El Fundador (The Founder)

Los dos requerimientos más importantes para el éxito son; primero, estar en el lugar correcto en el momento adecuado, y segundo, hacer algo sobre ello.
-Roy Kroc, fundador Corporación Mcdonald's.

La historia: Nos trasladamos hasta el Estados Unidos del año 1954. Elvis Presley graba discos en Memphis, Marilyn Monroe se casa con Joe DiMaggio y Walt Disney construye su parque temático en California. Mientras, Ray Kroc (Michael Keaton) es un vendedor de batidoras industriales para restaurantes de carretera. Cuando menos se lo espera, recibe un pedido de seis de sus Multimixer de una pequeña hamburguesería llamada Mcdonalds en California. Sorprendido por lo inusual del encargo viaja hasta la ciudad de San Bernardino y ve ante sus ojos la oportunidad de su vida. La idea de franquiciar el restaurante empieza a cobrar vida. Para ello tendrá que convencer a los hermanos McDonald que la idea puede tener éxito...

La crítica: El cineasta estadounidense John Lee Hancock (The Blind Side) se pone al mando de esta más que interesante película que podríamos considerar un biopic atípico de la vida Roy Kroc. La particularidad de la producción es que está centrada cuando el creador de la idea Mcdonald's contaba ya con 52 años. A modo del Mesías del fast-food, su vida pública antes de esa fecha carece de interés para ser filmada, pero sin embargo, es el verdadero germen de como se forjó la controvertida personalidad del "fundador".

Treinta primeros minutos maravillosos de cine donde la puesta en escena, la emocionalidad y el vigor narrativo brillan a gran altura, dan paso a una historia que se va oscureciendo en los detalles y con ello pierde parte del gran ritmo con el que parte la cinta. Un error común en el cine actual es que no se suele conseguir una base narrativa en la cual una obra artística siempre debe de ir menos a más hasta conseguir el clímax final. A pesar de ello, el film es un documento de un alto interés histórico en el que comprobaremos cómo a partir de un solo restaurante, hoy en día Mcdonald's da de comer al uno por ciento de la población mundial. Un éxito a nivel internacional que ni siquiera Kroc llegó a imaginar.

El Fundador es la historia del sueño americano hecho realidad a través una historia que sorprende muchísimo que aún no se hubiera llevado a la gran pantalla. De hecho, los propios descendientes de los hermanos McDonald han colaborado en la producción para dar a conocer su versión de cómo se fundó un verdadero imperio mercantil de la sociedad actual.

Considerado un héroe para algunos y un verdadero desalmado para otros, la historia no deja en buen lugar al creador de la idea de las franquicias de comida rápida más famosa del planeta. La cinta retrata a Kroc como una personaje dicharachero y soñador en la presentación en pantalla. En su evolución se muestra convertido en un verdadero tiburón de los negocios apropiándose de la idea de los verdaderos creadores de la marca. O lo que es lo mismo, un expolio legal que es símbolo de cómo funciona el capitalismo salvaje a partir de la segunda mitad del siglo pasado.

Después de visionar esta propuesta nos damos cuenta que el verdadero negocio de Mcdonald's no estaba en sus hamburguesas, patatas o demás complementos alimenticios por llamarlos de alguna manera. La esencia del negocio nació de la compra de suelo, la construcción de bienes inmuebles y la arrendación a sus franquiciados. Una auténtica obra de ingeniería financiera que Ray Kroc supo aprovechar y que el libreto de Robert D. Siegel se encarga de narrar de una eficaz y comprensible manera.

El ganador del Globo de Oro por Birdman, Michael Keaton fue el elegido entre una terna de candidatos para meterse en la piel de Ray Kroc. Su parecido razonable con el rey de las hamburguesas, más sus últimos éxitos interpretativos, invitan a pensar que está viviendo una segunda juventud en el mundo del cine. Y de hecho, realiza una gran interpretación que nos lleva a empatizar con la presentación del personaje para pasar luego a detestarle por su comportamiento repulsivo en ocasiones. Es decir, transmite bien las emociones que es lo que un buen actor debe hacer.

Los hermanos McDonald están interpretados con acierto por los veteranos Nick Offerman (serie Fargo) y John Carroll Lynch (Jackie). Una sutil Laura Dern (Corazón Salvaje) interpreta a la paciente esposa que es tratada como un objeto más en la vida de Ray Kroc. Un buen elenco actoral al servicio del largometraje.

El diseño de producción o la también llamada dirección de arte es uno de los aspectos técnicos y estéticos de los que personalmente soy un enamorado. En está ocasión el maestro Michael Corenblith se encarga de una recreación sobresaliente de los Estados Unidos de los años 50 y especialmente de los restaurantes de los arcos dorados en sus inicios. Inspirado en el archivo fotográfico del Museo del Mcdonalds más antiguo que aún existe (Downey, California 1953), traza unos bocetos y planos que son llevados a la pantalla magistralmente. De especial observación para los interesados en este arte. 

En conclusión, nos encontramos ante una muy interesante película que en cierta manera podría pasar como un documental, pues la información histórica aportada es un ejemplo de lo que son las sociedades capitalistas. A pesar del bajón que sufre la cinta en su segunda mitad, la película deja unas buenas sensaciones y produce algo tan valioso como es la diversión. Un documento que muestra cómo una humilde hamburguesería se ha convertido en un imperio con más de 36.000 establecimientos en 126 países de todo el mundo. Y todo por la idea de un visionario conocido ahora como El Fundador. En realidad un ladrón de guante blanco.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: John Lee Hancock.

Reparto: Michael Keaton, 

Nick Offerman, Laura Dern,

John Carroll Lynch.

Guión: Robert D. Siegel.

Música: Carter Burwell.

Fotografía: John Schwartzman.

Duración: 115 minutos.

Estreno EE UU: 20/1/2017.

Estreno España: 10/3/2017.

Estreno Perú: 16/3/2017.

Estreno México: 17/03/17. 

¡Qué maravilloso es el cine! Matrimonio a la italiana

¡Yo no soy italiana, soy napolitana! ¡Es otra cosa! -Sophia Loren.

Italia, Vittorio De Sica, Marcello Mastroianni y Sophia Loren fueron el poker de ases que en el año 1964 se unieron para crear esta curiosa comedia dramática que aúna risas y lágrimas haciendo las delicias de todos los que amamos el cine italiano. La película está basada en la obra teatral 'Filomena Marturano' de Eduardo de Filippo y aún se sigue representando por algunos escenarios de todo el mundo.

Nos encontramos en Nápoles durante un bombardeo en plena Segunda Guerra Mundial. Filomena Marturano (Sophia Loren) es una joven de 17 años que huyendo de la pobreza de su hogar acaba trabajando en un prostíbulo de la ciudad. Allí, conoce a Domenico Soriano (Marcello Mastroianni) que es un apuesto mujeriego y un acomodado miembro de la burguesía napolitana. 

Al cabo de dos años la pareja se vuelve  a encontrar y él le propone llevarla a vivir a su casa en una especie de matrimonio en la fantasía de ambos. Ella acepta y el espectáculo está a punto de comenzar. Los fuertes caracteres de ambos personajes empiezan a chocar a la "italiana".

