martes, 26 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! Pulp Fiction


Tarantino en estado puro. Cine de culto, cine salvaje, cine polémico, cine provocador, cine necesario, cine de ráfagas, cine de sombras, cine de luces, cine bestial, cine no apto para cardíacos.

Hace ya más de veinte de años, salí asombrado, aturdido y sorprendido de una sala de cine. La polémica sobrevoló el recinto durante las dos horas y media que duró la proyección. Algunos espectadores se salían de la sala, otros volvían a entrar: murmullos, risas, aplausos, pitos y división de opiniones al concluir la película. Un sueño para un director. Un amigo con el que asistía al estreno me preguntó mi opinión de lo visto en pantalla. Mi respuesta fue la siguiente: aún no lo sé, pero te aseguro que dentro de veinte años se seguirá hablando de esta producción... y vaya si se habló.

Tras su extraordinario debut con 'Reservoir Dogs', la consagración le llegó a Quentin Tarantino con este largometraje ganador del merecido Oscar de la Academia al mejor guión original. También ganó la Palma de Oro del Festival de Cannes. Fue todo un golpe de efecto ante una parte de la pacata sociedad estadounidense,. Cabe recordar que en sus estados mas puritanos causó un fuerte revuelo por las más de doscientas cincuenta veces que se utilizó la palabra "fuck" a lo largo de la trama. 

Pero sin entrar en polémicas estériles, pues Tarantino no obligó a nadie con pistola en mano a ver su película, el éxito del film es ya a todas luces indiscutible. El ritmo constante de la obra, los diálogos veloces e increíblemente bien escritos, las magistrales interpretaciones y el submundo que crea el director y guionista, le valieron innumerables reconocimientos por la vanguardia del cine mundial.


La escena que pasó a la historia del mundo del cine fue la del baile de Uma Thurman con John Travolta en su vuelta a las pistas de baile. No lo hacía desde la mítica película 'Fiebre del sábado noche'.

La historia narrada en Pulp Fiction es la historia de dos peculiares sicarios a sueldo del jefe de un clan mafioso. Ellos tienen como misión recuperar un misterioso maletín en un encargo de su superior. En la búsqueda del dichoso maletín se dan las situaciones más disparatadas y surrealistas que pasaron por la mente del director. Además a Vince ( John Travolta) se le encomienda la misión de cuidar a la novia del mafioso interpretada por una maravillosa Uma Thurman. El compañero de trabajo de Vince es un no menos maravilloso Samuel  L. Jackson.

Otra de las particularidades de la cinta es que no está relatada en orden cronológico, sino que da saltos en el tiempo adelante y atrás. En principio esto puede descolocar al espectador, pero en un segundo visionado se comprende a la perfección. Si bien es cierto que esta narrativa desordenada ya se había hecho otras veces en la historia del cine, la vanguardia del cine de Tarantino explotó definitivamente.  

Las interpretaciones son sobresalientes en su mayoría destacando a los tres actores ya mencionados. Pero tampoco nos podemos olvidar de Tim Roth, Bruce Willis, Christopher Walken y la actuación magistral de Harvey Keitel en su papel de "Lobo". Quentin Tarantino también se reservó un papel secundario en el largometraje y no salió mal parado.


La película en sí misma no es una sola, si no que son varios relatos entremezclados que bien hubieran dado para el desarrollo de varios largometrajes. Tarantino en un alarde de generosidad unifica al menos tres guiones en una sola película. Con ello, consigue una perfecta trama circular que cierra por donde comienza la producción.

Pulp Fiction está considerada por Film Affinity como una de las diez mejores películas de todos los tiempos. En IMDb suben la apuesta hasta el quinto puesto.

Elvis Mitchell en New York Times dijo: "Un triunfante y hábilmente desconcertante viaje a través de un submundo que surge enteramente de la imaginación madura de Tarantino, un paisaje de peligro, el choque, la hilaridad y el vibrante color local". La película también tuvo criticas realmente despiadadas y a muchos espectadores les produjo rechazo las dosis de violencia y el lenguaje grosero utilizado en la misma.

