Películas curiosas > "Robots: Historias de amor" de Isabella Willinger (Hi, A.I)

 Robots: Historias de amor dirigida por Isabella Willinger nos da pie para publicar una nueva entrada en la sección de Películas curiosas de Cine y críticas marcianas. Estrenada en España en el DocsBarcelona también la podemos encontrar en el catálogo de Filmin así como en otras páginas especializadas en cine documental. La cinta europea fue galardonada en el Max Ophüls Prize Film Festival como Mejor Película Documental.

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Cuando Chuck compra a Harmony, su futura pareja robot, poco se espera que le gusten los libros y conversar sobre temas trascendentales. En Japón, el robot Pepper llega al hogar de la abuela Sakurai para hacerle compañía, pero resultar ser bastante despistado… Los robots son las nuevas criaturas del planeta Tierra. ¿Estamos preparados para introducir la inteligencia artificial en nuestras vidas? El futuro ya está entre nosotros.

La narrativa de Robots: Historias de amor viene marcada por tres miradas distintas sobre la convivencia entre los robots y los humanos. La inteligencia artificial se presenta como sujeto omnisciente siendo el narrador indirecto. Esta es la primera historia en la que se intercalan distintos testimonios técnicos. Es la parte más débil de la película por su previsibilidad. De esta manera es como Willinger presenta la película desde enfoques diferentes. Hablamos de tres visiones superpuestas que conectan mejor con el espectador cuando se deja de lado la técnica y se humanizan las historias. Lo veremos más adelante.

Escribía Isaac Asimov en "Yo, Robot" (1950) que: "Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño". Esta es la premisa fundamental que trata de mostrar la cinta hoy reseñada. Pero también alerta de manera sutil de los peligros que la inteligencia artificial puede tener para la humanidad. Quizás más a nivel moral, que a nivel de toma de conciencia de los humanoides.

En la historia de amor de Chuck y Harmony la cinta gana enteros tanto en lo visual como en lo narrativo. ¿Se puede amar a un robot y no estar loco? Algo así le sucede a Chuck. Éste es un hombre estadounidense marcado por una infancia en la que ha sido sometido a la trata de personas. Su madre le prostituyó. Es un personaje tierno y a la vez excéntrico. Willinger trata de mostrar a través de él -recordad que el documental es ficcionado- la soledad en su máxima expresión. Para paliar ese aislamiento Chuck decide comprar un robot femenino que haga las veces de novia.

Harmony es un robot de compañía con rasgos muy sexualizados. Con ella, Chuck se irá de viaje, al cine y compartirán charlas filosóficas en mitad de la noche. Sin duda, es el segmento más llamativo de la filmación y cuenta también con secuencias exteriores de verdadera belleza visual. Esta es la parte más atractiva del filme tanto en la visualidad de sus imágenes, como en el mensaje melancólico que nos transmite.

Si alguna utilidad tienen estos robots es en otro segmento de la película cuando encontramos una aplicación bastante razonable. En Japón, a la abuela Sakurai le entregan a Pepper. La misión del androide es evitar el deterioro cognitivo de esta entrañable mujer.

Aquí Willinger muestra la parte más tierna de la filmación entrando a filosofar sobre el futuro de los octogenarios. La soledad, de nuevo, está muy presente en la narrativa aunque por el momento la familia de la abuela Sakurai permanece junto a ella. Cuando Pepper desarrolle mayor capacidad en su inteligencia artificial, hará las veces de mascota virtual con la capacidad para frenar el deterioro mental de su dueña. La sombra del Alzheimer está presente como un fantasma.

Robots: Historias de amor me ha parecido una propuesta atractiva que nos enfrenta de una manera indirecta con nuestros demonios interiores. La soledad, o el miedo a ella, aparece como el principal frente discursivo propuesto por Isa Willinger. Con el apoyo de importantes testimonios técnicos que se intercalan con las historias narradas, la filmación alemana ofrece más preguntas que respuestas. En definitiva, hablamos de un filme que esconde más capas de lo que aparenta su inofensiva superficie. 

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Este artículo, con diferente formato, también lo puedes leer en Cinemagavia

Título original: Hi, A.I. - Liebesgeschichten aus der Zukunft

Nacionalidad: Alemania

Año: 2019

Dirección: Isabella Willinger

Fotografía: Julian Krubasik

Reparto: Documental

Duración: 90 minutos

Hypnotic: Ben Affleck, una niña, los videntes y el circo

Hypnotic dirigida por Robert Rodriguez se estrena -sin saber la causa aún- en cines españoles el próximo día 27 de octubre de 2023. El filme es una coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido para el supuesto lucimiento de Ben Affleck que sigue en su loca carrera para acabar de destrozar su prestigio. 

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La historia: Danny (Ben Affleck) es un supuesto vidente o hipnótico que no sabe ver que la van a robar a su hija delante de sus narices. Y se la roban. El resto de la película es una reunión de videntes tratando de encontrar a la niña que también es otra vidente en un bucle infinito. O sea, un circo. 

La crítica: Muy mala. 

Nota: 0/10.

Nacionalidad: EE UU - Reino Unido

Género: Comedia involuntaria 

Dirección: Robert Rodriguez

Guion: Robert Rodriguez

Fotografía: Pablo Berron

Música: Rebel Rodriguez

Duración: 92 minutos

Reparto: Ben Affleck, Alice Braga,

JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey,

Jackie Earl Haley, William Fichtner.

Los asesinos de la luna: Scorsese se recrea en la ambición humana

Los asesinos de la luna dirigida por Martin Scorsese se estrena en cines españoles el día 20 de octubre de 2023. La cinta se presenta como uno de los eventos del año y está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone.

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La historia: A principios del siglo XX, el petróleo le dio una gran fortuna a la nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon y robaron tanto dinero Osage como pudieron antes de recurrir al asesinato. Película basada en una historia real y contada a través del romance entre Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) y Mollie Kyle (Lily Gladstone). 

La crítica: Es evidente que Scorsese tiene todas las cualidades técnicas que le han convertido en una leyenda viva del cine. También se podría decir que la naturaleza no le ha otorgado la capacidad de síntesis. Los 205 minutos utilizados para narrar la historia son una maravilla en la técnica de rodaje, profundos cuando se recrean en retratar la ambición humana, pero carecen de la emoción necesaria para mantener la tensión en tan extenso metraje. Hablamos, por tanto, de un filme académico, plúmbeo y  duro.

Los asesinos de la luna, basado en el best seller homónimo de David Grann, narra una historia estadounidense de crimen y racismo que habla del pasado de un país. Ambientada principalmente en la década de 1920, durante el ocaso del Viejo Oeste, es una crónica del acaparamiento de tierras y del surgimiento de una fuerza judicial con sus propios problemas inherentes. Nacía el FBI para tratar de controlar los desmanes de los forajidos y en el caso del retrato efectuado para investigar los crímenes que se estaban dando con la comunidad Osage. 

Los asesinos de la luna se sitúa en Oklahoma y trata la historia sobre las tretas urdidas por un cacique estadounidense (Robert De Niro), que utiliza a su sobrino (DiCaprio) para cometer o urdir crímenes con el fin de despojar a los nativos de sus terrenos ricos en petróleo. También le busca esposa (Lily Gladstone) con el fin de unir familias, recursos y posibles herencias. El tema está tratado con grandilocuencia y rigor, pero Scorsese cae en subtramas más propias de una telenovela que de un filme que aparenta más de lo que lleva dentro. De hecho, en Pozos de ambición se trataba la temática de los yacimientos petrolíferos y a mi parecer de manera más seria, más solida y con un metraje de 150 minutos que parece a todas luces más apropiado para un tema tan árido y poco sentimental. 

Di Caprio y Gladstone, como Ernest y Molly, cumplen a la perfección con su trabajo interpretando a una pareja que no tienen nada en común. Para Ernest todo consiste en un matrimonio de conveniencia y de escalada social. Scorsese, sitúa el drama como una historia de traición personal en la que el personaje masculino usa la confianza y el amor para seguir queriendo más: más tierra, más dinero, más influencia. Y luego está el personaje interpretado por De Niro con excelencia. También  es cierto que es el mismo personaje que hemos visto ya muchas veces: un mafioso, un magnate o un capo que utiliza todo y a todos para aumentar su poder. Un personaje, por tanto, estereotipado y sin factor sorpresa. 

La parte técnica de la cinta es sobresaliente y junto con el reparto la coloca como favorita para recibir un buen puñado de nominaciones a los Oscars. Todo brilla: música, diseño de producción, fotografía, vestuario, exteriores e interiores y un casting óptimo digno de quitarse el sombrero.

Los asesinos de la luna me ha parecido un filme muy trabajado, sólido en su planteamiento narrativo, pero totalmente inocuo en emoción. Y el cine sin emoción, y por supuesto sin distracción, es menos cine por muy buena técnica que consiga o por más minutos de metraje que se añadan. Una película, por tanto, más para la crítica que para el público que al final es el que paga la entrada. Y si bien Scorsese se ha ganado un sitio en el olimpo de los mejores cineastas de la historia, quizás se haya olvidado de que las historias se escriben para el disfrute de los espectadores y no para la vanagloria personal -cameo final incluido- de un círculo muy reducido de intelectuales cuyo tiempo ha pasado. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Killers of the Flower Moon

Género: Thriller-western-drama

Dirección: Martin Scorsese

Guion: Martin Scorsese, Eric Roth

Música: Robbie Robertson

Fotografía: Rodrigo Prieto

Duración: 205 minutos

Reparto: Leonardo DiCaprio,

Robert De Niro, Jesse Plemons, 

Lily Gladstone, Tantoo Cardinal,

John Lithgow, Brendan Fraser,

Cara Jade Myers, JaNae Collins.

Sound of Freedom (Sonido de libertad): viaje al centro de la depravación humana

Sound of Freedom dirigida por Alejandro Monteverde se estrena en cines españoles el día 11 de octubre de 2023. La cinta ha sido un fenómeno en la taquilla estadounidense y ha extendido su éxito a nivel internacional con grandes cifras en países de Europa, Oceanía, África, Asia y América Latina.

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La historia: Tim Ballard (Jim Caviezel), ex agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos, lo deja todo para luchar contra la  trata de niños. A partir de ese momento combate contra tramas mafiosas que raptan niños con los que comercian en redes sexuales. Ballard, tras apresar a cientos de pederastas, se centra ahora en la búsqueda de dos hermanos que han sido secuestrados por una mujer sin ningún tipo de escrúpulos. 

La crítica: Lo más curioso, y quizás lo mejor, de la cinta estadounidense pasa por la secuencia postcréditos en la que Jim Caviezel hace un alegato en contra de la trata de niños. También rinde un homenaje al cine como medio para transmitir mensajes y pide que cada uno de nosotros pongamos nuestro granito de arena en divulgar el obsceno tráfico de menores que se está llevando a cabo para satisfacer los deseos de miles de pederastas.

Sound of Freedom se estrenó en Estados Unidos el 4 de julio y su taquilla ya supera los 185 millones de dólares de recaudación, multiplicando por 8 los datos de la primera semana, y alcanzando el número 1 de la taquilla en varias ocasiones. Con estas cifras, la película independiente ha superado en algunos momentos en la cartelera a Elemental, "Indiana Jones y el dial del destino" y a "Misión imposible: Sentencia Mortal. 

La narración es dura, triste y emotiva. Los primeros minutos ponen los pelos de punta cuando se ofrecen imágenes reales -captadas por cámaras de comercios- de cómo los niños son secuestrados a la fuerza e introducidos en vehículos sin que los padres vuelvan a saber de ellos con carácter general. ¿Se imaginan ir paseando con sus hijos o que estos estén jugando con sus amigos y se los roben como si fueran una bicicleta? Y se acabó. No los volverán a ver. Niños, y de manera principal niñas, de entre séis y catorce años que además van a ser utilizadas en prostíbulos. Serán violadas entre ocho y diez veces al día por gente que paga mucho por ello y después volverán a ser vendidos a otras mafias en otros lugares. 

El filme a medio camino ente el cine de denuncia social y el thriller de acción deja un sabor muy amargo en la retina del espectador, pero es absolutamente necesario. La narración omite las secuencias de las violaciones a los niños aunque sin embargo las sugiere. Creo que hubiera sido insoportable ver en el cine una secuencia completa de una violación a un niño, pero quizás hubiera sido el mazazo definitivo para que los poderes públicos tomen acciones inmediatas, urgentes y prioritarias para acabar con un tráfico que solo en Estados Unidos mueve billones de dólares según el cineasta. 

Jim Caviezel se mete con corrección en papel de Tim Ballard aunque denota una cierta inexpresividad gestual. Un personaje basado en la historial real del agente que ha conseguido rescatar a unos 200 niños de la explotación sexual. El resto del reparto lo conforman, Yessica Borroto, en el personaje de una ex reina de belleza que se hace pasar por una agente de talentos para raptar a los niños. Cuando Ballard viaja a Colombia, a intentar seguir la pista de los dos hermanos desaparecidos se pone en contacto con un ex convicto llamado Vampiro que compra niños y los libera. Papel interpretado con garra por Bill Camp. Los niños, como siempre, hacen buenos papeles sirviéndose de la inocencia de su edad. 

En la parte técnica destaca la música de Javier Navarrete que otorga emoción a la narración. También destacan los exteriores rodados en la selva. Sin embargo, tanto los interiores como la puesta en escena tienen un cierto aire a telefilme de sobremesa y bajan con ello la nota. 

Sound of Freedom es un filme necesario, potente y desgarrador. Sin embargo, nos hallamos ante una composición con bastantes carencias técnicas y narrativas. Funciona mejor como una película de denuncia social, que como un thriller de acción. Esto se demuestra en los últimos treinta minutos del metraje que son muy prescindibles. En cualquier caso demos por válida la apuesta si a través de ella tomamos conciencia de la nueva esclavitud del siglo XXI que está conformado por niños que son explotados por mafias sin escrúpulos. Nos hallamos, por tanto, ante un viaje al centro de la depravación humana que nos hace pensar en si somos prescindibles como especie ante tanto mal causado. No pregunten por Dios, porque ni está, ni se le espera. 

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama

Dirección: Alejandro Monteverde

Guion: Alejandro Monteverde

Música: Javier Navarrete

Fotografía: Gorka Gómez Andreu

Duración: 125 minutos

Reparto: Jim Caviezel, Mira Sorvino,

Bill Camp, José Zúñiga, Kurt Fuller,

Eduardo Verástegui, Gerardo Taracena, 

Scott Haze, Alanna De La Rossa.

Chinas: Arantxa Echevarría retrata la identidad china en España

Chinas dirigida por Arantxa Echevarría se estrena en cines españoles el próximo día 6 de octubre de 2023. La película es una producción de Tvtec, La Zona y Hojalata Films. Cuenta con la participación de RTVE, Orange, Movistar + y Eitb.

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La historia: Lucía, Xiang y Claudia, tres chicas de origen chino viven en Madrid pero con realidades opuestas. Lucía es hija de inmigrantes chinos, tiene 9 años y su sueño es celebrar su cumpleaños en un Burger King. Sus padres, que no hablan español y trabajan más de 14 horas en el bazar para darles un futuro a sus hijas, piensan que eso son cosas de españoles. Claudia, la hermana adolescente de Lucía, está empezando a vivir en primera persona las diferencias culturales y el racismo entre adolescentes. Xiang es una niña adoptada de 9 años que comienza a hacerse preguntas sobre su familia biológica. Las tres historias se cruzan y se separan, pero mantienen un objetivo común: la búsqueda de la identidad.

La crítica: Tras su muy notable ópera prima Carmen y Lola y la aséptica La familia perfecta, Arantxa Echevarría vuelve al rigor narrativo con una película profunda, sensible y bien estructurada. No es una cinta redonda, pero si me ha parecido un retrato casi perfecto sobre la identidad que tratan de encontrar las segundas generaciones de chinos nacidos en España. La historia aunque recoge la idiosincrasia ibérica, toma aire universal pudiendo identificar los patrones de la inmigración china en cualquier lugar del mundo. Una comunidad, la china, que no acaba de integrarse con tanta normalidad como lo han hecho la árabe, la rumana o la latina que por motivos de lengua común y costumbres lo ha hecho de manera muy rápida. También se recoge con alta sensibilidad y empatía el asunto de las adopciones de menores.

