Miss Carbón: rompiendo moldes

 

Miss Carbón dirigida por Agustina Macri se estrena en Filmin el próximo día 10 de octubre de 2025. La cinta hispano-argentina está protagonizada por Lux Pascal (la hermana de Pedro Pascal) y Paco León contando la historia real sobre la primera mujer minera de la Patagonia argentina. 

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La historia: Narra la historia real de Carla Antonella Rodríguez, la primera minera transgénero en una región de Argentina donde las mujeres tenían prohibido el trabajo en las canteras. Una pionera en muchos sentidos y que cambió de sexo de hombre a mujer a principios de esta década. 

La crítica: El título de la película hace referencia a un concurso de belleza que elegía a su reina cada año entre las mujeres de un municipio minero de la Patagonia argentina. Quizás no era el sueño dorado de nuestra protagonista, pero ocupa un pequeño y pintoresco lugar a lo largo del filme. “Miss Carbón” es la segunda película de una directora novel, Agustina Macri, que ya demostró en su ópera prima, “Soledad”, que los temas sociales se pueden tratar desde una impronta y estética visual diferente. Un proyecto cuyo tema es incómodo para una parte de la sociedad (la que no quiere ver la diversidad como positiva) y unos requisitos de producción que implican rodar en uno de los lugares más difíciles e inhóspitos del planeta, y hacerlo además de manera ambiciosa.

Otro incentivo de Miss Carbón es comprobar como la colaboración cinematográfica entre España y Argentina suele funcionar de manera muy positiva. Esta sinergia ha dado lugar a películas que destacan por su calidad narrativa y alcance internacional. Ejemplos notables incluyen El secreto de sus ojos (2009), dirigida por Juan José Campanella, una coproducción que ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera, y Relatos salvajes (2014), de Damián Szifron, producida con apoyo español, que cautivó al público global con su humor negro. Estas obras reflejan la riqueza del intercambio cultural, fusionando estilos y temáticas que resuenan en ambas audiencias sirviendo como puente entre culturas. 

La cinta se inspira en la vida de Carlita Rodríguez, la primera minera transgénero de la Cuenca Carbonífera, en la Patagonia argentina. Carlita nace en un pueblo patagónico, históricamente extractor de carbón, en una familia tradicional donde los hombres son criados por tradición para ser mineros o gendarmes, no hay mucha más opción. Para Carlita, el despertar sexual se entremezcla con el deber ser masculino que rige en su familia y en su pueblo. Desde siempre, su sueño fue ser minera. Pero ella, no sueña con ser mujer, nace con la convicción de que lo es y su vida se vuelve un camino de lucha y resiliencia para lograr transicionar y ser lo que realmente siempre sintió ser: una mujer con órganos genitales femeninos. Y no por ello, se amilana y decide optar a un puesto de minera sabiendo de antemano que esta opción le va a ocasionar conflictos emocionales, problemas familiares y burlas de los hombres que trabajan en la mina. Se puede decir que es una persona con las ideas claras como se muestra durante todo el ameno relato. 

El yacimiento de carbón de Río Turbio, localizado en la provincia de Santa Cruz, destaca como uno de los centros más importantes de extracción carbonífera a nivel nacional. Su funcionamiento, iniciado en los años 40, impulsó el desarrollo económico de la zona, aunque tradicionalmente la actividad minera estuvo restringida al ámbito masculino. Durante casi ochenta años, la presencia de mujeres dentro de la mina fue impedida por costumbres arraigadas que mezclaban creencias supersticiosas y un machismo muy instaurado. Únicamente el 4 de diciembre, día dedicado a Santa Bárbara —protectora de los mineros—, se les permitía acceder a las galerías de la mina para intentar impedir su descontento. 

La película, que llegó a los cines españoles el pasado 13 de junio de la mano de Caramel Films, cuenta con las interpretaciones de una enorme Lux Pascal — y de Paco León, algo perdido, en una producción que aborda la lucha por la identidad y los sueños que no entienden de géneros. Se establece un romance entre ellos (él es un empleado cualificado de minas) que no parecer llegar a ningún sitio siendo esta parte la más débil del libreto. Para el resto del reparto se opta por trabajar con personas del pueblo y darle a la película la posibilidad de tener rostros locales y patagónicos, que pudieran describir el ambiente y la cultura en la que estaba sumergida Carlita.

En la parte técnica destaca como el equipo enfrentó la urgencia de filmar debido a la amenaza de privatización de la mina y las duras condiciones climáticas, con temperaturas bajo cero y nevadas que complican el acceso. Desde la fotografía con Luciano Badaracco se retrata todo este mundo de una manera real pero no cruda. Aunque está ficcionado, también explora los bordes de lo documental, intentando potenciar los paisajes como contraposición a lo intimista y la manera en que ella miraba el mundo. La película se cuenta desde ella y desde sus ojos. Cómo expresa y manifiesta su deseo de ser minera, cómo se vincula con los hombres, con el placer, con el deseo. Cómo sobrevive en una familia inhóspita, cómo busca nuevos vínculos sociales, madrinas y amigas que le dan cobijo y la posibilidad de tener una familia que nunca tuvo.

Miss Carbón es una cinta que forma, informa y entretiene. El relato nos muestra de manera notable el viaje y la lucha de Carlita desde un enfoque luminoso, contando los rechazos y las dificultades que tuvo alrededor del camino intentando mostrar el paisaje y el lugar hostil, pero, sobre todo, bello y abrumador. La película trae una temática muy actual y vigente. Asimismo muestra con eficacia las dificultades, el rechazo y las injusticias que todavía tiene que atravesar una persona trans a la hora de enfrentarse a la sociedad. En un mundo intolerante, la historia de Carlita nos deja un mensaje de amor y de esperanza, por nuevas oportunidades y por una mayor tolerancia incluso para aquellos que no asimilen esta realidad.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España, Argentina, 2025.

Duración: 93 minutos.

Dirección: Agustina Macri.

Guion: Agustina Macri, Erika Halvorsen. 

Fotografía: Luciano Badaracco.

Música: Maite Arroitajauregi.

Intérpretes: Lux Pascal, Paco León,

Laura Grandinetti, Romina Escobar.

El Jockey: magnética, original y extravagante

El Jockey dirigida por Luis Ortega se estrena en cines españoles el próximo día 30 de mayo de 2025. El filme argentino se alzó con el premio Horizontes latinos en el Festival de San Sebastián, fue seleccionado para competir por los Oscar por Argentina y además compitió por el Goya en la categoría de Mejor Película Iberoamericana.

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La historia: Remo Manfredini (Nahuel Pérez) es una leyenda de las carreras de caballos, pero su comportamiento autodestructivo empieza a eclipsar su talento y a amenazar su relación con Abril (Úrsula Corberó), jinete y pareja de Remo. Ambos trabajan para Sirena, un poderoso empresario. En la carrera más importante de su vida, Remo sufre un grave accidente y desaparece del hospital sin dejar rastro. Sirena le está buscando y Abril tendrá que encontrarlo antes de que sea demasiado tarde.

