Presence: Steven Soderbergh subvierte de manera brillante el cine sobrenatural

Presence dirigida por Steven Soderbergh se ha estrenado en cines españoles el día 7 de marzo de 2025. La cinta fue presentada en los festivales de Toronto y Sitges con una gran recepción por público y crítica. 

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La historia: Rebekah (Lucy Liu), su marido (Chris Sullivan) y sus hijos comienzan a experimentar fenómenos inexplicables tras mudarse a su nueva casa. Las extrañas presencias que se manifiestan a su alrededor les harán cruzar la delgada línea entre la realidad y la percepción. 

La crítica: Creo que las críticas más duras realizadas por este servidor -ya sean en tono sarcástico o en tono más serio- han estado dedicadas al cine de terror por la repetición de argumentos, clichés y demás aberraciones narrativas. Sin embargo, es un género que me gusta y en el que hay miles de opciones para innovar. Aunque estrictamente, Presence se decanta más por ser una película de suspense con leves elementos del cine de horror. Hablamos más bien de cine experimental, pero dirigido por un cineasta muy curtido que sabe dónde se mete y lo más importante sabe como resolver la premisa planteada. 

Y es que en la cinta reseñada se opta por algo tan sencillo y a su vez innovador como cambiar la perspectiva de la narración. Es decir, aquí todo lo vivido se narra a través del punto de vista de un fantasma que habita una casa vacía. En realidad es como si los nuevos moradores fueran los invasores de su tranquilidad. Poco a poco intuiremos el porqué de esa presencia, fantasma o espíritu a la vez que conoceremos a los cuatro miembros de la familia que compra la casa. Por supuesto, Soderbergh huye de todos los clichés: no hay gente poseída, no hay perros endemoniados, tampoco niños siniestros, no hay sustos gratuitos y sí hay un asesino en serie que justifica una trama atractiva. 

Uno de los placeres de Presence está en la elaboración del libreto escrito por David Koepp. Él es un experto en realizar thrillers en entornos restringidos. Y la cinta se desarrolla en el interior de una mansión, sin apenas exteriores lo que conlleva un cierto aire de obra teatral. En cualquier caso y debido a la pericia en el manejo de la cámara todo parece novedoso sin encontrar demasiadas referencias -aunque las hay- en la historia del género. Todo se lleva a cabo en un solo lugar. Ocurren cosas raras y la familia comienza a desmoronarse ante los misteriosos hechos que se van sucediendo. Como espectador quedas enganchado. 

Otro punto fuerte son los 85 minutos de metraje que dan el ritmo adecuado a la historia. De hecho, la realización se toma su tiempo para presentar personajes y peculiaridades de la familia. Con ello se demuestra que el cine de más de 150 minutos en la actualidad está desfasado. Menos es más y lo bueno si breve dos veces bueno como diría Baltasar Gracián. 

El reparto con carácter general resuelve bien su trabajo: Callina Liang, Lucy Liu, Chris Sullivan, Eddy Maday o Julia Fox se sienten muy bien dirigidos por el cineasta. El personaje central es la hija adolescente de la familia. Ha perdido a su mejor amiga por una sobredosis de drogas y lidia con el duelo de manera principal en su habitación y sin mucho apoyo familiar a excepción del padre. Padres y hermano se sienten estupefactos ya que también son testigos de que hay una presencia en la casa por ruidos o cambios de objetos de sitio. En cualquier lugar todo es muy sutil. El único debe que pondría a la película es la poca profundidad de los personajes. Aunque no están desarrollados del todo en la parte final nos haremos una idea general de todo el entramado familiar. 

La técnica es sobresaliente. Abundan excelentes planos secuenciales, tenues toques de música y un espacio escenográfico ideal. La casa es preciosa, se rueda de día, la fotografía es luminosa y la cámara principal hace de los ojos del fantasma. Es decir, lo que comentaba de manera anterior de cambiar la perspectiva visual y narrativa de la historia. 

Presence es original, innovadora y potente ya desde los primeros planos. Un filme que parece ser una enmienda a la totalidad de los patrones utilizados por el género de terror en los últimos años. De esta manera, Soderbergh subvierte, trastoca y revoluciona un género que vuelve a los orígenes del buen suspense y del que seguro el maestro Hitchcock se sentiría muy orgulloso. En definitiva hablamos de una película intensa, sólida y que no dejará indiferente al espectador. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: EE UU

Género: Terror, Suspense

Duración: 1h 25m

Dirección: Steven Soderbergh

Guion: David Koepp

Fotografía: Steven Soderbergh

Montaje: Steven Soderbergh

Música: Zack Ryan

Reparto: Callina Liang, Lucy Liu,

Chris Sullivan, Eddy Maday, Julia Fox.