La recaudación en taquilla y en posteriores distribuciones comerciales alcanzó la nada desdeñable cifra de doscientos catorce millones de dólares. No está nada mal para una producción independiente que alcanzó repercusión a nivel mundial convirtiéndose en un icono de la cultura popular.

Música y cine: Aquí no hay demasiada discusión posible. Nos encontramos ante una banda sonora realmente espectacular. Esta vez no me refiero a música sinfónica, sino más bien a una gran recopilación de canciones para el recuerdo.

Y para concluir, os dejo un enlace a un vídeo con la escena musical que es una referencia inolvidable para la cultura pop de nuestro tiempo. Quizás uno de los bailes mas conocidos de la historia del cine mundial. Una coreografía que nos regalan John Travolta y Uma Thurman.


viernes, 22 de abril de 2016

TORO


El cine español sigue en plena forma. Después de una década bastante irregular parece que en los últimos años los estrenos españoles son tan esperados como algunas producciones de Hollywood.

Kike Maíllo nos presenta su segundo largometraje tras ganar el Goya al mejor director novel en 2012 por la película de ciencia ficción 'Eva'. En esta ocasión, nos presenta un thriller de alta intensidad en el que nos cuenta la historia de dos hermanos que se reencuentran tras varios años del menor encerrado en una cárcel. Un mal robo hizo que el hermano pequeño fuera detenido y el mayor escapara.

Lo primero que llama la atención de la historia es la manera en la que la narrativa nos lleva por los caminos del cine negro. Curioso pues es un terreno no demasiado explorado en la cinematografía española. Hay que reconocer los riesgos que esto entraña para el éxito de la producción.

El argumento gira sobre el pasado delictivo de  los dos hermanos interpretados por Luis Tosar y Mario Casas. Las estrechas relaciones que aún mantienen con el jefe de un clan mafioso (José Sacristán) marcan el ritmo de la historia. 

El mafioso aprovecha que el hermano mayor le debe dinero para intentar convencer a "Toro" (Mario Casas) de que vuelva a ser su hombre de confianza como lo era antes de caer preso. Él está reinsertado, con trabajo y a punto de cumplir su pena de prisión. Además, ahora es feliz con su novia y no quiere volver a delinquir. Los hermanos tratarán de huir por todos los medios antes de volver a caer otra vez en manos mafiosas.

 

La película y su idea central nos habla de lealtades y traiciones. También nos transmite la idea o la pregunta sobre si es posible salir de una organización criminal y cuáles son las consecuencias de ello.

La realidad indica que hay amigos o familia que son susceptibles de ser amenazados. A pesar de que Toro intenta hacer vida normal junto a su pareja, al final no tendrá más remedio que pelear por defender a su hermano y a su sobrina secuestrada. 

La representación del cártel mafioso está muy bien elaborada y quizás sea lo más enjundioso de la película. En el reparto brilla José Sacristán en un personaje a lo Vito Corleone cañí. Su presencia en pantalla inspira respeto y miedo por momentos. 

Luis Tosar es un actor en pleno crecimiento. No se divisa techo en su carrera y es una buena alternativa con respecto a Javier Bardem en el cine español. En mi opinión son los dos mejores actores que tenemos en España. Mario Casas se queda en la nada, y en la nula vocalización al interpretar. 


La película tanto en su fotografía, como en su música y en su dirección artística nos recuerda por momentos al cine negro más violento. Cinta por lo tanto bien planteada en su técnica cinematográfica, pero excesiva en su violencia e incluso cruel con el espectador.

Pero aun con todas las pegas que podamos poner a la película, hay que reconocer el esfuerzo puesto por el cineasta por adentrarse en terrenos pantanosos. No tendremos la sensación de haber perdido el tiempo ante un trabajo de tal seriedad.

¿Es divertida? Sí, no te aburrirás. ¿Es violenta? Sí y bastante ¿Es emocionante? La película no emociona demasiado por la bajeza moral de los protagonistas. Sin embargo, si logra tensión emocional en las escenas de persecuciones y en la desgarradora violencia.

