viernes, 8 de noviembre de 2019

¡Qué maravilloso es el cine! Angel-A


Una rubia de piernas largas que fuma como una loca no es como te imaginas a un ángel. -André Moussah.

André (Jamel Debbouze) es un estafador de poca monta que acosado por las deudas decide suicidarse desde un puente sobre el río Sena en París. Ángela (Rie Rasmussen) es una espectacular rubia que coincide con André en el mismo puente para acabar también con su propia vida. Cuando ella salta sobre el río, es el hombre el que la socorre y le salva la vida. A partir de ese momento comienzan a recorrer juntos París y a desvelarse mutuamente las razones por las qué ambos se encontraban en el mismo sitio y a la misma hora con propósitos suicidas.


Y entonces con la posibilidad del suicidio como nuevo frente discursivo, aparece Clarence, el ángel que debe ganarse sus alas y todo el conflicto narrativo y existencial de la historia estalla a la vez...

Este extracto de la retro-reseña dedicada al mítico e icónico filme ¡Qué bello es vivir! del maestro Frank Capra, sirve como nexo de unión para comprender la génesis y el proyecto con el que el cineasta francés Luc Besson rindió un precioso tributo a una de las mejores películas de la historia del cine. Esta vez el ángel venía vestido de mujer, y la historia estaba enmarcada en el París del año 2005, fecha de estreno del filme.

Angel-A es un cuento urbano de carácter romántico apoyado en una magistral dirección de fotografía en blanco y negro. El encargado de llevarnos a recorrer el París de nuestros días con unas imágenes de ensueño, fue el maestro Thierry Arbogast que compuso auténticos lienzos en movimiento. La música de la compositora noruega Anja Garbarek completa un sueño de fotogramas para el recuerdo.

La historia tiene múltiples interpretaciones y a su vez una que es la más importante: el amor, y la amistad como revulsivo vital ante un mundo que por diversas circunstancias se hunde para André. Él es un hombre sin autoestima, con un físico que le acompleja y con diversos problemas de integración en la sociedad. Ella es un ángel caído del cielo que tiene como misión rescatarlo, sanarlo y volver a hacer de él un hombre con ilusiones por cumplir. ¿Pero qué sucede cuando te enamoras de un ángel?


Ángela es interpretada por la explosiva actriz danesa Rie Rasmussen que además es directora, escritora, modelo y fotógrafa. Lo que se dice un buen partido. Ella representa la belleza, la fragilidad y su personaje es diseñado por Luc Besson para enfrentar al espectador con la dicotomía de ver a a un ángel femenino que se prostituye para conseguir sus propósitos.

André es interpretado con una enorme expresividad por Jamel Debbouze. El actor galo no es modelo, ni fotógrafo, ni escritor. Él representa la fealdad y la corrupción. Pero también, la fragilidad. Su personaje es diseñado por Luc Besson para tratar de indagar en el interior del alma humana.

En cierta forma, Angel -A, es también una fábula universal que supone una actualización del cuento de hadas La bella y la bestia de Gabrielle de Villeneuve pero en una versión distópica y rupturista no vista antes. 


¿Si te doy mi vida sabrías que hacer con ella? 

Esta frase puesta en boca de Ángela resume la pasión puesta por Luc Besson en una película hipnótica, profundamente psicológica y muy emocionante en su conjunto. Y es que al final como ya se decía en Casablanca: "siempre nos quedará París"

Os dejo con una secuencia inolvidable


Nacionalidad: Francia. 

Año: 2005.

Duración: 90 minutos.

Dirección: Luc Besson.

Guion: Luc Besson.

Música: Anja Garbarek.

Fotografía: Thierry Arbogast.

Reparto: Jamel Debbouze,
Rie Rasmussen, Gilbert Melki,
Serge Riaboukine, Akim Chir.


martes, 5 de noviembre de 2019

Ventajas de viajar en tren: provocadora, original, grotesca, inclasificable...


Ventajas de viajar en tren se estrena en cines españoles el próximo 8 de noviembre tras su buena recepción en el recién concluido Festival de Sitges 2019. Supone la ópera prima del cineasta Aritz Moreno y cuenta con reparto de lujo encabezado por Luis Tosar, Pilar Castro y Ernesto Alterio. 

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La historia: Tras internar a su pareja en un psiquiátrico, Helga (Pilar Castro) regresa en tren a su hogar en Madrid. En el viaje de vuelta, conoce a Ángel (Ernesto Alterio). Él dice ser un psiquiatra que trabaja investigando los trastornos de personalidad. Le cuenta la historia de Martín (Luis Tosar) que es un enfermo paranoico que se halla en algún lugar desconocido de la capital de España. Su misión, dar con él. En breve, una serie de sucesos se irán precipitando en una montaña rusa con un incierto final. 


La crítica: La novela homónima de Antonio Orejudo da pie a una película que nace con la vocación de irritar y provocar. El filme español en un juego de matrioshkas, que aunque original, no encuentra un hilo conductor común que haga converger las historias narradas en los tres capítulos expuestos en pantalla. 

Ventajas de viajar en tren es el primer largometraje de Aritz Moreno. Un proyecto en el que lleva involucrado más de cinco años y que fue seleccionado en el mercado de coproducción del Festival de Berlín en 2018. Nacido en San Sebastián, en 2003 dirigió su primer corto que fue seleccionado en más de 90 festivales internacionales. Desde entonces ha realizado cortometrajes, videoclips y ha trabajado en publicidad.

El cineasta español ha retado a los medios acreditados, medio en broma, medio en serio, a que intenten clasificar su debut cinematográfico. Él, define su película como una muñeca rusa de géneros o un thriller conspiranoico que esconde comedia, romance y drama. Y sí, es cierto. El filme es una fusión de géneros. Pero en mi opinión, es ahí donde la cinta no encuentra el tempo preciso.

Es decir, los episodios narrados funcionan de manera correcta si se toman como unidades distintas. Pero también, cabe decir, que son demasiado groseros dentro de la comedia negra. Sin embargo, esa provocadora manera de narrar no es el mayor defecto. El mayor problema radica en la manera inconexa de unir las subtramas propuestas. Pasemos entonces a analizar los delirantes personajes. El reparto, de un nivel muy alto, supone lo mejor de la cinta ibérica. 


