¡Diez besos de cine (pre-mascarillas)!

Los besos en el cine son una perfecta excusa para oxigenar a Cine y críticas marcianas de la vorágine del puñetero coronavirus. Por eso, he pensado en hacer un decálogo con diez de los besos que por una u otra razón han tenido influencia en la historia de la cinematografía. Y es que aún no sabemos como será el cine post-Covid 19, pero besos de momento no veremos en la gran pantalla.

Así lo dicen los primeros protocolos que se están entregando a los guionistas: menos pasión, menos ardor y menos besos. El distanciamiento social también ha llegado al cine.

Este decálogo va a seguir un orden cronológico de los felices tiempos pre-mascarillas.

1. The Kiss, 1898.

En el cine siempre hubo besos. Tanto en los patios de butacas de las salas de todo el mundo, como en las propias pantallas de los propios recintos.

Pero, ¿cuál fue el primer beso rodado y exhibido en la gran pantalla?

Pues tenemos que viajar hasta el año 1898 y situarnos en el cortometraje titulado The Kiss rodado en New Jersey bajo las ordenes del inventor y empresario Thomas Edison. En el mismo, el actor John C. Rice y la actriz May Irwin se besaban durante 18 segundos inaugurando esta "displicina".

Este beso escandalizó a la puritana sociedad de la época.

2. Lo que el viento se llevó, 1939. 

Lo que el viento se llevó sigue siendo proporcionalmente la película más taquillera y la más vista de la historia del cine. Y el beso entre Rhett Butler y Escarlata O’Hara, o sea, Clark Gable y Vivien Leigh fue el primer gran morreo que recuerdo a todo color. La frase que pronunciaba el personaje de Rhett Butler denotaba seguridad e incluso un poco de prepotencia, ¿no creen?:

“Ninguno de esos necios ha sabido besarte así jamás.”

3. Casablanca, 1942.

"El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos".

Película mítica, e icónica que nos regalaba el beso entre Ingrid Bergman y Humphrey Bogart.

Rescatemos un dialogo de la Casablanca dirigida por Michael Curtiz:

Ilsa: _Lo dices porque quieres que me vaya.

Rick: _ Lo digo porque es la verdad. Los dos sabemos que tu lugar es con Víctor. Tú eres parte de su obra. Si no te vas con él, te pesará.

Ilsa: _¿Y nosotros?

Rick: _ Nosotros siempre tendremos París. No lo teníamos hasta que viniste a Casablanca. Anoche lo recuperamos.

Ilsa: _Y yo dije que nunca te dejaría.

Rick: _Nunca me dejarás. También tengo obras que realizar. No puedes ser parte de lo que yo debo hacer.

4. Vacaciones en Roma, 1953. 

Otro clásico universal del cine que fue reseñado en su momento en Cine y críticas marcianas con la colaboración especial de la escritora María Delgado.

Os dejo un fragmento de la reseña publicada en la sección ¡Qué maravilloso es el cine!:

"El film es como una gran receta. Posee todos esos ingredientes de calidad que, unidos, jamás podrían fracasar: una princesa agotada de su agenda encorsetada, un periodista en busca de una noticia sensacionalista, la relación romántica entre ambos y la ciudad eterna como telón de fondo".

El beso entre Audrey Hepburn y Gregory Peck fue de auténtico cine.

5. La Dolce Vita, 1960. 

¡Épico!

Anitta Ekberg fue la sueca que era la antítesis del actual Ikea. Es decir, un monumento humano sin derecho a réplica. Con ella Federico Fellini compuso la mítica escena de la Fontana di Trevi en la que se besaba con Marcello Mastroianni. Sobran más comentarios.

6. Desayuno con diamantes, 1961. 

Besando bajo la lluvia sería un estupendo título para el beso entre Audrey Hepburn y George Peppard bajo la dirección de Blake Edwards.

Voy a rescatar un fragmento de mi reseña sobre la mítica película americana:

Nueva York amaneciendo, suena la canción 'Moon River' y Audrey Hepburn baja de un taxi, camina unos pasos y se detiene frente a la joyería Tiffany's. Allí, con la mirada perdida en un sueño de luz y brillantes, y en pie, saca de un paquete un café, un croissant y desayuna con diamantes.

7. Titanic, 1997. 

James Cameron unió para siempre a Leonardo Di Caprio y a Kate Winslet a través los besos de la cinta ganadora de 11 Oscars de la Academia. Eso sí, al personaje de Rose le vendría bien el dicho de: "Te quiero mucho perrito, pero pan poquito". ¿Había o no había hueco en la tabla para que el pobre Jake se hubiera subido con ella? En fin, casi mejor; con eso no hubo segunda parte.

8. Sabrás qué hacer conmigo, 2016.

Los últimos tres besos los he querido dejar para la zona marciana. Es decir, besos y películas que fueron reseñadas de estreno en Cine y críticas marcianas.

Sabrás qué hacer conmigo es una película independiente mexicana que me encantó, y que sigue estando entre las entradas más visitadas del blog.

El beso entre Ilse Salas y Pablo Derqui me da pie a rescatar un breve fragmento de la crítica:

La narración de la historia es lo más singular y vanguardista de la cinta. La película tiene un doble comienzo que se siente como cine experimental dentro de la sencillez de la composición. Nos encontramos ante la mejor "antielipsis cinematográfica" que he visionado en los últimos años.

9. Amar, 2017. 

La también película independiente española Amar de Esteban Crespo nos dejo un póster y un beso entre María Pedraza y Pol Monen para el recuerdo.

Otra película muy intima de la que guardo un grato recuerdo, y de la que voy a rescatar el siguiente fragmento de la crítica marciana:

Laura (María Pedraza) y Carlos (Pol Monen) están enamorados a tiempo completo. Es decir, 24 horas sobre 24, pensando el uno el otro sin más norte que su próxima cita o su próxima llamada. Quizás dentro de veinte años, el amor de Carlos y Laura evolucione hacia un amor a tiempo parcial. Así es el amor de los padres de ambos representando la mirada irónica y desgastada del amor maduro. Ya decía alguien, que la manera ideal de acabar con el amor era un buen matrimonio...

