitador de El hombre del saco.

En el reparto cabe mencionar al actor Javier Botet, figura clave del cine de terror a nivel nacional, que se convierte en El hombre del saco. Está acompañado por la nominada al Goya Macarena Gómez y el ganador del Goya, Manolo Solo. Además, la película cuenta con un destacado plantel de jóvenes intérpretes en una historia que combina emoción, misterio y aventuras: Lorca Prada, Claudia Placer, Iván Renedo y Carla Tous, entre otros, conforman la intrépida pandilla protagonista que se adentrará en los claroscuros de una leyenda que sigue atemorizando a grandes y pequeños

En la parte técnica destaca como el cineasta español rueda de manera soberbia con un gran manejo de cámara, encuadres y planos. Además se iluminan de manera óptima los planos nocturnos y el sonido es bueno. Cinta rodada entre Cádiz, Madrid y Gran Canaria, pero situada en Almería por lo que se encuentra fallido que solo un par de interpretes se expresen con acento andaluz. Otro error de dirección de arte, en este caso, es la desproporción entre la fachada de la morada del villano y su interior: construcción minúscula -tipo refugio de montaña- e interiores enormes. 

El hombre del saco es una cinta resultona, curiosa y que mezcla de manera irregular realidad, leyenda e historia negra de España. El filme explora, revela y nos trae a la gran pantalla el popular personaje que tantas pesadillas ha provocado entre los más jóvenes y nos sumerge en los orígenes españoles de la historia: un almeriense enfermo de tuberculosis dispuesto a cualquier cosa para curarse, incluso a beberse la sangre de los niños que secuestra en un saco. Con referencias a Los Goonnies o al cine basado en las novelas de Stephen King, el cineasta saca de las tinieblas a uno de los villanos ibéricos por excelencia y pone sobre la mesa un emotivo mensaje sobre la culpa, el perdón y la redención con un cuento mágico en el que se alterna el terror tradicional con las aventuras juveniles.


Nacionalidad: España, Uruguay

Dirección: Ángel Gómez Hernández

Género: Terror y aventuras

Guion: Juma Fodde

Dirección de fotografía: Javier Salmones

Música original: Jesús Díaz

Duración: 90 minutos

Reparto: Javier Botet, 
Macarena Gómez, Manolo Solo, 
Iván Renedo, Claudia Placer,
Lorca Prada, Luna Fulgencio

martes, 12 de septiembre de 2023

Verano en rojo: el cine negro se tiñe de carmesí


El reciente 8 de septiembre de 2023 se ha estrenado en cines españoles Verano en rojo, un thriller policíaco dirigido por Belén Macías (El patio de mi cárcel) protagonizado por la nominada al Goya, Marta Nieto (Madre) y el ganador del Goya, Jose Coronado (No habrá paz para los malvados).

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La historia: Verano de 2010. La comisaria María Ruiz (Marta Nieto) se enfrenta a un tenebroso crimen: un joven ha aparecido asesinado. Sin identidad visible. Sin pistas aparentes. Sin móvil. Mujer concienzuda y tenaz, María iniciará una investigación que se complicará aún más cuando se produce un segundo asesinato. Pero no está sola, el veterano periodista Luna (Jose Coronado), un maestro de la profesión acorralado por la crisis y la era digital, será clave para solucionar un caso que les llevará hasta las puertas de una importante orden religiosa. 


La crítica: Para Verano en rojo el vivido en España con acontecimientos de lo más variopintos y ridículos en el mejor de los casos: desde unas elecciones en pleno verano, hasta el circo de las investiduras fakes que seguimos padeciendo -¿volverá Tamames?-, hemos pasado por unas encuestas electorales (inventadas y de parte) que producen mucho pudor. Después vino el caso de Sancho y el descuartizamiento confeso que entretuvo al personal mediante poéticos programas de televisión. Siguió el circo con Rubiales-Torrente tocándose la huevada en el palco de autoridades de la final del Mundial de fútbol femenino y con esa misma mano siguió tocando a la Reina, a la infanta, (sí, en España sigue habiendo reinas postizas y monarquías obsoletas) cogiendo a las jugadoras como sacos de patatas y rematando con, ¿un piquito? Torrente hubiera dicho, ¿unas pajillas? Y luego está lo de la madre de Rubiales encerrándose en una iglesia en huelga de hambre. Ni en los mejores sueños de Berlanga se le hubiera ocurrido un guion tan surrealista. El remate al verano han sido cuatro olas de calor y un episodio de Gota Fría (ahora lo llaman DANA que para mí es nombre de perra). En fin, lo que se dice un Verano en rojo

