IV Edición de los Premios Marcianos: lo mejor del cine en 2019

Tras un intenso año de cine, llega el momento de hacer balance en Cine y críticas marcianas. Los simbólicos pero cada vez más cotizados Premios Marcianos llegan en este 2019 a su cuarta gala de entrega. Este año la dotación económica de estos suntuosos galardones ha subido y se sitúa en un millón de dólares marcianos a pagar con dinero del Monopoly.

Para que una película pueda ser premiada seguiré la norma de que la cinta en cuestión haya sido estrenada en España durante el año 2019 y a su vez haya sido reseñada en el blog marciano. Como novedad, este año haré un apéndice final con algunas cintas importantes que por una u otra razón no pudieron tener la crítica en los tiempos adecuados. 

Comienza la ceremonia y al acabar se procederá al capítulo de agradecimientos

En letra azul los enlaces a las críticas.

Mejor Película: Adiós dirigida por Paco Cabezas

Mejor Director: Woody Allen por Día de lluvia en Nueva York

Mejor Actor: Antonio Banderas por Dolor y Gloria de Pedro Almodóvar

Mejor Actriz: Elle Fanning por Día de lluvia en Nueva York

Mejor Actor de Reparto: Mahershala Ali por Green Book

Mejor Actriz de Reparto: Natalia de Molina por Adiós

Actor Revelación: Jackson Robert Scott por The Prodigy

Actriz Revelación: Iria del Río por El increíble finde menguante

Mejor Director Novel: Manolo Munguía por H0us3

Mejor Película de Animación o Live Action: Dumbo de Tim Burton

Mejor Película Documental: Pintores y reyes del Prado

Mejor Película Europea: Los años más bellos de una vida dirigida por Claude Lelouch (Francia)

Mejor Película Iberoamericana o con participación en ella: Gloria Bell dirigida por Sebastián Lelio (Chile-EE UU)

Mejor Película Asiática: La tercera esposa dirigida por Ashleigh Mayfair (Vietnam)

Mejor Dirección de Fotografía: Vitorio Storaro por Día de lluvia en Nueva York

Mejor Banda Sonora: Zeltia Montes por Adiós

Mejor Vestuario: Midway

Mejor Dirección de Arte en interiores: Dolor y Gloria

Mejor Diseño de Producción: Midway

Mejor Maquillaje y Peluquería: El vicio del poder

Mejor Sonido y Mezcla de Sonido: Midway

Mejor Montaje: Green Book

Mejores Efectos Visuales: Midway

Entrada más vista de 2019 en Cine y críticas marcianas: Entrevista a Lee Cronin, director de Bosque Maldito.

Balance final de 2019

72 publicaciones realizadas para Cine y críticas marcianas, 32 para Cinemagavia y decenas para Noroeste Madrid. Me sale cine por las orejas y aún así se quedaron algunas películas importantes sin reseñar. Hablamos de más de 100 críticas y como supuse que habría cientos de críticas para Joker, Frozen 2 o El irlandés no quise sumarme para no saturar al lector cinematográfico. A pesar de ello, dejo unas breves notas de algunos filmes por los que fui preguntado con insistencia en 2019. 

Once Upon a Time in Hollywood de Quentin Tarantino

Terrible e inaudita fecha de estreno en primer lugar. No es de recibo estrenar una película del maestro Tarantino un 15 de agosto. En cualquier caso esperaba mucho más de una historia muy pasada de metraje y algo plana en su narrativa. Magnífica en su diseño de producción y en las interpretaciones. Moderada decepción con carácter general. 

Mi nota sería de un 6/10. 

Mientras dure la guerra de Alejandro Amenábar

Éxito de taquilla en España pero decepcionante en su narrativa. Alejandro Amenabar juega a quedar bien con todos y el filme se queda en la "anécdota Unamuno". Con graves errores históricos y situando a Francisco Franco como un pelele de Millán-Astray, la cinta española carece de credibilidad. Mejora en su parte final pero es prescindible en su totalidad. Se sigue sin hacer la gran película sobre la Guerra Civil española y no será por intentos. Gran interpretación de Karra Elejalde. 17 nominaciones a los Goya la avalan. Por mí como si le hubieran dado 300 nominaciones. ¿Tantos premios hay? En fin...