10. Disobedience, 2018.

Y para acabar con este decálogo: el beso de la polémica.

Protagonizado por Rachel Weisz y Rachel McAdams se produjo en Disobedience que fue una cinta dirigida con enorme sensibilidad por Sebastián Lelio. 

La película levantó una gran polvareda entre los sectores más conservadores e incluso me llegaron peticiones nada conciliadoras para que retirara la reseña: "por atentar contra la moralidad y la decencia en las familias cristianas".

Evidentemente la crítica no fue borrada, y también voy a extraer un pequeño fragmento de la misma:

En Disobedience, nos encontramos con un viaje donde los afectos universales explotan salvajemente cuando la sexualidad pasa de reprimida a exteriorizarse de una manera ávida e instintiva. La secuencia lésbica central va a pasar a la historia por marcar un antes y un después tanto para las actrices, como por la bellísima manera de estar rodada en el cine convencional. En este caso, el cineasta logra atravesar unos limites que en otros tiempos -y veremos ahora- estarían calificados como perversión.

El día 13 de abril de cada año se celebra el Día Internacional del Beso en el que se conmemora el beso más largo de la historia. Esperemos que el año que viene se vuelva a celebrar con normalidad.

Este beso duró 58 horas y  fue protagonizado por una pareja tailandesa durante un concurso de besos.

¡Cosas de terrícolas! 

¡Qué maravilloso es el cine! El cartero y Pablo Neruda

Por Alma Baires & Miguel Pina

El cartero y Pablo Neruda dirigida por Michael Radford es una película italiana del año 1994 que destaca por la sutileza de sus lineas narrativas y por lo preciosista de sus evocadoras imágenes. “Il Postino”, que es su título original, se estrenó en Italia en el Festival de Venecia el 1° de septiembre de 1994 y fue distribuida en las salas italianas el 22 de ese mismo mes. Una película del, hasta ese momento no muy conocido, director inglés Michael Radford y de Massimo Troisi. Porque, aún si luego nunca fue acreditado, el actor italiano que saltó a la fama por este papel, fue el co-director de la película y se involucró también en la redacción del guion. 

El filme está basado en la novela titulada “Ardiente paciencia” (1986) del escritor chileno, Antonio Skármeta. La cual, cuando fue leída por Massimo Troisi, le causó un gran impacto emocional y no se detuvo hasta poder comprar los derechos para llevarla a la gran pantalla.

Si bien en el libro la historia se ambienta en un pequeño pueblo de pescadores de la Isla Negra, cerca de las costas chilenas, en junio de 1969; para la película se decidió hacerlo en el año 1952, período en el que realmente Pablo Neruda se encontraba exiliado en Italia. Después de probar a rodar la película en la isla de Pantelería (Sicilia), se eligió hacerla en Procida y Salinas, en las cercanías de Nápoles. En este lugar nació Massimo Troisi y ahí es cuando comprobamos la máxima implicación del actor en el proyecto que cambiaría su vida. El cine, una vez más, es el reflejo de las emociones de sus creadores.

El mapa geográfico y sentimental de El cartero y Pablo Neruda siempre transcurre de manera paralela en la bellísima filmación. A Pantelería es donde el poeta Pablo Neruda llega pidiendo asilo político. Allí es donde entabla amistad con Mario (Massimo Troisi) que es contratado como cartero para hacerle llegar la correspondencia al famoso poeta. Pablo Neruda es interpretado por el famoso actor francés Philippe Noiret, con hasta ese momento una larga lista de éxitos internacionales (¿quién podría olvidar su personaje de Alfredo en Cinema Paradiso de Tornatore?). Y ese cartero, un hombre pobre y simple, hijo de un pescador analfabeto (como casi todos los habitantes de la isla), es el ya nombrado Massimo Troisi, conocido en Italia como “el cómico de los sentimientos”.

El filme italiano gira en torno a la relación maestro/discípulo que de alguna manera ya se apreciaba en la antes citada Cinema Paradiso. En aquella mítica cinta era la sala de cine la que servía como referencia cultural, social e informativa de un pequeño pueblo italiano. Este municipio abría sus ojos al mundo a través de la cinematografía. Sin embargo, en El cartero y Pablo Neruda el motor que mueve a los personajes representados es la poesía. La película es también una una interesante metáfora que refleja perfectamente la realidad social de la población italiana de la época. Una sociedad castigada por la posguerra y desconectada en cierta manera de la vida cultural de las grandes ciudades.

Pero el amor no entiende de fronteras sociales o culturales. Tampoco lo hace el deseo sexual. Y ahí es cuando entra en escena Beatricce. Ésta, es interpretada por una hermosa Maria Grazia Cucinotta que representa el poderío de la mujer italiana. En esta parte de la producción, narrada en forma de cuento rural costumbrista, es cuando se establece un triangulo social entre Neruda, el cartero y la joven Breatricce. Mario, que es un hombre tímido, encuentra el coraje y también los medios para intentar conquistar a la mujer que ama a través de los versos de su amigo el poeta.

La escenografía de la cinta es evocadora. La pureza del Mediterráneo siempre está presente en un segundo plano cuando no en un primero. En la parte final se alterna el preciosista color con algunas imágenes en blanco y negro. Con ello, el cineasta apuesta por el melodrama con el que encuentra un contrapunto emocional a la dulzura expresada en la primera parte de la historia. También apreciamos una música muy especial compuesta por el famoso pianista y compositor argentino Luis Bacalov que se llevó el Oscar a la mejor banda sonora original.

