Wildland dirigida por Jeanette Nordahl se estrena en cines españoles el próximo día 23 de abril. El thriller danés tuvo su premiere mundial en el Festival de Berlín y compitió en Sección Oficial en el Festival de Gijón. Tras su paso por los cines la cinta se podrá ver en la plataforma digital Filmin.
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La historia: Después de la trágica muerte de su madre en un accidente de coche, la joven Ida se muda a vivir con su tía Bodil y sus tres primos mayores. Ha encontrado un refugio de protección en el que es querida y respetada. Pero Ida no tardará en descubrir que la violencia, el crimen y la crueldad no son para nada ajenos a su "angelical" familia.
La crítica:Wildland nos habla de manera principal sobre la familia aunque la retratada no sea para nada ejemplar ya que se mantiene a flote gracias al dinero de la droga y el crimen. La cinta se presenta con un flashback en el cual la joven Ida, de 17 años, pierde a su madre. La acogida en casa de su tía y de sus tres primos sustenta el primer tercio de la narrativa que se presenta alejada del melodrama apostando por el minimalismo tanto en lo escénico como en lo sentimental. No obstante, el filme atrapa desde el primer momento con un cierto magnetismo por conocer a los extraños seres que habitan en el nuevo hogar de Ida. Nada es lo que parece.
La ópera prima de la directora Jeanette Nordahl muestra cómo el amor familiar y la violencia pueden entrelazarse peligrosamente. En el segundo tercio del filme se produce un crimen accidental en el que se ven involucrados los tres primos varones y la joven Ida. La respuesta de la matriarca ante los acontecimientos es clara: la familia que asesina unida permanece unida. A partir de ese momento la narración se adentra en el noir nórdico con cierta frialdad pero despertando la curiosidad en ver como se resuelve la trama y se atan los hilos. Ahora es todo lo que parece.
En el último tercio del filme se afronta un cierto sprint final que contrasta con la pausa en la presentación y en el desarrollo dramático. De hecho, durante muchos momentos del ajustado metraje la directora debutante se recrea en la vida cotidiana de esta singular familia. Con ecos de títulos como “Animal Kingdom” o incluso al filme italiano Sole, podríamos hablar de un nuevo movimiento que se acercaría al Neorrealismo y que si se cuida puede tener cierto recorrido al menos en Europa.
En el reparto nos encontramos con una sólida Sidse Babett Knudsen (“Borgen”) que interpreta a la matriarca de la familia. Se trata de una mujer que mueve como marionetas a sus hijos pero no sabe muy bien que hacer con la joven huérfana llegada al hogar. La muchacha es interpretada de manera notable por la joven actriz danesa Sandra Guldberg Kampp. Ida, su personaje, es el círculo concéntrico del filme apareciendo en casi todos los planos de la película. Ella es la representación de la soledad y de la pérdida en un mundo hostil para una joven en plena transformación personal. El resto del reparto, compuesto por los personajes de los primos de Ida, cumplen con corrección con los roles de tres jóvenes marginales dedicados a los encargos mafiosos que les encomienda su madre.
En la parte técnica la filmación es bastante plana y solo sería reseñable la correcta dirección de arte en interiores. Por otro lado, los exteriores que no aportan nada significativo a la narración han sido rodados en Særslev, Bogense, Otterup y Søndersø en la isla danesa de Fyn.
En conclusión, Wildland me ha parecido un aseado thriller en el que destacaría la buena construcción del personaje de Ida. A través de sus ojos observamos la pérdida de la inocencia de una joven que no encuentra su lugar en el mundo. Jeanette Nordahl se recrea en su ópera prima en el funcionamiento de las dinámicas familiares y juega con el subgénero de los clanes mafiosos integrándolos en la trama. No se trata, por tanto, de reinventar o subvertir la mezcla de géneros, sino más bien de adaptarlos a lo que realmente quiere contar la directora apoyada en un irregular libreto de la escritora Ingeborg Topsøe. En definitiva, hablamos de una cinta poliédrica que sin ser brillante deja buenas sensaciones y con ganas de ver como se desarrollan los próximos proyectos de la cineasta danesa.
Manhattan sin salida dirigida por Brian Kirk llega a las salas de cine en España el próximo día 21 de febrero. El filme es un thriller policial con el que el cineasta irlandés salta a la gran pantalla tras una prolífica carrera en televisión (‘Juego de tronos’, Broadwalk Empire’, ‘Penny Dreadful’).
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La historia: Davis (Chadwick Boseman) es un policía de Nueva York al que se le asigna el caso de ocho compañeros que acaban de morir a manos de unos ladrones. Con la ayuda de su compañera Frankie (Sienna Miller), diseña el plan desesperado pero ingenioso de cerrar Manhattan, para que él y su equipo puedan atrapar a los dos delincuentes que ya han sido identificados como los autores del crimen.
La crítica: Si en Underwater lo primero que llamaba la atención era su pésima fotografía nocturna, en Manhattan sin salida nos encontramos ante una especie de redención con la perfecta iluminación nocturna llevada a cabo por Paul Cameron. Sin embargo, y aunque esto sea anecdótico, la orgía de crímenes traductores ha vuelto a reaparecer. Hemos pasado del "21 bridges" original (21 puentes), al "Nueva York sin salida" usado en Hispanoamérica. En España y en otro dramático giro final se ha bautizado como Manhattan sin salida.Mola ser traductor de cine. Y lo paradójico del caso es que el título que más se aproxima a lo que sucede en el filme es precisamente este último. El mayor problema es que tenemos una misma película con tres títulos distintos con la confusión que esto conlleva para el espectador. Esto es lo que hay y no va a cambiar.
La película comienza de una manera trepidante cuando el agente Davis espeta: "Hay 21 puentes para entrar y salir de Manhattan. Cerradlos. Tres ríos. Cerradlos. Cuatro túneles. Bloqueadlos. Detened todos los trenes que salgan de la isla. Y revisad los metros. Luego, inundaremos la isla con policías". Con este diálogo el guionista ya ha cumplido la función de crear una premisa sencilla y fácil de entender con la que enganchar al espectador. Buena presentación, buena fotografía...pero, ¿hay película?
Como diría mi padre, Manhattan sin salida es una película de tiros. De muchos tiros diría yo. El caso es que la clásica premisa del gato en busca del ratón sigue funcionando y más en una urbe tan cinematográfica como es Nueva York. En el filme se cumple a la perfección la definición de "ciudad narrativa" como nos explicaba la profesora Gloria Camarero en la última entrevista que concedió a Cine y críticas marcianas. Es decir, aquella cuyas calles, plazas, puentes y edificaciones más o menos reconocidas y reconocibles no sólo aparecen en el filme, sino que se integran en el relato cinematográfico y se convierten en un personaje más de la trama para ser signo y significado de la acción.
No hablamos en ningún caso de una gran película -más bien es mediocre o predecible en su narrativa- pero sin embargo su gran factura técnica y el buen uso de los recursos cinematográficos hacen de Manhattan sin salida un filme entretenido y resultón.
Tras su éxito con Black Panther, el actor estadounidense Chadwick Boseman carga con el mayor peso del reparto en una interpretación seca pero brillante. Recuerda de alguna manera a Denzel Whasington y podría asumir su relevo entre los actores más cotizados de raza negra. Su personaje se centra en la línea, a veces delgada, que existe entre la policía y el delincuente, que cobra vida mediante personajes con matices no lineales. Davis comienza su búsqueda imparable en modo cazador, pero a medida que se acerca a su víctima y comienza a comprender el contexto de sus acciones, experimenta una evolución sorprendente.
