Un Hombre De Altura

Las delicias turcas son unos pequeños bocados de placer repostero de un dulzor exquisito. En un 'Hombre de altura' básicamente es lo que nos encontramos. Es decir, unas pequeñas píldoras de placer cinéfilo servidas con esmero desde el país galo.

La historia: Diane es una brillante y atractiva abogada que pierde su móvil en una distracción. Ella recibe la llamada de un hombre encantador que le pone como condición para recuperar el teléfono que tenga una cita con él. Después de varias conversaciones y resultando ser él amable, simpático y gracioso, deciden tener una cita. La sorpresa para ella se producirá cuando le conozca y compruebe que que solo mide 1 metro y 36 centímetros...

La crítica: La película es un remake de la argentina 'Corazón de León' de Marcos Carnevale que estaba interpretada magistralmente por el actor argentino Guillermo Francella. Fue un éxito en su país y ahora el director francés Laurent Tirard (Astérix y Obélix), decide darle su particular visión que en realidad no difiere mucho de la obra original. Mezclas peculiares en el cine sin pasar por Hollywood. Anteriormente reseñábamos la española 'Kiki, el amor se hace' que era un revisión de una cinta australiana. Francia, Argentina, España y Australia sin pasar por EEUU. Otro asunto sería la conveniencia del remake.

La primera cita: la cara de Diane es todo un poema en una situación muy graciosa por lo inesperado del físico de Alexandre. Disimulos, sonrojos y todo tipo de gestos que dicen más que mil palabras. Los espectadores disfrutando claro.

La primera reflexión que deja el film es la influencia del aspecto físico en cualquier ámbito de la vida. Si además, esto ocurre a la hora de emprender una relación amorosa, esta influencia se multiplica por mucho que la corrección política nos haga a veces decir lo contrario. La realidad a veces es terca y tozuda.

Lo que si hace de la película una comedia muy agradable, es la sutileza y el vuelo suave que aborda el guión sobre este tipo de historias. Un gran planteamiento desarrollado con facilidad y muy digerible para todo el mundo. Al final por encima de los centímetros de los protagonistas, hablamos de una historia de amor pero dando una visión de lo limitante que puede ser la altura para un adulto. Y aunque en este caso el creador de la historia hace hincapié solamente en los problemas de crecimiento de algunas personas, también podría servir de ejemplo para otras discapacidades auditivas. visuales o psicológicas por poner solo algunos ejemplos. El mensaje final totaliza la integración de las distintas discapacidades físicas o intelectuales en su interrelación con el mundo que nos ha tocado vivir.

Las interpretaciones son otro dulce envuelto en dos grandes actores que hacen una gran pareja a pesar de la diferencia de altura. Alexandre es interpretado por el ganador del Oscar por la película 'The Artist', Jean Dujardin. Este se desenvuelve perfectamente en un papel un tanto complicado al tener que trabajar mediante un croma para así reducir la altura, pues su estatura es normal. Virginie Efira interpreta magistralmente a la abogada Diane y llena la pantalla en cada una de sus apariciones. La actriz francesa está brillante.

Los efectos especiales también forman parte destacada de la producción. El trabajo es arduo pues se trata de rebajar en pantalla a un actor cincuenta centímetros de golpe y proporcionarlos al resto del cuerpo. Además hay que unirlo en pantalla con los otros actores y el resultado es sobresalientes. Los demás aspectos técnicos como son la  fotografía, la música y la dirección de arte están muy cuidados.

En conclusión, nos encontramos con una caja de bombones siempre que no hayamos visto la película predecesora. Si esto fura así el factor sorpresa quedará difuminado y la película puede defraudar. Si por el contrario, es la primera vez que hemos oído hablar de esta historia la experiencia será altamente agradable. Sobre todo para los amantes del género de la comedia romántica. En cualquier caso, será una experiencia positiva por la elegancia de la producción.

Nota: 8/10.

Titulo original: Un Homme á la hauteur.

Nacionalidad: Francia.