Y os preguntaréis, ¿y la peli que tal? Pues si la comparamos con todo lo anterior pues una obra maestra, si la comparativa es con Ciudadano Kane pues sale algo desmejorada. Pero no comparemos que es de mal gusto. Verano en rojo está basada en la novela homónima de la escritora y periodista Berna González Harbour y es la primera entrega de la serie literaria formada por cuatro novelas que siguen las andanzas de la comisaria María Ruiz. La cinta se centra en la investigación que llevan a cabo la comisaria Ruiz y el veterano periodista Luna sobre un doble asesinato aparentemente inconexo, pero que esconde detrás una historia de crímenes perpetrados y ocultos durante mucho tiempo.

Macías intercala de manera inteligente las dos lineas paralelas propuestas en la investigación. Una línea es la clásica del cine negro con cuerpo del delito, escena del crimen y búsqueda del sospechoso por la policía y la otra es la investigación periodística que no rinde cuentas a la burocracia. La cineasta realiza un buen trabajo aunque de manera tan correcta que se siente algo frío por momentos. La apuesta en cualquier caso es positiva y hace que el cine español tiña de rojo carmesí al cine negro. En cualquier caso las secuencias sangrientas o violentas no son demasiado agresivas. 

Sin desvelar demasiado, diré que la trama se sustenta sobre los casos de los abusos sexuales perpetrados por algunos sacerdotes en España. Un asunto global y que debería cambiar los patrones de la Iglesia siendo esta la primera interesada en acabar con una lacra que proviene en su fondo de la represión sexual que por ejemplo no se da en la Iglesia protestante. 


Marta Nieto hace un buen papel como la comisaría Ruiz. Un personaje bien dibujado que fue una antigua psicóloga del cuerpo de policía. Ahora es una mujer, con poder de decisión en un mundo de hombres, que sabe ganarse el respeto de sus compañeros, por su inteligencia, su intuición y su tenacidad. Un desmejorado José Coronado hace un buen trabajo como investigador periodístico con el que observamos con nostalgia como era la prensa de papel ya casi en vías de extinción. Junto a ellos completan el reparto el nominado al Goya, Luis Callejo (Intemperie), Francesco Carril (Tenéis que venir a verla) y la colaboración especial de Ramón Agirre. 

En el aspecto técnico destaca la buena fotografía de Gabriel Guerra y las localizaciones en Pamplona con un buen equilibrio entre exteriores e interiores. Las tenues notas musicales otorgan un aspecto de desasosiego e intriga a la trama con buen apoyo del diseño de producción. 

Verano en rojo es una apuesta sólida aunque un tanto aséptica en cuanto al contenido emocional. La cineasta bebe con desigual acierto de filmes como “Zodiac” de David Fincher; “Spotlight”, de Thomas McCarthy; “La isla mínima”, de Alberto Rodríguez o de “Que Dios nos perdone”, de Sorogoyen. En definitiva, nos hallamos ante una apuesta interesante que además sirve de homenaje hacia todos los abusados por pederastia que al menos encontrarán reparo sentimental ante la inacción que cometió la Iglesia ante los hechos denunciados en la película.