Le acompaña en el reparto una muy inexpresiva Sienna Miller (American Woman) que me recuerda en versión femenina al actor español Quim Gutiérrez. O sea, algo parecido al encuentro con un funcionario de hacienda a las 8 de la mañana de un lunes. Su personaje es el de la típica policía abnegada y que parece ocultar un oscuro pasado según avanza el muy bien ajustado metraje del filme.
Por último, mencionar a Taylor Kitsch y Stephan James que interpretan, respectivamente, a Ray y Michael, amigos cercanos y ladrones de poca monta cuyo último atraco desencadena la persecución masiva después de tropezar con un enorme alijo de cocaína, y de matar a varios policías durante su fuga como comentaba en la sinopsis.
La ciudad de Nueva York o mejor dicho, la noche neoyorkina queda recogida en la Grand Central Station, Chinatown, Brooklyn, Meatpacking, la Primera y Tercera Avenida, los puentes de Brooklyn y Manhattan y las calles de los estudios Silver Cup en Queens. Otros aspectos adicionales destacados del diseño del set incluyeron la creación de un callejón Chinatown de Nueva York repleto de letreros de neón, contenedores de basura, alambre de púas y graffitis, y un depósito de carne en Kissin Meats.
En conclusión, Manhattan sin salida me ha parecido un filme aceptable pero que no consigue la emoción necesaria para acabar de involucrar al espectador en su desarrollo. En el fondo de la historia subyace esa idea o esa lucha entre el bien y el mal en la que el cineasta si acierta. Ahí es donde encuentra una escala de grises morales que se acomoda mejor con lo que sucede en la vida real de las personas. Con ello, Brian Kirk otorga un punto de credibilidad a la narrativa expuesta.
Adiós dirigida por Paco Cabezas se estrena en cines españoles el próximo día 22 de noviembre. La impactante película ibérica está protagonizada por Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz y Carlos Bardem.
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Hay películas que marcan un antes y un después en la vida de un cineasta. Adiós es una de ellas.Hoy tengo el placer y la responsabilidad de escribir sobre la película que más me ha impactado en este año 2019. Peliculón sin reservas. Hay críticas que se pueden despachar en dos lineas. Pero hoy es el día para entrar a analizar en profundidad una historia desgarradora convertida en un orgullo y en un lujo para la cinematografía española. Ejemplo a seguir y un viaje sin retorno para el director español.
La pequeña hija de Triana (Natalia de Molina) y de Juan Santos (Mario Casas) muere en un accidente de tráfico en la barriada de Las Tres Mil Viviendas en Sevilla. El padre iba al volante y es embestido por otro vehículo de una manera brutal. Juan, preso en tercer grado, junto a su pareja Triana, va a remover cielo y tierra con tal de encontrar a los culpables del crimen. Ambos, con la ayuda de la inspectora Eli (Ruth Díaz) se toparan con toda una difusa red que busca tapar al criminal conductor que acabó con la vida de su pequeña. La agente, recién incorporada al cuerpo policial, se involucra en una investigación que le llevará a sumergirse en las entrañas de las marginales calles del barrio sevillano. Pero Juan y Triana recelan de la investigación policial liderada por Eli, lo que lleva al joven matrimonio a buscar apoyo en su clan familiar apodado como Los Santos. Estos fueron expulsados en el pasado de las propias Tres Mil Viviendas y se implicarán en la investigación tomándose la justicia por su cuenta. Con la policía y la familia investigando el caso, el choque a tres bandas entre padres e inspectora destapará toda una red de pactos silenciados que pululan a lo largo y ancho de las cloacas de la barriada sevillana. Un lugar filmado de manera impresionante donde esquinas y soportales ocultan secretos que conducirán a todos los protagonistas a un choque brutal con consecuencias imprevisibles para todos ellos.
El encargado de llevar a cabo la impresionante filmación es el cineasta español Paco Cabezas. Por si alguien desconoce su trayectoria, apuntaré unas notas sobre su carrera. Paco Cabezas (Sevilla, 1976) es un guionista y director de cine andaluz. Tras estudiar dirección en el Centro Andaluz de Teatro y dirigir varias obras, su carrera empieza a forjarse en 2005 con su primer cortometraje: Carne de neón. Lleva años desarrollando su labor creativa también cómo guionista. Tras rodar Aparecidos y Carne de neón (el largo), que obtuvo una gran acogida internacional, se le abren las puertas de Hollywood y decide aceptar el reto que le depara la vida.
Actualmente vive entre Madrid y Los Ángeles, donde ha rodado sus dos últimas películas: Tokarev, protagonizada por Nicolas Cage y Mr. Right, con guion de Max Landis y protagonizada por Sam Rockwell y Anna Kendrick. En los últimos años también dirige series de televisión internacionales entre las que se encuentran: Dirk Gently, Into the Badlands, The Strain, Fear the Walking Dead, The Alienist y Penny Dreadful.
Ahora vuelve a sus orígenes. A su país, a su familia, a su barrio. Y de esa necesidad vital parte la idea de rodar un filme tan especial y emotivo. Una película muy dura también. Durísima, diría yo. Si un servidor que acude casi a diario a una sala de cine ha salido impactado de la proyección, el espectador que solo acude de manera ocasional al cine va a salir aturdido. Los rostros cubiertos de lágrimas prevalecerán ante una narrativa brutal. Si el cine es emoción, Paco Cabezas consigue maximizar las mismas a través de un noir que marca la pauta a toda una generación de cineastas. Esa vuelta a los orígenes del cineasta español es recurrente en la historia del cine. También de la literatura. Él mismo reconoce que tras rodar a ambos lados del océano, sentía la necesidad de volver a rodar en su idioma, en español, en dialecto andaluz, en sevillano y, si se puede ser aún más concreto, en el "idioma" que hablan en el barrio de Los Pajaritos donde se crió. Quizás el único error del filme haya sido meter en este papel a Mario Casas. El actor español, que muestra una clara progresión, no es andaluz y le cuesta hacerse con el personaje. No obstante, la mano de hierro en la dirección de actores de Paco Cabezas solventa el problema y demuestra que un interprete necesita ser dirigido con rigor y astucia.
La actriz andaluza Natalia de Molina en el papel de la madre doliente desgarra el alma en una interpretación que la debería llevar de manera directa a ser galardonada con su tercer Premio Goya. La interprete nos acompañó en Cine y críticas marcianas durante este verano en una entrevista que también fue publicada en Cinemagavia. Le da buena réplica Ruth Díaz que tan buen sabor de boca dejó en el también impactante thriller: Tarde para la ira. Ella es la inspectora que profundiza en la investigación para tratar de atar los cabos de la historia presentada. Carlos Bardem también nos regala una gran interpretación como el jefe directo policial de la agente Eli. Por último, destacar en el reparto la sobrecogedora actuación de Mona Martínez que desde luego también tiene muchas posibilidades de ser nominada en los premios de la Academia de Cine. Interpreta a la matriarca del clan de Los Santos y produce escalofríos de pavor en pantalla. Impresionante actuación.