Nunca te sueltes: atrapados por el bosque

Nunca te sueltes dirigida por Alexandre Aja se estrena en cines españoles el próximo día 15 de noviembre de 2024. La cinta de suspense sobrenatural está protagonizada por la ganadora del Oscar® Halle Berry, Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. 

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La historia: Una angustiada madre (Halle Berry) y sus dos hijos viven en una cabaña en el bosque bajo el influjo de un espíritu maligno, «el Mal». Necesitan estar conectados en todo momento a los cimientos de su cada vez más destartalada casa, aferrándose los unos a los otros, llegando incluso a atarse con cuerdas. Pero a medida que la comida escasea, los niños empiezan a preguntarse si «el Mal» es real y los lazos que los unen se rompen, desencadenando una aterradora lucha por la supervivencia.

La crítica: Con una premisa inteligente que cambia el papel de la casa encantada por el del bosque encantado ya al menos observamos una vuelta de tuerca en este subgénero tan maltratado. Ahora la morada -una cabaña en el bosque- es el lugar seguro a la vez que refugio de los extraños acontecimientos que parecen están ocurriendo en el exterior. Yendo un poco más allá , el cineasta trata de hacer una disertación sobre el bien y el mal que por momentos se siente forzada. 

El visionario cineasta francés Alexandre Aja (Las colinas tienen ojos, Infierno bajo el agua), dirige este inquietante thriller psicológico de terror que promete una montaña rusa de emociones y giros inesperados que explora los límites de la protección familiar y el terror sobrenatural. También nos habla de la locura, los miedos heredados y lo más importante es que consigue mantener el suspense hasta el final de la película e incluso un poco más allá. El final un tanto abierto busca a ver si suena la flauta en taquilla y tenemos secuela. Sería innecesaria.

Nunca te sueltes parte de la siguiente pregunta: ¿y si hay una familia confinada en su casa por culpa de una fuerza maligna exterior que les persigue, pero la fuerza es incapaz de traspasar la seguridad de sus muros? En realidad es algo más sencillo de lo que parece. Antes o después la comida se acabará, las cuerdas "mágicas" que les unen en las salidas al bosque o alguna lesión hará que alguien de la familia se vea obligado a atravesar el perímetro y comprobar si hay alguien dispuesto a ayudar. 

La cuestión es que la madre y cabeza de familia asegura que el bosque y el mundo está maldito siendo la cabaña la única salida que les queda. Hasta que uno de los hijos comienza a dudar de la madre ante los comportamientos que se están volviendo perturbadores para la familia. Esas dudas que el espectador hace suyas comprometen la estabilidad familiar con un giro inesperado que se produce de manera sorprendente cuando aún queda bastante metraje por delante. No hablamos de que director y libreto estén descubriendo el Cine, pero si que se observan rasgos distintivos y originales en la narrativa. 

Buen papel de Halle Berry con un personaje traumado, casi inmovilizada por un miedo real o sugestionado y qué en su lógica actúa como una madre coraje para proteger a sus hijos. Está convencida de que el mal se ha extendido por el bosque, pero sus extrañas visiones hacen dudar de la veracidad de su teoría. Buenas interpretaciones también de los niños Percy Daggs y Anthony B. Jenkins. Tampoco nos olvidemos del perro -no podía faltar este elemento- ya que en esta ocasión tiene incluso una secuencia clave para la narración.

En la técnica destaca el ambiente de fábula, de cuento de hadas que el director construye para la historia. La producción se decantó por una localización a las afueras de Vancouver, en la Columbia Británica (Canadá). Se ha escogido una casita abandonada a modo de cabaña dotándola de simbología, velas, y diferentes aspectos con toques de hogar mágico. Los bosques que la rodean son increíbles, naturales, increíblemente musgosos y con ecosistemas diferenciales. 

Nunca te sueltes es original, asfixiante y por otro lado poco emotiva para lo que busca su cineasta. Un filme que nos habla de la siguiente triada: locura, miedo e hiperprotección. Hablamos de una cinta con muchos símbolos, mucho simbolismo por todas partes y muchas capas. Capas de historia. Capas de psicología. Capas de relaciones. Todo inmerso en una especie de cuento de hadas oscuro y aterrador. Y  como en todos los cuentos de hadas, el escenario fantástico refleja un miedo demasiado real, en este caso: la protección.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: EE UU

Título original: Never Let Go

Género: Terror, Suspense

Dirección: Alexandre Aja

Guion: Kevin Coughlin

Música: Robin Coudert

Fotografía: Maxime Alexandre

Duración: 100 minutos

Reparto: Halle Berry, Percy Daggs IV, 

Anthony B. Jenkins, Matthew Kevin Anderson

¡Qué maravilloso es el cine! Extraños en un tren

¡Feliz año nuevo, feliz año 2020!

