La niebla y la doncella

Todo se hunde en la niebla del olvido, pero cuando la niebla se despeja, el olvido está lleno de memoria. -Mario Benedetti.

La historia: Tras la aparición de un joven asesinado en la isla de La Gomera, el caso se da por cerrado sin encontrar al culpable de los hechos. Tres años después, el sargento Rubén Bevilacqua (Quim Gutiérrez) y su compañera Virginia Chamorro (Aura Garrido), son enviados desde Madrid para intentar reabrir el caso y hallar nuevas pruebas sobre los hechos acaecidos años antes. En la isla, son recibidos por la extraña cabo de la Guardia Civil,  Ruth Anglada (Verónica Echegui), que les servirá de guía con la intención de resolver el caso. Pronto, el sargento y la cabo estrecharan lazos sentimentales mientras que a su vez la madeja del crimen se va deshilachando.

La crítica: Abundante niebla, mucha niebla, cuarto y mitad de doncella, y un panorama que me deja personalmente a 0 grados, es decir, ni frío, ni calor. Y es que la cinta, siendo correcta en el fondo y en la forma, peca de un academicismo excesivo por lo que queda anémica en emociones. De nuevo nos encontramos con una adaptación de una novela y van....¿Hay aún guiones originales de cine?

La película está basada en la novela homónima del prestigioso escritor español Lorenzo Silva y me temo que como es habitual, decepcionará a los lectores que pasen por el cine buscando ver reflejado en pantalla lo que ellos sintieron leyendo el libro. Esto no es problema de este largometraje, aunque algo también hay. Más bien, se trata de algo generalizado cuando leemos una novela y la adaptación cinematográfica no está acorde con las impresiones generadas por la lectura. De ahí, el hecho y como ya comentaba recientemente con la cinta estadounidense La seducción, la urgencia de encontrar guiones originales, ya que sino, me temo que el cine de superhéroes acabará ganando definitivamente la partida.

Pero, ¿qué es la niebla y quién la doncella? Vayamos por partes, como dijo el amigo Jack el destripador. La niebla representa en este caso, la climatología de la isla canaria de La Gomera en relación a los hechos investigados por la policía. También es una especie de bruma metafórica que envuelve a la investigación y a sus personajes. Y la doncella, es una niña de 14 años, que mantenía relaciones sexuales consentidas con el joven mayor de edad que fue encontrado sin vida. ¿Quién mató al chaval? ¿Fue una orden del padre, un político canario despechado de que se estuvieran follando a su hija? ¿Fue un asunto de drogas? O tal vez, ¿algún policía tuvo que ver en el asunto?

Pues de todo esto y más, nos habla la cinta. La primera parte de la historia mantiene un suspense aceptable y de hecho el argumento es bastante prometedor. El problema surge cuando el desarrollo se vuelve opaco y gris en una especie de coitus interruptus. La niebla y la doncella es entonces una especie de fábula urbana, que paradójicamente se desarrolla en un entorno rural isleño que se siente como muy desaprovechado para la trama.

El reparto en general es lo mejor de la producción. No obstante no luce de manera especial por la misma frialdad de la cinta. Quim Gutiérrez (AzulOscuroCasiNegro) es el sargento de la UCO encargado del caso y representa a un personaje calculador, noble y con altura de miras. Aura Garrido (El cuerpo) es la cabo de la Guardia Civil que le acompaña, e interpreta a una mujer inteligente con algún conflicto personal que resolver. Y el personaje clave de la historia lo tiene Verónica Echegui (No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas), que interpreta con acierto a la cabo Anglada. Ella está destinada en Canarias y es una mujer misteriosa que puede tener la clave para desatar todos los cabos argumentales. Por último, destacar a Roberto Álamo (Que Dios nos perdone), que interpreta al teniente Nava con el poder habitual de un actor que está en estado de gracia y que se alza en el top de la interpretación española.

En conclusión, La niebla y la doncella es una película correcta en sus formas, pero que se siente como una oportunidad desaprovechada por su engorroso libreto y por su falta de pasión. Si bien es cierto que su suspense inicial y la seriedad con la que está realizada, acumula algún mérito para los amantes del thriller a pesar de su ritmo pausado y su gélida mirada. Por todo ello, es una película que se deja ver y que no resulta molesta, pero quizás es su falta de intensidad dramática lo que deja a la propuesta con demasiadas debilidades para ser una cinta para recordar.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España.

Director: Andrés M. Koppel.

Reparto: Quim Gutiérrez, Aura Garrido,
Verónica Echegui, Roberto Alamo.

Guión: Andrés M. Koppel.

Novela: Lorenzo Silva.

Fotografía: Alvaro Gutiérrez.

Música: Lucio Godoy.

Duración: 104 minutos.

Estreno España: 1 de septiembre de 2017.

La seducción (The Beguiled)

Amo la costura de tu falda, amo la estructura de tu espalda, amo lo que ves y lo que tocas, amo lo que no es y lo provocas. -Ricardo Arjona.

La historia: En el año 1864, y durante la Guerra de Secesión estadounidense, el soldado unionista John Mcburney (Colin Farrel) deserta del campo de batalla tras caer herido. Es entonces, cuando llega maltrecho hasta un internado femenino regentado por la estricta Miss Martha (Nicole Kidman). Tras las dudas iniciales, la dueña de la escuela decide acoger al soldado enemigo y proporcionarle las primeras curas hasta decidir si lo entrega a las autoridades o no. Mientras tanto, el alboroto entre las estudiantes y la profesora de apoyo de Martha va en aumento. La insólita situación está llevando a una lucha soterrada para conquistar con sus encantos al soldado herido. Lo que no sabe Mcburney es que el grado de competencia entre las muchachas, por seducirle, pondrá en riesgo su vida tanto o más que la guerra en la que combatía unos días atrás.

La crítica: ¿Es Sofia Coppola (Lost in translation) la mejor cineasta femenina de lo que va de siglo XXI? Casi todas las comparaciones son odiosas, pero sino la mejor desde luego está entre las más talentosas e inteligentes en mi forma de entender la cinematografía. Sofia es una escritora, guionista y directora que lleva el cine en la cabeza y lo hace con una composición artística que se aproxima mucho a lo que una vez se denominó séptimo arte. En esta cinta, es ella la que nos seduce en primer lugar con los tonos brumosos, nacarados y vaporosos que se aprecian en pantalla. A continuación da da a hablarnos de las relaciones humanas que tanto hace dos siglos como ahora, parecen ser una entremezcla de sustancias químicas y emocionales. Y es en este juego seductor de pensamientos encontrados, donde Coppola se desenvuelve como pez en el agua en este paseo preciosista por la Virginia sureña del siglo XIX.

La seducción está basada en la novela enmarcada en el subgénero literario del gótico sureño, titulada A painted devil del escritor Thomas P. Cullinan y que fue publicada en 1966. Cinco años después Don Siegel la adaptó cinematográficamente con Clint Eastwood de protagonista y con el título de El seductor. Por lo tanto, la cinta reseñada hoy es un remake de la de 1971 que no entraremos a evaluar hoy. Lo que si llama la atención y esto es el debe del cine en la actualidad es la falta de guiones originales que impulsen la industria de una manera adecuada. Por eso y a pesar de estar ante una notable película, se les debe exigir a guionistas y directores de la talla de Sofia Coppola que apuesten por sus propias historias como por ejemplo el maestro Woody Allen sigue haciendo en su cita anual con la gran pantalla.

