martes, 27 de septiembre de 2022

Modelo 77: la cárcel como reflejo de un país


Modelo 77, la nueva película de Alberto Rodríguez protagonizada por Miguel Herrán y Javier Gutiérrez, se ha estrenado en cines españoles el día 23 de septiembre. La cinta española ha obtenido muy buena recepción en su paso por el reciente Festival de San Sebastián en la que participó en la Sección Oficial pero fuera de concurso. 

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La historia: Barcelona 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, es encarcelado por desfalco en la cárcel Modelo. Se enfrenta a una posible pena de prisión de entre seis y ocho años. Su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes para reclamar una amnistía. A partir de ahí se inicia un conflicto por la libertad que hará tambalear al sistema penitenciario español.


La crítica: Para poder explicar con autoridad una película es importante situarla de manera adecuada en su contexto temporal, social, cultural y geográfico de la época retratada. Tras caer la dictadura franquista en la España de 1977 se aprobó un real decreto-ley mediante que aprobaba el derecho a huelga. El 1 de abril, España derogó el artículo 2 de la Ley de Prensa e Imprenta por el que se puso fin a la censura, las sanciones y los secuestros de los periódicos españoles. Mientras tanto, el 14 de mayo, Juan de Borbón renunció a los derechos dinásticos de la Corona de España en favor de su hijo, Juan Carlos I. Ese mismo año también se aprobaría la ley de la Amnistía y se celebrarían las primeras elecciones tras la dictadura. 

Modelo 77 refleja con crudeza como los avances sociales que se vivían en España no se veían trasladados al sistema penitenciario que vivía una realidad paralela como si el franquismo siguiera existiendo y los presos eran tratados como alimañas. Se amnistió a los presos políticos pero el resto de presos, los autodenominados sociales, seguían en las cárceles sometidos a unas condiciones de vida durísimas, de insalubridad y regidos por un sistema penitenciario donde los derechos humanos brillaban por su ausencia. Hablamos de gente encarcelada por delitos miserables, robos menores o leyes obsoletas. Alberto Rodríguez refleja de manera notable lo que estaba sucediendo en las cárceles españolas y a su vez nos regala una gran historia basada en las protestas en forma de motines y automutilaciones que se produjeron en la cárcel.  

La cinta es poderosa, conecta de inmediato con el espectador y consigue un excelente ritmo narrativo en sus dos horas de duración que transcurren en un suspiro. Modelo 77 es un filme de personajes dentro de un espacio cerrado, de personajes que tienen que creer y hacer un largo viaje interior para conocerse y para conseguir unos objetivos muy complejos. Presos de toda índole trabajarán en un proyecto común, de manera desesperada y sin pensar en las consecuencias. El proyecto era democratizar la prisión creando la asociación COPEL que coordinó las exigencias de los derechos humanos de los presos. Hay una secuencia rodada de manera coral impresionante. Se retrata como en la Modelo de Barcelona 200 personas se cortaron las venas a la vez para llamar la atención sobre su situación. En Carabanchel, otros presos pasaron días enteros subidos a los tejados protestando y pidiendo justicia. Casi todas las cárceles del país terminaron rebelándose contra el sistema e incluso hubo motines coordinados entre distintas prisiones. En la imagen inferior observamos el motín de la Modelo reflejado en el filme y a los presos encaramados a su tejado. 


Como comentaba antes, la película se sustenta en sus personajes, en las historias que les suceden y cómo las enfrentan. Para ello se cuenta con un plantel de actores que repasaremos a través de sus personajes. 

Manuel es interpretado por un gran Miguel Herrán. Su personaje es el hijo de una humilde familia de emigrantes andaluces. Es inteligente, obstinado, generoso, contestatario y soberbio. Tiene alma de obrero y gustos de burgués. Un advenedizo. Un desclasado carismático. Sus aspiraciones en la vida son muy altas. Él no es como los que le rodean; ese es el concepto que tiene de sí mismo. Pronto deja su barrio para buscarse la vida en la ciudad. Sabe relacionarse con la gente; es perspicaz. Educado. Con el tiempo consigue un trabajo como administrativo en una importante empresa y una buena posición social. Ha alcanzado su sueño. Y se olvida de sus orígenes. De quién es, de dónde viene. Intentando mantener su nueva vida, roba dinero de la caja de su empresa. En ningún caso piensa que vayan a cogerlo. Es más listo que nadie. O eso piensa. Pero ocurre. Cuando el país celebra el fin de una larga dictadura y Manuel acaricia el sueño de la democracia, lo encarcelan. Sin fecha de juicio y con una condena muy larga para los hechos que se le imputan, observaremos de manera hipnótica como se las apaña en las entrañas de la prisión.

Pino, interpretado con la solvencia habitual de Javier Gutiérrez es seco, poco hablador, lapidario y honesto. Es el compañero de celda de Manuel. Un preso taleguero y de largo historial carcelario. Un lobo estepario. Solitario. Escéptico y descreído. Lleva más tiempo entre rejas que fuera. Ha pasado por el reformatorio y por muchas cárceles del país. Se ha forjado la leyenda de hombre duro y violento, la única forma de sobrevivir en un lugar donde impera la ley de la selva. Hace años que vive de espaldas al mundo, a la cárcel y a los presos. Aislado de todo. En su burbuja. No cree en nada. En nadie. Su futuro no existe. Colecciona camisas de tipo fantasía y alquila novelas de ciencia ficción que se sabe de memoria, un negocio que le sirve como tapadera para vender hachís en la cárcel con la connivencia silenciosa de los funcionarios. Pero la presencia de Manuel le hará cambiar en una acertada evolución de su personaje que acaba conectando con el espectador. 


