VII Edición de los Premios Marcianos: lo mejor del cine en 2022

Bienvenidos otro año más a la gloriosa Gala de los Premios Marcianos que llegan a su séptima edición. El año 2022 confirma de manera inequívoca que la pandemia no pudo con el cine. Un arte al que llevan matando desde su nacimiento pero que renace generación tras generación. Pondré un ejemplo gráfico que habla por sí mismo. Top Gun: Maverick va a recaudar en este año unos 1.500 millones de dólares a nivel mundial. Si una sola película es capaz de llegar a esa enorme cifra es evidente que la industria funciona. El número de pantallas es el más alto de la historia, aunque es cierto que son cines situados en centros comerciales en detrimento de los cines clásicos que se esfuman en el centro de las ciudades. Otro ejemplo: el e-book se está comiendo al libro de papel pero eso no quiere decir que la literatura vaya a desaparecer.

Por otro lado, ha sido un gran año en lo artístico para el cine español y muy mediocre para el cine estadounidense. Es por eso que la mayoría de los galardones marcianos irán a parar a producciones españolas y europeas. Respecto a mis metas personales, el objetivo, al igual que el año pasado, era llegar a las cincuenta publicaciones en Cine y críticas marcianas más otras cincuenta entre Cinemagavia y la redacción de Noroeste Madrid. El objetivo numérico está conseguido. Fue especial rebasar el millón de visitas y hacer entrevistas a cineastas internacionales. Vamos al lío. 

Para quien no sepa de qué va la vaina😅paso a explicar el asunto: para que una película pueda ser premiada seguiré la norma de que la cinta en cuestión se haya estrenado en España en 2022. También tendrá que haber sido reseñada en la web marciana. Este año tiramos la casa por la ventana y la dotación económica de estos suntuosos premios se sitúa en 5 millones de dólares marcianos a pagar con dinero del Monopoly.

Comienza la ceremonia y al acabar se procederá al capítulo de agradecimientos.

En letra azul los enlaces a las críticas.

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Mejor Película: Modelo 77 de Alberto Rodríguez

Mejor Director: Rodrigo Sorogoyen por As bestas

Mejor guion adaptado: Régis Roinsard por Esperando a Míster Bojangles

Mejor guion original: Carla Simón por Alcarràs

Mejor actriz protagonista: Marina Foïs por As bestas

Mejor actor protagonista: Ernesto Alterio por El cuarto pasajero

Mejor actriz de reparto: Susi Sánchez por Cinco lobitos

Mejor actor de reparto: Luis Zahera por As bestas

Mejor actriz revelación: Carla Quílez por La maternal

Mejor actor revelación: Amir Jadidi por A hero

Mejor dirección novel: Alauda Ruiz de Azúa por Cinco lobitos

Mejor dirección de arte: Modelo 77 

Mejor vestuario: La forja de un campeón

Mejor maquillaje y peluquería: Coupez!

Mejor montaje: As bestas

Mejor sonido: Modelo 77 

Mejores efectos visuales: La memoria de un asesino

Mejor canción: Tu calorro interpretada por La húngara en La maternal

Mejor fotografía: Alcarràs

Mejor banda sonora: Esperando a Míster Bojangles

Mejor documental y publicación más visitada en 2022: JFK: Caso revisado

Agradecimientos

Como cada año a cada persona que leyó una crítica en la web. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión.

¡Muchas gracias!

Cine y críticas marcianas también fue posible gracias a:

Alfredo García de Cinefilia, Ángela Merino de Noroeste Madrid, Eduardo Gil Rodríguez de Cinemagavia, Pablo Caballero de Márgenes Distribución, Marien Pines y Miguel Ribot de A Contracorriente Films, Mónica García de Paramount Pictures, Jon Usabiaga de Sony Pictures, Nadia López de Caramel Films, Alexandra de Hayeda Cultura, Katia Casariego de Revolutionary, Alberto Quintanilla de Vértigo Filmes, Departamento de prensa de Filmax, Cecilia Calvo de Vértice Distribución, Laura San Miguel de Disney España y a María Pina en la subdirección. 

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Y ahora solo me queda despedirme por este año 2022. Con la entrega de los Premios Marcianos doy por concluido un año de mucho cine y mucho cariño recibido por vuestra parte. Cine y críticas marcianas, tras la pausa navideña, volverá en los primeros días de enero de 2023.

