Cine y críticas marcianas cumple 10 años: fin de ciclo y cierre del blog con enorme agradecimiento

¡Feliz año 2026!

Cine y críticas marcianas: 3 de enero de 2016 – 3 de enero de 2026

Hoy se cumplen exactamente diez años desde que este blog publicó su primera entrada. Aquel día lo hice con una mezcla de ilusión, incertidumbre y el deseo sincero de aportar mi pequeño granito de arena a la divulgación cinematográfica. Diez años después, puedo afirmar que la aventura ha sido maravillosa. Sin embargo, como ocurre con la propia vida, todo lo que tiene un comienzo también tiene un final. Cine y críticas marcianas vive actualmente su mejor momento: el número de comentarios, el posicionamiento en buscadores y el cariño de los lectores nunca han sido tan altos. Precisamente por eso, al llegar a esta década reseñando películas, siento que es el instante perfecto para poner un broche de oro a lo que ha sido un sueño cumplido. Vivir en modo cine me ha permitido colaborar con medios de prensa, conocer y entrevistar a directores y actrices de primer nivel y, sobre todo, conectar con personas maravillosas que han dedicado un tiempo de su vida a leer, comentar y enriquecer este espacio. A algunos incluso he tenido la suerte de conocerlos en persona, convirtiendo esta experiencia en algo plenamente humano y gratificante. Un millón de gracias a todos vosotros, de verdad y desde lo más profundo del corazón.

Estadísticas y balance

Aunque las cifras no son lo más importante para mí, sí reflejan de alguna manera la repercusión que ha tenido el blog a lo largo de estos años. Las páginas visitadas han superado los 2,5 millones, se han escrito más de 25.000 comentarios entre opiniones y respuestas, y se publicaron más de 600 entradas distribuidas en las diferentes secciones. Algo que me hizo especial ilusión fue que muchas de las críticas y reseñas lograron posicionarse en los primeros lugares de Google, llegando incluso, en numerosas ocasiones, a superar a grandes medios profesionales o a diarios regionales. En el debe, hay que reconocer que la desaparición de Google+ y las limitaciones de la ya obsoleta plataforma de Blogger frenaron un crecimiento mayor. Aun así, no puedo estar más que profundamente agradecido: ambos fueron medios gratuitos y accesibles para cualquiera con una conexión a Internet, y gracias a ellos pude compartir esta pasión por el cine con tantísima gente.

¿El cierre será definitivo, por un tiempo sabático o habría la posibilidad de reapertura del blog? 

En principio, el cierre del blog es definitivo. Sin embargo, como en la vida nunca se puede decir "de este agua no beberé", dejaré una pequeña rendija abierta por si algún día regresan con fuerza la ilusión, las ganas y ese placer inmenso de escribir sobre cine. Lo que sí sé con certeza es que ahora necesito un largo descanso: han sido diez años publicando sin faltar ni una sola semana, salvo en los periodos vacacionales habituales. En cualquier caso, este humilde legado personal a través de las críticas de cine me deja profundamente realizado y satisfecho. Mi granito de arena como crítico de cine me hace sentir que dejé una serie de escritos y textos que dieron algún tipo de sentido a mi paso por esta vida. Lógicamente los lazos familiares y amistosos siempre serán lo más importante. Aunque no descarto por completo una posible segunda etapa de Cine y críticas marcianas, de momento hemos llegado al final de esta hermosa aventura. Si hubiera más etapas solo el tiempo lo dirá. Gracias de todo corazón por haber formado parte de ella.

Despedida y cierre :)

Toda despedida conlleva su melancolía, pero quisiera remarcar la alegría y el buen humor que siempre reinó en Cine y críticas marcianas. Hemos disfrutado con películas más malas que la sarna, sonreído con niños poseídos, perros sarnosos y casas encantadas. Nos hemos emocionado con grandes películas y hemos recordado con cariño joyas clásicas del séptimo arte. En definitiva ha sido un verdadero placer compartir con vosotros estos años escribiendo y viendo cine. 

Por supuesto el blog no se borra y de hecho seguiré pagando el dominio web para que todas las publicaciones realizadas puedan seguir visitándose a gusto del lector y de mí mismo.

Cine y críticas marcianas cierra sus puertas, al menos por ahora, con el corazón lleno y los ojos algo empañados. Porque el cine, ese arte mágico que tanto hemos celebrado aquí, no es solo entretenimiento. Es un poder inmenso capaz de trasladarnos a otros mundos, de hacernos sentir lo que nunca hemos vivido, de ponernos en la piel de desconocidos y, al mismo tiempo, reconocernos en ellos. El cine nos abraza cuando estamos solos, nos consuela cuando duele, nos hace reír a carcajadas en la oscuridad y llorar en silencio sin vergüenza.

Nos recuerda que somos humanos: frágiles, valientes, contradictorios, llenos de sueños. En estas más de 600 entradas hemos hablado de películas grandes y pequeñas, de clásicos eternos y de joyas ocultas, de blockbusters y de cine independiente. Hemos celebrado a directores visionarios, a actores que se dejan el alma, a guionistas que nos regalan frases que se nos quedan grabadas para siempre. Pero sobre todo, hemos hablado de emociones. Porque al final, eso es el cine: emoción pura destilada en imágenes y sonidos. Y nada de esto habría tenido sentido sin vosotros. Sin vuestros comentarios, vuestras recomendaciones, vuestras discrepancias apasionadas, vuestros “totalmente de acuerdo” y vuestros “pues a mí no me convenció”. Habéis convertido este espacio en una comunidad viva, en una conversación interminable que me ha acompañado, me ha enseñado y me ha emocionado durante una década entera. Gracias de corazón por haber estado ahí, por haber leído, por haber compartido, por haber hecho que cada entrada valiera la pena. Gracias por confiar en mis palabras, por volver una y otra vez, por hacer que este humilde blog llegara a lugares que nunca imaginé. 

