El cuarto pasajero: Álex de la Iglesia viaja en BlaBlaCar

El cuarto pasajero dirigida por Álex de la Iglesia se estrena en cines españoles el próximo día 28 de octubre. La cinta es una producción de Telecinco Cinema y Pokeepsie Films que se unen de nuevo tras el éxito de crítica y público de 'Perfectos Desconocidos'. Participan también Mediaset España y Movistar Plus+. 

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La historia: España, 2022. Julián (Alberto San Juan) está separado, en la crisis de los cuarenta y se encuentra en el peor momento económico de su vida. Entonces decide recurrir a una aplicación para compartir su coche con todo aquel que necesite viajar a Madrid. Una de esas personas es Lorena, (Blanca Suárez) una joven que se ha vuelto muy asidua al coche de Julián ya que viaja a menudo a la capital. Pero este nuevo viaje será...

La crítica: Ritmo, ritmo y ritmo. Eso es lo esencial en la comedia y Álex de la Iglesia se lo sabe. No duda, por tanto, en aplicar esta lógica narrativa en una road-movie de vértigo. Tras el batacazo comercial de "Veneciafrenia" el cineasta español vuelve por sus fueros como ya hiciera en El bar o en Perfectos desconocidos. El cuarto pasajero es notable.

Las películas para ser originales deben adaptarse a los nuevos usos sociales. Supongo que sabéis qué es BlaBlaCar pero si alguien anda perdido lo explico de manera breve. Hablamos de una aplicación que pone en contacto a conductores que publican sus trayectos previstos en la web (o en la app) y a viajeros que desean sumarse a esos viajes, de modo que comparten los gastos de gasolina para ahorrar en el desplazamiento. El propietario del coche sufraga parte del desplazamiento y el pasajero, por su parte, paga menos de lo que le supondría el mismo viaje en transporte público. 100 millones de usuarios en Brasil o 7 millones en España dan cuenta del éxito y el cine no se podía quedar ajeno a esto.

¿Pero qué sucede cuando cuatro desconocidos comparten un trayecto en el que de manera inevitable tienen que conversar? Pues que surge la vida: amistades, romances, accidentes o algo más. El cuarto pasajero guioniza las posibles situaciones para hacer parodia. Las secuencias de la gasolinera, el hotel y la caravana estructuran la película en presentación, desarrollo y desenlace con maestría en los tiempos narrativos.

Alberto San Juan interpreta a Julián. Divorciado, desempleado y en plena crisis está convencido de que sigue siendo sensato, razonable y estable. Todos los fines de semana sube a Bilbao desde Madrid con Lorena. O… ¿lo hace por ella y solo por ella? Y es que ha decidido que en este viaje se le declarará. Pero una mala elección de los compañeros de viaje hará saltar sus planes por los aires con lo sale a la luz parte de una personalidad oculta hasta ese momento del metraje.

Blanca Suárez interpreta a Lorena. La vemos con San Juan en la imagen superior. Dos intérpretes, por cierto, con mucho recorrido y a los que por diferentes razones se les ha tratado de forma injusta. Lorena es una chica romántica, familiar y tirando a formal. A veces demasiado siendo el único personaje que no se dedica a hacer el cabra. Le gusta creer que es muy espontánea, pero se siente bastante a gusto en su zona de confort. Todos los fines de semana sube en el coche de Julián, para viajar de Bilbao a Madrid, para estar con sus padres, o… ¿será una excusa para ir con Julián?

Ernesto Alterio interpreta con gracia a Rodrigo en un personaje que consigue causar la carcajada varias veces por ser tan caradura. Dice ser muchas cosas: pedagogo (le encanta enseñar a todos cómo deben actuar en su vida), emprendedor (es un volcán en empresas solidarias) y psicólogo (tiene consejos sentimentales para todo el que quiera escucharle). Y, sobre todo, le encanta llevar la contraria, así que a diferencia de Julián él baja de Bilbao a Madrid. Cerca de él, el concepto “zona de confort” carece de sentido y pondrá en aprietos al resto de los pasajeros. 

Rubén Cortada cumple de manera correcta con su papel. Es el cuarto pasajero en subir al coche y trata de ligar con Lorena ante un Julián que comienza a perder los papeles. No quiere llamar la atención y ha accedido a la aplicación con el perfil de su primo, para poder llegar a su destino, tranquilo y relajado. Así que si el “plan” de Julián descarrila, ahí estará él para “consolar” a Lorena que le utiliza para dar celos a Julián. 

En los aspectos técnicos destacaría de nuevo a Rita Noriega en la dirección de fotografía. Como ya hacía en Cerdita se vuelve a tomar la molestia de saber iluminar las tomas nocturnas dando una lección a aquellos que confunden los planos oscuros con crear suspense. Incluso una comedia entre negra y romántica como la hoy reseñada debe ser muy cuidadosa con los aspectos adicionales y en eso Álex de la Iglesia suele acertar. 

El cuarto pasajero me ha parecido una comedia notable, divertida y con un gran ritmo narrativo. Álex de la Iglesia consigue conjugar una historia alocada con algo tan cotidiano como son los viajes compartidos. El cineasta nos muestra a personajes embarcados en un viaje por la vida como si esta fuese una carretera; algo de comedia clásica; y, sobre todo, un reparto que lo ha dado todo para que el público disfrute con ello. Nos entrega, por tanto, una película llena de ingenio, de acción, de comedia, de romanticismo y todo ello con su sello personal. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: España

Dirección: Álex de la Iglesia

Guion: Álex de la Iglesia

Fotografía: Rita Noriega

Música: Roque Baños

Duración: 115 minutos

Reparto: Alberto San Juan, 

Blanca Suárez, Ernesto Alterio,

Rubén Cortada, Carlos Areces,

Jaime Ordóñez, Carolo Ruiz

Halloween: El final: a ver si es verdad

Halloween: El final dirigida por David Gordon Green se ha estrenado por desgracia en muchas salas de cine españolas y mundiales el día 14 de octubre. La enésima parte de la saga interminable se sitúa cuatro años después de los acontecimientos de Halloween Kills y será la última ocasión en la que Jamie Lee Curtis interprete a su personaje. Siempre dice la misma monserga, así que ni caso. La veremos en 20 secuelas más con posibles títulos que serían algo así como "Hallowen: "La despechá", "Hallowen: El último perreo", "Hallowen: Los viajes del Imserso" o "Hallowen: Los asesinos del reggaetón". 

