Frida. Viva la vida: la pasión de la artista y el dolor de la mujer

Frida. Viva la vida dirigida por Gianni Troilo se estrena en cines españoles el próximo día 8 de marzo. La película documental italiana rodada en México está enmarcada en el ciclo Los Grandes del Arte en el Cine. 

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La historia: La actriz Asia Argento pone voz al guion para descubrir las dos caras de la pintora, siguiendo un hilo narrativo que consiste en las propias palabras de Frida: cartas, diarios y confesiones privadas. El público descubrirá cómo la obra de la pintora tiene sus raíces en la pintura tradicional del siglo XIX, en los 'retablos' mexicanos, así como en el arte y el compromiso de los hombres de su tiempo, desde el compañero de toda la vida, Diego Rivera, hasta León Trotsky.

La crítica: El cine documental es en mi opinión el que mayor pureza narrativa aporta al séptimo arte en la actualidad. Frida. Viva la vida es un inteligente vehículo visual que integra documentos reales con preciosistas imágenes en "tiempo real" de la bailarina méxicana Laura Andrea Bazàn. El blanco y negro se alterna con el color de una forma bellísima. También podemos observar increíbles planos cenitales sobre la Ciudad de México y en especial sobre el Museo Frida Kahlo y sobre La Casa Estudio de Diego Rivera y de la que fuera su esposa. Otras imágenes, nos llevan al desierto de San Luis de Potosì y se hace hincapié con acierto en la inspiración precolombina de la artista. 

La cinta está presentada en seis capítulos para hacerla más digerible. Su metraje ajustado a los 90 minutos clásicos también ayudan a que el filme tenga el tempo preciso. En los seis segmentos narrados emprendemos un viaje desde el corazón de México, alternando entrevistas exclusivas con documentos de época, reconstrucciones evocadoras y cuadros de la propia Kahlo. Se incluyen sus obras más icónicas como el retrato de Diego Rivera en 1931, "Las dos Fridas" en 1939, "La columna rota" de 1944 o "El ciervo herido" de 1946. Como no podía ser de otra manera el filme se cierra con su última obra que es la que da título a la película. 

La vida de Frida fue muy dolorosa tanto en su salud como en su parte sentimental. Una vida marcada por un accidente ocurrido en la calle Fray Servando de Mier & Calzada San Antonio Abad de Ciudad de México y que en la cinta se documenta de manera perfecta. Frida tenía solo 18 años y el accidente de tráfico la dejó discapacitada. La artista tuvo que soportar el dolor físico que sufriría hasta su muerte. También tuvo que convivir con el dolor sentimental que le produjo su esposo con sus devaneos amorosos. Ella también le fue infiel. En definitiva, fue una relación tormentosa con dos carácteres explosivos que quedan plasmados con garra en el transcurso del filme. 

Frida. Viva la vida es a su vez una investigación de la vida de la artista a través de sus objetos personales. Se muestran fotografías, ropa y otros objetos pertenecientes a Frida, guardados en los archivos del Museo Frida Kahlo y normalmente no accesibles al gran público. Asi mismo podemos ver los negativos originales de fotografías tomadas por Graciela Iturbide durante la apertura del baño de Frida en 2004. También se entregan relatos y aportaciones de expertos y artistas. Importante el de Hilda Trujillo quien, desde 2002, ha sido la directora del Museo Frida Kahlo. Este es uno de los tres museos más visitados de la Ciudad de México y está ubicado en la Casa Azul que fue por un tiempo el hogar donde vivió la pintora. 

Destaca en el filme las dos almas de Frida Kahlo (1907-1954): por un lado, el icono y símbolo del feminismo contemporáneo, y por otro la artista, libre, a pesar de las limitaciones de un cuerpo torturado. Sin embargo, gracias a su pintura pero también a su escritura, su forma de vestir, su estilo inconfundible, a lo largo de los años Kahlo se ha convertido en un modelo a seguir que ha influido en artistas, músicos y diseñadores. Su importancia como figura ha llegado a superar su protagonismo como artista gracias a la intensidad y determinación con la que se enfrentó a una vida de sufrimiento. El dolor, aunque es una parte esencial de su trabajo, no es suficiente para explicar las razones de un logro tan generalizado y unánime. La película también recoge la energía vital de Frida y el amor por su país y sus colores. De hecho, su etapa en Estados Unidos fue la más negra de su vida y la que impulsó el amor por su patria natal. 