Director: Laurent Tirard.

Reparto: Jean Dujardin, Virginie Efira,
Cedric Kahn, Myriam Tekaia, Elea Clair.

Fotofrafía: Jerome Almeras.

Guión: Marcos Carnevale.

Estreno Francia: 4 de mayo de 2016.

Estreno en España: 22 de Junio 2016.

Buscando a Dory

¡Festival de imagen, sonido y mundo Disney! Espectacular comunión que la querida factoría de los sueños ha logrado con la productora Pixar. Pocas uniones en el cine han sido tan fructíferas. En pocas palabras, una suma del mejor talento puesto a disposición del espectador para dar paso a la secuela de 'Buscando a Nemo'. Y es que la antecesora de la película hoy reseñada fue una obra maestra indiscutible. El filme marcó una nueva manera de hacer cine animado realmente para todos los públicos.  Buscando a Dory sale bien parada de su arriesgada apuesta. ¡Enhorabuena! El cine de animación sigue vivo.

Una vez encontrado Nemo y reunido con su padre, ahora es la entrañable Dory la que en un momento de lucidez y a pesar de sus graves problemas de memoria, recuerda que es ella la que está extraviada de sus padres. Entonces a la inversa que en la primera parte con Nemo, esta vez es la hija la que intenta por todos los medios encontrarles a ellos. Contará con la inestimable ayuda del experto Nemo y de su querido padre. Los amigos marinos se unirán de nuevo para intentar dar con el paradero de los padres de la simpática y olvidadiza Dory. Aventuras en el mar.

Pero la pregunta inicial es la siguiente ¿Era necesario hacer una secuela de una película tan buena? ¿Tendría sentido hacer una segunda parte de 'Casablanca', 'Centauros del desierto' o 'Blancanieves'? Más preguntas que respuestas pues cada uno tendrá su propia opinión y todas serán válidas. El caso es que el plato está servido, bien condimentando y dejará las arcas de la compañía a rebosar. Evidentemente y reconociendo el talento de la producción, el factor sorpresa que supuso 'Buscando a Nemo' ya está diluido.

En esta ocasión el mensaje de la cinta es inverso al de su antecesora. Si entonces la idea era hacernos ver el amor paterno y su sacrificio hacia los hijos, en esta nueva propuesta de lo que se trata es de resaltar el amor incondicional de los buenos hijos hacia los padres. Dory y su incansable búsqueda a través de los océanos representa la identificación con unas costumbres, unos lugares y una forma de vivir.

Además, es un nuevo canto a la amistad en la que la reciprocidad de Nemo y su padre, no sólo se divisa como un agradecimiento a los servicios prestados por Dory, sino que surge de forma natural. a

El humor y la memoria de pez de Dory, nunca mejor dicho, es la argumentación por donde se mueven las aguas de la cinta. La perseverancia y el esfuerzo son otros de los valores que nos acompañan. resultando la película conservadora y continuista con la primera parte. Disney juega a continuar un clásico con más clasicismo. Es decir, busca asegurar un buen resultado y lo cierto es que consigue su propósito.

Técnicamente y de la mano de la productora Pixar, 'Buscando a Dory' es sobresaliente. La animación CGI es espectacular sumergiéndonos en una pecera de colores inolvidables. Nos encontramos ante un hiperrealismo en estado puro. En la parte final, y cuando entran los humanos en acción (sobre todo en las escenas de persecuciones de vehículos), confundimos incluso animación con filmación real.

La música es una seña de identidad de Disney y aunque en esta ocasión no nos encontramos con números musicales, la banda sonora es bastante acertada. Habría que incluir en este apartado un guiño evocador al maestro Louis Armstrong, así como unos títulos de crédito bellamente diseñados y con sorpresa final. Habrá que esperar casi a que la sala este vacía para una última pequeña sorpresa al final de dichos títulos.