Mi nota es de un 5/10. 

Joker dirigida por Todd Phillips

Una de las películas del año que no quise reseñar por la saturación de críticas que hubo hacia la misma. No obstante no descarto una futura reseña en la sección de ¡Qué maravilloso es el cine! Desde aquí invito a algún experto en trastornos mentales a ponerse en contacto conmigo para diseccionarla a cuatro manos. La cinta siempre va de menos a más con un final que vale el Oscar a la Mejor Película. Por supuesto, el Premio de la Academia de Hollywood al mejor actor ya tiene dueño (espero). And the Oscar goes to: Joaquín Phoenix. 

Mi nota es de 9/10. 

Frozen 2 de Disney

La manera perfecta de cargarse un clásico animado. Penosa. 

Mi nota es de 3/10

El irlandés de Martin Scorsese 

De indudable calidad narrativa sigo sin entender como Martin Scorsese se lleva el metraje a los 210 minutos. Tres horas y media de película cortan el ritmo a una cinta que no obstante parte como una de mis favoritas en la carrera por los Oscars. Con grandes interpretaciones y un maravilloso diseño de producción veremos quien aguanta en Netflix la extensión de El Irlandés. Esta obra no es desde luego para verla a través de una tablet y menos desde un móvil. Tuvo una mejor distribución en cines que Roma y eso es una buena noticia para esta extraña asociación de Netflix y la cinematografía en el cine. Y es que el cine tiene su razón de ser para ser visto en cines. 

Mi nota es de 8/10. 

Chicos buenos dirigida por Gene Stupnitsky (la sorpresa del año y la comedia del año. La dejo virgen pero le doy mi máxima recomendación. Estrenada en España el día 23 agosto)

Agradecimientos

A cada persona que leyó una entrada del blog. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión. ¡Muchas gracias!

Cine y críticas marcianas también fue posible gracias a:

Alfredo García de Cinefilia, Ángela Mérino de Noroeste Madrid, Eduardo Gil Rodriguez de Cinemagavia,  Eva Calleja de Prisma Ideas, Pablo Caballero de Margenes Distribución, Marien Pines de A Contracorriente Films, Natalia Fernández y Katia Casariego de Sony Pictures, Mónica García de Paramount Pictures, Maria Díaz de Kaudivisual, Alexandra Hernández de Vértice Films, Haizea G. Viana y Carlos García de Diamond Films,  Nadia López de Caramel Films y Laura San Miguel de Walt Disney España. 

Mil gracias también a Gloria Camarero, Natalia de Molina, Ingrid García-Jhonsson, Paco Cabezas, Manolo Munguía, Iría del Río, Manuela Velasco y a María Pina. 

Y ahora solo me queda ya despedirme por este año 2019. Con la entrega de los Premios Marcianos doy por concluido este año de mucho cine y mucho cariño recibido por vuestra parte. Cine y críticas marcianas tras una breve pausa navideña volverá salvo imprevisto en enero de 2020.

¡Feliz Navidad!

P.D. Os dejo con el último Premio Marciano de 2019.

Mejor canción: Baby Mine de Dumbo 

Fin de siglo: la eterna búsqueda del amor

Fin de siglo dirigida por Lucio Castro llega a los cines españoles el próximo día 13 de diciembre. La película fue galardonada en el Festival Bafici 2019 con el premio a la mejor película argentina. Distribuida por Filmin.

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La historia: Gustavo (Juan Barberini) es un argentino que pasa unos días de relax en Barcelona. Javier (Ramón Pujol) es un español residente en Berlín que también está de paso en la capital catalana. Ambos, tienen una amiga en común llamada Sonia (Mia Maestro). Tiempo atrás Javier mantuvo una relación romántica con ella. Tras un encuentro fortuito, los hombres se sienten atraídos y surge entre ellos la semilla de un romance que cambiará sus vidas para siempre. 