Aniversario de Cine y críticas marcianas

El 3 de enero del año 2016 veía la luz la primera publicación de este rincón cinéfilo. Mi objetivo consistía en algo tan sencillo como tener en el entorno digital lo que llevaba años redactando en mis cuadernos de cine. Hoy, por tanto, se cumplen 4 años de ese mítico día para la cinematografía mundial 😂. Tras más de 300 publicaciones seguimos adelante con fuerzas e ilusiones renovadas. Muchas gracias a todos y sed bienvenidos de nuevo. 

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Extraños en un tren

En el año 1951 Hollywood estrenó dos películas con premisas similares. Ambas estaban enmarcadas con el cine negro como telón de fondo. De Un lugar en el sol ya hablamos en su día y de Extraños en un tren lo haremos hoy. Con ello, comenzaremos el año 2020 volviendo una vez más a pivotar en torno al cine clásico. Lo curioso de estas dos cintas es que ambas confluyen de alguna manera en la gloriosa Match Point del maestro Woody Allen.

Las tres películas cuentan con elementos comunes en su narrativa: amor, celos, crímenes, pasiones, trastornos de la personalidad, posicionamiento social, personajes siniestros, investigación policial y sobre todo utilizan el suspense como medio unificador de las tres narrativas expuestas.

En el caso de Extraños en un tren, Hitchcock quedó muy impactado con la novela homónima  de Patricia Highsmith y ordenó a Raymond Chandler la escritura del guion para adaptar la novela al cine. La cinta supuso el exitoso debut cinematográfico del mago del suspense con Warner Bros. Después, con el mismo estudio, llegarían Yo confieso y Crimen Perfecto. Una vez ya consagrado firmó con Paramount Pictures para realizar La ventana indiscreta con los inolvidables James Stewart y Grace Kelly. 

Extraños en un tren comienza con una deliciosa secuencia con la cámara siguiendo los zapatos de los dos protagonistas masculinos. En un momento dado sus pies chocan en un acomodado vagón de tren. Esos dos extraños son Guy (Farley Granger) y Bruno (Robert Walker). El primero es un conocido tenista profesional en proceso de separación matrimonial. Y el segundo es un joven vividor con problemas psicológicos que odia a su padre. Sin embargo, adora a su extravagante madre. 

En un momento de la conversación, Bruno propone al joven tenista un intercambio de crímenes. Él, se encargará de matar a la esposa de Guy y el deportista a cambio tendría que matar al padre de Bruno. El objetivo de este siniestro personaje es heredar los bienes de su padre y facilitar de facto el divorcio del hombre al que acaba de conocer.

El joven tenista no hace caso a la extravagante propuesta y la declina no sin antes escucharla. Al cabo de unos días la esposa de Guy aparece asesinada y Bruno se presenta en casa del joven. El objetivo de la visita consistía en reclamar para sí la parte un trato que solo existía en su imaginación.  

La película muestra algunas diferencias con la novela. Estas se centran, entre otras cosas, en el personaje de Guy. Él, en la novela es un joven arquitecto mientras que en la película es un deportista. Además, en el libro (más negro, doloroso y reiterativo que el largometraje) este personaje si acepta el plan de Bruno. Pero a Hitchcock no le convencía esa parte y optó por dar al personaje de Guy un halo de ambigüedad.

Incluso se escribieron tres finales distintos. De ellos, se rodaron dos. De hecho, hay una copia alternativa británica firmada por el propio mago del suspense en la que la resolución es sutilmente distinta. Para realizar esta retro-reseña he podido ver las dos copias (la americana y la británica) y aunque los dos finales alternativos no cambian nada relevante son distintos. Es decir, no es una leyenda urbana.

En cualquier caso la cinta trata de establecer una conversación directa con el espectador sobre la codicia, el amor, el crimen y el egoísmo. Aunque el filme está en la órbita del cine negro la investigación policial no es lo que prevalece en el libreto adaptado. Más bien es una película centrada en la psicología de los personajes en los que ya asoman los primeros ribetes del film Psicosis. Y es que con el personaje de Bruno podemos apreciar como Hitchcock siembra la primera semilla de los significantes del mítico Norman Bates. De hecho, las relaciones edípicas ya aparecen con fuerza en el argumento central de Extraños en un Tren. 

El reparto de la película encuentra un desigual soporte sobre la base de sus dos personajes principales. Farley Granger se mete en la piel del tenista que es presionado a tres bandas. 

La primera fuente de presión proviene de su actual esposa que no consiente en divorciarse de él a pesar de que ya no le ama. Buena interpretación de Kasey Rogers que aparece con gafas en la cinta. A través del reflejo de las lentes de la actriz, Hitchcock filma el asesinato clave de la cinta de una manera muy original. 

La segunda fuente de presión para Guy se sustenta sobre la nueva relación amorosa que ha comenzado tras romper con su esposa. Este papel es interpretado con delicadeza por la diva hollywoodiense Ruth Roman. 