Pero volviendo al relato en sí mismo de la cinta, el cuestionamiento dramático de la propuesta se basa en el doble juego seductor que se establece entre John y las internas de la institución femenina.Y es que es el propio soldado, el que es objeto seductor y seducido a su vez. En cierta manera, los papeles clásicos de Hollywood se ven invertidos en esta ocasión con la sonrisa cómplice y literal del público femenino. Por otro lado, es el miedo de John a ser entregado por Martha al ejercito sureño el que le lleva a emprender un juego un tanto suicida. Este consiste en intentar seducir, de una u otra manera, a todas las componentes femeninas de la escuela. Mientras ellas, niñas incluidas con unas u otras intenciones, le devuelven el juego seductor con sus mejores sonrisas o sus mejores galas. Todo estallará cuando los celos hagan su aparición de la manera más insospechada y cruel. En cierta manera, la obra es un pequeño tratado sobre los celos y las consecuencias de los mismos en la vida de las personas.

Nicole Kidman brilla en su papel de Miss Martha que es una versión buenorra de la señorita Rottenmeier en la serie de animación infantil Heidi. Por su parte, Collin Farrell cumple sin más en un papel en el que se le siente algo incomodo y en el cual sigue con su habitual gesto de eterno enfado con el mundo. Nueva y buena aparición de la "resucitada" Kirsten Dunst a la que ya vimos este año en (Figuras ocultas) y que en está ocasión interpreta a la ayudante de dirección del internado y de la que se enamora supuestamente el soldado herido. Otras apariciones interesantes, son las de la pícara y próxima estrella de Hollywood, Elle Fanning (The Neon Demon) y la de la niña Angourine Rice que tan buenas sensaciones dejó el año pasado en su papel en Dos buenos tipos.

Algo muy destacable en la producción es la hermosísima fotografía del francés Philippe Le Sourd que debería ser nominada en los Oscars de la Academia del próximo año. Sus tonalidades pastel, entreveladas y aterciopeladas son quizás lo mejor de la película. Otro personaje más de la filmación es el barroco y parejo diseño de vestuario que engalana a las actrices de la película. Mucha ropa, eso si; ya que en el caso de alguna de estas muchachas se decidiera a hacer un streptease para acabar de volver loco al soldadito americano, tendría que empezar a hacerlo más o menos a las seis de la tarde, para con suerte, a medianoche empezar con los menesteres amorosos.

En conclusión, la propuesta de Sofia Coppola se siente como un moderado acierto, aunque ella es una cineasta que debe aspirar al sobresaliente por su capacidad, talento y trayectoria. La seducción nos habla de situaciones sobrevenidas y de adaptación a las mismas. Pero especialmente, la cinta y como su título indica, nos habla del juego de la seducción y no solo a nivel amoroso o sensual, sino como medio para conseguir los propósitos de las partes implicadas en casi cualquier faceta de la vida. La venganza, el doble juego e incluso la perversión se disfrazan de una bruma literal en una casa entre bucólicos bosques. Como colofón no serán pocos los espectadores que encuentren el recuerdo inverso de la última cena bíblica en la secuencia final de la cinta. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección y guión: Sofia Coppola.

Novela de Thomas Cullinan.

Reparto: Nicole Kidman, Collin Farrel,
Kirsten Dunst, Elle Fanning, Angourine
Rice, Oona Laurence, Emma Howard.

Fotografía: Philippe Le Sourd.

Música: Phoenix.

Vestuario: Stacey Battat.

Duración: 91 minutos.

Estreno EE UU: 23/06/17.

Estreno España: 18/08/17.

Estreno Chile: 7/09/17.

Estreno Argentina: 26/10/17.

Entrevista al director de cine Víctor Matellano, que nos presenta su película 'Parada en el infierno' (Stop Over in Hell)

Tras la pausa veraniega, Cine y críticas marcianas empieza nueva temporada y lo hace con un un invitado de auténtico lujo. Se trata del cineasta y escritor español Víctor Matellano que el día 1 de septiembre estrena en cines españoles su tercera película.

Parada en el infierno es un western con elementos de otros géneros cinematográficos para adaptar este tipo de cine a los tiempos actuales. La historia está ambientada en el oeste americano y en una parada de diligencias. Hasta allí, llega una banda de malhechores y secuestran a los viajeros con consecuencias insospechadas para todos.

En los próximos días iré al cine a ver la película. Pero mientras llega ese momento y para abrir boca pasemos ya sin más preámbulos a preguntar a su director por su tercer largometraje de ficción.

La película.

Hola Víctor, ¿qué nos vamos a encontrar en 'Parada en el infierno' cuando vayamos al cine verla?

Parada en el infierno cuenta una situación que podría ser atemporal. Y es la situación de unos viajeros que llegan a un intercambiador de transportes que está muy alejado, un poco en la nada, en el sentido de estar en un lugar muy desprotegido. Allí llegan una banda de criminales buscando un elemento económico y que después retendrán y jugarán un poco con la vida de los viajeros. En realidad, lo que estamos contando podría pasar en cualquier punto espacio/temporal del mundo. La novedad, es que nosotros lo hemos enfocado dentro de los códigos del western, ya que este, ha contado de alguna manera historias que eran más trágicas, románticas o incluso musicales, abarcando muchas temáticas. También el hecho de que conceptualmente la historia este alojada en los Estados Unidos del siglo XIX, nos habla de territorio en construcción, en las que la ley está mermada, no existe como tal. Entonces, cuando no hay códigos de control social, las conductas se disparan, eso es lo que cuenta la historia.

Después de su buen paso por los festivales de cine, el estreno en cines comerciales y teniendo en cuanta las dificultades de la industria, es ya un éxito. ¿Cual es tu expectativa en cuanto a taquillaje y recepción del público?

Es muy interesante lo que planteas, ya que desgraciadamente para los que hacemos cine en España, nos preguntamos, ¿qué es el éxito? y es que rodar una película ya es un éxito. Y es que estrenarla es otro éxito. Y estrenarla con un número de copias aceptable como es el nuestro, ya es el éxito de los éxitos y más teniendo en cuenta que productos parecidos americanos o europeos con importantes repartos, han salido directamente a vídeo. En cualquier caso, y teniendo en cuenta que no tenemos un gran estudio detrás de la distribución comercial, pienso que tenemos un producto muy defendible, digno y honesto para el espectador.

Respecto a la recepción de la crítica especializada, ¿qué esperas y que opinión general tienes sobre la misma?

No lo he pensado, pero yo respeto todos las opiniones. Pero respeto la misma opinión de un espectador que haya entrado en la sala de cine a pagar sus dólares y salga a la calle, que el señor que escribe en un periódico o en un medio que también me merece todos los respetos. Bueno, de todo se aprende, hay claroscuros y todo sirve de evolución para la construcción de la siguiente película.

¿Cuánto tiempo hace que no se rodaba un western de nacionalidad española?

Pues hará unos veinte años ya. Fue Enrique Cerezo el que lo produjo y contaba con un reparto internacional de la talla de Emilio Estevez y Kriss Kristofferson. Hay que recordar que hubo un tiempo que en España se rodaron 300 western en una década. Además se rodaron películas de este género en Alemania, Italia y en la antigua Yugoslavia.

¿Cuanto tiempo se ha tardado en el rodaje de la película?

Se ha rodado en menos de cinco semanas, un tiempo bastante récord.

¿Y en que lugares se ha producido el rodaje?

En Almería, Granada, y fundamentalmente en la Comunidad de Madrid con localizaciones en Colmenar Viejo, Titulcia y Manzanares el Real.

¿En qué ámbito del western podríamos encajar 'Parada en el infierno', en el western crepuscular, en el spaguetti western o la consideras una mezcla de géneros dentro del western moderno?

Es una mezcolanza de géneros, por un lado están elementos western, por otro lado la narrativa de la historia está planteado como un thriller y por otro lado tiene elementos de horror y terror, por lo tanto si lo consideramos con estas mezclas, existe un término que es el "weird western" o western raro. En todo caso me gusta más el término de euro western, que el de spaguetti western.