La crítica: En primer lugar cabe decir que la hípica y el mundo de los caballos son solo una mera anécdota para adentrarnos en un filme que se puede considerar una obra sublime o una mamarrachada según sea la mirada de los diferentes espectadores que se enfrenten a ella. Visualmente es portentosa, el trabajo actoral es un deleite, pero su estructura narrativa es una provocación caótica muy bien pensada. La mezcla es tan extraña que podemos encontrar elementos del cine de Coppola, Berlanga y muchos rasgos almodovarianos que nos sitúan ante un universo que en mi caso me ha atrapado hasta el último minuto. El surrealismo se impone, pero lejos de estar forzado es lo que hace distintiva a la historia. 

Imaginativo, radical y con un gran sentido del humor negro, el nuevo largo de Ortega, comienza con una historia sencilla y compresible. El Jockey nos presenta a Remo que es básicamente un ídolo venido a menos caído en el mundo del alcohol y las drogas, pero su jefe mafioso sigue confiando en él como una especie de amuleto por las ganancias obtenidas. Lo tratan de rehabilitar por las buenas o por las malas. Tras un accidente, todo estalla y la narrativa se convierte en un homenaje al cine de lo absurdo. 

El choque entre el mundo interior y el mundo exterior es el campo de batalla donde transcurre la película. Mientras más intenso es el mundo interior del personaje, más violento es este choque con el afuera. Buscando la salvación, El Jockey va cambiando de identidad, viendo si por medio de una u otra puede alcanzar la libertad. Pero todas las identidades están atormentadas. Cuando hablo de identidad hablo de la sexual cosa que comparte con su novia Abril. Una excéntrica, pero divertida bisexualidad va marcando la evolución de los dos personajes principales. 

El mundo del filme parecería estar armado de tal manera que nunca sabremos nada a ciencia cierta. Ni en su final. Pero el verdadero desafío del protagonista es no enloquecer. Y quizás la del público también. Pero repito, a excepción de la parte final -que es interpretativa- la cinta es comprensible apostando por ser un volcán en erupción a costa de perder algo de credibilidad en su narrativa. En cualquier caso la película es extrañamente hipnótica y ahí está su valor añadido. 

El Jockey está protagonizada por Nahuel Pérez Biscayart ('El Prófugo'), Úrsula Corberó ( El árbol de la sangre) y Daniel Giménez Cacho ('La mala educación'). No me acaba de convencer la interpretación de Nahuel Pérez al que veo encorsetado en su papel. Otra cosa es su personaje que evoluciona de una manera colosal. Corberó realiza un gran trabajo con su personaje de Abril que está embarazada de Remo y tiene que lidiar con toda la conflictividad del personaje masculino. Actriz, por cierto, desaprovechada para el cine con apenas un par de películas destacables y centrada en el mundo de las series y de las redes sociales que darán mucho dinero, pero nada comparado a la gloria del cine. Por último, y aparte de los grandes secundarios, destacar a Giménez Cacho en un papel muy en la linea de El Padrino al estilo argentino. 

La técnica objetivamente es una maravilla. El director de fotografía es el maestro Timo Salminen que da un colorido a la película sensacional. La otra parte a destacar es la grandiosa banda sonora con Gardel, Palito Ortega o Nino Bravo entre otros grandes artistas que obran con sus canciones la magia del cine. Se podría hablar de melodrama, pero me decanto por adscribirla al género de la comedia negra.

El Jockey me ha parecido magnética, original y extravagante. A mi juicio es una bendita locura que al contrario de lo que parezca no busca provocar o incomodar al espectador. También tengo claro que no es una película para todos los públicos y que algunos la calificarán como estrafalaria e incluso pedante. En definitiva, hablamos de un tipo de cine que genera debate, provoca reacciones encontradas, pero con la virtud de no dejar indiferente a nadie que se atreva a embarcarse en un submundo tan peculiar y con unos personajes al borde de un ataque de nervios.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina

Género: Comedia negra

Dirección: Luis Ortega

Guion: Luis Ortega

Música: Sune Wagner

Fotografía: Timo Salminen

Duración: 95 minutos

Reparto: Nahuel Pérez Biscayart,

Úrsula Corberó, Daniel Giménez

Cacho, Mariana Di Girolamo ...

Los delincuentes: roba, vive y ama

Los delincuentes dirigida por Rodrigo Moreno fue la elegida por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina para enviar a Hollywood y competir por una nominación en los Premios Oscar 2024. El próximo día 26 de enero se estrena en Filmin. 

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La historia: Morán es un empleado de banca en Buenos Aires que idea un plan para liberarse a sí mismo y a su compañero de trabajo Román de las cadenas de sus empleos: Morán robará suficiente dinero del banco para financiar la jubilación de ambos si Román esconde bien el botín.

La crítica: ¿Vivir para trabajar o trabajar para vivir? Rodrigo Moreno parte de esta pregunta básica para adentrarse de manera ingeniosa en la narrativa de robos a bancos. Aunque los protagonistas lo que buscan en realidad es el atraco perfecto para vivir sin trabajar. 

Los delincuentes dan por hecho que todo saldrá perfecto y que en tres años, se reunirán, se repartirán el dinero y nunca tendrán que trabajar de nuevo. Al partir al campo para cumplir su parte del trato, Román, que es menos intrépido, se encuentra transformado por la visión idílica de Morán sobre la liberación económica, lejos de los rigores de la vida urbana. Pero, ¿cuál es el verdadero precio de la libertad? La culpa va atormentando a Román y su vida se va transformando en una pesadilla. Mientras su compañero espera en prisión con calma.

La película, de más de tres horas de duración, está dividida en dos partes, la segunda de las cuales adopta derivas narrativas que pueden llegar a resultar desconcertantes. Pero a pesar de este extenso metraje, el cineasta se las arregla para que la historia resulte amena e incluso divertida por momentos. El filme también juega con el azar y surge un triangulo amoroso entre los ladrones y una mujer a la que conocen por casualidad.

Daniel Elías interpreta con garbo a Morán que tiene el trabajo de tesorero en un banco de Buenos Aires y sueña con vivir en el campo. También guarda un gracejo muy especial el personaje de Román interpretado con acierto por Esteban Bigliardi. Dos personajes que se enamoran de la misma mujer sin saberlo entre ellos. Una vez que Norma (Margarita Molfino) entra en escena, el argumento cobra colorido y permanece ya durante el resto del tiempo que dura la película. 

El diseño de producción se siente acertado con una buena combinación de espacios interiores -banco, prisión, viviendas- y unas grandes locaciones exteriores. La música es algo chirriante y el sonido directo es correcto. La forma de esta película no se reduce a una consecución causal y lineal de hechos, sino más bien está pensada como un mapa que se va desplegando a cada paso sin saber muy bien adónde nos llevará. Cada personaje, principal o secundario nos ofrece su humanidad o maldad según sea el prisma desde el que se mire. 