Luis Tosar, Pilar Castro y Ernesto Alterio

De salida, el libreto adaptado por Javier Gullón nos recuerda de manera directa a Extraños en un tren dirigida por Alfred Hitchcock. Él también adaptaba una novela de éxito. Hablamos, por ende, de un encuentro fortuito con dos personajes enfrentados y de la historia de dos vidas que se cruzan en un viaje por ferrocarril. Hasta ahí las coincidencias. A partir de entonces, un gran Ernesto Alterio desarrolla el personaje de un psiquiatra que le cuenta una rocambolesca historia a Helga.

Helga Pato es una editora en apuros interpretada por una enorme Pilar Castro. Debería ser nominada al Premio Goya como Mejor Actriz. Es ahora, cuando la historia se bifurca en distintas ramas. Luis Tosar, excelente como siempre y a través del personaje de Martín Urales de Úbeda, vertebra la cinta o al menos ese es el propósito del cineasta.

Cabe decir, que la película con estos tres personajes entra en el terreno de la meta-ficción y no sabemos qué es cierto o qué es ficticio. Martín Urales de Úbeda es el personaje incógnita de la película. Y por más que yo me empeñara en hacen un spoiler no sería posible. Al entrar en el terreno de los trastornos de la personalidad e incluso en un mundo onírico, guionista y director pueden jugar con el espectador sin necesidad de justificar las extravagantes tramas presentadas. En una de ella Luis Tosar es un barrendero y en otra es un soldado destinado en Kosovo. Es cierto, que en el sorprendente final queda más o menos justificado el desarrollo de la cinta. Pero malo es que una película no se explique por sí misma y sea una crítica la que trate de poner en orden las ideas planteadas. 

Quim Gutiérrez y una historia de amor perruna

Hay actores que nacen estrellados y otros con estrella. Quim Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro) es uno de ellos. No diré que sea un mal interprete, pero transmite en pantalla lo mismo que un funcionario en una mañana de lunes. Esta subtrama dentro de la cinta nos habla del noviazgo interpretado por su personaje y el de Helga Pato (Pilar Castro). Si de manera formal esta parte es buena en su mensaje contra el machismo, la posesión, la sumisión o el desamparo, la forma narrativa es vomitiva. Y el director lo sabe. Es repugnante ver como una mujer es violada por un perro, como es obligada a comer comida para animales o como se despieza (literalmente) el cerebro de un hombre que es brutalmente asesinado. Lo dicho, este segmento del filme es fallido y baja el conjunto final de la propuesta presentada.


Macarena García y una historia de amor entre lisiados

Lo mejor de la película y en contraposición al segmento narrado con anterioridad, viene en una especie de cortometraje insertado en la película sin ninguna conexión con la trama general si es que la hubiere o hubiese. Aquí, brilla con luz propia la actriz Macarena García. Ella interpreta a una chica coja que es atracada en un viaje a París. Allí y en la habitación del hotel en el que se hospeda con su novio lisiado se viven los momentos más hilarantes de la producción. Incluso hay buen gusto narrativo y se maneja con excelencia la dirección de arte como vemos en la fotografía de la bañera. Esta parte, sube la nota de la película.

Conclusión (si esto fuera o fuese posible)

Ventajas de viajar en tren es en definitiva la comedia del absurdo o el absurdo de la comedia. Si bien hay que reconocer la originalidad y la osadía de Aritz Moreno en su ópera prima, tengo la sensación de que se ha pasado de frenada. Mi conclusión es clara: si te gustó la novela, disfrutarás mucho con la cinta española. Si no la has leído, ve con cuidado al cine. Es lo que se dice una película no apta para todos los públicos.

Calificación: Seamos originales entonces. Mi nota es: Π x 2 -1= 5.2831852072


Nacionalidad: España

Dirección: Aritz Moreno

Guion: Javier Gullón

Música: Cristobal Tapia de Veer

Fotografía: Javier Agirre Erauso

Duración: 105 minutos

Estreno España: 8 de noviembre

Reparto: Luis Tosar, Pilar Castro,
Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez,
Belén Cuesta, Macarena García,
Javier Godino, Javier Botet


jueves, 31 de octubre de 2019

Terminator, destino oscuro: si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías


"Si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías". Woody Allen. 

Terminator: destino oscuro llega a las carteleras de los cines españoles el día 31 de octubre de la mano del cineasta Tim Miller. El actor metido a político, Arnold Schwarzenegger y con 72 años a cuestas, vuelve al cine en la sexta entrega de la saga que le dio la celebridad mundial. 

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La historia: Tras los sucesos ocurridos en Terminator 2, y obviando lo ocurrido en la tercera, cuarta y quinta parte de la saga, Sarah Connor (Linda Hamilton) se ve obligada a luchar del lado de Grace (Mackenzie Davis). Esta mujer es un híbrido entre humano, cyborg y Donald Trump. De ellas, dependerá el futuro de la humanidad que está gravemente amenazado por un nuevo y poderoso Terminator (Gabriel Luna).

En su camino, además, tendrán la ayuda del modelo T-800 (Arnold Schwarzenegger) para acabar de montar el circo o el lamentable despropósito perpetrado por Tim Miller. 


La crítica: Si alguna vez me encuentran ahorcado en el cuarto de baño de un cine, que me encontrarán, será por culpa de películas tan feas, desagradables, oscuras, violentas y repetitivas como Terminator: destino oscuro. No tengo más que decir. Fin. 

Nota: 1/10 (el uno es porque sale la actriz colombiana Natalia Reyes y también para su maquillador)


Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Tim Miller.

Guión: David S. Goyer, Josh Friedman,
Billy Ray, Justin Rhodes

Música: Junkie XL

Fotografía: Ken Seng

Duración: 128 (interminables) minutos

Reparto: Mackenzie Davis,
Linda Hamilton, Gabriel Luna
Arnold Schwarzenegger, Natalia Reyes



jueves, 24 de octubre de 2019

Amundsen: el hombre enamorado de la nieve


Amundsen llega a los cines en España el próximo 8 de noviembre tras su exitoso recorrido por los países escandinavos del Norte de Europa. La cinta noruega está dirigida por el cineasta nominado al Oscar: Espen Sandberg.