Vittorio De Sica es el director y maestro de ceremonias de esta comedia de enredo que en su segundo tramo se torna en un film más profundo de lo que pudiera parecer en su comienzo. El cineasta italiano que se pasó al mundo del cine tras fundar su propia compañía de teatro. Él es director de obras tan notables como 'Ladrón de bicicletas', 'Milagro en Milán' o 'Los Girasoles' y fue galardonado con cuatro Oscars de la Academia todos ellos con películas en habla no inglesa. 

Matrimonio a la italiana es una sencilla y eficaz manera de introducirse en la obra del director del Lacio. A través de la sonrisa que nos proporcionan unos personajes arquetípicos, conseguimos la suficiente información para conocer la peculiar forma de ser del pueblo italiano. Un encendido carácter que tanto contrasta con los vecinos del norte de Europa. Puro genio mediterráneo que emparenta de alguna manera a todos los países sureños del viejo continente. Con muchos tópicos, también es cierto, pero que encierran también bastantes verdades.

La llegada a la prostitución y la difícil salida de la misma están presentes como una sombra alargada intoxicando tanto la vida de Filomena que la ejercía, como la de Domenico que la frecuentaba. En cierto momento, ambos coinciden en que ninguno es mejor que el otro y aunque se intentan comprender el lugar donde se conocieron pesa demasiado en sus atribuladas vidas.

Pero ante todo, la película nunca deja de ser una comedia que proporciona momentos de hilaridad con la relación de amor/odio y los múltiples engaños que se producen entre la pareja protagonista. Hay una escena magistral en la que Filomena tiene que firmar unos documentos y las dimensiones de sus letras tan grandes, que provocan a la vez risa y ternura. Quizás esta sea la secuencia más conocida de la película, quedando como dicho: "Tardas más en firmar que Filomena Marturano".

Es cierto que la cinta tiene tendencia a exagerar los estereotipos de los personajes representados, pero precisamente ahí es donde contiene la gracia y la chispa necesaria para conectar con el espectador. Vittorio De Sica es consciente en todo momento que se está alejando de su corriente predilecta que es el neorrealismo y trata de mostrar un cine para más amplio espectro de público. No obstante, algunos momentos de la producción devienen en una segunda lectura, en situaciones verdaderamente sobrecogedoras a las que es sometida Filomena en su intento por reconducir su vida. Su anterior etapa como prostituta, marcará todo el camino de la relación con Domenico.

La película es un perfecto marco para el lucimiento de Sophia Loren que tras ganar el Oscar por la cinta 'Dos Mujeres', también de Vittorio De Sica, elegía cuándo y con quien quería actuar. En 'Matrimonio a la italiana' explota su versión más potente como actriz de coraje y a la vez muestra su exuberancia femenina que la llevó a convertirse en un mito erótico del siglo XX. Marcello Mastroianni no se queda a la zaga y ofrece su versión más heterodoxa en un papel que le vino como anillo al dedo. Sobreactuado en muchos momentos y suponemos que con el consentimiento del director deja unas escenas para el recuerdo en el cine cómico italiano. El resto del reparto se limita a servir de soporte para la actuación de la pareja.

La música y la fotografía también se dejan llevar por la exuberancia de toda la historia. Colores fuertes, acompañados por una banda sonora melodiosa y pegadiza acaban de componer el plan que de antemano había trazado con empeño el cineasta.

En conclusión, una historia verdaderamente exagerada y que en esta reverberación es donde encuentra todas sus virtudes pero también algunos de sus defectos. Un canto a una forma de ser y de estar que ninguna otra cinematografía como la italiana ha conseguido igualar. En un orden de mayor altura cinematográfica nos encontramos con obras de Federico Fellini, Luchino Visconti o el propio De Sica que han marcado hitos en la historia del cine mundial. Pero por el momento y como decía anteriormente, 'Matrimonio a la italiana' puede ser una buena, ágil y frugal manera de introducirse en la cinematografía del país transalpino para aquellos que aún no lo hayan hecho.

 El tráiler es un documento histórico que habla por si mismo. ¡Avanti!

Dedicado a mí padre.

El guardián invisible

Olvidar es un acto involuntario. Cuanto más quieres dejar algo atrás, más te persigue. - Williams Jonas Barkley (comienzo de 'El guardián invisible').

La historia: Amaia Salazar (Marta Etura) es una cualificada inspectora jefe de homicidios de la policía con formación del FBI estadounidense. En el valle navarro del Baztán, están sucediendo una serie de desapariciones de adolescentes que acaban asesinadas. La jefatura policial decide ponerla al frente del caso por su gran instinto y por haber pasado su infancia en la zona. Pronto, descubre que el entorno familiar puede estar relacionado con las misteriosas desapariciones de la jóvenes. La clave del caso estará en saber conjugar sus relaciones familiares, la vuelta a su pueblo y la labor de objetividad policial. La cuenta atrás para el siguiente crimen ya esta en marcha...

La crítica: Volantazo, giro radical o una enmienda a la totalidad de sí mismo es lo que ha hecho el cineasta español Fernando González Molina tras su 'Fuga de cerebros' (no comment) o la obra de cartón piedra 'Palmeras en la nieve'. Ahora si podemos hablar de cine de calidad y con un trabajo superlativo en el cuidado y seriedad con la que se afronta la producción.

El guardián invisible está basada en la aclamada novela homónima de Dolores Redondo que cuenta con un millón de lectores que avalan el interés de sus libros. Después vinieron la segunda y tercera parte de la novela con la que ya es conocida esta saga como la trilogía del Baztán. La taquilla será la encargada de decir si habrá nuevas entregas en la gran pantalla. En todo caso, la cinta funciona como historia independiente y deja atados casi todos los cabos.

La asfixiante atmósfera del valle del Baztán que consigue recrear el director convierte a está en un personaje más de la película. Los valles, las sombras, la lluvia, el frío, los bosques, las apariciones que parecen ser y no son, los seres mitológicos del entorno, la brujería vasco navarra que recoge el escritor José Dueso en sus libros...

Con ello, el cineasta nos coloca ante un entorno natural y una manera de ser de parte de sus gentes. Pero las desapariciones que están sucediendo no obedecen a ningún ser paranormal, al contrario, es un asesino en serie que ha llegado a tal nivel de planificación de sus secuestros y crímenes que está pudiendo con las mejores mentes de la policía.

La misión en el mundo que se ha encomendado a si mismo el asesino es la purificación de las chicas de su entorno rural. Según las primeras conclusiones de Amaia Salazar, este individuo ve a las jóvenes como pervertidas, hipersexualizadas en su vestimenta o con bajos niveles morales en sus conductas. El cuidado peinado con la que aparecen sus primeras victimas, más ciertos adornos florales en sus cuerpos inertes indican a la policía que el perturbado quiere a dar a conocer su mensaje.