La historia: Después de 45 años, la franquicia de terror más pesada de la historia del cine llega a su final (no me creo nada de nada). Laurie Strode se enfrenta de nuevo y por última vez a la encarnación del mal, Michael Myers. Será una confrontación decisiva en la que ella se pondrá muy brava mientras se parte la caja de que le sigan pagando por hacer lo mismo de siempre en un bucle infinito.

La crítica: Insufrible. 

Nota: 0/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: David Gordon Green

Guion: David Gordon Green

Fotografía: Michael Simmonds

Música: Daniel Davies

Duración: 111 minutos

Reparto: Jamie Lee Curtis,

Will Patton, Andi Matichak,

Rohan Campbell, Nick Castle

Cerdita: pueblo pequeño, infierno grande

Cerdita dirigida por Carlota Pereda se estrena en cines españoles el próximo día 14 de octubre. La coproducción hispano - francesa tuvo el honor de tener su premiere internacional en el Festival de Sundance y ha llegado hasta el Festival de Sitges 2022 con una enorme expectación. 

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La historia: No a todo el mundo le gusta el verano. Para Sara solo significa tener que soportar los juicios, las burlas y el acoso diario de las chicas de su pueblo. Su único refugio es la piscina a la hora de la siesta, con el pueblo muerto a la hora de más calor, cuando puede estar sola, en paz. O eso quiere creer. Pero todo cambiará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras ante la mirada perpleja de la propia joven. 

La crítica: Con guion original de la propia Carlota Pereda y rodada en Extremadura, la película está inspirada en el corto homónimo que obtuvo un gran éxito dentro y fuera de nuestras fronteras. Cerdita es un thriller de género lleno de tensión, venganza, miedo y polvo que se acerca al cine terror de una forma original sin clichés, sin sustos gratuitos y enmarcado en una narrativa marcada por el suspense que consigue mantener en vilo al espectador en sus 90 minutos. 

La cinta, enmarcada en el noir rural ibérico, nos habla sobre la tortura psicológica o bullying que sufre Sara y que no acaba cuando ésta llega a casa. Hoy en día y a través de las redes sociales este tipo de acoso puede llegar a ser infinito en el tiempo. Se requieren medidas urgentes por parte de los poderes públicos para acabar con esta lacra y esto solo puede suceder con el endurecimiento de los castigos penales y económicos contra los acosadores o en su caso contra los padres de los mismos. 

En Cerdita, un misterioso desconocido llega al pueblo y secuestra a sus acosadoras. Por fin alguien la ha defendido aunque pronto las cosa se le va de las manos. Sara lo ve todo: la sangre, el barro, el cuchillo, la furgoneta en la que se las ha llevado. Y el desconocido la ha visto a ella. Un pacto sin palabras: no se van a traicionar. Ahora es cómplice. Una serie de sucesos sacuden al pueblo, y pronto empieza la investigación. La guardia civil hace muchas preguntas, la gente del pueblo sospecha y acusa mientras las ancianas cuchichean. Y lo que es peor: el desconocido ronda a Sara, atento a todos sus movimientos. El calor es sofocante, la presión la ahoga y la culpa la atormenta. Solo ella puede salvar a las chicas, pero... ¿lo hará?

Laura Galán es una actriz estupenda. Realiza una gran interpretación del personaje de Sara y se postula como una de las posibles nominadas al Goya a mejor actriz revelación. Su personaje es solitario, inseguro y callado. Ella pasa el verano enganchada al teléfono y ayudando a su padre en la carnicería familiar. Su único momento de felicidad es cuando baja a la piscina natural, mientras el pueblo duerme la siesta. Lástima que allí encuentre a su peor pesadilla. Nadie llama a Sara por su nombre: las otras adolescentes para burlarse de su obesidad la llaman cerda o cerdita. Pueblo pequeño, infierno grande.

Richard Holmes interpreta con solvencia al inquieto secuestrador. El vengador. ¿Un ángel del karma o un psicópata? Un lobo. El auténtico outsider. El lado oscuro de nuestras pulsiones y un personaje muy bien creado con el que la cineasta juega con el espectador como si este fuera una marioneta. En el mejor sentido de este término. Incluso logra por momentos que te identifiques con él.

Carmen Machi realiza una buena interpretación como la madre de Sara. Trabaja en la carnicería y en la casa. Agotamiento, dolores crónicos y falta de sueño. Cansada de no llegar a fin de mes y de no tener ocio. Ella, como toda madre, quiere lo mejor para su hija pero tener una hija adolescente es enfrentarse a un misterio insondable aún no resuelto por la ciencia. Un personaje ambivalente que tendrá algunas claves importantes. 

El resto del reparto coral está formado por un buen elenco que cubren con firmeza a los personajes que pululan por el pueblo. Rodada en Villanueva de la Vera con una excelente dirección de fotografía por parte de Rita Noriega que se toma la molestia de saber iluminar las tomas nocturnas dando una lección a aquellos que confunden los planos oscuros o ciegos para crear suspense. La luminosidad del verano extremeño es también retratado de manera bella sin menoscabar el misterio. 