¡Feliz Navidad!

As bestas: la consagración de Rodrigo Sorogoyen

As bestas dirigida por Rodrigo Sorogoyen fue galardonada con el Premio del Público Ciudad de Donostia a la Mejor Película Europea en la 70ª edición del Festival de San Sebastián y llegó a las salas de cine españolas durante el mes de noviembre. Se posiciona como una de las favoritas para los Premios Goya a celebrar en Sevilla en 2023. 

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La historia: Antoine y Olga son una pareja francesa que deciden mudarse a una aldea del interior de Galicia. Todo se tuerce cuando los hermanos Anta, dos lugareños, tratan de hacerles la vida imposible en venganza por una venta fallida de unos terrenos que afectan a todos.

La crítica: Tras un año brillante para el cine español he querido dejar As bestas para realizar la última crítica del año antes de proceder a otorgar los Premios Marcianos. Es la guinda perfecta para un 2022 que deja al cine nacional a un nivel que no se recordaba en años. Y es que filmes como Alcarràs, Cinco lobitos, El cuarto pasajero, Modelo 77, Los renglones torcidos de Dios, Voy a pasarmelo bien o La maternal, entre otras, nos sitúan a la cabeza del cine europeo y ponen el listón muy alto para el próximo año. En la pestaña de "Críticas de cine" o en la etiqueta de "Cine español" puedes acceder a la críticas de casi todas las películas citadas. 

As bestas es una película brutal que refleja de manera perfecta las dos caras de la condición humana. La tensión que imprime Sorogoyen a la narración es tan fuerte que los 137 minutos de metraje se suceden en un suspiro. El libreto escrito por el propio cineasta y por Isabel Peña nos sitúa ante temas universales como son la amenaza de lo extranjero frente a lo local, el sentimiento de pertenencia, el abandono rural, la envidia, lo animal frente a lo racional, o la perseverancia en la búsqueda de la justicia. Y, además, el guion trata de no juzgar, ni posicionarse del todo, mostrando una realidad compleja y a unos personajes aún más complejos.

En el guion de As bestas el paso del tiempo, el clima y el cambio de estaciones juegan un papel crucial. La película respira verdad ya que el frío, la lluvia y el calor del hogar traspasan la pantalla de cine. Por la naturaleza de la historia en la película suenan tres idiomas: el francés del matrimonio protagonista, el gallego de los vecinos de la aldea, y el castellano que sirve de nexo para comunicarse. Por otra parte, el equipo de arte prepara un huerto idílico que forma parte del proyecto de vida de la pareja retratada. 

El reparto combina a actores galos, como Dennis Ménochet y Marina Foïs -gran papel- como la pareja protagónica, con actores amateurs, algunos en papeles claves, como José Manuel Fernández Blanco en el papel de "Pepiño". Además se incluyen a actores apenas conocidos, como Diego Anido, el segundo de los hermanos antagonistas. Pero el que se lleva la palma es un brillante Luis Zahera como villano principal y el alma de la película. Una interpretación brutal que le coloca como uno de los mejores intérpretes del cine español. Su personaje produce pavor en la aldea, en la sala de cine y le coloca como favorito para obtener su segundo Goya. 

Las localizaciones de As bestas obligan a una compleja logística en el diseño de producción. Se trasladan a intérpretes, técnicos, maquinaria y luces a una aldea prácticamente deshabitada y con unos accesos no aptos para todos los vehículos. A lo que se suma un clima imprevisible y unas temperaturas muy bajas, especialmente en el segundo bloque del filme que es rodado en buena parte, a la intemperie. El mayor reto ha debido ser la búsqueda de la aldea. Un lugar que reuniera el máximo posible de escenarios presentes en el guion y que ofreciera una buena relación visual de la casa de los protagonistas con la de sus vecinos (los hermanos antagonistas de la historia) y, sobre todo, que reflejara el espíritu del proyecto de Antoine y Olga: un paraje idílico de la España vacía.

As bestas es un filme profundo, duro y sobresaliente en su narrativa. Mi única pega es la previsibilidad en algunas de las acciones que sabemos van a ocurrir. En cualquier caso, Sorogoyen se muestra como un cineasta pleno que impregna a la cinta de una máxima tensión narrativa.