Frida. Viva la vida es un poema visual que nos lleva al interior de México, en medio de cactus, monos, ciervos y loros, alternando testimonios únicos con documentación no vista antes y obras de la propia Kahlo, incluyendo los autorretratos más famosos. Una obra en definitiva imprescindible para los amantes del arte en el cine.  

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Italia-México

Dirección: Gianni Troilo

Guion: Jacopo Magri,
Marco Pisoni, Gianni Troilo

Música: Remo Anzovino

Reparto: Asia Argento,
Laura Andrea Vargas Bazàn.

Duración: 90 minutos.

Estreno Italia: 25/10/2019

Estreno Perú y Colombia: 28/11/2019

Estreno España: 8 de marzo de 2020

Estreno EE UU: marzo de 2020

Estreno México: marzo de 2020

Pintores y reyes del Prado: el cine como lienzo pintado

Pintores y reyes del Prado dirigida por Valeria Parisi llega a las pantallas el 9 de diciembre. La película documental italiana se exhibirá de manera limitada en cines y se estrenará en más de sesenta países. 

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Con motivo de las celebraciones oficiales del 200 aniversario del Museo del Prado, Pintores y reyes del Prado es el primer viaje cinematográfico a través de las salas, historias y emociones de uno de los museos más visitados del mundo. Su riqueza cultural, con más de 8000 tesoros artísticos es una experiencia fascinante que atrae a casi 3 millones de visitantes a Madrid cada año.

Decía Ettore Scola que el cine es como un espejo pintado. En este caso, la cinta reseñada hoy es como un hermoso lienzo pintado. La película documental escrita por Sabina Fedeli y dirigida por Valeria Parisi, nos acompaña a través de las obras maestras de unos de las pinacotecas más importantes del mundo. El actor ganador del Oscar Jeremy Irons guiará a los espectadores en el dulce paseo de este patrimonio único del arte. Como madrileño es un orgullo poder escribir esta crítica. Como cinéfilo un regalo. Como espectador, crítico o reseñador un placer. 

Pintores y reyes del Prado nos muestra magníficas obras maestras que cuentan la historia de España y de todo un continente. Su colección cuenta la historia de reyes, reinas, dinastías, guerras, derrotas y victorias, así como la historia de los sentimientos de los hombres y mujeres de antaño y de hoy. Sus vidas se entrelazan con las del museo: gobernantes, pintores, artistas, arquitectos, coleccionistas, curadores, intelectuales y visitantes. Esta herencia es universal e incluye las obras de Velázquez, Rubens, Tiziano, Mantegna, El Bosco, Goya o El Greco entre otros.

1700 obras exhibidas y otros 7000 tesoros artísticos son patrimonio de la humanidad en el Prado. La vida de la colección del museo comenzó con el nacimiento de España como nación y el matrimonio entre Fernando de Aragón e Isabel de Castilla. La unión marcó el inicio del gran Imperio español. Sin embargo, durante mucho tiempo a lo largo de los siglos, la pintura había sido un lenguaje universal que no conocía fronteras. Si hay un museo donde está claro que la pintura no se vio afectada por el nacionalismo, entonces ese museo debe ser sin duda el Prado, con sus colecciones eclécticas y polifacéticas demostrando que el arte no tiene pasaportes que limiten su circulación, sino más bien significa entender los sentimientos universales de los seres humanos.

Goya, del que toman su nombre los premios de la Academia de Cine, firmó Los fusilamientos del tres de mayo. El óleo narra las consecuencias de la rebelión de los españoles contra el ejército francés; constituye una obra que se convertirá en símbolo de todas las guerras y que inspirará a Picasso para “El Guernica”. Como éste, también Dalí y Federico García Lorca quedaron hechizados por el museo, al tiempo que el escritor y pintor Antonio Saura lo definió así: “un tesoro de intensidades”. Por tanto, un arte que ilumina el presente y que hace nos interroguemos acerca de lo que ha sido el Museo del Prado a lo largo de estos doscientos años, de lo que es ahora, y de lo que continuará representando para las generaciones futuras. El Prado fue un faro para todos los españoles en los momentos más oscuros de la dictadura y una patria a la que volver para artistas e intelectuales en el exilio. Un museo que fue salvado del fascismo por los republicanos. Ellos, protegieron los cuadros de los salvajes bombardeos del franquismo cuando intentaban tomar la capital de España. Sí, Madrid fue machacado por los que se envolvían en la bandera. Una curiosa demostración de amor por España.

