Tribunal(Court)

Nos vamos de viaje a Bombay. ¿Me acompañáis? El destino será una parada en el cine independiente que se hace en la India.

Un veterano profesor y en sus ratos libres cantante de música popular es acusado de incitar al suicidio a un joven trabajador de los saneamientos de la ciudad. La excusa para tal acusación es que sus letras son subversivas y hablan de ciertos tabús en la sociedad hindú. Temas como el suicidio, el sexo o los derechos sociales están presentes en sus canciones. Esto puede provocar en los jóvenes las ganas de acabar con su propia vida según las autoridades...

Ópera prima de Chaitanya Tamhane, cuya principal motivación es denunciar el obsoleto, corrupto y surrealista sistema judicial indio. La cinta es una eficaz crítica al proceloso y desesperante procedimiento que se utiliza en el tribunal. El juicio tiene numerosos aplazamientos por los detalles más pueriles que os podáis imaginar. En cada parada del procedimiento judicial, el cineasta de manera inteligente nos lleva a un lugar distinto de Bombay. Así es como podemos conocer las distintas realidades de la sociedad india. Como en muchos lugares, las diferencias entre las distintas clases sociales son enormes.

En la India nos encontramos con el añadido que la sociedad está dividida en distintas castas según la procedencia y el factor casual de dónde te haya tocado nacer. Mientras en los suburbios apenas llegan para la comida del día, en otras zonas de la ciudad se permiten el lujo de tener fastuosos teatros donde se ríen de lo que ellos llaman castas inferiores.

Pero volviendo a la temática judicial, lo que realmente comprobamos durante las sesiones del juicio es que a Narayan, el músico local, se le está fabricando una acusación del todo absurda por ser un personaje molesto para el gobierno local de la ciudad. Él, a través de su música, lo que busca es denunciar las condiciones de los trabajadores más humildes y sobre todo denunciar las políticas públicas corruptas. Entonces, es cuando vemos cómo la justicia, igual que en otros tantos países, se limita a seguir las instrucciones del poder con los métodos que hagan falta para callar las voces disonantes. La utilización de jueces y fiscales son meras armas políticas al servicio del poder.

En la cinta, destacaría la utilización de la fotografía. Es luminosa y su vez natural. Podrían tomar nota algunos prestigiosos directores internacionales obsesionados con quitarles luz a sus producciones y tomar ejemplo de este debutante director indio. Él da una lección al elegir a un gran director de fotografía a todos aquellos empeñados en desnaturalizar algo tan importante como es la luz en el cine.

Las interpretaciones están en general a buen nivel, destacando las del popular cantante Narayan, encarnado por el veterano actor Vira Sathidar y la de su abogado defensor interpretado por Vivek Gombe.

Pantomima de Juicio

La película es un puñetazo de realidad que no deja espacio para el virtuosismo dramático. Es seca, fría y va directa a "morder el cuello" de la judicatura india. En esto mismo radican sus virtudes y defectos pues nos encontramos con un cine de alto contenido social pero olvidando quizás darle algo más de protagonismo al aspecto artístico y emocional.

Nota: 7/10. 

Dirección: Chaitanya Thamane

Reparto: Vira Shatidar, Vivek Gomber,
Geetanjali Kulkarni, Pradeep Joshi.

Fotografía: Mrinal Desai.

Nacionalidad: India.

Resucitado (Risen)

Investigación policial-forense en "una de romanos" con Jesús de Nazaret como principal investigado.

Es la primera conclusión a la que llego si aplicamos el lenguaje actual para tratar de quitarle un poco de hierro al asunto. ¡Blasfemia! dirá alguien, no hombre no, relax para empezar.

España, provincia de Hollywood. Así es como se titulaba una publicación recientemente compartida en mi perfil de Google +, por la querencia de la meca del cine por rodar sus películas en este país.

Aunque cabe decir que en esta ocasión nos encontramos ante una coproducción hispano-estadounidense, se vuelve a elegir España para una cinta con vocación de superproducción internacional. La alcazaba de Almería y los bellos desiertos de su provincia son los elegidos esta vez. Algunas escenas fueron rodadas en Malta.

Alcazaba de Almería

Filmación fácil de comentar en relación a los malditos spoiler pues todos sabemos como acaba la historia. En cambio, difícil crítica pues al afectar a sentimientos personales pudiera herir la sensibilidad de alguien. Así que vayamos con tacto.