La crítica: El cineasta y guionista argentino Lucio Castro indaga con su ópera prima en la eterna búsqueda del amor. Fin de siglo es un singular proyecto indie que presenta una narración dividida en tres partes. Dichos segmentos podrían titularse como: el silencio, el amor y el giro. Castro opta por narrar a través del hoy pero sin olvidar el ayer. El recuerdo de su primer encuentro (inexacto y subjetivo como son todos los recuerdos) empuja al personaje principal a imaginar una vida vivida juntos, colocando la memoria, el presente y la posibilidad en el reino de lo intangible. Hablamos de cine casi experimental.

El silencio

El comienzo del filme es lo más brillante del mismo y en cierta manera supone una vuelta al cine mudo con ciertos matices. Son quince minutos donde el sujeto narrativo es la ciudad de Barcelona. Sus calles, las olas del mar y el silencio de Gustavo conforman la presentación de la película. El joven: mira, oye, deambula y por fin encuentra. El silencio queda roto.

El amor

Lo que parece un encuentro de una noche entre dos extraños se convierte en una relación atemporal que abarca décadas. El amor está en el aire o eso dicen. La parte central del filme es universal y se asemeja a un cuento urbano en el que se mezclan la pasión, el deseo carnal, los celos, las nuevas formas de familia, la monogamia o por el contrario los pactos de pareja para tener una relación abierta. El núcleo central de la película es un flasback que nos hace ver quienes eran los personajes principales veinte años atrás. De ahí, el título de la película. Fin de siglo nos lleva de la época actual a la Barcelona de 1999. En el último capítulo, que no es presentado como tal, volvemos al 2019 para buscar la resolución de la historia.

El giro

La resolución del largometraje es lo más polémico del mismo. Ni puedo, ni debo desvelar lo que ocurre, pero si puedo matizar algunas cosas. En la parte final del filme entran en juego ciertos bucles temporales donde se mezclan ficción, realidad y sueños. En esta parte el cineasta juega a narrar de manera existencial. Intenta, con ello, justificar la trama a través de una meta-ficción que no solo deja el final abierto, sino que propone de manera metafórica que sea el espectador el que cierre la historia a su antojo. Las películas deberían explicarse por sí mismas. Aquí se pasa la pelota al espectador. En cualquier caso prefiero a un cineasta que arriesgue y no a uno que se rija por patrones comerciales o conservadores. Si pedimos guiones originales debemos ser consecuentes y alabar a Lucio Castro por atreverse a romper las reglas establecidas. Además, acierta con un metraje que no llega a los noventa minutos de duración.

Las interpretaciones

El reparto está encabezado por el actor argentino Juan Barberini (El incendio). Nos deja una rotunda interpretación con un personaje bastante complejo. Tras 20 años de relación de pareja se queda solo y busca en otros brazos recomponer su pasado. Complejo también es el personaje de Javier. Está interpretado con asepsia por el actor español Ramón Pujol (Doctor Mateo). Éste ha roto con su pareja heterosexual y está ahora casado con otro hombre. Al conocer a Gustavo duda entre ser fiel o comenzar una nueva vida. En la parte femenina del reparto aparece la estupenda actriz bonaerense Mia Maestro (Diarios de motocicleta). Su personaje está bien creado pero también se mueve en la delgada linea entre la ficción y la realidad. Ella fue la mujer que enamoró a Javier y con la que tuvo una hija. Corría por aquel entonces el año 1999 y habrá que esperar hasta la resolución del filme para comprobar como acaba este triangulo amoroso.

Conclusión

Fin de siglo es en definitiva una obra bastante original aunque confusa por momentos. Lucio Castro nos habla de temas tan universales como son el amor, la sexualidad y la amistad. También establece un fuerte debate en torno a la soledad. Acertada en su fondo y compleja en su narrativa la película argentina nace para ser digerida a fuego lento.

Nota: 7/10.

P.D. Fin de siglo supone la última película en ser reseñada en Cine y críticas marcianas en este año 2019. Pero aún queda una publicación.

El día 18 de este mes nos vemos. Los suntuosos Premios Marcianos llegan a su cuarta edición y lo harán para resumir lo mejor del cine en el año en curso. Presentan: Emma Stone y Ryan Gosling. En el caso de que no vengan, que no vendrán, se conforman con un servidor. 