Subyace en el guion el retrato de un pueblo en descomposición (como otros en la España interior) en el que sus vecinos recelan de los extranjeros. Una pareja de hermanos enfadados con el mundo y, por tanto, también con la pareja protagonista. El conflicto de lo propio contra lo extraño y la patria como excusa para dirimir un conflicto económico. La lucha del yo soy de aquí y tú no es el leitmotiv de la  brutal historia narrada.

La pobreza, pero también la identidad sobre la propiedad de unas tierras marca la trama. Amenazas, orgullo, una convivencia difícil y estallidos de rabia se convierten en los ejes centrales de la historia. Y luego está la violencia y el miedo. La violencia del entorno, la violencia de los hermanos hacia el matrimonio protagonista. La violencia de un pueblo que quiere echar al extranjero de manera injusta. Al que vino a quedarse con lo que no es suyo según los aldeanos. Y el miedo del matrimonio que teme por su proyecto. El miedo de ese hombre cada vez que vuelve a casa. El miedo de esa mujer cada vez que su marido tarda más de la cuenta. El miedo a que el conflicto pueda acabar en tragedia pone un nudo en la garganta al espectador hasta llegar al clímax de un filme rotundo.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Rodrigo Sorogoyen

Guion: Rodrigo Sorogoyen, Isabel Peña

Fotografía: Álex de Pablo

Música: Olivier Arson

Duración: 137 minutos

Reparto: Marina Foïs, Denis Ménochet,

Luis Zahera, Diego Anido, Luisa Merela

Venus: Jaume Balagueró se inspira en Lovecraft con Ester Expósito de sólida heroína

Venus dirigida por Jaume Balagueró se estrena en cines españoles el próximo día 2 de diciembre.  Protagonizada por Ester Expósito y producida por Álex de la Iglesia la cinta tuvo una gran acogida por parte de público y crítica en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, tras su estreno mundial en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

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La historia: Lucía trabaja bailando en una discoteca de Madrid. Una noche, tras su jornada, roba una bolsa repleta de droga al dueño del club. Herida, tras ser descubierta, se refugia en casa de su hermana que vive en el edificio Venus. Pero la vivienda será su ratonera. 

La crítica: El filme escrito por el propio Balagueró junto al dos veces nominado al Goya Fernando Navarro es el proyecto dos de Fear Collection. El sello español está especializado en terror y suspense siendo creado por Sony Pictures en colaboración con Álex de la Iglesia. La apuesta es fuerte por lo que espero que tenga éxito en las salas de cine.

Venus es una versión libre de Los Sueños en la casa de la bruja, una obra de Lovecraft publicada en 1933. Allí se mezclaban leyendas y mitos paganos que se confrontaban con el interés científico del protagonista del relato. Éste alquilaba una habitación junto a una hechicera que escapó de los tribunales de Salem. En el caso de la cinta hoy reseñada, el personaje de Lucía (Ester Expósito) llega de manera fortuita a la habitación de la casa de su hermana (Ángela Cremonte) situada en el misterioso edificio Venus de Madrid. Un lugar en el que se produjeron crímenes, sesiones de güija y que está habitado por personajes siniestros que mostrarán su cara a lo largo del filme. Balagueró imprime una fuerte tensión narrativa en un clásico thriller que deriva en el cine de género.

En Venus también hay niña del terror. Pero la cría no está poseída por fuerzas extrañas. Decía Lee Cronin, cineasta europeo, en la entrevista para esta web que: "La moda de niños en el cine de terror tiene que ver con el cambio que se está produciendo en los hábitos de la niñez, y en cómo van a ser las nuevas generaciones. La inocencia está muriendo a una edad cada vez más temprana". Y así es. En la cinta se utiliza al personaje de la niña con intención psicológica sin que tenga que voltear la cabeza como una peonza, vomitar y otras costumbres que pululan en el cine de género. Pongan a una niña pálida a las tres de la mañana en el salón de su casa con un camisón blanco y si sus familiares, amigos, novias o amantes aguantan el susto es que su corazón está a prueba de bombas. 