El cineasta a través de la atmósfera y la tensión en el ambiente consigue crear un clima de suspense y misterio que son lo mejor de la película. En contraposición, cuando se pone a indagar en las relaciones familiares de Amaia Salazar y sus regresos mediantes flashback a su niñez, pierde fluidez y no aporta mucho a la historia. Demasiadas vueltas que no llevan a ningún lugar reseñable. A veces se siente que la narración está partida en dos mitades innecesarias.

La inspectora interpretada con acierto aunque con algo de rigidez por Marta Etura (Celda 211) es el vehículo utilizado en la cinta para mostrarnos algo tan complicado como es la vuelta a los orígenes del hogar familiar. Pero no solo al hogar, también al pueblo que marcó su infancia y que por hechos bastante controvertidos decidió abandonar. ¿Es posible separar unas indagaciones en criminología cuando estás resolviendo tus fantasmas del pasado? Esa es una de las cuestiones que trata de resolver la propuesta. Para ello, se vale de la hermana de la inspectora interpretada por una magistral Elvira Mínguez (El desconocido) enemistada con Amaia desde que esta se marchara del pueblo. De hecho su propia hermana le está complicando tanto el caso como las pistas perturbadoras que va dejando el criminal. Del resto del coral reparto podríamos destacar a Manolo Solo, Frances Orella y a Carlos Librado girando siempre en torno a la protagonista principal.

La oscura fotografía encuentra su motivación en aportar las suficientes dotes de misterio que el film reclama. Aun así, pienso que esto no es óbice para iluminar mejor algunas escenas nocturnas. La música compuesta por Fernando Velázquez va señalado acertadamente los momentos para generar el suspenso que se busca en la narración.

Recapitulando ya, nos encontramos con un buen thriller que transita por lugares reconocidos y reconocibles del cine negro contemporáneo dejando atrás ya los clichés que ha soportado el cine español. En realidad el cine no debería medirse por su nacionalidad, si no por su calidad y lo más importante por la capacidad de conexión con el espectador. También cabe decir que a la cinta le falta rotundidad sobre todo en el personaje del villano de turno ya que su presencia aislada e inconexa en pantalla resta algún punto en el cierre del circulo final. Película más de cine que de vídeo pues requiere una atención especial y sobre todo embriagarse del perturbador entorno navarro. Lo que puedo asegurar es que la tensión en la sala de cine se palpaba en el ambiente y los murmullos del público al finalizar el pase auguran el primer éxito del cine español en este 2017.

Nota: 7'5.

Nacionalidad: España

Director:Fernando González Molina.

Reparto: Marta Etura, Elvira Mínguez,
Carlos Librado, Frances Orella.

Música: Fernando Velázquez.

Fotografía: Flavio Martínez Labiano.

Duración: 129 minutos.

Estreno España: 3 de Marzo 2017.

La vida de Calabacín (Ma vie de Courgette)

El espíritu infantil no es un vaso que tengamos que llenar, sino un hogar que tenemos que calentar. - Plutarco.

La historia: Calabacín es un tímido y encantador muchachito que tras perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida para niños huérfanos. Tras el rechazo inicial de algún compañero, pronto se integrará y empezará a forjar nuevas amistades. La llegada al centro de una niña llamada Camille será un revulsivo tanto para Calabacín como para todos sus compañeros. La historia de superación personal está servida.

La crítica: La primera sorpresa que nos encontramos en esta propuesta animada es la corta duración de la misma. Aunque técnicamente es un largometraje, sus apenas 66 minutos están vinculados con una rara avis en el mundo del cine como son los mediometrajes. En todo caso, es tiempo suficiente para contar una buena historia y la mejor prueba de ello es el cada vez más exitoso mundo del cortometraje.

Otra de las peculiaridades de la cinta es que que se trata de una animación stop motion cuya técnica consiste en aparentar movimiento en imágenes estáticas. La unión de estos fotogramas a la velocidad adecuada hacen posible la óptica de la movilidad. El cineasta suizo Claude Barras ha empleado cuatro años de su vida en rodar su proyecto más personal. Un trabajo totalmente artesanal en el que moldea junto a su equipo unas figuras de plastilina que cobran vida gracias al trabajo y a la magia del cine. Lo que a primera vista pudiera parecer un trabajo sencillo de animación es un minucioso y artístico logro que en su naturalidad encuentra su principal belleza.

Pero ante todo, la propuesta goza de una sensibilidad exquisita en el tratamiento de algo tan dramático como es la pérdida de una madre. Nuestro joven protagonista lleva además una pesada carga en su conciencia, al haber intervenido en el luctuoso suceso accidentalmente. Pero no fue su responsabilidad. Su madre estaba alcoholizada al no asimilar la ruptura de su matrimonio.

Por lo tanto nos encontramos de partida, con un cine de alto calado social, pero bien enmascarado en unas ágiles secuencias de animación para que los más pequeños puedan disfrutar de la película sin estar pendientes de porqué Calabacín llegó al orfanato. La inteligencia del director al proponer lo que yo calificó como "cine dual", hace que mientras los niños disfrutan y asimilan el mensaje con tranquilidad, los adultos puedan repensar la historia desde un punto de vista más profundo.

Y de soledades y amistades habla la cinta. Y de cómo cada niño que está en el hogar de acogida lleva una pesada carga detrás de su llegada hasta allí. Violencia familiar, inmigración ilegal o la falta de familiares adecuados hacen que esta ficción por desgracia sea una realidad en nuestra sociedad. Pero no todo son cargas de profundidad, de hecho el alegre colorido y las aventuras de los pequeños en su nuevo hogar ponen el contrapunto adecuado adornado también con algún toque de humor. En todo caso lo verdaderamente esencial de La vida de Calabacín es la muchísima ternura que impregna Claude Barras a su película.

Hoy no podemos resaltar a nadie del cuerpo actoral, pues son muñecos de plastilina. Lo destacable es el trabajo artesano de esta coproducción franco suiza que ha conseguido el hito histórico de ser nominada al Oscar de la Academia junto a las habituales producciones de Disney. Tras el monumental ridículo de la entrega de estatuillas doradas del pasado domingo, supuestamente La vida de Calabacín no obtuvo finalmente el Oscar aunque con el movimiento de sobres que hubo quizás a nadie le importe ya. Lo que si consiguió fueron dos galardones de la Academia francesa de cine que parece actuar con más seriedad. Ganó el Premio César a mejor película de animación y lo más sorprendente aún es que se hizo con el César al mejor guión adaptado en competencia real con las películas no animadas, entre ellas las aclamadas 'Elle' o 'Frantz'.

En conclusión, nos encontramos con una propuesta hábil e inteligente que a pesar de no ser una cinta redonda del todo, es de muy interesante visionado por lo paradójicamente original que es la vuelta al cine stop motion y al trabajo artesano con mensaje. Un cine totalmente diferente a la órbita de Disney para que podamos apreciar que no solo de princesas vive el hombre. A excepción de Urdangarín que es un experto en la materia...

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Francia, Suiza.

Director: Claude Barras.

Novela: Gilles París.

Guión: Claude Barras,

Germano Zullo, Céline Sciamma.

Música: Sophie Hunger.