En conclusión, apuesta segura de Disney sin salirse apenas del guión con unos personajes bien construidos y bien diseñados. En su debe cabe destacar la no asunción de riesgos narrativos. El público adulto decidirá en la parte que le toca si fue un acierto sacar de nuevo a navegar a estos entrañables pececillos. Los niños disfrutarán con estas nuevas aventuras. Ambos públicos y sin entrar en comparaciones con la primera parte, disfrutarán con la nueva propuesta de Disney para esta temporada.

Nota: 8/10.

Titulo original: Finding Dory.

Nacionalidad: EEUU.

Duración: 95 minutos.

Estreno Estados Unidos: 17 de Junio.

Estreno España: 22 de Junio.

Dos buenos tipos

¡Sorpresa! Y de las buenas. Comedia inteligente que probablemente por lo inesperado de este maltratado género cinematográfico nos sorprenda más de lo esperado a primera vista. Por fin una película cómica que hace despertar a nuestras queridas endorfinas. 

La historia: Holland March (Ryan Gosling) es un detective alcohólico que se cruza en su camino con un matón a sueldo, y también aficionado a la bebida llamado Jackson Healy (Russell Crowe). Entre los dos y acompañados de la hija del primero, una niña de trece años, unen sus supuestas fuerzas para resolver el caso de una joven desaparecida. La catastrófica investigación gira en torno a la desaparición de esta misteriosa mujer que después de realizar una película semi-erótica desaparece sin dejar rastro.

La crítica: Si algo define a 'Dos buenos tipos' es la incorrección política de la película en todo momento. Se agradece y se necesita más cine gamberro de este tipo. Sobre todo cuando lo que nos encontramos en este género son comedias altamente edulcoradas que de tan dulces resultan empalagosas. Puñetazo en la mesa del cineasta Shane Black que también participa en un guión lleno de divertidos gags que realmente nos hacen reír.

Por otra parte, también es cierto que según va avanzando la trama el director cae en su propia trampa y se toma la película demasiado en serio. Parte la cinta en dos mitades. En esta segunda parte se enreda demasiado en las connotaciones policiales que no aportan demasiado a la cinta e incluso confunde al espectador en los hechos narrados.

Aunque pueda sonar algo contradictorio, lo realmente bueno del largometraje es el continente y no el contenido. Es decir, los personajes son tan buenos y están tan bien guionizados que hubiera dado igual donde se hubiera situado la acción.

Si en vez de a un subgénero policíaco (dentro de la comedia) que es donde el director quiere sustentar la propuesta, la hubiera llevado a un musical o una de terror nos daría igual. Lo realmente bueno es ver a dos tipos casi acabados desenvolverse en pantalla con la gracia que lo hacen. La primera parte de la cinta es realmente brillante, pero lo que viene después es accesorio e incluso fuera del metraje adecuado. Sus casi 120 minutos le restan redondez pero no menoscaban el divertimento asegurado.

                                                         

Lo mejor de la cinta son la interpretaciones. Russell Crowe con sus continuas bajadas y subidas de peso para adaptarse a lo que le piden los guionistas hace un trabajo excelente. Ryan Gosling  es uno de los grandes actores del momento y con una gran vis cómica que sorprende para bien. Kim Basinger tiene un breve papel como madre de la actriz desaparecida, y está casi irreconocible por los retoques estéticos. ¡El daño que puede hacer el botox madre! Además, nos encontramos con un cielo de niña, (entrañable papel de la hija del detective), que se sitúa como actriz revelación de la temporada. Se trata de la australiana Angourie Rice que espero que de mucho que hablar. ¡Soberbia!

Por último, destacar también una ambientación exquisitamente lograda. La acción está situada en la ciudad de Los Ángeles en la década de los 70. El vestuario es también muy acertado y la música de esta época acompaña con acierto algunas fases de la cinta. La fotografía también es un lujo.

Es un verdadero gusto ver caras alegres al salir del cine. Se supone que este es uno de los objetivos del cine, y en Dos buenos tipos el objetivo está notablemente conseguido. 

Nota: 8/10.