La actriz española Ester Expósito, a la que entrevistamos en su prometedor debut en el cine, muestra una gran evolución como intérprete con el personaje de Lucía. Carga con todo el peso del reparto y se echa la película a sus espaldas. Su personaje es el de una joven que comete la torpeza de robar una bolsa de droga en su trabajo lo que la lleva a refugiarse en el infierno del edificio. Mientras tanto, y esperando que los mafiosos a los que ha robado no la encuentren, comienza a relacionarse con las macabros personajes que habitan el lugar. Lucía tiene carácter, es obstinada, fuerte y su personaje juega con los patrones clásicos del héroe, en este caso el de una sólida heroína. En el resto del reparto cabe mencionar a Ángela Cremonte que hace de la hermana de Lucía, y a Inés Fernández, su sobrina (la niña), de las que está distanciada por motivos personales. 

En la técnica destaca el uso de los espacios interiores de un gran edificio, en un ambiente insalubre con miseria y problemas en un mundo sórdido. Se crea una atmósfera opresiva e irrespirable. Los efectos visuales son notables y se sienten inspirados en The Shallows con cortes y heridas que se tiene que suturar la propia protagonista en un papel muy físico. 

Venus está muy trabajada con un inicio veloz, un desarrollo bien narrado y un final muy controvertido. No debo desvelar nada. Con Ester Expósito ya preparada para seguir los pasos de Ana de Armas en Hollywood, nos hallamos ante una producción bien armada pero con una secuencia final muy polémica. De hecho, podría anular la intención de Balagueró al explorar terrenos originales para el nuevo sello cinematográfico. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Dirección: Jaume Balagueró

Guión: Jaume Balagueró, 

Fernando Navarro

Historia: H.P. Lovecraft

Fotografía: Pablo Rosso

Música: Vanessa Garde

Duración: 100 minutos

Reparto: Ester Expósito,

Ángela Cremonte, Magüi Mira,

Fernando Valdivieso, Inés Fernández

La maternal: infancia interrumpida

La maternal dirigida por Pilar Palomero se ha estrenado en cines españoles el día 18 de noviembre. Producida por Inicia Films y Bteam Pictures, la película compitió en la Sección Oficial del Festival de San Sebastián, donde se alzó con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación para su actriz protagonista, la joven Carla Quilez, de tan solo 14 años.

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La historia: Carla es una niña de 14 años en riesgo de pobreza que llega embarazada al centro de acogida La Maternal. Allí tiene que aprender a convivir con chicas de su edad y estar lista para ser una buena madre. Un gran desafío que pasa por conocerse a sí misma y entender el mundo que tiene alrededor, además de lidiar con una destructiva relación con su madre y con sus propios miedos.

La crítica: La buena ópera prima de Pilar Palomero me hizo pensar que lo iba a tener difícil para superar su debut. Las niñas era tan cadenciosa, profunda y estuvo tan bien rodada que la misión se antojaba compleja.

La maternal es un sutil retrato de la maternidad en la adolescencia. Una historia sobre la fortaleza, la valentía, la superación, pero también sobre el abandono. Los 120 minutos  de metraje para una trama tan minimalista se sienten como una losa cocinada a fuego lento. La propia cineasta se percata y suprime el momento del parto pero no se atreve a meter las tijeras del todo en una historia que hubiera funcionado como un tiro con los clásicos 90 minutos de toda la vida. 

Palomero tuvo la posibilidad de conocer en primera persona un centro de acogida para madres precoces y de ahí surge la idea de la película. Una reunión con el director del centro dio paso a charlas largas y emotivas con mujeres que, ya desde su mirada adulta, le contaron cómo había sido para ellas vivir su maternidad. La cineasta se enfrenta a la complejidad de reflejar cómo debe ser niña y madre al mismo tiempo. El retrato es luminoso, alegre y doloroso. La cinta destila ternura y con ello se compensa la falta de mayor ritmo narrativo. 

Carla Quílez fue la sorpresa de la 70ª edición del Festival de cine de San Sebastián. Con tan solo 14 años se llevó el premio a la mejor interpretación femenina. La niña hace un papel brutal y tendrá también su Premio Marciano a mejor actriz revelación. Nada que ver, pero toda suma. Quilez interpreta a una niña de su edad con un personaje rebelde, duro y complejo que queda embarazada de su mejor amigo. Decide no contar nada al joven padre y asume su responsabilidad.