Y la tercera y más importante fuente de presión proviene de Bruno. Éste intensifica cada vez más sus contactos con Guy para que el tenista cometa el intercambio de asesinatos. En este papel nos encontramos con la mejor interpretación del reparto. Se encargó de llevarla a cabo un gran Robert Walker. Por último, y como curiosidad adicional, cabe señalar que Patricia Hitchcock tuvo un pequeño papel haciendo de la hermana de la nueva enamorada de Guy. Tampoco quiero dejar de recordar el habitual cameo del propio Alfred Hitchcock subiendo al tren con un enorme instrumento musical. 

En los apartados técnicos la película fue nominada al Oscar en la categoría de Mejor Fotografía en Blanco y Negro. Otro aspecto a destacar fue la gran dirección de arte en la recreación de los trenes y en el buen diseño del parque de atracciones que es el círculo concéntrico de toda la película. De hecho, el centro de recreo cobra mayor importancia que el propio tren que da título a la filmación. 

La película se situó en el top-10 del año 1951 del National Board of Review y Alfred Hitchcock fue nominado como Mejor Director por el Sindicato de Directores. Sin embargo, la Academia de Cine le ignoró. 

Extraños en un tren es una gran adaptación de la novela con la que Patricia Highsmith deslumbró en su debut literario. La cinta es un compendio de los gustos tanto de la escritora como del director. En definitiva, nos encontramos un filme seco, siniestro y a la vez divertido. Una película que nos habla de tragedias, chantajes emocionales y que nos deja un sarcástico mensaje final: "nunca hables con extraños". 

Nacionalidad: Estados Unidos.

Título original: Strangers on a Train.

Año: 1951.

Duración: 101 min.

Dirección: Alfred Hitchcock.

Guion: Raymond Chandler, Czenzi Ormonde

Novela: Patricia Highsmith.

Música: Dimitri Tiomkin.

Fotografía: Robert Burks (B&W)

Reparto: Farley Granger,  Ruth Roman, Robert Walker, Leo G. Carroll, Patricia Hitchcock, Howard St. John. 

Esta crítica participa fuera de concurso en la XVII Edición de El Tintero de Oro dirigido por David Rubio Sánchez. La parte central de este texto se publicará a finales de enero en la revista digital del mismo nombre junto a todos los relatos y reseñas participantes en el reto. 

Al final del túnel

"Nunca trabajes ni con niños, ni con perros ni con Charles Laughton."
- Alfred Hitchcock.

Esta mítica frase pronunciada por el maestro del suspense es muy significativa en relación a los problemas e imponderables que pueden surgir en la filmación de una película. El cineasta argentino Rodrigo Grande se atreve a trabajar con niña y perro (con Laughton ya no es posible), y además en el género cinematográfico preferido por el genio del suspense (suspenso en Hispanoamérica). Aunque esto es anecdótico, si le añadimos agua, oscuridad y el personaje principal en silla de ruedas, el atrevimiento del director del filme merece un gran aplauso. Si observamos que factura una buena película, como es el caso, la admiración del espectador debe estar garantizada. Pero vayamos por partes, como diría Jack el destripador.

La historia: Joaquín (Leonardo Sbaraglia) es un hombre solitario, extraño y taciturno que reside junto a su viejo y amado perro en una gran casa que tiene prácticamente abandonada. Después de quedarse en silla de ruedas por un accidente, se dedica a castigarse mentalmente y a pequeños trabajos de reparación de ordenadores. Para complementar sus ingresos, decide alquilar una habitación a una joven madre (Clara Lago) y a su pequeña hija. La misteriosa mujer revitalizará su desilusionante vida. Pero no será todo tan bonito como parece. Debajo del sótano de Joaquín, una banda de atracadores está cavando un túnel para perpetrar un robo a un banco que esta en las inmediaciones de la casa. La historia dará un giro espectacular y sorprendente.

La intriga y el suspense son mi genero preferido en el cine. Sin embargo, he de decir que es el género cinematográfico con más dificultades para escribir sobre él. Por lo tanto, lo que trataré de hacer será sobrevolar sobre la cinta sin desvelar detalles que puedan perjudicar el visionado de la misma. En este tipo de películas el primer visionado es el más importante; por lógica, en posteriores visitas a la cinta, el factor que genera angustia, estupefacción o miedo tiende a perderse. Esta es la grandeza pero también la miseria de este tipo de cintas.

Cine de atracos también. Tras la exitosa cinta 'Cien años de perdón' el cine hispano-argentino vuelve a unir sus fuerzas para revitalizar este tipo de películas que renuevan sus premisas cada poco tiempo. La fascinación que algunas veces sentimos por el cine de robos a bancos, nos hace ver que a veces refugiados en la oscuridad de la gran pantalla, todos o algunos de nosotros nos podamos sentir identificados con los fascinantes planes que diseñan los ladrones.