"Espero que un creyente, un agnóstico y un ateo, puedan sentarse juntos y disfrutar de la narrativa de esta película". Con estas declaraciones, Joseph Fiennes intentaba dar un mensaje de armonía bastante acertado en contraposición con el a veces excluyente y integrista mensaje de Mel Gibson en algunas de sus declaraciones. Y aunque es una evidencia y solo por poner un ejemplo, no hay que ser belicista por que te gusten las cintas de guerra. Pienso que no está demás un mensaje conciliador y que pueda respetar nuestras creencias o no creencias, sobre este controvertido asunto.

La cinta empieza por donde otras películas bíblicas acaban. Es decir, por la crucifixión. Por lo tanto ya nos encontramos ante un enfoque innovador. Lo hace además, desde el punto de vista de un tribuno militar romano no creyente. Este enfoque lo que le otorga a la cinta una perspectiva distinta a lo habitual en el género bíblico. La historia basa la argumentación central en un supuesto en el que Poncio Pilatos, prefecto de Roma, le encarga a Clavius su lugarteniente militar, la investigación de la desaparición del cuerpo de Jesús del lugar donde había sido sepultado.

Lucha de egos

Especialistas en torturas, triste pero dura realidad del género humano, aquí observamos en otra vuelta de tuerca como se realizaba la crucifixión. Una pena de muerte aplicada por los romanos para los delincuentes y también para los disidentes del régimen autoritario que aplicaban sin ningún tipo de miramientos.

Sin entrar en la divinidad de Jesús, lo que parece claro es que en su momento el mensaje "anti-sistema" que predicaba en defensa de las personas más desfavorecidas, y su lucha por los derechos civiles no podía ser tolerado por Roma. El miedo del régimen establecido era que este mensaje pudiera provocar la rebelión del pueblo.

La primera parte de Risen es la más interesante cuando la narrativa se centra en el tribuno romano, y en su labor de investigación sin cuartel que le hace entrar en contradicciones personales. La segunda parte del filme ya no sorprende pues relata unos hechos ya tratados en otras cintas de esta misma temática. Quizás lo mas interesante de esta parte sea la incrustación del tribuno en el grupo de los apóstoles. Con ello se aporta una visión periférica de lo que allí estaba aconteciendo.

Joseph Fiennes nos deja una de las mejores interpretaciones de su carrera. Cautiva a la cámara en una brillante actuación. Tom Felton interpreta con acierto al ayudante del tribuno en la investigación. Cliff Curtis no transmite demasiado en el papel de Jesús. Maria Botto hace el papel de María Magdalena en una aseada actuación. El que si sobresale claramente es Peter Firth en su convincente trabajo encarnando al prefecto de Roma Poncio Pilatos.

María magdalena escuchando a Jesús

En el debe de la película nos encontramos con una deficiente iluminación. Inexplicable, y más teniendo como plató los parajes de las luminosas Malta y España.  

Risen es una cinta que mantiene en una buena parte de la misma una excelente tensión narrativa. Por lo tanto mi conclusión es positiva. En la primera parte nos traerá gratos recuerdos al mejor cine negro, aunque en la parte final se desinfla por momentos quizás debido al original planteamiento de salida.

Nota: 7/10.

Director: Kevin Reynolds.

Interpretes: Joseph Fiennes, Tom Felton,

Cliff Curtis, Maria Botto, Peter Firth.

Historia: Paul Aiello

Música: Roque Baños

Nacionalidad: Estados Unidos, España.

O los tres o ninguno

Película basada en hechos reales, narrada en forma de cuento universal con la intención de llegar al corazón del espectador más sensible. Comedia dramática que supone la opera prima de Kheiron y que cuenta la historia de su familia y de él mismo en su camino hacia la integración en el barrio de los poetas de París.

Producción francesa que relata el epopéyico viaje de huida de una familia desde una población del sur de Irán hasta la Francia del principio de la década del ochenta. También es un reflejo de la difícil integración que supuso para ellos encontrarse con un nuevo idioma y unas nuevas costumbres tras tener que dejar su patria por los problemas políticos acaecidos por aquel entonces. La caída del Sha y la llegada del ayatolá Jomeini al poder con la implantación de la República Islámica de Irán es el marco donde se desarrolla la historia.

El inicio del film nos recordará de modo inevitable a la maravillosa 'La vida es bella' de Roberto Begnini. En esta parte del filme hay toques cómicos a cuenta del encarcelamiento que sufre Hibat (el protagonista masculino de la cinta). Su ingreso en prisión se produjo por su activismo político en contra del régimen constituido en su país.