Ángela Cervantes que ya destacaba en Chavalas hace otro buen trabajo. Su personaje es el de la joven madre de Carla que se va a convertir en abuela antes de los treinta años. Regenta un restaurante de carretera, está separada y con un nuevo novio que provoca el rechazo de su hija. El progenitor de Carla se fugó y representa la figura del padre ausente. El resto del reparto lo componen el resto de niñas de la casa de acogida y los responsables de la misma. Cumplen.

En la técnica destaca el rodaje en tonos pastel fotografiados por Julián Elizalde. Sorprende también una preciosista versión de 'Tu calorro' de Estopa interpretada por La Húngara sobre los créditos finales. Como curiosidad adicional cabe decir que parte de la cinta se ha rodado en Los Monegros y que el mismo bar de carretera se usó en Jamón, jamón de Bigas Luna. También ha habido escenas en el campo de fútbol que salía en la cinta protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz y Jordi Mollá.

La maternal es profunda, dura y compleja. Con un reparto bien equilibrado en el que brilla con luz propia Carla Quílez, nos hallamos ante un sobrio relato llevado con parsimonia por la cineasta. Aún así, demuestra talento para trabajar con actrices sin mucha experiencia que destacan por su naturalidad. Una cinta, en definitiva, sutil y delicada que navega por la vida de la maternidad temprana con mucho respeto a sus niñas, al espectador y hacia una historia de jóvenes con la infancia interrumpida. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Pilar Palomero

Guion: Pilar Palomero

Fotografía: Julián Elizalde

Duración: 120 minutos

Reparto: Carla Quílez, Olga Hueso,

Àngela Cervantes, Jordan Dumes, 

Pepe Lorente, Rubén Martínez, 

Gal-la Sabaté, Neus Pàmies

Cariño, cuánto te odio: amor, Navidad y almíbar a granel

Cariño, cuánto te odio escrita y dirigida por Peter Hutchings se estrena en cines españoles el próximo día 18 de noviembre. La película es una producción de los hermanos Dal Farra, ya conocidos por comedias románticas como Cuando apareciste tú, No te lo vas a creer o Despedida de soltera.

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La historia: Nueva York, 2022.  Lucy, empleada de una editorial, mantiene una relación de amor/odio con Joshua, su compañero de trabajo. Esta se verá incrementada cuando ambos luchen por un ascenso laboral. Pero tras este juego de máscaras luce una tensión sexual no resuelta a dilucidar fuera de la oficina.

La crítica: Basada en el libro de Sally Thorne, The Hating Game,  publicado en más de 25 países y que fue seleccionado como una de las 20 mejores novelas de 2016 por el Washington Post, nos hallamos ante una comedia romántica edulcorada con toneladas de almíbar a granel. Si en Mercadona llevan vendiendo el turrón desde septiembre, este próximo fin de semana se abre el fuego navideño en el cine con varias producciones en la que ya es Navidad. El amor y la ciudad de Nueva York hacen el resto. 

Cariño, cuánto te odio, un loco título inventado por los traductores de cine, vendría a ser como una peli de Antena tres o del canal Hallmark pero en plan morritos de Instagram. O sea una cosa moderna pero en plan viejuno. Los protagonistas son tan sexys, guapos, elegantes, listos y cuquis que dan asco. Vamos que aparece un gitano en la película y se produce una estampida.

Aún así la intención de la cinta no es mala. Peter Hutchings trata, a su modo, de resucitar la guerra de los sexos que se produjo en la comedia estadounidense. Desde Luna nueva hasta Cuando Harry encontró a Sally, pasando por La fiera de mi niña o La costilla de Adam este género es uno de los más deliciosos e indelebles del cine. De este modo y volviendo al filme nos hallamos ante Lucy atrapada en una oficina compartida. Ella se embarca en un despiadado juego de superioridad contra Josh. Su rivalidad laboral se irá complicando a medida que va creciendo la atracción entre ambos. ¿Es amor o un juego para lograr ascender en la empresa?