El cartero y Pablo Neruda es una cinta bella, sutil y cadenciosa. Nos parece que es mucho más que una película. Es todo un himno a la poesía y al poder de la palabra. Éstas, son capaces de elevar el alma de cualquier ser humano. Mario Ruoppolo, el cartero, se alimenta del aprendizaje del maestro y poeta que tenía a su lado. Hablamos, por tanto, de la historia de una amistad que nace de una admiración profunda y que al final de la película se muestra recíproca. Con ello, se pone en valor la humildad como principal vector moral de la dulce propuesta presentada.

Este texto ha sido escrito de manera conjunta junto a Alma Baires a la que agradezco de manera muy especial su colaboración y su amor por el cine.  

Alma es una escritora argentina afincada en Italia que dirige el blog: Las pasiones de Alma. En él, nos regala su pasión por los libros, las películas y la música. Además de ello, administra otras tres páginas web que podéis consultar en su perfil. Con Alma, comparto una manera muy parecida de ver la vida y con ello la manera de amar el cine. Porque el cine es solo el reflejo de la historias que conforman nuestras vidas, nuestro pasado y nuestro futuro. Gracias Alma y gracias a toda la comunidad que conforma este universo mágico al que aspira a ser Cine y críticas marcianas. 

Los profesores de Saint-Denis: el cole volverá

Los profesores de Saint-Denis se estrena de manera online el próximo 17 de abril. El filme francés superó los 1,8 millones de espectadores en las salas del país galo y se podrá ver desde el mismo día del estreno a través de las plataformas digitales Movistar+, Vodafone, Rakuten.tv, iTunes y Google Play. También a través de la Sala virtual de cine.

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La historia: Samia (Zita Hanrot) es una joven maestra que asume la jefatura de estudios en una escuela en los suburbios de París. En su tarea diaria descubrirá los problemas de disciplina y la realidad social que pesa sobre el barrio de Saint-Denis. Ella, pidió el traslado de manera voluntaria para estar más cerca de su novio y comprobar por sí misma las carencias de la educación pública en las barriadas marginales de la capital parisina. 

La crítica: Los profesores de Saint-Denis estaría enmarcada en lo que popularmente conocemos como cine social. Este sub-género utiliza el cine como medio para la crítica o denuncia de diversas circunstancias sociales. Por ello, este tipo de películas pretenden la transformación social a través de documentales u obras de ficción. En todos los casos, se tratan de obras que se alimentan de la realidad social en una determinada época. Los cineastas que abundan en el cine social piensan el mismo como un medio y no como un fin en sí mismo. Es decir, cumple con dos de los parámetros que comentaba hace no mucho Manolo Munguía: formar e informar. Sin embargo, lo más complejo para este tipo de cine es lograr el tercer parámetro. O sea: entretener.

En lo personal yo añadiría un cuarto valor para cualquier tipo de película por encima de los demás: emocionar. ¿Consigue entonces la película reseñada poner en valor algunos de los parámetros antes señalados? Pues dependerá de como veamos el vaso. Nuestra percepción será distinta si lo vemos medio lleno o medio vacío. 

El cine francés parece atrincherado en las comedias de corte social como ya sucedía en Bienvenidos al barrio. En ella, se hacía hincapié en las relaciones laborales que se establecían en los suburbios de París. En Los profesores de Saint-Denis se incide en la misma idea pero situando el contexto en el ámbito escolar. Cualquier parecido con el cine made in Usa y con sus felices muchachos es pura coincidencia. Mientras allí la mayor preocupación parece estar centrada en el baile de fin de curso o en la popularidad de los alumnos, aquí observamos la dura realidad de la escuela pública en algunos lugares de Europa.  

La película se trata de hilar a través de un cruce de historias entre los profesores y los alumnos del instituto. Se mezclan amores, pedagogía y realidad social en un tono siempre amable pero un tanto monótono. Los 115 minutos de la producción son el mayor error de la misma. Demasiada densidad y muy pocas elipsis narrativas, hacen que el ritmo de la narrativa se resienta por momentos. 

El inmenso reparto coral, como vemos en la imagen superior, hace imposible la valoración de cada interpretación en su justa medida. Pero todos los personajes encuentran un nexo de unión en la excelente actriz francesa Zita Hanrot. La actriz dio el salto a la popularidad en la película Fátima, por la que fue galardonada con el premio César a la mejor actriz revelación en 2015. También la hemos visto en en la serie de Netflix: Amor Ocasional. Su personaje es el que vertebra la acción de todos los demás. Es así, como el espectador de manera omnisciente obtiene toda la información para hacerse una idea del conjunto social representado. 

En conclusión, Los profesores de Saint-Denis me ha parecido una apuesta meritoria a pesar de que se queda a medio camino entre la comedia pura y el cine social más comprometido. Con algunos momentos brillantes y otros realmente previsibles, lo mejor de la filmación es poder comprobar que la vuelta al cole y la vuelta a la normalidad de sus conflictos está cada vez un poquito más cerca. Un aplauso también para todos los maestros. 

Nota: 6/10. 

Dirección y guion:

Mehdi Idir, Grand Corps Malade

Título original: La vie scolare

Nacionalidad: Francia

Duración: 115 minutos

Música: Angelo Foley

Fotografía: Antoine Monod

Reparto: Zita Hanrot, Soufiane G,

Alban Ivanov, Moussa Mansaly,

Liam Pierron, Bakary Diombera,

Adèle Galloy, Gaspard Gevin-Hié,

Antoine Reinartz, Redouane Boug,

 Maera Chouaki, Hocine Mokando

La alegría de las pequeñas cosas: la constelación de los afectos

La alegría de las pequeñas cosas dirigida por Daniele Luchetti tenía previsto su estreno en España el día 10 de abril. Con los cines aún cerrados, el estreno del filme italiano se produjo ese mismo día en la Sala virtual de cine y en las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv.