Pero entonces es un sí o es un no. ¿Es buena la película? En mi opinión, la cinta es moderadamente divertida, pero no alcanza a los últimos éxitos del cine español como han sido: Cien años de perdón, El desconocido o El niño. Sin duda, lo mejor de Toro son las primeras referencias a los personajes y  a sus contradicciones. Otros mensajes nos hablan del perdón, de la lealtad y sobre todo de la traición, de esa cruel, y maldita traición.

 Nota: 7/10.


Dirección: Kike Maíllo.

Reparto: Luis Tosar, Mario Casas,
José Sacristán, Ingrid García Jonsson.

Nacionalidad:España.

Estreno: 22 de abril 2016.

Guión: Rafael Cobos, Fernando Navarro.

Fotografía: Arnau Valls Colomer.

miércoles, 20 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! La vida es bella


¡Qué maravilloso es el cine! Esta frase hace referencia y a su vez es un homenaje al mítico programa de televisión española: ¡Qué grande es el cine! José Luis Garci fue su director y estuvo en antena durante diez años consiguiendo unos niveles de audiencia aceptables a pesar de que fue emitido en un canal minoritario como fue la segunda cadena de Televisón Española. 

Sera una sección fija en el blog marciano. En ella recordaremos las mejores películas de las últimas décadas. La idea no parte de mí. Fue una sugerencia del autor de la colección 'Cinefilia' de Google+ (Alfredo García) después de comprobar lo mucho que gusto el recuerdo a 'Forrest Gump'.

¡Buongiorno princepessa! ¡Buenos días princesa! Con esta frase, repetida varias veces en el primer tramo de la cinta, nos presenta su director, esta fábula ambientada en la Italia de la Segunda Guerra mundial. Obra maestra de Roberto Begnini que también se reservó el papel principal como actor en esta aclamada película.

Breve argumento: narra la historia de amor entre un jovial camarero y una maestra italiana en tiempos especialmente complicados. Después de unos años de vida en pareja, conciben a su querido hijo Giosué, coincidiendo con la invasión nazi de Italia. El padre es detenido por el ejército ocupante por ser de origen judío y es trasladado a un campo de concentración junto a su hijo y esposa. Allí tratará por todos los medios de esconder y proteger a su hijo de las garras del ejército alemán en una lucha sin descanso por salvar su vida.


La belleza de la historia radica en cómo un padre hace todo lo posible (utilizando un juego de una enorme imaginación), para ocultar a su preciado hijo del horror de los campos de exterminio nazis.
Es en el fondo una gran historia de amor. Está narrada en forma de comedia dramática en la que las risas se combinan con la profunda emoción que nos inspira la mirada inocente de un niño.

En su primera parte, también nos habla de la llegada del fascismo a Italia y como Guido mediante su irónica valentía hace frente a esta situación sin nunca perder el humor. La escena en la que hace una parodia del totalitarismo y se llega a bajar los pantalones mientras está aviado con una banda de la bandera italiana en el pecho me pareció antológica.

La película fue ganadora de tres Oscars de la academia de Hollywood en 1998: mejor película extranjera, mejor actor (Roberto Benigni) y mejor banda sonora. Pasará a la historia la celebración que hizo el comediante, subiéndose por los sillones del fastuoso recinto de entrega de los premios. También fue galardonada con diversos premios internacionales.

¿Qué fue de Roberto Benigni? Pues poco para recordar en el mundo del cine. Quizás recordar su película 'El tigre y la nieve' en la que a través de la guerra de Irak trata de retomar el espíritu de 'La vida es bella' pero que ya resulta algo forzada. Lo que me lleva a reflexionar sobre la existencia de cineastas, cantantes o escritores de un solo éxito que dejaron tanto su alma en una gran obra que después no consiguieron nunca igualar su primer gran triunfo.


Ademas de la excelente interpretación de Roberto Begnini, hay que destacar el extraordinario trabajo del niño Giorgio Cantarini. Además, Nicoletta Braschi esposa en la vida real del director, nos deja una aceptable actuación.

Este largometraje se encuentra entre mis diez preferidos de todos los tiempos. Consigue una gran conjunción entre arte, sentimientos, mensaje y entretenimiento que es lo que todo cineasta debe aspirar a conseguir. La historia está basada en algunos aspectos de la vida del padre del director que fue detenido y enviado al campo de concentración de Bergen-Belsen.