En el desarrollo del film documental, se entrelazarán la narrativa del arte con el estudio de la arquitectura y el análisis de valioso material de archivo. Son entrevistados diversos expertos del museo: Miguel Falomir, Director del Prado; Andrés Úbeda de los Cobos, Director adjunto de Conservación e Investigación; Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española hasta 1800; Manuela Mena, Jefa de Conservación de Pintura de 1800 y Goya; Enrique Quintana, Coordinador jefe de Restauración y documentación técnica; Alejandro Vergara, Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700; Almudena Sánchez, restauradora de Pintura del Prado; Leticia Ruiz, Jefa del Departamento de Pintura Española del Renacimiento y del Área de Marcos.

Otros testimonios interesantes son los del gran Norman Foster, arquitecto del proyecto del Salón de Reinos (premio Pritzker), Helena Pimenta, Directora de la Compañía Nacional de Teatro Clásico de Madrid; Laura García Lorca, Presidenta de la Fundación que lleva el nombre de su tío, el poeta Federico García Lorca o la actriz Marina Saura.

Pintores y reyes del Prado es en conclusión un regalo para conservar en la memoria colectiva el verdadero significado del arte. La narración y locución de Jeremy Irons es un lujo.

Gracias señor, gracias artista. Y gracias, mil gracias a Valeria Parisi por hacer del cine una emoción de fotogramas en movimiento. 

Calificación: Obra de arte.

Título original: The Prado Museum,

A Collection of Wonders

Nacionalidad: Italia

Dirección: Valeria Parisi

Guion: Parisi & Fedelli

Duración: 90 minutos

Estreno: 9 de diciembre

Loving Vincent: arte perfecto, cine imperfecto

Sueño con pintar y luego pinto mis sueños. - Vincent Van Gogh (1853-1890).

La historia: Corre el verano de 1891 cuando el joven Armand recibe el encargo de su padre de entregar una carta del fallecido pintor Vincent Van Gogh que iba dirigida a su hermano Theo Van Gogh. Después de viajar hasta París, constata que el hermano del pintor también ha fallecido y decide buscar al médico que trató a Van Gogh para ver a quién puede entregar la misiva que nunca llegó a su destino. Es a partir del encuentro con el entorno del pintor holandés, cuando Armand comienza a conocer como fueron los últimos años de su vida y por qué decidió arrebatársela. El ahora celebérrimo pintor solo vendió un cuadro en vida. Pero, ¿fue esa la causa de su suicidio? o su misterioso final, ¿tuvo otra motivación?

La crítica: Si juzgáramos a esta película solamente por hacer arte en movimiento y ser la primera de la historia en estar pintada completamente al óleo, sin duda, la calificación como obra maestra sería la adecuada. Pero el cine es algo más que una experiencia visual por deslumbrante que esta pueda parecer. La cinematografía, como la literatura en su caso, se deben regir principalmente por contar una buena historia y además hacerlo de una manera que entretenga, seduzca y emocione al espectador. Es ahí y el en fondo, que no en la forma de esta filmación, donde podemos encontrar reparos a lo que es una obra de arte perfecta, pero una película imperfecta. Por ello, el homenaje a Van Gogh es más de museo que de filmoteca.

Cine de animación para adultos que nos llega desde Polonia con la cineasta debutante Dorota Kobiela que codirige junto a Hugh Welchman esta coproducción en la que también ha intervenido el Reino Unido y cientos de pintores de distintas nacionalidades. Ellos, han dado forma y color a los 140 cuadros del pintor holandés en que está inspirada la filmación. Y es que hay que reconocer que el trabajo ha sido titánico y han empleado siete años de su vida en llevar a cabo este singular proyecto. A modo de ejemplo, cabe decir que se han llegado a emplear hasta 10 días en pintar un solo segundo de la película y digo pintar, porque aunque la película esta realizada con actores reales, estos son solo maniquíes corporales. De manera posterior han sido dibujados y pintados en cada uno de los 65.000 fotogramas que cubre la producción.