Vanessa de la Haza es la directora de arte del filme y consuma una obra cumbre en esta disciplina cinematográfica tan especial. El viaje hasta el barrio obrero de Sevilla cuenta con unas localizaciones que son un personaje más en la película. Los interiores también nos ponen en contexto de como se puede crear auténtico cine negro a todo color. Una bellísima paradoja que es aumentada en las vistas cenitales sobre Sevilla. La pareja protagonista es filmada de manera preciosista en una terraza que cuenta, además, con valor narrativo. Un final redondo, emotivo y circular es acompañado en las secuencias finales a través de la fotografía de Pau Esteve Birba. Todo ello conforma una brillante parte técnica. Mención especial también para la banda sonora original compuesta por Zeltia Montes y a una canción interpretada por Rosalía que pone los pelos de punta como contrapunto emocional del filme.
En conclusión, Adios es un viaje emocional que sobrepasa los patrones del género narrativo elegido. Un filme con la venganza como principal frente discursivo pero con cientos de matices que hacen del cine una experiencia, que esta vez sí, va más allá del puro entretenimiento. El gran libreto creado por el también sevillano José Rodríguez profundiza en el dolor, en el amor y en la pérdida. Quizás, solo el que haya vivido la paternidad pueda llegar a comprender la verdadera dimensión de un filme que ya forma parte de la historia del cine negro español.
Quizás el sufrimiento y el amor tienen una capacidad de redención que los hombres han olvidado o, al menos, han descuidado.
-Martin Luther King.
La historia: Erin (Nicole Kidman) es una detective policial que trabaja en el departamento de homicidios de Los Ángeles, y que está marcada por un siniestro pasado. Además de su actividad profesional, debe lidiar con su hija adolescente y con el conflictivo novio de esta última. Pero como todo es posible de empeorar, y más en el cine, reaparece en en este "idílico" panorama el lider de una banda criminal con el que tuvo una tormentosa relación en el pasado.
La crítica: Creo que es la primera vez que voy a comenzar una crítica cinematográfica haciendo referencia al reparto y centrándome específicamente en la actuación de Nicole Kidman que arrasa, apabulla y brilla en la gran pantalla. Su interpretación es absolutamente colosal en un cambio de registro con el que demuestra la excelencia en la composición artística. No sé como hubiera sido Destroyer sin ella, pero lo que si puedo afirmar es que la película, la historia y la narrativa, no tendrían sentido sin ella. En mi opinión, es la mejor actuación de su carrera artística y no son pocas la veces que ya ha brillado con luz propia. En lo personal, siempre he pensado que una actriz o un actor no pueden salvar a una mala película o a un mal argumento, y de hecho lo sigo pensando. Por ello, quiero poner en valor la actuación de Kidman, aunque además nos encontramos ante un impactante thriller de buen cine negro americano.
Destroyer es la quinta película de la cineasta estadounidense Karyn Kusama que tras su paso por la Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York, alcanzó cierta popularidad con su peculiar largometraje Jennifer's Body.Este curioso filme, además supuso para Megan Fox el salto definitivo al estrellato mundial. Bueno claro, si entendemos por estrellato las "cosas" cinematográficas que perpetra la citada actriz. Pero volviendo a la directora de la película reseñada hoy, y apoyada en un buen libreto de Phil Hay y Matt Manfredi, se puede concluir que da el salto de calidad definitivo y comienza a jugar en la liga de los grandes realizadores estadounidenses (con realizadores incluyo a todos los géneros, géneras, y géneres, incluidos marcianos, marcianas, y marcianes).
La cinta se desarrolla de una manera inteligente en dos tiempos narrativos en el que predomina la acción situada en el presente, pero retrocediendo mediante logrados e intermitentes flashbacks hacia la juventud de nuestra protagonista. De esta manera, vamos desmadejando los oscuros e inconfesables secretos que esconde y que la han convertido en una mujer presa de sus errores pero dispuesta a resolver de una vez por todas las cuentas con su pasado. Así es como vemos una evolución en su personaje, que transita de una cierta fragilidad hasta llegar a convertirse en una verdadera "tipa dura" que hubiera firmado el mismo Clint Eastwood.
En Destroyer, Karyn Kusama trata y logra dibujar a la perfección la figura del anti héroe -en este caso anti heroína-, que tan buenos resultados a otorgado a la cinematografía y a la literatura estadounidense.
Nicole Kidman, que por cierto está irreconocible gracias al buen trabajo de caracterización de su personaje, eclipsa por completo a sus compañeros de reparto y solo deja lucir buenas maneras a su rebelde hija adolescente en pantalla. Esta es interpretada con picardía y apuntado alto por la joven actriz californiana Jade Pettyjohn que a sus 18 años tiene el descaro suficiente para hacerse un hueco en la industria cinematográfica.
El otro "personaje" secundario, pero muy importante en la producción, es la misma ciudad de Los Ángeles que actúa como paisaje urbano de los conflictos de los personajes. Estos, se mueven en los bajos fondos de la ciudad y en ellos vemos a abogados corrompidos por la mafia, ladrones de poca monta, traficantes de armas, y otras angelicales criaturas que reflejan una parte poco conocida de la ciudad californiana. En contraste, cuando viajamos al pasado mediante flashbacks, aparece el desierto de Mojave. Esta localización exterior, con su luz deslumbrante y maravillosamente fotografiada por Julie Kirkwood, actúa como metáfora de una juventud que pudo ser brillante para Erin. Ahora en su madurez, ya solo busca redimirse como modo de expiación personal y profesional a sus pecados.
En definitiva, Destroyer, es un pequeño tratado sobre la redención, muy bien manejado y narrado por Karyn Kusama. La cinta principalmente nos habla de una manera eficaz de las miserias del pueblo estadounidense y de como no siempre el sueño americano es posible. Pero por encima del mensaje de fondo que todo cineasta trata de transmitir, la cinta consigue envolvernos con una narrativa moderna, eficaz y vanguardista.
Nota: 8/10.
Nacionalidad: EE UU.
Dirección: Karyn Kusama.
Reparto: Nicole Kidman, Sebastian Stan,
Jade Pettyjohn, Tatiana Maslany.
Echarle la culpa de tus errores a tu naturaleza no cambia la naturaleza de tus errores. Tomas Harris.
La historia: Durante el turno de noche y en la centralita de emergencias donde desarrolla su labor el agente de policía Asger Holm (Jacob Cedergren), este recibe una llamada de una mujer aterrada que dice haber sido secuestrada por un hombre y que se encuentra a bordo de una furgoneta blanca. A raíz de este suceso, Asger tiene que movilizar, coordinar y pedir ayuda a todas las patrullas policiales de la zona, tranquilizar a la mujer retenida y lidiar con asuntos personales en una lucha contra el tiempo en la que cada segundo será decisivo para resolver la complicada situación.
La crítica: ¿Es posible hacer una película con prácticamente solo un personaje en pantalla, desarrollada en un solo espacio interior de unos 30 metros cuadrados y qué esta puede ser vibrante e incluso impactante por momentos? Pues con la cinta danesa reseñada hoy no queda duda de que además de posible, es una idea relativamente vanguardista, barata y que vuelve a poner al cine independiente como referencia de lo mejor que se está haciendo en la cinematografía europea.