La primera parte de la película, quizás sea lo mejor de la misma por la manera que nos va introduciendo en la dura personalidad de Hibat y por la descripción de los problemas políticos de Irán. Se hacen referencias a la dura represión que ejercía la policía secreta iraní (Savak) y al durísimo sistema carcelario al que estaban sometidos los que desafiaban las directrices del régimen.

El Sha de Persia ridiculizado en el film

El primer y no menor error que nos encontramos con esta película, es el póster promocional que la distribuidora ha utilizado en su lanzamiento comercial ya que puede llevar a engaño. Si nos fijamos en él, nos da a entender que se trata de una comedia en la que puede resultar gracioso como una familia extranjera se integra en París. Incluso podría invitar a pensar que es un film para llevar a los niños al cine. Pero nada más lejos de la realidad.

En Los tres o ninguno nos encontramos con un drama con toques de comedia que además profundiza en la multiculturalidad francesa. Por lo tanto hablamos de un cine con trasfondo social, y con con vocación de activismo político. La distribuidora desvirtúa la visión del cineasta con esta engañosa carátula comercial.

En la segunda parte de la cinta se hace bastante hincapié en dicho activismo y como este puede transformar la realidad de la sociedad. La integración de la inmigración llegada a Francia es otro de los puntos fuertes de la cinta. Hablamos de una mirada contrapuesta a la visión cerrada que enarbola el Frente Nacional de Marine Le Pen.

Imagen mas realista de los protagonistas

Kheiron además  de director, guionista y protagonista (él es el niño de la historia real y interpreta a su padre en la ficción) se reserva el papel de Hibat al que interpreta de una manera bastante creíble. En el papel de Fereshteh (su esposa), nos encontramos a la portentosa actriz Leila Bekhti de origen argelino en un papel lleno de fuerza y que la confirma como una de las mejores actrices francesas del momento.

Recapitulando, nos encontramos ante un film siempre interesante pero que no se acaba de definir del todo en una dudosa apuesta por combinar drama, y comedia. 

Nota: 6/10.

P.D. La película ha sido premiada en el festival de Tokio con el premio especial del jurado y estuvo nominada en la categoría de mejor ópera prima en los premios César de la academia francesa.

Título original: Nous trois ou rein.

Director: Kheiron.

Interprètes: Kheiron, Leïla Bekhti.

Nacionalidad: Francia.

¿Por qué en la Tierra? (Película documental)

Un oasis de vida. Es la primera conclusión a la que llegamos tras ver este documental dirigido por Asunción Sánchez que a su vez es la directora del planetario de Madrid. Es en este recinto donde por el momento se puede ver esta producción española que narra con maestría José María del Río.

Nos encontramos ante un mediometraje documental de gran valor divulgativo que hará las delicias de los aficionados a la ciencia y a la astronomía. Nos explica porqué en La Tierra se dieron las condiciones para que floreciera la vida, y concluye que fueron una serie de múltiples casualidades las que posibilitaron este hecho.

La Luna es un factor clave en el desarrollo de la vida en nuestro planeta. El documental narra como se formó nuestro satélite al producirse un choque brutal de un astro planetario contra La Tierra. Este suceso dio lugar a la escisión de parte de material del planeta azul que después posibilitó la formación de nuestra luna. Este suceso fue una de las claves de la aparición de la vida pues le dio a nuestro planeta la inclinación correcta en su eje. Gracias a la formación de la luna se ralentizó la rotación de la tierra de unas 6 horas a las 24 actuales.

Impacto contra La Tierra

Otro de los puntos más interesantes del documental está cuando se hace hincapié en que la vida solo es posible si los planetas se encuentran en la zona de habitabilidad del sol. Es decir, la distancia correcta para que la temperatura sea la adecuada. Digamos que Mercurio se encuentra demasiado cerca del sol y Plutón demasiado lejos para poder albergar vida.

Esto es una evidencia pero el documental lanza una teoría vanguardista que es la siguiente: cuando el sol llegue a una de sus últimas etapas, evapore los mares y la temperatura suba de una manera extraordinaria la vida se extinguirá. Sin embargo, se abriría la posibilidad de que en en Marte pudiera surgir la vida por entrar en la zona de habitabilidad del sol. Será algo pasajero pues el sol tiene los días contados.

Atmósfera marciana

Durante un segmento de la producción, nos hablan de los procesos evolutivos que dieron lugar a la presencia de seres vivos en nuestro planeta.