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La historia: Al comenzar su jornada, Paolo sigue una misma rutina: desayuna, se sube a su moto para ir al trabajo y se salta un semáforo. Un día al atravesar el cruce un camión lo arrolla y pierde la vida. Pero por un error de cálculo divino, Paolo obtiene una hora y media más para vivir después de la muerte. Tendrá 90 minutos más de vida acompañado por su ángel de la guarda. ¿Podrá recomponer su pasado para conquistar el futuro? ¿Qué cosas serán ahora las importantes en esta prórroga vital?

La crítica: La alegría de las pequeñas cosas está basada en las aclamadas novelas “Momentos de inadvertida felicidad” y “Momentos de inadvertida infelicidad” de Francesco Piccolo, publicadas en España por la Editorial Anagrama. Hablamos de una comedia con elementos fantásticos que juega con la idea de la vida después de la muerte, en la línea de clásicos como “El cielo puede esperar”. También nos recuerda a Angel-A, a The Family Man o incluso a ¡Qué bello es vivir! por las lineas argumentales que ya manejaba el maestro Frank Capra en el clásico navideño. 

La cinta italiana no está a la altura cinematográfica de las películas mencionadas con anterioridad. Es muy complejo combinar la comedia costumbrista con el cine conceptual. De esta manera, la cinta se queda a medio camino entre ambas variables. Sin embargo, La alegría de las pequeñas cosas consigue captar la atención por la cotidianidad y la cercanía sentimental con la que está impregnada. 

Y así es como llegamos a los avatares en la que nuestro protagonista repasa su vida: su infancia y sus deseos, las mujeres que estuvieron pero no fueron y los momentos de felicidad que si fueron pero no estuvieron. A su alrededor, una constelación de afectos. Hablamos de una película ágil sin demasiadas pretensiones y que está impregnada de sentimientos contradictorios. Es melancólica y a la vez alegre. Un ritual para exorcizar el miedo a irse, para lograr un equilibrio afectivo y para comprender como las pequeñas cosas son las más importantes de nuestra vida.

El cómico italiano Pierfrancesco Diliberto encabeza el reparto de la película intentando como puede dar réplica a los James Stewart o Nicolas Cage que antes interpretaron papeles con la redención en el punto de mira. Su compañera femenina de reparto es la cantante y actriz italiana Federica Caiozzo (Thony) que interpreta con dulzura a la esposa de Paolo. Ambos personajes comparten muchas pequeñas cosas de la idiosincrasia italiana y de la vida en pareja de manera más general. 

En estos tiempos de tribulaciones y mascarillas el contacto humano es más valorado que nunca. Y de eso es de lo que nos habla con firmeza el filme italiano. No sabemos aún como será el mundo tras la pandemia, pero si sabemos como era antes. Aún así quiero confiar en que ya volverán los abrazos y los besos como dice la preciosa canción recién compuesta por Jorge Drexler.  

La alegría de las pequeñas cosas es en conclusión una película solida que puede ser disfrutada tanto por su inofensiva superficie, como por la complejidad que encierra su mensaje. Un filme en definitiva que envuelto en la comedia alberga cierto cuerpo intelectual sin caer en la arrogancia. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Italia

Título original:

Momenti di trascurabile felicità

Duración: 90 minutos

Dirección: Daniele Luchetti

Guion: Francesco Piccolo

Música: Franco Piersanti

Fotografía: Tommaso Fiorilli

Reparto: Pierfrancesco Diliberto,

Thony, Renato Carpentieri,

Angelica Alleruzzo, Vincenzo Ferrera

Cine de Semana Santa: de María Magdalena a Rey de reyes

El cine de Semana Santa o cine bíblico nos suele dejar cada año por estas fechas al menos una nueva propuesta. Sin embargo, al estar los cines cerrados los estrenos que hubiera previstos se pospondrán ya hasta el año que viene. Si un virus ha conseguido cerrar las iglesias, que Dios nos coja confesados. La paradoja de que ahora mismo ya no se pueda dar la paz en las misas y de que la gente acuda con mascarillas a las pocas iglesias que quedan abiertas en el mundo es tremenda. De esta no se libra ni Dios. 

Soy consciente que el cine bíblico no es demasiado atractivo para las personas que han comentado a lo largo de estos años tanto en Cine y críticas marcianas, como en las redes sociales. Al menos en las que dan apoyo al blog marciano. Sin embargo, surge una nueva paradoja. Las críticas realizadas hacia las películas que engloban a este género generan un tráfico web inmenso. De hecho, algunas de mis reseñas dedicadas a este tipo de cine son de las que más visitas tienen hasta el día hoy. Tercera paradoja para un agnóstico.

De esta manera es fácil deducir que una cosa son los comentarios tanto aquí, como en redes sociales y otra muy distinta es el posicionamiento web en Google. Es decir, el número de visitas es un indicador bastante fiable de lo que genera o no genera interés para los lectores a nivel global. En este caso a los lectores de críticas cinematográficas.

Sin más preámbulos voy a seleccionar cinco películas de menor a mayor antigüedad en su fecha de estreno. Estas, despertaron interés, curiosidad o polémica en mayor o en menor medida.

1. María Magdalena dirigida por Garth Davis (2018).

Con un excelente Joaquin Phoenix en el papel de Cristo y una estupenda Rooney Mara interpretando a María Magdalena fue una película que desmontó el mito del pecado de esta mujer. 

¿Fue María Magdalena la precursora de los derechos de la mujer? ¿Por qué se la ha considerado una prostituta o como mínimo una mujer pecaminosa? ¿Existió realmente esta mujer como figura histórica? ¿Pudo mantener con Cristo una relación que fuera más allá de la amistosa? ¿Dónde esta enterrado su cuerpo? ¿Por qué se la acusó de estar endemoniada? ¿Fue la única mujer apóstol o sencillamente una discípula de Jesús? ¿Pudo ser relegada en los evangelios a una figura menor por su condición de fémina? ¿Estuvo enamorada del nazareno o solo enamorada de su mensaje? ¿Transmitió el mensaje evangélico y fue testigo de la resurrección? ¿Por qué entonces impide la iglesia católica a las mujeres ser sacerdotes? ¿Quién fue realmente María Magdalena?