Avalada por el Premio del Público del Sundance Festival de este 2018 y por las tres nominaciones a los European Film Awards, Dinamarca ha seleccionado a la estupenda ópera prima del joven cineasta Gustav Moller para luchar en la larga carrera de los Oscars de la Academia en la categoría de mejor filme en habla no inglesa. Y creo que por la buena acogida que está teniendo es seria candidata a estar al menos entre las cinco nominadas finales. Pero por encima de premios, que al final no son más que la consecuencia de una producción bien realizada (al menos en este caso), lo importante en The Guilty es que cumple con los principales mandamientos del cine que yo suelo resumir en uno solo: entretener sin entontecer. O dicho de otra manera; servir un producto que sea un buen espectáculo cinematográfico y que a la vez nos haga pensar o reflexionar sobre lo vivido en la sala de cine.
Volviendo un poco a la historia reflejada en la cinta, nos encontramos o me encuentro ante una crítica muy complicada de realizar pues cualquier dato que se revele más allá de la sinopsis redactada corre el peligro de reventar toda la argumentación. Por lo tanto, lo mejor es buscar los significantes de la película y que trata de expresar con su desarrollo.
The Guilty nos habla de la soledad y del sentimiento de culpa reflejada en su personaje principal interpretado con rigor por Jacob Cedergren. A su vez estos sentimientos de culpa y soledad mencionados anteriormente se ven reflejados de una manera circunstancial en la mujer que le está llamando pidiendo ayuda y que es interpretada por Jessica Dinnage. Lo curioso de este personaje es que solo podemos escuchar su voz pues nunca llega a aparecer en pantalla.
La trama siempre va in crescendo y la angustia se incorpora al sentimiento del espectador transmitida por la desesperación del agente de policía que prácticamente solo con dos teléfonos y un ordenador tiene la misión de salvar la vida de su interlocutora. Además, tiene como misión averiguar si lo que le está contando la mujer al otro lado de la linea telefónica es cierto o puede estar cayendo en algún tipo de incoherencia.
Otra cosa que llama bastante la atención es que la película se desarrolla en tiempo real. Es decir, en los muy acertados 85 minutos de metraje (con esta idea de rodaje en espacios cerrados y un solo personaje en pantalla, extender la duración a más de 90 minutos hubiera sido un suicidio cinematográfico), nos encontramos como los acontecimientos se van sucediendo en esa hora y media crítica para todos los personajes. Por ello, no hay cortes temporales, flashbacks, o cualquier recurso cinematográfico que nos saque de la fuerte tensión en la que como espectadores nos vemos involucrados. En cierta manera, The Guilty nos recuerda a la película 'Última llamada' de Joel Schumaker de 2002 y en la que Collin Farrel se veía atrapado en un teléfono público de la ciudad de Nueva York y era amenazado por un francotirador si se movía del punto exacto en el que se hallaba.
En conclusión, The Guilty es ya uno de los thrillers más impactantes de este 2018. El filme juega a través del rostro del agente de policía Asger Holm a sembrar la duda, la angustia o el pánico en el espectador. Como he escrito en otras ocasiones, el libreto consiste en hacer que el espectador lo pase realmente bien, pasándolo terriblemente mal. Es decir, puro suspense psicológico. En contra de la producción cabría advertir que la cinta podría causar algún tipo de sensación claustrofóbica al carecer de localizaciones exteriores. Pero en definitiva su inteligente corta duración, su valentía y un cierto mensaje redentorista final hacen del filmeun muy notable debut de Gustav Moller en la dirección que le podría hacer volar del Sundance Festival a la alfombra roja de los Oscars.
Nota: 8/10.
Dirección: Gustav Moller.
Guión: Emil Nygaard.
Reparto: Jacob Cedergren,
Jessica Dinnage, Johan Olsen.
Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz española Ester Expósito que tan buenas sensaciones ofrece en el film Cuando los ángeles duermen. La cinta que ya fue reseñado en la anterior entrada se estrena hoy 7 de septiembre en las salas de cine comerciales de España. Será a través de la importante distribuidora Filmax. Agradecerle su buena disposición por aceptar la entrevista, responder a todas las preguntas y posar para la sesión fotográfica.
Texto y fotos: Miguel Pina
Repasando un poco la carrera de la joven española, tenemos que viajar hasta el año 2013 que es cuando ingresa en el grupo de teatro del ÍES Fortuny de Madrid, donde ya obtuvo su primer Premio como mejor actriz de reparto. Siguiendo con el teatro, en el año 2015 participó en el Woman en Red y en el año 2016 en el Adoscelcer 2055. En ese mismo año, se produce su consagración en las tablas tras obtener el galardón de interpretación femenina de la Universidad Carlos III por la obra 'El show de Truman'.
En televisión ha trabajado en las series Vis a Vis de Antena 3 televisión, Estoy vivo de Televisión Española y en este 2018 protagoniza Elite en Netflix. Su paso por el cine le llevó primero por el camino del cortometraje y en 2014 actuó en Tengo que decirte algo, para posteriorermente en el año 2016 trabajar en Martina, ay Martina de Fátima Martín. Es ahora cuando le llega su gran oportunidad en la pantalla de cine debutando y protagonizando Cuando los ángeles duermen de Gonzalo Bendala junto a los ganadores del Goya Julián Villagrán y Márian Álvarez. Para hablarnos del film y de sus próximos proyectos, vamos ya sin más preámbulos con la entrevista deseándole mucha suerte en su carrera artística.
Hola Ester, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver Cuando los ángeles duermen?
Se van a encontrar con un thriller que además es entretenido porque te tiene todo el tiempo en tensión y te hace pasar un mal/buen rato. La película está realizada con mucha profesionalidad y cariño por todos los departamentos, que creo han hecho una buena película, dentro de un buen cine de autor. Los espectadores además, se van a marchar del cine con un dilema y con algo que pensar que siempre está muy bien. Reflexionarán sobre lo que es éticamente correcto y se podrá llegar a la conclusión de que los buenos no son tan buenos, ni los malos son tan malos. Lo más bonito de está película, es que te hará reflexionar como espectador y te llevarás un pensamiento a casa. ¿Cómo llegó el papel hasta tus manos y qué te interesó de él?
Pues me llegó la separata para el casting y me encantó el personaje ya que me sentía muy identificada por la edad del personaje y por los rasgos de rebeldía que veía en el mismo. Luego el guión y la trama me parecía brutal, así que me hacia mucha ilusión participar en la película.
El proceso de casting fue largo, tuve que pasar por tres de ellos y estaba atacada porque quería saber si me iban a seleccionar o no. Pero finalmente así fue y enseguida conecté muy bien con el director de la película. Fue todo muy ilusionante. ¿Cómo definirías a Silvia que es el personaje que te has tenido que interpretar?
Es esa adolescente que está un poco presionada por sus padres y que no tiene una relación fluida con ellos, ni una buena comunicación. Esto le lleva a ser una chica desconfiada, violenta en ocasiones y que quiere evadirse de ese mundo que tiene en casa que no le gusta nada. Para ello se refugia en su mejor amiga Gloria con la que consigue evidarse y rebelarse contra sus padres. Tu personaje está muy trabajado desde la parte física y podría representar en cierta manera los excesos que cometen los jóvenes en sus salidas nocturnas. ¿Consideras que Silvia toma decisiones equivocadas, o todo puede deberse a que tu personaje entra en estado de shock en la pesadilla nocturna en la que se ve involucrada?