En el resto del reparto destacan Jesús Carroza y Fernando Tejero que representan a dos veteranos presos que trafican, trapichean y se mueven por la prisión como Pedro por su casa. Una cárcel muy bien recreada en los aspectos técnicos aunque la oscura fotografía resta puntos al conjunto de artes adicionales como son vestuario, maquillaje o dirección artística. Para dar algo de calidez al filme se introduce a un personaje femenino que va a ver a Manuel de manera regular con el que iniciará un romance a través de cartas y visitas. Interpretada de manera correcta por Catalina Sopelana nos hallamos ante un personaje dulce, inteligente y sensible. A veces cándida e ingenua, como la joven que es, representa la luz, la esperanza o el deseo sexual. Una mirada libre de prejuicios. Lucía es moderna y está cargada de futuro. En construcción. Como el país.


Modelo 77 me ha parecido un drama carcelario de primer nivel. Los reclusos de la época pese a no conseguir todos sus objetivos, sí lograron que la visión de lo que debía ser una prisión cambiara. Las diferentes reformas de las leyes han evolucionado de tal forma que ha cambiado el concepto de cárcel como centro de reclusión y castigo permanente a centro de reeducación con el objetivo de la reinserción social. Un cambio de paradigma que nos hace mejores como sociedad y que sin los hechos que acaecieron en la historia narrada hubieran sido imposibles o al menos muy diferentes. La suma de todos los elementos expuestos en la crítica: buenas interpretaciones, buena narrativa, buen reflejo del contexto social y la propia premisa hacen que la cinta sea una experiencia muy potente. Se muestra la cárcel como reflejo de un país y como el espejo de una sociedad que no podía mirar para otro lado en la defensa de los derechos humanos de todos sus ciudadanos. 

Nota: 9/10. 


Nacionalidad: España

Dirección: Alberto Rodríguez

Guion: Alberto Rodríguez

Música: Julio de la Rosa

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 120 minutos

Reparto: Miguel Herrán,
Javier Gutiérrez, Jesús Carroza,
Fernando Tejero, Catalina Sopelana,
Xavi Sáez, Alfonso Lara, Javier Lago

martes, 20 de septiembre de 2022

La invitación: el efecto melatonina


La invitación dirigida por Jessica M. Thompson se ha estrenado en cines españoles el día 16 de septiembre. El filme estadounidense se adscribe al horror gótico pero más bien lo que consigue es ser un verdadero horror de película. Primer sarnazo de la nueva temporada de estrenos. 

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La historia: Tiene tela la historia. Evie (Nathalie Emmanuel) se hace un test de ADN y encuentra a un primo millonario que la invita a visitar la campiña inglesa para conocer a su nueva familia. Allí es seducida por otro millonario que tiene una casa encantada y además es vampiro. Al menos no hay niña poseída que interrumpa el romance de esta singular pareja. Ni perro. 

La crítica: Dormir es muy sano. Los médicos suelen prohibir las grasas saturadas, el tabaco, las drogas, el alcohol, hacer deporte en las horas de máxima calor e incluso prohíben tener sexo mientras te está dando un infarto. Pero nunca he escuchado a un médico que prohíba dormir a pierna suelta. De hecho, cuando el insomnio se convierte en un problema suelen recetar somníferos o algún suplemento con melatonina. Se conoce que las películas de sobremesa de Antena 3 aún no entran en la lista de medicamentos admitidos. Creo que se está realizando un ensayo con 30 humanos que se dividen en dos grupos. 15 de ellos ven películas de Antena 3 hasta quedarse dormidos y otros 15 toman Diazepam pinchado en dosis altas. Los primeros resultados son sorprendentes. Mientras el primer grupo tarda de media 8 minutos en quedarse inconscientes, los que tomaron el Diazepam tardaron de media 40 minutos en quedarse fritos. Ahora vamos con la cosa que llamo el "efecto melatonina". 

La melatonina es una hormona que se encuentra en nuestro organismo cuya función es regular nuestro reloj biológico. Éste marca el ciclo sueño-vigilia o ritmo circadiano, abarcando 24 horas divididas en 8 horas de sueño y 16 horas de vigilia.  La regulación de la secreción de melatonina se ve afectada por la luz, por la noche aumenta la cantidad de melatonina en nuestro cuerpo provocándonos el sueño y por el día disminuye su concentración lo que nos hace despertarnos. Hoy en día, (un servidor las ha tomado por periodos), existen unas gotas de dicha sustancia que te hacen conciliar el sueño de manera óptima. Pero si por lo que sea no las tienen a mano, recomiendo con fervor ver La invitación pues el sueño y el "efecto melatonina" estará asegurado con el colosal bodrio reseñado.

Pero el verdadero mérito de La invitación con respecto al sueño es que pretende ser una película de terror, y a pesar de los típicos sustitos con subida de volumen incluidos, es prácticamente imposible no quedarse dormido ante el sopor que produce el desarrollo de la trama. La mamarrachada presenciada es como una nueva versión de "La cenicienta" mezclada con "50 sombras de Grey" y aderezadas con vampiros tipo "Crepúsculo" que dan patadas a lo "Matrix". O sea para pedir pena de prisión para la cineasta, para el guionista y para el productor que supongo iba muy colocado cuando leyó el guion.