Los delincuentes me ha parecido una cinta con muchos alicientes narrativos y con preguntas bien planteadas. Hay cuestiones existenciales y también prácticas que dificultan el sueño de los protagonistas: ¿de qué vivir? ¿cómo vivir sin todo lo que ya tengo? ¿cuándo animarse a llevar a cabo un sueño? ¿cómo salir de la rutina sin dañar a tus semejantes? Los personajes, por tanto, encarnan una fantasía colectiva: independizarse del rigor y las obligaciones de la vida laboral para obtener una vida superior, plena de libertad. Elegir una vida mejor consiste para ellos en algo así como abandonar la ciudad, el trabajo, incluso la familia, e irse al campo, al mar, a la montaña, brindarse al ocio y al acto de no depender de nada ni de nadie. Pero, ¿y si el plan no resulta tan atractivo? El final, que en cierta manera engarza con El tesoro de Sierra Madre, nos llevará a la realidad de la condición humana. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina

Género: Atracos, Aventuras 

Duración: 189 minutos

Dirección y Guion: Rodrigo Moreno.

Producción: Ezequiel Borovinsky.

Dirección de fotografía: Alejo Maglio

Intérpretes: Daniel Elías,

Esteban Bigliardi, Margarita Molfino, Germán De Silva, Laura Paredes.

Empieza el baile: nostalgia en positivo

Empieza el baile dirigida por Marina Seresesky se ha estrenado en cines españoles el día 5 de abril. La coproducción hispano - argentina ha resultado la ganadora del Premio del Público en la sección Oficial del reciente Festival de Málaga 2023. 

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La historia: Carlos (Darío Grandinetti) y Margarita (Mercedes Morán) fueron la pareja de tango más famosa de su época. Tras 30 años sin verse, iniciarán un disparatado viaje junto a su inseparable amigo Pichuquito que los llevará desde Madrid a los Andes, pasando por Buenos Aires, atravesando paisajes y emociones, pero sin abandonar nunca el humor, la ironía más despiadada y la desenfrenada pasión por el baile.

La crítica: Curiosamente, Empieza el baile, se ha estrenado en España antes que en Argentina donde lo hará el próximo 20 de abril. Marina Seresesky es una cineasta argentina conocida por sus filmes La puerta abierta y Lo nunca visto en las que también firmaba el guion. Ambas facetas van unidas desde el inicio de su carrera y que ahora culmina con su mejor película hasta la fecha con gran acogida en el Festival de Málaga. 

En el cine de Marina Seresesky, los actores tienen absolutamente todo el peso de la trama. Cada gesto, cada mirada, cada pequeño matiz nos ayuda a entender la historia. A pesar de tener grandes paisajes, la cámara siempre está muy pegada a los actores, siguiendo muy de cerca sus pensamientos más profundos. En Empieza el baile tiene de nuevo la oportunidad de zambullirse en el abismo de estos personajes complejos y únicos. Y lo hace desde la perspectiva de tres personajes mayores y siempre con una tierna mirada hacia la nostalgia en positivo.

La cinta a modo de road movie nos habla del amor verdadero. De ese amor profundo que no conoce distancias, fronteras y mucho menos el  paso del tiempo. Pero no solo del amor a otra persona, sino de ese amor que se profesa por los lugares y por los momentos en los que fuimos felices. Porque también esta película habla de la memoria compartida. ¿Cómo es posible que dos personas que vivieron lo mismo, lo recuerden de manera diametralmente opuesta? ¿Qué sucede cuando el pasado te nubla el presente y te impide ver el futuro? ¿Cómo se vive si tu amor verdadero es ya solo un recuerdo lejano? ¿Cómo acabará el baile?

Hablamos de tres personajes que rondan los 70 años y que, a pesar de la edad, o gracias a ella, viven de manera apasionada esta peripecia que los arrastra a descubrir su verdadera esencia. Tres grandes interpretaciones para tres personajes frescos y de gran envergadura narrativa. 

Darío Grandinetti interpreta a Carlos. A sus 72 años aún conserva la estampa de su juventud. Se ha reciclado como actor de culebrones en Madrid, donde reside junto con su mujer y su hija. Carlos vive dividido. Su mente y su corazón siguen en Buenos Aires, pero su presente y su nueva familia, en Madrid. Después de tantos años se siente extranjero en todas partes. Glorifica su pasado de famoso bailarín. Idealiza cada recuerdo, cada rincón de su ciudad natal, pero le cuesta enfrentarse cara a cara con lo que fue, y sobre todo con Margarita, su eterna compañera de baile y gran amor.

Mercedes Morán interpreta a Margarita. Al contrario que Carlos, vive en la pobreza más absoluta. Su decadencia física no le ha hecho perder ni un ápice de ese humor ácido del que hace gala en cada ocasión que se presenta. Poco queda de esa mujer que se comía el mundo y a la que todos llamaban “Las piernas de Buenos Aires”. Vive al margen de todo, en el olvido más absoluto, pero su fortaleza le hará urdir un alocado plan para que Carlos la acompañe a cumplir su mayor y único deseo. También aprovechará este viaje para saldar cuentas. Sus reproches avivarán un pasado de celos, abandonos e infidelidades.

Jorge Marrale es Pichuquito. Es algo menor que ellos y ha sido su bandoneonista desde siempre. Ha vivido con ellos todas sus giras, peleas, reconciliaciones, éxitos y fracasos, y finalmente acompañó como pudo el deterioro de Marga. Hombre bueno y con una paciencia infinita, aguantó estoicamente ser siempre el tercero en discordia. Pero Pichuquito tiene un secreto que está a punto de explotar y aprovechará este reencuentro, con la ayuda de algo de alcohol, para sacarlo a la luz.

En la parte técnica destacan los encuadres y la luz de la inmensidad de Argentina. Veremos largas y sinuosas carreteras, paisajes deslumbrantes, cielos enormes, bullicio y soledad, aridez o exuberancia.

Empieza el baile me ha parecido un filme tierno, cómico por momentos y, sobre todo, muy sensible en su parte final. Un final muy bien estudiado que cuadrará las vidas de nuestros tres protagonistas. En definitiva, hablamos de una película que conquista al espectador. Los personajes encuentran su esencia y sus profundos deseos de quedar con las cuentas selladas para afrontar el final de sus vidas con paz, armonía y amor.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina, España

Género: Comedia

Dirección: Marina Seresesky

Guion: Marina Seresesky

Música: Nicolás Guerschberg

Fotografía: Federico Rivares

Duración: 100 minutos

Reparto: Darío Grandinetti, 

Mercedes Morán, Jorge Marrale,

Pastora Vega, Agostina Pozzi,

Lautaro Zera, Marcelo Xicarts

Planta permanente: las pequeñas corrupciones de cada día

Planta permanente dirigida por Ezequiel Radusky se estrena en cines españoles el próximo día 2 de julio. El filme argentino uruguayo se alzó con el premio el Colón de Oro a la Mejor Película de la 46ª edición del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. 