Yo creo que ambas cosas, efectivamente toma decisiones que si hubieran sido otras todo se hubiera resuelto de manera más sencilla. Pero estas decisiones incorrectas que toman todos los personajes, en ella se producen por efectivamente estar en ese estado de shock tras haber sufrido un accidente y en el que tiene miedo de perder a su amiga, más el propio miedo de la noche y lo desconocido. Allí es donde desarrolla esa furia interior que la lleva a un estado de shock permanente y que a veces le lleva a complicar la situación mucho más de lo que podría haber sido. En mi crítica sobre la película y de ahí el solicitarte esta entrevista, escribía lo siguiente: nos encontramos con el buen y sorprendente debut en el cine de la joven actriz Ester Expósito, que podría tener posibilidades de obtener una nominación al Goya como mejor actriz novel. ¿Qué te haría más ilusión, esa hipotética nominación o seguir haciendo cine con regularidad?
Las dos cosas desde luego, pero vamos, yo firmaba por seguir trabajando siempre en el cine. La verdad es que es un sueño y evidentemente los premios están bien y me gustaría, por qué no, estar simplemente nominada que ya sería un placer y un regalazo. Pero si tuviera que elegir una cosa, me quedo con trabajar siempre como ahora lo estoy haciendo. ¿Por qué decidiste ser actriz?
No sé en que momento dije quiero ser actriz, pero lo tenía claro desde pequeña porque era algo que me llenaba. También veía películas y recuerdo esa sensación de querer estar dentro de ellas. Luego surgió el hacer teatro hasta llegar a las cámaras y siempre ha sido algo que me ha llenado y me hace ser feliz. Además tengo la ambición de seguir aprendiendo como actriz y nunca dejar de crecer en la profesión. Recibiste el Premio de Interpretación Femenina del certamen de teatro de la Universidad Carlos III por la representación teatral 'El show de Truman'. ¿Es el teatro la clave para la formación de las actrices ya que no hay posibilidad de repetir las escenas como en el cine?
Creo que la formación teatral es muy importante, aunque también se puede ser actriz sin haber realizado teatro. Pero creo que es un espacio para la mejora muy importante y yo pienso que quien no haya hecho teatro debería hacerlo en cuanto le fuera posible. El teatro además como has dicho, te da una adrenalina diferente porque no se pueden repetir las escenas. ¿A qué edad te subiste por primera vez a un escenario?
En el colegio y con 6 o 7 años. ¿Cuales son tus próximos proyectos?
En el cine se va a estrenar una película en noviembre que se llama Tu Hijo, con José Coronado y Pol Monen dirigida por Miguel Ángel Vivas. Y en Netflix se va estrenar próximamente la serie Élite en la que también trabajo. También voy a empezar a grabar una serie llamada Monteperdido para Televisión Española.
TEST PERSONAL SOBRE CINE Y CURIOSIDADES
Tu película preferida de todos los tiempos.
Tesis de Alejandro Amenábar.
Tu película internacional favorita.
Seven de David Fincher.
Tu director de cine español preferido.
Alejandro Amenábar.
Tu director de cine internacional preferido.
Woody Allen. Tu actor preferido.
Gene Hackman, y españoles Roberto Álamo y Antonio de la Torre.
Tu actriz favorita.
Meryl Streep.
La sala de cine más bonita que conozcas o que hayas conocido.
El cine Callao de Madrid.
Género literario preferido para la lectura.
Todo lo que tenga que ver con el teatro.
Tu plato de comida preferido.
Solomillo de ternera.
Una ciudad para vivir.
Me encanta Madrid y Sevilla porque rodé allí la película.
Una ciudad por conocer.
París.
Una ilusión por cumplir.
Me encanta bucear y de hecho hago submarinismo y me encantan los tiburones, entonces quiero ir a la costa de África a ver los tiburones blancos pero a través de una jaula marina (risas), ese es un sueño que tengo desde pequeña.
Si quereís seguir a Ester Exposito en redes sociales, lo podeís hacer a través de su cuenta de Instagram ester_exposito y para futuros proyectos o contrataciones, pueden contactar con Lucia del Río Management en el que podrán ver su currículum y videobook profesional. Agradecerle de nuevo la concesión de esta entrevista que fue realizada en la librería cinematográfica de Madrid Ocho y medio.
La entrevista se ha publicado conjuntamente en el siguiente enlace del diario madrileño Noroeste Madrid con más fotografías y como noticia destacada en portada.
A continuación, os dejo con el trailer de 'Cuando los ángeles duermen'.
Al final tuve que salir por las carreteras tapadas por los árboles y hacer lo posible por evitar las ciudades. -John Steinbeck.
La introducción: Tras la pausa veraniega del mes de agosto, Cine y críticas marcianas comienza nueva temporada y lo hace con el adelanto de la crítica de la cinta española Cuando los ángeles duermen. La cinta se estrenará comercialmente el próximo 7 de septiembre. Muchas gracias a todos por la espera y sed bienvenidos de nuevo al universo cinematográfico marciano.
La historia: Tras un día de intenso trabajo Germán (Julián Villagrán) emprende un viaje nocturno por una carretera inhóspita para intentar llegar a casa antes de que acabe la fiesta de cumpleaños de su hija. Pero todo se complica en un accidente de tráfico en el que se cruza con dos jóvenes mujeres que convierten la noche en una verdadera pesadilla involuntaria para todos. ¿Llegarán todos a sus respectivos hogares familiares o se los tragará la noche para siempre?
La crítica: El título de una película debería ser siempre una declaración de intenciones de lo que vamos a presenciar en pantalla y en está ocasión con Cuando los ángeles duermen lo entendemos al concluir la proyección. Pero antes de ello y a través de un diálogo madre/hija obtenemos la clave de lo que está sucediendo en esta intensa producción dirigida y escrita por el cineasta español Gonzalo Bendala. El director realiza un aseado thriller de suspense que no obstante deja alguna duda cuando se adentra en los terrenos del nuevo cine noir español.
_¿Mamá, los ángeles duermen?
_Si, claro.
_¿Entonces quién nos protege de noche?
Mientras este diálogo se está produciendo en la tranquilidad y en el reposo de un hogar familiar, nos encontramos con el contraste de que el padre y esposo de esta familia está viviendo una noche en la que no habrá ángeles, dioses, ni demonios. O dicho de otra manera, los ángeles, dioses y demonios están representados en todos los protagonistas en una interesante dicotomía bien narrada por el cineasta.
De alguna forma en Cuando los ángeles duermen podemos encontrar reflejos de una de las subtramas de Animales nocturnos en la que Tom Ford indagaba con fuerza en los enigmas de la noche. En aquella cinta las criaturas nocturnas que habitaban la misma lo hacían en forma de jóvenes descontrolados que chocaban literalmente y metafóricamente con familias estructuradas. En cualquier caso, hablamos de tramas diferenciadas y en cierta manera contrapuestas. Pero lejos de criticar al director español, si la citada película de Tom Ford ha servido como referencia o inspiración solo puede hablar del buen gusto del cineasta. Y es que Nocturnal animals en apenas 2 años ha ganado tanto peso que podemos hablar ya de clásico moderno del cine de suspense.
Por otro lado, cabe decir que la producción española trata de un modo simplista la eficacia constatada de las fuerzas policiales del estado. No sabemos si por casualidad o no y estando rodada en la provincia de Sevilla, podría ser un cierto toque de atención para recordanos el impactante caso de la joven sevillana desaparecida Marta del Castillo. La realidad superó la trama que cualquier guionista pudo o pueda imaginar tanto en la relación a los posibles errores policiales, como en ese tópico que muchas veces se cumple a rajatabla de que la realidad suele superar con hechos a la ficción. No voy a entrar mucho más a fondo en la trama de Cuando los ángeles duermen. En las películas de suspense el primer visionado es el más importante y mi función en esta ocasión es solo sobrevolar sobre el argumento.