Duración: 66 minutos.

Estreno Francia: 19/10/16.

Estreno España: 24/2/17.

Fences

Nunca digas que amas a alguien si no has visto su ira, sus malos hábitos, sus creencias absurdas, y sus contradicciones. Todos pueden amar una puesta de sol y la alegría, solo algunos son capaces de amar el caos y la decadencia.

- Acción poética Cartagena.

La historia: Troy (Denzel Washington) trabaja en el servicio de limpieza en el Pittsburgh de los años 50. Sus sueños como jugador de béisbol quedaron atrás y ahora lucha junto a su mujer Rose (Viola Davis) por sacar a flote su hogar y por aliviar su precaria situación económica. Las relaciones con sus hijos, más una tercera persona que se cruza en el matrimonio, harán saltar los resortes de lo que parecía una convivencia en armonía.

La crítica: Denzel Washington además de encabezar el reparto, dirige y produce con fuerza su tercera película tras Antwone Fisher (2002) y The Great Debaters (2007). En esta ocasión, la cinta está basada en la obra teatral del mismo nombre y fue galardonada con el Premio Pulitzer. Este hecho, supuso el reconocimiento internacional para el dramaturgo August Wilson, que antes de su fallecimiento dejó adaptado el guión para ser llevado al cine.

Sus obras se caracterizan por entrelazar las vidas individuales, para mostrar una perspectiva en su conjunto de la realidad social afroamericana en el pasado siglo XX. Temas como la esclavitud, la re-conversión industrial que se cebo con los trabajadores negros, o la humillante segregación racial fueron las fuentes de su creación. Por otra parte, su deseo de que su obra fuera filmada por un afroamericano se ha visto cumplido cuando Denzel Washington decidió hacerse cargo del proyecto.

Las cuatro nominaciones al Oscar que ha recibido Fences (mejor película, mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor guión) suponen un reconocimiento póstumo del mundo del cine a la trayectoria del escritor que firmó un libreto lleno de pasión y arrebato.

La presentación con veinticinco minutos de diálogos de vértigo dan paso a un drama complejo en el que la imperfección de las relaciones humanas se emparentan con la cruda realidad. Toda la historia gira hacia la figura de un padre y marido totémico, que va marcando con su carácter a los demás miembros de la familia. Su ego infinito, nos habla del miedo a verse superado por sus hijos mientras estos se debaten entre la admiración y el miedo a su agridulce progenitor.

La atmósfera que consigue el cineasta es por momentos asfixiante, pero balanceada con hábiles ráfagas de humor que se concretan en el patetismo de un padre de familia que a sus más de 50 años aún juega a encontrar su lugar en el mundo. La acción prácticamente en su totalidad está desarrollada en el hogar familiar, concretamente en el porche exterior, recogiendo claramente las influencias teatrales de las más de 500 representaciones que la obra lleva en Broadway.

Quizás por esto mismo, los 139 minutos de metraje se sienten excesivos para una cinta que aunque paradójicamente resulte muy veloz en los diálogos, pierde frescura en lo parsimonioso del desarrollo. O lo que es lo mismo, un disfrute para el que quede enganchado por los personajes o un exceso para aquel que desconecte de las historias personales con demasiadas capas en su transición. Es evidente que Washington es un enamorado de esta historia, pero es incomprensible que no haya podido valorar que la cinta con los 90 minutos de rigor hubiera ganado mucha habilidad narrativa. En mí opinión es mejor quedarse corto y dejar al espectador con ganas de más, que pasarse de metraje y caer en lo más temido por un cineasta, el aburrimiento o las miradas al reloj.

Lo que si es absolutamente abrumador es el trabajo de Denzel Washington interpretando con pasión, calor y arrojo a un personaje que no es fácil de comprender por sus actitudes contradictorias. Una de las mejores interpretaciones de su carrera, sino la mejor. Por otra parte, aparece como coprotagonista en pantalla Viola Davis (Criadas y Señoras), que le da una fantástica réplica en el papel de una mujer que dio toda su vida por el amor hacia su marido y ahora se ve sorprendida por los devaneos amorosos extraconyugales de su pareja. Con la nominación al Oscar por esta interpretación, pasa a la historia como la mujer negra con más nominaciones a los citados premios de toda la historia.

Hay que señalar que la pareja de actores recibieron sendos Premios Tony por la interpretación teatral que hicieron de Fences sobre las tablas de Broadway. Del resto del reparto habría que destacar a Stephen Henderson en el papel de Jim, interpretando al eterno buen amigo que intenta llevar por el camino recto al personaje principal y la muy prometedora presencia en pantalla de Jovan Adepo que hace el papel del hijo que quiere emular a su padre en la pasión por el béisbol.

En el aspecto técnico destaca la fabulosa fotografía realizada por la danesa Charlotte Bruus Christensen (Lejos del mundanal ruido), que envejece con brillo el aspecto de las imágenes para trasladarnos a la Pensilvania de mediados del siglo pasado. La dirección de arte con la recreación de la casa familiar y los exteriores completan un buen trabajo.

En resumen, una película que destaca sobre todo por las majestuosas interpretaciones y que hará las delicias de los amantes del teatro llevado al cine. En su debe, habría que colocar su parsimoniosa relación de hechos, así como ciertas alegorías religiosas fuera de lugar. En cualquier caso, el reparto será recordado, asimilado y emulado en las futuras clases que se impartirán en cualquier escuela de teatro o cine que se reparten por tantas ciudades del planeta. ¿Es suficiente esto para recomendar la película? En sus manos queda.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección: Denzel Washington.

Reparto: Denzel Washington,
Viola Davis, Jovan Adepo
Stephen Henderson.

Guión: August Wilson.

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen.

Música: Marcelo Zarvos.

Duración: 139 minutos.

Estreno EE UU: 25/12/2016.

Estreno España: 24/02/2017.

Jackie

Si no podemos poner fin a nuestras diferencias, contribuyamos a que el mundo sea un lugar apto para ellas. - John Fitzgerald Kennedy.

La historia:  El 22 de noviembre de 1963 y durante una visita a Dallas el 35 presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, fue asesinado por un francotirador en presencia de su esposa Jacqueline. La narración nos lleva al momento anterior al magnicidio para centrarse después en los días posteriores al dramático suceso. La visión de los hechos y el trauma vivido por Jackie Kennedy ponen en valor como era, que sentía y que labor desarrollaba la ex primera dama. Un biopic centrado en unos días que conmovieron al mundo mientras una mujer perdía a su marido.

La crítica: La brutal pérdida del reino de Camelot estadounidense es filmada magistralmente por la mirada del cineasta chileno Pablo Larraín que ya demostró su autoridad en la estupenda película 'No'. Y lo hace a través de unos primeros planos de una exquisita factura en los que la actriz Natalie Portman (Jane got a gun) demuestra que ya es historia viva de la cinematografía mundial.