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La historia: Un cambio de gestión en el Ministerio de Obras Públicas de Argentina y la inminente llegada de una nueva directora general, hace aflorar las peores actitudes de los empleados que buscarán a toda costa conservar sus puestos de trabajo. Lila y Marcela, compañeras de toda la vida, no podrán abstraerse de esta situación y cada una intentará sobrevivir a su manera poniendo en peligro su amistad.

La crítica: Con unos escuetos 78 minutos de metraje y el humor negro como referencia contextual, Planta Permanente se podría definir como un inteligente acercamiento a las miserias de la burocracia y, sobre todo, a cómo la falta de diálogo, solidaridad y conciencia de la clase trabajadora abre o facilita el camino para las divisiones internas entre los propios compañeros. La traición aparece como principal frente discursivo de una propuesta lúcida y casi hermana gemela de "La camarista" mexicana. 

En aquella delicada película de Lila Avilés observábamos de una manera sutil y cadenciosa como era la vida de las limpiadoras de un hotel. También conocíamos como funcionaba la maquinaria administrativa y humana del complejo turístico. En esta ocasión, Ezequiel Radusky nos lleva de la mano a conocer los entresijos de como funciona una dirección general estatal argentina. Hablamos de un sistema parecido a como pueda funcionar un ministerio o un ayuntamiento. El edificio, con decenas de recovecos, es en sí mismo el otro protagonista destacado de la película 

En un rincón del citado edificio, un taller de carpintería, Lila y Marcela llevan las riendas de un comedor ilegal que sin embargo cuenta con el visto bueno de los demás empleados y de la anterior dirección. Es un lugar de encuentro y armonía que se rompe con la llegada de la nueva jefa de obras públicas. La política, y los políticos entran en acción trasladando su caos mental al resto del personal. Es entonces cuando asoman las primeras corrupciones, los corruptores y como de manera sutil la nueva reina trata de colocar a sus peones políticos o familiares en sustitución de los empleados que no son afectos a ella. Un sistema casi feudal que perdura en casi cualquier dependencia pública del planeta. 

Destaca la interpretación la actriz argentina Liliana Juárez galardonada con los premios a la mejor actriz en el Festival Internacional de Cine de Mar de Plata, donde el film tuvo su estreno mundial y en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva. Su compañera de reparto es Rosario Bléfari que cumple con corrección con el papel asignado. Los personajes de ambas están marcados por lazos que sobrepasan ya el ámbito de su trabajo. Son amigas, compañeras y matarían por conservar su puesto de trabajo o como ellas dicen su "planta permanente". Sin embargo, me gustaría destacar el papel de la directora general del organismo público que se convierte en la villana de la cinta. Un estupendo trabajo de la actriz uruguaya Verónica Perrotta que logra el odio del espectador en una máxima que todo interprete aspira a conseguir. 

La motivación principal de Ezequiel Radusky para llevar esta historia al cine pasa por el siguiente circunloquio: los que limpian quieren trabajar en oficinas, los oficinistas sueñan con conseguir la jefatura, los directores generales hacen sentir su autoridad a los jefes de sección, éstos a su vez se desquitan con los oficinistas, y los que trabajan en las oficinas tratan con desprecio a los que limpian. En definitiva, nadie o pocos disfrutan de su trabajo. Esto nos llevaría a un debate sobre si el "sueño" de ser funcionario público, ya sea como conserje o como director, se torna no pocas veces en una pesadilla. El filme hace hincapié de manera principal en los celos o en la envidia profesional que se presentan como el leitmotiv de la narración. 

Planta permanente me ha parecido una sabia forma de retratar el mundo de las relaciones laborales en un organismo público. Con un comienzo cadencioso y un final un tanto abrupto, observamos una evolución total en la mirada de los personajes que todo proyecto cinematográfico debería conllevar. Por tanto, la producción se presenta como un retrato sencillo del mundo del trabajo que evoluciona desde la comedia costumbrista hacia un relato mucho más duro en su recta final. Los celos, las envidias y la enemistad marcan un eficaz libreto que desde la sencillez, muestra como las pequeñas corrupciones son el principio de la pérdida de la humanidad.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Argentina - Uruguay

Dirección: Ezequiel Radusky

Guion: Ezequiel Radusky

Música: Maximiliano Silveira

Fotografía: Lucio Bonelli

Duración: 78 minutos

Reparto: Liliana Juarez,

Rosario Bléfari, Verónica Perrota,

Sol Lugo, Vera Nina Suárez

Tóxico: la alucinante película que predijo la pandemia

Tóxico dirigida por Ariel Martínez Herrera tenía prevista ser estrenada en cines el próximo 4 de junio. La cinta argentina escrita y rodada antes de la pandemia del coronavirus, ha tenido su estreno en plataformas locales argentinas el pasado 23 de abril. Cuando vuelvan a abrir las salas de cine veremos que exhibidores se atreven a programar la propuesta. 

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La historia: Buenos Aires, 2019. Un extraño virus que provoca insomnio y erupciones faciales ha desatado la locura en la capital argentina. Augusto (Agustín Rittano) y Laura (Jazmín Stuart) huyen de la ciudad al campo en su auto-caravana. A medida que avanzan por la ruta, el mundo se vuelve un lugar cada vez más extraño e inseguro. Además, el miedo al contagio hacen emerger problemas en la pareja debido al distanciamiento solicitado por Augusto. ¿Sobrevirán al caos emocional?

La crítica: La realidad suele superar con creces a la ficción. Pero la ficción en no pocas veces se suele adelantar a la realidad. En 2011, la película Contagio (descubierta por muchos durante la crisis del Covid-19) ya se adelantaba de manera precisa a la pandemia que padecemos. De hecho, en la web de referencia Imbd se ha actualizado su género. En su momento fue calificada como película de ciencia-ficción. Tras observar las semejanzas con la situación actual ha sido re-calificada como de género dramático. 

En este caso, el cineasta argentino Ariel Martínez Herrera ha profetizado la situación actual de tal manera que parece un ser venido del futuro. Cuando escribo estas letras aún no doy crédito a lo narrado en la película. Las semejanzas son tan asombrosas que es indiferente la calidad de la película hoy reseñada. Yo mismo, si hubiera visto este largometraje en 2019 hubiera pensado que una cosa así era imposible. ¿Cosas de las pelis, no? Pues la peste ya está aquí y parece que ha venido para quedarse al menos hasta que haya una vacuna que la detenga.

Tóxico, cuyo libreto fue terminado de escribir en 2016, nace como un proyecto más centrado en los problemas de pareja, que como una película de desastres o de ciencia-ficción. Pero ese proyecto inicial se fue transformando en la relación que se establece entre los miembros de la pareja y el entorno hostil que les ha tocado vivir. Hay algunos diálogos que son muy llamativos. En un momento dado, el personaje de Laura se pregunta si lo qué esta sucediendo no será una rebelión de la Naturaleza contra el hombre. Alucinante de nuevo. Pienso que en mayor o en menor medida todos hemos pensado durante el confinamiento si efectivamente el medio natural se estaba defendiendo de las agresiones externas de los humanos. De hecho, algunos estudios sugieren ya que la contaminación de las grandes urbes pudieran tener algún tipo de relación con la interacción de los virus. Esto solo es la punta del iceberg del filme.