Antes de analizar de manera breve las interpretaciones no me quiero olvidar de la banda sonora original editada para Cariño, cuánto te odio. Al menos hace que la cinta suene bien. Cuenta con artistas entre las que se encuentran Of Monsters and Men, Chelsea Cutler, Astrid S., Bulow, Jeremy Zucker, Benee, Dagny, Joy Oladokun, y una nueva versión del hit de Duffy "Mercy" interpretada por Angelina Jordan. Lo mejor de la película pasa por su ambientación y diseño de producción. Una historia que tiene lugar en Nueva York, con Brooklyn, el otro lado del East River o en Manhattan pues siempre tiene un plus. El plus de quedarse dormido con buenas vistas. 

Lucy Hale interpreta con cierta gracia a Lucy. Es muy impulsiva, inteligente y emprendedora. La gente la apoya porque es la desvalida. Una mujer en un mundo de hombres que lucha por lo que quiere aunque su personaje se pasa la película pintándose los labios. Creo que bate el récord de repasos labiales con el objetivo de excitar a su compañero de trabajo. 

Austin Stowell interpreta con nula gracia a Joshua. Es muy lógico, muy pragmático, está con la mente fija en sus objetivos y no se permite desviarse de su camino. O sea un plomo. Dice, su personaje digo, que está harto de que las mujeres solo le quieran para pasar una noche. Mucho me parece. Un personaje, por cierto, con más tetas, que Lucy. Y eso está feo. Pobre chica. Ya decía Groucho Marx que «Nunca iba a ver películas en las que el pecho del héroe era mayor que el de la heroína.»

Cariño, cuánto te odio aspira a ser una película actual, fresca y sexy. Pero convertir un libro en una película significa tomar decisiones, crear personajes complejos y transformar la voz interior en acciones concretas. Nada de esto sucede aquí. En el mejor de los casos es una película para tortolitos en celo, amantes de la Navidad en Nueva York o gente que no sepa qué hacer con su vida y que tampoco encontrará soluciones para ello. La parte buena del filme es que no es muy largo y es poco ruidoso por lo que el efecto melatonina se puede presentar en cualquier momento.

Nota: 5/10.

 

Título original: The Hating Game

Nacionalidad: Estados Unidos

Música: Spencer David Hutchings

Fotografía: Noah Greenberg

Editado por Jason Nicholson

Producción: Debbie De Villa

Vestuario: Astrid Brucker

Sonido: Ruy Garcia

Duración: 103 minutos

Reparto: Lucy Hale, Austin Stowell, Corbin Bernsen, Sakina Jaffrey, Yasha Jackson, Brock Yurich, Sean Cullen

La forja de un campeón: Russell Crowe apadrina al "Gladiator" del siglo XIX

La forja de un campeón dirigida por Daniel Graham se ha estrenado en cines españoles el día 4 de noviembre. El filme explora la apasionante vida de Jem Belcher, quien a los 19 años se convirtió en el campeón mundial más joven de la historia.

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La historia: Jem Belcher, figura en la historia del deporte, fue un brillante boxeador en la Inglaterra georgiana de principios del siglo XIX. El joven púgil provenía de una larga dinastía a la que supo defender sobre el ring pese a su aparente timidez en público. 

La crítica: De manera pública reseño películas desde el año 2016 para Cine y críticas marcianas, Noroeste Madrid o Cinemagavia. Pero nunca lo había hecho sobre una trama sustentada en el boxeo. Toro Salvaje de Martin Scorsese es una de mis películas preferidas aunque el boxeo no sea una disciplina que me guste demasiado. Pero a mi modo de ver, funciona como un tiro en el relato llevado al cine. Quizás el ejemplo más gráfico sea Rocky de John G. Avildsen que tiene la épica adecuada y consigue la emoción en el espectador yendo de menos a más. 

La forja de un campeón me interesa porque indaga en cómo se creó lo que hoy conocemos como boxeo. Si bien la lucha siempre estuvo presente en la historia de la humanidad, podríamos decir que con la creación de esta disciplina se logró imponer una serie de normas que incluso lo han llevado a ser deporte olímpico desde los Juegos Olímpicos de San Luis 1904. En 1984 se estableció como obligatorio el uso del casco de seguridad para evitar males mayores. Las mujeres no pudieron competir hasta los Juegos de Londres del año 2012.