Cerdita es un alegato contra el acoso pero sobre todo es una buena película. Con algunas secuencias de fuerte violencia y un inteligente cierre circular, Carlota Pereda nos regala una ópera prima de primer nivel que nos habla sobre como el cine no puede cambiar el mundo, pero sí te ofrece la oportunidad de ver la vida desde otra perspectiva. La cinta es una oda a lo diferente en todos los sentidos. También en lo moral. Sara no es delgada, no es simpática, no es sexy. Pero es humana y, en su humanidad, consigue aceptarse y ser libre. En definitiva, la cinta viene para quedarse. Su originalidad es su mayor valor. Viene a dejarnos su huella y a cambiar las reglas del juego del cine de terror (e incluso del cine social) y se une a esta nueva ola de denuncia en el cine pero tratado desde el punto de vista del thriller, el suspense y el mismo terror que inspira nuestra sociedad.

Nota: 8/10. 

P.D. El día 11 de octubre, visitaron @El_Hormiguero las protagonistas de #CerditaLaPelícula. Carmen Machi y @lauragalanm se divirtieron en el programa charlando sobre la impactante ópera prima de @Carlota_Pereda.

Nacionalidad: España-Francia

Dirección: Carlota Pereda

Guion: Carlota Pereda

Música: Olivier Arson

Fotografía: Rita Noriega

Duración: 90 minutos

Reparto: Laura Galán, Claudia Salas,

Camille Aguilar, Pilar Castro,

Carmen Machi, José Pastor,

Chema del Barco, Richard Holmes

El vasco: huida a la Argentina

El vasco dirigida por Jabi Elortegi se estrena en cines españoles el próximo día 6 de octubre. La coproducción hispano - argentina ha inaugurado la Sección Zinemira del Festival Internacional del Cine de San Sebastián de 2022. 

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La historia: Mikel, tras una ruptura amorosa y en el paro, está harto de su vida en el País Vasco. Necesita cambiar de aires, por lo que acepta la invitación de un pariente lejano, con el que sólo ha tenido contacto por redes sociales, para ir a Argentina a trabajar en la empresa que este está montando. Sin embargo, no tardará en darse cuenta de que su familiar no tiene nada que ofrecerle. Para su sorpresa, el pueblo está habitado por descendientes vascos que no han pisado la tierra de sus antepasados, pero viven sus tradiciones con pasión y de manera idealizada. Ni diez mil kilómetros lo han alejado de su casa.

La crítica: El cine hispano - argentino vivió un cierto romance que fue interrumpido tras la aparición de la pandemia de Covid-19. Recuerdo interesantes títulos como  'El secreto de sus ojos', 'El baile de la victoria', 'En fuera de juego', 'Truman' o 'Mi obra maestra' entre otras muchas. El vasco retoma esa senda de colaboración entre Argentina y España por lo que estamos de enhorabuena. Eso, por supuesto, sin prejuzgar el resultado.

El filme trata un tema local como es la cultura vasca y la visión que tienen de ellas los descendientes vascos de la emigración, pero que al mismo tiempo es un tema fácilmente reconocible en todo el mundo. Para ello se utiliza la comedia - dramática que ni como concepto contrapuesto, ni como género es algo que me apasione en exceso. Sin embargo, la narrativa centrada en los orígenes o en la vuelta a ellos siempre me ha llamado la atención. Hay muchos ejemplos en el cine o en la literatura. 

De hecho, El vasco bebe con fuerza de las situaciones que se crearon en la gran película argentina 'El ciudadano ilustre'. La citada cinta nos hablaba de el regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al barrio donde nos criamos o el reencuentro con viejos amigos de la escuela. Elortegi invierte los términos y utiliza al personaje principal como una vuelta a los orígenes de los habitantes del pueblo argentino pero sin tener que viajar de manera física hacia la Euskadi que aman y recuerdan. El filme destila nostalgia. 

Cuando Mikel llega a Argentina se encuentra con algo inesperado: ha llegado a una pequeña Euskadi habitada por argentinos que nunca han pisado la tierra de sus antepasados, pero la viven con pasión y de manera idealizada. Por supuesto, desde el momento en el que el joven pisa la Casa Vasca, se convierte en una especie de “súper vasco” para toda la colonia. A partir de ese instante, la comunidad recurre a Mikel para resolver dudas sobre literatura vasca, le piden consejos y le meten en un aprieto tras otro para diversión del espectador. 

Joseba Usabiaga (Handia) interpreta de manera un tanto seca al personaje de Mikel. Un personaje que se caracteriza por la ruptura con su pareja que le ha llegado en el peor momento, si es que hay alguno bueno para eso. Se quedó sin trabajo por culpa de la pandemia y está desesperado. La decisión de irse a Argentina es más una huida hacia adelante que algo bien meditado. Mikel lamentará la decisión tomada desde el momento en el que ponga un pie allí.

Eduardo Blanco (Luna de Avellaneda, El hijo de la novia) es uno de los actores argentinos más reconocidos, tanto a nivel local como fuera. Está sobresaliente en una interpretación que es lo mejor de la película. Su personaje es un caradura argentino que está obsesionado con sus raíces vascas. Él vive al día, en un mundo paralelo que se ha creado a sí mismo. Es un perdedor que no es consciente de serlo, y si no fuera tan entrañable, cualquiera querría matarlo. En el fondo, si bien tiene una actitud completamente egoísta, no deja de ser un niño grande sin malicia pero que arrastra a Mikel a una aventura demasiado incierta.

Itziar Aizpuru (El guardián invisible) interpreta al personaje más entrañable de la película. Dolores ha pasado ya de los ochenta y vive en estado semi-vegetal desde el día en que conoció la noticia de la muerte de su hermano -el abuelo de Mikel- hace más de diez años. Cuando despierta lo hace con energía, alegría y carácter. No duda en reñir a su inventado hermano Juanito o plantarle cara a la monja franquista que cree que es su hija.