Pero la cinta es algo más que Portman y Larraín. De hecho, el impulso del proyecto es del director y ahora productor de Jackie, Darren Aronofsky, que ya llevó a la actriz a ganar un Oscar por la aclamada cinta 'Cisne negro'. Para ello, se valió de un gran guión de Noah Oppenheimer que fue galardonado como el mejor libreto en el pasado Festival de Cine de Venecia. Un trabajo en equipo de la que sin embargo sale una de las películas más personales del cineasta chileno.

Últimos momentos de felicidad

La cinta retrata la pérdida de la inocencia de la sociedad estadounidense y de la propia Jacqueline Kennedy. Y es que ella sostuvo entre sus manos el cráneo desfigurado del presidente en unas imágenes vistas a nivel mundial. Aunque no fue el primer presidente asesinado en la historia de los Estados Unidos si ha sido uno de los magnicidios que más controversias ha despertado entre los historiadores y periodistas del mundo entero. La película en sí, no desarrolla ninguna teoría de la conspiración pero si deja algún matiz a cuenta de la tibieza del presidente sucesor Lyndon B. Johnson.

Lo que parece claro es que el asesinato cometido por Lee Harvey Oswald supuso como mínimo una grave dejación de funciones de las autoridades policiales de Texas. Dos asesinatos demasiado fáciles, el de Kennedy y el del propio Oswald, que solo los historiadores e investigadores serios podrán aclarar en toda su magnitud. Las locas ideas conspiranoicas no caben en esta cinta. De hecho, es un retrato muy intimista de lo que sintió una mujer, una persona y un icono como fue la joven Jackie. Un desborde emocional, intenso y aunque un tanto pausado que sugiere a una mujer mucho más fuerte que ese mito de Chanel que la cultura contemporánea se encargó de crear. 

Y es que la historia se narra a través de la única entrevista que concedió la "reina y viuda de América" al periodista de la revista Time, Theodore H. White, en los días posteriores al trágico suceso. De ahí, el cineasta va recomponiendo el puzzle sentimental por la que atravesó esta mujer. Ella, a pesar de los devaneos amorosos de su marido, supo y quiso estar a su lado más allá de su muerte y transmitir el enorme legado en cuestión de derechos civiles que nos dejó el presidente Kennedy.

La soledad

El reparto es ante todo una descomunal Natalie Portman ocupando prácticamente la totalidad de planos de la producción. Nominada y ganadora de premios por esta actuación su actuación está muy por encima de lo que obtenga o deje de obtener. La que fue una niña prodigio ya es maestra de actores a sus 35 años. La acompaña interpretando a Bobby Kennedy, Peter Sarsgaard (An Education) en una actuación creíble y formal de un actor que personalmente me encanta. Como asistenta de Jackie, aparece la actriz en alza Greta Gerwig (Maggie's Plan) aportando la calidez que la caracteriza. El periodista encargado de la entrevista que sirve como hilo conductor del largometraje es interpretado con corrección por Billy Crudup. Mención especial para John Hurt (El expreso de medianoche), en su último buen papel en la gran pantalla antes de dejarnos recientemente. Interpreta al sacerdote que intenta dar consuelo a la protagonista.

La música de Mica Levi es un personaje más de la película actuando como catalizador de los sentimientos de Jackie. Una excelente banda sonora que ha obtenido una obligada nominación a los Oscars de la Academia. También lo ha hecho un gran diseño de vestuario y paradójicamente lo mejor técnicamente de la película, que es la sobresaliente dirección de arte, se ha quedado fuera. Y es que los escenarios tanto naturales como las recreaciones artísticas de los distintos interiores dejan completamente maravillados con la grandeza del cine (por cierto la mayoría de la cinta está rodada en Francia).

En definitiva, Jackie es una excelente propuesta interior que nos sumerge en la personalidad de la primera dama más popular de la historia de los Estados Unidos. Lo que se echa de menos en la película es la falta de profundidad en las relaciones personales de la pareja para comprender en su totalidad el comportamiento de la protagonista. Otro defecto que nos encontramos, no se debe al hecho artístico, sino al marketing comercial de la productora que da a entender que la película es un retrato de la vida de Jackie Kennedy cuando la realidad es que la historia esta basada en los días posteriores al asesinato del presidente Kennedy.

Jackie es una emocional, brutal y desgarradora historia que te atrapa a través de Natalie Portman y su gran capacidad de conexión. El cine, una vez más, refleja un acontecimiento histórico cumpliendo perfectamente con su función de espectáculo y a la vez sirviendo como vehículo sociocultural de primer nivel.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos,
Chile, Francia.

Director: Pablo Larraín.

Reparto: Natalie Portman,
Peter Sarsgaard, Greta Gerwig.

Música: Mica Levi.

Fotografía: Stéphane Fontaine.

Duración: 95 minutos.

Estreno EE UU: 02/12/16.

Estreno Chile: 16/02/17

Estreno España: 17/02/17.

Estreno México: 24/02/17.

Estreno Perú: 9/03/17.

Sesión Teta: Otra manera de ir al cine

La idea de esta publicación en Cine y críticas marcianas nació una tarde en la que me disponía a sacar una entrada en las taquillas de un cine en la ciudad de Madrid. Me encontraba tranquilamente leyendo los horarios de las películas cuando para mi sorpresa, en una de las producciones, aparecía un indicativo señalizando ese pase con el sobrenombre de Sesión Teta. Lo primero que pensé es que se trataba de una sesión erótica o incluso un error de imprenta. Pero claro, ya se sabe que los hombres antes de preguntar una dirección o consultar con otra persona preferimos hacer 10.000 kilómetros si con ello queda demostrada nuestra gran sabiduría. El caso es que me daba vergüenza preguntar a las chicas de las taquillas y fue el teléfono móvil con la conexión a Internet el que me sacó de dudas. La Sesión Teta consistía en una iniciativa para que las mamás en periodo de lactancia pudieran acudir al cine con sus bebes en unas condiciones muy favorables para ambos. Este es el curioso prólogo con el que doy paso a divulgar esta información para todos aquellos que lean estas lineas y que como yo, desconocían esta bonita manera de acudir al cine.

La idea nace de la enfermera de pediatría Carmen Maderuelo durante unos talleres de lactancia en el centro de salud Doctor Castroviejo situado en Madrid. El aislamiento de las madres en los actos socioculturales por tener que cuidar a sus pequeños es una de las razones que le llevaron a impulsar esta popular iniciativa que se esta extendiendo por el resto de España. Ojalá que muy pronto se pueda extender por el resto del mundo y especialmente entre nuestra comunidad iberoamericana donde la natalidad siempre esta necesitada de estímulos.

El 27 de febrero del año 2015 se proyecta la primera sesión de estas características en los cines del centro comercial La Vaguada. Para llegar a esta meta, la enfermera se puso en contacto con el propietario de estos multicines y llegaron a un acuerdo para facilitar una sesión a la semana. Pero claro, las condiciones para acoger a estos bebés, a sus madres o a algunos padres que también se fueron apuntando debían ser especialmente acogedoras por el bien de los más pequeños.

A continuación expongo cuales son las principales características que deben cumplir estas sesiones.