En 1800, Jem Belcher (Matt Hookings) se convirtió en el campeón de boxeo más joven de la historia. Esta es su increíble historia real. A principios del siglo XIX, el cambio social y el progreso se extendían lentamente por el Imperio Británico. En Inglaterra, tanto en la ciudad como en el campo, seguían imperando la pobreza, el desorden y la conflictividad. Pero en los callejones y ferias de Bristol nacía un nuevo héroe. Jem Belcher iba a transformar el pugilismo primitivo en un deporte de reyes. Él creció en las calles sin nada, aprendiendo de la dura realidad viendo cómo su célebre abuelo (Russell Crowe) se destruía a sí mismo y a quiénes le rodeaban por culpa de su adicción al alcohol. 

A medida que fue ganando combates, su estilo de vida fue cambiando radicalmente, pasando de la pobreza en las calles de Bristol a codearse con la burguesía londinense. Jem defendió su título, invicto durante cinco años, antes de que sobreviniera la tragedia. Un accidente le dejó ciego del ojo izquierdo. Al no poder competir, Jem se refugió en la bebida, y esto derivó en una caída destructiva que llevó al campeón a la cárcel. Pero resurgió de sus cenizas en un relato llevado de manera muy habilidosa por Daniel Graham que consigue imponer un buen ritmo narrativo.

Russell Crowe apadrina a este "Gladiator" del del siglo XIX en un papel en el que se muestra eficaz y en el que tiene que hacer de abuelo. Su deterioro físico le ayuda para el trabajo aunque cuesta verlo así. Hablamos de un personaje que enseña a su nieto a boxear y le transmite la pasión por esta disciplina tan controvertida. 

Matt Hookings se mete en la piel de Jem Belcher. Además, escribe el guión y produce la cinta por lo que su implicación es máxima. El actor británico se ha forjado su trayectoria trabajando con algunos de los mayores talentos de la industria, como Angelina Jolie, Michael Caine y Tom Cruise. El padre de Matt, fue David Pearce, el campeón británico de los pesos pesados por lo que entendemos el contexto del proyecto.

Ray Winstone interpreta a Bill. Éste es la antítesis del personaje de Crowe e intenta llevar a Jem por el buen camino. Es su entrenador y representa a la figura paterna. Bill convenció a Jem de que podía ser el mejor boxeador del mundo, y a partir de ahí comenzó el ascenso del que sería el campeón más joven de la historia de Inglaterra. El resto del reparto juega al servicio de estos tres personajes sin aportar demasiado.  

La forja de un campeón es un biopic sólido que refleja de manera épica a Jem Belcher. Un tipo con un aire byroniano, apuesto, brillante, pero incapaz de afrontar la fama y el éxito repentino. La cinta retrata una epopeya del boxeo enraizada en un oscuro drama familiar. También documenta el combate de dieciocho asaltos contra Henry Pearce conocido como “La pelea olvidada del siglo”. Graham dota al filme de un lenguaje visual, que combina la complicada situación de su protagonista con el avance imparable de la historia. Esta estética parece arraigada en títulos como Barry Lyndon o La puerta del cielo, pero es algo novedoso dentro del género del boxeo. Es por ello que la cinta tiene cierto halo de originalidad dentro de la narrativa épica de este tipo de cine.

Nota: 7/10. 

Título original:

Prizefighter: The Life of Jem Belcher

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Daniel Graham

Guion: Matt Hookings

Fotografía: Ziryab Ben Brahem

Música: Paul Saunderson

Duración: 102 minutos

Reparto: Russell Crowe, Ray Winstone,

Matt Hookings, Marton Csokas, 

Jodhi M, Julian Glover, Steven Berkoff.

Corten! (Coupez! 2022): Michel Hazanavicius se entrega a la comedia zombi

Corten! dirigida por Michel Hazanavicius (director de la oscarizada cinta The Artist) se estrena en cines españoles el próximo día 4 de noviembre. La cinta francesa fue la Película Inaugural de la Sección a Competición del último Festival de Cannes. 

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La historia: Filme que se ambienta en el rodaje de una película de zombis en un edificio en desuso. Entre técnicos hartos y actores poco implicados, sólo el director parece investido de la energía necesaria para dar vida a otra película de terror de bajo presupuesto. Sin embargo, la irrupción de ¿zombis reales? en el rodaje produce el pánico de todos los responsables. El relato gira hacia la comedia con sorpresa incluida. 