La película cuenta entre sus personajes principales con un villano apodado "El Coronel" y con el resto del reparto girando un poco en torno a él. ¿Es tu largometraje un tratado sobre la maldad y la violencia humana? ¿Cual es el mensaje de la historia?

El tema de la violencia está relacionado con la cuestión del poder, es decir, no es una violencia casual por la lucha de un ideal, como puede darse en un conflicto bélico. Ni siquiera es la violencia por la sustracción de lo ajeno, sino que en algunos momentos de la película, esta violencia es absolutamente innecesaria como concepto y se podría decir que gratuita. Y no es que yo apueste por una violencia gratuita, sino que trato de explicar, el porqué de la violencia de los personajes que la ejercen. Se puede concluir un cierto gusto sádico en ellos, pero sobre todo, un gusto por el poder. Es decir, tu dependes de mi, cuando yo decida y cuando yo quiera. El personaje del coronel juega con una ideología individualista y un tanto extrema, que se podría relacionar con la erótica del poder.

En el reparto de la cinta cuentas con el veterano actor y director de entre otras Tiburon 3, Enzo G. Castellari. ¿Es cierto que fue mentor de Quentin Tarantino? ¿Tu cine entronca de alguna manera con el creador de Pulp Fiction?

Bueno, yo tengo la teoría de que Tarantino cuando hace Django se había planteado otro western y al final coge el Django de Sergio Corbucci y entonces, en esa misma linea, es cuando plantea lo del bélico. Es ahí, donde aparece la referencia de Castellari con su cinta 'Aquel maldito tren blindado', que sirvió de base para rodar 'Malditos Bastardos' en las que Enzo hizo un pequeño papel. Respecto a Tarantino al que sigo y respeto, tampoco es el que ha "inventado la pólvora". Podríamos decir que en la historia del cine está todo inventado ya. Lo que si le reconozco es la manera de viralizar un tipo de cine para las nuevas generaciones.

Carrera Artística.

Las dos primeras películas de ficción de tu carrera como cineasta, fueron Wax en 2014 y Vampires en 2015 estando encuadradas estás en el género del terror, con una parte erótica en la segunda. Después de tu paso por el western, ¿qué género te gustaría tocar en tu próximo proyecto? ¿Te verías dirigiendo una comedia pura?

Primero, hay algo que me encanta y es que ninguna de mis películas se parecen. Incluso entre Wax y Vampires estando encuadradas en el género del fantástico y del terror no son cintas similares. Wax es una película más de terror y Vampires es una película más de horror que es otra cosa diferente incluyendo elementos sexuales en la trama. Lo que más me interesa en mi cine es contar historias diferentes y en un lenguaje diferente. Si todo va bien, el año próximo rodaré un thriller en español y además sin sangre (risas). Pero una de mis ilusiones es rodar una comedia, pero es un género al que le tengo mucho respeto y me parece el género más difícil que existe.

Además de director de cine, has dirigido varias obras de teatro. ¿Cuales son las funciones de un director teatral?

El director teatral cumple con la función principal de la dirección de los actores. En el teatro el trabajo de construcción de un personaje suele llevar más tiempo y más continuado. Después la defensa diaria en las funciones, es ya un elemento del actor. Yo soy de los que vuelven a verlos y darles un poco de "feed back" en lo que yo tocaría o no tocaría, ya que yo no me desligo de los espectaculos que he dirigido. Pero claro, hay que recordar que en el teatro no se puede cortar una escena, como en el cine. En cualquier caso, el teatro es maravilloso, ya que tiene ese componente de adrenalina y tiene ese componente maravilloso que supone lo efímero.

Has escrito o colaborado en más de veinte libros sobre cine. Me gustaría que nos hablases sobre los dos siguientes: 'El Hollywood español y 'Spanish Horror'. ¿Cual es su temática?

Está muy bien que cites 'El Hollywood español' que esta coescrito con Miguel Losada, que es una de las personas que más sabe de cine de las que conozco y que es absolutamente interesante. Y es que de este libro, surgen muchos otros como fueron el de Espartaco y el de El Cid. Este libro, consiste en una investigación sobre la relación tan importante que ha supuesto para la industria nacional, el hecho de que los americanos estuviesen rodando por necesidad y haciendo películas en España. Esto ha revertido en nuestro cine a nivel técnico y grandes elementos de nuestra cinematografía, de nuestro país y de nuestra luz se han visto reflejadas en películas. Y en referencia al otro libro que citas, 'Spanish Horror', es todo lo contrario a 'El Hollywood español', que supuso una investigación de 10 años junto a Miguel Losada. 'Spanish Horror' es un libro, que escribí porque había tenido muchísima relación con los artífices del cine de terror de entonces en España y toda la información fluyó de una manera interesante y me divertí muchísimo. Por cierto, esto sonará un poco a fardada (risas), pero yo no había leído el término "Spanish Horror" hasta que escribí el libro y ahora se utiliza y lo tengo que revindicar un poco.

 Texto y fotos: Miguel Pina

Preguntas cortas

Tu pelicula preferida de todos los tiempos.

El mago de Oz.

Tu película española preferida.

Bienvenido Mr. Marshall.

Tu director de cine español preferido.

Luis Buñuel.

Tu director de cine internacional predilecto.

Orson Welles y Ersnt Lubitsch.

Tu actor preferido.

Robert Mitchun, pero porque se define como el no actor.

Tu actriz preferida.

Meryl Streep.

Tu festival de cine preferido.

El de Sitges y Venecia.

¿Cual es la sala de cine en la que te sientes más cómodo o la que más te gusta?

En la que más cómodo me siento siempre, es en el Artistic Metropol y la sala que más me ha gustado es la del cine Capitol, a pesar de sus butacas (risas). -Ambos cines en Madrid-.

¿Cine, teatro o televisión?

Las tres cosas.

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

Sherlock Holmes contra Houdini de Arthur Conan Doyle y Hombre y que viene Valdez de Elmore Leonard.

Tu plato de comida preferido.

El gazpacho y las setas.

Una ciudad para vivir.

Me gusta mucho Barcelona, pero estoy feliz en Madrid.

Una ciudad por conocer.

Pekín.

Una ilusión por cumplir.

Hacer una peli de piratas.

Web con la filmografía y libros de Victor Matellano en este enlace.

Nota Final: Agradecer enormemente a Victor la concesión de esta entrevista y desearle mucha suerte con el inminente estreno de la película. Agradecer también a Eva Calleja de Prisma Ideas, la gestión de la misma y a la libreria 8 y medio de Madrid por la cesión de sus instalaciones. Os dejo ya con la ficha y tráiler de la película.

La entrevista se publicará conjuntamente con Noroeste Madrid.

Nacionalidad: España

Dirección: Víctor Matellano.

Reparto: Pablo Scola, Tábata Cerezo,
Nadia de Santiago, Manuel Bandera,
Ramón Langa, Tania Watson.

Guión: Víctor Matellano, Antonio Durán y
Juan Gabriel García.

Fotografía: Daniel Salas Alberola.

Música: José Ignacio Arrufat.

Duración: 92 minutos.

Estreno España: 1 de septiembre de 2017.

¡Diez frases de cine, una musiquita y nos vemos en septiembre!

Está siendo un año tan especial para el blog marciano que incluso pensé por momentosen no hacer ninguna pausa veraniega. Pero... al final voy a seguir el consejo del compositor Manuel Alejandro que decía en su canción: "Se nos rompió el amor de tanto usarlo". Y aunque mi amor por el cine es imposible de romper (este si que es un matrimonio para toda la vida), pienso que va a ser positivo reparar mis neuronas marcianas, desconectar de las redes sociales y parar de reseñar películas durante un mes aproximadamente. Aún así, el cine de verano estará presente en mis planes.