Si algo hubiera que salvar de la película, que tampoco es obligatorio, sería la interpretación de Nathalie Emmanuel. Me gusta especialmente cuando se pone brava y comienza a dar hostias a todo lo que se mueve en la casa encantada de los cojones. La angelical joven clava estacas, da patadas, araña, muerde y esas cosas que se hacen cuando te atacan los vampiros. Todo esto sucede en los últimos 15 minutos del metraje supongo que para ir despertando al personal y abandonen la sala de cine tras el sueñecito reparador que produce el engendro reseñado. 

El diseño de producción merece una mención especial. Por malo, claro. Nos hallamos ante una casa encantada que se supone tiene 500 años de antigüedad pero se aprecia de manera clara que es una construcción nueva. Además, el diseño de los interiores es como de Ikea pero en plan gótico. O sea un desastre sin pies ni cabeza. Lo de la cabeza es literal pues en la primera secuencia de la película nos regalan el spoiler más grande que recuerdo en los últimos años: una joven secuestrada por esta secta de vampiros tarados se suicida ahorcándose y su cabeza rueda por los suelos. Entonces ya sabemos casi todo lo que va a pasar con la nueva muchacha secuestrada por lo que el "efecto melatonina" es ya imparable. 

La invitación, como ya habréis deducido, me ha parecido una obra cumbre del séptimo arte. Y es que hablamos de una película delicada, profunda y sutil que llena de esperanza nuestros afligidos corazones. Admirado ante el libreto creado por Blair Butler y por la propia cineasta solo puedo quitarme el sombrero ante tan magna obra de arte. Por último, solo cabe señalar que el final abierto nos hace pensar que puede haber una segunda parte de la que se rumorea que puede ser adquirida por Antena 3. La cadena de televisión española, que tanto ha hecho por la conciliación del sueño, la emitiría un domingo a eso de las cuatro de la tarde para facilitar la siesta de sus televidentes que ya afilan los dientes como vampiros en celo. 

Nota: 💤💤💤💤💤


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Jessica M. Thompson

Guion: Jessica M. Thompson, Blair Butler

Música: Dara Taylor

Fotografía: Autumn Eakin

Duración: 105 minutos

Reparto: Nathalie Emmanuel,
Stephanie Corneliussen, Thomas Doherty, Sean Pertwee, Hugh Skinner



El perro al ver la peli (no me pude resistir)
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martes, 13 de septiembre de 2022

La vida padre: Karra Elejalde brilla en otra comedia a la vasca


La vida padre dirigida por Joaquín Mazón se estrena en cines españoles el próximo día 16 de septiembre. La cinta española, distribuida por Paramount Pictures, acaba de celebrar su Première mundial en el Museo Guggenheim de Bilbao coincidiendo con el 25 aniversario de éste. 

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La historia: Mikel (Enric Auquer) es un chef que busca su tercera estrella Michelín en un reconocido restaurante de la ciudad de Bilbao. Cuando le quedan días para la visita del inspector de la guía gastronómica y para la presencia de los reyes de España que desean degustar su cocina, se presenta su padre (Karra Elejalde), una alocado cocinero que lleva 30 años con amnesia pegándose la vida padre por el mundo. 


La crítica: En la línea de lo que buscó Manuel Gómez Pereira con la alta comedia española y con un  ingenioso guion escrito por Joaquín Oristrell, La vida padre mantiene la sonrisa del espectador durante los 90 minutos clásicos de toda la vida con un inteligente metraje. 

Con la premisa de personajes con amnesia se han realizado comedias de enredo de alto nivel pues las situaciones creadas por este tipo de personajes son originales o surrealistas. Podríamos recordar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 50 First Dates o Dude, Where’s My Car? en el cine estadounidense o fuera de la comedia 'Recuerda' (1945), de Alfred Hitchcock o 'El maquinista', de Brad Anderson.

La cinta española parte de esa premisa con Juan, el padre de Mikel, reapareciendo tras 30 años en paradero desconocido. Él regresa perturbado por el extraño síndrome de Korsakoff, un trastorno cerebral que le tiene convencido de que el mundo sigue donde lo dejó antes de desaparecer del mapa. Es decir, en 1990: cuando era un joven treintañero feliz, vitalista y socarrón, dueño del mejor asador de la ciudad. A partir de ahí, el cineasta Joaquín Mazón nos lleva al Bilbao de 2022 para poner patas arriba la vida del joven chef que no da crédito a lo que ocurre.

Y es que Mikel Inchausti es el cocinero de moda en Bilbao. Joven, estiloso y refinado como su restaurante, Ataria, su cocina innovadora y vanguardista le ha convertido en firme candidato a la tercera estrella Michelin. Un sueño que rápidamente se ha convertido en un verdadero infierno: el estrés diario por alcanzar la gloria gastronómica ha reducido toda su vida a una única obsesión. Mikel no tiene vida, no tiene amigos, no tiene novia. Solo tiene su trabajo y ahora a su locuelo padre metido en su cocina. 


Protagonizada por los ganadores del Goya, Karra Elejalde ("Ocho Apellidos Vascos", "Mientras dure la guerra") y Enric Auquer ("Quien a hierro mata", "Vida Perfecta"), el reparto se completa con Megan Montaner ("30 monedas", "Señor, dame paciencia") personaje con el que se introduce la comedia romántica en forma de neuróloga que investiga el padecimiento del personaje principal. La película está realizada para el total lucimiento de Elejalde que brilla de manera muy especial en este tipo de comedias a la vasca. El polifacético interprete se encuentra en plena forma y se mueve como pez en el agua con este tipo de personajes excéntricos. 

