Como Dios manda: Leo Harlem, funcionario y desatado

Como Dios manda dirigida por Paz Jiménez se estrena en cines españoles el próximo día 2 de junio de 2023. El filme ibérico es una producción de Áralan Films, Atresmedia Cine y está distribuida por Warner Bros España.

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La historia: Andrés, funcionario de Hacienda, y "persona como Dios manda", vive preso de su pensamiento con el orden natural como premisa de vida. Tras un conflicto en el trabajo es sancionado y trasladado a Igualdad donde todo es nuevo para él. Allí tendrá que ponerse al día para poder adaptarse a los nuevos tiempos. 

La crítica: Si algunas claves de la comedia pasan por crear contenido ameno, ágil y divertido pienso que Paz Jiménez ha dado en la diana de al menos estos tres puntos. Si bien el contenido de la cinta española es algo previsible, la cineasta nos deja una ópera prima muy aseada en un terreno tan pantanoso como es la propia comedia de situación. 

Como Dios manda refleja una sociedad plural, pero a la que le falta un punto de sentido común para poder convivir entre todos respetando al vecino, al cónyuge o al compañero de trabajo sin mirar su raza, credo, opción sexual o política y su estatus económico. Y esto valdría para cualquier tendencia social o ideológica. El humor es el mejor antídoto para nuestras creencias que suelen ser inamovibles. 

La cinta refleja con gracia el mundo de los funcionarios como ya lo hacía la comedia italiana Un italiano en Noruega. Sin embargo, lo que comienza siendo una eficaz sátira contra la función pública, entra en contradicción cuando toma cierto aire maniqueo según sea el área administrativa puesta en la diana. El argumento en cualquier caso es divertido aunque abusa de todos los tópicos de la "España cañí" en contraposición con los nuevos tiempos. La comunidad que intenta ser abierta y respetuosa está representada en los personajes que giran en torno al protagonista.

En el reparto, todo el peso de la cinta recae en el monologuista, cómico y actor español Leo Harlem. Un intérprete en estado de gracia que borda el papel de funcionario casposo, rígido y muy español. La evolución del personaje es lo mejor del filme resultando creíble y sentimental. La cara opuesta a este personaje la podemos encontrar en Ana, (Stéphanie Magnin) que representa todo lo contrario: ella es diversa y plural siendo también caricaturizada por la cineasta con acierto. 

En la parte técnica destacan las canciones y la música de Miguel Rivera que cambian por completo la película. Para bien, claro. Aunque el espectador no lo perciba, como debe ser, este es un ejemplo claro de cómo la música de cine mejora, abrillanta y hace sentir emoción incluso en una comedia. Igualmente los espacios escenográficos son diseñados con acierto. Observamos los espacios cerrados y sombríos de Hacienda en contraposición a los espacios coloridos de Igualdad o políticas sociales. 

Como Dios manda me ha parecido un filme fresco, alegre y jovial. Con Leo Harlem espléndido y un libreto ágil, Paz Jiménez nos regala una ópera prima amena aunque predecible. Siempre he pensado que la comedia es el género más complejo que existe por lo que la cineasta sale airosa y el espectador reconfortado y evadido de la vida diaria.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Paz Jiménez

Guion: Marta Sánchez

Música: Miguel Rivera

Fotografía: Eva Díaz

Duración: 100 minutos

Reparto: Leo Harlem,

María Morales, Daniel Pérez,

Santi Ugalde, Julián Villagrán

Alice, cariño: amor tóxico

Alice, cariño dirigida por Mary Nighy se ha estrenado en cines españoles el día 19 de mayo de 2023. La nominada al Oscar® Anna Kendrick (Un pequeño favor, Dando la nota) es la protagonista de este thriller dramático presentado mundialmente en el Festival de Toronto.

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La historia: Alice (Anna Kendrick) es una mujer al límite. A sus treinta años, vive una situación de maltrato psicológico perpetuado por su novio, Simon, que la tiene atrapada en un estado de parálisis. Durante unas vacaciones en el campo con sus dos mejores amigas, Alice redescubrirá la esencia de sí misma y por fin adquirirá la perspectiva que tanto necesita. Sin embargo, la venganza de Simon por la fuga inesperada de su pareja es tan inevitable como demoledora y, una vez desatada, pondrá a prueba la resistencia de Alice, su valor, y la fortaleza de su lazo con sus amigas. 

La crítica: El filme es la ópera prima de la directora y actriz Mary Nighy, hija de los reputados actores Bill Nighy (Living) y Diana Quick (La muerte de Stalin). Hablamos de una cinta basada en la realidad de nuestro tiempo que nos habla de la coacción y el control a través de una historia llena de matices aunque demasiado previsible en su narrativa. 

En algunas películas se trata el tema del abuso en sí mismo desde un punto de vista un tanto morboso. En Alice, cariño es fácil identificarse con los personajes y con su viaje tanto emocional como literal. La escapada de unas amigas para pasar un fin de semana y, por desgracia, la situación de Alice y su pareja es un tema que, desafortunadamente, es universal. Hoy en día el amor tóxico y las relaciones tóxicas son tan comunes que deberíamos plantearnos en qué hemos avanzado. 

El viaje emocional de Alice conecta con el espectador sin llegar a emocionar del todo. La cineasta refleja de manera adecuada la sensación de confusión de la joven que no sabe cómo verbalizar ni gestionar sus emociones, pero que a menudo revela con acciones terribles de contemplar. La diferencia en la forma en que Alice se comporta en público y en privado ha permitido a Nighy acercarse al personaje desde un punto de vista incluso existencial. De hecho, es una mujer tan sometida a su pareja que piensa que es mala por pasar tiempo con sus amigas. 

Lo mejor de la película pasa por el sutil trabajo de Anna Kendrick. Su interpretación, pausada y serena, refleja el miedo de muchas mujeres que pasan por el trago de tener a una pareja posesiva hasta límites insospechados. Alice parece estar bien de cara a la galería, pero nos va mostrando pinceladas de su mundo interior. En muchas ocasiones la vemos en el baño, enrollándose mechones de pelo en el dedo y arrancándoselos. Claramente está pasándolo el peor momento de su vida. Debe tomar acciones y se encuentra paralizada. 

Completan el reparto las actrices Kaniehtiio Horn  (En la carretera), Wunmi Mosaku (Casa ajena) y el actor Charlie Carrick (El lobo y el león) en el papel de novio maltratador. En la parte técnica de la cinta encontramos lo más flojo de la producción. El aire a telefilme de sobremesa te impregna de tal manera que buscas el mando para aflojar el volumen, sestear y darte cuenta que estás en el cine y no viendo un drama de Antena 3. 

Alice, cariño me ha parecido una película liviana, frágil, aunque potente en su mensaje de fondo. Con apenas 90 minutos de duración la cinta al menos no se hace muy pesada. En conclusión, la cineasta narra de manera adecuada, pero sin brillo, la historia de Alice desde el punto de vista emocional de los personajes, centrándose en la joven y haciendo al público partícipe de sus hábitos destructivos y de sus reacciones con la autoestima por los suelos. Ella no parece percibir de dónde vienen estas emociones porque no es capaz de enfrentarse a esa sensación de angustia subyacente. En el cierre final, bien resuelto, comprobaremos la capacidad humana para someterse o rebelarse. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Canadá

Título original: Alice, darling

Género: Drama, Thriller

Dirección: Mary Nighy

Guion: Alanna Francis

Música: Owen Pallett

Fotografía: Robert McLaughlin

Duración: 90 minutos

Reparto: Anna Kendrick,

Kaniehtiio Horn, Wunmi Mosaku, 

Charlie Carrick, Markjan Winnick,

Ethan Mitchell, Gordon Harper

El incidente alienígena del pequeño Alan: aventuras marcianas

El incidente alienígena del pequeño Alan ha llegado a los cines españoles el día 12 de mayo de 2023. Dirigida por Amalie Næsby Fick, la película de animación está distribuida por Pack Màgic que nos ofrece una divertida historia sobre amistades que rompen expectativas.

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La historia: Cuando los padres de Alan se divorcian, debe cambiar de piso e irse a vivir a otra ciudad. Tiene muchas ganas de hacer nuevas amistades y eso le llevará a hacer de antena para su vecino, un señor que está fascinado por los ovnis. Britney es una alienígena que puede leer la mente. Tiene que hacer un aterrizaje forzoso y el Pequeño Alan y su vecino intentan ayudarla a volver a casa. Se hacen muy amigos, pero no son los únicos que quieren conocer mejor a Britney. Un coleccionista muy particular va detrás de ella porque quiere una respuesta a la gran pregunta de la historia: ¿hay vida en el espacio? ¿Se pueden disecar los alienígenas?

La crítica: Casi obligado por mi procedencia marciana, ha sido un placer volver a disfrutar del cine de animación. El incidente alienígena del pequeño Alan es una adaptación del libro infantil Lille Alan escrito por la dramaturga Line Knutzon y por el actor Peter Frödin. Fue publicado en 2013 y diez años después es un bonito proyecto cinematográfico para ver en familia. La ciencia ficción y el género de aventuras son las bases de la narrativa con la amistad como principal frente discursivo.

La cinta danesa refleja de manera emocional como los pequeños de la casa se enfrentan al divorcio de sus padres. En este caso, el pequeño Alan, lo acepta de la mejor manera posible aunque lo sufre en silencio. La cineasta nos hace ver desde el punto del niño cómo se produce este duelo. En esta parte inicial del relato podemos encontrar valores educativos que convergen en la parte final con la aceptación de los designios de la vida familiar. El cierre circular es muy sólido. Tras esta introducción en la que ya conocemos al núcleo familiar comienzan las aventuras espaciales. El incidente alienígena del pequeño Alan viene marcado por la visita a La Tierra de la peculiar extraterrestre, Britney. Similar en edad a Alan, pronto establecen una amistad intergaláctica con la que los niños se sentirán identificados como espectadores.

Alan, con la ayuda de un viejo ufólogo, tratará de encontrar la forma de que su amiga alienígena puede regresar a su planeta. Perseguidos por un villano empeñado en disecar a Britney, la cinta se desliza a la aventura. La directora toma como clara referencia al clásico E.T el Extraterrestre de Steven Spielberg. Una historia algo vista y predecible, pero jugosa por su trepidante ritmo narrativo. Los inteligentes 82 minutos de metraje ayudan a la imposición de esta agilidad en el libreto.

El incidente alienígena del Pequeño Alan está compuesto por dos personajes principales. El propio, Alan, que se caracteriza por ser optimista y colaborador en el proceso de separación de sus padres. Pero al niño, de once años, le cuesta mucho expresar sus emociones. Será gracias a la amistad que hará con la alienígena Britney que podrá comunicarlas y hablar con sus padres sobre la dificultad que supone para él los cambios.

Britney, la despierta y chisposa extraterrestre, llega a nuestro planeta con el objetivo de realizar un trabajo para la escuela, donde no cuenta con muchas amistades. Le cuesta entender que los humanos no sean capaces de leer las mentes, como ella hace, y que escondan sus emociones. Un personaje muy bien escrito y que hará las delicias de los peques de la casa.

El resto de personajes son: Walter, un extraño vecino del nuevo lugar de residencia del Pequeño Alan y que es el vicepresidente del club de cazadores de ovnis. Ruth, que es una jovial vecina que entabla amistad con el padre de Alan, y por último está Pietro que asume el rol de villano queriendo atrapar a Britney. ¿Podrá con ella? ¿Podrá con Alan?

El incidente alienígena del Pequeño Alan me ha parecido una apuesta divertida, ágil y jovial. Con una estética ochentera y referencias musicales hacia aquella década prodigiosa, la producción europea lo tiene casi todo para gustar a pequeños y mayores. La parte técnica, y hablando del diseño de animación, está bien conseguida y la cinta resulta colorida sin estridencias. En conclusión, hablamos de una película entretenida y con un mensaje emotivo sobre los lazos familiares, la amistad y sobre el valor de la sinceridad en un mundo cada más complejo y engañoso. 

Nota: 7/10.

Esta crítica, con distinto formato, también está disponible en Cinemagavia.

Nacionalidad: Dinamarca

Título original: Lille Allan - den menneskelige antenne

Género: Aventuras, Ciencia - Ficción

Dirección: Amalie Næsby Fick

Guion: Amalie Næsby Fick

Fotografía: Animación

Duración: 82 minutos

¿Qué es WhatsCine?

WhatsCine cumple con todos los requisitos de lo que debería ser la innovación tecnológica al servicio del bien común.

¿Qué es?

WhatsCine es un sistema de audio-descripción con lengua de signos y subtitulado adaptado que funciona mediante aplicaciones gratuitas para iOS y Android a través de los smartphones. Su accesibilidad es totalmente inclusiva y no es percibida por el resto de espectadores.

¿Cuál es su función?

La aplicación está dirigida a las personas invidentes que acuden a las salas de cine y que mediante el sistema pueden disfrutar en toda su intensidad -no solo del sonido procedente de la proyección-, sino también de la App que les proporciona toda la información de lo que está pasando en la filmación. También puede ser utilizado en la televisión de los hogares.

Además, la aplicación también está dirigida a las personas sordas que mediante el subtitulado adaptado y/o el lenguaje de signos pueden percibir lo que está sucediendo en las propuestas audiovisuales.

El proyecto WhatsCine surge en el año 2013 con la colaboración de dos organizaciones españolas: WhatsCine y la Universidad Carlos III de Madrid.

Ambas instituciones tuvieron, y tienen la intención de conseguir eliminar la brecha que algunas personas tienen a la hora de disfrutar del ocio cultural, principalmente del cine y de la televisión. Hoy en el año 2023 ya es un proyecto firme  y en fase de expansión internacional.

La intención de esta entrada en Cine y críticas marcianas es difundir el proyecto en las medida de mis posibilidades, y facilitar con ello la inclusividad, en este caso, para que el cine pueda ser disfrutado  por todas aquellas personas que perdieron la visión o que hayan sido ciegas desde su nacimiento. Asimismo, para todas aquellas personas que tengan disminuida o anulada su capacidad auditiva.

La imagen superior corresponde a la maravillosa película japonesa 'Hacia la luz'.

En ella, se narra la historia de Misako que es una joven que se dedica a la narración de películas para invidentes. En mi opinión, se trata de la mejor película de la historia en narrar como las personas ciegas aman el cine, y acuden a las salas a pesar de su discapacidad visual. De manera independiente a esta situación,  hablamos de una gran filmación tanto en su narrativa, como en su fotografía, como en sus interpretaciones. Pero lo mejor de Hacia la luz (Hikari) es que supuso la toma de conciencia para muchas personas (yo entre ellas) de la importancia en que el cine sea accesible para las personas con alguna discapacidad. No me olvido de aquellas que tiene la movilidad reducida por sus circunstancias personales y que acuden a las salas con sus sillas de ruedas.

En definitiva, creo que iniciativas como WhatsCine merecen la máxima difusión y os invito a haceros participes de la misma. Sería estupendo que entre todos diéramos la máxima difusión posible tanto en redes sociales como en los propios colectivos que aún no conozcan la aplicación.

La aplicación está disponible de forma gratuita a través de Google Play o la tienda de Iphone. Su web es 👉WhatsCine

Por último, os dejo con este vídeo donde se detalla la iniciativa de una manera muy especial:

¡Qué maravilloso es el cine! El tesoro de Sierra Madre

México, 1925. Fred Dobbs (Humphrey Bogart) es un estadounidense que sobrevive en las calles de Tampico mendigando mientras encuentra una oportunidad de trabajo. Tras ser estafado por un contratista y acabar en un albergue para vagabundos, entabla amistad con dos compañeros y entre los tres deciden aventurarse en la Sierra Madre mexicana en busca de una mina de oro que pueda cambiar sus destinos para siempre.  

El tesoro de Sierra Madre dirigida por John Huston en 1948 se basa en la novela homónima de Bruno Traven y supuso un cambio de registro para Bogart. Nos hallamos ante una interpretación memorable para un personaje inusual en el cine de Hollywood. Hablamos de un hombre blanco, estadounidense y sin problemas de salud que mendiga en México.

Es decir, se invierten los términos o clichés que hasta la época prevalecían en este tipo de cine. Aunque la película se adscribe al género Western a mí me gusta más englobarla en el cine de aventuras ya que además fue rodada en el Este de México. La narrativa se asienta sobre la "Fiebre del oro" y los cambios psicológicos que esta producían en las personas que se dedicaban a esta tarea. 

La presentación de la película es gloriosa y consigue la paralización del espectador al ver a Bogart mendigando unas monedas para cubrir sus necesidades básicas. El cambio con respecto a Casablanca o El halcón maltés es radical. Seguimos las andanzas de Dobbs  -su personaje- por las calles de Tampico con un cierto hipnotismo. Así es como vemos su jocoso paso por una barbería, un tenso encuentro con un niño que le vende un billete de lotería, un lúbrico cruce de miradas con una prostituta (tremendo cameo de Ann Sheridan) y el primer encuentro con aires filosóficos con sus futuros compañeros de aventuras. 

Y es que los tres personajes principales: Howard, Dobbs y Curtin (Walter Huston, Humphrey Bogart y Tim Holt) tienen una primera conversación en la que se asientan las bases sobre lo que veremos en la ruta que les llevará hasta El tesoro de Sierra Madre. En ese momento observamos como John Huston presenta a tres personas con inocencia, compañerismo y buenas intenciones. Pero el más mayor, Howard, curtido en mil batallas, ya les advierte que el oro convierte a las personas en codiciosas. El filme, a lo largo de sus dos horas, se presenta como una obra maestra en relación a los cambios en la conducta humana. La maleabilidad de las personas se presenta como el principal frente discursivo llegando a altas cotas de egoísmo en el personaje de Bogart. 

La parte central del relato nos lleva de viaje por las áridas tierras de Sierra Madre donde los protagonistas encuentran un yacimiento de oro y deciden explotarlo de manera más o menos democrática. Pero pronto la codicia, la envidia o el miedo al robo hacen que cada uno de ellos guarde su parte del mineral dorado en un escondite oculto. El recelo se va a apoderando de los tres hombres y los conflictos no tardan en estallar. Los personajes están en continua evolución y transformación lo que hacen del libreto una obra magistral. Nunca serán los mismos hombres que se cruzaron en Tampico: 100.000 dólares a repartir -sin contar la inflación actualizada- en el supuesto de que consigan vender el oro. Hablamos de un botín casi inmanejable en las mentes de los que hasta hace poco eran indigentes.

La cinta cuenta con una poderosa banda sonora dirigida por el maestro Max Steiner. Visualmente, Houston se resiste a los encantos del sur de la frontera, fotografiando el paisaje con una iluminación descolorida en clave alta e incluso con una penumbra sombría que nos recuerda al cine negro. Finalmente la película recibió tres Oscar de la Academia: mejor director, guion y actor secundario para Walter Huston en su papel de viejo cascarrabias. Aunque Bogart no fuera premiado, nos hallamos ante una de las mejores interpretaciones de toda su carrera y fueron muchas. 

El tesoro de Sierra Madre es un filme magnético, retorcido por momentos e hipnótico desde el mismo momento que conocemos al personaje interpretado por Bogart. Un filme que se puede ver como una una película de aventuras o como una profunda crítica al egoísmo humano. John Huston consigue una fuerte tensión narrativa a la vez que inquiere al espectador con decenas de preguntas subliminales. De esta forma somos nosotros, como espectadores, los que vamos tomando partido por cada uno de los personajes representados sintiendo rabia, impotencia o alegría según avanza la narración. El final, antológico, me lleva a decir una vez más eso de ¡Qué maravilloso es el cine!

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Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 1948

Género: Aventuras, Western

Dirección: John Huston

Guion: John Huston

Música: Max Steiner

Fotografía: Ted D. McCord (B&W)

Duración: 125 minutos

Reparto: Humphrey Bogart, 

Walter Huston, Tim Holt, 

Bruce Bennett, Barton MacLane, 

Alfonso Bedoya, Arturo Soto Rangel