La cinta británica trata de responder a estas preguntas que me sigo haciendo en un más que interesante documento cinematográfico.

2. Risen (Resucitado) dirigida por Kevin Reynolds (2016).

Protagonizada por un magnífico -y desaparecido- Joseph Fiennes, la cinta hispano-estadounidense es una especie de investigación policial-forense en "una de romanos". Jesús de Nazaret aparece como investigado. La cinta empieza por donde otras películas bíblicas acaban. Es decir, por la crucifixión. Por lo tanto ya nos encontramos ante un enfoque innovador. Lo hace además, desde el punto de vista de un tribuno militar romano no creyente. Este enfoque es el que otorga a la cinta una perspectiva distinta a lo habitual en el género bíblico.

3. La Pasión de Cristo dirigida por Mel Gibson (2004).

Con 30 millones de presupuesto inicial la película alcanzó la asombrosa cifra de 600 millones dólares de recaudación. La expectación fue enorme no recordando en lo personal cines tan abarrotados hasta la fecha de hoy. De hecho, solo con esta cinta y con la española Torrente 2 he visto una sala de mil personas completamente llena. Respecto a su narrativa me pareció extremadamente violenta y más cercana al cine gore que al religioso. Desde luego, se puede afirmar que es una película no apta para todos los públicos. Una mujer venezolana falleció de un infarto en la puerta del cine tras ver la proyección y en Kansas, Peggy Scott, de 56 años, sufrió un ataque al corazón fatal durante la escena de la crucifixión.

4. La última tentación de cristo dirigida por Martin Scorsese (1988).

Tildada por algunos de anti-cristiana o incluso como una herejía, la película es una elucubración de que hubiera sucedido si Jesús de Nazaret hubiera sido salvado de la crucifixión. En esta versión cinematográfica se especula con que el Nazareno habría formado pareja con María Magdalena y posteriormente hubiera contraído matrimonio con Marta de Betania. El 23 de octubre de 1988, un grupo de católicos integristas incendió un cine que proyectaba la película en el barrio de Saint Michel en París. En Estados Unidos las protestan se multiplicaron por todo el país. Con un metraje de casi tres horas de duración tal vez algún día sea retro-reseñada de manera completa en Cine y críticas marcianas.

5. Rey de reyes dirigida por Nicholas Ray (año 1961).

En contraposición a algunas de las películas que hemos mencionado con anterioridad, Rey de reyes quizás sea la película más dulce que se haya realizado sobre la vida de Jesús. Hablamos de todo un clásico del cine que destacó por la belleza de su fotografía y por la interpretación de Jeffrey Hunter. Como curiosidad adicional cabe destacar que Carmen Sevilla interpretó a María Magdalena. El filme también destacó por su música que podremos apreciar de mejor manera en el tráiler en versión original que dejo al final de esta publicación.

P.D. Esperemos que el año que viene se pueda estrenar alguna película bíblica en los cines. Sobre todo porque eso sería una señal de que la industria del cine se ha recuperado de esta pesadilla distópica que nos ha tocado vivir.

¡Feliz semana a creyentes, ateos y agnósticos!

Vivarium: alucinante distopía de la vida en pareja

Vivarium es un filme estadounidense dirigido por Lorcan Finnegan que se estrena en cines virtuales el próximo 8 de abril. La iniciativa parte de A Contracorriente Films ante la crisis del coronavirus. La película llegó a estrenarse en los cines de Francia y ahora llega a las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv. También podrá verse en la Sala virtual de Cine y si se reabren las salas durante el mes de abril o mayo podrá estrenarse también de manera convencional en los cines. 

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La historia: Tom (Jesse Eisenberg) y Gemma (Imogen Poots) son una joven pareja que deciden dar el paso de irse a vivir juntos. Para ello, visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño tipo que les acompaña a Yonder. Esta, es una nueva urbanización donde todas las casas son idénticas. De repente, el agente de ventas se esfuma y la pareja queda atrapada en la laberíntica urbe donde nada es lo que parece. 

La crítica: Cuando un servidor pensaba que lo había visto todo en la vida y en el cine, los acontecimientos vividos durante el último mes demuestran que la realidad supera con creces a la ficción. Vivarium es un filme tan novedoso y extraño que también rompe la premisa de que en el cine estaba ya todo inventado. 

Un vivarium es un área, generalmente cerrada, para guardar y criar animales o plantas para observación o investigación. Frecuentemente, se simula en una pequeña escala una porción del ecosistema de una particular especie, con controles para condiciones ambientales.

Nunca sabremos si nuestra especie es una enorme granja humana dirigida por un Dios o si simplemente somos un accidente de la Naturaleza que nos permite habitar por el momento sobre el planeta azul. 

La premisa del filme es muy original y apenas se puede encontrar alguna referencia en el marco estético con El show de Truman. Lo demás es muy novedoso. Tom y Gemma están atrapados en una urbanización sin vida. Tras dar vueltas y vueltas con el coche para encontrar la salida deciden pasar la noche en una de esas idénticas casas. Al despertar y salir a la calle se encuentran con una nueva sorpresa. Un bebé con estas instrucciones: "criad al niño y seréis liberados". 

Vivarium nos habla de manera distópica de la supuesta vida ideal que ha calado en la sociedad actual. Casas con jardín, buen posicionamiento social y un buen coche en la puerta. Es el cebo que conduce a muchos a la trampa de hipotecarse de por vida.  Las áreas naturales se destruyen para dar paso a filas de casas idénticas. Son laberintos para que una sociedad atomizada viva su días sin pararse a pensar. Comemos alimentos procesados envueltos en plástico, los medios nos llevan al pensamiento único y el propio consumismo nos consume como especie. 