La nueva temporada de Cine y críticas marcianas que empezará a rodar, si todo va bien, en los primeros días de septiembre se presenta apasionante en lo personal y espero que así lo sea para todos los que compartimos este espacio de cine. Las oportunidades para asistir a pases especiales con adelanto a los estrenos comerciales, hacer entrevistas o poder participar en otros eventos relacionados con el mundo del cine han aumentado exponencialmente en este primer semestre. Esto es debido al buen posicionamiento en Google de este blog que empezó como un juego y ahora es una de las pasiones de mi vida. Por eso, quiero dar las gracias una vez más a todas y cada una de las personas que han leído, comentado o compartido cada nueva crítica marciana. Yo por mi parte en he puesto todo el amor, el cariño y la dedicación de la que he sido capaz. Os dejo con diez frases de cine que están entre mis preferidas. 

Para mí, el cine sigue siendo una experiencia y un trabajo tan intenso como la primera vez. Lo increíble del cine es que nunca se sabe nada; es como empezar de cero.

-Emir Kusturica.

En Hollywood te pueden pagar 1000 dólares por un beso, pero solo 50 centavos por tu alma. -Marilyn Monroe. 

El cine es un espejo pintado. -Ettore Scola.

Nunca voy a las películas donde el pecho del héroe es mayor que el de la heroína.

-Groucho Marx.

El negocio del cine es macabro, grotesco: es una mezcla de un partido de fútbol y un burdel. -Federico Fellini.

Sueña como si fueras eterno, y vive como si fuese tu último día. -James Dean.

Una pantalla grande solo hace el doble de mala a una mala película.

-Samuel Goldwyn.

La última vez que estuve dentro de una mujer fue cuando visité la estatua de la libertad. - Woody Allen.

La televisión ha hecho mucho por la psiquiatría: no solo ha difundido su existencia, sino que ha contribuido a hacerla necesaria. -Alfred Hitchcock

Las luces se apagaban y el carrusel del cine empezaba. Mis sueños y mi imaginación volaban como si estuviera en Marte y el universo fuera una gran pantalla. 

-Miguel Pina, presentación de Cine y críticas marcianas.  

Para concluir, voy a dejar un vídeo musical muy veraniego interpretado por el grupo musical Efecto Pasillo y que tiene algunas referencias cinematográficas de interés. Su rodaje se produjo en el municipio de Mogán, en Gran Canaria, bajo la dirección de Mario Ruiz y Krea Films. Participaron los niños del taller de teatro: 'Escuelas Artísticas de Mogan' y la actriz Angélica Susana Santana. 

Así que os dejo ya con este 'Carita de buena' y os deseo un muy feliz verano.

Todo sobre el asado

La parrilla oficiaba de alquimista mientras los hombres charlaban alegres y el vino hacia mejores los chistes malos. Aquel día el sol era un ojo de oro que nos miraba con envidia. - Roberto Achura.

La historia: La película documental argentina es una deconstrucción metafórica y a la vez hiperrealista del significado de una tradición tan arraigada en el país del tango como es el asado tradicional de vaca. Esta costumbre tan común en esta sociedad se ha convertido en una especie de ritual místico con tintes casi religiosos. La carne es objeto de adoración infinita. Además del significado social de este punto de encuentro, conoceremos a través de la filmación los detalles, puntos de cocción, y formas de corte del asado de tira, del ojo de bife, de las entrañas, lomos, costillas, chorizos, morcillas y demás suculentas viandas para los carnívoros empedernidos.

La crítica: ¿Cuál es el verdadero significado para la sociedad argentina del asado? ¿Qué papel tiene la mujer en este ritual casi onírico? ¿Qué opinan los vegetarianos del asunto en cuestión? ¿Es el asado un invento puramente argentino o es proveniente de otros lugares? ¿Es importante el método de combustión o el tipo de leña utilizada para el fuego? ¿Cuántas cabezas de ganado son necesarias para mantener esta tradición? ¿Tiene alguna contra-indicación médica el abuso de las grasas de la carne?

Estas son algunas de las preguntas que me sugieren los excelentes cineastas Mariano Cohn y Gaston Duprat, que tras la sobresaliente El ciudadano ilustre vuelven al ataque, en esta ocasión, con un buen filme documental que les ha llevado a recorrer Argentina durante tres años para tratar de dar respuestas al asunto en cuestión.

Pero no crean que el film es un auto homenaje al uso. Durante una buena parte del metraje lo que tratan de hacer los directores es precisamente desmitificar el asado con una fina ironía. Y para ello, se valen de un narrador en off que es su alter ego a lo largo de la cinta. Un trabajo magnífico del cómico y actor conocido como El Negro Álvarez que confirma una vez más la idea de que una buena locución es fundamental. Esta es una de las claves en el cine documental (en España el ejemplo es Luis Ignacio González con su último trabajo en Cántabrico).

El primer golpe infligido con cariño al orgullo argentino es narrado cuando se cita que son los chinos, si los chinos, los pioneros en el asado y no los gauchos como es creencia popular. No se extienden en la explicación, pero no hay porque dudar de tal afirmación. En todo caso, si que fueron los gauchos los que "inventaron" el comúnmente conocido asado argentino, en torno al año 1700. La evolución de esta manera de cocinar ha llegado de diversas maneras hasta nuestros días. Hoy las parrillas portátiles son de última innovación. Supongo que esto es un sacrilegio para los más puristas de un buen asado tradicional.

Otra de las claves para un buen asado, aparte del punto de cocción, está en la madera usada para el fuego y entre otras, se utilizan las de roble, mezquite, quebracho o coronilla. En una segunda división quedaría el carbón vegetal y fuera de categoría estarían las parrillas eléctricas.

Entre otros datos curiosos que aparecen en el documental, se cita que el argentino medio consume 70 kilos de carne de vaca o ternera al año. Para poder mantener este elevado consumo el campo argentino cuenta con 50 millones de vacas. De este elevado número, 15 millones se despiezan cada año. Un matarife puede sacrificar hasta 450 vacas en un solo día de un certero golpe en la cabeza. Estos datos reflejan, no solo la pasión por el asado entre la población, sino una industria que mueve una parte importante de la economía local en Argentina. Sin embargo, la exportación no es significativa.

Como comentaba en las preguntas iniciales, este excesivo consumo de grasas puede conllevar problemas médicos asociados a las mismas. Se citan el sobrepeso, la halitosis, o el peligro de problemas cardíacos o hipertensivos, sobre todo si el asado es conjugado con un exceso de alcohol durante su consumo. Esto último, más la defensa de los animales, queda también reflejado en la versión de una vegetariana.

El papel de la mujer en este ritual del asado, es quizás lo menos desarrollado y el punto débil en la filmación. Se toca muy de pasada y no se reflejan demasiadas voces críticas del rol secundario y casi marginal que parecen ocupar ellas en este asunto. De hecho, el papel protagonista es ocupado por el hombre, especialmente por el asador, que generalmente es premiado con un aplauso al finalizar o durante las reuniones de amigos o familiares que generalmente se celebran los domingos o en festividades.

Mientras tanto, podemos imaginar que mientas el hombre prepara el asado y se lleva los honores, es la mujer la que se sacrifica (como siempre) y engalana la casa, se encarga de la agenda social del evento, prepara postres y ensaladas, pone la mesa, quita la mesa, compra la carne y pone su mejor sonrisa para que el maestro asador (sea un boludo o un experto), haga algo y ponga la carne sobre la parrilla y reciba el aplauso (entiéndase la ironía de este último párrafo).

En cualquier caso, y por encima de todo, el asado argentino queda reflejado como un punto de encuentro en positivo que estrecha lazos familiares, amistosos y sociales. Es por eso que quizás, la carne sea una mera excusa para un reparto de afectos tan necesarios en una sociedad cada vez más individualista, y dominada por la virtualidad en las relaciones humanas. 