En esta ocasión, el director pretende lo contrario. Es decir, fija su mirada en el lado más realista y revocatorio en contra de este tipo de delincuencia organizada. No hay que olvidar que en la vida real no son pocas las personas que se han dejado la vida por culpa de estos planes que en la realidad tienen poco de glamourosos y mucho de violentos.

Pero volviendo al largometraje en sí, hay que decir que en todo momento el gran pulso narrativo que consigue el director está incluso por encima del libreto que tiene cierta originalidad por si mismo. Pero lo destacable es el fuerte ritmo que se va imponiendo a lo largo de la trama y que inteligentemente transcurre de menos a más. 

La parte final es fuerte, pero quizás en su ultimo tercio la producción es poco creíble. Sin hacer ningún tipo de spoiler, si comentaré que en el broche final tiene cierta blandura hábilmente escondida en alguna escena fuertemente violenta. 

El elenco artístico es prácticamente sobresaliente. Leonardo Sbaraglia está en plena disposición para dar el salto definitivo a Hollywood. Otra cosa es que él este dispuesto a tal labor ya que ofertas no deberían faltarle. Tiene la expresividad, el carácter e incluso el físico adecuado para ello. Clara Lago (Ocho apellidos vascos) sorprende para bien en el papel de femme-fatale. Quién hubiera pensado que la dulce niña de la película 'El viaje de Carol' se podría convertir en una bailarina de striptease con un fuerte carácter. Pablo Echarri interpreta al jefe del equipo de ladrones y lo hace de una manera soberbia. Echarri también se encarga en esta ocasión de parte de la producción ejecutiva de la cinta. Federico Luppi tiene un breve papel en la película dejándonos detalles muy importantes. La niña Uma Salduende revoca al maestro Hitchcock y actúa con corrección. Los niños por lo general son excelentes actores por su naturalidad... otra cosa es la "guerra" que puedan dar en el set de rodaje.

Otros detalles técnicos a destacar serían la buena coordinación de los efectos visuales a cargo del mítico ya, Reyes Abades. La fotografía nocturna es excelente con bastantes planos a contraluz que son una auténtica maravilla técnica. La música interpretada por la orquesta sinfónica de Budapest es bastante correcta y se rige por los clásicos sonidos del cine de suspenso. Lo que resulta absolutamente incomprensible es la disonancia entre el estreno en Argentina en Abril y la llegada a España prácticamente de tapadillo, y sin apenas promoción. Teniendo en cuenta que Warner-Bros tiene los derechos de la cinta todo parece indicar que la película quiere ser solapada para intentar vender un remake a Hollywood.

Como conclusión final, el largometraje se siente especialmente bien diseñado y es un soplo de aire fresco para cine hispano-argentino. 

La tensión in-crescendo de la trama es un buen punto de apoyo salvando así las dudas que pudiera dejar la dudosa credibilidad de la parte final de la trama. Para amantes del cine de intriga, Al final del tunel, es una buena opción.

 Nota: 8/10.

Título: Al final del túnel.

Nacionalidad: Argentina, España.

Director: Rodrigo Grande.

Reparto: Leonardo Sbaraglia,

Clara Lago, Pablo Echarri,

Federico Luppi, Uma Salduende.

Fotografía: Félix Monti.

Metraje: 120 minutos.

Estreno Argentina: 21 de Abril de 2016.

Estreno España: 12 de Agosto.

Infierno Azul (The Shallows)

¿Existe el género cinematográfico de tiburones? Bueno exista o no, esta es la premisa que nos encontramos en esta película. Es una nueva vuelta de tuerca al "cine escualo" donde el malo de la película es un malvado tiburón que se quiere zampar a la rubia de turno.

Nancy es una joven estudiante de medicina que decide tomarse unos días de vacaciones en una apartada playa de México. Allí desatará su pasión el surf. Lo que en principio iban a ser unos momentos idílicos se convierten en un infierno. La joven se queda atrapada en unos rocas a escasos 180 metros de la orilla y en la zona de alimentación de un enorme tiburón blanco. Sola y sin ayuda, tendrá que afrontar la experiencia mas dura de su vida para intentar conseguir su supervivencia. Su ingenio y determinación se pondrán a prueba.

Jaume Collet-Serra, el taquillero director español afincado en Estados Unidos, se pone a los mandos de esta producción para intentar triunfar en la taquilla de los cines americanos. En todo caso no deja de ser un film plenamente comercial aprovechando el verano boreal y los días de playa por venir. Cine de aventuras en el mar que bebe de otras muchas fuentes. Existen referencias a la ya clásica 'Tiburón' de Steven Spielberg y recordándonos también a 'Náufrago' de Robert Zemeckis. En Infierno Azul se sustituye la famosa pelota con la que hablaba Tom Hanks por una gaviota herida que hace compañía a Nancy en su particular naufragio.