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La historia: Roald Amundsen (Pål Sverre Hagen), desde que era un niño, siempre soñó con emular a los grandes exploradores que eran aclamados por la población cuando regresaban a casa. Su ambición se pondrá a prueba cuando siendo ya un hombre inicia una expedición para competir con el británico Robert Scott por ser el primer humano en llegar al centro de la Antártida. Esta es la mítica historia de un hombre enamorado de la nieve que marcó un hito en la historia de Noruega. 


La crítica: Los biopics son como los pimientos de Padrón. Es decir, unos pican y otros no. En esta ocasión, el biopic noruego sobre la vida del legendario explorador noruego Roald Amundsen (1872-1928) se queda a medio camino entre el picante y la dulzura narrativa.

El cineasta noruego Espen Sandberg, director de la película “Kon-Tiki”, nominada al Oscar y a los Globos de Oro como mejor película de habla no inglesa, acierta en el tono general de la narración aunque no acaba de decantarse entre lo épico (el picante) o la compleja vida sentimental (la dulzura) expuesta en pantalla. El director retrata a Roald Amundsen como un hombre implacable y eficaz, pero obsesionado en su carrera por llegar al Polo Sur, compitiendo con el equipo comandado por el explorador Sir Robert Scott en nombre del Imperio Británico.

Amundsen es un personaje que trasciende a sus logros en la conquista de los territorios helados del planeta. La cinta en ese aspecto es intachable y cumple con rigor con la figura histórica retratada. Si peca de algo es de conservadora. No obstante, y aunque se ha escrito mucho del tramo final de la vida de Amundsen, quizás ese cierto tono documental le venga bien al filme. El cineasta no entra en el tono amarillo que ha contaminado en parte los épicos logros del explorador. Me refiero a lo escrito sobre cómo murió y a lo especulado en este aspecto. 

Lo que si queda claro, o al menos esa es la tesis que sostiene el cineasta, es que el explorador noruego se movió desde joven por un acusado narcisismo. Ahí, Espen Sandberg si entra a juzgar al personaje y a la persona. De hecho, parece claro que la fama era su objetivo prioritario. Quizás incluso más que dejar un legado en la conquista de algunos territorios vírgenes del planeta. De hecho, no dudo ni un solo momento en alimentarse de los propios perros que tiraban de sus trineos para vencer a Scott. Este hecho le fue afeado en el Reino Unido y en parte de Noruega. 


El peso del reparto recae sobre Pål Sverre Hagen que interpreta con acierto, ayudado por un cuidado maquillaje, las distintas etapas vitales de Roald Amundsen. Otro personaje importante en la película y en la historia fue su hermano León Amundsen. Se encarga de meterse en su piel el buen actor noruego Christian Rubeck. Un momento clave de la historia sucede cuando León Amundsen a las 11 de la mañana del 7 de marzo de 1912 recibe un telegrama que no escondía otra cosa que la conquista del Polo Sur Geográfico. El 8 de marzo, 84 días después de que una bandera de Noruega se posase en ese punto, el mundo se despertaba con la histórica noticia. En la parte femenina del reparto y metida con calzador aparece la bella actriz londinense Katherine Waterston que cumple las veces de amor platónico del expedicionario noruego. 


La parte técnica, sobre todo en la fotografía, busca una conexión con los personajes para crear una respuesta emocional. Se utilizan para ello cámaras de mano en las escenas más íntimas. En esa línea y en las escenas interiores, las lámparas a media luz contrastan con la primorosa utilización de la luz en las escenas exteriores. En las secuencias de aventuras se usan helicópteros para darle a la película un aire épico. Viajaremos a lugares exóticos en el que se captura el sol de medianoche, veremos las auroras boreales que Amundsen experimentó en el páramo helado, y las luces del Norte de las que estaba tan enamorado.

El filme cuenta con fiestas de palacio, galas reales, se recrea la vida primitiva de los inuit y la soledad total de los parajes helados debajo de las zonas polares. El explorador noruego no era ajeno a ninguno de estos estilos de vida, pero se sentía mejor en las regiones polares que en la civilización. Para él, la naturaleza tenía un alma hermosa, mientras que la urbe, por otro lado, con sus ciudades y personas, era para él confusa y ruidosa. Durante el verano, la cinta es cálida y colorida, lo que es un fuerte contraste con la región polar. La música es grandiosa en los territorios naturales e intima en los espacios cerrados. Es otro personaje más. 

Roald Amundsen fue en definitiva uno de los hombres más controvertidos de Noruega. Dejó su huella en una nación sin grandes referentes. Un hombre que dedicó su vida al descubrimiento de tierras desconocidas, y que estaba dispuesto a sacrificar todo para alcanzar sus objetivos. Incluso mintió y traicionó a quienes le rodearon para lograr sus metas. Esto le hizo muy popular, pero como persona lo pagó con creces en su conciencia.


Amundsen a pesar de estar pasada de metraje es una cinta única para conocer más de cerca a un héroe que cambió la historia del siglo XX. No es un filme que pasará a la historia pero si es un buen filme histórico. 

Nota: 7/10. 

P.D. Amundsen tenía programada su fecha de estreno en España para el día 25 de octubre. Su fecha de estreno se retrasa hasta el día 8 de noviembre. La crítica que acaban de leer ya estaba programada para publicarse un día antes de la fecha de su estreno inicial. 

Nacionalidad: Noruega

Director: Espen Sandberg 

Guion: Ravn Lanesskog

Fotografía: Pål Ulvik Rokseth

Duración: 124 minutos

Estreno Noruega: 15/02/2019

Estreno España: 08/11/2019

Reparto: Pål Sverre Hagen,
Christian Rubeck , Fridtjov Såheim
Katherine Waterston, Mads Sjøgård

viernes, 18 de octubre de 2019

¡10 carteles de cine para reír, llorar o emigrar de planeta!


Lo único bueno de la película Showgirls de Paul Verhoeven del año 1995 fue que terminó con la trayectoria de Elizabeth Berkley. Una "actriz" que dio bastante la lata con la serie 'Salvados por la campana'.