Calificación: -16 años.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Shane Black.

Reparto: Russell Crowe, Ryan Gosling,
Angourie Rice, Kim Basinger,
Matt Bomer, Yvonne Zima.

Fotografía: Philippe Rousselot.

Música: David Buckley.

Estreno EEUU: 20 de mayo 2016.

Estreno España: 10 de Junio 2016.

Hispanoamérica: Verano 2016.

                                                                

RUMBOS

Road movie circular dentro de la noche de una ciudad. Coralidad de vehículos y personas a suerte de un diálogo interno/externo de personas con rumbos por determinar. La eterna contradicción del ser humano y su propia circunstancia. Rareza introspectiva de cine interior.

Barcelona, tórrida noche de verano. Nos cruzamos con varias tramas personales en las que los medios de transporte siguientes son el escenario: un taxi, una autobús, un camión, un coche utilitario, una ambulancia y un coche deportivo robado. Dentro de los vehículos se desarrollan los conflictos personales de los personajes que confluirán en la última parte de la película. 

Y en cada vehículo una historia claro: un camionero enamorado de una prostituta, un taxista bondadoso sumido en la traición amorosa, dos adolescentes rompiendo su vida en un coche robado, un conductor de ambulancia en su despedida del trabajo, una ama de casa escapando de su vida en un autobús y una joven pareja rompiendo su amor en el coche de toda la vida. Rumbos es un viaje sentimental en una noche que cambiará las vidas de sus protagonistas. Las nuestras no.  

    

        

En Rumbos hay muchos diálogos aunque no sé si para bien o para mal. Lo cierto es que la falta de costumbre en el cine actual a los largos diálogos entre los personajes hacen ya de por sí original la propuesta. Esto es algo contradictorio en la cinematografía dado que en el cine clásico el diálogo era la base de muchos largometrajes. Pero no solo es válido recuperar los diálogos porque sí. La virtud estaría en que las conversaciones mantuvieran la fuerza suficiente para llamar nuestra atención y ahí es donde cojea la cinta. Las múltiples conversaciones de los personajes llegan a saturar y no siempre consiguen la chispa necesaria para mantenernos enganchados. 

Ahora bien, en el haber de la cinta cabe destacar el esfuerzo por crear una atmósfera única a lo largo de una noche de verano. Mientras la mayoría está durmiendo para algunos la vida se abre en carne viva. Personajes nocturnos y sus vidas circunstanciales hacen que comprendamos otras maneras de vivir y de pensar. La noche como submundo metafórico sustenta la propuesta.

         

En cuanto a las interpretaciones destacaré solo las mejores pues al ser una película coral la multitud de personajes haría muy premiosa la lectura. Carmen Machi y Karra Elejalde de nuevo coinciden como en 'Ocho apellidos vascos'. Esta vez en escenas separadas. La primera da vida a una prostituta de la que se enamora un cliente (el conductor del camión) y el segundo al taxista bonachón y sentimental que contrasta con los papeles más agresivos de este actor. De nuevo dos grandes actuaciones. El resto del reparto cumple con corrección.

Mención especial para la esperadísima reaparición de Pilar López de Ayala, (Goya por 'Juana la loca'). Una gran actriz que está en el banquillo de la profesión de manera inexplicable. Difícil profesión la de actor o actriz pues no dependen sólo de su talento, sino de la arbitrariedad de los cineastas o de los directores de casting. Por lo tanto, agradecer a la directora Manuela Moreno que la rescate y que esta película pueda servir para relanzar una carrera que nunca debió detenerse. Es talentosa, transmite y está por encima de la película.

¿Hay algún director por ahí? ¡Despierten ustedes coño! Es como si pudiendo elegir a Mozart, eligieran ustedes un disco de reggaeton con todo el respeto que me merece este aclamadísimo género musical. Sus altas estructuras gramaticales y sus evocadoras melodías serán cuna de los grandes directores de orquesta que nos acompañarán en un futuro.