Nota: 6/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Belén Macías 

Productor: Gerardo Herrero 

Guionistas: Belén Macías y Helio Mira

Basada en la novela de: Berna González- Harbour

Dirección de fotografía: Gabriel Guerra

Música: Paula Olaz 

Duracion: 100 minutos

EQUIPO ARTÍSTICO

Comisaria: Marta Nieto

Luna: Jose Coronado

Comisario Carlos: Luis Callejo

Tomás: Francesco Carril

Inspector Esteban: Marc Martínez

Padre Damián: Tomás del Estal

martes, 5 de septiembre de 2023

Barbie, Oppenheimer, Elemental: el verano de 2023 vuelve a hacer del cine un fenómeno de masas


Bienvenidos a la temporada 2023-2024 de Cine y críticas marcianas en la que seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras españolas. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes, de las entrevistas y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y a seguir disfrutando del Cine.

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El cine es un arte, un espectáculo, pero no olvidemos que también es una industria. Por diversas razones y ya desde su nacimiento hubo, hay y habrá gente empeñada en matarlo. Agoreros. La última profecía sobre la desaparición del cine en el cine ocurrió durante la pandemia. Poca gente se molestó en echar un vistazo a la historia y comprobar que el cine ya había sobrevivido a otra pandemia más cruenta (gripe española). Recordemos también como la cinematografía superó o convivió con las Guerras Mundiales, la aparición de la televisión, los video-clubs, las series o las plataformas actuales. En lo personal no me preocupa Netflix o similares pues retroalimentan la industria audiovisual.

Si me preocupan las nuevas generaciones de espectadores. Los llamados vídeos cortos, reels o Tik Tok modelan los cerebros y los adaptan a contenidos cada vez más rápidos. Si la cantera de espectadores acostumbra a ver contendidos de diez segundos, será complejo que puedan aguantar con normalidad una película de 120 minutos en una sala de cine. Aún así el cine encontrará la fórmula para seguir vivo.

No se puede negar la casi desaparición de los grandes cines de las grandes ciudades. Tampoco la desaparición del cine en el mundo rural. Eso es una realidad. Pero ahora las salas en general están en centros comerciales y aunque no son tan bonitas como lo eran las de antaño, las pantallas son más grandes, los proyectores son mejores y las butacas o la climatización son superiores. Hay en definitiva más pantallas que nunca y dos mercados emergentes en los que los medios generalistas no suelen reparar. La industria del cine en China o India vive una etapa de expansión que deja en pañales a lo que fue el Hollywood dorado. Occidente no es el ombligo del mundo. Aún así hablemos de la recuperación en Occidente. Y es que el verano de 2023 vuelve a hacer del cine un fenómeno de masas. Y lo más interesante es que lo hace desde el cine convencional.

Barbie, Oppenheimer o Elemental son películas "artesanales" que cubren géneros como la comedia, la denuncia social, las biografías o el cine de animación. Respecto a las dos primeras se ha producido un fenómeno denominado "Barbienheimer" por la coincidencia en fecha de estrenos, ser películas opuestas en géneros y por los astronómicos datos de taquilla conseguidos. Elemental, que comenzó con un fin de semana muy pobre en datos de taquilla, se ha sumado a la fiesta a lo largo del verano y obtiene unos datos magníficos. Otras iniciativas locales, hablo de España, como "La fiesta del cine" o el "Cine a dos euros" han logrado que en determinados días de la semana las salas se hayan llenado y se hayan vuelto a ver largas filas en las taquillas de los cines. Lo cierto es que en plena pandemia nadie, ni los más optimistas, hubiéramos imaginado un panorama similar. Si añadimos a las tres películas mencionadas, títulos como Indiana Jones, Mision Imposible o incluso cine de autor observamos una tendencia alcista sin haber llegado aún al otoño-invierno que suele ser la época más fuerte de la taquilla. Respecto a mi opinión personal sobre la calidad de las tres películas que abren la publicación, no es demasiado positiva. Pero creo que esto es lo de menos. Vendrán películas mejores, pero solo el dato de que Barbie haya superado con creces los 1000 millones de dólares de recaudación a nivel mundial habla de la salud de la industria. Oppenheimer rondará los 800 millones de dólares y Elemental los 500. Cifras que apuntalan la industria. En cualquier caso, voy a dejar unos pequeños comentarios o mini-críticas sobre las tres películas. De esto va en definitiva, Cine y críticas marcianas. 