Nacionalidad: Argentina

Dirección: Lucio Castro

Guión: Lucio Castro

Música: Robert Lombardo

Fotografía: Bernat Mestres

Estreno Argentina: Bafici

Estreno España: 13 de diciembre

Duración: 85 minutos

Reparto: Juan Barberini,
Ramon Pujol, Mía Maestro,
Mariano Lopez Seoane,
Helen Celia Castro-Wood

Pintores y reyes del Prado: el cine como lienzo pintado

Pintores y reyes del Prado dirigida por Valeria Parisi llega a las pantallas el 9 de diciembre. La película documental italiana se exhibirá de manera limitada en cines y se estrenará en más de sesenta países. 

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Con motivo de las celebraciones oficiales del 200 aniversario del Museo del Prado, Pintores y reyes del Prado es el primer viaje cinematográfico a través de las salas, historias y emociones de uno de los museos más visitados del mundo. Su riqueza cultural, con más de 8000 tesoros artísticos es una experiencia fascinante que atrae a casi 3 millones de visitantes a Madrid cada año.

Decía Ettore Scola que el cine es como un espejo pintado. En este caso, la cinta reseñada hoy es como un hermoso lienzo pintado. La película documental escrita por Sabina Fedeli y dirigida por Valeria Parisi, nos acompaña a través de las obras maestras de unos de las pinacotecas más importantes del mundo. El actor ganador del Oscar Jeremy Irons guiará a los espectadores en el dulce paseo de este patrimonio único del arte. Como madrileño es un orgullo poder escribir esta crítica. Como cinéfilo un regalo. Como espectador, crítico o reseñador un placer. 

Pintores y reyes del Prado nos muestra magníficas obras maestras que cuentan la historia de España y de todo un continente. Su colección cuenta la historia de reyes, reinas, dinastías, guerras, derrotas y victorias, así como la historia de los sentimientos de los hombres y mujeres de antaño y de hoy. Sus vidas se entrelazan con las del museo: gobernantes, pintores, artistas, arquitectos, coleccionistas, curadores, intelectuales y visitantes. Esta herencia es universal e incluye las obras de Velázquez, Rubens, Tiziano, Mantegna, El Bosco, Goya o El Greco entre otros.

1700 obras exhibidas y otros 7000 tesoros artísticos son patrimonio de la humanidad en el Prado. La vida de la colección del museo comenzó con el nacimiento de España como nación y el matrimonio entre Fernando de Aragón e Isabel de Castilla. La unión marcó el inicio del gran Imperio español. Sin embargo, durante mucho tiempo a lo largo de los siglos, la pintura había sido un lenguaje universal que no conocía fronteras. Si hay un museo donde está claro que la pintura no se vio afectada por el nacionalismo, entonces ese museo debe ser sin duda el Prado, con sus colecciones eclécticas y polifacéticas demostrando que el arte no tiene pasaportes que limiten su circulación, sino más bien significa entender los sentimientos universales de los seres humanos.

Goya, del que toman su nombre los premios de la Academia de Cine, firmó Los fusilamientos del tres de mayo. El óleo narra las consecuencias de la rebelión de los españoles contra el ejército francés; constituye una obra que se convertirá en símbolo de todas las guerras y que inspirará a Picasso para “El Guernica”. Como éste, también Dalí y Federico García Lorca quedaron hechizados por el museo, al tiempo que el escritor y pintor Antonio Saura lo definió así: “un tesoro de intensidades”. Por tanto, un arte que ilumina el presente y que hace nos interroguemos acerca de lo que ha sido el Museo del Prado a lo largo de estos doscientos años, de lo que es ahora, y de lo que continuará representando para las generaciones futuras. El Prado fue un faro para todos los españoles en los momentos más oscuros de la dictadura y una patria a la que volver para artistas e intelectuales en el exilio. Un museo que fue salvado del fascismo por los republicanos. Ellos, protegieron los cuadros de los salvajes bombardeos del franquismo cuando intentaban tomar la capital de España. Sí, Madrid fue machacado por los que se envolvían en la bandera. Una curiosa demostración de amor por España.