                                                                              

Lo mejor de la cinta

     

Recapitulando ya, nos encontramos ante una película que gustará a los amantes del diálogo en el cine. Evidentemente no son diálogos que firmaría Quentin Tarantino (el mejor en este aspecto), pero es en esta parte discursiva es donde se acomoda 'Rumbos'. Quizás más un libreto para teatro que para cine. En definitiva, Rumbos consigue a través de los distintos medios de transporte utilizados algo de originalidad. Si además, le sumamos variedad en los personajes representados la propuesta es aceptable a pesar de que pronto será olvidada por la mayoría de los espectadores. 

Nota: 5/10.

Estreno en España: 10 de Junio.

Nacionalidad: España.

Directora: Manuela moreno Buró.
  

Reparto: Carmen Machi, Karra Elejalde,

Pilar López de Ayala, Ernesto Alterio,

Miki Esparbé, Nora Navas.

Fotografía : Unax Mendia.

Música: Mikel Salas. 

¡Qué Maravilloso es el cine! Memorias de África

"Se llevaba el gramófono hasta cuando iba de safari, tres rifles, provisiones para un mes y Mozart; él inició nuestra amistad con un regalo, yo tenía una granja en África".

Con la voz en off de Meryl Streep relatándonos su odisea da comienzo esta obra de arte en todos los sentidos: cine, historia, geografía, literatura y música unidas que dan color a 'Memorias de África'. Una película inolvidable de un lirismo apabullante.

La superproducción está basada en la novela autobiográfica de la baronesa danesa Karen von Blixen-Finecke que fue publicada en 1937. Cuenta la historia de su viaje a Kenia, antigua colonia británica, para casarse con un primo segundo en un matrimonio de conveniencia. La motivación del traslado hasta África, era la búsqueda de nuevas sensaciones por parte de la pareja. Una vez allí y para ganarse la vida, deciden crear una explotación agrícola que en este caso es una plantación de café. El matrimonio está condenado al fracaso por la falta de amor verdadero y por las continuas infidelidades del marido. Pero aún no es tarde para que Karen encuentre el amor. Un aventurero llamado Dennys interpretado por Robert Redford encenderá la llama de la pasión de Karen en un romance que marcará el resto del argumento.

Memorias de África es cine clásico en su máxima expresión. El filme está cocinado a fuego lento, sin prisas, y con una escenificación que nos recuerda al cine de la época dorada de Hollywood. La película también es un viaje mágico hasta lo más profundo de África. La dilección de Karen por su tierra de adopción y por sus habitantes son círculos concéntricos por los que gira la trama argumental que nos sumerge en un sueño para los cinéfilos.

Sydney Pollack es el director y maestro de ceremonias de esta fiesta del cine.  Su generosidad es tan grande que pasa desapercibido por elección propia como todo buen cineasta debe aspirar a conseguir. No hay presunciones, elitismos, ni marcas personales fuera de tono. Todo está al servicio de la película en un alarde de humildad. La anteposición del arte en si mismo es su prioridad y no su brillo personal. Sin embargo, al ver el conjunto de la obra sólo nos cabe admirar su grandeza y su exquisito buen hacer que convierte a Memorias de África en una lección de como hacer buen cine.

El regalo de Dennys (Robert Redford) a su amada es enseñarla a pilotar una avioneta para divisar juntos la belleza paisajística de esta parte prodigiosa de la geografía africana. Las palabras textuales de Karen ante tal ofrenda fueron las siguientes: "Un regalo increíble, la visión del mundo a través de los ojos de Dios y yo me dije, si ya comprendo, así es como debe ser". Probablemente estemos ante una de las secuencias más recordadas de la película y de la historia del cine. Todo un poema visual que además lleva expuesta una profunda carga emocional. 