Chinas recupera el naturalismo del debut de la cineasta. La manera de rodar, encuadrar y planificar las secuencias otorgan un estilo muy especial y reconocible. El libreto lleva dos líneas narrativas sobre dos familias que se encuentran para hilar la trama. Sin embargo, encuentro demasiados rodeos o parsimonia en la narración expresados en 120 minutos que se sienten excesivos para lograr un ritmo narrativo adecuado. 

Lo mejor de la película es la radiografía social de los niños y jóvenes chinos que se encuentran en la encrucijada de mantener las tradiciones familiares y tratar a su vez de compaginar esta circunstancia con los usos sociales que se dan en los países a los que emigraron. Las primeras generaciones parecen que dan por perdida esa adaptación a la cultura y se refugian en sus negocios. Otra curiosidad que refleja Echevarría con acierto son los diversos racismos que se dan entre los más jóvenes. Llama la atención la secuencia de racismo en bucle entre españoles, árabes y chinos y especialmente como entre estas dos últimas comunidades se increpan llamándose ente ellos "moros" o "chinos" a modo de insulto. También se observa una reflexión autocrítica, que nos atañe a todos, cuando vamos a un "chino" y no le llamamos tienda o bazar. Ese aire de superioridad o desdén se refleja muy bien en una secuencia en la que unas adolescentes entran en el bazar regentado por la madre de una de las niñas protagonistas. Allí humillan a la propietaria vaciándole una lata de cerveza en su cabeza. Por desgracia este hecho no es aislado y este tipo de incidentes son el pan nuestro de cada día.

En el reparto de Chinas destacan Leonor Watling y Pablo Molinero que hacen de los padres de la niña china adoptada. Son de clase alta y no consiguen que Xiang se adapte a su vida escolar y familiar. Los problemas de identidad aparecen con fuerza. La cría no se siente ni china, ni española y permanece abstraída del mundo. Por otro lado, está la familia de Lucía, la otra niña china, que son de clase popular y han renunciado a relacionarse con la comunidad española al margen de su tienda. Pero tanto la niña, como su hermana adolescente Claudia no parecen tener problemas de identidad y luchan por integrarse en la sociedad. Muy interesante la mirada sobre la juventud actual, de manera especial en las barriadas periféricas urbanas. A través de Claudia observamos las conductas límites relacionadas con las drogas, el alcohol y la sexualidad en las que las chicas adoptan roles que creíamos ya superados. Buenas interpretaciones de Shiman Yang, Ella Qiu y Xinyl Ye con la colaboración destacada de Carolina Yuste como una joven que entabla amistad con la pequeña Lucía. 

En la parte técnica destaca la perfecta elección de los espacios urbanos donde se desarrolla la acción. Hablamos de un retrato hiperrealista del barrio de Usera en Madrid. La zona es un crisol de culturas en la que conviven españoles, chinos y latinoamericanos con más o menos fortuna. Los interiores también son poderosos reflejando la humildad o el lujo según sea la familia retratada. La música no aporta demasiado a la historia y por tanto no se enfatizan las emociones. 

Chinas es un notable retrato sobre la identidad y sobre como las segundas generaciones de inmigrantes chinos no acaban de encontrar su sitio en la sociedad. Por otro lado, la película tiene un final abierto o inconcluso que no acaba de funcionar de manera cinematográfica. Falta emoción y cerrar de manera redonda. No obstante y a pesar de las pegas del exceso de metraje y de un final agridulce, la película es sólida cuando refleja la relación de ruptura entre la tradición y la adaptación a los nuevos tiempos.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Arantxa Echevarría

Música: Marina Herlop

Fotografía: Pilar Sánchez Díaz

Duración: 120 minutos

Reparto: Leonor Watling, Ella Qiu,

Carolina Yuste, Pablo Molinero,

Shiman Yang, Xinyi Ye.