Inés Efrón (Amorosa soledad, El niño pez) interpreta de manera graciosa a Inés. Ella se fue a Buenos Aires atraída por un sueño que nunca se cumplió. Ya está de vuelta en su pueblo, cuidando a la abuela Dolores. Pero nada en ella es negativismo, al contrario, siempre es positiva. Lo contrario a Mikel. Inician un noviazgo que pone el lado romántico al filme. 

El vasco es una cinta liviana, correcta y entretenida aunque en sus entrañas guarda demasiados clichés. Se cuida mucho la fotografía, los planos, la paleta de colores y todos los ambientes en los que se desarrolla la historia. El espectador percibe de esta forma la diferencia tonal y estética entre el interior de Argentina y la costa vasca. En definitiva, la cinta puede funcionar en ambos lados del charco, ya que aunque trata temas locales, los sentimientos y las situaciones narradas son tan universales como es el amor a una tierra, a la familia o a la pareja. 

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: España - Argentina

Dirección: Jabi Elortegi

Guion: Arantxa Cuesta, Xabi Zabaleta

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Jon Sangroniz

Duración: 100 minutos

Reparto: Joseba Usabiaga, 

Itziar Aizpuru, Eduardo Blanco, 

Inés Efrón, Laura Oliva

Modelo 77: la cárcel como reflejo de un país

Modelo 77, la nueva película de Alberto Rodríguez protagonizada por Miguel Herrán y Javier Gutiérrez, se ha estrenado en cines españoles el día 23 de septiembre. La cinta española ha obtenido muy buena recepción en su paso por el reciente Festival de San Sebastián en la que participó en la Sección Oficial pero fuera de concurso. 

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La historia: Barcelona 1977. Manuel (Miguel Herrán), un joven contable, es encarcelado por desfalco en la cárcel Modelo. Se enfrenta a una posible pena de prisión de entre seis y ocho años. Su compañero de celda, Pino (Javier Gutiérrez), se une a un grupo de presos comunes para reclamar una amnistía. A partir de ahí se inicia un conflicto por la libertad que hará tambalear al sistema penitenciario español.

La crítica: Para poder explicar con autoridad una película es importante situarla de manera adecuada en su contexto temporal, social, cultural y geográfico de la época retratada. Tras caer la dictadura franquista en la España de 1977 se aprobó un real decreto-ley mediante que aprobaba el derecho a huelga. El 1 de abril, España derogó el artículo 2 de la Ley de Prensa e Imprenta por el que se puso fin a la censura, las sanciones y los secuestros de los periódicos españoles. Mientras tanto, el 14 de mayo, Juan de Borbón renunció a los derechos dinásticos de la Corona de España en favor de su hijo, Juan Carlos I. Ese mismo año también se aprobaría la ley de la Amnistía y se celebrarían las primeras elecciones tras la dictadura. 

Modelo 77 refleja con crudeza como los avances sociales que se vivían en España no se veían trasladados al sistema penitenciario que vivía una realidad paralela como si el franquismo siguiera existiendo y los presos eran tratados como alimañas. Se amnistió a los presos políticos pero el resto de presos, los autodenominados sociales, seguían en las cárceles sometidos a unas condiciones de vida durísimas, de insalubridad y regidos por un sistema penitenciario donde los derechos humanos brillaban por su ausencia. Hablamos de gente encarcelada por delitos miserables, robos menores o leyes obsoletas. Alberto Rodríguez refleja de manera notable lo que estaba sucediendo en las cárceles españolas y a su vez nos regala una gran historia basada en las protestas en forma de motines y automutilaciones que se produjeron en la cárcel.  

La cinta es poderosa, conecta de inmediato con el espectador y consigue un excelente ritmo narrativo en sus dos horas de duración que transcurren en un suspiro. Modelo 77 es un filme de personajes dentro de un espacio cerrado, de personajes que tienen que creer y hacer un largo viaje interior para conocerse y para conseguir unos objetivos muy complejos. Presos de toda índole trabajarán en un proyecto común, de manera desesperada y sin pensar en las consecuencias. El proyecto era democratizar la prisión creando la asociación COPEL que coordinó las exigencias de los derechos humanos de los presos. Hay una secuencia rodada de manera coral impresionante. Se retrata como en la Modelo de Barcelona 200 personas se cortaron las venas a la vez para llamar la atención sobre su situación. En Carabanchel, otros presos pasaron días enteros subidos a los tejados protestando y pidiendo justicia. Casi todas las cárceles del país terminaron rebelándose contra el sistema e incluso hubo motines coordinados entre distintas prisiones. En la imagen inferior observamos el motín de la Modelo reflejado en el filme y a los presos encaramados a su tejado. 

Como comentaba antes, la película se sustenta en sus personajes, en las historias que les suceden y cómo las enfrentan. Para ello se cuenta con un plantel de actores que repasaremos a través de sus personajes. 

Manuel es interpretado por un gran Miguel Herrán. Su personaje es el hijo de una humilde familia de emigrantes andaluces. Es inteligente, obstinado, generoso, contestatario y soberbio. Tiene alma de obrero y gustos de burgués. Un advenedizo. Un desclasado carismático. Sus aspiraciones en la vida son muy altas. Él no es como los que le rodean; ese es el concepto que tiene de sí mismo. Pronto deja su barrio para buscarse la vida en la ciudad. Sabe relacionarse con la gente; es perspicaz. Educado. Con el tiempo consigue un trabajo como administrativo en una importante empresa y una buena posición social. Ha alcanzado su sueño. Y se olvida de sus orígenes. De quién es, de dónde viene. Intentando mantener su nueva vida, roba dinero de la caja de su empresa. En ningún caso piensa que vayan a cogerlo. Es más listo que nadie. O eso piensa. Pero ocurre. Cuando el país celebra el fin de una larga dictadura y Manuel acaricia el sueño de la democracia, lo encarcelan. Sin fecha de juicio y con una condena muy larga para los hechos que se le imputan, observaremos de manera hipnótica como se las apaña en las entrañas de la prisión.