Barbie: la misandría se viste de rosa


Greta Gerwing, directora de la notable Lady Bird, se aúpa con Barbie a la cima y se proclama como la cineasta más taquillera de la historia. Dicho lo cual, los primeros 20 minutos me parecieron una mamarrachada colosal. No se otorga contexto, se entiende poco y huele a cartón piedra. Lo mejor de la película pasa por la original idea de llevar a Barbie y a Kent al mundo real. Esa parte central debió ser más explotada llevando el libreto a la pura comedia. Pero, no. En el tercio final volvemos al mundo inicial del país de las muñecas en el que Gerwing da un recital de misandría. Algunos han calificado la película como feminista, cuando es claramente misándrica y además partiendo de la base que la concepción original de Barbie es machista, cosificadora y vulgar. La cinta es pura contradicción. Lo mejor del filme pasa por una dirección de arte sobresaliente y por una gran interpretación de Margot Robbie que por fin consigue el éxito de taquilla que le faltaba. Se consolida como una verdadera estrella de cine. El Oscar debería caer. Sin embargo, no me gustó la interpretación de Ryan Gosling en el papel de Kent aunque haya sido muy valorado.

Nota: 5/10. 

Oppenheimer: Nolan vuelve a la narrativa


Tras el circo bufo de Tenet,  Christopher Nolan realiza una película "normal" con narrativa, personajes y libreto basado en la biografía del físico Robert Oppenheimer. La cinta cuenta con el hándicap de sus 180 minutos de duración que si para una historia de ficción normal ya son muchos, para un biopic son interminables. Más si cabe cuando la mayor parte del relato se basa en el juicio privado al que fue sometido el científico para retirarle sus credenciales y socavar su prestigio por arrepentirse o no estar de acuerdo con la carrera armamentística que conllevó la Guerra Fría. Aún así hablamos de una película que destila clasicismo, con toques locos a lo Nolan, y en la que podemos observar como fue el proceso de crear la bomba atómica, cómo se decide utilizar esta contra la población civil de Japón y las consecuencias morales que esto conllevó para Oppenheimer como coordinador del proyecto que creó la bomba nuclear. Buenas interpretaciones de Cillian Murphy y Emily Blunt como esposa del físico. 

Nota: 7/10. 

Elemental: los amores ¿imposibles? de Disney-Pixar


Elemental es un claro ejemplo de como mantener la llama encendida en taquillaLa película animada, que se desarrolla en un mundo de elementos y se centra en la historia de amor de Candela y Nilo, recaudó unos 30 millones de dólares en la taquilla americana en su fin de semana de estreno por lo que no atrajo a las masas habituales para una película de Pixar, estudio conocido por sus grandes éxitos de taquilla. Pero Elemental no se evaporó en la taquilla. El público siguió apareciendo hasta llegar a los 500 millones de dólares de taquillaje mundial. El boca a boca hizo el resto. La taquilla de Elemental también se ha visto beneficiada por ser una historia original. Muchas de las películas animadas más taquilleras de los últimos años han sido secuelas o basadas en franquicias establecidas. Elemental es la primera película animada original de cualquier estudio en alcanzar la marca de 500 millones de dólares desde 2017. Respecto a mi opinión sobre el filme de Pixar hice reseña de la misma de la que extraigo un pequeño extracto: "Elemental es una película divertida y optimista aunque muy irregular cuando trata de dar credibilidad al núcleo de la historia. Por momentos fallida y por momentos brillante, la nueva apuesta de Pixar se queda a medio camino entre la mediocridad narrativa y la brillantez de sus imágenes e ideales".

Nota: 6/10. 

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Muchas gracias por vuestra lectura, compañía y amor por el mundo del cine. Hasta nuevo aviso las críticas marcianas se publicarán los martes si el tiempo o la autoridad competente no lo impide :))). Abrazos y besos.