En el desarrollo del film documental, se entrelazarán la narrativa del arte con el estudio de la arquitectura y el análisis de valioso material de archivo. Son entrevistados diversos expertos del museo: Miguel Falomir, Director del Prado; Andrés Úbeda de los Cobos, Director adjunto de Conservación e Investigación; Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española hasta 1800; Manuela Mena, Jefa de Conservación de Pintura de 1800 y Goya; Enrique Quintana, Coordinador jefe de Restauración y documentación técnica; Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700; Almudena Sánchez, restauradora de Pintura del Prado; Leticia Ruiz, Jefa del Departamento de Pintura Española del Renacimiento y del Área de Marcos.

Otros testimonios interesantes son los del gran Norman Foster, arquitecto del proyecto del Salón de Reinos (premio Pritzker), Helena Pimenta, Directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Madrid; Laura García Lorca, Presidenta de la Fundación que lleva el nombre de su tío, el poeta Federico García Lorca o la actriz Marina Saura.

Pintores y reyes del Prado es en conclusión un regalo para conservar en la memoria colectiva el verdadero significado del arte. La narración y locución de Jeremy Irons es un lujo.

Gracias señor, gracias artista. Y gracias, mil gracias a Valeria Parisi por hacer del cine una emoción de fotogramas en movimiento. 

Calificación: Obra de arte.

Título original: The Prado Museum,

A Collection of Wonders

Nacionalidad: Italia

Dirección: Valeria Parisi

Guion: Parisi & Fedelli

Duración: 90 minutos

Estreno: 9 de diciembre

Midway: Roland Emmerich recrea de manera épica la batalla naval y aérea de Midway

Midway dirigida por el cineasta Roland Emmerich llega a los cines españoles el próximo día 5 de diciembre tras su estreno en Estados Unidos. La filmación recrea una de las batallas que cambió el curso de la Segunda Guerra Mundial en el frente del Pacífico. 

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La historia: La cinta se centra en la Batalla de Midway y en el brutal choque que hubo entre la flota estadounidense y la armada imperial japonesa en el año 1942 durante la Segunda Guerra Mundial. La película, basada en los sucesos reales de esta heroica hazaña, cuenta la historia de los líderes y soldados que usaron su instinto para superar las dificultades. El Almirante Nimitz (Woody Harrelson) y Dick Best (Ed Skrein), el mejor piloto de la armada, prepararon el contraataque al imponente ejército japonés tras los acontecimientos vividos en Pearl Harbor. Antes, los americanos ya se habían vengado en Tokio aunque fuera de manera testimonial. Pero en Midway el choque de colosos fue brutal. 

La crítica: Roland Emmerich, director de Midway, es un crack del espectáculo cinematográfico. El cineasta cuenta con una legendaria carrera que va desde éxitos de ciencia-ficción, como Independence Day, a históricos como El Patriota. Además de su alcance a nivel mundial, el trabajo del aclamado cineasta siempre suele estar basado en temas reconocibles. No hablamos de cine de autor sino más bien de un creador de cine palomitero. No es desde luego el mejor narrador, pero sabe sacar partido a los presupuestos millonarios que maneja. En esta ocasión lo vuelve a hacer de manera moderadamente decorosa. Cuando los japoneses tras el ataque a Pearl Harbor dijeron que habían despertado a un gigante dormido, sabían muy bien lo que decían. La frase textual: “Me temo que hemos despertado a un gigante dormido y le hemos obligado a tomar una terrible resolución” es atribuida a Isoroku Yamamoto que fue almirante y comandante en jefe de la Flota Combinada de la Armada Imperial Japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. En cualquier caso, y esto es una opinión personal, la barbarie nuclear cometida contra la población civil nipona no tiene ninguna justificación. Al menos la Batalla de Midway fue cara a cara entre militares y con el mismo tablero de juego. 

Aunque la clave tanto de la película como de la historia real se jugó en la retaguardia. Si en el resto de la cinta Roland Emmerich va a lo suyo que es maximizar el desarrollo visual del filme, en este apartado (los servicios de inteligencia) si profundiza en la narración. La clave de Midway estuvo en el grupo de desencriptadores que lograron descifrar las pautas que el ejetcito nipón se disponía a seguir en el Pacífico. Los errores de Pearl Harbor quedaron grabados a fuego en los servicios de inteligencia. 