En el apartado técnico destacan las tomas en exteriores con una óptima elección de los espacios. Bilbao, y su transformación urbanística, aparece como otro personaje más del filme con vistas de distintas partes de la ciudad: restaurantes, el Mercado de la Ribera, las calles del Casco Viejo o las panorámicas del Guggenheim invitan a visitar la urbe. En una secuencia superpuesta observamos la diferencia entre el Bilbao industrial de épocas pasadas y la ciudad de hoy en día que ha conseguido ser un polo turístico del norte de España. 


La vida padre es una amena comedia con tintes gastronómicos que deja buen sabor de boca a la salida del cine. Elegante en su diseño de producción, solo cabe achacarle un poco más de mordiente en su narrativa y en las interpretaciones de los secundarios. En definitiva, hablamos de una cinta entretenida y adscrita al cine de evasión que tan bien viene para sacar de paseo a nuestras endorfinas. 

Nota: 6/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Joaquín Mazón

Guion: Joaquín Oristrell

Música: Vicente Ortiz

Fotografía: Ángel Iguacel

Duración: 90 minutos

Reparto: Karra Elejalde, Enric Auquer,
Megan Montaner, Lander Otaola,
Maribel Salas, Gorka Aguinagalde

martes, 6 de septiembre de 2022

¡Qué maravilloso es el cine! Cuando llegue septiembre


Bienvenidos a la temporada 2022-2023 de Cine y críticas marcianas en la que seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras españolas. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes, de las entrevistas y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y espero que la magia del cine nos acompañe con la ilusión de volver a disfrutar del séptimo arte. 

Tras un verano con abrumadoras olas de calor y temperaturas extremas en Europa no serán pocos los que se hayan consolado con la idea del respiro de  Cuando llegue septiembre. De esta manera y ya entrados en el mes en curso he pensado en comenzar recordando un clásico de la comedia estadounidense. Por aquel entonces, Hollywood mantenía un tórrido romance con la bella Italia. Fueron muchas las películas rodadas en este país. Vacaciones en Roma y Quo Vadis fueron el inicio del llamado Hollywood sobre el Tíber. Este fue el nombre con el que se conocía a una serie de películas de éxito rodadas en Italia durante los años 50 y 60. A estos dos films le siguieron Guerra y paz, Ben-Hur o Cleopatra. 

Cuando llegue septiembre dirigida por Robert Mulligan narra la historia del empresario newyorkino, Robert Talbot (Rock Hudson) que se reserva el noveno mes del año para pasar sus vacaciones en su villa de la Riviera italiana. Allí le espera su amante italiana, Lisa (Gina Lollobrigida), con la esperanza de que su amado le pida matrimonio. Pero cansada de esperar decide casarse con un inglés llamado Spencer en el mes de julio. La sorpresa llega cuando Robert decide adelantar dos meses su viaje. Es así como se encuentra a Lisa con los preparativos de la boda y su lujosa villa convertida en un hotel por su pícaro mayordomo que aprovecha las ausencias de su jefe para alquilar las habitaciones de la mansión.  

La parte central del filme se rodó en los alrededores de la Villa Guglielmina que de manera posterior se convirtió en el Eden Hotel. En la cinta observamos los jardines por los que antes paseaban los miembros de la realeza. La recreación en estudio de los interiores nos llevan a entender la importancia de la dirección de arte en el cine. El espectáculo visual es único. Las vistas a las playas italianas y la belleza de los protagonistas se realzan aún más con la utilización del Cinemascope. Además tendremos la luminosidad única del Technicolor. 

Gina Lollobrigida luce bellísima con el vestuario diseñado para ella por Morton Haack. Tenía por aquel entonces 34 años y se encontraba en su máximo esplendor. Su personaje, muy a lo Sophia Loren, es un compendio de lo que se conocía como la mujer brava italiana. Por su parte, Rock Hudson, que entre 1961 y 1971 rodó casi 20 películas como protagonista, desde la comedia de salón hasta el thriller de espías, contaba con 36 años y lucía igualmente esplendoroso. Su personaje, lleno de tópicos, funciona como un tiro y entre ambos interpretes eclipsan las subtramas que se plantean en el relato. En el resto del elenco destacan los personajes formado por un grupo de jóvenes (incluidos Bobby Darin y Joel Gray ) que tienen sus ojos puestos en las bellas jóvenes del "hotel" y que no dejan de provocar complicaciones adicionales para impedir que los protagonistas disfruten de su nido de amor en la costa. El clásico enredo en la narración y el típico chico pierde a chica haciendo lo imposible para recuperarla conforman un guion sencillo pero agradable. 

Filmada en locaciones originales en Milán, Portofino, Ostia, Roma y en el Lago di Albano, la cinta brilla sobre todo con la belleza del propio espectáculo del verano en Italia. Desde la perspectiva actual, la historia se puede sentir frívola o anquilosada, pero las grabaciones siguen siendo un festín para los ojos, el elenco es de primera clase y el estilo es tan liviano que nos lleva en volandas hasta el final. 


Cuando llegue septiembre representa la inocencia cinematográfica de la época dorada de Hollywood con un ritmo fresco, una puesta en escena deliciosa y dos interpretes que fueron estrellas del séptimo arte. 

Disponible en Filmin o en edición Blu-ray que se presenta en el clásico estuche amaray azul con una relación de aspecto de 2.35:1, con franjas en la parte superior e inferior, y una imagen no remasterizada que luce un buen contraste a nivel visual. Se mantiene el nivel de grano original con una buena definición con colores brillantes y luminosos. 