Infierno Azul es un intento de epopeya marina de irregular resultado. El director por darle un cierto formato de videoclip apoyado en algunas novedosas imágenes que utilizan las videollamadas por teléfono móvil como hilo narrativo. Con ello nos da  a conocer el pasado de Nancy. Esta, después de haber sufrido un importante revés emocional en su vida, busca en la soledad y en la aventura superar una dura situación personal que dará un giro cuando se vea envuelta en una batalla por su propia supervivencia.

Es cierto que el ajustadísimo metraje de la película se siente acertado en esta ocasión. Sin llegar a la hora y media de rigor la trama no es redundante en exceso. Hay que tener en cuenta que la producción está sustentada en un solo personaje y los diálogos por lo tanto muchas veces se convierten en monólogos. A veces se utiliza en otras el recurso de la gaviota herida que servirá como interlocutora para así apreciar las evoluciones de la protagonista.

El resto de personajes son algunos oriundos del lugar pero con muy poco peso en la filmación. Algunas imágenes de las heridas que sufre Nancy tras uno de los ataques del tiburón están perfectamente conseguidas. Grandes efectos visuales que sustentan bien la propuesta. Ella misma tendrá que proceder a suturarse una de las heridas valiéndose de los pocos materiales que tiene a mano tras su naufragio particular en una cirugía casi documental.

La actriz Blake Lively alcanzó la notoriedad por su aparición destacada en la serie de televisión 'Gossip Girl' y aquí se nos muestra como una actriz ya en plena madurez profesional. Su estilo "Old Hollywood", más su correcta evolución interpretativa, ha hecho que Woody Allen haya contado con ella para su último proyecto de inminente estreno en Estados Unidos titulado 'Café Society'. Por otra parte, el excelente actor Oscar Jaenada (Cantinflas) tiene una pequeña aparición que sin embargo resultará determinante para el desarrollo de la acción.

Además de los efectos especiales ya reseñados, lo mejor de esta producción esta bajo mi punto de vista en la extraordinaria utilización de la fotografía por parte del director de la misma. El encargado de la misión es el donostiarra Flavio Martínez Labiano que da una verdadera lección en la utilización de la gama cromática.

En conclusión, nos encontramos ante una propuesta con aromas de serie B con más continente que contenido, pero que trata de profundizar en el desafío humano por la supervivencia. Para los amantes del cine de aventuras con ciertos toques de suspense puede pasar la prueba de una tarde veraniega. Jaume Collet-Serra es honesto y ha pensando en realizar un producto para divertir...

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jaume Collet-Serra.

Reparto: Black Lively, Oscar Jaenada,
Brett Cullen, Sedonia Legge.

Música: Marco Beltrami.

Fotografía: Flavio Martinez Laviano.

Guión: Anthony Jaswinski.

Estreno U.S.A: 24/06/2016.

Estreno España y México: 15/07/16.

El Hombre Perfecto (Un Homme Ideal)

El guión es a mi parecer la clave de una buena película. Sin este preciado elemento bien diseñado solo nos queda el vacío. Por mucho que se empeñen unos buenos actores, una buena fotografía o una excelente música, sin una buena historia todo el trabajo se puede ir al cubo de la basura. 'El Hombre Perfecto' parte de un gran guión escrito por el también director de la la cinta el francés Yan Gozlan.

La historia: Mathieu es un joven escritor que no consigue que sus manuscritos sean publicados por ninguna editorial. Mientras tanto, se gana la vida trabajando en una empresa de mudanzas como peón ayudante de las mismas. Un día en el traslado de unos muebles, descubre un manuscrito de un escritor ya desaparecido y decide hacerlo suyo. Lo envía a un consejo editorial harto de tantos rechazos a sus escritos. Por respuesta, recibe el ansiado sí. A partir de ahí una serie de acontecimientos desencadenados por su engaño, le complicaran su gran falso éxito. Gracias a esta mentira pasa a tener una vida llena de lujos que también le llevan a conquistar a una joven adinerada y muy interesada en la literatura.

La crítica: De nuevo cine y literatura unidos en primera persona. Siempre lo están, pero a veces olvidamos que una película siempre parte de un texto escrito ya sea este una novela, una obra teatral o un guión original.

Lo que empieza siendo una historia convencional, se convierte en un muy interesante thriller de suspense que nos va atrapando poco a poco en el bucle de mentiras en el que se implica su protagonista. Las falsas apariencias, la doble moral y el plagio son los elementos fundamentales en los que se mueve la producción. Además, lo realmente interesante es que nos sentimos identificados con el estafador y somos cómplices de él con la magia del cine como excusa.