Out of África (titulo original), nos habla de otras muchas cosas aparte del amor. Antes de transmitir las emociones personales de sus protagonistas, nos enseña un trocito de la historia de los procesos colonizadores del continente africano. En este caso, el de la colonización de Kenia por parte del imperio británico. Allí sus habitantes fueron sometidos a las arbitrariedades de las autoridades nombradas por la corona. La eterna lucha que ya hemos visto a lo largo de la historia para imponer la manera de ser, de pensar y de actuar de las potencias mundiales colonizadoras.

El filme también nos habla de procesos más mundanos como son la infidelidad y las consecuencias que esta conducta tiene para los miembros de la pareja. Esta vez la historia no se queda solo en los daños morales y afectivos derivados de esta situación, sino que nos lleva un paso más allá. La historia nos lleva a reflexionar sobre los contagios de enfermedades venéreas al miembro engañado de la pareja. Karen es contagiada de sífilis por su marido, y este hecho hará imposible que pueda engendrar descendencia a causa de las secuelas de su enfermedad.

En cuanto a las interpretaciones Meryl Streep lleva el peso principal de la producción desde el primer fotograma hasta el último. Una actriz prodigiosa. Robert Redford en un momento de plena madurez en su carrera no se quedó a la zaga y nos regaló una gran interpretación en la que dice más por sus silencios que por sus palabras. Una pareja que evoca en la cinta un sutil erotismo tanto en la escena en la que él lava el pelo de su amada, como también en otros momentos de mayor intimidad. Dos actores para la historia.

La película obtuvo siete premios Oscars de la Academia de Hollywood. Fueron los siguientes: mejor película, director, guión adaptado, banda sonora, fotografía, dirección artística y edición de sonido. También obtuvo premios de la crítica de Londres, Los Ángeles y Nueva York entre otros muchos. Meryl Streep, por su parte, fue galardonada con el premio David de Donatello y obtuvo una de las diecinueve nominaciones a los Oscars que brillan en su palmarés hasta la fecha de hoy.

En el debe de la película caben destacar algunos errores históricos que le valieron algunas críticas bien fundamentadas. Destacaré dos de ellos. En la época en la que se desarrolla la acción los discos de larga duración (Long Play) no estaban aún inventados y se utilizaron en algunas escenas. También se utilizaron unas unas banquetas de nylon cuyo material aún no estaba desarrollado a principios del siglo XX. Además, tuvo otros errores de racord pero que en ningún momento restan calidad a la propuesta artística. Pocas críticas más son dignas de ser reseñadas. Realmente la cinta cosechó gran unanimidad entre crítica y público. Su presupuesto fue de 28 millones de dólares obteniendo en taquilla 128 millones de recaudación.

Música y cine: ¿Es la mejor banda sonora de la historia del cine? Para muchos si, para otros de las mejores sin ninguna duda. El compositor y director de orquesta británico John Barry fue el encargado de poner música a esta maravillosa película. Algunas piezas de Mozart complementan y acompañan algunas escenas en un lujo para los melómanos difícil de igualar. A continuación y para concluir os dejo un enlace a un vídeo de la BBC Proms con el tema central de la película.

                                                                              

El Hombre Perfecto (Un Homme Ideal)

El guión es a mi parecer la clave de una buena película. Sin este preciado elemento bien diseñado solo nos queda el vacío. Por mucho que se empeñen unos buenos actores, una buena fotografía o una excelente música, sin una buena historia todo el trabajo se puede ir al cubo de la basura. 'El Hombre Perfecto' parte de un gran guión escrito por el también director de la la cinta el francés Yan Gozlan.

La historia: Mathieu es un joven escritor que no consigue que sus manuscritos sean publicados por ninguna editorial. Mientras tanto, se gana la vida trabajando en una empresa de mudanzas como peón ayudante de las mismas. Un día en el traslado de unos muebles, descubre un manuscrito de un escritor ya desaparecido y decide hacerlo suyo. Lo envía a un consejo editorial harto de tantos rechazos a sus escritos. Por respuesta, recibe el ansiado sí. A partir de ahí una serie de acontecimientos desencadenados por su engaño, le complicaran su gran falso éxito. Gracias a esta mentira pasa a tener una vida llena de lujos que también le llevan a conquistar a una joven adinerada y muy interesada en la literatura.