Showgirls consiguió 7 Premios Razzies, incluyendo los de Peor Película, Peor Actriz y Peor Director. En el año 2004 también obtuvo un recuerdo y fue nominada como el peor drama de los últimos 25 años.

Pero hay que salvar una cosa del proyecto. El cartel. Al menos el póster era atractivo y habrá servido para que alguien haya pinchado en este post de Cine y críticas marcianas. A partir de aquí vamos con el surrealista y extraño mundo de los carteles de cine. En las últimas entradas he hecho referencia al mundo de los carteles o afiches de las películas. A veces para bien y en otras ocasiones para mal. 

Hoy vamos con 10 carteles de cine para reír, llorar o emigrar de planeta...

1. Jurassic Park se anunció así en los cines de Ghana:


2. Harry Potter en una versión pintada a mano en la India: 



3. En España se anuncio así la película que ya en el mismo título era una declaración de intenciones, "Pepito piscinas" con Fernando Esteso:



4. En México destrozaron más si cabe los ya extraños pósters originales de la película italiana Arroz amargo. Supongo que cuando los actores vieron el destrozo en sus rostros, necesitaron varios meses de psicoanálisis:  


5. En Polonia y no sabemos si por el efecto de alguna droga hicieron el siguiente cartel para presentar Los pájaros del maestro Alfred Hitchcock: 



6. Los estadounidenses tampoco se salvan de los despropósitos con numerosos ejemplos. Exposados es uno de ellos tanto por el póster como por la presentación del mismo realizada en la órbita hispana:



7. Volvemos a España con este curioso cartel presentado en 1965 para la reposición de King Kong: 



8. El cine de animación tampoco se salva y en esta ocasión título y póster de presentación en España lo dice todo: Capitán Calzoncillos de 2017:



9. Entramos en terrenos pantanosos y surrealistas con la película del año 2007 de Mitchell Lichtenstein titulada originalmente como Teeth y traducida con el inclasificable título de Vagina Dentada (observen con atención el cartel): 



10. Y por último y en uno de mis preferidos, nos encontramos con este cartel mexicano que lejos de ser una broma pasa directamente a la historia del surrealismo cinematográfico con todos los honores. Atención también a la leyenda de presentación: "Más sediento de sangre y lleno de pasión por bellas mujeres, monstruo del mal, ejerce poder satánico sobre sus inocentes victimas". Drácula vuelve de la tumba:



Aunque puede ser una tarea de fuerte desgaste, voy a hacer la pregunta obligada:

¿Cuál de ellos es tu preferido ya sea por curioso, loco o directamente disparatado?

De momento lo dejamos aquí, pero os aseguro que la documentación gráfica es tan rica y surrealista que no descarto futuras entregas de más carteles para el "recuerdo".

viernes, 11 de octubre de 2019

Día de lluvia en Nueva York: Woody Allen genial e incombustible al desaliento


Día de lluvia en Nueva York dirigida por el maestro Woody Allen se estrena en España el día 11 de octubre. La película es la número cincuenta de un cineasta legendario para la historia del cine y de las artes escénicas. 

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La historia: Ashleigh (Elle Fanning) y Gatsby (Timothée Chalamet) son una joven pareja de universitarios que han planeado un viaje a Manhattan para pasar un romántico fin de semana. Ella, además, tiene programada una cita con un reputado cineasta para hacerle una entrevista para el periódico de su facultad. Gatsby ama el Nueva York vintage, y organiza un abarrotado itinerario de lugares típicos. Pero la entrevista de Ashleigh se complica de una manera inesperada dando lugar a una situación de enredo con consecuencias imprevisibles.


La crítica: Sí, ahora más que nunca, no me cansaré de repetir lo que escribí a cuenta del estreno de Café Society. En aquellos momentos, como ahora, la sensación de estar asistiendo a un momento histórico era único. Por aquel entonces, Cine y críticas marcianas era un proyecto embrionario en el que un servidor acudía al cine como un espectador más. En la actualidad, por fortuna, he tenido el privilegio de asistir al pase de prensa previo al estreno en un hecho que jamás hubiera soñado cuando era un niño. No voy a gastar ni una sola palabra en juzgar a Woody Allen como persona. El artista, el creador y su genialidad como director es indiscutible. El resto lo dejo para las revistas del corazón o para el amarillismo que juzga, prejuzga y condena sin tener prueba alguna contra el sujeto puesto en el punto mira. Y sí, me reafirmo en que ver un estreno del maestro Woody Allen se asemejaría a ver pintar un cuadro del pintor más reputado del momento. O algo tan sencillo como ver una puesta de sol.

Día de lluvia en Nueva York cuenta con todos los elementos que han sembrado el cine de Woody Allen. La cinta es como un catálogo de todos sus deseos, frustraciones e ilusiones que han recogido ya muchas de sus películas. Y claro, algunos dirán que es una cinta que ya hemos visto antes por las situaciones creadas. Algo que sería tan estúpido como plantear que un orgasmo no es un hecho placentero por haberlo disfrutado con anterioridad. Woody Allen hace con su película número cincuenta algo parecido a lo que refleja el lema de la Real Academia de la Lengua. Es decir, limpia, fija y da esplendor a un cine tan luminoso y especial como el que nos ha regalado a lo largo de su carrera. 

La narrativa de la historia gira en torno a la búsqueda de la identidad de la pareja protagonista. Ashleigh es una chica de la América profunda que ha sido educada para montar a caballo, pescar y jugar al golf. Es dulce, muy ingenua e idealista. Gatsby es su antítesis y como polos opuestos se atraen. Él es urbano, bohemio y cuenta con un cierto aire intelectual que le hace irresistible para la muchacha. La relación viene marcada por el ensayo y error. El fin de semana en Nueva York les hará ver si están hechos el uno para el otro o si por el contrario los personajes que cruza Woody Allen en su camino les harán replantearse su situación como pareja. El tono cómico que impregna el cineasta a través de los ingeniosos diálogos hacen del filme un disfrute en el tono del discurso general. Pero sobre todo, la historia disecciona la condición humana a través de los personajes bien diseñados y mejor interpretados. 