La climatización: La temperatura de la sala debe ser acogedora y adecuada a las condiciones que necesitan los peques. Por lo tanto el aire acondicionado en verano tiene que ser moderado y por supuesto en invierno tiene que haber la calidez que proporciona una no muy potente calefacción.

El sonido: Los decibelios de la sala no deben superar los 65, cuando lo habitual es que estén en torno a los 100 en las sesiones para todos los públicos. No hay que olvidar que la protección auditiva es muy importante para el normal desarrollo de la audición en los bebés.

El precio: Los cines donde acogen esta iniciativa ofrecen un descuento sobre la entrada de referencia en una sesión ordinaria. Podríamos hablar de entre un 20 o 30 por ciento de ahorro según en que ciudad y en que sala.

La movilidad: Esto es importante porque si un bebé se pone a llorar nadie se va a quejar. Las mamás se podrán levantar, acunar o incluso dar un paseo con su niño si con ello se calma y acomoda a la situación. Por supuesto, el amamantar al bebé en plena proyección es otra de las ventajas de la Sesión Teta, de ahí su nombre. Se recomienda también en la medida de lo posible llevar a la criatura en brazos o en mochilas preparadas para ello. El fin de esto es el de no obstaculizar las salidas de emergencia con los carritos.

La edad y la programación: Se recomienda también que la edad adecuada no debe superar los 20 meses en los bebés. A partir de este momento y debido al desarrollo cognitivo ya empiezan a comprender algunas situaciones de las películas que podrían no ser adecuadas para ellos. En cualquier caso esto ya queda a criterio de los padres. La programación será acorde con los mejores estrenos del momento evitando eso sí, las películas de terror o las de mucha acción por los cambios bruscos en el volumen de la audición.

La iniciativa surgió hace ahora dos años y empezó como algo anecdótico en un solo cine y en una sola sesión en la capital española. Hoy en día se ha propagado por el resto del país y ya llega a Barcelona, Murcia, Cartagena o Palma de Mallorca por citar solo algunas de las ciudades donde está presente. En Madrid son muchos los cines que están dando el paso en los últimos meses.

Giorgia Bussolino y otras madres fueron las impulsoras de la creación de una página temática en Facebook en la se ofrecen las últimas novedades e incorporaciones al respecto. Se llama @alcinecontubebe y para los no usuarios de esta red social también disponen del correo sesionteta@gmail.com aunque este está especialmente habilitado para los cines que se quieran sumar a la propuesta.

Una idea que nace de la ciudad de Madrid para el resto del mundo. Así que cualquier persona que quiera sumarse a este proyecto ya sea en España o en cualquier otro lugar, ya sabe que el camino recorrido por Carmen Maderuelo no solo es factible, sino posible. La iniciativa también es un punto de unión entre el negocio cinematográfico y la labor que este tiene para la socialización de las personas. Muchas de estas madres hicieron amistad en las propias salas de cine. Otras en el futuro lo harán con el telón de fondo del séptimo arte como reclamo. Por mí parte y al tener un blog de cine lo mínimo que puedo hacer es poner mí granito de arena en la divulgación de la iniciativa. Todo suma en un una propuesta tan original y tan atractiva para el mundo del cine.

¡Qué maravilloso es el cine! Gilda

¿Te interesa saber lo mucho que te odio, Johnny? Te odio de tal manera que buscaría mi perdición para destruirte conmigo. -Gilda.

Una parte muy importante de la historia del cine viene marcada por los grandes clásicos que conectaron con amplio sectores de la población. Gilda es uno de los casos más paradigmáticos en este aspecto con muchas singularidades que concurrieron tras la presentación de la película. Sin duda, la cinta será recordada por la famosa interpretación de la canción 'Put the blame on mame' con la que Rita Hayworth alcanzó la universalidad y se convirtió en un mito erótico del siglo XX. Nunca un "no striptease" de una estrella de Hollywood dio tanto que hablar. De hecho, la actriz solo se desprende de los guantes durante la escena. En todo caso, la cinta es mucho más que esto. Nos encontramos ante una gran historia de amor romántico impregnada de la mejor esencia del cine negro. Cine para el recuerdo que marcó un hito en la cinematografía universal. 

Película del año 1946

La historia nos lleva hasta el Buenos Aires de la década de los 40 del siglo pasado. En escena aparece Johnny (Glenn Ford), que es un jugador de mal vivir que es rescatado de un un asalto por el millonario Ballin Mundson (George Macready). Este hombre es dueño de un casino y decide darle una oportunidad empleándole en el salón de juegos como su mano derecha. Es entonces cuando aparece Gilda (Rita Hayworth).

Ella fue un antiguo amor de Johnny. A partir de ahí, el dueño del casino le comunica a su empleado que va a contraer matrimonio con ella. Los antiguos amantes ocultan al empresario la relación que mantuvieron pero pronto los celos y las pasiones encontradas sacarán a relucir unos sentimientos que nunca estuvieron apagados. El conflicto pasional está servido.

La película es un cocktail explosivo de amor, celos, pasiones, violencia, erotismo, engaños, contradiciones, odios y miedos agitados a la perfección por el cineasta húngaro Charles Vidor. El guión fue firmado por Jo Eisinger que en su improvisación es donde halla su genialidad. El director europeo que emigró a los Estados Unidos para vivir el sueño del cine sonoro, logró fichar por la Metro Goldwyn Mayer aunque el éxito para la posteridad que logró con Gilda. Nunca obtuvo un triunfo tan arrollador como en esta película pero que realizó otras grandes obras entre las que destacó una nueva adaptación de 'Adiós a las armas' de Ernest Hemingway en el año 1957.

El análisis de Gilda tiene su principal motivación en la psicología de unos personajes que no dejan de representar a unos arquetipos de aquella sociedad y de la actual. Unos personajes con numerosas capas donde encontramos la esencia de todo lo que significó y significa esta película.

De menor a mayor importancia habría que hablar en primer de lugar del personaje del millonario Ballin Mundson  (George Macready). Él desde la primera escena en la que salva a Johnny, representa la displicencia y la compra de voluntades con su carácter seductor pero tramposo en sus fines. Una vez que el jugador de malos hábitos es contratado como pieza importante en el casino del empresario, no solo ha contratado a un empleado, si no que ha conseguido un súbdito. De hecho, por momentos parece mostrar más interés en el propio Ballin que en su amada Gilda. Mundson es sin duda es el gran 'capo' de la vida nocturna de la ciudad porteña y la bella Gilda no es más que otra de sus adquisiciones. Una vez que contraen matrimonio queda absolutamente enamorado de ella. A partir de ese momento la lucha entre los negocios y la conquista de su mujer marcará el devenir del personaje.

Seguimos el viaje con el personaje de Johnny Farrell (Glenn Ford) que en la cinta es la correa de transmisión entre un matrimonio de conveniencia que está condenado al sufrimiento más que a la esperanza. En su momento a este personaje se le asoció una bixesualidad por su admiración por el hombre que le había sacado de las calles. Quizás sea un análisis un tanto forzado, pues si bien es cierto que durante el metraje se aprecia una excesiva adoración hacia su jefe, esto no parece implicar ningún tipo de deseo sexual. En todo caso, el personaje queda marcado para la historia del cine por la sonora y polémica bofetada que le propinó a Gilda tras la sensual interpretación de 'Put the blame on mame'. Esta acción ha hecho correr ríos de tinta y provocado muchos equívocos. Evidentemente este es un hecho denigrante y machista, pero por rodar esta escena el cineasta no está justificando la violencia. 