La cinta sigue tres líneas argumentales que representan tres perspectivas entrelazadas sobre la batalla. Cabe decir que no están bien definidas y pueden resultar confusas para el espectador. En fin, ya que en este aspecto Midway no se explica demasiado bien, tendrá que ser "Sor Marciano" el que trate de ordenar la confusa narración. La primera trama versa sobre uno de los pilotos a bordo del portaaviones USS Enterprise, principalmente Dick Best. Una segunda historia sigue el trabajo crítico del oficial de Inteligencia Naval Edwin Layton; un descifrador de códigos y al almirante Chester W. Nimitz en Pearl Harbor. La tercera historia se centra en los oficiales japoneses, el almirante Isoroku Yamamoto, y los Oficiales japoneses Tamon Yamaguchi, Kaku Tomeo y Chūichi Nagumo, que son personajes históricos también. Me gusta, eso sí, que el cineasta americano no use el maniqueísmo. De hecho, reconoce explícitamente el valor de los soldados japoneses que perdieron la vida siguiendo las ordenes imperiales dictadas desde Japón. Respecto al reparto, hablamos de hasta quince personajes relevantes. Analicemos brevemente algunos de ellos. No por nada, sino porque si analizo los quince personajes e interpretaciones podemos estar con la crítica hasta Navidad (tampoco me podría acordar de tanta gente en pantalla, mis neuronas marcianas ya están desgastadas a esta altura del año).

Ed Skrein (Alita: Battle Angel) interpreta con acierto al héroe no reconocido de Midway. Es un tipo duro de Jersey alistado en el ejército del aire que va avanzando por la cadena de mando mientras se desarrollaba la Segunda Guerra Mundial. Un líder natural a pesar de su tendencia a polemizar con sus compañeros. Es un verdadero héroe estadounidense cuya actuación ejemplar volando con valentía su avión durante la batalla influyó directamente para cambiar el rumbo de la guerra. Según Roland Emmerich este personaje histórico cuyo nombre real era Richard Best  hundió varios portaaviones de la armada japonesa en un mismo día. Sus ataques en vuelo picado sobre los barcos nipones son filmados de manera brillante por el cineasta.  De hecho, esto es lo mejor de la filmación. 

Patrick Wilson, conocido por sus papeles en ‘Watchmen’ o en las sagas de terror ‘Expediente Warren’ e ‘Insidious’ fue galardonado con el Premio ‘Màquina del Temps’ por su trayectoria en la 52ª edición del Festival de Sitges de Cine Fantástico de Catalunya (2019). Buen papel interpretando en Midway a Edwin Layton que fue el Teniente Comandante de la Marina de los EEUU. Su trabajo fue descifrar la información de inteligencia para la estrategia militar. Layton trabajaba junto con el Almirante Nimitz y un grupo de brillantes decodificadores. Ellos descubren que los japoneses están planeando una ofensiva en la isla de Midway. Aunque el almirante Nimitz, comandante de las fuerzas aéreas, terrestres y marítimas aliadas durante la Segunda Guerra Mundial, ha recibido información contraria de la Casa Blanca, Layton está dispuesto a apostar su vida, y la vida de innumerables marines y aviadores asegurando que sus escuchas sobre el ataque a Midway son correctas. Y vaya si lo fueron. 

Woody Harrelson -pedazo de actor- interpreta a Chester W. Nimitz. Éste fue el Comandante Jefe del Océano Pacífico después de Pearl Harbor. Cuando Nimitz se enfrente a la entrada de los EEUU en la Segunda Guerra Mundial, con frentes en Europa y en el Pacífico, solicita la ayuda del oficial de inteligencia Edwin Layton para proporcionarle información para que su ejercito pudiera lanzar una ofensiva contra los japoneses. Efectivamente habían despertado a un gigante dormido. 