Robert Mulligan, en definitiva, supo adaptar su visión del cine a lo que el público demandaba en su momento y tras casi un año de rodaje en Italia nos dejó una divertida comedia que no debe sacarse de su contexto. 


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Robert Mulligan

Guion: Stanley Shapiro, Maurice Richlin

Música: Hans J. Salter

Fotografía: William H. Daniels

Duración: 110 minutos

Reparto: Rock Hudson,
Gina Lollobrigida, Sandra Dee, 
Bobby Darin, Walter Slezak,
Joel Grey, Rossana Rory

miércoles, 27 de julio de 2022

Aquí, ahora y así (Estrella Damm): el sentido de las vacaciones


Aquí, ahora y así dirigido por Nacho Gayán es el cortometraje elegido por la cervecera Estrella Damm para alumbrar este verano de 2022. Con esta pequeña cápsula de cine me quiero despedir de vosotros hasta el próximo mes de septiembre. Cine y críticas marcianas volverá con fuerzas renovadas para afrontar una segunda parte del año que se presenta intensa e interesante para los cinéfilos. 


En el corto vemos la historia de Éric, un joven que decide emprender un viaje de autodescubrimiento, y en el que vivirá experiencias que nunca hubiera pensado. La aventura transcurre en bicicleta entre enclaves de ensueño, desde Los Pirineos hasta llegar al Mediterráneo, su destino final. La fotografía de portada pertenece a la localidad de Roses, puerta natural del Cap de Creus donde acaba el vídeo. 

Aquí, ahora y así también es el nombre de la banda sonora escrita por Rigoberta Bandini. El tema ya está disponible en plataformas musicales y tiene gran repercusión en las redes sociales. Escrita por Bandini −quien ya compuso e interpretó A ver que pasa, el tema de la campaña de 2021−, está interpretada por Santi Balmes que vuelve a poner su voz, tal como hizo en “Otra manera de vivir” (2019)− y Clara Viñals (Renaldo & Clara).

El corto, con un final sorprendente, nos habla del sentido de las vacaciones y sobre todo de la necesidad de desconectar de lo que hacemos de manera habitual. Eric es un joven panadero que decide emprender un viaje de nuevas amistades −a la vez que retomará otras ya olvidadas– y tiene una duración de apenas tres minutos que son suficientes para narrar una bonita historia. ¡Felices vacaciones y hasta septiembre!

miércoles, 20 de julio de 2022

La memoria de un asesino: Liam Neeson y Mónica Bellucci se lían (a tiros)

La memoria de un asesino dirigida por Martin Campbell se estrena en cines españoles el próximo día 22 de julio. Lo nuevo del director de ‘Casino Royale’, ‘Goldeneye’ o ‘La máscara del zorro’ es un thriller psicológico con grandes dosis de acción. 

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La historia: Alex Lewis (Liam Neeson) es un asesino profesional de gran reputación y discreción. Cuando se niega a completar un trabajo que viola su código moral, debe cazar y matar rápidamente a las personas que lo contrataron antes de que ellos y el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) lo encuentren primero. Alex está hecho para la venganza, pero, con una memoria que comienza a fallar, se ve obligado a cuestionar cada una de sus acciones, desdibujando la línea entre el bien y el mal. Pero quien maneja los hilos en la ciudad es la rica agente inmobiliaria Davana Sealman (Mónica Bellucci) que no dudará un instante en mandar matar a quien se interponga en sus negocios. 


La crítica: El actor británico Liam Neeson que alcanzó la gloria con filmes como La lista de Schindler, La misión o Michael Collins viene coqueteando con su retirada desde el año 2015 pero no deja de hundir su reputación con películas de venganzas, vulgar acción o simples productos que le acarreen una jubilación dorada a sus setenta años recién cumplidos. 

La memoria de un asesino es un filme palomitero, de muchos tiros y con suficiente acción para evadir al espectador de la subida de la inflación o de sus propios demonios personales. La cinta se basa en el thriller belga La memoria del asesino, estrenado en 2003, que a su vez fue la adaptación cinematográfica del libro homónimo del autor Jef Geeraerts de 1985.

Con un ritmo trepidante, Campbell narra la historia de un asesino que lidia con el lento inicio de la enfermedad de Alzhéimer. Éste se ve envuelto en un asunto sucio de una familia poderosa involucrada en un caso de prostitución infantil y la búsqueda del FBI para derribarlo. Un caso clásico del juego del ratón y el gato aderezado con algo de cine fronterizo localizado en El Paso. Se añade una femme fatale y producto listo. No hay mucho más. 


El trabajo de Liam Neeson es correcto aunque su aspecto envejecido no otorga realismo a su personaje. Un tal Alex Lewis que es un asesino a sueldo y que se encuentra en una encrucijada emocional, física y profesional. Le persigue por toda la ciudad el agente Vincent Serra interpretado con firmeza por un buen Guy Pearce. Respecto a Mónica Bellucci sigue cumpliendo con sus típicos papeles de mujer explosiva y en esta ocasión interpreta a una villana sin escrúpulos en un personaje que cumple con todos los estereotipos del género. 

En los aspectos técnicos destaca el manejo experto de Campbell en las escenas de acción, como ha demostrado con dos de las películas recientes de James Bond (Casino Royale, el debut de Daniel Craig como 007, y Goldeneye, con Pierce Brosnan como 007). Los espacios escenográficos oscilan entre sucios garajes, pasillos estrechos y los amplios espacios de un vestíbulo lleno de vidrio y escaleras mecánicas que nos llevan al lujoso apartamento de la villana del relato.