¿Y porque sucede que en el cine nos identificamos con algún villano, con algún mafioso o simplemente con un mentiroso? Pues por un buen guión. Realmente cuando sucede esto es porque el director a través de este instrumento nos consigue atrapar en su red hasta el final del largometraje. Estamos tan inmersos en la historia que por dos horas en nuestra imaginación y tal vez sin quererlo, somos cómplices en nuestro subconsciente de todo tipo de tropelías que luego en cualquier debate con amigos condenaríamos sin dudarlo.

Por otra parte, comprobamos cómo una mentira de tamaño tan colosal como es apropiarse de un manuscrito de otro escritor, lleva al joven Mathieu a tejer un engaño tras otro para conservar su nuevo nivel de vida, su fama sobrevenida y a su bien posicionada pareja. El problema surge cuando el editor le empieza a urgir para presentar su segunda novela, y el talento del suplantador no está a la altura. 

Lo más curioso de todo es que la película me recuerda muchísimo al planteamiento de otra titulada 'The Words' del año 2012 con Bradley Cooper como protagonista. ('El Ladrón De Palabras' en España y 'Palabras Robadas' en Hispanoamérica). Esto abriría de nuevo el debate entre los paralelismos intelectuales o los plagios en el cine.

Como yo no soy juez y confió en la buena voluntad de las personas no seré yo el que acuse al director francés de plagio. Por otra parte, cabe decir que en el transcurso de la trama la cinta toma caminos bastante diferentes. 

En el reparto nos encontramos a Pierre Niney queda vida al joven escritor. Un notable interpretación de un actor de método y con un inmenso futuro al menos en el cine francés. Sus rasgos físicos me recordaban en algunos matices al extraordinario actor Adrien Brody cuando tenía su misma edad. Le da buena réplica la actriz Ana Girardot en una actuación realmente convincente. Por cierto, actriz que me recuerda por sus rasgos físicos a la actriz y ex primera dama francesa Carla Bruni. El resto del reparto no está a la altura de los dos protagonistas y tanto los padres de la novia, como el amigo de la familia (Thibault Vinçon) hacen un trabajo frió y descorazonador.

La música acompaña con acierto las fases de más suspense de la filmación. El montaje es fácil de diseñar y la fotografía es de buen gusto, sobre todo en las localizaciones exteriores que realzan la belleza de los parajes franceses. La dirección artística es magnífica, y recrea con acierto la lujosa villa donde se traslada a vivir la joven pareja). 

Para concluir, resaltaría que estamos de enhorabuena con la películas que nos llegan desde Francia en los últimos años. Sus cineastas han hecho un esfuerzo por mostrar cercanía con los espectadores, y su cine ya no peca de la excesiva pedantería que para algunos destilaban sus producciones. En cualquier caso, estaremos atentos a las nuevas propuestas de la cinematografía gala. De momento, El hombre Perfecto se salda con un notable éxito artístico. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Francia. 

Director: Yan Gozlan.

Reparto: Pierre Niney, Ana Girardot,

Thibault Vinçon, André Marcon, 

Valéria Cavalli, Marc Barbé.

Fotografia: Antoine Roch.

Música: Cyrille Aufort.

Estreno en España: 13 de Mayo de 2016.

Estreno en Francia: 18 de marzo de 2015.

 

Calle Cloverfield 10

¡Bueno, bueno, bueno!

Seguimos de enhorabuena con las películas de misterio. Calle Cloverfield 10 es un thriller de suspense apocalíptico que llega de la mano del productor cinematográfico J.J.Abrams. La cinta supone una extraordinaria ópera prima en la dirección de Dan Trachtenberg.

En esta ocasión, la historia está basada en la experiencia de una joven que tras una discusión con su novio, tiene un accidente de coche y es rescatada por un extraño hombre. Este, la lleva a su peculiar casa para ofrecerle auxilio, y para protegerla de unos misteriosos sucesos que están ocurriendo en los exteriores de la ciudad.

Pues bien, lo primero que hay que destacar es el gran guión sobre el que descansa la producción y que fue obsequiado con un prestigioso premio internacional. Aunque el film se pensó como una segunda parte de 'Cloverfield' de Matt Reeves, se descarto la idea y funciona como trama absolutamente independiente. Ahora bien, hay que reconocer que la película bebe de la fuente de muchas otras.

La presentación nos recordará inevitablemente a 'Saw', el desarrollo a 'Blast from the past' y en general nos traerá reminiscencias a la mítica serie 'Cuentos asombrosos' de Steven Spielberg.

Hace poco manteníamos un debate en una publicación amiga, con respecto a si este tipo de coincidencias se podrían considerar un plagio, una inspiración o un abuso en los homenajes a otras cintas. Difícil cuestión, pues es complicado determinar si hay buena o mala fe o por el contrario nos podríamos encontrar ante algún tipo de paralelismo intelectual. Creo que el debate queda abierto por mucho tiempo.