Observo atónito el filme: gente con mascarillas, personas con trajes de seguridad que desinfectan las calles, recogida de cadáveres en bolsas negras, estanterías de las tiendas vacías, policías autoritarios con derecho a casi todo, huida a los pueblos de los ciudadanos que residen en las grandes urbes, gente tosiendo por todas partes, hospitales saturados y un largo etcétera de situaciones que provocarían la risa si el Covid-19 no hubiera aparecido en nuestras vidas.

En la película también se sugieren disturbios o acciones al margen de la ley que de momento no han aparecido con carácter general. Una segunda ola del virus o la miseria social que va a dejar la pandemia tampoco nos hace descartar un escenario social comprometido. De hecho, en algunos países como Líbano o en Estados Unidos ya se producen protestas de distinto signo político. Cabe decir que para la elaboración del guion se contó con el apoyo del biólogo Emiliano Aguerreberry, amigo del director, para tratar así de apoyarse en la ciencia dotando de realismo a la obra. Con ello, se pueden concluir algunas cosas. La primera es que lo que sucede en la película no es fruto solo de la imaginación del cineasta. Y la otra es que el ser humano se creyó invulnerable y no apostó de manera adecuada por planes de prevención ante una posible pandemia.

A través de los personajes protagonistas nos adentramos en lo que ahora se llama distanciamiento social. La cosa es muy loca porque el personaje de Augusto se niega a besar a su mujer. Ni hablar, por tanto, de mantener relaciones sexuales con ella. Aquí se rompen los clichés establecidos. El miedo es el miedo y para muestra la imagen superior. Los dos actores principales cumplen sin problemas con los papeles asignados. ¿Qué pensarían cuando les dieron el guion?

Buena parte de la historia se desarrolla en el interior de la caravana o motor home como se las conoce en Argentina. Por ello es muy destacable la dirección de arte en los espacios interiores. La luminosa fotografía llevada a cabo por Eric Elizondo y la música compuesta por Lucas Fridman suben la nota de la producción.

Tóxico es un filme profético que hubiera pasado sin pena, ni gloria si hubiera tenido su estreno en el año 2019. Ahora es cuando podemos valorar en su justa medida la ópera prima de Ariel Martínez Herrera. Y en mi caso la valoración es más que positiva. Hablamos de un filme que demuestra que el cine es un vector de anticipación de los acontecimientos. Por otro lado, la propia narrativa y el lenguaje visual desarrollado por el cineasta me dejan con muchas ganas de ver su próximo proyecto. Todo parece indicar que la cinta tendrá un remake estadounidense a no mucho tardar. Veremos.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Argentina.

Dirección: Ariel Martínez Herrera

Guión: Ariel Martínez Herrera

Música: Lucas Fridman

Fotografía: Eric Elizondo

Duración: 80 minutos

Reparto: Jazmín Stuart,
Agustín Rittano, Alejandro J.
Martín Garabal, Lucila Mangone.

Fin de siglo: la eterna búsqueda del amor

Fin de siglo dirigida por Lucio Castro llega a los cines españoles el próximo día 13 de diciembre. La película fue galardonada en el Festival Bafici 2019 con el premio a la mejor película argentina. Distribuida por Filmin.

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La historia: Gustavo (Juan Barberini) es un argentino que pasa unos días de relax en Barcelona. Javier (Ramón Pujol) es un español residente en Berlín que también está de paso en la capital catalana. Ambos, tienen una amiga en común llamada Sonia (Mia Maestro). Tiempo atrás Javier mantuvo una relación romántica con ella. Tras un encuentro fortuito, los hombres se sienten atraídos y surge entre ellos la semilla de un romance que cambiará sus vidas para siempre. 

La crítica: El cineasta y guionista argentino Lucio Castro indaga con su ópera prima en la eterna búsqueda del amor. Fin de siglo es un singular proyecto indie que presenta una narración dividida en tres partes. Dichos segmentos podrían titularse como: el silencio, el amor y el giro. Castro opta por narrar a través del hoy pero sin olvidar el ayer. El recuerdo de su primer encuentro (inexacto y subjetivo como son todos los recuerdos) empuja al personaje principal a imaginar una vida vivida juntos, colocando la memoria, el presente y la posibilidad en el reino de lo intangible. Hablamos de cine casi experimental.

El silencio

El comienzo del filme es lo más brillante del mismo y en cierta manera supone una vuelta al cine mudo con ciertos matices. Son quince minutos donde el sujeto narrativo es la ciudad de Barcelona. Sus calles, las olas del mar y el silencio de Gustavo conforman la presentación de la película. El joven: mira, oye, deambula y por fin encuentra. El silencio queda roto.

El amor

Lo que parece un encuentro de una noche entre dos extraños se convierte en una relación atemporal que abarca décadas. El amor está en el aire o eso dicen. La parte central del filme es universal y se asemeja a un cuento urbano en el que se mezclan la pasión, el deseo carnal, los celos, las nuevas formas de familia, la monogamia o por el contrario los pactos de pareja para tener una relación abierta. El núcleo central de la película es un flasback que nos hace ver quienes eran los personajes principales veinte años atrás. De ahí, el título de la película. Fin de siglo nos lleva de la época actual a la Barcelona de 1999. En el último capítulo, que no es presentado como tal, volvemos al 2019 para buscar la resolución de la historia.

El giro

La resolución del largometraje es lo más polémico del mismo. Ni puedo, ni debo desvelar lo que ocurre, pero si puedo matizar algunas cosas. En la parte final del filme entran en juego ciertos bucles temporales donde se mezclan ficción, realidad y sueños. En esta parte el cineasta juega a narrar de manera existencial. Intenta, con ello, justificar la trama a través de una meta-ficción que no solo deja el final abierto, sino que propone de manera metafórica que sea el espectador el que cierre la historia a su antojo. Las películas deberían explicarse por sí mismas. Aquí se pasa la pelota al espectador. En cualquier caso prefiero a un cineasta que arriesgue y no a uno que se rija por patrones comerciales o conservadores. Si pedimos guiones originales debemos ser consecuentes y alabar a Lucio Castro por atreverse a romper las reglas establecidas. Además, acierta con un metraje que no llega a los noventa minutos de duración.

Las interpretaciones

El reparto está encabezado por el actor argentino Juan Barberini (El incendio). Nos deja una rotunda interpretación con un personaje bastante complejo. Tras 20 años de relación de pareja se queda solo y busca en otros brazos recomponer su pasado. Complejo también es el personaje de Javier. Está interpretado con asepsia por el actor español Ramón Pujol (Doctor Mateo). Éste ha roto con su pareja heterosexual y está ahora casado con otro hombre. Al conocer a Gustavo duda entre ser fiel o comenzar una nueva vida. En la parte femenina del reparto aparece la estupenda actriz bonaerense Mia Maestro (Diarios de motocicleta). Su personaje está bien creado pero también se mueve en la delgada linea entre la ficción y la realidad. Ella fue la mujer que enamoró a Javier y con la que tuvo una hija. Corría por aquel entonces el año 1999 y habrá que esperar hasta la resolución del filme para comprobar como acaba este triangulo amoroso.