Para concluir y en el aspecto meramente cinéfilo las sensaciones que deja la película son bastante positivas. Mariano Cohn y Gaston Duprat revelan una radiografía precisa, astuta y siempre con sentido del humor de prácticamente todo lo que se puede filmar sobre el asado argentino. De nuevo, es el cine documental, especialmente el de habla hispana, el que sigue a la vanguardia de los diferentes temas sociales que parece que en el cine de ficción son marginales o no interesan al gran público. Por eso, desde España con cintas como 'La historia de Jan' o 'La gran ola', desde México con historias como la de 'El Remolino' o 'Los niños', desde Chile con 'El pacto de Adriana' o ahora desde Argentina con 'Todo sobre el asado', el cine documental está viviendo uno de los mejores momentos en la historia de la cinematografía mundial.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Argentina.

Dirección: Mariano Cohn y Gaston Duprat.

Guión: Mariano Cohn y Gaston Duprat.

Narración: Carlos Alberto Álvarez.

Música: Sergio Pángaro.

Fotografía: Joaquín Silvatici.

Duración: 86 minutos.

Estreno Argentina: 27 de abril de 2017.

Estreno España: 21 de julio de 2017.

Su mejor historia (Their Finest)

La historia: En el Londres de la década de los años 40 y en plena Segunda Guerra Mundial, Catrin (Gemma Arterton) es seleccionada por el gobierno británico para redactar el guión de una película que pueda levantar la moral de la población. El trabajo será en equipo junto a otros dos guionistas más experimentados que ella. Es entonces cuando Catrin tendrá que abrirse paso en el mundo del cine aún dominado por los hombres. A su vez comienza a surgir un romance con Buckley (San Clafin) que es uno de los coguionistas del film.

La crítica: La magnífica directora danesa Lone Scherfig (An Education), vuelve a las pantallas con este irregular filme británico que no obstante deja unas pinceladas de cine dentro del cine para el recuerdo. La película está basada en la pasable novela 'Their Finest hour and half' de la escritora y directora televisiva británica Lissa Evans.

El largometraje (y tan largo), cuenta de salida con uno de los problemas del cine actual y es el alargamiento innecesario e inexplicable de algunas tramas que no dan para tanto. De nuevo, nos encontramos con un metraje que se va hasta casi las dos horas cortando de esta manera el posible ritmo que la historia pudiera tener. Y es que la primera parte de la película se siente plomiza e incluso sobrante.

Es ya en la segunda parte cuando encontramos toda la esencia e incluso muy buenos detalles de cine para no olvidar. Por lo tanto, es una cinta para ver con bastante tranquilidad o lo que ahora llaman una peli de mantita y sofá. Aunque pensándolo bien y a las gélidas temperaturas que ponen el aire acondicionado en las salas de cine, tampoco es mal plan llevarse la manta y el café a la sala de cine.

Volviendo un poco sobre la historia, hay que recordar que en aquellos tiempos existía en el gobierno británico un Ministerio de Información con una sección dedicada exclusivamente al cine. De hecho, en plena Segunda Guerra Mundial, 30 millones de británicos iban al cine todas las semanas suponiendo esto, 120 millones de entradas vendidas al mes. El público buscaba en el cine: evasión, esperanza y olvidarse durante un par de horas de los horrores de la guerra. Y esto, en parte, es lo que trata de reflejar 'Su mejor historia' con un resultado desigual.

Para ello, la cineasta lo que trata de mostrar a través del personaje de Catrin es una versión femenina sobre la guerra ya que la mayoría de la población masculina estaba llamada a filas. Por otra parte, también queda reflejada en la filmación el sentido comunitario que se estableció entre la población asediada por los continuos bombardeos nazis. Pero sobre todo, la cinta nos habla de como el cine pudo ser un factor para animar a la población, levantar la moral de las tropas e incluso intentar convencer a los estadounidenses de que debían entrar en la guerra europea como única manera detener el totalitarismo de Hitler.

Toda esta lluvia de ideas se focaliza a un ritmo muy pausado. Observamos, como era la vida de los guionistas de la época y como estaban perplejos de que una mujer escritora era más inteligente que ellos. Es en este entorno, donde surge el romance entre Catrin y Buckley con consecuencias imprevisibles para ambos.

En el reparto nos encontramos cargando con todo el peso de la película a una poderosa y excelente Gemma Arterton (Melanie. The girl with the all gifts), que además es una de la mejores actrices británicas de la actualidad. Su compañero guionista es interpretado por un gris Sam Clafin (Blancanieves y la leyenda del cazador), que está muy por debajo de su compañera de reparto. Por el contrario, el tercer personaje a destacar, es el gran y veterano actor británico Bill Nighy que después de una larga carrera sigue trabajando a pleno pulmón. En esta ocasión tiene un papel con cierta comicidad, interpretando a un viejo actor que no asume su edad y que es contratado para hacer la película propuesta por el Ministerio de Información inglés.

Para concluir, diré que 'Su mejor historia' nos habla fundamentalmente del amor a una profesión como es el cine, en su distintas vertientes y visto desde un necesario punto de vista femenino. De hecho, en la producción la presencia femenina es constante: la novelista, la guionista, la productora, la directora y la actriz principal entre otras muchas son las trabajadoras del film. Otra motivación de la cinta es poder observar el trabajo de los guionistas que no pocas veces tienen que improvisar su trabajo ya redactado. La lástima de la filmación es que su forma narrativa arrítmica, no deja lucir el mensaje que trata de trasladar. Este no es otro que la visión de una mujer que amaba profundamente el cine incluso en tiempos de guerra. Quizás lo mejor de la película y con esto no estoy desvelando nada fundamental está en las escenas finales. Hay una secuencia en un cine de Londres que hace entender el porqué es tan profundo el amor por el cine de todos lo que admiramos el séptimo arte. Esta si es la mejor historia de la película.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido.

Directora: Lone Scherfig.

Reparto: Gemma Arterton, Sam Clafin,
Bill Nighy, Jack Huston, Jake Lacy.

Guión: Gaby Chiappe.

Fotografía: Sebastian Blenkov.

Música: Rachel Portman.

Duración: 117 minutos.

Estreno EE UU: 07/04/2017.

Estreno Reino Unido: 21/04/2017.

Estreno España: 14/07/2017.

Entrevista al escritor, antropólogo y cinéfilo José Dueso, que nos presenta su libro: Las películas más polémicas de todos los tiempos

Es un placer y un orgullo recibir en Cine y críticas marcianas la visita del escritor y experto en mitología vasca José Dueso. Con más de 200 libros publicados en su haber en esta entrevista nos hablará de su libro 'Las películas más polémicas de todos los tiempos'. También repasaremos su carrera como escritor y finalmente responderá a una ráfaga de preguntas cortas para conocer sus gustos más personales.

La conversación se produjo durante una visita a Madrid en la que el antropólogo concedió una entrevista en radio, para hablar sobre mitología y brujería de la que es un consumado especialista. Personalmente, pude conocer a José Dueso en 2016 a través de las redes sociales y en el entorno de nuestra pasión común por el cine. De hecho, los primeros asiduos al blog marciano le recordaran con cariño. Recibir su apoyo, estímulo y consejos durante el arranque de este blog de cine fue muy gratificante y con ello se demuestra que la función de los escritores más consagrados, no solo es promocionar o divulgar su obra, sino que también pueden aconsejar y orientar a las personas que estén empezando, en mi caso, a interpretar públicamente lo que sucede en las pantallas de cine. Sin más preámbulos os dejo ya con la entrevista.

El libro.

Hola José, ¿qué nos vamos a encontrar en tu libro dedicado al cine y a sus películas más polémicas?