La memoria de un asesino me ha parecido una película entretenida pero olvidable por reiterativa tanto en sus personajes, como en la propia historia narrada. Introducir un tema tan delicado como el del Alzhéimer en un filme palomitero me parece una osadía innecesaria. En definitiva, hablamos de una cinta cuyo mayor valor añadido es observar como el paso del tiempo también afecta a las estrellas de cine lo que en cierta manera los iguala al común de los mortales. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Martin Campbell

Guion: Dario Scardapane

Fotografía: David Tattersall

Música: Rupert Parkes

Duración: 115 minutos

Reparto: Liam Neeson, Guy Pearce, 
Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold
Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson

miércoles, 13 de julio de 2022

Las diez películas más vistas de la historia del cine (en España)

¿Cuál es el mejor método para saber cuál es la película más vista en salas de cine? En mi opinión el más sencillo y fiable sería aquel que mida el número de espectadores en detrimento del que mide por recaudación aunque también me parece interesante. El problema del segundo estaría en que habría que aplicar cálculos en base a parámetros como la inflación, la carestía de la vida o el precio de las entradas en según que localidades. Es por ello que vamos a repasar las diez películas más vistas de la historia del cine en España según el número de espectadores que pagaron por sus entradas. 

1. Titanic de James Cameron en 1998 con 11.265.694 de espectadores.

2. Avatar de James Cameron en 2009 con 9.536.218 de espectadores. 

3. 8 apellidos vascos de Emilo Martínez Lázaro en 2014 con 9.397.647 de espectadores.

4. E.T. el extraterreste de Steven Spielberg en 1982 con 8.147.099 de espectadores. 

5. Doctor Zhivago de David Lean en 1966 con 7.257.732 espectadores. 

6El señor de los anillos: La comunidad del anillo de Peter Jackson en 2001 con 7.143.105 espectadores. 

7El señor de los anillos: El retorno de rey de Peter Jackson en 2003 con 6.902.600 espectadores.


8. La guerra de la galaxias de George Lucas en 1977 con 6.900.868 espectadores.


9. El sexto sentido de M. Night Shyamalan en 1999 con 6.762.480 de espectadores. 


10. El padrecito de Miguel M. Delgado en 1964 con 6.595.454 de espectadores.


Entre las 100 películas más vistas, y como mera curiosidad, también están las siguientes:

Puesto 25: Torrente 2: Misión en Marbella con 5.321.969 millones de espectadores.

Puesto 32: El padrino con 4.993.539 millones de espectadores. 

Puesto 50: El coloso en llamas con 4.505.416 millones de espectadores.

Puesto 55: No desearás al vecino del quinto con 4.371.624 millones de espectadores.

Puesto 84: Forrest Gump con 3.914.504 millones de espectadores.

Puesto 100: Crónicas de Narnia con 3.740.709 millones de espectadores. 

Por último y en plena pandemia cabe destacar que Spider-Man: No Way Home de 2021 tiene al cierre de esta publicación 4.500.000 de entradas vendidas en España entre 2021 y 2022. Por tanto entra en el top-50 de las películas más vistas de la historia. El cine, aún con mascarillas en 2021, y ya sin ellas en 2022 demostró que si el producto interesa al gran público sobrevivirá a sus adversarios y podrá convivir con las plataformas como ya lo hizo con la televisión, los videoclubs o el propio pirateo de los estrenos en Internet. 

¿Qué os sugiere este Top-10 de películas? ¿Encontráis algún eje común en las películas más vistas? ¿Qué película del ranking os ha sorprendido más por entrar entre las 10 más vistas?

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miércoles, 6 de julio de 2022

Mis queridísimos hijos: ¿Qué harías con 18 millones de euros?


Mis queridísimos hijos se ha estrenado en cines españoles el día 1 de julio. La película gala está dirigida por Alexandra Leclère y protagonizada por los ganadores del César Josiane Balasko y Didier Bourdon

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La historia: Christian y Chantal conforman un cordial matrimonio aunque están ofuscados porque sus dos hijos apenas les visitan ni les llaman por teléfono. Pero cuando sus hijos les anuncian que no vendrán a celebrar una importante comida familiar idean un plan que no podrán rechazar.


La crítica: El "síndrome del nido vacío" es la sensación que tienen los padres de anhelo y pérdida cuando los hijos se independizan del hogar familiar. Algunos padres. Otros lo celebran como si no hubiera un mañana y merecido se lo tienen.

En Mis queridísimos hijosChristian y Chantal no consiguen desprenderse de su tristeza y deciden que les toque la lotería. O sea, se inventan que han sido premiados con 18 millones de euros y al olor de la posible herencia, sus hijos, Sandrine y Stéphane, se vuelven muy, pero que muy cariñosos. Los dos pájaros comienzan a preguntarse qué podrán hacer con la millonaria cifra.

En lo personal, me gustan las historias familiares, siempre que no sean trilladas y no suenen falsas. Este es un caso muy a la francesa y además la premisa me ha parecido irresistible y bien construida. Unos padres, que además son jubilados, se ríen de sus "pequeños" para poder verlos más a menudo. El dinero es el cebo para intentar que los hijos vuelvan al nido familiar. Los personajes se dibujan como extravagantes, un poco fuera de la realidad, e incluso un poco penosos, en diversos grados. Pero al mismo tiempo, todos ellos son frontales, van de cara, sin nada de astucia, lo que hace que resulten conmovedores y el espectador se ría un poco con ellos y un poco de ellos. El vestuario en la transición de la clase media a la clase alta es hilarante así como el uso de todo tipo de estratagemas para dar una lección a sus dos pequeños. 