Vivarium se alimenta de estas ideas. La narrativa las amplifica y lo ordinario se hace extraordinario a través de la lente de la ciencia ficción. Hablamos de una historia surrealista y retorcida que es también oscuramente humorística. Un universo hipnótico reflejado con gran inteligencia emocional. 

En el reparto destaca Imogen Poots (Jane Eyre). La actriz británica fue galardonada en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges por este papel. La complejidad de su personaje radica en que se ve obligada a ser madre de un niño tan siniestro que dan ganas de rebanarle la cabeza. Este papel es interpretado de manera maestra por el niño Senan Jennings. Sin duda, se coloca como uno de los favoritos a mejor actor revelación del año en curso. Un personaje realmente terrorífico y que aporta también novedades respecto a porque los niños siniestros asustan tanto en el cine. Por último, un irregular Jesse Eisenberg (Café Society) ocupa el papel del desconcertado "hombre de la casa". 

En conclusión, Vivarium me ha parecido una perfecta crítica a la sociedad de consumo y un retrato descarnado del matrimonio como institución. Pero si por algo destaca la producción es por las altas dosis de suspense y por el mensaje que nos deja sobre el recorte de las libertades civiles. Su final redondo y circular completan una experiencia muy sorprendente. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Lorcan Finnegan

Guion: Garret Shanley 

Fotografía: Miguel De Olaso

Música: Kristian Andersen

Duración: 97 minutos

Reparto: Imogen Poots, J. Eisenberg,

Jonathan Aris, Senan Jennings.

El arte del cortometraje: Tiempo al tiempo

"El futuro pertenece a quienes creen en la belleza de sus sueños".
-Eleanor Roosevelt.

¿Qué es el tiempo? ¿Cuánto vale un segundo, un minuto o una hora de nuestro tiempo? ¿Empatizamos ahora con las personas que viven solas, aisladas o incluso en una prisión? El cine, o el cortometraje en este caso, suele tener respuestas para casi todo. Los días de confinamiento por el coronavirus siguen pasando y ya comienzan a recordarnos al famoso día de la marmota del filme Atrapado en el tiempo.

Todos somos un poco Bill Murray al despertarnos cada mañana.

Tiempo al tiempo es un corto español dirigido por Alex Vallejo en el año 2015. Está interpretado por Arántzazu Carsí y nos propone en apenas dos minutos una interesante reflexión sobre el tiempo. Es además, una historia común que habla de las cosas que nos enamoran. Estas son, a veces, las que también nos separan. Una historia de finales, de amores negados y de deseos perdidos. Pero sobre todo es una historia de esperanza y un toque de atención para cada segundo que nos regala la vida.

¡Un fuerte abrazo para todos y adelante terrícolas!

Título: Tiempo al tiempo

Categoría: Cortos de Cine (Acción real)

Géneros/Temáticas: Conceptual, Drama

Año: 2015

Dirección: Alex Vallejo

Reparto: Arántzazu Carsí

Nacionalidad: España

Idioma: Español, Inglés

Manolo Munguía, director de H0us3: "Toda película debe cumplir con tres principios: formar, informar y entretener"

Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas al cineasta español Manolo Munguía. Debido a las circunstancias excepcionales que vivimos a cuenta de la grave situación de salud pública la entrevista se ha realizado a través de medios telemáticos. 

Con estudios de Ingeniería de Telecomunicación en Santander y Dirección de Cine en Barcelona, Manolo Munguía ha participado en diversos cortometrajes como Director de Fotografía ("Colmillos de Felpa" o "Envidia") y ha dirigido dos cortos con presencia en festivales de cine internacionales. Fueron "GOW" y "ROTA" y están disponibles en Youtube. 

Su debut en el largometraje se produjo con la película "H0us3". Se estrenó en cines durante el otoño pasado y podéis leer la crítica que realicé en el siguiente enlace. Sin más preámbulos, os dejo ya con la entrevista. 

Hola, Manolo. En primer lugar te quiero felicitar en nombre de los lectores de Cine y críticas marcianas por tu ópera prima.

Muchas gracias a vosotros por vuestro tiempo.

También quiero agradecerte de forma muy especial la concesión de esta entrevista telemática en estos tiempos tan complejos para la salud pública. Para situar en el contexto adecuado al lector que aún no conozca “H0us3”, ¿cuál es el argumento central de la película?

Bueno, aviso que voy a soltar algún spoiler (no todos) para captar más interés. La historia trata de unos antiguos compañeros informáticos de Universidad que quedan para verse después de muchos años. Uno de ellos les confiesa haber desencriptado un archivo de Wikileaks imposible de abrir. Ante la incredulidad del resto del grupo, les enseña algo que ha encontrado dentro: una aplicación móvil que puede ver lo que va a pasar 30 segundos en el futuro. A partir de ahí, todo se complica.

¿Cómo surgió el proyecto o la idea del filme y qué mensaje tratas de transmitir con este largometraje?

Siempre quise hacer un largometraje. Después de estudiar cine, ayudar en algunos cortos y dirigir dos de ellos, me decidí a lanzarme a rodar el largo. Animo desde aquí a todos los cortometrajistas a hacer lo mismo.

Creo que toda película debe cumplir con tres principios: Formar, Informar y Entretener. Nuestra película “Forma” sobre todo al comienzo de la peli, donde tratamos de explicar los conceptos más básicos de seguridad de redes. También “Informa” al espectador de la existencia de los archivos de Wikileaks, los “Insurance Files” y de los peligros de Internet. Y por supuesto “Entretiene” en cuanto da el salto a la ciencia ficción. Me doy por satisfecho si el espectador, después de ver la película, decide cambiar sus contraseñas por unas un poco más seguras.

Durante el filme, un personaje pronuncia la frase clave: “Este es el peso de hacerse adultos”. ¿Cuándo somos conscientes de ese peso y qué responsabilidades conlleva para las nuevas generaciones?