El documental está desarrollado a través de ordenador y algunas de las fuentes de vídeo pertenecen a la agencia espacial europea (ESA). La filmación se exhibe en una sala de proyecciones en formato de cúpula que hace que las imágenes sean aún más espectaculares.

Visión panorámica de 360 grados

Excelente documento al que quizás le falte un poco de emoción desde el punto de vista artístico pero que sin duda nos hará entender el porqué de la vida en la Tierra.

Nota: 8/10

Calle Cloverfield 10

¡Bueno, bueno, bueno!

Seguimos de enhorabuena con las películas de misterio. Calle Cloverfield 10 es un thriller de suspense apocalíptico que llega de la mano del productor cinematográfico J.J.Abrams. La cinta supone una extraordinaria ópera prima en la dirección de Dan Trachtenberg.

En esta ocasión, la historia está basada en la experiencia de una joven que tras una discusión con su novio, tiene un accidente de coche y es rescatada por un extraño hombre. Este, la lleva a su peculiar casa para ofrecerle auxilio, y para protegerla de unos misteriosos sucesos que están ocurriendo en los exteriores de la ciudad.

Pues bien, lo primero que hay que destacar es el gran guión sobre el que descansa la producción y que fue obsequiado con un prestigioso premio internacional. Aunque el film se pensó como una segunda parte de 'Cloverfield' de Matt Reeves, se descarto la idea y funciona como trama absolutamente independiente. Ahora bien, hay que reconocer que la película bebe de la fuente de muchas otras.

La presentación nos recordará inevitablemente a 'Saw', el desarrollo a 'Blast from the past' y en general nos traerá reminiscencias a la mítica serie 'Cuentos asombrosos' de Steven Spielberg.

Hace poco manteníamos un debate en una publicación amiga, con respecto a si este tipo de coincidencias se podrían considerar un plagio, una inspiración o un abuso en los homenajes a otras cintas. Difícil cuestión, pues es complicado determinar si hay buena o mala fe o por el contrario nos podríamos encontrar ante algún tipo de paralelismo intelectual. Creo que el debate queda abierto por mucho tiempo.

"Acogedora" habitación para recibir a un huésped

Los monstruos tienen muchas formas. Esta es la leyenda que nos encontraremos en el póster promocional y que solo entenderemos una vez finalizada la proyección. Los productores además se encargaron de mantener el rodaje de la cinta en el máximo secreto posible con el fin de no recibir ningún tipo de spoiler. No seré yo el que los haga. 

Destacar el espectacular sonido y la impresionante fotografía. Es tal la nitidez de la misma que en algún primer plano de la actriz protagonista, se pueden apreciar las lentes de contacto que tiene en sus ojos. Es cierto que esto se produce por estar la cinta rodada en digital de alta definición, cosa que me parece una auténtica revolución silenciosa en el cine. No abogo por la desaparición del celuloide, porque creo que los dos formatos pueden coexistir y enfocarse a los distintos géneros cinematográficos eligiendo el más adecuado para cada ocasión.

En cambio, la deficiente utilización de la música, resta puntos al clima de la historia pues ocupa un lugar predominante en muchos momentos. En mi opinión, la música en el cine debe ser un acompañamiento para subrayar algunos momentos de la trama sin opacar a la narrativa. 

Poniendo orden

John Goodman nos regala la mejor interpretación de su carrera. Está espectacular, y su imponente presencia, desborda a John Gallagher J.R y a Mary Elizabeth Winstead que parecen unos aprendices de teatro.

La parte final de la película es la que más polémica va a generar en el espectador. Por eso, y sin hacer ningún tipo de "spoiler", creo que tendrá detractores y partidarios por el cambio de género cinematográfico que se produce. A mí, este cambio no me convenció pues rompe con la estructura del género principal de la trama.

Recapitulando ya, nos encontramos ante un gran debut en la dirección de Dan Trachtenberg que juega con el espectador y le convierte en una auténtica marioneta en sus manos. 

Nota: 9/10

El regalo (The Gift)

Peliculón sin ningún tipo de reservas. Mañana 18 de Marzo, llega a las salas de cine españolas esta producción que ya había pasado por el festival de cine de Sitges 2015. Allí Joel Edgerton ganó el premio al mejor actor por su extraordinaria interpretación en este film. Además es su debut en la dirección y también es productor y guionista de la película. Podríamos decir entonces que es la obra por la que ha apostado todo y lo ha conseguido todo.