Que el cine os siga emocionando, sorprendiendo, consolando y haciendo soñar. Que encontréis en cada película un pedacito de magia que os haga sentir más vivos. Yo me voy con el alma llena de gratitud y con la certeza de que estos diez años han sido uno de los regalos más bonitos que me ha dado la vida. Gracias por todo y por tanto. Con cariño inmenso,

Miguel Pina

X Edición de los Premios Marcianos: lo mejor del cine en 2025

 ¡Diez años de Premios Marcianos!

Queridos terrícolas, cinéfilos y seres de luz que aterrizaron aquí por error buscando ver una peli pirata: hoy mis galardones cumplen 10 otoños entregando marcianos dorados a películas, directores y actores que, francamente, se lo merecen mucho más que la mayoría de galardones serios que se reparten por razones intangibles. Diez años de risas, llantos, palomitas quemadas y debates a las cuatro de la mañana sobre si el verdadero protagonista de La llegada era Amy Adams o el heptápodo que parecía un pulpo fumado.

Sin más cháchara vamos a recordar las normas de los Premios Marcianos:

Para que una película pueda ser premiada seguiré la norma de que el filme en cuestión se haya estrenado en España en 2025. También tendrá que haber sido reseñada en la web marciana. Este año volvemos a tirar la casa por la ventana y la dotación económica de estos suntuosos premios se sitúa en 20 millones de dólares a pagar con dinero del Monopoly.

Comienza la ceremonia y he de decir que habrá mucho cine español. 

En letra azul los enlaces a las críticas.

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Mejor Película: Los domingos de Alauda Ruiz de Azúa

Mejor Dirección: Manuel Gómez Pereira por La cena

Mejor Guion Original: Alauda Ruiz de Azúa por Los domingos

Mejor Guion Adaptado: Gracia Querejeta por La buena suerte. Novela de Rosa Montero

Mejor Dirección Novel: Eva Libertad por Sorda

Mejor Actor Protagonista: Ethan Hawke por Blue Moon

Mejor Actriz Protagonista: Kate Winslet por Lee Miller

Mejor Actor de Reparto: Alberto San Juan por La cena

Mejor Actriz de Reparto: Patricia López Arnaiz por Los domingos

Mejor Actor Revelación: Raphaël Personnaz por Boléro

Mejor Actriz Revelación: Blanca Soroa por Los domingos

Mejor Dirección de arte, maquillaje y vestuario: Blue Moon

Mejor Montaje: La voz de Hind

Mejor Sonido: Presence

Mejor Banda Sonora: Blue Moon

Mejores efectos visuales: Presence

Mejor Fotografía: Parthenope

Publicación más visitada del 2025: ¡10 películas para ver en verano!

Agradecimientos

Como cada año a cada persona que leyó una crítica en la web. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión.

¡Muchas gracias!

Cine y críticas marcianas vuelve el próximo mes enero de 2026 tras la Navidad. Os deseo muy felices fiestas y un buen fin de año. 

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Eternity: la vida más allá de la vida

 Eternity dirigida por David Freyne (cineasta de Dating Amber) se ha estrenado en cines españoles el día 5 de diciembre de 2025. La cinta es una comedia romántica de ciencia ficción protagonizada por Miles Teller ('Whiplash'), Elisabeth Olsen (''Bruja Escarlata") y Callum Turner ('Animales fantásticos'). 

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La historia: En un más allá donde las almas tienen una semana para decidir dónde pasarán la eternidad, Joan se enfrenta a la diabólica disyuntiva de elegir entre el hombre con el que ha compartido su vida y su primer amor, que murió joven y ha estado décadas esperando a que ella llegara (A24).

La crítica: La pregunta fundamental que subyace a la fantasía de Eternity es cuál sería, para cada uno de nosotros, la guinda que pondría al pastel más allá de su irresistible dulzura. Inspirado por las acertadas interpretaciones de un reparto principal carismático, el director David Freyne construye una visión original, divertida y romántica del más allá, que se convierte en un deslumbrante escenario visual de los sueños humanos en el que debe darse respuesta a la decisión más importante a la que uno se enfrentará jamás. Joan se enfrenta a un verdadero dilema y no hay nada como ello para enganchar al espectador. En cierta manera, y salvando las distancias, en el fondo subyace el mismo dilema que en 'Los puentes de Madison' aunque de manera invertida. La mujer debe elegir entre su primer marido del que siempre estuvo enamorada a pesar de su muerte o quedarse con su segundo marido con el que estuvo casada durante más de cincuenta años, tuvo hijos y le dio una buena vida, pero sin la pasión que sintió junto a su primer amor. Tiene una semana en una parada técnica camino de la eternidad para elegir con quién la pasa. 