En general, lo que su título indica. Calculo que puede haber unas 3000 películas que por diversas circunstancias, como generar controversias, haber estado prohibidas, o ser rompedoras en extremo, merecen ser calificadas como polémicas. Lo que yo he hecho en el libro, es seleccionar las aproximadamente 220 de entre esas 3000, que a nivel mundial son las más representativas de lo llamativo y rompedor. En realidad, la idea del libro hubiera sido hacer 10 volúmenes que iban por temas, pero de momento lo he dejado en uno. También pensé en hacer uno dedicado en exclusiva a la cinematografía española -en el libro está Viridiana- pero el mercado del libro está bastante complicado actualmente. Próximamente, también reeditaré este libro y añadiré las películas polémicas que van surgiendo en los últimos años hasta nuestros días.

¿Qué más criterios seguiste a la hora de seleccionar el porqué una película es más polémica que otra, entre las 3000 que has comentado antes?

Creo y los hechos han venido a demostrar que son las más representativas de la polémica en el cine. Pero mira, por lo que surge el libro, es porque yo viví en la época de la censura hasta el año 1977, que por aquel entonces tenía 21 años y muchas películas las pude ver, pero otras muchas no y me quedé con las ganas y cuando las vi tiempo después, fue la semilla quizás de este libro. Fue una época curiosa, pues se hablaba tanto de las películas censuradas que muchas veces sabíamos más de las películas que no habíamos visto, que incluso de las que si habíamos tenido la oportunidad de ver los de mi generación. El factor morbo, desde luego era una de las claves de este interés cinéfilo, pero no solo la parte de los besos, sino la parte que los curas cortaban (risas). Por cierto, tuve la suerte de tener un amigo que su padre era proyeccionista, antes se llamaba operador de cine, y este hombre también coleccionaba cortes como en la película italiana Cinema Paradiso y me sentía en cierta manera un privilegiado. Otras de las cosas que me acercó a las películas polémicas, fue cuando era estudiante y conseguíamos ver películas prohibidas que llegaban a través de las embajadas en valijas diplomáticas y se proyectaban clandestinamente en los cine clubs o cine fórum de las universidades y escuelas, pero todo a escondidas, oficialmente esto no existía claro. Godard, Buñuel y sobre todo el movimiento de la Nouvelle Vague eran las películas que más llegaban, con alguna incursión de cine del este de Europa que por razones políticas de la época franquista era prohibido.

¿El espíritu de tu libro es ser una guía de películas controvertidas o buscabas algo más?

Fundamentalmente es una guía y una miscelánea sentimental, un recordatorio de cosas curiosas, de anécdotas. En las películas que te gustan es inevitable que pongas un poco de tu corazón, de tu cariño y en las que no te gustan pues se nota, a pesar que algunas de ellas han obtenido un reconocimiento mundial. Yo tengo un escepticismo hacia varias películas, por ejemplo hacía la última de Kubrick con Nicole Kidman y Tom Cruise titulada 'Eyes Whide Shut' que me pareció una porquería (risas), u otra que no me gustó nada fue El resplandor. Sin embargo, me gusta mucho 'La naranja mecánica' que es una de las mejores películas de la historia para mi gusto.

En el libro cuentas que la cinta estadounidense Baby Doll de Elia Kazan, fue calificada por la revista Time como "la película americana más sucia que jamás haya sido exhibida". ¿Cuéntanos el motivo de tanto escándalo?

Era una historia que tenía una sensualidad desmedida por su protagonista Carrol Baker y la peculiaridad que tenía, es que se trataba de una menor, con el añadido de encontrase ante una sociedad muy puritana. Ella se casaba con un señor mayor que podría ser su abuelo y con unas condiciones draconianas como que no se podía consumar el matrimonio hasta que la chica tuviera los 18 años. Además, otro hombre se interesa por ella y todo esto dirigido por Elia Kazan que es donde está la madre de todos los corderos, ya que este, en la industria de Hollywood era un traidor y estaba en la lista negra con el famoso tema de la caza de brujas; en definitiva era un director considerado maldito.

Puede sorprender a algunas personas que la dulce compañía de cine Disney sea una generadora de polémicas. En tu libro recuerdas la cinta Aladdin de 1992. ¿Qué es lo qué pasó con esta cinta de animación?

La película Aladinn fue muy protestada en los paises musulmanes y se le acusó de islamófoba, especialmente por la letra de alguna canción, que hubo de ser cambiada a última hora para acceder a aquellos mercados. Lo cierto es que las películas Disney, por un motivo u otro, siempre han estado rodeadas de escándalos, polémicas, controversias varias....
En realidad desde los tiempos de 'Blancanieves y los siete enanitos' hasta ahora mismo. Se ve que descubrieron que la polémica vende o puede vender. Y digo "puede", porque en el caso de 'Fantasía' el escándalo perjudicó su carrera comercial.

De las películas reseñadas en tu libro, ¿cuál te parece la más polémica? ¿Y cuál es la que personalmente más te ha gustado?

En mi opinión la más polémica y no es que me guste mucho, es la última de Pasolini titulada: 'Saló o los 120 días de Sodoma' que es una auténtica cirugía "virguera" sobre la perversión del poder. La cinta está basada en una novela del Marques de Sade y a su vez ambientada en la Italia de la segunda guerra mundial con el fascismo, los hijos de los partisanos, etc, etc, pero sería aplicable a cualquier otro momento histórico reflejando el despotismo del poder. Quizás, la que más gustó, es la que te he comentado antes de 'La naranja mecánica', que estaba tan prohibida que cuando llegó, la vimos como el que bebe agua tras un periodo de sequía. Hoy vista, ha perdido algo, pero sigue siendo una película muy inteligente que también es un juego sobre la perversión del poder.

Autor. 

¿A qué edad te empezó a llamar la atención la lectura y cuándo empezaste a escribir?

La lectura siempre, porque vivo en una familia que ha sido muy lectora. Mi padre era marino y trabajaba en un petrolero muchos meses fuera de casa, pero antes de que él llegara de nuevo a casa, le precedían un baúl o unas cajas de libros que nos mandaba, con esto te puedes hacer una idea de como era el ambiente de libros que había en nuestra casa. Todos los hermanos somos lectores, mi madre todavía sigue leyendo a pesar de ser mayor, en fin, que si lees mucho al final te aficionas a la lectura. Personalmente me gusta más el ensayo o el reportaje que la propia novela. Respecto a la segunda pregunta, de niño ya escribía cosas en la revista del colegio y con 11 años escribí un cuento y gané el primer premio literario, que además fue un lote de libros y 5000 pesetas de premio en efectivo. Hasta los 20 años, seguí presentándome a concursos literarios y gane otros premios, pero acabaron por no convencerme.

¿Cuál fue tu primer libro publicado?

Fue en año 1978 y se publicó en la editorial Ediciones Vascas que ya no existe. Se llama 'Cara de policía', que es el título de un cuento entre los 48 de los que se componían el libro. Este, está ambientado en el País Vasco de los últimos tiempos de Franco y primeros de la transición, en la que Euskadi era un polvorín.

¿Cuántos libros tienes publicados a fecha de hoy?

Huy.... unos 210 entre reediciones, traducciones y textos propios.

Una de tus temáticas preferidas en tu obra es la mitología y la brujería, ¿qué es lo que te llama tanto la atención de este tema?

Pues todo, ¿a quién no le va a llamar la atención este tema? Mira, para empezar hay un error cuando lo llamamos brujería, ya que el término correcto sería brujología, ya que brujería sería la sabiduría de las brujas (si yo fuera brujo, lo que haría es brujería). Entonces, cuando estudias la caza de brujas, la inquisición, los juicios y demás, eso es brujología, que por cierto es una palabra que no esta aceptada por la Real Academia. Todo esto, me viene de mi afición montañera juvenil, entonces todo el mundo iba al monte, pero a mi no me llenaba subir a una montaña sin más, me gustaba ir viendo las cosas que te encontrabas por el camino, es decir, las ermitas, cuevas, dólmenes, piedras y enterarme de las leyendas, e ibas indagando y caramba lo que había detrás y dentro de todo esto, me llamaba la atención la bujería, que en el fondo es un desenfoque del folklore tradicional.