Conclusión

Fin de siglo es en definitiva una obra bastante original aunque confusa por momentos. Lucio Castro nos habla de temas tan universales como son el amor, la sexualidad y la amistad. También establece un fuerte debate en torno a la soledad. Acertada en su fondo y compleja en su narrativa la película argentina nace para ser digerida a fuego lento.

Nota: 7/10.

P.D. Fin de siglo supone la última película en ser reseñada en Cine y críticas marcianas en este año 2019. Pero aún queda una publicación.

El día 18 de este mes nos vemos. Los suntuosos Premios Marcianos llegan a su cuarta edición y lo harán para resumir lo mejor del cine en el año en curso. Presentan: Emma Stone y Ryan Gosling. En el caso de que no vengan, que no vendrán, se conforman con un servidor. 

Nacionalidad: Argentina

Dirección: Lucio Castro

Guión: Lucio Castro

Música: Robert Lombardo

Fotografía: Bernat Mestres

Estreno Argentina: Bafici

Estreno España: 13 de diciembre

Duración: 85 minutos

Reparto: Juan Barberini,
Ramon Pujol, Mía Maestro,
Mariano Lopez Seoane,
Helen Celia Castro-Wood

Ingrid García-Jonsson nos presenta: "Yo, mi mujer y mi mujer muerta"

Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz hispano-sueca Ingrid García-Jonsson que nos presenta el estreno en cines españoles de la película hispano-argentina "Yo, mi mujer y mi mujer muerta". El estreno se producirá el día 26 de julio de 2019.

La cinta está encabezada por el extraordinario actor argentino Oscar Martínez al que vimos en Toc, Toc o en la aclamada El ciudadano ilustre. Le acompañan en el reparto Carlos Areces, y la propia Ingrid García Jonsson.

La película nos cuenta la historia de Bernardo (Oscar Martínez) de 63 años, arquitecto y catedrático de la Universidad de Buenos Aires que acaba de enterrar a su mujer. Hombre tradicional y de fuertes convicciones, Bernardo se negó a cumplir el deseo de su esposa de ser incinerada y arrojada al mar en la Costa del Sol, donde ella nació y donde solía volver a pasar un mes al año con su hermana. Según él aquello no era sino una enajenación de última hora. Pero tras varios días de duelo, en los que Bernardo se muestra desorientado y paranoico, recibe la noticia de que han profanado la tumba de su esposa. Entonces Bernardo decide viajar a España, para esta vez sí, y cumplir el deseo de su mujer. Allí le estarán esperando Abi (Carlos Areces) y Amalia (Ingrid Garcia-Jonsson) que le acompañaran en un viaje por la costa del sol malagueña en el que cambiaran por completo su visión del mundo.

Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista a Ingrid Garcia-Jonsson.

Hola Ingrid, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver "Yo, mi mujer, y mi mujer muerta?

Es el viaje del antihéroe. La mujer de Bernardo (Oscar Martínez) ha fallecido recientemente y él está en la búsqueda interna de la mujer con la que estaba casado. Ella antes de morir le pide que sus cenizas sean arrojadas al mar junto a la ciudad de Marbella. Él viaja desde Argentina hasta España y se encuentra en el camino con los personajes de Abi y Amalia que le ayudan con la misión. Es una pelí que habla sobre la vida.

¿En qué género cinematográfico enmarcarías la película?

Pues según como cada uno aborde la vida la puede ver de manera diferente. La gente más optimista la verá como una comedia, y la gente más pesimista la verá como un drama. La podríamos calificar como una comedia dramática o como un drama cómico. En definitiva, es un película que habla de la vida, y la vida a veces es triste, a veces es divertida y otras veces simplemente es.

¿Qué destacarías del personaje que has tenido que interpretar?

Lo que más me gusta de Amalia es que se mueve en una zona intermedia tanto entre géneros como en lo que ella representa. No se sabe muy bien de donde viene, a qué se dedica realmente, y como consigue las cosas que consigue. Tampoco sabemos que edad exactamente tiene y ese misterio me gustaba mucho. Es un personaje muy cándido a priori pero que aporta luz a la peli.

¿Es un personaje muy ambiguo entonces?

Así es. No sabes con certeza si se dedica a la prostitución, si es relaciones publicas, si es madre...es bastante misteriosa.

Oscar Martínez está impresionante en su interpretación. ¿Cómo ha sido trabajar junto a él?

He aprendido de todos los compañeros: de Oscar, de Carlos Areces, del director Santi Amodeo. Pero hablando de Oscar para mí es una suerte trabajar con un actor de su talla. Le sigo desde hace mucho tiempo y viene de una escuela como la argentina que creo que deberíamos imitar. Compartir escena con él ha sido muy fácil y muy placentero.

¿Qué opinión tienes de las coproducciones entre el cine español y argentino? ¿Has trabajado como actriz en Argentina?

Yo trabajo bastante en Argentina y me siento muy afortunada por eso. Tenemos muchas cosas en común más allá de tener el mismo idioma. Y todo lo que sea abrir puertas que es lo que ocurre con las coproducciones está muy bien, y es muy enriquecedor.

¿En qué momento de tu vida decidiste ser actriz?

Han sido varias decisiones las que me han ido colocando aquí, pero quizás fue el momento en el que conseguí trabajar en una peli en Sevilla y decidí que fuera como fuera quería dedicarme al cine. Viajé a Madrid para conseguir mi propósito, pedí una beca para seguir cursando mis estudios universitarios en Madrid y aquí sigo. Ese fue el momento más determinante.

¿Cómo llevas en lo personal tu paso de ser una actriz muy reconocible en el cine independiente a ser un rostro muy popular en cine y televisión?

Bueno...no sé si soy tan popular como la gente piensa, y mi día a día no se ve afectado de momento por mi profesión. Yo lo estoy llevando de una manera natural y al trabajar mucho es normal que a uno le vayan conociendo más. De momento estoy tranquila, estoy bien y con ganas de trabajar.

¿Cuál es tu próximo proyecto o estreno cinematográfico?

"Salir del Ropero" de Ángeles Reine con Verónica Forqué, Rosa María Mateo, David Verdeguer y Candela Peña entre otros actores.

Texto y fotos: Miguel Pina

TEST PERSONAL

Tu película preferida.

"El Viaje de Chihiro" de Hayao Miyazaki

Tu película española preferida.

Mujeres al borde de un ataque de nervios.

Tu director de cine español preferido.

Luis García Berlanga.

Tu actor preferido.

Philip Seymour Hoffman.

Tu actriz preferida.

Phoebe Waller-Bridge.

Tu festival de cine preferido.

El Festival de Cine Europeo de Sevilla

¿Cuál es la sala de cine en la que te sientes más cómoda o la que más te gusta?

Está en Berlin, en la zona de Kreuzberg. No recuerdo ahora exactamente el nombre pero me encanta por sus butacas estilo sofá y porque ponen las pelis en versión original en inglés.