Las reglas que rigen en el más allá pronto quedan claras. Cada recién llegado aterriza, aturdido y confuso, en El Cruce, una combinación de gran estación de tren, centro de convenciones y hotel de mediados del siglo XX. Aparentando la edad que tenían en la etapa de mayor felicidad de su vida, los recién fallecidos se ven bombardeados con vallas publicitarias, anuncios y mercachifles que les ofrecen opciones para la eternidad: del Mundo Sin Hombres al Mundo Capitalista, del Mundo del Surf al Mundo de la Infantilización. La cosa es que después de elegir tu destino eterno, no hay vuelta atrás. Y si no eres capaz de elegir, debes aceptar un trabajo de servicios en El Cruce y vivir en un pequeño apartamento de mala muerte hasta que estés preparado para dar el salto.

Las visiones de los reinos celestiales de un tipo u otro han atraído desde hace mucho tiempo a cineastas ambiciosos, desde Ernst Lubitsch y Powell & Pressburger hasta Warren Beatty y Albert Brooks. En Eternity, Freyne se ha tomado muy en serio esta historia, haciendo un guiño en tono de broma a las numerosas películas que antes que esta habían fijado su atención en las alturas. Pero también emplea su personal y artesanal forma de hacer cine para crear una vida en el más allá que nos hace reflexionar sobre todo lo que anhelamos en este mundo. Porque enmedio de El Cruce hay un centro comercial que cubre todas las posibilidades y que ofrece a su clientela todas las obsesiones, los sueños imposibles y los finales felices que alguna vez han sido la ilusión de alguna persona. Está diseñado para que la gente entre y salga lo más rápidamente posible. La laboriosa construcción de un mundo cuya única fuente de inspiración solo podía ser una imaginación desbordante ha llevado a Freyne al límite de su creatividad. Pero el punto en el que ha anclado la narración es un enfoque, tierno y delicado como las nubes, con el que aborda a los personajes de la historia. En el debe de la historia se echa en falta más humor y menos melodrama ya que en el fondo hablamos de una comedia. Me faltan carcajadas y me sobran algunas reiteraciones sobre el amor. 

¿Qué importa más? ¿la electrizante tensión de la pasión juvenil sin límites o la inquebrantable devoción de décadas juntos? Esa es la disyuntiva a la que Joan, magnífica Elizabeth Olsen, tiene que enfrentarse al darse cuenta de que tanto su primer como su segundo marido desean pasar la eternidad con ella. Teller aborda el personaje de Larry como el de hombre normal y corriente, fiable, con el que es fácil identificarse, un padre de urbanización de buen carácter y un poco gruñón, más interesado en superar los obstáculos del día a día que en alcanzar las estrellas. Luke, interpretado con corrección por Turner, fue un soldado que murió en combate en 1953, ha estado esperando el momento oportuno trabajando como camarero en El Cruce, escuchando entre copas las historias de los que pasaban por allí. Físicamente aún en la veintena y lleno de sueños por cumplir, Luke sigue siendo tan gallardo y galante como cuando cautivó a Joan en la década de 1950. Y tiene la intención de volver a hacerlo.

En la técnica de rodaje destaca el esfuerzo del equipo creativo que aporta profundidad, textura y tangibilidad a un mundo suspendido a medio camino entre la fantasía y el caos burocrático cotidiano de un lugar de trabajo terrenal. En la película, Luke y Joan se sienten atraídos por el Mundo de las Montañas para realizar en él su prueba de eternidad, con sus impresionantes vistas de lagos cristalinos y cielos. Para lograr esta idílica fantasía alpina, el equipo de producción buscó y eligió una ubicación celestial: Squamish, en la Columbia Británica, con sus vistas gemelas de Howe Sound y las imponentes Coast Mountains. Para El Cruce, se realizó una estructura circular brutalista con ventanas que dan a acantilados pintados y con un sistema de altavoces a través del cual suena el canto de los pájaros. Es un mundo absolutamente artificial, orientado por completo a la venta. El caos y la disparatada variedad de anuncios responden a un propósito; desde las fantasías desfasadas hasta lo más mundano para una elección rápida y segura de la eternidad. 

Eternity es original, disparatada en el mejor de los sentidos y reflexiva cuando se pone profunda. No es una película perfecta, pero tampoco lo busca. Más bien nos hace preguntarnos o jugar con los dilemas a la salida del cine. Al final del filme, muchos espectadores saldrán de la sala preguntándose: ¿cómo sería mi eternidad perfecta? Otros dirán: ahora tengo más claro que nunca que el cielo no existe. Y si existe, prefiero el infierno en el que seguro hay mucha más diversión, música y rock and roll. Para concluir ya y en definitiva, hablamos de una cinta en la que se desata un triángulo amoroso en el lugar más inesperado: el más allá. De este concepto fantasioso surge una comedia romántica, audaz y conmovedora; un viaje a una visión pop de la existencia ultraterrenal y del valor que damos a una vida de amor y felicidad.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: EE UU

Género: Ciencia-ficción

Dirección: David Freyne

Guion: David Freyne

Música: Dave Fleming

Fotografía: Ruairi O'Brien

Duración: 112 minutos

Reparto: Elizabeth Olsen,

Miles Teller, Callum Turner, 

John Early ...

La voz de Hind: emotivo retrato de la barbarie en Gaza

La voz de Hind dirigida por Kaouther Ben Hania se ha estrenado en cines españoles el día 28 de noviembre de 2025. La propuesta presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) es la película elegida por Túnez para representar al país en la carrera por el Oscar.

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La historia: 29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab (Caramel Films).