La historia trata sobre una pareja que se traslada a vivir a otra ciudad en una nueva, apartada y preciosa casa en las afueras de la urbe. En una tarde de compras, la pareja se encuentra con un extraño amigo de Simon (Jason Bateman).  Este contacto les deja algo desconcertados. A partir de este momento, comienzan a suceder una serie de hechos concatenados que dejaré en el misterio para no desvelar la trama de la cinta. 

El inquietante amigo

Obra cumbre del género de suspense o suspenso - como diría el amigo y gran divulgador Alfredo García, (en Hispanoamérica se usa esta afección extraída del latín). La cinta consigue mantener la atmósfera de tensión y desasosiego durante los mas de 100 minutos que dura la acción. Además, logra el más difícil todavía y es que la trama consiga ir de menos a más, con un ritmo adecuado y siempre "in crescendo". La resolución de la propuesta es de una maestría impropia para un cineasta debutante. Sencillamente genial.

Algunas veces, este género está lleno de tópicos y sustos totalmente gratuitos, pero en El regalo no es así. Aquí nos encontramos ante un ejercicio de estilo y sutileza que nos reconforta. En definitiva nos lleva a los mejores patrones del cine clásico, y atemporal.

El film también nos habla de los errores cometidos en el pasado y sobre la posibilidad de redención que nos puede ofrecer la vida. La mentira y el engaño son otros temas sobre los que nos habla la cinta. Su sutil narrativa no nos abruma queriéndonos colocar un mensaje. Así no resta posibilidades de éxito artístico a la obra que es de lo que se trata en última instancia.

Si de interpretaciones hablamos, sorprende gratamente Jason Bateman (Juno) un actor normalmente "gris", pero que se destapa con una agresiva interpretación en la que saca una versión de sí mismo muy interesante. Rebeca Hall, en cambio, se limita a interpretar con corrección su papel de mujer asustada. Joel Edgerton como actor está impresionante en su interpretación. 

Matrimonio desconcertado

Un placer ir al cine y encontrarse con esta grata sorpresa. Aún así, me permito advertir que cuando leemos algo tan positivo sobre una obra, existe el peligro de generar demasiadas expectativas que luego puedan llevar a una decepción cuando visionemos la película. Por eso, os pediría que llevéis vuestro propio criterio al cine y tengáis la mente abierta para disfrutar de la película.

Yo solo puedo añadir que el film me mantuvo absolutamente absorto y pegado a la butaca. Además, cuando no miras el reloj ni una sola vez en todo el metraje, eso es señal, que lo que sucede al otro lado de la pantalla es un auténtico regalo. 

Nota: 10/10.

Cien años de perdón

Quién roba a un ladrón, tiene cien años de perdón. Sabio refrán que da título a esta producción hispano-argentina que esta arrasando en la taquilla de los cines españoles. Segundo rapapolvo a la banca tras la extraordinaria 'El desconocido' de Dani de la Torre que el año pasado dio tanto que hablar por su intensidad y su originalidad.

En esta ocasión, Daniel Calparsoro nos cuenta la historia de un atraco a la sede central de un banco en Valencia, "sede" a su vez de la corrupción política en España. Pero, ¿es una película de de atracos? Si y no, me explico. Realmente el asalto al banco es el marco que protege al lienzo, pero la "pintura" tiene como temática la denuncia de la corrupción política instalada en los últimos años en España.

Metafóricamente hablando, una de las posibles vías de salida que tienen los ladrones del banco son unas alcantarillas, cuando son las cloacas del estado, las que proporcionan a los ladrones la información necesaria para llevar a cabo el robo. El trato consiste en conseguir el contenido de una de las cajas de seguridad en la que hay una información que implica directamente al partido de turno en el poder.

Sede central del banco

El aficionado a las películas de robos y acción disfrutará de la cinta independientemente de la denuncia antes citada. Además la película logra mantener un buen pulso narrativo desde el principio por lo que mantendrá la tensión en el espectador en todo momento.

El cine español se mantiene en forma y tras las producciones de 'El niño' y la antes citada 'El desconocido', vuelve a competir en parámetros parecidos al cine de Hollywood. Sería bueno incidir por esta vía pues el resultado esta siendo bastante aceptable.

El cine argentino sigue en alza y coproduce la cinta aportando además un elenco de actores que enriquecen el film con la aparición destacada de Rodrigo de la Serna (Diarios de motocicleta) como jefe de los atracadores. También destacar al gran Luis Tosar en otra gran actuación como lugarteniente de Rodrigo. Raúl Arévalo sobresale esta vez en su papel como director de gabinete político intentando tapar la corrupción por todos los medios posibles.