Julián Villagrán y Ester Expósito en el 20 Festival de Málaga
El reparto está encabezado por el ganador del Premio Goya, Julián Villagrán (Grupo 7) que carga con todo el peso de la producción desde el primer plano con una actuación muy física, bastante bien trabajada y que gustará más o menos dependiendo ya de la credibilidad que el espectador otorgue a un personaje contradictorio en un principio y bien definido en las conclusiones finales. Por otro lado, nos encontramos con el buen y sorprendente debut en el cine de la joven actriz Ester Expósito, que podría tener posibilidades de obtener una nominación al Goya como mejor actriz novel. Un personaje también muy trabajado desde la parte física y que podría ser una fiel representación de los excesos de cualquier joven de 18 años. Por último y en un personaje secundario pero narrativamente delicioso, aparece la esposa del protagonista principal que tendrá las claves de la resolución de los conflictos planteados. Este personaje es interpretado por la también ganadora del Premio Goya, Marian Álvarez, que vuelve a dejar una actuación sensacional.
Marian Álvarez Foto: Miguel Pina
En conclusión, Cuando los ángeles duermen funciona moderadamente bien cuando se centra en tensionar al espectador a través de un suspense que siempre va de menos a más explorando las contradicciones y los demonios interiores del ser humano. En su debe, cabe matizar que los personajes suelen anticipar las (torpes o infantiles) acciones que van a realizar restando con ello eficacia y el factor sorpresa en algunos momentos de la argumentación. Pero en definitiva, todo en la película pasa por la credibilidad que el espectador pueda otorgar a lo que está presenciando en pantalla siendo esta cuestión absolutamente subjetiva, tanto en una mirada recreativa como en la visión crítica de la propuesta presentada. En cualquier caso, el cine de suspense en general y el thriller español en particular se mantienen en buena forma y aquí volvemos a encontrar una buena prueba de ello.
Nota: 7/10.
P.D: Al cierre de esta reseña he solicitado una entrevista con la actriz debutante Ester Expósito para que nos de su punto de vista de la película, de su actuación en ella y de sus aspiraciones como actriz. Si finalmente es concedida, se publicará el próximo viernes 7 de septiembre coincidiendo con su estreno, tanto en Cine y críticas marcianas como en Noroeste Madrid.
Nacionalidad: España.
Dirección y guión: Gonzalo Bendala.
Reparto: Julián Villagrán, Ester Expósito,
Marian Álvarez, Marisol Membrillo.
Al que has de castigar con obras no trates mal con palabras, pues le basta al desdichado la pena del suplicio. -Miguel de Cervantes.
La historia: Alma (Belén Rueda) es una vanguardista directora teatral que está preparando un nuevo proyecto para ser representado ante el público en un antiguo y misterioso hospital psiquiátrico. Para ello, contrata a Bianca (Eva de Dominici) y a Cecilia (Natalia de Molina), que son dos jóvenes actrices deseando progresar en sus carreras. El problema surge cuando la directora de la obra somete al elenco actoral a una fuerte privación del sueño durante días para que sus interpretaciones sean lo más dramáticas posibles. El circo y la payasada está servida.
La crítica: Nada que añadir. Fin.
Nota: 0/10.
Nacionalidad: España, Uruguay, Argentina.
Director: Gustavo Hernández.
Reparto: Belén Rueda, Eva de Dominici,
Natalia de Molina, Germán Palacios.
Hay algo amenazante en un silencio demasiado grande. -Sófocles.
La historia: En un mundo post-apocalíptico arrasado por unas extrañas y peligrosas criaturas extraterrestres, el matrimonio Abott y sus tres hijos han descubierto que la única forma de sobrevivir es permanecer unidos y en silencio. Los extraños seres invasores son ciegos y solo atacan cuando oyen algún ruido. Para evitar ser escuchados, los Abott se han aislado en una granja rural en el interior de los Estados Unidos y han ideado un sistema para comunicarse y moverse emitiendo el menor ruido posible. Todo se complica aún más, cuando Evelyn (Emily Blunt) se queda embarazada, y tiene que idear junto a su marido Lee (John Krasinski), un sistema para que el parto y el llanto del futuro bebé no ponga en peligro a toda la familia.
La crítica: Un lugar tranquilo (A Quiet Place), nace con vocación de clásico universal en el cine de género y lo hace de forma sobresaliente. Peliculón sin reservas y en mí opinión la mejor cinta de la década dentro de su categoría.
Su marco narrativo es muy amplio y es colindante entre otros, con el cine de terror siendo en su esencia un thriller psicológico con pinceladas del género fantástico. Si el cine tiene algún sentido todavía para ser visto en la gran pantalla, este es el ejemplo perfecto y el camino a seguir en un futuro.
Soy un fiel creyente que en la cinematografía es posible innovar y con ello situar a este arte considerado por muchos como algo menor, en un vehículo que se coloque a la vanguardia de las artes escénicas. En cualquier caso, y aunque resulte una obviedad, cabe recordar que el cine no es más que una visualización de una idea que antes tuvo que ser imaginada y redactada en un libreto con múltiples variantes que van más allá de los diálogos y su posterior puesta en escena.
Y es que todo lo bueno y lo malo que pasa en una película se rige fundamentalmente por una sola cosa: guión, guión y guión. Si este elemento falla, no hay reparto, banda sonora o dirección de fotografía, que pueda salvar a una producción del naufragio.
Y vuelvo a insistir que un guión ya sea adaptado u original, contiene muchísimo más que los diálogos que aparecen en pantalla. Podríamos concluir que es el mapa por el que discurre cada elemento de la puesta en escena de una filmación. En esta ocasión, es el propio Krasinski, el que tras recibir el libreto de Scott Beck y Brian Woods, lo reescribió para darle su toque como director firmante de la película. Es en suma, un trabajo conjunto y escrito a tres manos que les aseguro va a ser estudiado en las escuelas de cine por las siguientes generaciones de futuros hombres y mujeres que se dediquen a este arte. ¿Cuál es la peculiaridad de este guión y con él, de la propuesta presentada hoy? En primer lugar la excelencia en su redacción y en segundo lugar, su plasmación en la gran pantalla. Si a ello le sumamos que durante los 95 minutos de metraje, los diálogos solo ocupan 5 minutos de la producción, nos podemos hacer una idea de la complejidad que conlleva esta vanguardista idea para que funcione como un perfecto reloj sincronizado en la sala de cine.
En cierta manera, es una vuelta al cine mudo sin que el espectador se percate de esta circunstancia por la brutal, asfixiante y perturbadora atmósfera conseguida. En este aspecto, la historia se convierte desde su estreno en un clásico del cine de suspense, que iguala o incluso supera por momentos al cine del maestro Alfred Hitchcock.
Pero que apenas haya diálogos, no quiere decir que los personajes no se comuniquen. Todo lo contrario. Ellos lo hacen a través del lenguaje de signos o de miradas y susurros. Y es que cualquier ruido disonante, puede provocar que los seres que habitan en los exteriores de su granja, y que han aniquilado a buena parte de la humanidad, acudan al reclamo y acaben también con ellos.