La crítica: Al igual que en The Guilty y en Víctima imperfecta la acción se sitúa en una centralita de emergencias. Allí observamos a los operadores, casi en tiempo real, en su lucha desesperada por tratar de hacer llegar una ambulancia hacia una niña. Ésta solicita ayuda desde un teléfono móvil mientras está atrapada en un coche masacrado por el ejercito israelí con más de 300 impactos de bala. En el automovil viajaba con su familia intentando sortear las bombas, pero cómo es bien sabido las fuerzas armadas de Israel no respetan las mínimas reglas de la guerra. Han bombardeado ambulancias, hospitales, edificios residenciales y en el caso que relata la cinta incluso disparaban sin complejos a familias de civiles que solo trataban de escapar del horror. Ojalá que estos criminales de guerra ardan en el infierno o al menos el genocida de Netanyahu acabe en prisión para el resto de su miserable vida. 

La voz de Hind no necesita inventar horrores: le basta con reproducir la grabación real de la niña aterrorizada hablando con la operadora de la Media Luna Roja mientras los tanques israelíes se acercaban. Esa grabación, que recorrió el mundo en febrero de 2024, generó rabia durante unos días y luego fue sustituida por otras imágenes. El cine la rescata, la amplía, le pone rostros, nombres, madres que gritan, y la convierte en algo que no se puede deslizar tan fácilmente con un scroll. El espectador sale de la sala con la voz de Hind resonando en la cabeza, y esa resonancia es brutal: es la prueba de que alguien intentó borrarla y no lo consiguió.

El cine de denuncia no sustituye a la justicia internacional ni a la acción política, pero sí cumple una función que ningún informe de la ONU, por detallado que sea, logra: humaniza a las víctimas hasta el punto de hacerlas imborrables. Cuando imagines a Hind escondida en un coche rodeado de cadáveres, ya no podrás reducir su muerte a una baja colateral ni a un daño inevitable en zona de guerra. La convertirás, quieras o no, en alguien cuyo nombre merece ser recordado. Y eso es exactamente lo que más temen los aparatos de propaganda que justifican limpiezas étnicas, bombardeos indiscriminados y asedios totales: que recordemos nombres. Que Hind Rajab, o los cientos de periodistas y médicos asesinados dejen de ser estadísticas y se conviertan en fantasmas que les persigan.

Por eso películas como La voz de Hind son urgentes y necesarias. Porque mientras los tanques se retiran y las cámaras de televisión se van, el cine se queda. Se proyecta en festivales, en aulas, en salas pequeñas de barrios humildes, en cines grandes y en plataformas. Y cada vez que alguien la ve, el intento de borrar Gaza fracasa un poco más.

El elenco, compuesto íntegramente por actores palestinos, incluye a Saja Kilani en el rol de Rana Hassan Faqih, la operadora que mantuvo la conversación con Hind, transmitiendo empatía y urgencia.  Clara Khoury da vida a Nisreen Jeries Qawas, otra figura clave en la coordinación, aportando profundidad emocional al equipo.  Finalmente, Amer Hlehel encarna a Mahdi M. Aljamal, destacando el compromiso humanitario en medio del caos. Estos personajes, inspirados en personas reales, humanizan la denuncia contra los crímenes de guerra, haciendo del film un testimonio inolvidable.

En la técnica de rodaje destaca su enfoque híbrido entre el documental y la ficción, ya que integra grabaciones reales de audio con escenas dramatizadas para recrear la tragedia de Hind Rajab. La fotografía y el manejo de cámara brilla al utilizar encuadres en pantalla ancha y tomas a mano alzada que generan una sensación real en el centro de llamadas de la Media Luna Roja, serpenteando entre escritorios y mapas digitales de Gaza en ruinas, lo que intensifica la urgencia y el realismo. La música es utilizada de manera muy escasa (yo la hubiera dejado sin ella) y el metraje de 90 minutos es totalmente acertado. 

La voz de Hind funciona bien como vehículo cinematográfico, pero sobre todo es útil en lo que ya empieza a suceder: en un mundo saturado de imágenes efímeras y titulares que duran apenas unas horas, el cine sigue siendo uno de los pocos instrumentos capaces de fijar el dolor en la memoria colectiva. Porque el olvido ya está ocurriendo. A medida que pasan los días desde los acuerdos de alto el fuego y los anuncios de “planes de paz” (por frágiles y parciales que sean), la atención global se desplaza con una velocidad aterradora. Las cadenas de noticias rotan sus portadas, los algoritmos premian otros conflictos, otros escándalos, otras tragedias más recientes. Gaza, que durante meses concentró la indignación mundial, comienza a desvanecerse del relato colectivo como si sus muertos, amputados, heridos y sus barrios arrasados solo fueran una fase más de un ciclo interminable que ya se solucionará. No se solucionará si se olvida. Es por eso que la posibilidad de ser nominada al Oscar pudiera ayudar a mantener viva la esperanza de hacer justicia universal.

Nota: 7'5/10

Nacionalidad: Túnez

Género: Drama

Dirección: Kaouther Ben Hania

Guion: Kaouther Ben Hania

Fotografía: Juan Sarmiento G.

Música: Amin Bouhafa

Duración: 90 minutos

Reparto: Motaz Malhees, Saja Kilani,

Amer Hlehel, Clara Khoury

Blue Moon: Ethan Hawke magistral en una arriesgada apuesta de Richard Linklater

 Blue Moon dirigida por Richard Linklater se estrena en cines españoles el próximo día 28 de noviembre de 2025. El director de "Boyhood" y "Antes del amanecer" -entre otros muchos éxitos- nos presenta una arriesgada apuesta de cine de arte y ensayo poco corriente en el cine de actualidad. 