El reparto, bien equilibrado, está compuesto por Josiane Balasko como la madre y por Didier Bourdon como el padre de las criaturas. Sandrine, la hija, es interpretada de manera jovial por Marilou Berry, actriz francesa.

Ben -cómico francés- hace del desesperado e ilusionado hijo que se siente un hombre feliz por la "nueva riqueza" de sus padres. ¿Qué harán ante el chasco previsto? Como es lógico el espectador tiene más información que los propios personajes del filme. La cineasta tira de ese hilo casi hasta el final para ganar la complicidad del público. 

Fabienne Katany, jefa de vestuario, y Carlos Conti, escenógrafo son decisivos en la técnica. La dirección artística es adecuada en la recreación de la casa de Chantal y Christian que no se ha movido un pelo desde que sus hijos se fueron.

Mis queridísimos hijos entretiene y me parece una comedia aceptable, colorida y bien planteada. La idea de mostrar los muchos excesos de los que ganan millones en la lotería es muy divertida. Asimismo en el tercio final del filme aparece una gran sorpresa en forma de billete de lotería realmente premiado. Con ello, Alexandra Leclère consigue una nueva vuelta de tuerca y enreda más una comedia ya bastante bien enredada. 

Nota: 6/10. 


Nacionalidad: Francia

Dirección: Alexandra Leclère

Guion: Alexandra Leclère

Fotografía: Jean-Marc Fabre

Duración: 95 minutos

Reparto: Josiane Balasko,
Didier Bourdon, Marilou Berry,
Cédric Ben Abdallah, Esteban

miércoles, 29 de junio de 2022

Sinjar: la inexistencia femenina


Sinjar dirigida por Anna Bofarull se estrena en cines españoles el próximo día 1 de julio. La película ha sido recientemente galardonada en el Fic-Cat con el Premio al Mejor Largometraje y el Premio de la Crítica.

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La historia: Marc es un joven catalán convertido al Islam que desaparece sin dejar rastro. Carlota (Nora Navas), su madre, denuncia su desaparición hasta que es informada de que se ha unido al Estado Islámico en Siria. Mientras tanto, en Sinjar, región situada entre Irak y Siria, Hadia es obligada a vivir como criada y esclava junto a tres de sus hijos al servicio de una familia cuyo padre es un integrista islámico. Por otro lado, está Arjin que es una joven muchacha que se enrola en las milicias kurdas para luchar por la libertad de su pueblo. 


La crítica: El filme español es el tercer largometraje de la cineasta Anna M. Bofarull, quien ha escrito, dirigido y producido este proyecto que muestra hasta dónde están dispuestas a llegar tres mujeres para recuperar a sus familiares, en una ficción basada en historias reales.

Sinjar retrata la masacre física y sobre todo ideológica de los integrantes del Estado Islámico en la ciudad del mismo nombre, en el Kurdistán iraquí. Hablamos de una ficción basada en tres relatos de tres mujeres que luchan por la libertad desde diferentes prismas. 

El proyecto es impecable en su factura, loable en sus buenas intenciones,  pero inconexo cuando trata de unir las tres historias que no acaban de converger en pantalla. Los exagerados 127 minutos de metraje se encuentran con un final abrupto y no concluyente. 

Analicemos Sinjar a través de sus personajes femeninos. 

Carlota (Nora Navas), madre coraje. 


Importante actuación de la doble ganadora del Goya, Nora Navas, que se convierte en lo mejor del filme español. Tras ver cómo su hijo Marc desaparece de manera súbita, el sentimiento de culpa la invade por ser una madre demasiado confiada. Cuando Carlota se enfrenta a sus demonios interiores para investigar la desaparición de Marc, ¿será capaz de superar la existencia de un terror tan real tan cerca de su casa? De manera desafortunada ha habido muchas mujeres como Carlota, madres que han perdido a sus hijos cuando estos se han marchado a luchar a Siria. En este aspecto la película muestra como algunos jóvenes europeos son reclutados e islamizados en la parte más radical de la religión.

Arjim (Eman Eido), la joven soldado.


La actriz es una víctima real del Estado Islámico, secuestrada y vendida con 9 años. Eido se pone por primera vez frente a cámara para este proyecto y resuelve de manera notable. Su personaje, después de haber sido secuestrada en Sinjar, consigue huir. No es más que una adolescente perdida y lo único que anhela es recuperar su hogar. En ese viaje, Arjin descubrirá la fuerza que alberga. ¿Podrá la muchacha aprender a canalizar sus emociones y aplacar el miedo ante la tremenda pérdida? Las milicias kurdas otorgan sentido a su vida y encuentra en ellas la valoración que como mujer ha sido anulada por los cavernícolas del Estado Islámico.

Hadia (Halima Ilter).
La (injusta) inexistencia femenina. 

Convertida en esclava en casa de Abu Omar, Hadia soporta los abusos con total obediencia -secándose las lágrimas que se le escapan cuando es violada cada mañana de manera sibilina- con la esperanza de poder proteger a los tres hijos pequeños que viven con ella. Pero la pesadilla que está viviendo empieza a afectarlos. ¿Será capaz de dejar el miedo de lado y sacar su valentía para proteger a sus hijos? Importante la interpretación de Halima Ilter que encarna al mejor personaje del relato. Resulta impactante al ser tratada como una sierva incluso por las otras mujeres. Y es que las mujeres yazidíes secuestradas son personas con terribles historias dentro del horroroso mundo del integrismo.