"Acogedora" habitación para recibir a un huésped

Los monstruos tienen muchas formas. Esta es la leyenda que nos encontraremos en el póster promocional y que solo entenderemos una vez finalizada la proyección. Los productores además se encargaron de mantener el rodaje de la cinta en el máximo secreto posible con el fin de no recibir ningún tipo de spoiler. No seré yo el que los haga. 

Destacar el espectacular sonido y la impresionante fotografía. Es tal la nitidez de la misma que en algún primer plano de la actriz protagonista, se pueden apreciar las lentes de contacto que tiene en sus ojos. Es cierto que esto se produce por estar la cinta rodada en digital de alta definición, cosa que me parece una auténtica revolución silenciosa en el cine. No abogo por la desaparición del celuloide, porque creo que los dos formatos pueden coexistir y enfocarse a los distintos géneros cinematográficos eligiendo el más adecuado para cada ocasión.

En cambio, la deficiente utilización de la música, resta puntos al clima de la historia pues ocupa un lugar predominante en muchos momentos. En mi opinión, la música en el cine debe ser un acompañamiento para subrayar algunos momentos de la trama sin opacar a la narrativa. 

Poniendo orden

John Goodman nos regala la mejor interpretación de su carrera. Está espectacular, y su imponente presencia, desborda a John Gallagher J.R y a Mary Elizabeth Winstead que parecen unos aprendices de teatro.

La parte final de la película es la que más polémica va a generar en el espectador. Por eso, y sin hacer ningún tipo de "spoiler", creo que tendrá detractores y partidarios por el cambio de género cinematográfico que se produce. A mí, este cambio no me convenció pues rompe con la estructura del género principal de la trama.

Recapitulando ya, nos encontramos ante un gran debut en la dirección de Dan Trachtenberg que juega con el espectador y le convierte en una auténtica marioneta en sus manos. 

Nota: 9/10

El regalo (The Gift)

Peliculón sin ningún tipo de reservas. Mañana 18 de Marzo, llega a las salas de cine españolas esta producción que ya había pasado por el festival de cine de Sitges 2015. Allí Joel Edgerton ganó el premio al mejor actor por su extraordinaria interpretación en este film. Además es su debut en la dirección y también es productor y guionista de la película. Podríamos decir entonces que es la obra por la que ha apostado todo y lo ha conseguido todo.

La historia trata sobre una pareja que se traslada a vivir a otra ciudad en una nueva, apartada y preciosa casa en las afueras de la urbe. En una tarde de compras, la pareja se encuentra con un extraño amigo de Simon (Jason Bateman).  Este contacto les deja algo desconcertados. A partir de este momento, comienzan a suceder una serie de hechos concatenados que dejaré en el misterio para no desvelar la trama de la cinta. 

El inquietante amigo

Obra cumbre del género de suspense o suspenso - como diría el amigo y gran divulgador Alfredo García, (en Hispanoamérica se usa esta afección extraída del latín). La cinta consigue mantener la atmósfera de tensión y desasosiego durante los mas de 100 minutos que dura la acción. Además, logra el más difícil todavía y es que la trama consiga ir de menos a más, con un ritmo adecuado y siempre "in crescendo". La resolución de la propuesta es de una maestría impropia para un cineasta debutante. Sencillamente genial.

Algunas veces, este género está lleno de tópicos y sustos totalmente gratuitos, pero en El regalo no es así. Aquí nos encontramos ante un ejercicio de estilo y sutileza que nos reconforta. En definitiva nos lleva a los mejores patrones del cine clásico, y atemporal.

El film también nos habla de los errores cometidos en el pasado y sobre la posibilidad de redención que nos puede ofrecer la vida. La mentira y el engaño son otros temas sobre los que nos habla la cinta. Su sutil narrativa no nos abruma queriéndonos colocar un mensaje. Así no resta posibilidades de éxito artístico a la obra que es de lo que se trata en última instancia.

Si de interpretaciones hablamos, sorprende gratamente Jason Bateman (Juno) un actor normalmente "gris", pero que se destapa con una agresiva interpretación en la que saca una versión de sí mismo muy interesante. Rebeca Hall, en cambio, se limita a interpretar con corrección su papel de mujer asustada. Joel Edgerton como actor está impresionante en su interpretación. 

Matrimonio desconcertado

Un placer ir al cine y encontrarse con esta grata sorpresa. Aún así, me permito advertir que cuando leemos algo tan positivo sobre una obra, existe el peligro de generar demasiadas expectativas que luego puedan llevar a una decepción cuando visionemos la película. Por eso, os pediría que llevéis vuestro propio criterio al cine y tengáis la mente abierta para disfrutar de la película.

Yo solo puedo añadir que el film me mantuvo absolutamente absorto y pegado a la butaca. Además, cuando no miras el reloj ni una sola vez en todo el metraje, eso es señal, que lo que sucede al otro lado de la pantalla es un auténtico regalo. 

Nota: 10/10.