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La historia: Biografía del legendario letrista de Broadway, Lorenz Hart. La noche del 31 de marzo de 1943, Hart se enfrenta a su nula autoestima en el bar Sardi's mientras su antiguo colaborador Richard Rodgers celebra el estreno de su musical «Oklahoma!».

(Sony Pictures). 

La crítica: ¿Quién fue, Lorenz Hart? La respuesta breve es la siguiente: fue el creador de la letra de la famosa canción que da título a la película. Blue Moon ha sido interpretada, entre otros, por Frank Sinatra, Billie Holiday, Elvis Presley, Liam Gallagher, The Mavericks, The Platters, Dean Martin, The Supremes y Rod Stewart.

¿La escuchamos?

 

La respuesta más elaborada sobre quién fue Lorenz Hart es la siguiente: Lorenz Milton Hart, nació en Harlem, New York el 2 de Mayo de 1895 y falleció a los 48 años, también en New York, el 22 de Noviembre de 1943. Hijo de judíos emigrantes de Alemania. Sus conocimientos de ambos idiomas le llevaron a adaptar obras de teatro del alemán al inglés, para los hermanos Shubert con los que estuvo trabajando en 1918. Pero su paso a la fama va de la mano de su socio Richard Rodgers que musicalizaba las letras que él componía. Durante más de 20 años combinaron sus respectivas genialidades para crear una serie de musicales de éxito como Pal Joey, Los Hijos de la Farándula, Muchachos de Siracusa y On Your Toes. Leyendas de Broadway en definitiva. Explico todo esto pues al ser una temática muy local de Estados Unidos puede que no sea conocida por todos y el contexto es básico para enfrentarse al visionado del filme. 

Con Blue Moon me ha pasado lo que a veces sucede con novelas o películas. Ganas de abandonar en mitad de la trama y tener la paciencia de esperar a que salte la chispa. Es por tanto una cinta en la que cuesta entrar, pero cuyo tercio final te congracia con el buen cine y los buenos diálogos. Uno de los motivos que crea impaciencia es un cierto aire claustrofóbico pues la historia se desarrolla en un solo espacio -básicamente la barra del bar Sardi's en Nueva York-. Luego está la patológica verborrea del protagonista a la que cuesta acostumbrarse. Sin embargo, una vez que nos vamos familiarizando con Lorenz Hart, lo vamos comprendiendo, empatizando e incluso soltando alguna carcajada ante las ocurrencias del guionista que realiza un trabajo excepcional. 

La película se inspira en la correspondencia que mantuvieron Hart y una joven, cartas que Kaplow investigó para escribir el guion. De la mujer no se sabe mucho, más que se llamaba Elizabeth y que mantenía una fluida correspondencia con Hart. En el tercio final de la cinta la joven entra en escena y cambia el rumbo de la película que hasta ese momento se centraba en el declive profesional de Hart. Se debió, en parte, a su adicción al alcohol, que lo convirtió en un compañero creativo distante y complicado. Pero no es una película sobre la adicción, sino sobre una persona adicta y cómo quienes sufren de adicción buscan aquello que piensan que les va a sanar. Más bien el filme es un tratado sobre el éxito y declive profesional, la egolatría y sobre el amor no correspondido. En esto último encontramos la esencia y la clave emotiva del relato. 

Ethan Hawke realiza un trabajo magistral interpretando a Lorenz Hart. Debería estar en la carrera por el Oscar a mejor actor protagonista. Pero aún no he hablado del resto de reparto y personajes. Eddie, el camarero del Sardi’s, es casi como un terapeuta para Hart tras haberle servido copas y escuchado sus divagaciones en innumerables ocasiones. Correcto trabajo de Bobby Cannavale. El talentoso actor Andrew Scott (All Of Us Strangers, Ripley) interpreta a Richard Rodgers -el compañero de trabajo de Hartz- que  se siente desencantado con él. Su reencuentro en el bar confirma el final de su relación profesional. Y por último destacar a Margaret Qualley (La sustancia) que realiza un breve, pero apoteósico papel interpretando a la joven Elizabeth. El diálogo que mantienen Hawke y Qualley es de una maestría total. En esos minutos encontramos la esencia de la película en la que se combina el humor, las confesiones sexuales, la vejez versus la juventud, el amor y el desamor, la ilusión y la vitalidad y tantas cosas que no cabrían en una crítica de cine. Sencillamente antológico. 

En la técnica de rodaje destaca la preciosista fotografía en tonos muy saturados que combinada con la dirección de arte logran una composición visual muy bella. Asimismo el vestuario y la música nos transportan hacia el año 1943 pareciendo que estuviéramos viendo una película clásica. 

Blue Moon es en definitiva una cinta en la que me ha costado entrar y sin embargo una vez inmerso en ella me ha costado salir e incluso la he saboreado durante días. Hart puede describirse como un personaje trágico, pero es su humanidad y su ingenio lo que destaca por encima de todo. La película es un emotivo alegato al amor en todas sus dimensiones y por tanto también al desamor. Y es que este irrumpe en él en varias capas: la profesional y la personal. En última instancia, la cinta nos recuerda que el amor y el desamor no son polos opuestos, sino hilos entretejidos en el tapiz de la existencia humana, donde la tragedia de Hart se convierte en un espejo para nuestras propias vulnerabilidades. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: EE UU

Género: Biografía-Drama

Dirección: Richard Linklater

Guion: Robert Kaplow

Fotografía: Shane F. Kelly

Música: Graham Reynolds

Duración: 100 minutos

Reparto: Ethan Hawke, 

Margaret Qualley, 

Bobby Cannavale, Andrew Scott ...