Y atención porque cada fotograma exhibido y animado es un cuadro pintado a mano y al óleo con unas nada despreciables medidas de 103 centímetros por 60 centímetros. Cuadrar todo esto en el montaje final es de un mérito incalculable y más teniendo en cuenta, que la cineasta polaca experta en cortometrajes pensó el proyecto para que fuera uno de ellos. Quizás y viniendo del corto, le ha podido pesar en la parte puramente cinéfila, el alargamiento de la cinta hasta un largometraje convencional. Entonces, opta por usar el reiterativo recurso del flashback con pinturas en blanco y negro, saliéndose así del marco narrativo propuesto. Y es que en estas vueltas al pasado reciente ya no aparecen los cuadros del pintor, sino que son animaciones simuladas de lo que pudo pudo ser el tercio final de la vida del pintor holandés. Y en mi opinión, uno de los errores de la historia en sí es que está centrada solo en la parte final y más tortuosa de la vida de Vincent Van Gogh. Es decir, se centra más en la causa de su muerte que en el conjunto de su vida y obra.

Pintura y cine: En esta ocasión no podemos evaluar con certeza el trabajo actoraL. Como he comentado, aunque la película ha sido rodada con actores reales (sobre croma), estos han sido pintados posteriormente haciendo imposible ver el desempeño de los actores en acción real. Por lo tanto y antes de las ultimas conclusiones, me gustaría matizar algunas películas que se han rodado con la pintura como protagonista principal. En referencia a Van Gogh e incluso me atrevería a decir que la película más relevante en cuanto a pintura y cine, fue la que realizó el cineasta estadounidense Vicente Minelli en 1956, titulada 'El loco del pelo rojo' con una portentosa actuación de Kirk Douglas encarnando al pintor holandés. Otras películas dedicadas al artista fueron: Vincent and Theo de Robert Altman en 1990, Los sueños de Akira Kurosowa tambien en 1990 y finalmente destacaría la francesa Van Gogh de 1991 y dirigida por Maurice Pialat.

Con respecto a los últimos años y según mis preferencias, lo mejor que se ha realizado en cuanto a pintura y cine pasarían por La joven de la perla del año 2003, dirigida por Peter Webber e interpretada por una mágica Scarlett Johanson. Esta cinta fue dedicada al pintor también holandés Vermeer de Delft. También recordaría, Los fantasmas de Goya dedicada al pintor español y dirigida en 2006 por Milos Forman, pero sobre todo por las portentosas actuaciones de Javier Bardem y Natalie Portman. No me gustaría dejar en el tintero, la dedicada a la pintora mexicana Frida Khalo y a su marido Diego Rivera en el año 2002, de Julie Taymor, y que probablemente supuso la mejor interpretación en la carrera de Salma Hayeck.

Conclusión final: En definitiva, lo más importante, curioso y destacable de Loving Vincent es la forma de estar rodada en movimiento y que marca un hito en la historia de la cinematografía dedicada a la pintura. Además, el trabajo y el amor puesto en la obra merece todo el reconocimiento a nivel artístico y técnico. Pero si hablamos de cine y de películas, que es lo que realmente es este Loving Vincent, la historia narrada es manifiestamente mejorable. Quiero decir con ello que si la película hubiera estado realizada de manera convencional no aportaría casi nada nuevo a la vida y obra del pintor holandés. La cinta se centra en una parte muy parcial de su vida e incluso limitándose a sembrar dudas o desconcierto en lo que fue su trágico final. Incluso se teoriza si fue un homicidio o un suicidio lo que acabó con su vida. En cualquier caso, la parte positiva y artística prevalece en esta ocasión sobre la propia historia en sí. Y desde luego, pienso que esta filmación debería ocupar una sala especial en cualquier pinacoteca mundial o en alguna retrospectiva dedicada al genio holandés.

Un hombre singular, tímido, loco, amable, y obsesivo que pintó su primer cuadro cuando tenía 28 años. Desde entonces, pintó con sensibilidad, ternura y sobre todo creyendo profundamente en su obra. En resumen, un artista que a pesar de la incomprensión general del momento quiso por encima de todo dar importancia a lo que hacía y creyó en ello a pesar de solo vender un cuadro en vida. Si hoy viera reflejados sus cuadros en el cine, la frase con la que se abre esta reseña se vería cumplida: "Sueño con pintar, y luego pinto mis sueños". Hoy sus sueños y su pintura ya son obra inmortal también en el cine.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Polonia, Reino Unido.

Dirección y guión: Dorota Kobiela,
Hugh Welchman.

Música: Clint Mansell.

Fotografía animada: Tristan Olivier.

Duración: 95 minutos.

Estreno EE UU: 22/09/2017.

Estreno Polonia: 6/10/2017.

Estreno España: 12/01/2017.