La crítica: De nuevo cine y literatura unidos en primera persona. Siempre lo están, pero a veces olvidamos que una película siempre parte de un texto escrito ya sea este una novela, una obra teatral o un guión original.

Lo que empieza siendo una historia convencional, se convierte en un muy interesante thriller de suspense que nos va atrapando poco a poco en el bucle de mentiras en el que se implica su protagonista. Las falsas apariencias, la doble moral y el plagio son los elementos fundamentales en los que se mueve la producción. Además, lo realmente interesante es que nos sentimos identificados con el estafador y somos cómplices de él con la magia del cine como excusa.

¿Y porque sucede que en el cine nos identificamos con algún villano, con algún mafioso o simplemente con un mentiroso? Pues por un buen guión. Realmente cuando sucede esto es porque el director a través de este instrumento nos consigue atrapar en su red hasta el final del largometraje. Estamos tan inmersos en la historia que por dos horas en nuestra imaginación y tal vez sin quererlo, somos cómplices en nuestro subconsciente de todo tipo de tropelías que luego en cualquier debate con amigos condenaríamos sin dudarlo.

Por otra parte, comprobamos cómo una mentira de tamaño tan colosal como es apropiarse de un manuscrito de otro escritor, lleva al joven Mathieu a tejer un engaño tras otro para conservar su nuevo nivel de vida, su fama sobrevenida y a su bien posicionada pareja. El problema surge cuando el editor le empieza a urgir para presentar su segunda novela, y el talento del suplantador no está a la altura. 

Lo más curioso de todo es que la película me recuerda muchísimo al planteamiento de otra titulada 'The Words' del año 2012 con Bradley Cooper como protagonista. ('El Ladrón De Palabras' en España y 'Palabras Robadas' en Hispanoamérica). Esto abriría de nuevo el debate entre los paralelismos intelectuales o los plagios en el cine.

Como yo no soy juez y confió en la buena voluntad de las personas no seré yo el que acuse al director francés de plagio. Por otra parte, cabe decir que en el transcurso de la trama la cinta toma caminos bastante diferentes. 

En el reparto nos encontramos a Pierre Niney queda vida al joven escritor. Un notable interpretación de un actor de método y con un inmenso futuro al menos en el cine francés. Sus rasgos físicos me recordaban en algunos matices al extraordinario actor Adrien Brody cuando tenía su misma edad. Le da buena réplica la actriz Ana Girardot en una actuación realmente convincente. Por cierto, actriz que me recuerda por sus rasgos físicos a la actriz y ex primera dama francesa Carla Bruni. El resto del reparto no está a la altura de los dos protagonistas y tanto los padres de la novia, como el amigo de la familia (Thibault Vinçon) hacen un trabajo frió y descorazonador.

La música acompaña con acierto las fases de más suspense de la filmación. El montaje es fácil de diseñar y la fotografía es de buen gusto, sobre todo en las localizaciones exteriores que realzan la belleza de los parajes franceses. La dirección artística es magnífica, y recrea con acierto la lujosa villa donde se traslada a vivir la joven pareja). 

Para concluir, resaltaría que estamos de enhorabuena con la películas que nos llegan desde Francia en los últimos años. Sus cineastas han hecho un esfuerzo por mostrar cercanía con los espectadores, y su cine ya no peca de la excesiva pedantería que para algunos destilaban sus producciones. En cualquier caso, estaremos atentos a las nuevas propuestas de la cinematografía gala. De momento, El hombre Perfecto se salda con un notable éxito artístico. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Francia. 

Director: Yan Gozlan.

Reparto: Pierre Niney, Ana Girardot,

Thibault Vinçon, André Marcon, 

Valéria Cavalli, Marc Barbé.

Fotografia: Antoine Roch.

Música: Cyrille Aufort.

Estreno en España: 13 de Mayo de 2016.

Estreno en Francia: 18 de marzo de 2015.