¿Cine, teatro o televisión?

Como espectadora el cine, pero como trabajadora en los tres medios disfruto mucho.

Tu plato de comida preferido.

En general me encantan los desayunos.

Una ciudad para vivir.

Madrid

Una ciudad por conocer.

Tokio.

Una ilusión por cumplir.

Sacarme el carnet de conducir (risas)

En nombre de todos los amigos de Cine y críticas marcianas quiero agradecer muy especialmente a Ingrid García-Jonsson la concesión de esta entrevista personal que fue realizada en la librería Ocho y Medio Libros de Cine de Madrid.

La entrevista ha sido un trabajo conjunto entre Cine y críticas marcianas y Cinemagavia donde podéis ver también la entrevista con otro formato y fotos en el siguiente enlace  

SELECCIÓN DE TRABAJOS REALIZADOS POR INGRID GARCÍA-JONSSON

CINE

2019 SALIR DEL ROPERO. Dir: Ángeles Bainé. Protagonista

2018 LA PEQUEÑA SUIZA. Dir: Kepa Sojo. Co-protagonista

2018 TAXI A GIBRALTAR Dir: Alejo Flah. Co- protagonista

2018 YO MI MUJER Y MI MUJER MUERTA Dir: Santi Amodeo

2017 EN LAS ESTRELLAS Dir: Zoe Berriatúa.

2016 ANA DE DIA Dir: Andrea Jaurrieta. Protagonista.

2016 GOLPE MAESTRO Dir: César Pujol.

2016 ZONA HOSTIL Dir: Adolfo Martínez.

2015 GERNIKA Dir: Koldo Serra.

2015 TORO Dir: Kike Maíllo.

2013 HERMOSA JUVENTUD. Dir: Jaime Rosales.

TEATRO

2017 MEDIDA POR MEDIDA. Factoría Teatro. Protagonista.

2013 NOCHE DE CHICAS Microteatro. Protagonista.

2009 LOS 80 SON NUESTROS Tomateatro. Protagonista.

2008 EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO. Protagonista.

TELEVISIÓN

2018 INSTINTO. Protagonista. Bambú P.  y Movistar

2015 APACHES. Secundario. Atresmedia y New Atlantis

2013 ALIADOS Telefé. Bianca. Principal

OTRAS ENTREVISTAS EN CINE Y CRÍTICAS MARCIANAS:

Víctor Matellano, director de cine: enlace

José Dueso, escritor y cinéfilo: enlace

Lee Cronin, director de Bosque Maldito: enlace

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El amor menos pensado: Ricardo Darín, el amor y la comedia existencialista

Lo que es fascinante acerca del matrimonio es por qué alguien quiere casarse.
-Alain de Botton.

La crítica: Marcos (Ricardo Darín) y Ana (Mercedes Morán) conforman un matrimonio ideal hasta que las dudas entran en la vida de pareja. Esto sucede cuando el hijo de ambos abandona el hogar familiar de Buenos Aires para irse a cursar sus estudios universitarios a España. Es entonces cuando deciden replantearse sus vidas, separarse y comenzar una nueva vida de solteros buscando encontrar en otros brazos una nueva ilusión a la que aferrarse. ¿Será tan ideal como lo habían imaginado? ¿Se echarán de menos? ¿Estaban realmente enamorados?

La crítica: Así como la portada de un libro pueda ejercer como gancho para que los posibles lectores se interesen en al menos leer la contraportada; el cartel o el póster de una película es lo primero que va a ver el espectador. Pienso que ahí puede estar una de las claves para que se decidan a ver o no una película en la sala de cine. En el caso de la película reseñada hoy y aunque pueda atraer a cierto sector de público creo que el diseño del mismo puede resultar engañoso y perjudicial en lo puramente cinéfilo. Y es que se podría entender que nos hallamos ante una comedia insustancial, cuando muy por el contrario, nos encontramos ante una comedia bastante profunda y con el existencialismo como base narrativa. De hecho, la película compitió en la sección oficial del Festival de San Sebastián lo que no es poca cosa para empezar su trayectoria. No me quiero extender mucho más sobre este asunto y probablemente dedique una publicación en exclusiva a hablar sobre los carteles de cine aunque sea de una manera irónica.

El amor menos pensado supone una más que interesante ópera prima del ya veterano guionista y productor argentino Juan Vera al que conocimos en Cine y críticas marcianas gracias a sus trabajos en tareas de producción de las comedias Me casé con un boludo y El fútbol o yo. En esta ocasión, cambia al protagonista masculino y pasa de Adrián Suar a Ricardo Darín que vendría a ser como si en vez de conducir un Seat Ibiza pasará a conducir un Rolls-Royce. Cabe decir que Darín e incluso su hijo Chino Darín se han implicado al máximo en la película llegando incluso a reservarse un lugar en las tareas de producción del largometraje.

La historia comienza la conversación con el espectador hablándole sobre el "síndrome del nido vació", que viene a ser como una sensación de desesperanza, soledad y nostalgia cuando un hijo o todos los hijos abandonan el hogar familiar para independizarse. Con ello dejan a algunos padres descolocados, perplejos o desmotivados ante el cambio de rutinas. Otros muchos padres por el contrario lo celebran intensamente por quitarse de encima a unos adolescentes de entre 30 y 40 años que juegan a ser youtubers, instagramers, o Twitter-adictos como sino hubiera un mañana.

La fuente principal del posterior desarrollo narrativo es una pregunta que quizás nadie debería hacerse en un matrimonio con más de 25 años de duración y en el que ambos miembros parecen felices en un principio. Y es que preguntar en relaciones tan extensas algo así como: ¿estás enamorado/a todavía de mí?, puede llevar a un bucle infinito de preguntas y respuestas que disuelvan la relación.

En el desenlace de la propuesta Vera trata de dar respuestas a todas las preguntas planteadas y lo hace de una manera firme, personal y optimista. Este positivismo y en lo que se refiere a la mirada del espectador deja unas sensaciones positivas que es casi lo mejor que se puede decir de una película incluso por encima de su calidad cinematográfica. Por lo tanto, vamos a salir del cine con una sonrisa en la cara y mucho mejor de lo que habíamos entrado dos horas antes de comenzar la proyección. Es entonces, cuando podemos hablar de un cine de evasión que además conlleva una serie de planteamientos bastante inteligentes.

En pantalla aparecen algunos personajes secundarios correspondientes a amigos comunes de la pareja u otros en roles de nuevos romances post-separación que conllevan pura diversión narrativa. Pero sin duda todo el peso del reparto está sostenido sobre los principales protagonistas del conflicto. Creo que poco puedo añadir sobre Ricardo Darín. Se encuentra en un momento mágico y probablemente pueda considerarse ya el actor más internacional de la historia de Argentina. Por otro lado, nos encontramos con una gran Mercedes Morán (Luna de Avellaneda), que si bien es una actriz de reconocido prestigio en el país del tango, no es tan popular fuera de sus fronteras. Aunque esta apreciación puede cambiar en este año 2018 con este trabajo y con su envolvente papel en la excelente película El Ángel (reseña de Paula Vázquez Prieto), de la que por cierto yo no hice la crítica al ser vetado ridículamente por la distribuidora como si este pequeño espacio marciano tuviera alguna influencia positiva o negativa en el infinito mundo de la crítica de cine.