Filmar un asesinato, una violación o un conflicto bélico no justifican de ningún modo estos actos. Por la misma razón no se puede acusar a Charles Vidor de contemplativo en estos asuntos. La interpretación de Glenn Ford en este papel fue bastante convincente y supo transmitir bien en su faceta expresiva su relación de amor/odio con Gilda.

Y como no, llegamos a través de esas pasiones enfrentadas al mítico papel de Gilda interpretado con mayúsculo acierto por Rita Hayworth. Ella solía bromear en la vida real con la siguiente frase: "Los hombres se acuestan con Gilda pero se levantan conmigo". La película estuvo preparada en cada detalle para el lucimiento de la actriz. En cada secuencia desborda por su belleza y por sus buenos matices interpretativos. Fue tan grande el impacto de su actuación que podría considerarse la primera estrella de cine que empezó a cobrar un porcentaje de los resultados en taquilla.

Gilda representa en primer lugar a la mujer dañada. Todo el personaje está basado en el despecho que siente hacia el que fuera su pareja y que una vez la dejó plantada. Sus actos siempre se mueven en una estrategia para recuperar a su pareja mediante el uso de los celos como arma envolvente. Lejos de conseguir su propósito, lo que consigue es sembrar la semilla de un profundo odio en su ex pareja envenenando de ese modo la relación de una manera notable. Si por algo destaca la película es por reflexionar sobre la toxicidad de las relaciones humanas y sus consecuencias. Gilda consigue hacer entender que precisamente es el odio un sentimiento más feroz y devastador que cualquier otro sentimiento de la condición humana. Solo el amor puede servir de redención a cada uno de los personajes representados.

La censura encontró en Gilda un buen puñado de razones para cebarse con la película. Sin embargo, sorprende que en España, país donde los censores tenían el trabajo asegurado, se estrenó sin amputaciones significativas. El problema surgió con los sectores más conservadores de la sociedad con la iglesia católica como principal opositora a la exhibición de la cinta. En su delirio, los obispos consideraron a Gilda como gravemente peligrosa para la moral y la clasificaron para mayores de 21 años. Esto no hizo otra cosa que aumentar la leyenda y el deseo de los espectadores por visionarla. Rezos, protestas y diversos boicots frente a los cines donde se exhibió aún causan perplejidad mundial por lo exagerado de la reacción de dichos sectores de la sociedad.

Como anécdota más significativa cabría resaltar que algunos arzobispos españoles amenazaron con la excomunión a los fieles que osaran a ver el largometraje. Y todo por el famoso guante de Gilda que en definitiva era lo único que se quitaba. Evidentemente no era el guante lo que molestaba. Sencillamente era el control sexual de la población como herramienta de trabajo.

El anecdotario de Gilda es infinitamente rico en la historia de la cinematografía universal más allá de la censura o de las polémicas estériles. Una de las curiosidades es que Rita Hayworth no es la intérprete real de las canciones de la película, sino que hace playback de los temas interpretados por Anita Ellis. Otro de los puntos de interés, fue que la sensual interpretación de la actriz también provocó un alto interés en el público femenino por los vaporosos vestidos elegidos por la dirección de vestuario.

Mención aparte, merece el peinado ondulado de la artista que hoy en día sigue estando de actualidad en las peluquerías femeninas para fiestas de gala o cenas románticas. En recientes fechas la actual Reina de España Letizia, causó revuelo en algún sector de la sociedad por lucir en un acto público el peinado y un vestido negro de tirantes inspirados en el look de Gilda. En definitiva, los ecos de la pelirroja más famosa de la historia del cine aún llegan hasta nuestros días. En la siguiente fotografía podremos apreciar la imagen real de Gilda a todo color. El blanco y negro tan bello para el cine clásico impedía apreciar el verdadero color del cabello de la artista.

En conclusión, nos encontramos ante una película que trascendió mucho más allá de sus valores cinematográficos que ya eran altos de por sí. De desigual recepción entre la crítica especializada, la cinta ha logrado ganar peso con el paso de los años. De hecho, es de las películas que ha conseguido no envejecer con el transcurrir de las décadas y estar de plena actualidad en pleno siglo XXI. Sentimientos tan universales como el amor, el odio, la traición, el desamor, o la atracción sexual son las razones por la Gilda cobra vigencia y es uno de los iconos de la cultura popular de todos los tiempos.

Múltiple (Split/Fragmentado)

La historia: Kevin (James McAvoy) es un paciente psiquiátrico con personalidad múltiple en tratamiento por la Dra. Fletcher (Betty Buckley). A pesar de que su enfermedad parece controlada, en un arrebato de locura secuestra a tres chicas y las encierra en sótano de su residencia. A partir de ese momento comienza una lucha psicológica entre las 23 personalidades de Kevin y las jóvenes raptadas.

La crítica: El cineasta hindú M. Night Shyamalan (El sexto sentido) afronta con irregular resultado su enésima incursión en el thriller de suspense. Si bien hay que reconocer que el guión firmado de su puño y letra engancha de salida (a pesar de ser una premisa repetida), por otra parte y como suele ser habitual en su filmografía sus desvaríos en el desarrollo opacan su excelente tempo narrativo.

En esta ocasión se vuelve a tocar en el cine el trastorno de identidad disociativo (TID). Esta es una enfermedad mental en la que distintas personalidades conviven dentro del mismo individuo. En el año 1957 el cineasta Nunnally Johnson ya afrontó este reto en la bien documentada cinta Las tres caras de Eva y en el año 2003 James Mangold lo propuso en la escalofriante Identity.

¿Y qué es lo que sucede con 'Múltiple' teniendo todo para haber brillado a una altura distinta de lo que lo hace? Pues que vuelve a sostener el cliché de que todas las enfermedades mentales nos llevan a un villano psicópata con retorcidos propósitos. Con esta premisa solo logran confundir a la población con una información sesgada de poco valor médico.

En todo caso hay que reconocer que Shyamalan es uno de los mejores especialistas en generar suspense en su narrativa y una vez más lo consigue de una manera notable. Los personajes se van trenzando a fuego lento implicándonos en el terror de las chicas secuestradas. Veloces diálogos entre las victimas y las distintas personalidades de Kevin dan muestra de la capacidad de cineasta para mantener la tensión.

Mientras tanto, la psiquiatra encargada del desequilibrado secuestrador empieza a sospechar que algo no va bien cuando el paciente empieza a asomar la personalidad numero 24 conocida como "la bestia" (¿será Donald Trump?). Y es ahí, cuando en el tercio final de la cinta el que empieza a desvariar no es el paciente, sino el cineasta con salidas de tono absurdas que dan al traste con toda la buena trama expuesta hasta el momento.