Probablemente los Abott sean una de las últimas familias del planeta y si ellos mueren, la humanidad puede que sea extinguida para siempre. ¿Conseguirán salvarse y con ello, obtener la posibilidad de un nuevo comienzo para el ser humano? ¿Son invencibles las criaturas invasoras? ¿Hay otras familias a lo largo del planeta en la misma situación? ¿Se habrán zampado los monstruos a Donald Trump? No pude evitar la última pregunta.
En el reparto, nos encontramos también a John Krasinski en el papel del padre de familia y representando la figura de la protección y de guía para el resto de la familia. Más que correcto papel, aunque algo por debajo de su gran labor en la dirección del conjunto de la producción. La que brilla con luz propia y en una actuación espectacular es Emily Blunt, que de no ser porque la película se ha estrenado fuera de la temporada de premios, merecería un Oscar por un papel impresionante. La escena del parto en la bañera y en silencio, pasa directamente a la historia del cine. Por otra parte, la buena química que se establece con su marido en la ficción, es debido a que ambos son matrimonio en la vida real e incluso la propia Blunt, aportó alguna idea al guión llevado a cabo por su pareja. Los niños Noah Jupe y especialmente la pequeña Millicent Simmonds están extraordinarios. Con Millicent nace una nueva estrella de cine y esperemos que su sordera de nacimiento, no sea ningún impedimento para que se adapten futuros guiones para ella.
Hay tres aspectos adicionales que en una película tan especial como la reseñada hoy cobran vital importancia. Uno es un excelente diseño de sonido que por razones evidentes se convierte en un personaje más de la película. Cualquier ruido, una pisada de más o de menos, el viento, el agua, los crujidos de la casa, los susurros y las comunicaciones, son la clave de la propuesta y mantienen una absoluta tensión en la sala de cine, en un ambiente que por momentos se hace irrespirable. Otro aspecto muy importante es el diseño de producción de la granja, en la que meses antes de la película, se plantaron diez hectáreas de maíz, se construyeron graneros y se diseñaron unos interiores con carácter neo-impresionistas, que nos trasladan a una América profunda y rural, creando mayor sensación de aislamiento si cabe. Y por último, cabe destacar una gran banda sonora compuesta por Marco Beltrani que enfatiza sin opacar, cada momento de tensión de la producción.
Toda la historia retratada en la filmación, comienza en el día 89 después de la invasión, y finaliza alrededor del día 500 post-invasión.Y todo ello, en apenas 90 minutos, que son más que suficientes como tantas veces he repetido, para conseguir un ritmo adecuado y un climax perfecto en la parte final. La conclusión de la historia es espectacular y con el añadido de un gran twist final, que levanta una instintiva y atronadora ovación entre los asistentes y que se repetirá a lo largo de las salas de cine de buena parte del mundo. Es por ello, entre otras muchas cosas ya reseñadas anteriormente, que Un lugar tranquilo, se convierte desde su nacimiento en un clásico del terror y en una magistral lección de suspense de John Krasinski que hacen que el Séptimo Arte se vuelva a escribir con mayúsculas.
Nota: 10/10.
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: John Krasinski.
Reparto: John Krasinski, Emily Blunt,
Millicent Simmonds, Noah Jupe.
El destino baraja las cartas, pero nosotros somos los que las jugamos.
-William Shakespeare.
La historia: En abril del año 2008 Jon (Raúl Arevalo) es testigo indirecto del disparo fortuito de un delincuente. Este hecho se produce contra su amigo David (Sergio Mur) cuando ultimaba unas compras en la tienda de una gasolinera abierta 24 horas. Mientras el herido se debate entre la vida y la muerte, Jon se percata que en el lugar del suceso y siguiendo un patrón numérico se han producido diferentes asesinatos con unas características comunes. Diez años después y en abril de 2018, Nico (Hugo Arbués) que es un niño de 10 años, recibe un aviso en forma de carta advirtiéndole que pase lo que pase, el día 12 de abril no pase por la tienda de la gasolinera que frecuenta bajo ningún concepto. ¿Podrá parar el niño el destino a pesar del aviso recibido?
La introducción o el aviso (el mío): Desde hace unos cuantos años la "crítica profesional" en España no soporta al cineasta Daniel Calparsoro y despacha sus películas con unas pocas lineas llenas de desdén y tirando de argumentario populista. Incluso algún medio lo veta y no realiza la reseña correspondiente. Supongo que en esta ocasión será más de lo mismo. No lo certifico, pues no leo nada antes de redactar mi texto, pero estaría encantado de ir a contracorriente de un movimiento que parece ir más en contra de su persona, que de su cine. Así que incluso por encima de la calidad o no de la propuesta presentada, es tal la riqueza de temas expuestos en la misma, que voy a realizar una tesina cinematográfica marciana abordando la película desde los máximos ángulos posibles que quepan en una crítica cinematográfica y razonando cada elemento expuesto en la misma.
La crítica: Aunque parezca una obviedad, es básico que cuando una persona o un marciano acuda a una proyección en una sala de cine, consiga ver lo que está sucediendo en pantalla. Para este fin, tan aparentemente sencillo, existen unos señores o señoras llamados directores de fotografía, también llamados directores de cinematografía en Hispanoamérica, que se encargan de una labor que es la base sobre la que se cimientan los demás elementos de la producción. Pues bien, dicho esto y en parte del cine de actualidad, algunos fotógrafos de cine, confunden la creación de misterio o tensión narrativa, oscureciendo tanto la imagen, que lo único que consiguen es invisibilizar lo que sucede en pantalla. Esta situación ocurre especialmente en las tomas nocturnas. Es por ello y ante la sorpresa de ver una perfecta iluminación tanto diurna, como especialmente nocturna, por lo que he querido empezar esta crítica destacando la labor de Sergi Vilanova que es sobresaliente. Cabe decir también que para poder evaluar y apreciar esta labor correctamente y con justicia, es primordial que el proyector de la sala de cine este actualizado y sea de nueva generación. Y es que algunas salas de cine por motivos económicos, mantienen unos proyectores obsoletos impidiendo mostrar la calidad de la imagen adecuada. Si vemos cine en casa, la definición de nuestra pantalla también puede marcar la diferencia para que esta percepción sea la adecuada.
Tras este preámbulo, vamos al lío. El aviso es una peculiar e interesante propuesta que independientemente de que pueda gustar más o gustar menos, tiene la virtud de no provocar indiferencia y consigue mantener pegado literalmente al espectador a su butaca durante los 90 ajustados minutos de su duración. Sería importante que los cineastas y montadores comprendieran que para el espectador, un metraje ajustado, siempre ayuda a elevar el ritmo narrativo y más en tramas como esta, donde el suspense resalta como punto más destacado. En esta ocasión y en el cine en general, menos es más, como característica general según mi manera de entender la cinematografía. Además, la película es de esas que provocan debate a la salida de los cines, lo cual es un hecho muy de agradecer en el panorama actual.
La película esta basada en la novela homónima de Paul Pen que se saldó con un éxito considerable y cuenta con un guión adaptado de una complejidad manifiesta y que tuvo que ser trabajado en equipo por las múltiples variables que se manejan en el el libro original. Y es que la narrativa de la película cuenta con una estructura paralela en dos tiempos. Es decir, se intercalan las acciones ocurridas en el año 2008, con las que que se están sucediendo en el presente 2018, logrando además que sean de muy sencilla compresión para el espectador. Incluso Daniel Calparsoro consigue introducir un tercer y cuarto tiempo narrativo pasado, con los sucesos ocurridos en la gasolinera"maldita", donde se desarrolla la parte principal de la acción.