The Home: mala con avaricia

The Home dirigida (es un decir) por James DeMonaco se estrena por desgracia en cines españoles el día 21 de noviembre de 2025. Este vulgar bodrio de terror está protagonizado por Pete Davidson (El Escuadrón Suicida, Bodies Bodies Bodies).

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La historia: Max (Pete Davidson) es un chico malote que acepta hacer servicios comunitarios en un asilo de ancianos tras realizar actos vandálicos en la vía pública (ojo a la mala leche de la premisa que viene a decir que es un castigo el cuidar ancianos). Lo que empieza como una condena aburrida se convierte en una pesadilla ya que empieza a ser perseguido por abuelos que hemos de suponer son zombies/demonios/fantasmas (nadie lo sabe, ni el guionista), y todo se convierte en un circo hasta llegar a un final esperpéntico.  

La crítica: 

Malísima

Asquerosa

Lamentable

Anémica

Cutre
Ominosa
Negativa

Anormal

Vacua

Anticine

Repulsiva

Inane

Cínica

Irresponsable

Agónica

Nota: 0/10.

P.D. Actualización de última hora (no es broma): aunque Sensacine, el póster oficial (véase abajo) y otros medios siguen marcando la fecha de estreno para el 21 de noviembre, el estreno en España se llevó a cabo el 24 de octubre (casi a escondidas) de manera exclusiva en algunos cines de la cadena Cinesa. No se aportan datos de taquilla ni por Cinesa, ni por la distribuidora, ni por ningún medio oficial. Seguiremos actualizando si hay alguna novedad (estreno en plataformas, etc) aunque esto ya es solo para masoquistas cinematográficos entre los que me encuentro je, je. Vaya circo. La cinta se estrenó en EE UU el pasado 25 de julio con una recaudación de un millón y medio de dólares. En cualquier caso, la crítica se deja publicada como homenaje a las películas más malas que la sarna.

Nacionalidad: EE UU

Género: Terror

Dirección: James DeMonaco

Guion: James DeMonaco

Fotografía: Anastas N. Michos

Música: Nathan Whitehead

Duración: 97 minutos

Reparto: Pete Davidson, John Glover,

Bruce Altman, Marilee Talkington ...

La larga marcha: previsible, monótona y aberrante

La larga marcha (y tan larga) dirigida por Francis Lawrence se estrena en cines españoles el próximo día 14 de noviembre de 2025. La cinta es una inoperante adaptación de un libro de bolsillo escrito por Stephen King en 1967 y publicado en 1979. 

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La historia: En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá.

(Diamond Filmes).

La crítica: En la sinopsis oficial (véase 'La historia') nos acaban de contar la película hasta el final. Pero por si no quedaba claro, en los primeros cinco minutos del bodrio reseñado ya sabemos que vamos a asistir a una sucesión de 99 ejecuciones y solo nos queda saber quien ganará la "competición". Aguantar a estos personajes adolescentes durante 108 minutos ha sido peor que intentar ligar en una biblioteca usando solo la mímica y estando borracho. 

La larga marcha es la demostración perfecta de que no todas las novelas pueden, ni deben adaptarse al cine por más que nos guste el maestro Stephen King. Es decir, lo que a veces funciona en literatura es imposible que funcione en cine por cuestiones técnicas o narrativas. Y sí, aunque la premisa de salida pueda resultar atractiva o no, la plasmación cinematográfica es plana, fallida y sobre todo aburrida. Las reglas de la competición son muy simples: si bajas la velocidad de 5 kilómetros por hora, te darán un aviso. Si te paras, te darán un aviso. Si das la vuelta, te darán un aviso. Al tercer aviso, recibes tu disparo mortal. Pero vuelvo a incidir, ¿Qué interés o intriga puede tener el que vayamos a ver la muerte de todos los concursantes menos uno? Bueno...lo único es ver quien es el que gana y se lleva el millonario premio. Pero permitidme la maldad, ya puestos que se hubieran cargado a los 100 de golpe y a ser posible en un metraje de no más de 15 minutos. 

Un problema añadido son los insípidos -y a veces tontos diálogos- que tenemos que soportar entre los muchachos que se han apuntado a este reto kamikaze. Son charlas y más charlas entre filosóficas y absurdas sobre el mundo en el que viven: una sociedad dictatorial y fanática en la que se ha convertido Estados Unidos en la historia narrada. 

A los actores ni los conozco, ni los quiero conocer. Cumplimento a modo de notario marciano: la cinta entera se cuenta desde la perspectiva de Raymond Garraty (Cooper Hoffman), un joven angustiado por el espectro de su padre y resuelto a competir para suavizar la cargada vinculación que sostiene con su madre (Judy Greer). En torno a él emergen los demás concursantes, que para ajustarse a la época presentan un espectro de pluralidad étnica y racial inexistente en la obra primigenia. De este modo, Peter McVries (David Jonsson) pasa a ser afroamericano, Hank Olson (Ben Wang) en heredero de raíces asiáticas y Collie Parker (Joshua Odjick), en portavoz de las naciones indígenas. En fin...

Lo único que puntúa de la película es la técnica de rodaje. Buena fotografía, montaje y la elección de los espacios escenográficos.  