Creo que a medida que nos hacemos adultos, vamos pasando de Idealistas a Realistas. Creo que la clave es encontrar un punto de equilibrio: mantener sueños y metas en nuestra cabeza pero sin perder de vista las reglas de la realidad del mundo en el que vivimos.

Con respecto a las nuevas generaciones: mi abuelo no llegó a entender cómo funcionaba el video VHS. Mi padre usa lo mínimo en su iPad y se lía en cuanto le sacas de lo más básico. Creo que las nuevas generaciones nos adelantarán del mismo modo. Nos costará el triple que a ellos entender las últimas novedades en tecnología.

Fotografías por cortesía de Manolo Munguía y Ghostdog

La película cuenta con una secuencia inicial de aproximadamente 45 minutos de duración. ¿Cómo conseguiste que tuviera el tempo narrativo perfecto y cuánto tiempo llevó la grabación de este segmento de la producción?

Te refieres a la escena de la cena, con la mesa en el comedor, ¿verdad?

Así es.

Es una escena en la que se tocan los temas más interesantes y punteros de las nuevas tecnologías, y la conversación deriva poco a poco en lo vulnerables que somos en las redes sociales. De ahí a Anonymous. De ahí a Assange, a Wikileaks, y a sus “Insurance Files”. Lo más importante era conseguir que el espectador no se aburriera al aprender ciertos conceptos básicos, y también que poco a poco fuera cogiendo interés en estos archivos tan secretos. Que, por si alguien tiene dudas, son de verdad y se pueden descargar.

Rodamos esa escena en unos 7 días, con muchísimos planos y tiros de cámara distintos para que el espectador no se aburriese de ver siempre el mismo plano. La magia final la puso Sergio Martínez, que editó toda la peli dándole el dinamismo requerido.

¿Cómo fue la selección de este sorprendente grupo de jóvenes actores? ¿Han salido amistades de ese intenso rodaje con un reparto tan coral?

Orson Welles recomendaba tratar al equipo de rodaje como si se tratase de una familia. Yo he intentado hacer lo mismo. Arrancamos la elección del reparto con Cristina Raya, porque desde la escuela de cine es una fija para nosotros. Cristina nos presentó a Víctor Gómez, que además de coger un papel en la película, nos ayudó muchísimo con el casting, porque conoce a muchísimos actores. De unos llegamos a otros y así poco a poco cerramos el casting. No llegamos a publicar ningún anuncio ni nada parecido, fue todo boca a boca. Y los actores se apuntaron principalmente por el guión. Porque era algo fresco y novedoso.

Estoy enormemente satisfecho de decir que todavía tenemos un grupo de Whatsapp donde vamos poniendo temas relevantes y los actores son los que más presencia tienen en redes sociales. El otro día (antes de la cuarentena) montamos una cena para celebrar los dos años del comienzo del rodaje.

También quiero decir que a nivel personal estoy extremadamente contento con el resultado de los actores. Estoy totalmente convencido de que he podido contar con más de un diamante en bruto, actores que subirán como la espuma en pocos años.

¿Qué sucedió para que no se pudieran hacer más tomas exteriores de un paraje tan bello como es Vega de Liébana en el Norte de España?

Ese es un tema sensible porque yo soy de Cantabria. Me dio mucha rabia pero fue una cuestión de tiempo. Teníamos los permisos para rodar en el Mirador de La Hermida en Santa Catalina, en el Mirador del oso pardo y el Monumento al salmón, también en el desfiladero de la Hermida. No pudimos hacer ninguno de esos planos por problemas de tiempo. Es lo que tiene rodar una peli con tantos planos en tan solo 18 días. Fue una pena no poder sacar más exteriores de mi tierra.

“H0us3” ha sido reconocida y premiada en diversos festivales. Hubo una buena recepción general entre la crítica, pero algún reportero no supo comprender la escasez de recursos económicos que casi toda ópera prima independiente conlleva. Alguna crítica, por ello, fue ofensiva e injustificada en su agresividad. ¿Cómo has llevado esta dualidad emocional de buenas críticas y galardones con las críticas que han sido menos buenas?

He de admitir que los premios que estamos recibiendo en los festivales de cine nos llenan mucho, porque es gente que nos valora de una forma totalmente objetiva. Y que después de revisar cientos y cientos de películas que han recibido, eligen la nuestra. Por ejemplo, hace mes y medio estuvimos en el festival de Praga de Ciencia Ficción “Future Gate”. Competíamos con “H0us3“ contra "The Last Sunrise" (la peli china independiente del 2019) "Little Joe" (Mejor Actriz en Cannes 2019), "Vivarium" (con Jesse Eisenberg), "Color out of space" (con Nicholas Cage) y "Synchronic" (de  Justin Benson y Aaron Moorhead, con Jamie Dornan). Y ganamos el Premio del Público. Les encantó. Por encima de todas las anteriores.

Llevamos 19 premios de festivales de cine y nunca pensamos conseguir tanto.

Respecto a las críticas negativas, creo que es un tema ligado a la madurez de cada persona. Yo personalmente valoro cualquier tipo de crítica, siempre y cuando sea constructiva. Una crítica ha de venir con una propuesta de cómo se podría hacer mejor las cosas. Las críticas “destroyer” que hemos recibido en algunos casos (“La peor película de la historia”, “Todo mal” y cosas así) no nos aportan nada. Las respetamos, como cualquier opinión, pero ahí se quedan.

La película, tras su estreno en España, ha gustado mucho en Rusia por las noticias que me llegan a través de Twitter. ¿Cómo está siendo la aventura rusa del filme? ¿Te ha sorprendido este éxito en un mercado tan gigantesco como es el ruso?