Y es que en dicha gasolinera y según un patrón matemático se vienen sucediendo misteriosos asesinatos, y a través de dicho patrón, se podrían presagiar futuros acontecimientos criminales según Jon. Este, se obsesiona con resolver y prevenir un futuro crimen que implica al niño que ese 12 de abril de 2018 cumplirá 10 años. En este aspecto, el thriller se adentra en el género fantástico y aquí es donde puede surgir el único problema de la película. No por dirigirse hacia el género sobrenatural, sino sobre si esta derivada es creíble o no por el espectador. Entonces aquí está la clave de la propuesta. En mi caso y teniendo en cuenta que soy bastante escéptico a cuenta de estos temas, la propuesta me pareció creíble, por lo tanto la doy por buena. Ahora bien, probablemente aquel espectador que no la encuentre fundamentada, puede percibir la producción como absurda o mal guionizada. En cualquier caso, me parece una apuesta arriesgada y que funciona como una perfecta bomba sincronizada y lista para estallar en su resolución.
El reparto está encabezado por el polifacético Raúl Arevalo, que además de un buen actor ya demostró su pericia como director en otro excelente thriller titulado: Tarde para la ira. Su personaje se mueve en la complejidad de tener que lidiar con su esquizofrenia, a la vez que intenta resolver lo que está pasando con el caso de la gasolinera. En otro tiempo narrativo, y en la actualidad, aparece Aura Garrido (La niebla y la doncella), otorgando peso al personaje que hace de la madre del niño que parece ser está en grave peligro. Este chaval es interpretado por Hugo Arbués, llevando una vez más la contraria al maestro Alfred Hitchcock, en eso de que los niños, los animales e incluso Charles Laughton eran enemigos de la cinematografía. Bueno este último, un poco sí. Completan el reparto con serios y trabajados papeles Belen Cuesta y Sergio Mur, como compañeros de Raúl Arevalo en la génesis de la historia en el año 2008. Mención especial para Antonio Dechent en el papel clave de Hector, que es el dueño de la gasolinera 24 horas en ambos tiempos narrativos. Buen trabajo y buena idea cinematográfica ya que este personaje es el nexo de unión entre ambas tramas.
Hay un aspecto en la película, que por el hecho de ser adicional, no es menos importante para el conjunto de la propuesta. Se trata de una muy brillante dirección de arte comandada por la excelente diseñadora de producción Pilar Revuelta. Ella ya ha trabajado con Guillermo del Toro y Pedro Almodóvar entre otros grandes cineastas. Solo este aspecto de la película, ya daría para escribir un libro de esta disciplina. Así que es imprescindible reseñar algunos detalles importantes al respecto. En primer lugar, la elección de los exteriores y sus espacios escenográficos, son claves para fusionar dos narrativas cuando estas están separadas en el tiempo (2008 y 2018). El eje vertebrador utilizado para ello, es el nuevo skyline de la ciudad de Madrid representado en las nuevas 4 torres que acechan como gigantes sobre los personajes representados. Para diferenciar las tramas, en 2008 se muestran en construcción y en 2018, ya acabadas como están en la actualidad. Además la gasolinera, actua como espacio narrativo -otro personaje más- que se muestra en sus distintas etapas históricas. Por otro lado, la escenografía interior -casas, hospitales, colegios- están perfectamente elegidos e integrados en la trama. Lo interesante de todo esto, es que estos espacios no debe ser apreciados por el espectador, sino que deben estar al servicio del argumento y servir para la creación de las emociones de los personajes representados. Ahora bien, si además de disfrutar la película en cuestión, logramos que todos estos elementos se inyecten en nuestra mirada como espectadores, como críticos o como cinéfilos, la experiencia cinematográfica se multiplica de una manera exponencial con cada elemento o gremio cinematográfico (dirección de arte, fotografía, montaje), que consigamos interiorizar de un modo natural.
Esta crítica-río, además de lógicamente reseñar la película en cuestión, pretende demostrar humildemente que la nueva ola de crítica cinematográfica que está surgiendo en los últimos años y denominada "crítica con spoilers" no tiene demasiado sentido. Es completamente innecesario contar el final de una película o explicarlo, ya que la crítica cinematográfica debe aspirar y tiene la obligación además, de poder ser leída antes o después de un visionado, cobrando sentido para el lector en cualquiera de las posiciones temporales en las que se encuentre. Se puede entonces y se debe, sobrevolar sobre la filmación, explicar sus significantes, o valorar algunas escenas, pero sobre todo, se trata de emitir un juicio crítico con lo que el cineasta ha querido transmitir y en que órbita se mueve la narrativa acometida. Hacer un resumen de la película puede estar muy bien, explicar un final confuso hacernos más inteligentes y acometerlo con spoilers puede ser una opción, pero eso no es crítica cinematográfica, es querer sencillamente tomar el camino más sencillo y no trabajar adecuadamente un texto o una vídeo-crítica.
Volviendo y para recapitular ya,El aviso y a pesar de contar con algún agujero en el guión a cuenta de incluir elementos sobrenaturales respecto a posibles reencarnaciones, es una excelente y muy arriesgada apuesta de Daniel Calparsoro. Ha conseguido rodearse de los mejores de cada gremio cinematográfico para crear 90 minutos de un impactante thriller con un suspense sostenido de principio a fin de la cinta. Además, la historia no solo trata de ser un entretenimiento al uso, sino que aborda durante el argumento, temas tan variopintos como el acoso escolar, las enfermedades mentales o el miedo como desencadenante de nuestros propios sucesos. Pero si por algo destaca la película es por afrontar un tema tan peliagudo, controvertido y a la vez tan fascinante como es el destino y si este es inevitable o por el contrario modificable por nuestros comportamientos. A partir de ahí, se establece un dialogo indirecto con el espectador sobre los patrones matemáticos aplicados al crimen, el azar, la serendipia, la sincronicidad de hechos. En cualquier caso, lo importante cinematográficamente hablando, es si durante la proyección estos elementos que se podrían aproximar al género fantástico son creíbles o no para el espectador. Un buen ejemplo de ello, es como en La forma del agua, nadie se preguntó si el hombre-pez pudo ser real, pues se daba por descontado que es un monstruo ficticio y solo se valoró la calidad de la propuesta. En cambio, con El aviso y al introducir elementos no científicos, sobre una trama aparentemente real, se puede generar el debate de la verosimilitud o no de la propuesta. En definitiva, son tantos y tan diversos los elementos narrativos de la película que para abordarlos en su totalidad se podría escribir un ensayo sobre la misma. Esto de por sí es ya una gran noticia, pues no son pocas las ocasiones que tras salir de la sala de cine, nuestro cerebro y en un gran mecanismo de auto defensa para nuestra salud mental, tiende a olvidar de inmediato lo vivido en la gran pantalla y vuelve a centrar su atención en temas tan recurrentes como la comida, el sexo o cual será la próxima foto en subir a Instagram. Con El Aviso, no sucederá esto. Para bien o para mal, saldremos de la proyección pensando en cine y solo en cine.
Nota: 9/10.
Nacionalidad: España.
Director: Daniel Calparsoro.
Reparto: Raúl Arevalo, Aura Garrido,
Hugo Arbués, Belén Cuesta.
Guión: Jorge Guerricaechevarría,
Chris Sparling, Patxi Amezcua.