Pino, interpretado con la solvencia habitual de Javier Gutiérrez es seco, poco hablador, lapidario y honesto. Es el compañero de celda de Manuel. Un preso taleguero y de largo historial carcelario. Un lobo estepario. Solitario. Escéptico y descreído. Lleva más tiempo entre rejas que fuera. Ha pasado por el reformatorio y por muchas cárceles del país. Se ha forjado la leyenda de hombre duro y violento, la única forma de sobrevivir en un lugar donde impera la ley de la selva. Hace años que vive de espaldas al mundo, a la cárcel y a los presos. Aislado de todo. En su burbuja. No cree en nada. En nadie. Su futuro no existe. Colecciona camisas de tipo fantasía y alquila novelas de ciencia ficción que se sabe de memoria, un negocio que le sirve como tapadera para vender hachís en la cárcel con la connivencia silenciosa de los funcionarios. Pero la presencia de Manuel le hará cambiar en una acertada evolución de su personaje que acaba conectando con el espectador. 

En el resto del reparto destacan Jesús Carroza y Fernando Tejero que representan a dos veteranos presos que trafican, trapichean y se mueven por la prisión como Pedro por su casa. Una cárcel muy bien recreada en los aspectos técnicos aunque la oscura fotografía resta puntos al conjunto de artes adicionales como son vestuario, maquillaje o dirección artística. Para dar algo de calidez al filme se introduce a un personaje femenino que va a ver a Manuel de manera regular con el que iniciará un romance a través de cartas y visitas. Interpretada de manera correcta por Catalina Sopelana nos hallamos ante un personaje dulce, inteligente y sensible. A veces cándida e ingenua, como la joven que es, representa la luz, la esperanza o el deseo sexual. Una mirada libre de prejuicios. Lucía es moderna y está cargada de futuro. En construcción. Como el país.

Modelo 77 me ha parecido un drama carcelario de primer nivel. Los reclusos de la época pese a no conseguir todos sus objetivos, sí lograron que la visión de lo que debía ser una prisión cambiara. Las diferentes reformas de las leyes han evolucionado de tal forma que ha cambiado el concepto de cárcel como centro de reclusión y castigo permanente a centro de reeducación con el objetivo de la reinserción social. Un cambio de paradigma que nos hace mejores como sociedad y que sin los hechos que acaecieron en la historia narrada hubieran sido imposibles o al menos muy diferentes. La suma de todos los elementos expuestos en la crítica: buenas interpretaciones, buena narrativa, buen reflejo del contexto social y la propia premisa hacen que la cinta sea una experiencia muy potente. Se muestra la cárcel como reflejo de un país y como el espejo de una sociedad que no podía mirar para otro lado en la defensa de los derechos humanos de todos sus ciudadanos. 

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: España

Dirección: Alberto Rodríguez

Guion: Alberto Rodríguez

Música: Julio de la Rosa

Fotografía: Alex Catalán

Duración: 120 minutos

Reparto: Miguel Herrán,

Javier Gutiérrez, Jesús Carroza,

Fernando Tejero, Catalina Sopelana,

Xavi Sáez, Alfonso Lara, Javier Lago

La invitación: el efecto melatonina

La invitación dirigida por Jessica M. Thompson se ha estrenado en cines españoles el día 16 de septiembre. El filme estadounidense se adscribe al horror gótico pero más bien lo que consigue es ser un verdadero horror de película. Primer sarnazo de la nueva temporada de estrenos. 

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La historia: Tiene tela la historia. Evie (Nathalie Emmanuel) se hace un test de ADN y encuentra a un primo millonario que la invita a visitar la campiña inglesa para conocer a su nueva familia. Allí es seducida por otro millonario que tiene una casa encantada y además es vampiro. Al menos no hay niña poseída que interrumpa el romance de esta singular pareja. Ni perro. 

La crítica: Dormir es muy sano. Los médicos suelen prohibir las grasas saturadas, el tabaco, las drogas, el alcohol, hacer deporte en las horas de máxima calor e incluso prohíben tener sexo mientras te está dando un infarto. Pero nunca he escuchado a un médico que prohíba dormir a pierna suelta. De hecho, cuando el insomnio se convierte en un problema suelen recetar somníferos o algún suplemento con melatonina. Se conoce que las películas de sobremesa de Antena 3 aún no entran en la lista de medicamentos admitidos. Creo que se está realizando un ensayo con 30 humanos que se dividen en dos grupos. 15 de ellos ven películas de Antena 3 hasta quedarse dormidos y otros 15 toman Diazepam pinchado en dosis altas. Los primeros resultados son sorprendentes. Mientras el primer grupo tarda de media 8 minutos en quedarse inconscientes, los que tomaron el Diazepam tardaron de media 40 minutos en quedarse fritos. Ahora vamos con la cosa que llamo el "efecto melatonina". 

La melatonina es una hormona que se encuentra en nuestro organismo cuya función es regular nuestro reloj biológico. Éste marca el ciclo sueño-vigilia o ritmo circadiano, abarcando 24 horas divididas en 8 horas de sueño y 16 horas de vigilia.  La regulación de la secreción de melatonina se ve afectada por la luz, por la noche aumenta la cantidad de melatonina en nuestro cuerpo provocándonos el sueño y por el día disminuye su concentración lo que nos hace despertarnos. Hoy en día, (un servidor las ha tomado por periodos), existen unas gotas de dicha sustancia que te hacen conciliar el sueño de manera óptima. Pero si por lo que sea no las tienen a mano, recomiendo con fervor ver La invitación pues el sueño y el "efecto melatonina" estará asegurado con el colosal bodrio reseñado.