Elle Fanning destaca de manera muy notable en escena. Su papel en La seducción dirigida por Sofia Coppola ya fue sensacional. Allí interpretaba a una joven pícara e incluso malévola. Ahora cambia de registro de manera inversa. Su personaje es ingenuo y casi virginal. Gran actriz que antes o después debería ser galardonada con el Premio de la Academia de Cine.

Timothée Chalamet que brilló en Beautiful Boy, no da la talla como alter-ego del propio Allen. El resto del reparto está formado por Jude Law y Liev Schreiber en la parte inglesa y por Selena Gomez y Diego Luna en la parte latina. Todas las secuencias en las que interviene el elenco están marcadas por la comedia de enredo al servicio de la pareja protagónica.

Todos los personajes de Día de lluvia en Nueva York tienen problemas que giran en torno a su identidad. Gatsby padece el complejo más obvio: todavía no ha descubierto quién es. Finalmente, su madre se revela como una persona diferente a aquella que su hijo pensaba que era. Una y otra vez también se nos recuerda la identidad no formada de Ashleigh. Por ejemplo, cuando se encuentra con el resto de los personajes está tan nerviosa por la fama de estos que no puede recordar su propio nombre. Incluso dos veces sostiene su permiso de conducir para identificarse. Son escenas marca de la casa e hilarantes para el espectador.

La fotografía de Vittorio Storaro es mágica. Utiliza distintas clases de luz y cadencia tras la cámara para enfatizar las diferencias de Gatsby y Ashleigh. Con ella, como es brillante y apasionada, emplea colores más cálidos. Es decir, utiliza la longitud de onda caliente para remarcar las emociones. Con Gatsby se decanta por tonos azules más distantes para remarcar su cierta frialdad. Storaro usa la Steadicam para planos de seguimiento con ella y una cámara fija para él. En definitiva una lección de cinematografía ejemplar para los estudiantes y las escuelas de cine.

Como Nueva York, la lluvia es otro personaje más de la cinta. Es un símbolo romántico. Para Woody Allen hay algo muy bello en esos días lluviosos en la ciudad de los rascacielos. Así lo hace saber a través del personaje de Gatsby que es un bohemio. Sin embargo, para Ashleigh la lluvia es tristeza.

Las localizaciones también son de cine. El cineasta de Manhattan nos lleva al Bowery Hotel del East Village, por las casas del Upper East Side, de paseo por Central Park y de bares míticos como el Bemelman del Hotel Carlyle donde Gatsby es seducido por una prostituta. 


En conclusión, Día de lluvia en Nueva York es una película pequeña, clásica y un verdadero deleite para los amantes del cine del maestro Woody Allen. Un cineasta que una vez al año vuelve a demostrar, a pesar de los vetos, que el sueño del cine es lo que mueve sus emociones y con ellas las de millones de cinéfilos de cualquier punto del planeta.

Calificación: Made in Woody Allen.


Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: A Rainy Day in New York

Director: Woody Allen

Guion: Woody Allen

Duración: 92 minutos

Estreno España: 11 de octubre de 2019

Estreno México: 29/11/2019

Estreno EE UU: pendiente

lunes, 7 de octubre de 2019

Géminis: Ang Lee deslumbra a 120 fotogramas por segundo, pero...


Géminis dirigida por el cineasta Ang Lee tiene su estreno mundial el próximo 11 de octubre. En Cine y críticas marcianas ya está disponible la crítica de la nueva película protagonizada por Will Smith

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Henry Brogan (Will Smith) es un mercenario de élite al servicio de los Estados Unidos. De repente, comienza a ser perseguido por un agente secreto que parece ser capaz de predecir sus movimientos. El hombre que quiere acabar con su vida cuenta con unos rasgos faciales casi idénticos a Henry. Con la ayuda de la agente federal Danny (Mary Elizabeth Winstead), intentará averiguar qué está sucediendo.  



El cine, como la vida, es extraño. Cuando el director taiwanés Ang Lee dirigió la poética historia narrada en Brokeback Mountain se hacia difícil pensar que pudiera rodar un filme tan comercial como es el reseñado hoy. Pero si observamos su trayectoria, poco a poco, se ha ido deslizando por un terreno peligroso en lo narrativo aunque brillante en lo visual. 

En esta ocasión, utiliza un filme de acción con toques de ciencia-ficción para trasladar su mensaje anti-bélico. Ya lo hizo en la desapercibida producción Billy Lynn y ahora lo vuelve a intentar. La cinta se centra en el personaje de Henry Brogan. Como comentaba en la breve sinopsis, él es un legendario asesino a sueldo del gobierno. Está en el ocaso de su carrera y atormentado por el considerable número de trabajos que ha realizado. Cuando informa a sus responsables que va a retirarse del servicio activo, Henry se convierte en la presa del único asesino de todo el planeta que tiene la capacidad de acabar con él: un clon de sí mismo, de 23 años de edad, con la orden de eliminarlo.  

Géminis es una cinta con dos vertientes que no encuentran un nexo de unión. Por un lado, es brillante en la parte técnica en un filme rodado a 120 fotogramas por segundo que usa el sistema HFR (High Frame Rate). Pero por otro lado, nos encontramos con una historia con demasiados lugares comunes vistos ya en el cine de espionaje. 

Y es que la historia tiene una premisa demasiado débil para llegar a provocar emociones que vayan más allá del puro entretenimiento. Es decir, un agente secreto que ha dado todo por la patria y cuando decide retirarse su gobierno se lo trata de impedir por ser portador de información demasiado relevante. Hasta ahí nada nuevo. Sin embargo, la mayor o única aportación narrativa relevante es la utilización de la clonación humana para formar al soldado perfecto. Ang Lee intenta transmitir de esa manera su visión del mundo en materia de defensa nacional. O más bien trata de adelantar un futuro en el que ya están trabajando los ministerios de defensa en buena parte del mundo. 


En el reparto, Will Smith carga con todo el peso de la cinta en un doble papel. No solo interpreta al protagonista, el sicario de cincuenta años que se jubila, sino también -a través de una vanguardista tecnología- a su antagonista. Junior es una versión de sí mismo de 23 años de edad que le persigue por tres continentes distintos. La cinta, por tanto, es también una road-movie circular que termina por donde comienza en un grato detalle.  