Dennis Quaid -grande- es un aficionado a la historia y tiene una conexión personal con la Batalla de Midway. Su padre estuvo en la Segunda Guerra Mundial, en la Marina Mercante, en el Atlántico. Aquí interpreta a William Halsey que es el comandante del Enterprise, un portaaviones estacionado en Pearl Harbor. Mientras Halsey lidia con las secuelas del ataque a la base y la invasión de los japoneses en el Pacífico, se enfrenta al desafío de que las fuerzas estadounidenses sean superadas en número por Japón. 

En la parte femenina del reparto aparece Mandy Moore. La cantante, compositora, actriz y diseñadora de moda no aporta nada a la narrativa pero sale muy mona en pantalla. Supongo que este papel metido con calzador está para cumplir con la parte romántica del filme y representar la abnegación de la mujer en aquellos tiempos de guerra.  

En conclusión, Midway es sobresaliente en los apartados técnicos. De hecho, podría estar nominada con justicia para los Oscars en las siguientes categorías: efectos visuales, diseño de sonido, fotografía, vestuario y diseño de producción. La narrativa, sin embargo, es algo confusa. La película funciona de manera más que correcta como cine palomitero y puede además enseñar algo de historia a los más jóvenes. Por todo ello considero que Roland Emmerich salva con moderación el reto de Midway. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Roland Emmerich

Guion: Wes Tooke

Música: Harald Kloser

Fotografía: Robby Baumgartner

Duración: 138 minutos

Estreno EE UU: 7/11/2019

Estreno México: 15/11/2019

Estreno España: 5 de diciembre 2019

Reparto: Woody Harrelson,

Patrick Wilson, Luke Evans,

Aaron Eckhart, Ed Skrein,

Mandy Moore, Dennis Quaid,

Darren Criss, Luke Kleintank,

Alexander Ludwig, Mark Rolston,

James Carpinello, Tadanobu Asano,

Jake Manley, Ellen Dubin,

Keean Johnson, Kevan Ohtsji,

Brandon Sklenar, Tyler Elliot Burke,

Nobuya Shimamoto, Garret Sato.

Películas curiosas: Super Size Me

Super Size Me dirigida por Morgan Spurlock es una cinta documental del año 2004. La película, además de curiosa y divertida, supuso un duro golpe para la corporación McDonald's. Hoy vamos con su retro-reseña. 

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Al más puro estilo Michael Moore (Bowling For Columbine), el cineasta debutante Morgan Spurlock sorprendió al mundo con Super Size Me. La película se llevó el Premio al Mejor Director en el Sundance Festival y además fue nominada al Oscar de la Academia. Pero quizás, lo más curioso fueron sus logros para que el cine volviera a recobrar un cierto sentido de denuncia social. Consiguió, además, doblegar a McDonald's. Seis meses después de su proyección en Sundance, la cadena de hamburguesas retiró de sus menús el tamaño Super Size. Ya habría tiempo para volver a recuperar la idea o incluso para pasar del Big Mac a lo que ahora se denomina como Grand Big Mac.

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Super Size Me es un reto que parte de la siguiente premisa: Morgan Spurlock se propuso durante 30 días alimentarse exclusivamente con los productos que venden en McDonald's. Es decir, tendría que desayunar, almorzar y cenar a base de hamburguesas, batidos, "ensaladas", patatas fritas, nuggets de pollo, refrescos, salsas, y demás comida rápida que se sirven en estos establecimientos. Además y según sus propias normas, cada vez que le fuera ofrecido por los empleados el menú gigante lo debía de aceptar. El objetivo de este experimento era comprobar los efectos sobre la salud de la comida basura.

Spurlock dejó grabada en el documental la analítica que se hizo antes de comenzar el reto. Luego las contrastó con las que se hizo al concluir con su cometido. Los resultados obtenidos en las pruebas médicas se recogen en la película documental y son concluyentes en el perjuicio de la comida rápida para la salud. La cinta funciona como un perfecto reloj sincronizado gracias a un montaje genial que sabe enganchar al espectador. Los toques de humor siempre irónicos más la música empleada hacen de la función algo así como un número circense en el mejor sentido de este término.

También cabe decir que la película cae en la demagogia continuamente ya que nadie en su sano juicio podría llevar una dieta durante treinta días desayunando, comiendo y cenando en McDonald's. Pero aún así y sin olvidar que esto es cine-espectáculo, en cierta manera, la película dejó su poso de denuncia social en asuntos que giran en torno a la epidemia de la obesidad que arrasa ya en USA. 