La larga marcha es a mi juicio una película previsible, monótona y aberrante. Una pérdida de tiempo en el mejor de los casos y una invitación al suicidio para las personas que la vean y estén justas de ánimo. Otra opción más plausible es salirse del cine a los diez minutos e irse a casa a mirar una pared en blanco durante 30 minutos que seguro será mucho más divertido. Si es posible sentados en una buena silla que tampoco es cuestión de estar de pie. Fin. 

Nota: 2/10. 

Nacionalidad: EE UU

Título Original: The Long Walk

Género: Distopía

Dirección: Francis Lawrence

Guion: JT Mollner

Fotografía: Jo Willems

Música: Jeremiah Fraites

Duración: 108 minutos

Reparto: Cooper Hoffman, 

David Jonsson, Mark Hamill,

Judy Greer, Roman Griffin Davis.

Reversión: experimento en familia

Reversión dirigida por Jacob Santana se estrena en cines españoles el próximo 7 de noviembre de 2025. La película hispano-dominicana está protagonizada por Jaime Lorente, Belén Rueda, y Fernando Cayo. 

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La historia: Mario se muda a una nueva casa con sus padres y con su hermano mayor David, al cual está muy unido. Mario sufre episodios de ansiedad y falta de concentración, por lo que está tomando una medicación de manera regular. Una tarde lluviosa, Mario presencia como secuestran a su hermano mayor. Después de 19 días de angustiosa espera, David vuelve a casa, pero no recuerda nada de su desaparición. Desde ese momento, Mario nota suficientes cambios en la personalidad y el comportamiento de su hermano mayor como para empezar a creer que la persona que ha regresado no es su verdadero hermano (AF Films).

La crítica: La intriga o suspense en el cine es un poderoso vehículo de emociones que despierta la curiosidad y mantiene al espectador al borde del asiento. Este género, con su capacidad para tejer misterios y sorpresas, fomenta la empatía al conectar al público con los personajes en su búsqueda de respuestas. La intriga promueve valores como la perseverancia, al mostrar a personajes que no se rinden ante lo desconocido, y la astucia, al desafiar la mente con giros inesperados. Además, fortalece la reflexión, invitando a cuestionar la realidad y explorar dilemas morales en este caso en un entorno familiar. En cualquier caso, la intriga debe dar paso a una narrativa que cuadre todos los aspectos tratados sin que algunos puntos parezcan inverosímiles aunque hablemos de una ficción. Por tanto, el suspense debe estar supeditado a un bien mayor que es el conjunto entre narración y credibilidad. 

Para ser coherente con el párrafo anterior trataré de no desvelar la intriga de la propuesta pues cualquier palabra de más o spoiler rompería lo propuesto por el cineasta. Así que sobrevolaremos por la historia tocando los temas de fondo que trata, pero sin entrar en mucho detalle de lo que sucede con los protagonistas y que les lleva a comportarse extrañamente. 

El filme es como un juego de espejos narrado de manera no cronológica. Todo lo que creemos saber sobre Mario y su familia gira de forma inesperada hacia la mitad de la trama encontrándonos ante un rompecabezas colosal. No obstante, en el final de Reversión podremos atar todos los cabos que incluso invitan a un segundo visionado. La parte central sobre la que no puedo desvelar demasiado nos hace ver que Mario está siendo sometido a un experimento con hipnosis por parte de su familia en el que nada es lo que parece. Un crimen sin resolver es sobre lo que pivota el relato en el intento de desentrañar lo oculto, celebrando así el poder de lo impredecible. Aún así, los numerosos giros me parecen excesivos. 

El núcleo de esta cinta radica en que el público emprende el mismo periplo inquietante y exasperante que el personaje principal. Dispone de idéntica información que él, ni más ni menos. Las mismas pistas para construir un rompecabezas de misterio y tensión que se despliega en ambas direcciones temporales, proyectándose hacia el porvenir mientras nos interrogamos sobre qué ocurrirá, y atendiendo al ayer para comprender qué nos ha conducido hasta este punto. También aborda la salud mental, la necesidad de identificar a los falsos cómplices, el temor al futuro y el pavor a desentrañar el pasado de una niñez marcada.

Jaime Lorente realiza un papel muy trabajado del personaje de Mario. Atormentado y depresivo no comprende lo que está sucediendo con su familia tras un cambio de casa. Allí trata de recuperarse de una depresión lo cual no le impide ver el extraño comportamiento familiar. David, su hermano, -correcto papel de Manuel Vega- se muestra angelical hasta que evoluciona de manera muy ambigua. Los ya veteranos en el cine, Fernando Cayo y Belén Rueda, nos dejan las mejores interpretaciones como secundarios de lujo. Sus personajes son los padres de Mario -o no- y le tratan con cariño aunque son demasiados vigilantes con él. 

En la técnica tenemos que destacar la colaboración entre España y la Republica Dominicana donde se ha rodado parte de la película. Sin embargo, al ser una cinta de interiores y pocos exteriores se podría haber rodado en Albacete y ni nos habríamos dado cuenta. La película no se posiciona geográficamente y solo sabemos que estamos en las afueras de una ciudad ficticia en la que conviven de manera algo inverosímil una mezcla de personajes españoles y dominicanos sin que encontremos una explicación a esto. La fotografía es un tanto oscura y aunque no soy partidario, es cierto que imprime tensión e incluso algo de terror a la trama. La música es muy acertada enfatizando la intriga del relato. 