Pero el verdadero mérito de La invitación con respecto al sueño es que pretende ser una película de terror, y a pesar de los típicos sustitos con subida de volumen incluidos, es prácticamente imposible no quedarse dormido ante el sopor que produce el desarrollo de la trama. La mamarrachada presenciada es como una nueva versión de "La cenicienta" mezclada con "50 sombras de Grey" y aderezadas con vampiros tipo "Crepúsculo" que dan patadas a lo "Matrix". O sea para pedir pena de prisión para la cineasta, para el guionista y para el productor que supongo iba muy colocado cuando leyó el guion.

Si algo hubiera que salvar de la película, que tampoco es obligatorio, sería la interpretación de Nathalie Emmanuel. Me gusta especialmente cuando se pone brava y comienza a dar hostias a todo lo que se mueve en la casa encantada de los cojones. La angelical joven clava estacas, da patadas, araña, muerde y esas cosas que se hacen cuando te atacan los vampiros. Todo esto sucede en los últimos 15 minutos del metraje supongo que para ir despertando al personal y abandonen la sala de cine tras el sueñecito reparador que produce el engendro reseñado. 

El diseño de producción merece una mención especial. Por malo, claro. Nos hallamos ante una casa encantada que se supone tiene 500 años de antigüedad pero se aprecia de manera clara que es una construcción nueva. Además, el diseño de los interiores es como de Ikea pero en plan gótico. O sea un desastre sin pies ni cabeza. Lo de la cabeza es literal pues en la primera secuencia de la película nos regalan el spoiler más grande que recuerdo en los últimos años: una joven secuestrada por esta secta de vampiros tarados se suicida ahorcándose y su cabeza rueda por los suelos. Entonces ya sabemos casi todo lo que va a pasar con la nueva muchacha secuestrada por lo que el "efecto melatonina" es ya imparable. 

La invitación, como ya habréis deducido, me ha parecido una obra cumbre del séptimo arte. Y es que hablamos de una película delicada, profunda y sutil que llena de esperanza nuestros afligidos corazones. Admirado ante el libreto creado por Blair Butler y por la propia cineasta solo puedo quitarme el sombrero ante tan magna obra de arte. Por último, solo cabe señalar que el final abierto nos hace pensar que puede haber una segunda parte de la que se rumorea que puede ser adquirida por Antena 3. La cadena de televisión española, que tanto ha hecho por la conciliación del sueño, la emitiría un domingo a eso de las cuatro de la tarde para facilitar la siesta de sus televidentes que ya afilan los dientes como vampiros en celo. 

Nota: 💤💤💤💤💤

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Jessica M. Thompson

Guion: Jessica M. Thompson, Blair Butler

Música: Dara Taylor

Fotografía: Autumn Eakin

Duración: 105 minutos

Reparto: Nathalie Emmanuel,

Stephanie Corneliussen, Thomas Doherty, Sean Pertwee, Hugh Skinner

El perro al ver la peli (no me pude resistir)

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La vida padre: Karra Elejalde brilla en otra comedia a la vasca

La vida padre dirigida por Joaquín Mazón se estrena en cines españoles el próximo día 16 de septiembre. La cinta española, distribuida por Paramount Pictures, acaba de celebrar su Première mundial en el Museo Guggenheim de Bilbao coincidiendo con el 25 aniversario de éste. 

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La historia: Mikel (Enric Auquer) es un chef que busca su tercera estrella Michelín en un reconocido restaurante de la ciudad de Bilbao. Cuando le quedan días para la visita del inspector de la guía gastronómica y para la presencia de los reyes de España que desean degustar su cocina, se presenta su padre (Karra Elejalde), una alocado cocinero que lleva 30 años con amnesia pegándose la vida padre por el mundo. 

La crítica: En la línea de lo que buscó Manuel Gómez Pereira con la alta comedia española y con un  ingenioso guion escrito por Joaquín Oristrell, La vida padre mantiene la sonrisa del espectador durante los 90 minutos clásicos de toda la vida con un inteligente metraje. 

Con la premisa de personajes con amnesia se han realizado comedias de enredo de alto nivel pues las situaciones creadas por este tipo de personajes son originales o surrealistas. Podríamos recordar Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 50 First Dates o Dude, Where’s My Car? en el cine estadounidense o fuera de la comedia 'Recuerda' (1945), de Alfred Hitchcock o 'El maquinista', de Brad Anderson.

La cinta española parte de esa premisa con Juan, el padre de Mikel, reapareciendo tras 30 años en paradero desconocido. Él regresa perturbado por el extraño síndrome de Korsakoff, un trastorno cerebral que le tiene convencido de que el mundo sigue donde lo dejó antes de desaparecer del mapa. Es decir, en 1990: cuando era un joven treintañero feliz, vitalista y socarrón, dueño del mejor asador de la ciudad. A partir de ahí, el cineasta Joaquín Mazón nos lleva al Bilbao de 2022 para poner patas arriba la vida del joven chef que no da crédito a lo que ocurre.

Y es que Mikel Inchausti es el cocinero de moda en Bilbao. Joven, estiloso y refinado como su restaurante, Ataria, su cocina innovadora y vanguardista le ha convertido en firme candidato a la tercera estrella Michelin. Un sueño que rápidamente se ha convertido en un verdadero infierno: el estrés diario por alcanzar la gloria gastronómica ha reducido toda su vida a una única obsesión. Mikel no tiene vida, no tiene amigos, no tiene novia. Solo tiene su trabajo y ahora a su locuelo padre metido en su cocina. 

Protagonizada por los ganadores del Goya, Karra Elejalde ("Ocho Apellidos Vascos", "Mientras dure la guerra") y Enric Auquer ("Quien a hierro mata", "Vida Perfecta"), el reparto se completa con Megan Montaner ("30 monedas", "Señor, dame paciencia") personaje con el que se introduce la comedia romántica en forma de neuróloga que investiga el padecimiento del personaje principal. La película está realizada para el total lucimiento de Elejalde que brilla de manera muy especial en este tipo de comedias a la vasca. El polifacético interprete se encuentra en plena forma y se mueve como pez en el agua con este tipo de personajes excéntricos. 