Una caloría es una unidad de energía térmica equivalente a la cantidad de calor necesaria para elevar la temperatura de un gramo de agua en grado Celsius. Dicho de otra manera, si te metes en el cuerpo 5000 calorías a base de hamburguesas y refrescos, obviamente en la panza veremos los resultados de una manera más que evidente. De hecho, nuestro protagonista ganó once kilos en un mes, su indice de grasa corporal (IMC) pasó de 11 a 18 y su colesterol se elevó 65 puntos pasando de 165 a 230. Y es que según los cálculos efectuados, la cantidad de azúcar ingerida en este mes fue de 14 kilogramos. Todos estos datos llevaron al cineasta a duplicar el riesgo de accidente vascular que probablemente hubiera ocurrido de haber seguido comiendo así un poco más de tiempo.

En cualquier caso y aparte del loco juego al que se sometió el propio guionista y director de la película, la función social del documental es advertir sobre la obesidad que se ha convertido en la segunda causa de muerte en Estados Unidos. Solo por detrás del tabaquismo. Preguntada una nutricionista en la filmación sobre la cantidad de veces que sería recomendable acudir o traer comida a casa de McDonalds o de cualquier otro establecimiento de comida rápida, la respuesta fue así de contundente: "Si hubieses ido a parar a una isla desierta o nos bombardearan con antrax, y esta fuera la única comida disponible, solo en esas hipotéticas situaciones serían las únicas en la que estaría justificado alimentarse de comida basura". ¿Exagerada?

Otro de los temas que toca con acierto el documental es la obesidad o los malos hábitos alimenticios en la infancia. En primer lugar, con el propio gancho que McDonald's emite hacia la población infantil con su conocido payaso Ronald McDonald y con sus mágicos Happy Meals. En ellos se  introduce un juguete en el menú infantil para que desde pequeñitos queden ya enganchados a la comida rápida. Además, la experiencia feliz que supone compartir esos momentos felices con sus padres o familiares les queda en la mente como un agradable recuerdo. En otros momentos de la película se muestra un surrealista comedor escolar infantil en Estados Unidos. Allí, se ven a los niños como pueden elegir comer pizzas, patatas fritas, chocolates y refrescos sin el menor rubor por parte de los responsables de la escuela.

En conclusión, Super Size Me no pudo evitar la expansión de McDonald's, ni la de otros lugares de comida barata. De hecho, siguen progresando a nivel mundial. Pero al menos si consiguió de una manera parcial que este tipo de restauración comenzara a emitir una publicidad más responsable y a incluir en los envases de sus alimentos la información nutricional.

La corporación estadounidense amplió y apostó de alguna forma por incluir en sus menús las ensaladas de una manera más eficiente e incluso llegó a incluir algunas piezas de frutas en los menús infantiles. Supongo que toda esta evolución le dará absolutamente igual a Don Gorske. Este tipo es conocido como el hombre Big Mac. Come todo los días dos de estas hamburguesas. En el año 2004 llevaba 19.852 Big Macs engullidos. El 4 de mayo del año 2018 y a sus 64 años llegó a la extraordinaria cifra de 30.000 Big Macs. Fue felicitado por McDonald's.

¿Fue por los más de 150.000 dólares gastados en hamburguesas o por tener una cifra de colesterol según él de 140? Creo que por ambas cosas. Dicho lo cual y para no caer en la demagogia barata, el que escribe estas lineas también sucumbe de vez en cuando a los encantos de McDonald's. Eso sí, el jamón ibérico está mejor. Otra cosa es su precio. 

P.D. La historia de como se fundó McDonald's se describió en una película con Michael Keaton en el papel de Ray Krock y quedó reseñada en el siguiente enlace de Cine y críticas marcianas: El Fundador (The Founder).

Tráiler en español de Super Size Me:

Título original: Super Size Me

Año: 2004

Duración: 100 minutos

País: Estados Unidos

Dirección: Morgan Spurlock

Guion: Morgan Spurlock

Música: Steve Horowitz

Fotografía: Scott Ambrozy