Respecto a los personajes interpretados y a sus significantes guardan muchísimas características comunes que nos hablan del desgaste en la pareja, de las nuevas formas de relacionarnos virtualmente o del desarrollo de las habilidades sociales.

En conclusión, El amor menos pensado me ha parecido una propuesta sorprendente, fresca e incluso necesaria por tratar desde la sutileza y el buen gusto algo tan complicado como son las relaciones de pareja. En el debe de la producción volvemos a lo de siempre, y más cuando se trata de un director debutante. Esto no es otra cosa que el no querer tirar de "tijeras" en el montaje y llevarnos con ello a unos excesivos 129 minutos que juegan en contra del ritmo de la propia historia. Aun así, y en un género tan complejo como es la comedia, el resultado es más que positivo.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina.

Dirección y guión: Juan Vera.

Reparto: Ricardo Darín, Mercedes Morán,
Claudia Fontán, Luis Rubio, Andrés Gil.

Música: Iván Wyszogrod.

Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.

Duración: 129 minutos.

Estreno Argentina: 2/08/2018.

Estreno España: 30/11/2018.

Mi obra maestra: La comedia inteligente

Si yo pinto a mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte. -Goehte.

La historia: Renzo (Luis Brandoni) es un pintor que tuvo un enorme éxito en la década de los 80 del siglo pasado. Ahora, y en pleno siglo XXI,  no vende un solo cuadro y vive aislado en su desvencijada casa en la ciudad de Buenos Aires. Es entonces cuando Arturo (Guillermo Francella), que es su galerista, le consigue una oportunidad de oro para volver a resurgir de sus cenizas pintando un cuadro por encargo para un gran empresario. Pero el huraño carácter del veterano artista lo complicará todo. Lo que en principio debía ser una obra maestra en forma de lienzo da lugar a numerosos enredos en los que se verán involucrados su joven novia, su discípulo (Raúl Arévalo) e incluso sus animales que conviven revueltos en el hogar de Renzo.

La crítica: Una vez más el cineasta argentino Gastón Duprat, apoyado en esta ocasión desde la producción por su inseparable Mariano Cohn, ha vuelto a lograr una excelente película como ya lo hiciera en las fabulosas El ciudadano ilustre o en Todo sobre el asado y que fueron reseñadas con puntualidad en Cine y críticas marcianas.

En Mi obra maestra nos encontramos con una comedia dramática o mejor dicho con una tragicomedia que es un término que se acerca más a la perspicaz y sarcástica mirada que nos ofrece un guión original sobresaliente firmado por Andrés Duprat. Este nos regala sonrisas sin descanso, carcajadas en ocasiones y sobre todo un inmenso divertimento a través de unos cuidadosos diálogos que convierten a la producción en cine con mayúsculas y consolidan al cine argentino como vanguardia en Hispanoamérica. ¡Existe el cine fuera de Hollywood y esto lo demuestra!

La película está divida en tres capítulos o actos dramáticos que sin ser presentados como tales hacen las veces de presentación, desarrollo y desenlace de una manera perfectamente sincronizada. En el primer acto vemos como es la vida del artista en la actualidad, y entrevemos como lo fue en su pasado. En el segundo acto vemos las consecuencias de su irresponsabilidad que le llevan casi a la indigencia. Y en el desenlace nos encontramos ante una sorpresa narrativa de tan alto calado que lo mejor es no desvelar absolutamente nada para quien no haya visto la propuesta la pueda disfrutar en toda su intensidad.

Lo que si podemos comentar es que la historia está fundamentada sobre dos pilares. En primer lugar vamos a ver una poderosa y eficaz crítica hacia el mundo del arte contemporáneo y las burbujas económicas que se alcanzan con obras pictóricas (abstractas o no) que solo parecen entender unos pocos iluminados en el mundo de la pintura. Y el otro pilar sobre el que se asienta la producción es una conversación y reflexión sobre la amistad ya sea esta desinteresada o por motivos mercantiles. Para ello demos una pinceladas sobre los protagonistas de la historia.

Luis Brandoni (No sos vos, soy yo) nos regala una de las mejores interpretaciones de lo que va de año de 2018 con un personaje loco, divertido, a veces frustrado y a veces genial que siempre despide una inmensa ternura al agarrarse a un pasado que jamás volverá pero del que él se siente muy orgulloso. Hablamos del idealismo reflejado en un personaje que se nutre de los mundos de Berlanga o Fellini. Pero si Brandoni está tremendo en su personaje no le anda a la zaga el genial Guillermo Francella (Corazón de león), que le da una estupenda réplica como su representante y galerista en un personaje donde se fusionan mensajes en torno a la amistad/paternidad, la ambición, el engaño pero siempre con la lealtad como premisa más importante. Destacar también al actor español Raúl Arevalo (El aviso), en un papel secundario pero que tendrá todas las claves de la resolución del conflicto planteado en un tramo final apoteósico.

Hay que destacar en la producción la magnífica fotografía del maestro Rodrigo Pulpeiro y las excelentes localizaciones llevadas a cabo por el equipo de arte comandado por Cristina Nigro. En el prólogo de la filmación nos sitúan en la cosmopolita Buenos Aires, sus calles y sus gentes. En el posterior desarrollo cabe destacar una visita a Río de Janeiro y a su vanguardista Museo de Arte Contemporáneo. Y en la etapa final de la cinta nos transportan a la provincia argentina de Jujuy donde la belleza agreste, hipnótica y multicolor del paisaje suponen un verdadero plus siendo este retrato contenido y nunca continente.

Mi obra maestra es en mi opinión la mejor película hispanoamericana del 2018 y en sí misma lleva escrita la definición de lo que es la verdadera comedia inteligente. Aunque mi función no consiste en recomendar películas, sino en emitir mi humilde juicio crítico, en esta ocasión voy a hacer una excepción y estoy en condiciones de garantizar que la entrada a la sala de cine o el adquirir la película en las plataformas habituales será una inversión muy rentable en términos cinematográficos. En definitiva, Gastón Duprat, Mariano Cohn y el libreto de Andrés Duprat nos regalan un largometraje perfectamente sincronizado, exacto y circular en su cierre final.

Nota: 9/10.

P.D. La crítica se ha publicado de manera simultanea, en portada y como noticia destacada en el siguiente enlace del diario Noroeste Madrid.

Nacionalidad: Argentina.

Dirección: Gastón Duprat.

Guión: Andrés Duprat.

Reparto: Luis Brandoni,
Guillermo Francella, María Soldi.
Raúl Arévalo, Andrea Frigerio.

Música: Emilio y Alejandro Kauderer.

Fotografía: Rodrigo Pulpeiro.

Duración: 100 minutos.

Estreno Argentina: 16/08/2018.

Estreno España: 16/11/2018.