Estuvimos en el mercado de cine de Málaga de 2019 y allí nos la compró una distribuidora rusa. Tuvieron que doblarla y aplazaron el estreno varias veces, pero por fin salió en cine en Diciembre de 2019. Las salas se llenaban con Star Wars y con Jumanji y nuestra peli no tuvo el público que nos hubiera gustado, pero aún así la vieron más de 4000 rusos en cines. En Enero salió en VOD en iTunes y ahí ya llegó a mucha más gente. A los actores les han aparecido fans en Rusia y a nosotros nos ha escrito gente directamente, dándonos la enhorabuena por la peli. Y por supuesto también tenemos “haters”, que se esperaban explosiones y robots gigantes.

¿Cómo se puede ver la película de manera online? ¿Has negociado ya con Netflix u otras plataformas? ¿Saldrá en DVD o en otros formatos físicos?

Neflix nos dijo que no estaban interesados, a pesar de que a mucha gente nuestra película le recuerda a Black Mirror. “H0us3” se puede ver desde España en la plataforma “Planet Horror”, que creo que está preinstalada en las TVs Samsung desde 2018. Link directo: H0us3 en Planet Horror

La plataforma requiere una suscripción anual de 20€ con lo que se queda en menos de 2€ al mes: o sea que hay que pagar pero es muy barata.

De momento no tenemos pensado el lanzamiento en formato físico, simplemente porque nos hemos quedado sin dinero. Pero es algo que me gustaría poder hacer más adelante, una edición muy limitada, solo para coleccionistas.

¿Qué significa para ti el cine y qué te impulso a ser cineasta? 

Adoro el cine desde que era niño, es sin duda alguna mi gran pasión. Quise estudiar cine con 18 años pero era muy complicado desde Santander así que estudié Telecomunicaciones. En realidad los mundos del cine y de las telecomunicaciones son perfectamente compatibles. Años después, ya en Barcelona, pude compaginar mi trabajo con los estudios de Dirección Cinematográfica.

De acuerdo con algunas estimaciones, la crisis del coronavirus podría suponer una pérdidas de hasta 5.000 millones de dólares según informa The Hollywood Reporter. ¿Cómo ves la situación de la industria cinematográfica en España y que petición harías al Ministerio de Cultura?

Creo que esta crisis nos va a afectar a todos. A unos más que a otros, pero a todos. Mi petición a Cultura sería ayudar a potenciar proyectos independientes como el nuestro. Un cortometraje se puede hacer en un fin de semana, con cuatro amigos y donde todos saben que nadie cobra nada. Pero es muy difícil levantar un largometraje serio si no eres nadie y si no tienes un padrino que te avale. Nosotros fuimos con nuestros ahorros, con un préstamo de La Caixa que seguimos pagando y con una pequeña ayuda del Gobierno de Cantabria. No conseguimos nada del ICAA ni del ICEC. Amenábar consiguió 1,4M€. Con el 1% de esa ayuda nos hubiera dado para un par de días más de rodaje y podríamos haber rodado las escenas de exteriores que nos faltaron.

¿Qué proyectos tienes entre manos en el mundo del cine o de las series?

Invertimos todos nuestros ahorros para hacer la película y a pesar de que fue muy “barata” para el mundo del cine, de momento hemos recuperado aproximadamente el 15% de lo invertido. Cualquier proyecto futuro depende de que recuperemos el 100% o más.

Por último. ¿Qué sentiste al ser premiado con un galardón tan suntuoso como el Premio Marciano al Mejor Director Novel 😂? ¿Te decepcionó que el premio se vaya a pagar con dinero del Monopoly? 

Nos encantó el premio en cuanto lo vimos y se lo comunicamos a todo el equipo. Cualquier premio es extremadamente reconfortante para nosotros porque significa que nuestra peli gusta. Lo que importa no es el premio material sino la visibilidad que nos da en las redes, de igual forma que esta misma entrevista.

Como buen apasionado de las nuevas tecnologías tengo gafas de realidad virtual en casa, un dron, aplicaciones de realidad aumentada y por supuesto una impresora 3D. Sigo pensando en diseñar un trofeo con vuestro logo en 3D e imprimirme el premio en filamento de cobre o algo así 😂.

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos

Sed de Mal

Una película para tiempos de crisis

Propongo “The Man From Earth” porque es una gran desconocida y a nosotros nos inspiró mucho. También “Coherence” y “The Invitation”

Tu actor preferido

Aunque ya no actúe, sigo teniendo predilección por Michael J Fox.

Tu actriz preferida

Te voy a sorprender. Me quedo con Miriam Tortosa, nuestra “Mony” en “h0us3”.

¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?

Me hubiera encantado estar en el rodaje de Sed de Mal, por supuesto. Sobre todo la noche del rodaje del plano secuencia del comienzo, que repitieron una y otra vez hasta que empezaba a asomar la luz del alba.

Tu festival de cine predilecto

El Future Gate de Praga. Totalmente recomendado.

La sala de cine más bonita que hayas conocido

El Cine Coliseum de Santander. Tengo muchísimos buenos recuerdos de mi infancia en ese cine. Las mejores películas las vi ahí.

Cine, teatro o series de televisión

Los tres. Es como primer plato, segundo plato y postre. Los tres.

Un libro que te gustaría recomendar

Me encantó y recomiendo “This is Orson Welles” de Peter Bogdanovich. Me inspiré en ese libro para hacer mi primer cortometraje “GOW”

Tu plato de comida preferido

Tortilla de patatas

Tu deporte preferido 

Solía hacer Judo, pero los años pesan…(risas)

Tu canción favorita

Creo que la canción que más habré escuchado es “It's Gonna Kill Me” de Filter

Una ciudad para vivir

Santander

Una ciudad por conocer

Tokio

Una ilusión por cumplir

Viajar a Japón

Muchísimas gracias Manolo por esta completísima entrevista y mucha suerte con tus futuros proyectos. Nos despedimos ya con el tráiler de la película y con el original póster con el que se presentó la película en Rusia.