En el apartado técnico destacan las tomas en exteriores con una óptima elección de los espacios. Bilbao, y su transformación urbanística, aparece como otro personaje más del filme con vistas de distintas partes de la ciudad: restaurantes, el Mercado de la Ribera, las calles del Casco Viejo o las panorámicas del Guggenheim invitan a visitar la urbe. En una secuencia superpuesta observamos la diferencia entre el Bilbao industrial de épocas pasadas y la ciudad de hoy en día que ha conseguido ser un polo turístico del norte de España. 

La vida padre es una amena comedia con tintes gastronómicos que deja buen sabor de boca a la salida del cine. Elegante en su diseño de producción, solo cabe achacarle un poco más de mordiente en su narrativa y en las interpretaciones de los secundarios. En definitiva, hablamos de una cinta entretenida y adscrita al cine de evasión que tan bien viene para sacar de paseo a nuestras endorfinas. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Joaquín Mazón

Guion: Joaquín Oristrell

Música: Vicente Ortiz

Fotografía: Ángel Iguacel

Duración: 90 minutos

Reparto: Karra Elejalde, Enric Auquer,

Megan Montaner, Lander Otaola,

Maribel Salas, Gorka Aguinagalde

¡Qué maravilloso es el cine! Cuando llegue septiembre

Bienvenidos a la temporada 2022-2023 de Cine y críticas marcianas en la que seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras españolas. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes, de las entrevistas y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y espero que la magia del cine nos acompañe con la ilusión de volver a disfrutar del séptimo arte. 

Tras un verano con abrumadoras olas de calor y temperaturas extremas en Europa no serán pocos los que se hayan consolado con la idea del respiro de  Cuando llegue septiembre. De esta manera y ya entrados en el mes en curso he pensado en comenzar recordando un clásico de la comedia estadounidense. Por aquel entonces, Hollywood mantenía un tórrido romance con la bella Italia. Fueron muchas las películas rodadas en este país. Vacaciones en Roma y Quo Vadis fueron el inicio del llamado Hollywood sobre el Tíber. Este fue el nombre con el que se conocía a una serie de películas de éxito rodadas en Italia durante los años 50 y 60. A estos dos films le siguieron Guerra y paz, Ben-Hur o Cleopatra. 

Cuando llegue septiembre dirigida por Robert Mulligan narra la historia del empresario newyorkino, Robert Talbot (Rock Hudson) que se reserva el noveno mes del año para pasar sus vacaciones en su villa de la Riviera italiana. Allí le espera su amante italiana, Lisa (Gina Lollobrigida), con la esperanza de que su amado le pida matrimonio. Pero cansada de esperar decide casarse con un inglés llamado Spencer en el mes de julio. La sorpresa llega cuando Robert decide adelantar dos meses su viaje. Es así como se encuentra a Lisa con los preparativos de la boda y su lujosa villa convertida en un hotel por su pícaro mayordomo que aprovecha las ausencias de su jefe para alquilar las habitaciones de la mansión.  

La parte central del filme se rodó en los alrededores de la Villa Guglielmina que de manera posterior se convirtió en el Eden Hotel. En la cinta observamos los jardines por los que antes paseaban los miembros de la realeza. La recreación en estudio de los interiores nos llevan a entender la importancia de la dirección de arte en el cine. El espectáculo visual es único. Las vistas a las playas italianas y la belleza de los protagonistas se realzan aún más con la utilización del Cinemascope. Además tendremos la luminosidad única del Technicolor. 

Gina Lollobrigida luce bellísima con el vestuario diseñado para ella por Morton Haack. Tenía por aquel entonces 34 años y se encontraba en su máximo esplendor. Su personaje, muy a lo Sophia Loren, es un compendio de lo que se conocía como la mujer brava italiana. Por su parte, Rock Hudson, que entre 1961 y 1971 rodó casi 20 películas como protagonista, desde la comedia de salón hasta el thriller de espías, contaba con 36 años y lucía igualmente esplendoroso. Su personaje, lleno de tópicos, funciona como un tiro y entre ambos interpretes eclipsan las subtramas que se plantean en el relato. En el resto del elenco destacan los personajes formado por un grupo de jóvenes (incluidos Bobby Darin y Joel Gray ) que tienen sus ojos puestos en las bellas jóvenes del "hotel" y que no dejan de provocar complicaciones adicionales para impedir que los protagonistas disfruten de su nido de amor en la costa. El clásico enredo en la narración y el típico chico pierde a chica haciendo lo imposible para recuperarla conforman un guion sencillo pero agradable. 

Filmada en locaciones originales en Milán, Portofino, Ostia, Roma y en el Lago di Albano, la cinta brilla sobre todo con la belleza del propio espectáculo del verano en Italia. Desde la perspectiva actual, la historia se puede sentir frívola o anquilosada, pero las grabaciones siguen siendo un festín para los ojos, el elenco es de primera clase y el estilo es tan liviano que nos lleva en volandas hasta el final. 

Cuando llegue septiembre representa la inocencia cinematográfica de la época dorada de Hollywood con un ritmo fresco, una puesta en escena deliciosa y dos interpretes que fueron estrellas del séptimo arte. 

Disponible en Filmin o en edición Blu-ray que se presenta en el clásico estuche amaray azul con una relación de aspecto de 2.35:1, con franjas en la parte superior e inferior, y una imagen no remasterizada que luce un buen contraste a nivel visual. Se mantiene el nivel de grano original con una buena definición con colores brillantes y luminosos. 