En la parte femenina del reparto destaca Mary Elizabeth Winstead. Una actriz, que sin ser una súper estrella, me trae gratos y buenos recuerdos personales. No es que conozca a la muchacha, sino que allá por el año 2016, cuando el blog marciano arrancaba, reseñé una gran película llamada Calle Cloverfield 10 en la que ella actuaba. Entonces, era una aprendiz de actriz y yo un aprendiz de crítico. Ahora ella es una interprete de verdad, y yo sigo siendo igual de burro. Pero la vida es así. El divulgador cinematográfico Alfredo García tuvo la gentileza de incluir a este marciano entre los críticos de Cinefilia y gracias a eso, y a los favores sexuales que voy repartiendo, un servidor asiste a los preestrenos junto a otra gente de mal vivir. En fin, sigo con la reseña. No estoy drogado. Creo...

En el papel de villano aparece un Clive Owen desdibujado e irreconocible. Su trabajo es para olvidar. El personaje, lleno de clichés, tampoco ayuda para nada en su labor actoral. Así que Owen debería ir al rincón de pensar o incluso a la cárcel. Allí hay buenos talleres de teatro para pasar el rato. 


La dirección de arte del filme, como vemos en la imagen superior de Budapest, es una obra cumbre de esta disciplina cinematográfica. La narración también nos lleva hasta la bella ciudad de Cartagena de Indias en Colombia o hasta Savannah en Georgia. Este lugar es una de las joyas del sur de los Estados Unidos. Música, sonido y efectos visuales también brillan a una gran altura. Esto que digo si es en serio. Creo...

En conclusión, Géminis es una gran obra en lo visual y una moderada decepción en su narrativa. Ang Lee, no consigue cuadrar el círculo entre el prodigio técnico y la historia tratada. En cualquier caso, nos deja una película que traspasa las fronteras técnicas con esos 120 fotogramas por segundo que ya son parte de la historia del cine. Imprescindible, eso sí, visualizar la proyección en 3D nativo para disfrutar del filme en plenitud. 

Nota: 6/10. 


Título original: Gemini Man

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Ang Lee

Guion: David Benioff, Darren Lemke,
Stephen J. Rivele, Andrew Niccol.

Historia: Darren Lemke, David Benioff.

Música: Lorne Balfe

Fotografía: Dion Beebe

Duración: 120 minutos

Reparto: Will Smith, Clive Owen,
Mary Elizabeth Winstead,
Kenny Sheard, Ralph Brown.


jueves, 3 de octubre de 2019

El crack cero: José Luis Garci imparte una lección de buen cine negro


"Sigo sin saber qué me gusta más: si ir al cine, hacer cine o hablar de cine". José Luis Garci. 

El crack cero dirigida por Jose Luis Garci llega a las pantallas de cine el próximo día 4 de octubre. Este singular proyecto es la precuela de la cinta que supuso el ansiado reconocimiento general para el añorado actor español Alfredo Landa. "El crack", a su vez, dio por sepultado el landismo.  

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La historia: Madrid, año 1975Tras el supuesto suicidio del afamado sastre Narciso Benavides, una misteriosa mujer (Patricia Vico) visita a Germán Areta (Carlos Santos) para pedirle ayuda urgente. Areta es un prestigioso detective privado y acepta la investigación que la mujer le propone. Ella, está convencida de que el sastre, que además era su amante, fue asesinado. Es entonces, cuando Areta con la ayuda de Moro (Miguel Ángel Muñoz), se percata de que lo que sospecha su clienta tiene todos los visos de ser un crimen y no un suicidio como cuenta la versión oficial. 


La crítica: En el año 1981, dos meses después del fallido golpe de Estado en España, se estrenó "El crack" con una gran recepción entre la crítica.

De manera posterior, Jose Luis Garci realizó la segunda parte de la historia con el título de "El crack 2". Nunca se sintió satisfecho con el título elegido por la comparación con "El Padrino 2". Es ahora, y 38 años después del primer filme, cuando el oscarizado cineasta español cierra la saga con una precuela de un bellísimo gusto estético y narrativo. 

La historia, coescrita junto a Javier Muñoz y filmada en blanco y negro fiel al estilo noir señalado en el titular, recrea una Gran Vía muy diferente a la que podemos ver en la actualidad. Rodada en Madrid el año pasado, la cinta cuenta con imágenes de archivo que se integran en la cinta de una manera bastante orgánica. Garcí se aferra a rodar con lentes esféricas tradicionales en contraposición a Woody Allen que ya rueda en digital. Quizás esa terquedad de Garci en no adaptarse al nuevo medio, hacen que El crack cero no brille en lo visual tanto como lo hizo la Roma de Alfonso Cuarón. Sin embargo, la narrativa supera al filme de origen.

Durante la película hay una escena que me lleva a preguntarme sobre las casualidades o la sincronía de algunas situaciones. En un momento dado, el inspector Areta escucha por la radio que el dictador Francisco Franco ha muerto. Era el 20 de noviembre de 1975. Pues bien, un servidor, a la salida del pase de prensa de la película hoy reseñada, escuchaba por radio que el Tribunal Supremo de España había acordado por unanimidad y por razones de interés general autorizar la exhumación de Francisco Franco del Valle de los Caídos. Con ello, el máximo tribunal rechazaba el recurso presentado por la familia del tirano contra la decisión del Gobierno. El cine, la historia y la actualidad se unían por momentos. 

Respecto al argumento, la historia funciona de manera independiente. De este modo, no es necesario que el espectador haya visto las películas predecesoras. El filme es pura esencia noir y Garci crea una atmósfera única que nos lleva, desde el Madrid de los años 70, al Hollywood de Lauren Bacall, Humphrey Bogart, Barbara Stanwyck o Robert Mitchun. Sí, ese cine donde se fundían el sexo y el saxo, el misterio y el asesinato, la oscuridad y el rencor o los sombreros y las gabardinas. Un cine marcado por una exquisita dirección de arte que pasaba por comisarias, burdeles, hoteles o casinos llenos de humo como sucedía en la mítica Gilda. 


En el reparto, Carlos Santos (El hombre de las mil caras) protagoniza la última película de la trilogía. Gran trabajo encarnando el papel de un joven inspector Germán Areta. Este personaje es el que marcaría un hito en la carrera del genial Alfredo Landa. Santos, con este papel, tiene alguna opción de disputar el Goya a Banderas por su gran interpretación como trasunto de Almodóvar en Dolor y Gloria.  La historia, que narra los inicios de aquella clásica agencia de investigación, nos permitirá asistir también al momento en que Areta ficha a El Moro, antes interpretado por Miguel Rellán y al que en esta ocasión da vida un irreconocible Miguel Angel Muñoz en el mejor papel de su carrera. 

Estupenda también Patricia Vico en el papel de la doliente amante del sastre asesinado cuya muerte deberá resolver Areta. Pedro Casablanc, en el papel del comisario de policía al que todos llaman El Abuelo (personaje encarnado en su día por José Bódalo), y la joven María Cantuel como la delicada novia de Areta completan un reparto de gran envergadura. Mención especial para Macarena Gómez y para Cayetana Guillén-Cuervo que cumplen con roles propios del cine negro. 

Hace no mucho, comentaba el aspecto de algunos carteles de cine o afiches como los llaman en Argentina. El cartel, muy especial en esta ocasión, es obra del ilustrador madrileño Miguel Navia. Él, es colaborador habitual de la revista Fiat Lux de género negro. Sus ilustraciones se han publicado en medios como El País o en publicaciones de la editorial Planeta. El artista, que en 2011 publicó Gran Vía, recrea para este cartel la famosa avenida madrileña en la que tiene su sede Areta investigaciones. Una obra de arte que paso a mostrar antes de concluir con la crítica. 


El crack cero es en conclusión una reconciliación con el cine en general, con el género negro en particular y que pone en valor la denostada, por algunos, cinematografía española. Un filme pausado, firme y lleno de matices con el que, quizás, Jose Luis Garci haya puesto el merecido broche de oro a una carrera llena de amor por el cine. Gracias Maestro. 

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España

Dirección: José Luis Garci

Guion: José Luis Garci, Javier Muñoz

Fotografía: Luis Ángel Pérez

Duración: 120 minutos

Estreno: 4 de octubre de 2019.

Reparto: Carlos Santos,
Miguel Ángel Muñoz,
Luisa Gavasa, Patricia Vico,
María Cantuel, Macarena Gómez,
Belén López, Raul Mérida,
Cayetana Guillén Cuervo,
Luis Varela, Ramón Langa.

viernes, 27 de septiembre de 2019

Hous3: mirando al futuro para conquistar el presente


Hous3 llega a las pantallas de cine en España el día 27 de septiembre en el debut cinematográfico del director español Manolo Munguía. La cinta está avalada para su estreno comercial por el Premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Fantástico de la ciudad gaditana de Algeciras. 

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La historia: Un grupo de amigos deciden pasar un fin de semana aislados en una casona en los alrededores de los Picos de Europa. Son antiguos compañeros de universidad y especialistas en informática. Cuando están cenando, Rafa (Rubén Serrano) les cuenta que ha desencriptado uno de los archivos de los "Insurances Files" de Julian Assange. Con ello, ha conseguido crear una aplicación de realidad aumentada con la que es posible predecir el futuro con 30 segundos de antelación. Entonces y con la complicidad de David (Roc Esquius), intentan involucrar al grupo para desarrollar el sistema con consecuencias imprevisibles para todos ellos.  


La crítica: Con una premisa de salida parecida a la también película española El increíble finde menguante, el cineasta Manolo Munguía debuta con una más que decorosa ópera prima. Hous3 ha contado con presupuesto muy ajustado y se ha realizado en tan solo 18 días de rodaje. 800 planos y poco más de 100 minutos de duración son más que suficientes para narrar una historia que mirando al futuro nos habla de como conquistar el presente. 

Cuando una de las protagonistas femeninas dice textualmente: "Este es el peso de hacerse adultos", nos habla de como la generación millenial ya es consciente de su fuerza en la sociedad. Y esa fortaleza se puede hacer extensible a la generación posmilénica (centennials en inglés). Internet y las redes sociales han cambiado el mundo para siempre. Serán, por consiguiente, las nuevas generaciones las que tengan que soportar el peso de la nueva sociedad de la información. 

Este es uno de los mensajes más importantes que nos lanza el cineasta. Cuenta para ello con un buen pero abigarrado libreto escrito junto a Sergio Martínez. Parece ser que ambos toman como referencia las películas Coherence o The Invitatión para moldear la historia a su manera.

Hous3 combina elementos de la ciencia ficción tradicional con algo de cine experimental. Pero sobre todo, la base sobre la que se sustenta la historia bebe del tradicional cine de suspense. Así es como la cinta trata de fusionar géneros con tenues pinceladas del cine de terror.

Una de las curiosidades de la película es la presentación de la misma. Hablamos de la secuencia de la cena del grupo. La potencia de los diálogos desarrollados hacen que el espectador apenas se percate de que la secuencia cuenta con 45 minutos de duración. Munguía, desde diversos planos y enfoques, aprovecha de esta manera para presentar a los nueve personajes protagonistas.


Hablamos de un reparto coral compuesto por actores desconocidos para el gran público. Esto no es óbice para que hagan una buena labor con carácter general. A destacar la fuerza de Rubén Serrano al desarrollar el personaje de Rafa. Éste se convierte en líder del grupo de amigos y representa la manipulación en todas sus vertientes. Está convencido que la inteligencia artificial aplicada a la informática acabará con el mundo. Y con ello, lleva al grupo a involucrarse en un peligroso juego que no desvelaré para no destripar el misterio que prevalece en la cinta española.

Su antítesis es David. Él cree que el desarrollo tecnológico será positivo para la humanidad. Este personaje está bien interpretado por Roc Esquius. El joven tendrá la clave para la resolución del conflicto narrativo planteado. Las parejas de ambos son interpretadas de manera correcta por Diana Roig y por Cristina Raya. El resto del elenco está formado por: Anna Bertran, Miriam Tortosa, Bernat Mestre, Víctor Gómez y Mariona Tena.

Con este personaje, el de Mariona Tena (Eva), el cineasta intenta explicar el proceloso lenguaje informático utilizado en el libreto. No lo acaba de conseguir y esta parte de la producción resulta fallida. Sin embargo, para el público al que va destinado la producción este no será un excesivo inconveniente. Otro aspecto cuestionable es que la película está rodada en un solo espacio escenográfico. De alguna manera es una obra teatral llevada al cine. Cosa que no es mala de por sí. Pero lo que si es una pena es que no se hayan aprovechado los bellos exteriores de Vega de Liébana donde se ha rodado el filme.


En conclusión, Hous3 me ha parecido una innovadora apuesta que se salda con un moderado acierto a pesar de los bajos costes de producción. Desde luego, el talento demostrado por Manolo Munguía en su ópera prima está muy por encima de los defectos del proyecto. El filme, además, acierta con un tentador y sorprendente final abierto.

P.D. También puedes leer la crítica de Hous3, con distinto formato, en el siguiente enlace de Cinemagavia

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Título original: H0us3

Duración: 105 minutos

Dirección: Manolo Munguía

Guion: Sergio Martínez, M. Munguía

Música: Abel Jazz

Fotografía: Iñaki Gorraiz

Reparto: Rubèn Serrano, Roc Esquius,
Miriam Tortosa, Anna Bertran,
Mariona Tena, Bernat Mestre,
Diana Roig, Víctor Gomez,
Cristina Raya, Mariola Fustier.

lunes, 23 de septiembre de 2019

Bienvenidos al barrio: París je t'aime


Bienvenidos al barrio está dirigida por Mohamed Hamidi y se estrena en cines españoles el próximo día 27 de septiembre. La película francesa ha obtenido el Premio del Público en el Festival de Cine de L'Alpe d'Huez.

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La historia: Fred Bartel (Gilles Lellouche) es el peculiar jefe de una agencia de comunicación situada en un lujoso distrito de París. Tras una rigurosa inspección fiscal, se ve obligado a deslocalizar su empresa al barrio de la Courneuve. El nuevo centro de trabajo está en una zona muy conflictiva del extrarradio parisino. Samy (Malik Bentalha) es un joven de le periferia que se ofrece a enseñarle las costumbres para trabajar de forma segura en su nuevo barrio. Tras unos días de adaptación al entorno, el empresario decide contratar a Samy obligado por las circunstancias. De esta manera es como el muchacho conoce a Elodie (Camille Lou). Ella es una joven y aplicada empleada de la empresa. ¿Sobrevivirán los trabajadores en el suburbio parisino? ¿Podrá Samy conquistar a Elodie? ¿El centro de trabajo será aceptado por los habitantes del lugar? ¿Volverán al núcleo urbano?


La crítica: Con el aval de los casi cinco millones de euros recaudados en Francia, Bienvenidos al barrio se estrena en España tras su paso por Grecia, Portugal e Italia. Y es que la cinta gala honra a la picaresca que tanto gusta en los países del sur de Europa. Casi 500 años después de las primeras ediciones de La vida de Lazarillo de Tormes seguimos siendo así.

La película es una mordaz sátira hacia el mundo de las relaciones laborales. Centra su mirada en como algunos empresarios hacen todo lo posible, mediante la picaresca, para eludir sus responsabilidades fiscales. También es una cinta que nos habla de la precariedad laboral, de los falsos contratos y de la desigualdad salarial.

Otra de las temáticas tratadas con bastante gracia es la escala social que ocupa cada individuo según la zona de París en la que resida. Esto nos hace recordar con fuerza a la comedia italiana Como pez fuera del agua de la que hablé el pasado mes de mayo. En ella también se hacia hincapié en los distintos lugares de recreo, en los desiguales automóviles utilizados, o en el dispar lenguaje de los personajes según fuera su clase social. Todo ello converge en la atracción mutua de los mismos.

Mohamed Hamidi enfoca su mirada, desde la comedia, en los muchos problemas que existen en la Francia actual. La cinta nos habla de la exclusión social, de la diferencia de clases y sobre todo de la fuerte presión migratoria existente en el país galo. El tono cómico se agradece. Pero no tanto que se lleve toda la situación a la caricatura.

Es cierto que hablamos de una comedia feel-good y por tanto el tono burlón es adecuado. Pero también es verdad es que el mundo Disney que refleja el cineasta poco tiene que ver con la realidad. Cabe decir, que esa especie de idealismo edulcorado por el que transita la historia se hace funcional a través de los hilarantes personajes representados.

¡Vaya tropa!

Gilles Lellouche está esplendido en su papel de empresario sin escrúpulos. No obstante, despierta cierta ternura con su torpeza emocional. El otro trabajo importante es para Malik Bentalha que interpreta con acierto a un timorato anfitrión de la barriada marginal parisina. Del resto del reparto coral destacaría a la actriz gala Camille Lou (¡Cásate conmigo, por favor!).

Lo del matrimonio no es una petición del que escribe estas letras. Es el título de su película más conocida. Ahora bien, si se lee este texto y quiere tomar la propuesta en consideración, no será un servidor el que le haga una moción de censura. Ella interpreta con acierto a la empleada más perspicaz y popular de una empresa medio en ruinas.

 Bentalha, Lellouche y Camille Lou 

En el capitulo de hoy dedicado a los crímenes traductores...nueva cagada. En España, hemos pasado de Jusqu’ici tout va bien a Bienvenidos al barrio?? El póster tampoco ayudará a la promoción del filme francés. Sin embargo, en la parte técnica, nos encontramos con un encantador plano cenital sobre la capital francesa con el que se cierra el filme. Como diría el amigo Humphrey Bogart: "Siempre nos quedará París". 

Bienvenidos al barrio es en definitiva una comedia amable, bien realizada y que muestra de manera acertada los prejuicios del choque de culturas. No hablamos de una obra mayor, pero si de una película cuidada que demuestra una recuperación del cine francés en este año 2019. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: Francia

Título original: Jusqu'ici tout va bien

Duración: 90 minutos

Dirección: Mohamed Hamidi

Guión: Mohamed Hamidi

Música: Ibrahim Maalouf

Fotografía: Laurent Dailland

Reparto: Gilles Lellouche,
Malik Bentalha, Camille Lou,
Sabrina Ouazani, Hugo Becker,
Anne-ElisabethBlateau.