¿Crees que las brujas o los brujos han existido o existen en realidad o son una leyenda por llamarlo de alguna forma?

En resumidas cuentas, todo lo que tiene nombre existe, pero como concepto, no como tu quieres que sea, es como decir, ¿existe Dios? pues tiene nombre, ahora otra cosa es como defines tu estos términos. Respecto a si las brujas pueden tener "poderes mágicos", no lo creo, otra cosa es el poder de sugestión que tengan o el poder de prestidigitación, que al fin y al cabo en la magia este concepto pueden llamarse igual. Quisiera aclarar que la mayoría de los crímenes o de las cosas de las que eran acusadas las brujas, al final eran delitos comunes, envenenamientos o cuestiones que no tienen nada que ver con la magia.

Cambiando de tema, tienes dos libros publicados con los curiosos nombres de 'Los mil y un nombres del pene' y 'Los mil y un nombres del coño', ya veo que te atreves con todo, pero ¿cómo hiciste tan amplia recopilación de términos?

En primer lugar leyendo mucho, entonces no había Internet y ese libro apareció en el año 1995 en Ediciones B, pero ya hacia tiempo que venía recopilando los nombres en fichas, a veces los oía por ahí, me hacia gracia y lo apuntaba. El primero fue 'Los mil y un nombres del coño' que más que éxito de ventas, tuvo una gran repercusión mediática y me llamaron de muchos sitios para su promoción.

Misterios en la carretera es un estupendo libro de relatos cortos que personalmente he leído y recomiendo, ¿qué consejos darías a los escritores nóveles a la hora de elaborar un relato corto o un microrrelato ?

Sobre todo que no se enrollen, como decía Baltasar Gracián "más vale quintaesencias que fárragos". Es mejor contar una historia cortita, pero que impacte. Y es que literatura hay mucha y a la gente, a lo mejor no le apetece algo demasiado largo y es preferible llamar la atención, por algo impactante, que recrearse en descripciones infinitas. Respecto al libro de 'Misterios en la carretera', la idea viene del año 1989 cuando estaba haciendo un programa de televisión en Antena 3 con Andres Aberasturi, llamado 'En los límites de la realidad' y de allí me gustaban especialmente las historias que tenían que ver con las carreteras y me enganchó el tema. Años después fue publicado finalmente el libro.

¿Cuál es tu libro más vendido, cuántos ejemplares vendió y cuántas ediciones se realizaron?

Mi libro más vendido ha venido siendo "Bujería en el País Vasco". Ha conocido diversas reimpresiones y ediciones distintas, 5 o 6, creo recordar, y dejé de contar los ejemplares vendidos cuando superó los 50.000, cosa que sucedió hace más de veinte años, tiempo en lo que, como es sabido, todavía se compraban libros...(risas).

Preguntas cortas. 

Tu película preferida española de todos los tiempos.

El verdugo de Luis García Berlanga, con mención especial a Bienvenido Mr Marshall también de Berlanga.

Tu película preferida internacional de todos los tiempos.

La huella de Joseph L. Mankievicz y El golpe de George Roy Hill.

Tu actriz favorita del cine clásico.

Natalie Wood, especialmente en su papel de María en West Side Story.

Tu actor favorito del cine clásico.

Max Von Sidow.

Tu actor preferido del cine actual.

Michael Caine.

Y tu actriz del cine de hoy.

Juliette Lewis.

El mejor director de cine de todos los tiempos.

Orson Welles e Igmar Bergman (se lo piensa y cita también a Pasolini y John Ford).

El mejor director de cine de la actualidad.

Clint Eastwood.

Tu festival de cine preferido.

El de Donosti.

La sala de cine preferida o más bonita que hayas visto.

Las salas Griffith de los años 70 en Madrid.

Tu libro favorito.

La piedra lunar de Wilkie Collins (cita muchos, pero hay que elegir uno).

Tu plato de comida preferido.

Las habitas tiernas con jamón.

Un lugar para vivir.

El Pirineo en general con la parte de Huesca y Cataluña a la cabeza, y en particular el pueblo de Torroella de Montgrí (Girona).

Una ciudad por conocer.

Bodo en Noruega.

Muchas gracias José por toda tu atención y por contestar a todas las preguntas, ¿quieres añadir algo para concluir la entrevista?

Saludos para todos los asiduos a este espacio de cine y decir que hay que ser marcianos en este mundo tan terrícola. Además es posible que los terrícolas también seamos marcianos -risas terrícolas y marcianas- y tu a persistir y a seguir siendo tu mismo a pesar de que es muy difícil de conseguir. Y que la gente siga viendo cine, ya sea en la sala o por los medios actuales tecnológicamente adecuados, pues hay lugares que ya no existen los cines, bueno pasa como con las librerías que cada vez hay menos, pero hay que seguir leyendo. Muchos saludos de nuevo para todos los lectores.

El libro que nos presenta hoy José Dueso se puede encontrar en Amazon en el siguiente enlace Las Películas Más Polémicas De Todos los Tiempos

Otros libros publicados del autor ya disponibles para dispositivos electrónicos, en el siguiente enlace: José Dueso Amazon

Baby Driver

No hay fin, no hay comienzo. Solo hay pasión por la vida. -Federico Fellini.

La historia: Baby (Ansel Elgort) es un joven muy introvertido que perdió a sus padres en un accidente automovilístico y desde entonces no consigue levantar cabeza. Tras robar casualmente al mafioso Doc (Kevin Spacey), contrae una deuda con él y se ve obligado a pagarle mostrando sus dotes de brillante conductor. El chico se ocupará de conducir en la huida de los atracos a bancos planeados por el capo. Todo se complica aún más, cuando Baby se enamora de una joven camarera llamada Debora (Lily James) y pretende huir con ella para iniciar una nueva vida. ¿Les dejarán ser felices? ¿Resistirá Debora la presión?

La crítica: Pedazo de película que firma el cineasta británico Edgar Wright (Bienvenidos al fin del mundo), que va a marcar quizás el hito más alto en la narrativa británico estadounidense de este verano boreal 2017. Con un arranque de vértigo, música y conducción, es en la segunda parte de la cinta cuando aperece un cierto aire post tarantiniano en pantalla. Con ello se completa una propuesta sorprendente y altamente divertida. Cuando relacionemos espectáculo en el cine con inteligencia en mi cabeza aparecerá el recuerdo de Baby Driver.

¿Quién es realmente Baby? Independientemente de lo sucedido en el pasado, Baby es ahora un excelente conductor que con su habilidad es capaz de despistar hasta el último coche de policía que se le cruza en el camino. Tiene otra peculiaridad. La música es la otra pasión de su vida y pasa el día pegado a su Ipod que le sirve como motivación personal. De hecho, es incapaz de conducir para su grupo de atracadores si la música no suena y está perfectamente seleccionada. Pero además, él repudia lo que está haciendo, pero tiene que pagar una deuda adquirida con el jefe del clan mafioso. De hecho, Baby es un buen chico y quiere salir de ese mundo de inmediato. En cuanto a la filmación en sí misma, el ritmo narrativo es completamente sobresaliente siendo un disfrute cinéfilo moderno y muy acertado abriendo con ello nuevos caminos en la cinematografía.

Y si de espectáculo hablamos, no se puede quedar en el tintero una maravillosa secuencia que fue ensayada y coreografiada por el mismísimo Ryan Heffington. En ella, vemos a Baby recorrer tres manzanas y son sincronizados: coches, peatones, camareros, niños e incluso perros que pasean por el lugar al ritmo de una música perfectamente seleccionada. Es por ello, que tanto esta escena como la primera hora de la película se convierten por méritos propios en una especie de musical modernista de auténtico lujo.