El filme se ha rodado en el Kurdistán iraquí, escenario de dos de las historias, grabadas en localizaciones reales en Oriente Medio. También cuenta con secuencias grabadas en Barcelona, Tarragona y Sant Boi de Llobregat. Destaca en la parte técnica el trabajo en la fotografía de Lara Vilanova que sabe contraponer el color de lo urbano al de lo rural. Asimismo el tono dorado se impone en las escenas de Oriente mientras que los azules se imponen en la parte occidental de la grabación. 

Sinjar me ha parecido una película realizada con muy buenas intenciones en su fondo y atractiva en sus formas visuales. Sin embargo, las tres historias narradas no encuentran un enlace común que unan a los personajes de la filmación. Por tanto, podríamos hablar de tres relatos inconexos y hasta cierto punto fallidos con un libreto que no cose las narraciones de manera adecuada. La película si refleja con realismo lo que sucedió en 2014 cuando el Estado Islámico ocupó gran parte de Irak y Siria y cómo cientos de mujeres fueron secuestradas para ser vendidas como esclavas sexuales. En definitiva, hablamos de un filme correcto en la denuncia de la barbarie pero descosido por un cierre relámpago que deja sin unificar las tres líneas narrativas que dan vida a la filmación. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: España

Dirección: Anna Bofarull

Guion: Anna Bofarull

Fotografía: Lara Vilanova

Música: Gerard Pastor

Duración: 127 minutos

Reparto: Nora Navas, Halima Ilter, 
Iman Ido Koro, Guim Puig,
Mouafaq Rushdie, Luisa Gavasa

jueves, 23 de junio de 2022

True Things: el deseo y el amor en clave femenina


 True Things dirigida por Harry Wootliff se estrena en Filmin el viernes 24 de junio tras su paso por la Sección Horizontes del prestigioso Festival de Venecia. Su estreno en cines de Estados Unidos se producirá el próximo 9 de septiembre. 

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La historia: Kate (Ruth Wilson), es una treintañera que trabaja en una oficina de servicios sociales atrapada en una rutina tediosa y frustrante. Pero un día se cruza con un desconocido, Blond (Tom Burke), que la despertará de la rutina y con quien empezará un romance dominado por la obsesión y la autodestrucción.


La crítica: La cineasta Harry Wootliff se basa en la novela "True Things About Me" de Deborah Kay Davies para su nueva película tras la premiada "Only You", en la que dirigió a Josh O'Connor y a Laia Costa a la que veíamos hace poco en la española Cinco lobitos

True Things comienza de forma explosiva y aunque se va desinflando como un globo nos deja aspectos muy interesantes sobre la psicología femenina. La película es subjetiva, íntima y de manera fundamental nos habla sobre la relación de una mujer consigo misma. Durante su viaje hacia esa autonomía personal, Kate se ve abocada a dejarse consumir y descarrilar por un hombre como si fuera una niña de dieciocho años. 

Lo que pudiera parecer una relación tóxica para el común de los mortales para Kate no lo es. De hecho está dispuesta a dejar su trabajo, discutir con sus padres o humillarse como persona con tal de poder estar más cerca de un hombre que no parece mostrar mucho interés en ella. Pero lo que pudiera parecer tóxico a primera vista, después de todo, también puede ser embriagador para ella. Así es como la protagonista parece consumirse entre el deseo y la insatisfacción con una relación que se presenta como un atisbo de caminos no recorridos.


True Things cuenta con dos de los actores más dinámicos y carismáticos de Reino Unido: Ruth Wilson ("Mrs Wilson") y Tom Burke ("The Souvenir"). El personaje masculino es simple y solo aporta algo al relato como espejo deformado de Kate. Hablamos de un tipo recién salido de la prisión y qué se dedica a trapichear. Kate ya no sabe quién es y ha aceptado una versión de sí misma que ha sido moldeada por la sociedad, por quienes la rodean y ahora por un hombre que no sabe que hacer con su vida. 

En la parte técnica -muy plana en todo caso- destaca el sonido; tanto los sonidos de la naturaleza como la música que en ocasiones refleja el romanticismo ingenuo de los sueños de Kate. El libreto abusa del mundo onírico de la protagonista y gana cuando se centra en lo mundano. La perspectiva de los encuentros sexuales es bastante original y se centra en el deseo femenino desde la mirada de Kate.

True Things me ha parecido una buena muestra del cine independiente británico pero quizás no tan buena como lo que suele elegir Filmin para su catálogo. Hablamos de un cuento con moraleja sobre una relación sexual destructiva que es compleja y muy común a la vez –una relación que suena familiar y que se percibe como un rito de iniciación–. Es algo así como una historia de amor que se fija, desde los ojos de Kate, en lo frágil que puede llegar a ser la confianza en uno mismo y cómo algunas mujeres usan las relaciones para explorar su identidad en plena igualdad con los hombres ante la perplejidad de algunos de ellos.

Nota: 6/10. 


Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Harry Wootliff

Guion: Harry Wootliff

Fotografía: Ashley Connor

Música: Alex Baranowski

Duración: 100 minutos

Reparto: Ruth Wilson, Tom Burke,
Tom Weston-Jones, Hayley Squires,
Elizabeth Rider, Melissa Neal