Reversión aparenta ser un thriller psicológico audaz con una idea atractiva, pero con defectos en su desarrollo, lo que generará opiniones divididas. Si buscas un filme que explore la ansiedad, los puzzles narrativos y la intriga, podría captar tu atención. No obstante, si prefieres una narrativa más robusta y consistente, es probable que los múltiples giros le quiten algo de credibilidad a un guion que nos guste más o nos guste menos conlleva un trabajo muy meritorio. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España - Rep Dominicana

Género: Thriller

Dirección: Jacob Santana

Guion: Jacob Santana

Fotografía: David Azcano

Duración: 101 minutos

Reparto: Jaime Lorente, Manuel Vega, 

Belén Rueda, Fernando Cayo.....

Los domingos: enamorada de Dios

Los domingos dirigida por Alauda Ruiz de Azúa se ha estrenado en cines españoles el día 24 de octubre de 2025. El filme español fue el gran triunfador del Festival de San Sebastián llevándose la Concha de Oro a la Mejor Película entre otros premios. 

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La historia: Ainara (Blanca Soroa), una joven idealista y brillante de 17 años, ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga. Sin embargo, la joven manifiesta que se siente cada vez más cerca de Dios y que se plantea abrazar la vida de monja de clausura. La noticia pilla por sorpresa a toda la familia provocando un abismo y una prueba de fuego para todos (BTeam Pictures).

La crítica: Con Cinco lobitos la cineasta ya exploraba las relaciones familiares de manera intensa. Ahora en Los domingos profundiza, reflexiona y nos hace pensar a través de un dilema al que se enfrenta una adolescente. Y es que más allá de las vocaciones, ¿tiene sentido que una niña de 17 años quiera o se planteé pasar el resto de su vida como monja de clausura? En la era de Tik Tok a muchos les sonará a chino. 

La cinta española ha generado las máximas expectativas posibles tras su galardón en Donosti y ser calificada por algún portal importante de cine como la mejor película de 2025. Como norma general cuando vamos a la sala con las expectativas muy altas es más probable que la decepción o el "no es para tanto" surga entre el público. En este caso, y tras una media hora inicial algo titubeante, cabe decir que ese ritmo de menos a más es la clave para igualar o superar las expectativas mencionadas y encontrarnos con una gran película. El cine español vuela alto. 

Ruiz de Azúa nos inquiere con las siguientes preguntas: ¿Por qué alguien desea ser monja de clausura a esa edad? ¿Por qué decidir alejarse del mundo justo cuando comienza su vida adulta? ¿Cómo convencer a alguien de que vale la pena esa vida adulta cuando el mundo exterior puede ser incierto y difícil? ¿La falta de vocaciones puede convertir a los colegios religiosos en un "coto de pesca"? ¿Existe la llamada de Dios? 

Los domingos tiene una narrativa centrada en la propuesta de Ainara,  que en principio es solo pasar una o dos semanas conviviendo en el convento sin ningún compromiso, y en las reacciones familiares que esto conlleva. Por lo general la lógica impera en la familia retratada y la joven es aconsejada para que estudie su carrera universitaria, disfrute de su juventud y después decida si realmente la vida monacal es lo suyo. 

Pero, Ainara, siente la llamada de Dios a sus 17 años y ante eso dice que poco puede hacer. Ainara, con lágrimas de gozo, se confiesa enamorada de Dios. Su amor no es como los demás; es un fuego que arde sin consumir, un abrazo eterno que llena cada rincón de su ser. Dejarlo todo no es sacrificio, sino liberación. Pero la cineasta también contrapone esas ideas a través de otros personajes agnósticos por lo que deja que sea el espectador el que determine y concluya con su propia perspectiva.  

Ainara es interpretada de manera muy notable por Blanca Soroa que se postula al Premio Goya como mejor actriz revelación de este 2025. Una actuación sutil, pausada y convincente. Su personaje es muy parecido: una chica educada, que sabe escuchar a todas las partes y que además sabe explicar el momento por el que está transitando. Patricia López Arnaiz, su tía en el filme, siempre excelente, es su antitesis en la historia y trata de convencerla por todos los medios de que está equivocada. El padre de Ainara, interpretado con corrección por Miguel Garcés se mantiene en una posición más neutral. Quedó viudo y parece más centrado en una nueva relación y en sus problemas que en lo que explica su hija. 

A mi juicio la única pega de la película es la floja iluminación o la falta de luz en algunas secuencias. Es cierto que la cineasta se empeña en rodar con luz natural y eso es lo que ensombrece la fotografía en algunos momentos. No obstante es una pequeña objeción ya que lo que sucede en pantalla no es Technicolor, pero es "visible". Por otro lado, destaca el sonido directo, el montaje y la buena escenografía. También destaca la bella música coral.

Los domingos me ha parecido una película sensacional, muy sólida en su argumento y con un final muy emotivo logrando con ello una obra para la posteridad del cine español. Lo trascendente del filme se encuentra en el convento, pero también más allá de sus muros. No se trata de una dimensión espiritual ligada a la religión, sino afectiva. Ese algo intangible que envuelve a todos. La delicadeza de las cosas. La pérdida de seres queridos. Las separaciones que acontecen sin gritos ni conflictos. Los primeros amores llenos de dudas. Los vacíos que se forman mientras parece que nada pasa. El anhelo de amar o ser amados que nos sigue a lo largo de toda la existencia y la percepción de que todos necesitamos confiar en algo, en alguien o en nosotros mismos. 

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Alauda Ruiz de Azúa

Guion: Alauda Ruiz de Azúa

Fotografía: Bet Rourich

Duración: 115 minutos

Reparto: Patricia López Arnaiz,

Blanca Soroa, Miguel Garcés, 

Juan Minujín ...