Imposible además concentrarse con lo que en principio creí que era un error de racord, pero no es más que una tomadura de pelo del director. Se trata de la caracterización de una de las jóvenes secuestradas. Y es que después de luchas, llantos, días y noches encerrada, el personaje de Casey permanece con el maquillaje intacto como recién salida de una sesión de fotos promocionales de Vogue. Ver para creer (la escena de la ambulancia es sólo un ejemplo). Además, la joven presenta unos arañazos de "gato desganado" en su abdomen (mal maquillaje) que representan un abuso en su niñez. Es entonces cuando el psicópata empatiza con su víctima en otro desbarre del cineasta cuando es sabido que la falta de empatía es la principal característica de los psicópatas.

Lo mejor de la película llega con la extraordinaria interpretación de James McAvoy (Expiación), impregnándose con las distintas personalidades de Kevin. Desde un niño asustado hasta una mujer malévola son interpretados con maestría por el actor escocés. En el papel de psiquiatra encargada del paciente aparece una emotiva Betty Buckley que ya trabajó con el cineasta en 'El incidente'. De las jóvenes secuestradas destaca Anya Taylor Joy ('The witch') en el papel de Casey.

No voy a extenderme mucho más. Multiple al ser una cinta en la que el suspense y el misterio son una de sus cualidades debe quedar viva sin desvelar partes importantes de la trama. En todo caso y como conclusión final, es una verdadera lástima que un director único para crear atmósferas tan difíciles de conseguir en el cine desperdicie todo su talento en unos desvaríos finales más propios de un cineasta adolescente que de un director profesional. Un cineasta en definitiva que sigue apuntando alto y que no acaba de conseguir el equilibrio necesario para hacer una obra completa en la forma y en el fondo.

Nota: 4/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección y guión: M. Night Shyamalan.

Reparto: James McAvoy, Betty Buckley,
Anya Taylor Joy, Jessica Sula.

Música: West Dylan Thordson.

Fotografía: Michael Gioulakis.

Duración: 116 minutos.

Estreno EE UU: 20/01/17.

Estreno España: 27/01/17.

Estreno Argentina: 2/02/17.

Estreno México: 17/02/17.

Melanie. The Girl with all the Gifts

La historia: Melanie es una niña con una extraña infección fúngica que es puesta en cuarentena junto a un grupo numeroso de niños con idéntico problema. Mientras el ejercito británico los vigila una profesora se encarga de su educación y cuidado. El extraño virus está arrasando el mundo y convirtiendo en zombis a los humanos infectados. La esperanza está puesta en los médicos que luchan contra reloj para lograr una vacuna que contenga el escenario apocalíptico que se empieza a imponer. Los niños infectados aún conservan parte de su humanidad, pero el hongo vírico que portan, los está zombificando a pasos agigantados. Melanie tendrá la clave para salvar a la humanidad...

La crítica: Tras su buen paso por el Festival de Cine Fantástico de Sitges, llega ahora a las carteleras de cine en España esta distópica cinta de ciencia ficción y terror postapocalíptico. Está dirigida con bastante potencia por el cineasta británico Colm McCarthy. La historia está basada en la novela homónima de Mike Carey que también se encarga de adaptar el guión para la producción cinematográfica. Buen dúo y con buenas ideas.

¿Por qué si los zombis están tan sedientos de sangre, no se comen entre ellos?

La pregunta no es mía. La hacía un espectador a la salida del pase de la película. Supongo que será por cierta camaradería y por el corporativismo que acecha nuestra sociedad (mundo zombi incluido). Fuera de bromas, nos encontramos ante una más que interesante propuesta en este tipo de cine que tantos partidarios y detractores cosecha. Podríamos decir que la historia deja varios mensajes bastante talentosos sobre la soledad y la desconfianza en un mundo globalizado como el nuestro.

La presentación de la historia contiene una fuerza expresiva rotunda. Unos niños aislados en una base militar que son fuente de experimentación para que los científicos puedan encontrar una solución para el control de la plaga que se extiende por toda Inglaterra. Mientras, en el exterior, nos encontramos ante un escenario catastrófico en el que se vislumbra una ciudad de Londres arrasada por los "hambrientos" que es como se denomina a los infectados por el hongo.

Toda la historia pasa por Melanie y su lucha por desterrar todo el mal que simbólicamente se aferra sobre ella. La lucha entre su parte humana y su parte sobrenatural simbolizan la eterna lucha entre el bien y el mal. Cuando la base militar es invadida por los zombis, ella se pone de parte de su profesora que es la única persona que le ha dado cariño en su corta pero dura experiencia vital.

En una huida sin retorno del recinto militar y aferrados a la esperanza, la niña y su maestra se unen a dos militares y a una médico en busca de una esperanza en encontrar una solución a la pandemia que está sucediendo en el país. Las contradicciones morales entre los miembros supervivientes afloran cuando la parte más brutal de Melanie sale a relucir.

Metafóricamente la historia nos habla de los dos lados que se supone que todo humano tiene en su interior y la lucha por sacar lo mejor de nosotros mismos. Mientras que la historia nos ofrece gotas de pensamiento emocional debidamente racionadas, por otro lado obsequia con un festival de ataques zombis de un cine gore bastante manejable y divertido. En sus virtudes, están también sus defectos. Y es que alguien podría pensar que se queda a medio camino entre el cine intelectual y el mero divertimento zombi. En mi opinión, las situaciones están bien balanceadas y consiguen un buen espectáculo. 

El reparto está encabezado por Sennia Nanua que interpreta a Melanie. Actuación sensible y a la vez radical que la valió para recibir el premio a la mejor actuación femenina en el último Festival de Cine de Sitges. Ojalá le sirva para hacer carrera en el difícil mundo del cine. Por lo demostrado en este papel se lo merece y mucho. En el papel de la cariñosa maestra de la niña nos encontramos con una poderosa Gemma Arterton ('Primavera en Normandía').

Y un gusto es volver en escena a Glenn Close ('Atracción Fatal') en su papel de médica sin escrúpulos como villana de la película. Magisterio en escena y en plena forma. El militar al mando del grupo, sin embargo, es llevado a la pantalla por un irregular Paddy Considine ('Pride').

En conclusión, nos encontramos con un entretenido e inteligente cine apocalíptico que hará las delicias de los aficionados al cine de zombis y de terror. Este subgénero parece experimentar un resurgir con esta producción y con la cinta surcoreana 'Train to Busan' que ha tenido un enorme éxito entre la crítica especializada. Desde luego la exitosa serie de televisión 'The Walking Dead' es la impulsora de este nuevo amanecer zombi. Sin hablar de una obra cumbre, encuentro a 'Melanie. The Girl with all the Gifts', como una muy aceptable propuesta.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido.

Dirección: Colm McCarthy.

Reparto: Sennia Nanua, Gemma Arterton, 

Annamaria Marinca, Glenn Close.

Guión: Mike Carey.

Fotografía: Simon Dennis.

Música: Cristobal Tapia de Veer.

Duración: 105 minutos.

Estreno Reino Unido: 23/09/2016.

Estreno España: 3/2/2017.