Mención especial para Patricia Vico en su papel de histérica directora de la sucursal bancaria y que merece ya pasar a papeles protagonistas en el cine por su tremenda fuerza en la pantalla. En definitiva un extraordinario elenco que sin duda son lo mejor de esta producción.

Máxima tensión

Para concluir, diría que nos encontramos ante un cine-espectáculo de buena calidad al que quizás le falte algo de realismo para que nos podamos creer todo lo que está pasando en la sede bancaria. Una buena trama que a veces se queda en cosmética artificial, pero que nos proporciona momentos de moderada diversión.

Nota: 7/10.

Ranking de mis 10 directores de cine favoritos

La clave en una producción cinematográfica es la figura del director. Si además es el autor del guión o el creador de la historia, recae sobre él buena parte de la responsabilidad del éxito de la película.

En este ranking, solo estarán aquellos directores a los que tuve oportunidad de ver en una sala de cine.  Por ello, faltarán nombres del cine clásico de la talla de Orson Welles, John Ford, Howard Hawks o Luis Buñuel por citar solo algunos ejemplos.

Clint Eastwood como director, no tanto como actor que también, es el que mas me ha emocionado en las últimas dos décadas. En mi opinión, el gran salto de calidad, lo da con el oscarizado western 'Sin perdón' y a partir de entonces, no deja de realizar grandes obras como la exquisita 'Los puentes de Mádison'. 

Otras obras de Clint Eastwood que me "pellizcaron" fueron: 'Space Cawboys' por el cariño y ternura con la que trata a nuestros mayores o 'Gran Torino' donde se recrea en su propia maestría.

Sin mas preámbulos a continuación os dejo mi ranking:

1. Clint Eastwood

2. Anthony Minghella (por la eterna 'El paciente inglés)

3. Steven Spielberg (el gran constructor de sueños: 'E,T' - Indiana Jones - El color púrpura - La lista de Schindler, o la reciente 'El puente de los espías)

4. Alejandro Amenábar (talento puro en sus películas: 'Abre los ojos', 'Mar adentro' o el reciente cortometraje comercial 'Vale' donde demuestra como en pocos minutos se hace cine "delicatessen")

5. Woody Allen (maestro de maestros e inmensa filmografía, yo me quedo con 'Match Point')

6. Alejandro González Iñárritu (cine de vanguardia. 'Amores Perros' su obra maestra hasta la fecha)

7. Martin Scorsese (palabras mayores en el cine: 'Taxi Driver', 'Toro salvaje', 'Casino' o 'El lobo de Wall Street' solo algunos de sus ejemplos)

8. Fernando Leon de Aranoa ('Familia', 'Barrio', 'Los lunes al sol' o 'Princesas' son cine social en estado puro)

9. Francis Ford Coppola (Consiguió lo mas difícil. Con la segunda parte de la obra maestra 'El Padrino' no solo no defraudo, sino que para muchos superó en calidad a la primera parte)

10. Santiago Segura (mi lado heterorodoxo y "marciano" en la crítica cinéfila, pero me hizo reír a carcajadas con la saga de 'Torrente' y por eso me tomo esta licencia)

Y para terminar no me puedo despedir sin mencionar al mago del suspense, el maestro Alfred Hitchcock que estaría fuera de toda categoría por su inconfundible estilo y por la huella que dejo a lo largo de su carrera.

Y ahora os toca a vosotros: ¿cuál es vuestro director preferido? ¿cuál es vuestra película favorita?

In Memoriam

En la gala de entrega de los premios Oscars y también desde hace muchos años ya en la entrega de los premios Goya, se rinde homenaje a las personas relacionadas con el mundo del cine. Actores, actrices, directores, productores y otros profesionales que nos dejaron durante el año anterior son recordados.

Desde aquí, esta vez seré yo el que rinda homenaje y recuerdo a mi padre Rafael que dejó de estar con nosotros el pasado día dos de marzo. En principio pensé que este escrito serviría como despedida y cierre de este blog, pero después de meditarlo eso sería lo último que él quisiera siendo también él un gran amante del cine. Así que a partir de ahora, este humilde blog de cine y todas las películas que reseñe, estarán dedicadas a él y por supuesto a todas las personas que tengan a bien seguir su lectura. Os daré unas pinceladas que puedan resultar de interés para todos de lo que ha sido su vida.