Por otra parte, la cinta rinde un cierto homenaje a Steve McQueen en la cinta Bullit de Peter Yates. En dicho film siempre se recordaran las espectaculares persecuciones de coches, aunque en Baby Driver las escenas están rodadas en la ciudad estadounidense de Atlanta. Y como curiosidad adicional, cabe destacar que el director de la cinta se apoyó en el asesoramiento del ex atracador de bancos Joe Loya, que escribió un libro con el curioso título de 'El hombre cuya prisión se le quedó pequeña: confesiones de un atracador de bancos'.

Pero no olvidemos que Baby Driver es algo más que una cinta de persecuciones y atracos a bancos. Es más, yo me atrevería a decir que esa es la excusa para narrar la historia de un chaval de 20 años marcado por un terrible pasado, pero con un futuro por delante junto a la chica de sus sueños. 

Cafetería americana perfectamente construida para Baby Driver, ¿han visto Pulp Fiction?

El reparto y de menor a mayor importancia protagónica está integrado por un estupendo Jamie Foxx (Django desencadenado), un acertado Jon Hamm (Mad Men), una explosiva Eiza González (serie adaptada de 'Abierto hasta el amanecer' -From dusk till dawn-) y el jefe del equipo interpretado por el genial Kevin Spacey (American beauty).

Ellos conforman un grupo que el mismísimo Tarantino hubiera firmado. Y como contraste y encabezando el reparto, nos encontramos con la dulce actriz británica Lily James (La Cenicienta) y con el ya actor revelación de 2017 Ansel Elgort (Bajo la misma estrella) que a sus 23 años se confirma como el interprete más talentoso de su añada.

Especial atención merece la banda sonora de la producción con una exquisita elección de las pistas musicales y en la que nos encontramos temas como: Harlem Shuffle de Bob & Earl, Egyptian Reggae de Jonathan Richman & The Modern Lovers, B-A-B-Y de Carla Thomas, Intermission de Blur o Never, never gone give you up de Barry White.

En conclusión, Baby Driver es una apuesta elocuente, apabullante y lubricante entre otros sufijos ante que dejo ya a la elección del imaginario del espectador. Es cierto, que también podría incluir el término cargante por poner una pequeña pega crítica. Pero en definitiva el espectáculo es coagulante, golfante, incitante, refrescante, penetrante, amenazante o sencillamente vibrante.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: EE UU, Reino Unido.

Director: Edgar Wright.

Reparto: Ansel Elgort, Lily James,
Kevin Spacey, Jamie Foxx, Eiza González.

Guión: Edgar Wright.

Fotografía: Bill Pope.

Música: Steven Price.

Duración: 115 minutos.

Estreno EE UU: 28 de junio 2017.

Estreno España: 7 de Julio 2017.

Estreno Argentina (previsión): 27/07/17.

Películas curiosas: Giro al infierno (U-Turn)

Antes de que Oliver Stone "perdiera la cabeza" de alguna manera o se fanatizara políticamente que viene a ser lo mismo (y me da igual el signo político), escribió grandes guiones como el de 'El expreso de medianoche' o el de 'Scarface'. También dirigió 'Platoon' o 'Wall Street' entre otras. Es después, cuando se dispuso a glosar a personajes como Fidel Castro o Hugo Chavez degradando su cinematografía a subproductos propagandísticos. En todo caso, en Cine y críticas marcianas ningún cineasta o actor va a ser vetado por cuestiones ideológicas.

Por casualidad, este Giro al infierno en mitad de la nada ha vuelto a caer en mis manos y he vuelto ha quedar absorto ante una cinta completamente loca, asfixiante y con momentos de un cine sobresaliente. Se observan influencias de Tarantino y que a su vez siento que fue de alguna manera inspiración para la notable cinta argentina Relatos Salvajes.

Bobby (Sean Penn) es un tipo de mala reputación que se gana la vida haciendo "trabajitos" para un mafioso. Durante un viaje y en una carretera que atraviesa el desierto de Arizona, sufre una avería en su automóvil. Este hecho le lleva a un recóndito pueblo perdido en mitad de la nada. Allí, y tras dejar el coche en un siniestro taller mecánico, conoce a Grace (Jennifer Lopez) con la que conecta de una manera especial. El resto de los habitantes harán que Bobby nunca hubiera deseado llegar hasta allí.

La película es del año 1997 y está basada en la novela Stray Dogs (perros callejeros) del escritor y guionista estadounidense Jhon Ridley. Este auto fue ganador a posteriori del Oscar de la Academia por Doce años de esclavitud.

En cualquier caso, la fuerza de esta película descansa en la fuerte personalidad de su director tanto para bien como para mal. En el año de su estreno fue un zarpazo de ferocidad para la pacata sociedad sureña estadounidense. Allí se conservan aún unos valores anticuados y obsoletos que tristemente han aupado a un sujeto tan violento, machista y retrogrado como es el nuevo inquilino de la Casa Blanca.

Película de giros, comenzando por el inicial desvío de la carretera del protagonista. Esta casualidad sirve como metáfora para los continuos y cada más sorprendentes giros que sustentan el argumento de la historia.

La cinta refleja la historia de un perdedor que resulta entrañable ante el cúmulo de desdichas y desgracias variopintas que le suceden. Es tan desgraciado que crea empatía con el espectador a pesar de su bajeza moral. Es tan asfixiante el clima creado por Oliver Stone que invilucra al público para que este personaje encuentre la formula para salir de ese entorno tan violento y enfermizo cuanto antes.

La clave de la producción está en el explosivo romance que se establece entre Bobby y Grace. La confluencia en los deseos de Grace de escaparse del pueblo y de romper con su marido, encuentran en Bobby una oportunidad única. Entre los dos planean el asesinato del marido de ella ante la imposibilidad por una cosa o por otra de poder huir. Pero antes de llegar a ese punto, Bobby conoce al marido y se establece una perturbadora relación a tres bandas. Cabe destacar también la fuerte carga erótica en este triangulo amoroso en un escenario de sexo, sudor y lágrimas en medio del ardiente desierto.

Los personajes que van desfilando por la pantalla son realmente unos antihéroes anónimos con una visión del mundo que no va más allá de lo poco que tienen o anhelan. También nos encontramos con secuencias que beben de la serie Cuentos Asombrosos y que a la vez luego fueron absorbidas por Relatos Salvajes como comenté anteriormente.

El elenco artístico es extraordinario. Sean Penn por fin dio el salto de calidad que se esperaba de él. Jennifer Lopez tiene el mejor papel de su carrera y sabe sacarle partido al personaje de Grace. Luce carismática, ardiente, y envolvente en cada escena. Es puro fuego en el desierto. Nick Nolte aparece como marido de Grace demostrando que es un actor soberbio. Por otra parte, Joaquín Phoenix y Claire Denis interpretan con gracia y acierto a una joven pareja que están desquiciados por la rutina del pueblo. Pero quizás el mejor papel de la cinta lo hace un irreconocible Billy Bob Thornton que interpreta al surrealista mecánico del municipio. Sin embargo, el prestigioso actor John Voight (padre de Angelina Jolie), no tiene su mejor papel haciendo de un vagabundo ciego. Que le vamos a hacer, como le dijeron a Jack Lemmon en la cinta 'Con faldas y a lo loco', nadie es perfecto.

En conclusión, Giro al infierno es una autentica orgía de cine salvaje y vanguardista que puede causar estupor a algunas personas por la extraña forma de estar rodada, por una fotografía muy distinta a la habitual y por llevarnos por una narrativa bastante inusual. Pero precisamente esto es lo que la hace una película curiosa y bajo mi punto de vista, una película absolutamente distinta.

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Bowling for Columbine

Nómadas del viento