La crítica: El filme francés supone el remake de la exitosa cinta japonesa ‘One Cut of the Dead’. El propio Michel Hazanavicius, junto a su mujer y también actriz en la película Bérénice Bejo, presentaron en el Festival de Sitges 2022 la película ante el público. Ambos, también, dieron salida a la esperada Zombie Walk, que llevaba 2 años sin realizarse por lo que Corten! ha sido un impulso para el citado festival y para los amantes del cine de género. Ahora, y con los rescoldos de Halloween aún en llamas, la cinta será el remate perfecto para la ebriedad de disfraces y calabazas. 

Hazanavicius ofrece un recital de metacine que no estalla hasta pasado el minuto 30 de metraje. Corten! se presenta, por tanto, como una idea muy original de metacine transgresor. Hablamos de un ejercicio que permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión a través de su práctica, en el que el cine se mira al espejo con la pretensión de conocerse mejor. O sea cine dentro del cine. El orden cronológico también se altera para diversión del espectador. Pero aquí entramos en terrenos pantanosos. El público debe aguantar los primeros 30 minutos para hilar la trama y la paciencia no es algo que cultivemos hoy en día. 

La película comienza con un plano secuencia malogrado. Tanto, de hecho, que se vuelve intrigante. Debo ser cauto y críptico en cuanto al desarrollo de la trama. Pero cuando finalmente nos damos cuenta de que este plano secuencia no es el verdadero propósito de la película, sino la historia de cómo y quién la rodó, todo se esclarece. Este giro narrativo nos lleva a conocer a la familia del personaje del director que rueda la película y nos conecta con la comedia francesa de situación. 

Romain Duris al que ya vimos en Míster Bojangles interpreta con eficacia a Remi. Su personaje es el de un cineasta de segunda al que una productora japonesa le ofrece rodar una película de zombis de bajo presupuesto. Duris, cada vez mejor actor, ha trabajado con directores de la talla de Jacques Audiard, Ridley Scott, Pascal Chaumeil, Michel Gondry, Jean Pierre Salomé, Eric Lartigau, François Ozon o Régis Roinsard. 

Bérénice Bejo es una de las principales actrices francesas en activo en la actualidad. Está casada con el propio Hazanavicius, quien le dio el papel protagonista de ‘The Artist’, una película que se alzó con 5 Premios Oscar, incluyendo el de Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor. En Corten! interpreta a la esposa de Remi que a su vez es Nadia: una maquilladora sobreexcitada de la película que están rodando. En el resto del reparto destaca Grégory Gadebois al que este año hemos visto en "Delicioso", "Bojangles" o "En las cartas de amor". Todas reseñadas en Cine y críticas marcianas. Su papel es el de un actor al que le toca hacer de zombi y llega al set de rodaje borracho como una cuba. 

El estilo visual de la película se apoya en una fotografía dinámica y que cambia según sean las secuencias rodadas. Cuando vemos la parte ficticia, observamos una imagen muy teñida de esos viejos brotes de tipo campy con niveles de grano de alta saturación. También hay momentos filmados de manera regular en una mezcla que funciona bien y que ha debido ser una locura en la sala de montaje. 

Corten! es un festival para los amantes del cine zombi. También para los estudiosos del metacine. Pero no es una película redonda. El filme comienza de forma catastrófica y su concepto se va revelando a medida que avanza la historia hasta terminar de forma inesperada. Presentada inicialmente como una película de zombis clásica, pasa poco a poco a ser otro tipo de película de zombis distinta. Luego se transforma en una comedia de situación, para terminar en un nuevo género que, al parecerse a un falso making of, reúne todas las facetas que se han explorado hasta ese momento. Así es como se llega a un final explosivo y divertido para el espectador siempre que éste no haya abandonado la sala de cine antes del minuto treinta de un metraje algo excesivo. 

Nota: 6/10

Nacionalidad: Francia

Dirección: Michel Hazanavicius

Guion: Michel Hazanavicius

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Jonathan Ricquebourg

Duración: 110 minutos

Reparto: Romain Duris, Bérénice Bejo,

Grégory Gadebois, Matilda Anna Ingrid

Lutz, Finnegan Oldfield, Luàna Bajrami