Robert Mulligan, en definitiva, supo adaptar su visión del cine a lo que el público demandaba en su momento y tras casi un año de rodaje en Italia nos dejó una divertida comedia que no debe sacarse de su contexto. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Robert Mulligan

Guion: Stanley Shapiro, Maurice Richlin

Música: Hans J. Salter

Fotografía: William H. Daniels

Duración: 110 minutos

Reparto: Rock Hudson,

Gina Lollobrigida, Sandra Dee, 

Bobby Darin, Walter Slezak,

Joel Grey, Rossana Rory

Aquí, ahora y así (Estrella Damm): el sentido de las vacaciones

Aquí, ahora y así dirigido por Nacho Gayán es el cortometraje elegido por la cervecera Estrella Damm para alumbrar este verano de 2022. Con esta pequeña cápsula de cine me quiero despedir de vosotros hasta el próximo mes de septiembre. Cine y críticas marcianas volverá con fuerzas renovadas para afrontar una segunda parte del año que se presenta intensa e interesante para los cinéfilos. 

En el corto vemos la historia de Éric, un joven que decide emprender un viaje de autodescubrimiento, y en el que vivirá experiencias que nunca hubiera pensado. La aventura transcurre en bicicleta entre enclaves de ensueño, desde Los Pirineos hasta llegar al Mediterráneo, su destino final. La fotografía de portada pertenece a la localidad de Roses, puerta natural del Cap de Creus donde acaba el vídeo. 

Aquí, ahora y así también es el nombre de la banda sonora escrita por Rigoberta Bandini. El tema ya está disponible en plataformas musicales y tiene gran repercusión en las redes sociales. Escrita por Bandini −quien ya compuso e interpretó A ver que pasa, el tema de la campaña de 2021−, está interpretada por Santi Balmes que vuelve a poner su voz, tal como hizo en “Otra manera de vivir” (2019)− y Clara Viñals (Renaldo & Clara).

El corto, con un final sorprendente, nos habla del sentido de las vacaciones y sobre todo de la necesidad de desconectar de lo que hacemos de manera habitual. Eric es un joven panadero que decide emprender un viaje de nuevas amistades −a la vez que retomará otras ya olvidadas– y tiene una duración de apenas tres minutos que son suficientes para narrar una bonita historia. ¡Felices vacaciones y hasta septiembre!

La memoria de un asesino: Liam Neeson y Mónica Bellucci se lían (a tiros)

La memoria de un asesino dirigida por Martin Campbell se estrena en cines españoles el próximo día 22 de julio. Lo nuevo del director de ‘Casino Royale’, ‘Goldeneye’ o ‘La máscara del zorro’ es un thriller psicológico con grandes dosis de acción. 

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La historia: Alex Lewis (Liam Neeson) es un asesino profesional de gran reputación y discreción. Cuando se niega a completar un trabajo que viola su código moral, debe cazar y matar rápidamente a las personas que lo contrataron antes de que ellos y el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) lo encuentren primero. Alex está hecho para la venganza, pero, con una memoria que comienza a fallar, se ve obligado a cuestionar cada una de sus acciones, desdibujando la línea entre el bien y el mal. Pero quien maneja los hilos en la ciudad es la rica agente inmobiliaria Davana Sealman (Mónica Bellucci) que no dudará un instante en mandar matar a quien se interponga en sus negocios. 

La crítica: El actor británico Liam Neeson que alcanzó la gloria con filmes como La lista de Schindler, La misión o Michael Collins viene coqueteando con su retirada desde el año 2015 pero no deja de hundir su reputación con películas de venganzas, vulgar acción o simples productos que le acarreen una jubilación dorada a sus setenta años recién cumplidos. 

La memoria de un asesino es un filme palomitero, de muchos tiros y con suficiente acción para evadir al espectador de la subida de la inflación o de sus propios demonios personales. La cinta se basa en el thriller belga La memoria del asesino, estrenado en 2003, que a su vez fue la adaptación cinematográfica del libro homónimo del autor Jef Geeraerts de 1985.

Con un ritmo trepidante, Campbell narra la historia de un asesino que lidia con el lento inicio de la enfermedad de Alzhéimer. Éste se ve envuelto en un asunto sucio de una familia poderosa involucrada en un caso de prostitución infantil y la búsqueda del FBI para derribarlo. Un caso clásico del juego del ratón y el gato aderezado con algo de cine fronterizo localizado en El Paso. Se añade una femme fatale y producto listo. No hay mucho más. 

El trabajo de Liam Neeson es correcto aunque su aspecto envejecido no otorga realismo a su personaje. Un tal Alex Lewis que es un asesino a sueldo y que se encuentra en una encrucijada emocional, física y profesional. Le persigue por toda la ciudad el agente Vincent Serra interpretado con firmeza por un buen Guy Pearce. Respecto a Mónica Bellucci sigue cumpliendo con sus típicos papeles de mujer explosiva y en esta ocasión interpreta a una villana sin escrúpulos en un personaje que cumple con todos los estereotipos del género. 

En los aspectos técnicos destaca el manejo experto de Campbell en las escenas de acción, como ha demostrado con dos de las películas recientes de James Bond (Casino Royale, el debut de Daniel Craig como 007, y Goldeneye, con Pierce Brosnan como 007). Los espacios escenográficos oscilan entre sucios garajes, pasillos estrechos y los amplios espacios de un vestíbulo lleno de vidrio y escaleras mecánicas que nos llevan al lujoso apartamento de la villana del relato.

La memoria de un asesino me ha parecido una película entretenida pero olvidable por reiterativa tanto en sus personajes, como en la propia historia narrada. Introducir un tema tan delicado como el del Alzhéimer en un filme palomitero me parece una osadía innecesaria. En definitiva, hablamos de una cinta cuyo mayor valor añadido es observar como el paso del tiempo también afecta a las estrellas de cine lo que en cierta manera los iguala al común de los mortales. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Martin Campbell

Guion: Dario Scardapane

Fotografía: David Tattersall

Música: Rupert Parkes

Duración: 115 minutos

Reparto: Liam Neeson, Guy Pearce, 

Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold

Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson