La infiltrada: potente retrato de los héroes anónimos

La infiltrada dirigida por Arantxa Echevarría se estrenó en cines españoles el día 11 de octubre de 2024. Un día mágico para el Cine ya que coincidió con la puesta de largo de La sustancia situándose ambas películas como revelaciones de la temporada y del año. 

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La historia: Tras pasar varios años infiltrada en los ambientes de la izquierda abertzale como una joven simpatizante más de la banda terrorista ETA, una agente de policía consigue lo que buscaba: ETA contacta con ella. Necesitan que aloje en su piso a dos etarras que tienen el objetivo de preparar varios atentados. A partir de este momento empieza la misión más difícil de su vida: ir informando a sus superiores mientras convive con dos terroristas que, si en algún momento sospechan de ella, no dudarán en matarla.

La crítica: Con más de 1 millón de espectadores que han pasado por taquilla y casi dos meses después de su estreno comercial, La infiltrada se sitúa ya como la segunda película española más vista del año siguiendo aún en algunos cines en un hecho casi insólito en el panorama actual. 

Arantxa Echevarría tras Carmen y Lola o Chinas se consolida como una de las mejores cineastas españolas y ahora además arrasa en taquilla de manera muy merecida. Intuición, talento y buena narrativa marcan el sello de la casa manejándose en cualquier género como pez en el agua. 

La infiltrada está basada en lo siguiente: Aranzazu Berradre es el pseudónimo con el que en 1998 se infiltró una policía nacional en ETA con 22 años. Consiguió adentrarse en la banda presentándose como militante del Movimiento de Objeción de Conciencia de Logroño, siendo la única mujer que convivió con la banda terrorista. Durante su infiltración, que duró 6 años, no se vio obligada a cometer ningún delito e hizo posible la desarticulación del comando Donosti, liderado por Sergio Polo y Kepa Etxebarria. Se demuestra con ello que a ETA le fueron colando topos que fueron decisivos en la disolución de una banda que dejó 850 muertos y miles de heridos en el conjunto de España. 

A modo de reflexión personal, que coincide con la unidad política de aquellos momentos, la principal petición del Estado y pueblo era que ETA dejara las armas. Con ello podría defender sus postulados -la independencia vasca- a través del parlamento o sea a través de la palabra. Lo curioso y absurdo de todo el asunto es que una vez derrotada la banda con entrega de armas incluida, aún hay voces que ahora también están en contra de que esos postulados se puedan defender parlamentado. El lodo político lo embarra todo, pero no olvidemos de dónde venimos. 

Volviendo al trepidante filme ya desde su comienzo tiene un fuerte enganche para el espectador. Quizás para el espectador foráneo menos, pues hablamos de un contexto muy local y se dan por sabidos hechos que no todo el mundo tiene porque conocer. Sin embargo, para todos aquellos que vivimos la barbarie etarra no hace falta mucha explicación. Había que meter topos en la banda criminal y estos héroes anónimos así como los confidentes fueron clave para la desarticulación de ETA. 

Gran interpretación de Carolina Yuste que se coloca como clara favorita para ganar el Goya a mejor actriz. Su personaje, Aranzazu, es reclutada para infiltrarse en las entrañas de ETA lo cual consigue con un duro trabajo de seis años. Es dura, terca, leal al Estado y sobre todo una persona con valores muy sólidos anteponiendo el bien común. 

Buen papel también el de Luis Tosar que interpreta al inspector jefe que tiene la idea de reclutar a jóvenes policías para topar a la banda. Con él también observamos la rivalidad que existió entre la Policía Nacional y la Guardia Civil para detener comandos terroristas. También es terco, protector y luchador hasta la extenuación para lograr acabar con ETA. 

Respecto a los dos personajes reales del comando Donosti se encargan de interpretarlos Iñigo Gastesi y Daniel Anido que da un recital en otra majestuosa interpretación. A los etarras se los retrata con realismo puro: gente fanática, sin escrúpulos y bordeando la psicopatía en algunos casos. 

En la parte técnica destaca la fotografía y las localizaciones llevadas a cabo en San Sebastían, Pasajes o Errenteria. Otro aspecto muy sólido es el sonido y un montaje muy complejo pues no es nada sencillo narrar seis años de la vida de una persona en 118 minutos. 

La infiltrada es a mi juicio la película del año por su potente narrativa, su vigor en el género del thriller y por su despolitización del relato. Se muestran los hechos tal como fueron y se deja de manera acertada la emotividad para su tercio final. La cinta se centra en lo concreto y con ello consigue universalizar el dolor causado por un grupo terrorista que fue vencido por la unidad del Estado a pesar de los palos en las ruedas que algunos se empeñaron en colocar. En conclusión, hablamos de la consolidación definitiva de una cineasta nacida para dar grandes alegrías al cine como medio de transmisión de los buenos valores. 

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España 

Género: Thriller

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Arantxa Echevarría

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Javier Salmones

Duración: 118 minutos

Reparto: Carolina Yuste,

Luis Tosar, Iñigo Gastesi,

Diego Anido

Borgo: el hilo del bien y del mal

Borgo dirigida por Stéphane Demoustier se estrena en cines españoles el próximo día 22 de noviembre de 2024. La cinta francesa es un thriller carcelario inspirado en un doble asesinato ocurrido en Córcega en 2017, en el que la actriz Hafsia Herzi interpreta magistralmente a una guardia de prisión ambigua y contradictoria.

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La historia: Melissa, una funcionaria de prisiones de 32 años, se muda a Córcega con sus dos hijos y su marido. Es su oportunidad para comenzar una nueva vida. Empieza a trabajar en un centro penitenciario que es muy diferente a los demás. Allí, se dice que son los presos los que vigilan a los guardias. La mujer logra integrarse gracias a Saveriu un joven recluso que parece ser influyente allí dentro y la pone bajo su protección. Sin embargo, cuando el chico queda en libertad, vuelve a ponerse en contacto con Melissa para pedirle un favor, con el que se pone en marcha una peligrosa mecánica.

La crítica: En el filme La chica del brazalete, Stéphane Demoustier ya demostraba su pericia tras las cámaras. Ahora en Borgo se confirma como uno de los cineastas más punzantes en lo que al género negro se refiere. En la película hoy reseñada también se centra en el cine social con personajes marginados, sin integrarse en la sociedad y con la temática de fondo del mundo carcelario. Un crimen por encargo dejará ver como la prisión extiende sus garras más allá de sus muros. 

Borgo está basada de manera libre y ficticia en el caso de una funcionaria de prisiones que vivía en Córcega desde hacía poco y se había visto envuelta en un ajuste de cuentas entre bandas rivales. La guardia tuvo que señalar al «blanco» al llegar al aeropuerto de Poretta, misión que cumplió al darle un beso a la que sería la víctima. La figura de esta funcionaria de prisiones es el detonante de la película, pero se crea un personaje nuevo en el que el cineasta se hace la siguiente pregunta: ¿cómo se puede pasar en tan solo unos meses de tener una vida normal a tener la de una criminal? La cinta intenta y consigue darle una explicación a este cambio, o, más bien, a esta caída en picado de una mujer con unos principios que parecían muy sólidos. El hilo que separa al bien y al mal es muy fino. 

La cárcel es otro de los personajes importantes de la cinta francesa. Allí los reclusos se mueven en libertad, las celdas están abiertas y la relación con los funcionarios es amigable. Hablamos de una especie de 'Modulo de respeto' en la que los presos viven con cierta normalidad y privilegios que son cortados de inmediato cuando se produce algún incidente importante. Y luego está, Córcega. Hablamos de un territorio insular francés bastante desconocido y marcado por los atentados del Frente de Liberación Nacional de Córcega que preconizaba la independencia de la isla. Movimiento hoy en proceso de desarme, pero aún con influencias de carácter mafioso.

La actriz Hafsia Herzi interpreta de manera intuitiva y natural a la funcionaria de prisiones que vive a caballo entre su centro de trabajo y su familia compuesta por un marido incapaz de encontrar trabajo y dos niños pequeños que se van integrando poco a poco en la vida de la isla. En esta parte de presentación de personajes es cuando vamos conociendo un territorio que es presentado de manera muy gris, con problemas raciales y violencia soterrada. El otro protagonista importante es el joven Saveriu al que Melissa trata de proteger en una especie de cadena de favores que existe entre ellos. El chico es interpretado de manera correcta por Louis Memmi. Otro personaje al borde del abismo. 

Muy poco que destacar en la técnica de rodaje. Película muy plana y de bajo presupuesto en el que brilla su narrativa por encima de otras cuestiones como fotografía, dirección de arte o música. 

Borgo demuestra que el cine francés existe más allá de la comedia aunque sea anecdótico en lo comercial. Hablamos de una película que va de menos a más y que poco a poco va metiendo en la historia al espectador. Un crimen por resolver, la dura vida de una prisión y las particularidades de la isla de Córcega son los ingredientes principales que utiliza el cineasta para crear una historia en la que impera un principio de reclusión que explica el comportamiento de cada uno de los personajes.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Francia

Género: Thriller

Dirección: Stéphane Demoustier

Guion: Stéphane Demoustier

Música: Philippe Sarde

Fotografía: David Chambille

Música: Philippe Sarde

Duración: 115 minutos

Reparto: Hafsia Herzi,

Moussa Mansaly, Louis Memmi,

Michel Fau, Cédric Appietto

Nunca te sueltes: atrapados por el bosque

Nunca te sueltes dirigida por Alexandre Aja se estrena en cines españoles el próximo día 15 de noviembre de 2024. La cinta de suspense sobrenatural está protagonizada por la ganadora del Oscar® Halle Berry, Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. 

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La historia: Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno, «el Mal». Necesitan estar conectados en todo momento a los cimientos de su cada vez más destartalada casa, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero a medida que la comida escasea, los niños empiezan a preguntarse si «el Mal» es real y los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia.

La crítica: Con una premisa inteligente que cambia el papel de la casa encantada por el del bosque encantado ya al menos observamos una vuelta de tuerca en este subgénero tan maltratado. Ahora la morada -una cabaña en el bosque- es el lugar seguro a la vez que refugio de los extraños acontecimientos que parecen están ocurriendo en el exterior. Yendo un poco más allá , el cineasta trata de hacer una disertación sobre el bien y el mal que por momentos se siente forzada. 

El visionario cineasta francés Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos, Infierno bajo el agua), dirige este inquietante thriller psicológico de terror que promete una montaña rusa de emociones y giros inesperados que explora los límites de la protección familiar y el terror sobrenatural. También nos habla de la locura, los miedos heredados y lo más importante es que consigue mantener el suspense hasta el final de la película e incluso un poco más allá. El final un tanto abierto busca a ver si suena la flauta en taquilla y tenemos secuela. Sería innecesaria.

Nunca te sueltes parte de la siguiente pregunta: ¿y si hay una familia confinada en su casa por culpa de una fuerza maligna exterior que les persigue, pero la fuerza es incapaz de traspasar la seguridad de sus muros? En realidad es algo más sencillo de lo que parece. Antes o después la comida se acabará, las cuerdas "mágicas" que les unen en las salidas al bosque o alguna lesión hará que alguien de la familia se vea obligado a atravesar el perímetro y comprobar si hay alguien dispuesto a ayudar. 

La cuestión es que la madre y cabeza de familia asegura que el bosque y el mundo está maldito siendo la cabaña la única salida que les queda. Hasta que uno de los hijos comienza a dudar de la madre ante los comportamientos que se están volviendo perturbadores para la familia. Esas dudas que el espectador hace suyas comprometen la estabilidad familiar con un giro inesperado que se produce de manera sorprendente cuando aún queda bastante metraje por delante. No hablamos de que director y libreto estén descubriendo el Cine, pero si que se observan rasgos distintivos y originales en la narrativa. 

Buen papel de Halle Berry con un personaje traumado, casi inmovilizada por un miedo real o sugestionado y qué en su lógica actúa como una madre coraje para proteger a sus hijos. Está convencida de que el mal se ha extendido por el bosque, pero sus extrañas visiones hacen dudar de la veracidad de su teoría. Buenas interpretaciones también de los niños Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. Tampoco nos olvidemos del perro -no podía faltar este elemento- ya que en esta ocasión tiene incluso una secuencia clave para la narración.

En la técnica destaca el ambiente de fábula, de cuento de hadas que el director construye para la historia. La producción se decantó por una localización a las afueras de Vancouver, en la Columbia Británica (Canadá). Se ha escogido una casita abandonada a modo de cabaña dotándola de simbología, velas, y diferentes aspectos con toques de hogar mágico. Los bosques que la rodean son increíbles, naturales, increíblemente musgosos y con ecosistemas diferenciales. 

Nunca te sueltes es original, asfixiante y por otro lado poco emotiva para lo que busca su cineasta. Un filme que nos habla de la siguiente triada: locura, miedo e hiperprotección. Hablamos de una cinta con muchos símbolos, mucho simbolismo por todas partes y muchas capas. Capas de historia. Capas de psicología. Capas de relaciones. Todo inmerso en una especie de cuento de hadas oscuro y aterrador. Y  como en todos los cuentos de hadas, el escenario fantástico refleja un miedo demasiado real, en este caso: la protección.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: EE UU

Título original: Never Let Go

Género: Terror, Suspense

Dirección: Alexandre Aja

Guion: Kevin Coughlin

Música: Robin Coudert

Fotografía: Maxime Alexandre

Duración: 100 minutos

Reparto: Halle Berry, Percy Daggs IV, 

Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson

Películas curiosas: La sustancia

 La sustancia dirigida por Coralie Fargeat se estrenó en cines españoles el día 11 de octubre de 2024. La cinta es ya una de las grandes sorpresas de la temporada por su controversia, narrativa y polémica generada por su contenido. Directa a Películas curiosas.

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¿Alguna vez has soñado con una mejor versión de ti misma? Tú. Solo que mejor en todos los sentidos. Tienes que probar este nuevo producto. Se llama La Sustancia. Genera otra tú. Una nueva tú, más joven, más bella, más perfecta. Y solo hay una regla: compartes el tiempo. Una semana para ti. Una semana para la nueva tú. Siete días cada una. Un equilibrio perfecto. Fácil. ¿Verdad?

El cine y las películas también cumplen la función de fantasear con cosas muy improbables aún en un futuro lejano. El culto al cuerpo, a la juventud y la adicción a la estética componen un puzzle narrativo que comienza como una intensa película de suspense y que finaliza con un festival gore que ha generado la mayor controversia. 

La sustancia está protagonizada por Demi Moore, Margaret Qualley y Dennis Quaid y se hizo con el Premio a Mejor Guion en el Festival de Cannes y también ha conquistado el Premio del Público de la sección Midnight Madness, dedicada a los títulos de género, en el Festival Internacional de Cine de Toronto.

En palabras de su cineasta, La sustancia: "Es una película sobre el cuerpo de las mujeres, sobre cómo los cuerpos de las mujeres son escrutados, fantaseados y criticados en el espacio público. Sobre lo mucho que, como mujeres, se nos hace creer que no tenemos más remedio que ser perfectas, sexis, delgadas y hermosas para ser valoradas en la sociedad. Y lo imposible que es para las mujeres escapar de esto, por muy educadas, fuertes de mente e independientes que seamos". 

Suscribo sus palabras y sin embargo hay algo de lo que no se ha hablado demasiado. Se trata de las adicciones o la adicción a cualquier elemento: belleza, moda, drogas, sexo, alcohol, etc. Cabe recordar que desde la hipnótica premisa una de las condiciones más importantes es que el rejuvenecimiento solo puede durar siete días y los otros siete deben ser con el cuerpo original de la protagonista. Cualquier paso de ese tiempo, estropearía el experimento y avejentaría uno de los cuerpos. El original. Pues aún sabiendo eso, el lado joven de la protagonista se pasa de tiempo en varias ocasiones lo que ocasiona una tormenta perfecta de consecuencias imprevisibles. Y eso es la adicción. Es decir, algo que no podemos controlar aunque nos creamos preparados para tal menester. 

En el reparto destaca la excelencia en la interpretación de Demi Moore. Ha demostrado ser una de las actrices más relevantes de la industria al utilizar su talento en películas muy diversas para la gran y pequeña pantalla tanto delante como detrás de la cámara. Batió un récord en 1995 cuando se convirtió en la actriz mejor pagada de Hollywood, una prueba de su estrellato. Lo único que me ofrece alguna duda es que la actriz se conserva muy bien y no le hace falta ninguna "sustancia" para seguir luciendo atractiva. Es decir, el casting sería más lógico con una actriz más envejecida. Su personaje es una locura muy cuerda: aquí se tiranizará, ridiculizará y se romperán los cuerpos de la misma forma en que creo que la sociedad intenta moldear a las mujeres con todas las reglas ya desfasadas. 

Margaret Qualley también hace un buen papel en el yo joven de Elisabeth. Hace poco ha trabajado en “Dos chicas a la fuga”, dirigida por Ethan Coen, y en “Pobres criaturas”, de Lanthimos, con Emma Stone y Mark Ruffalo, y hace unas semanas en “Kinds of Kindness”, del mismo director, con Jesse Plemons y Emma Stone. No tardaremos en verla en “Honey Don’t”, de Ethan Coen, con Subrey Plaza y Chris Evans. Su personaje representa a mi juicio más a la adicción que a la fama. Algo incontrolable y que desatará un final de vértigo. También observamos la pura ambición. 

El tercero en discordia está interpretado de manera simpática por Dennis Quaid (Harvey). Pero en definitiva hace de villano y es el personaje que despide de su trabajo a la protagonista por ser demasiado mayor. Un reflejo de Hollywood y de lo que pasa con las actrices cuando van cumpliendo años. El loco enfoque de cámara hacia él es original. 

La técnica es monumental por lo que es determinados apartados debería optar al Oscar. Especialmente maquillaje, vestuario y efectos especiales son de diez. Música, fotografía y arte no desentonan. Mi única pega es el exceso de metraje ya que nos lleva a revistar ciclos de transformación de manera algo repetitiva. Y el final no es apto para estómagos sensibles. 

La sustancia es divertida y muy seria al mismo tiempo. El filme es hipnótico, sorprendente y parte de una premisa muy atractiva. En parte hablamos de cine experimental. Por otro lado, observaremos una cinta de excesos con el objetivo de liberar los monstruos y las dudas juveniles de la cineasta. También las dudas de las mujeres maduras y porque no de los hombres maduros. El culto al cuerpo y a la belleza gana terreno también entre el género masculino. Aquí se tiraniza, ridiculiza y se destruyen los cuerpos de la misma forma que la sociedad destruye la mente de algunas mujeres con todas las reglas que las enseñan a seguir en silencio desde niñas. En definitiva, hablamos de una sátira desmesurada y polémica que vuelve a hacer del cine un instrumento liberador, original y potente. 

Nacionalidad: Reino Unido

Género: Ciencia Ficción

Dirección: Coralie Fargeat

Guion: Coralie Fargeat

Música: Raffertie

Fotografía: Benjamin Kracun

Duración: 140 minutos

Reparto: Margaret Qualley,

Demi Moore, Dennis Quaid,

Gore Abrams