La cinta obtuvo el beneplácito de crítica y público. La recaudación ascendió a casi doscientos treinta millones de dólares con un presupuesto de poco más de veinte millones de dólares. Obtuvo calificaciones sobresalientes entre los críticos de medios como 'USA Today', 'El País' o 'New York Daily News'.

Música y cine: la banda sonora de la la cinta pasó a la historia del cine como una de las más bellas compuestas hasta el momento, De hecho, hoy en día, es raro la semana que no escuchemos su melodía en alguna emisora de radio o en alguna cuña publicitaria. Para concluir os voy a dejar enlaces a dos vídeos para que podamos recordar juntos la música principal de esta maravillosa película. En el primero también observamos algunas escenas de la cinta.


Y por último, el siguiente vídeo, para los amantes de la música de cine y melómanos en general. Una maravilla de interpretación de la orquesta de cine de la ciudad de Estambul. En ella apreciamos la enorme belleza de esta banda sonora.

domingo, 17 de abril de 2016

El libro de la selva


¿Que pensaría Walt Disney de esta nueva versión animada de su clásica y aclamada película? ¿Aprobaría un cambio tan radical a su propuesta? ¿Se asustaría al verla? ¿Estaría orgulloso de este espectáculo visual generado por ordenador? Ofrezco más preguntas que respuestas al ver como Disney-Pixar quiere rizar el rizo al proponer un remake de la famosa cinta. Esta a su vez una versión animada del largometraje homónimo de 1942 dirigido por Zoldan Corta.

Rudyard Kipling escritor británico de origen indio y Premio Nobel de Literatura es el autor original de esta obra escrita en 1894. Rememorando el 150 aniversario de su nacimiento, la factoría de los sueños se propuso dar una nueva visión a su clásica propuesta.

La archiconocida historia, cuenta como un niño (Mowgli) es acogido por una manada de lobos al quedarse huérfano. La película profundiza en las relaciones que se establecen entre el niño y los diferentes animales que conviven con él.

El primer detalle a destacar es que el protagonista central de la trama está interpretado por un actor real. El interprete es el niño Neel Sethi por lo que nos encontramos ante una propuesta en el que se intercala la animación con las imágenes reales del citado actor. A mí personalmente no me gusta este metodo de rodaje. Hubiera preferido que todos los personajes guardaran un mismo rol, siendo estos todos animados o todos reales. Pienso que con ello se daría mayor unidad narrativa y visual a la filmación. No obstante el joven actor nos regala una gran interpretación.


La película toma por un camino muy diferente de su versión clásica. Este remake es una propuesta tenebrosa, oscura e inquietante que difícilmente gustará a los amantes de la jovial cinta de 1967. A pesar de que a mi esta versión no me ha convencido se agradece que no se limite a ser una copia de la anterior. Aunque en esta ocasión se pierda completamente el espíritu que inspiró a Walt Disney.

Paradójicamente, este largometraje es bastante más fiel al relato original de Kipling que su predecesora. Se profundiza en mayor medida en las características de los personajes con un fuerte mensaje moral que por momentos es asfixiante y repetitivo.

Al verla, tenemos la sensación que nos están dando una continua lección de moralidad. Los clichés de los personajes están demasiado acentuados abusando de un ramplón maniqueísmo. De esta manera no hay lugar para el equilibrio entre las distintas personalidades que nos muestran a través de los animales.


El significado de los distintos protagonistas que aparecen en la película ha hecho correr ríos de tinta sobre el verdadero mensaje que cada uno conlleva. Nos encontramos con la pantera Bagheera como la protectora y maestra del huérfano. Akela, el líder de la manada de lobos, representa el tótem protector y sabio. Baloo es el oso bonachón y personifica la amistad. Ka la serpiente sibilina y astuta. Shere -Kan el tigre que quiere acabar con Mowgli, representa la maldad y la traición. Louie el rey mono, nos muestra el funcionamiento de cualquier cadena de mando.

La profundización moral en los personajes es demasiado densa en esta ocasión. Sobre todo si tenemos en cuenta el tipo de cinta que es. El mensaje es abrumador y resulta reiterativo. Se aproximaría más a una tesis doctoral sobre la condición humana, trasladando a los animales nuestros defectos y virtudes, que a una película destinada a un público infantil. Desde luego será difícil de comprender para los menores de diez años.

Técnicamente la propuesta es sobresaliente, y las innovaciones desarrolladas mediante la informática hacen que la animación sea impresionante en pantalla. El hiperrealismo de los animales es verdaderamente asombroso. La banda sonora es obra del compositor y director de orquesta John Debney. Asistimos a un verdadero concierto de música sinfónica. Sin embargo, la reinterpretación de las mágicas canciones de la versión clásica, deja bastante que desear.


De valorar también es la inmensa cantidad de profesionales que han trabajado para llevar a cabo esta superproducción. En los títulos de crédito del final de la cinta se da buena cuenta de ello. En los mismos escuchamos a Scarlett Johansson interpretar el famoso tema de la serpiente Ka: "Confía en mí".

Habría que preguntarse, si en las últimas dos décadas, se ha pasado de hacer un cine de animación para los niños y difícil de soportar para los padres, a un cine animado hecho para los padres y de complicada asimilación para los niños.

Película de luces y sombras, y por momentos demasiado introspectiva. Habría que estar dispuestos a olvidarnos de la versión clásica para poder darle una oportunidad a esta producción. La cinta parece destinada a una nueva generación de niños acostumbrados a las nuevas tecnologías y a los cuales la versión de 1967 seguramente les parecería del pleistoceno.

Nota: 6/10.

Titulo original: The Jungle Book.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jon Favreau.

Reparto: Nell Sethi.

Voces versión original: Bill Murray, Ben Kingsley,
Scarlett Johansson, Idris Elba, Christopher Walken,
Lupita Nyong'o, Giancarlo Exposito.

Estreno: 15 de Abril de 2016. 
 

miércoles, 13 de abril de 2016

¡Qué maravilloso es el cine! Forrest Gump


La enorme belleza de algunas escenas en grandes película es lo que a los amantes del séptimo arte nos enamora del mismo. Hace ya algo más de dos décadas del estreno de Forrest Gump. Para hacer un descanso en la vorágine de estrenos, hoy os traigo mis impresiones de esta gran obra que repasó la historia contemporánea de Estados Unidos a través de los ojos de este entrañable personaje.


Y para ello, os voy a dejar un enlace a un vídeo en el que veréis a que me refiero. En mi opinión, nos encontramos ante la mejor introducción de la historia moderna de cine. Los títulos de crédito en una cinta a algunas personas les pueden resultar molestos; por eso siempre deberían estar acompañados de algo que los hagan más digeribles al espectador. Este inicio de la película es prodigioso. En él vemos la época, la ciudad y el contexto a través del vuelo de una pluma.


La pluma: Atención al virtuosismo del citado vuelo ya que es un verdadero poema visual. Me causa una profunda emoción cada vez que vuelvo a ver esta introducción. Mi padre siempre me recalcó la importancia de esta escena por la maravilla sentimental y técnica que supuso para el cine moderno. La filmación se produjo con una grúa sobrevolando la calle y la pluma fue añadida después utilizando un croma. Advertir que la pluma es real en un recurso sencillo pero muy imaginativo.

Música y cine: La belleza de la música en el cine es incuestionable y en Forrest Gump alcanza uno de sus hitos. La cinta cuenta con una de las bandas sonoras más recordadas de todos los tiempos. 

Hoy nace en Cine y críticas marcianas la sección de: ¡Qué maravilloso es el cine! Con ella recordaremos las películas, que en mi caso, han marcado mi afición por el séptimo arte. 

viernes, 8 de abril de 2016

Julieta



Pedro Almodóvar más Almodóvar que nunca y tan particular como siempre. Una vez más, su virtud es no provocar indiferencia en el espectador. Odiado por algunos, amado por muchos, ese es su destino. En mi opinión un cineasta brillante.

La historia nos cuenta la vida de Julieta durante los últimos treinta años de su vida; desde la década de los ochenta, hasta la actualidad y lo hace utilizando a dos actrices. Adriana Ugarte en su etapa juvenil y Emma Suárez en un momento de mayor madurez. Este quizás sea el único error de la cinta. Pienso que una sola actriz hubiera sido mejor para la situación de la historia ya que aportaría mayor unidad narrativa.

Julieta es una joven inquieta que durante un viaje en tren conoce a su futura pareja. En el transcurso de dicho viaje sucederán unos hechos que la marcarán para siempre. Además se ahondarán en los conflictos de esta relación marcada por la tragedia.

El melodrama es el género que usa el director para recrear esta historia. Quizás su forma de expresión preferida a lo largo de su ya dilatada carrera en el mundo del cine. La belleza de lo amargo. Así es como definiría lo que que expresa Almodóvar con esta película. Este titular está inspirado en parte de la forma de ver la vida del escritor Mane Lander. Y es que en las cosas amargas o oscuras también hay una belleza sutil.

Película muy dura, de las más duras de toda su carrera en la que ningún detalle está insertado de cara a la galería. Todo es profundo, muy profundo, y sin tiempo para tomar aliento entre escena y escena. La atmósfera es dramática e incluso cruel en algunos momentos. Universo mágico.

La trama nos habla fundamentalmente de la pérdida, del dolor por recuperar lo imposible, y de las trágicas casualidades del destino. Almodóvar nos habla de la pérdida de la inocencia, de nuestros traumas internos, de empezar nuevos caminos y nos habla, nos habla de tantas cosas que acabamos casi exhaustos de tanto dolor, y belleza a la vez. Esta vez el cineasta manchego no da tregua para alguna nota de humor.


El cineasta dirige con mano de hierro al elenco de actores y no les permite que sobreactuen en ningún momento. Con ello, da una lección en la dirección de los mismos.

Adriana Ugarte interpreta a la joven Julieta y demuestra que no sólo es una cara bonita, actriz confirmada. Enma Suárez se encarga de Julieta en otra etapa más madura y nos deja también una gran actuación. Otras actrices a destacar son: Inma Cuesta que está soberbia y Rossy de Palma también magnífica. Darío Grandinetti, novio de Julieta, en la segunda etapa cumple con creces. 

En los aspectos técnicos de Julieta hablamos directamente de obra maestra. La música de Alberto Palacios es sublime y acompaña, que no opaca, durante todo el largometraje. La fotografía, especialmente en alguna toma nocturna es sobresaliente. La dirección artística como siempre en Almodóvar muy acertada. En este aspecto hay que destacar las localizaciones exterior pues la belleza de los paisajes esta vez sí están en consonancia con la narración. Son contenido, nunca continente.


Obra para paladares exquisitos. No obstante, el film no es de fácil visionado. Incluso por momentos puede resultar demasiado incisivo en la búsqueda de los traumas de las protagonistas. Desde luego no es un cine destinado a ver con una bolsa de palomitas. En Julieta, Almodóvar se ha vaciado para explorar los aspectos más oscuros y más escondidos de la condición humana.

Otra vuelta de tuerca del cineasta que deja la sensación de querer ver su próxima película y eso ya es todo un éxito. No me extenderé más, no es necesario. La escena que cierra la película magistral.

Nota: 9/10.

P.D: Este texto está dedicado a un amigo y a su vez mi mentor.

Se trata del profesor de genética Emilio Valadé al que agradezco sus correcciones, consejos, y su guía para poder mejorar en la redacción de los textos. Además, parte de la película está rodada en su querida y bellísima Galicia.

Dirección: Pedro Almodóvar.

Reparto: Adriana Ugarte, Enma Suárez,
Inma Cuesta, Rossy de Palma,
Daniel Grao,  Darío Grandinetti.

Musica: Alberto Iglesias.

Fotografía: Jean Claude Larrieu.

Nacionalidad: España.

Estreno: 8 de Abril en España.

lunes, 4 de abril de 2016

Altamira


Cuando salía de la sala de cine, no pude evitar escuchar la conversación que mantenía una pareja y que resumo en una sola frase: "por lo menos los paisajes eran bonitos". Pues eso, película sentenciada. Esta mención a una cinta es toda una declaración de intenciones y nos hace ver que lo que hemos presenciado es algo tan soporífero (otro espectador se durmió, sin somnífero de por medio supongo) que solo nos quedan los paisajes...

Biopic de Marcelino Sanz de Sautola, que fue un abogado e investigador español en los campos de la arqueología y de la prehistoria. La cinta se centra en el descubrimiento de la cueva de Altamira y su posterior investigación y difusión internacional. Decisivo paso en la divulgación del arte rupestre en el paleolítico. Estamos hablando de la cuna de nuestra civilización, y hasta ahí la historia real. Valoremos la ejecución de la película.

Y hablando de ejecuciones, me viene a la cabeza la siguiente historia humorística: un padre está empeñado en que su hijo pequeño aprenda a tocar el piano cuando al niño no tenia ningún interés. Después de un año de múltiples clases particulares, el orgulloso padre invita al salón de su casa a un grupo de amigos y a un reputado director de orquesta amigo. Bueno pues el niño toca una pieza al piano en la citada reunión y al acabar se escuchan unos tímidos aplausos. El padre se dirige al músico y le comenta: ¿Que tal la ejecución? A lo que el director de orquesta con sorna respondió: "hombre tanto como la ejecución no, pero un buen par de hostias el niño si se ha ganado"

Pues eso, no sé el castigo que yo daría a Hugh Hudson que es el director de Altamira. Pero desde luego no estaría mal que estuviera otros 15 años sin dirigir que es lo que ha tardado en volver al cine desde su ultima película. Incluso estaría bien que diera clases de pintura, de pilates o que se dedicara a largos viajes por el mundo...

Pinturas de Altamira,esto si es arte

Volviendo al largometraje (y tan largo), la historia se basa en que gracias a la niña pequeña del investigador, que jugaba en un recoveco de la cueva, el protagonista descubre las pinturas rupestres. Lástima que esta prometedora historia está narrada sin la menor emoción posible. Es más yo creo que resulta más emocionante elegir la leche en el supermercado (semi, entera, desnatada, con calcio, sin lactosa, enriquecida,etc) que ver como esta triste película sobre este descubrimiento universal para la humanidad. Esto y el resto de la trama está tratado de una manera tan aséptica que no parece una filmación artística. Esto es lo que suele suceder cuando un director recibe un encargo y lo toma como un trabajo más que como un proyecto propio.

Durante el desarrollo de la historia se intenta enfrentar fe y razón. En su momento se produjo un debate sobre si el descubrimiento databa del paleolítico, enfrentado a quienes opinaban que las pinturas o bien eran una falsificación o en todo caso eran muchos mas recientes. La Iglesia y parte de la población consideraban que los paleolíticos no tenían la capacidad para el arte al no estar convertidos aún en la fe cristina. Sin comentarios.

Aún así, el film no tiene unos mínimos de tensión narrativa por lo que no consigue implicarnos con la parte científica y además casi nos da igual. Para arreglar el asunto, nos encontramos que la niña tiene unos continuos sueños oníricos donde los búfalos representados en las pinturas cobran vida y se presentan continuamente en escena, ¡que castigo madre!

Todo esto, acompañado de dos visitas familiares a donde descansan los que ya no nos acompañan en vida, hace que cada vez deseemos ver el final de este duro castigo para la tarde de un domingo. Con lo bien que hubiera estado yo dando un paseo primaveral.


Antonio Banderas que realiza una interpretación aseada, está empezando a dar peligrosos tumbos en su carrera dando saltos desde la dirección, pasando por cintas para público infantil, y siguiendo con proyectos más o menos estrambóticos. Actor con demasiados altibajos y que no acaba de dar el salto de calidad que muchos esperábamos. Su esposa en la ficción es la actriz Golshifteh Farahani que tampoco convence. Quizás el mas convincente es Rupert Everett interpretando a un cura con mas mala leche que un gato en una perrera. La niña Allegra Allen si que nos regala una importante interpretación.

Para concluir, diría, que más que ante una producción cinematográfica, nos encontramos en una especie de episodio piloto de telenovela de sobremesa ideal para echar una buena siesta. Fin. 

Nota: 2/10

Información adicional: La cueva de Altamira es uno de los orgullos más universales que tiene España. Está considerada patrimonio de la humanidad por la UNESCO desde 1985.

La belleza de la zona hace muy recomendable su visita, aunque su acceso al público está muy limitado para su mejor conservación. Está situada junto a uno de los pueblos mas bellos de España como es Santillana del Mar del que os dejo una fotografía a continuación.




Titulo original: Altamira.

Nacionalidad: España, EE UU.

Dirección: Hugh Hudson.

Reparto: Antonio Banderas, Golshifteh Farahani,
Rupert Everett, Alegra Allen.

viernes, 1 de abril de 2016

Kiki, el amor se hace


Comedia erótico-festiva es como el viral actor y director español Paco León (con mas de un millón de seguidores en su cuenta de Twitter), nos define su tercer trabajo como cineasta. En esta ocasión el cineasta nos obsequia con un gran remake de la producción australiana 'The little death'.

Cinco historias y cinco curiosos comportamientos sexuales. A saber: elefilia que es la excitación sexual por los tejidos, dacrifilia con el llanto, herbofilia por las plantas, somnofilia con relación al sueño y harpaxofilia en el contexto de un robo.

Buena y original carta de presentación en el inicio de la película. Aprovechando los títulos de crédito, se intercalan imágenes de animales con personas haciendo una original referencia a nuestros instintos mas primarios. Comenzamos bien, pues no hay nada como un buen entrante que nos predisponga a favor de obra. La cinta no sigue el método de 'Relatos Salvajes' en el aspecto que las cinco historias que se narran no son independientes entre sí.

En Kiki, las historias están entrelazadas y van saltando de unas a otras con una interrelación común y que desembocan todas juntas en la maravillosa escena final. Con esta narrativa, podemos recordar de camino al maestro Alejandro G Iñárritu especialista en estas lides de resolver el puzzle en la parte final de la historia.


Esta fotografía pertenece a la primera y genial escena del largometraje. Probablemente sea lo mejor del mismo junto con su final. Nos encontramos a los dos primeros personajes que abren "fuego" en una hilarante parodia de como enfrentarse a una terapia de pareja. Todas las historias tienen en común las filias sexuales de alguno de los miembros de la pareja. La mayor virtud de Kiki es la naturalidad con las que son tratadas las filias sexuales. Con ello podemos comprender un poco más la naturaleza de las mismas por extrañas que nos puedan parecer en la exposición inicial.

En una de las historias, uno de los miembros de la pareja (Candela Peña, magnífica actuación), disfruta sexualmente cuando ve a su pareja llorar (Luis Callejo, magnífico también). Para disfrute del malvado espectador esta mujer le hace a su pareja todas las jugarretas posibles (incluso fingir graves enfermedades), con tal de satisfacer sus deseos sexuales. 


Al ser una película coral mencionaré con brevedad a sus protagonistas. Paco León es cada vez mejor actor. Su pareja en la ficción, la actriz argentina Ana Katz le da buena réplica. Natalia de Molina se confirma como un actriz de éxito y tras su merecido premio Goya hace otro estupendo trabajo. Belén Cuesta y Alexandra Jiménez se lucen en sus papeles respectivamente con una gran vis cómica.

En los aspectos técnicos la filmación sobresale. La fotografía dirigida por Kiko de la Rica es un auténtico lujo que no pasa desapercibida. El sonido directo es sencillamente espectacular. La dirección de arte también es excelente con un aire muy almodovariano.

Quizás el mayor defecto de la filmación lo encontramos en la utilización de un lenguaje en demasiadas ocasiones soez e innecesario. Algunas escenas pueden resultar algo escabrosas aunque en ningún caso hablamos de pornografía.

Kiki es una cinta bastante fresca, ágil y novedosa en la que se intenta mostrar con naturalidad la diversidad sexual del individuo. Paco León se supera en su nueva y flamante obra que tiene todos las cualidades para ser un nuevo taquillazo en las salas de cine.

Nota: 9/10

Nacionalidad: España.

Director: Paco León.

Reparto: Paco León, Ana Katz,
Candela Peña, Luis Callejo,
Álex García, Natalia de Molina.

Fotografía: Kiko de la Rica.