Blog en pausa por descanso/vacaciones (dejo lista de 10 películas especiales para mí)

Hola amigos y amigas. Creo que es un buen momento para darle un descanso a este blog. La cartelera cinematográfica de este verano en España es muy flojita por decirlo de una manera suave. Pero más que eso, creo que hay que saber parar a tiempo para buscar la inspiración, el descanso, el relax e incluso ir al cine por gusto personal sin tener que escribir sobre él. Los cines de verano serán mi elección.

Pero bueno, este será un hecho anecdótico. En los próximos días además del cine, como os podréis imaginar me gustan otras cosas. Así que ahora tendré unos días para olvidarme un poco de Internet, que es maravilloso pero también muy absorbente. A esto se le podría llamar también una desconexión y nunca mejor dicho.

Pienso que las vacaciones no consisten en la mejor playa, el mejor hotel o el mejor crucero. Mi forma de ver las vacaciones, es hacer justo lo contrarío de lo que haces habitualmente. Es decir tomar un periodo de tiempo y dedicarlo a hacer cosas que supongan una novedad o un revulsivo en tu vida para volver a la realidad con fuerzas renovadas.

La búsqueda de la inspiración también es un motivo importante para darle un descanso al blog. Inspiración es una palabra preciosa porqué cuando la encuentras todo fluye con una suavidad emocionante. Cuando no aparece, el escribir se vuelve algo mecánico. La crítica de cine no es un articulo periodístico meramente descriptivo, ya que consiste en sacar las emociones que te ha transmitido una película y darles una forma que pueda emocionar o al menos interesar a la persona que lo está leyendo. Sino hablaríamos del simple resumen de una película.

Hasta la fecha de hoy, ha sido muy emocionante la cantidad de personas que se han interesado por el mundo del cine a través de este blog. Jamás cuando empecé esta aventura pensé que podría conocer a tanta gente e incluso llegar a hacer amigos por el simple hecho de escribir sobre cine. No era mi objetivo en principio, pero ahora mismo reconozco que lo mejor de este blog, sois todos vosotros. No citaré a nadie en especial, pues seguro que me olvidaría de alguien. Gracias a todos.

Como voy ha dejar los comentarios inhabilitados de esta entrada en el blog por desconexión, siempre mi correo electrónico estará a vuestra disposición en mi perfil de Google+. Se aceptan también transferencias bancarias, jamones ibéricos, declaraciones de amor, herencias que no queráis cobrar e incluso acepto colaboraciones en The New York Times, Fotogramas, Clarín o El País.

Para concluir y como soy muy intenso con el mundo del cine os voy ha dejar una lista con diez películas muy especiales para mí. Algunas las he reseñado, Y otras no me he atrevido aún. En cualquier caso son cintas que me han transmitido algo muy especial a lo largo de estos últimos años. Todas las he visto en la gran pantalla, ya sea en el cine, en festivales o en la filmoteca. El orden de la lista no determina la calidad de las películas. Un gran abrazo para todos y nos vemos alrededor del 10/15 de Septiembre.

Los puentes de Madison. De Clint Eastwood, EEUU, 1995.

Julieta.  De Pedro Almodovar, España, 2016.

¡Qué bello es vivir!  De Frank  Capra, EEUU, 1946.

Amores Perros. De Alejandro G Iñárritu, México. 2000.

El paciente ingles. De Anthony Minghella, EEUU, 1996.

Mararía. De Antonio Betancor, España, 1998.

Casablanca. De Michael Curtiz, EEUU, 1942.

El barbero de Siberia. De Nikita Mijalkov, Rusia, 1998.

María llena eres de gracia. De Joshua Marstson, Colombia, 2004.

El lado bueno de las cosas. De David O. Rusell, EEUU, 2012.

Suelo dejar un vídeo al final de cada texto. Hoy me gustaría dejar un cortometraje patrocinado por una marca de cervezas que rodó el maestro Amenábar y que es pura luz del Mediterráneo. Metáfora del amor y la amistad. El cine como epicentro de las ilusiones por vivir, por soñar y por cumplir. Pienso que cada experiencia que vivimos tiene un sentido y poco se debe a la casualidad. ¿Todo lo vivido nos lleva a un destino? Esta pequeña historia parece tener algunas respuestas. Te invito a bucear en tus sueños y encontrar tu luz.

Al final del túnel

"Nunca trabajes ni con niños, ni con perros ni con Charles Laughton."
- Alfred Hitchcock.

Esta mítica frase pronunciada por el maestro del suspense es muy significativa en relación a los problemas e imponderables que pueden surgir en la filmación de una película. El cineasta argentino Rodrigo Grande se atreve a trabajar con niña y perro (con Laughton ya no es posible), y además en el género cinematográfico preferido por el genio del suspense (suspenso en Hispanoamérica). Aunque esto es anecdótico, si le añadimos agua, oscuridad y el personaje principal en silla de ruedas, el atrevimiento del director del filme merece un gran aplauso. Si observamos que factura una buena película, como es el caso, la admiración del espectador debe estar garantizada. Pero vayamos por partes, como diría Jack el destripador.

La historia: Joaquín (Leonardo Sbaraglia) es un hombre solitario, extraño y taciturno que reside junto a su viejo y amado perro en una gran casa que tiene prácticamente abandonada. Después de quedarse en silla de ruedas por un accidente, se dedica a castigarse mentalmente y a pequeños trabajos de reparación de ordenadores. Para complementar sus ingresos, decide alquilar una habitación a una joven madre (Clara Lago) y a su pequeña hija. La misteriosa mujer revitalizará su desilusionante vida. Pero no será todo tan bonito como parece. Debajo del sótano de Joaquín, una banda de atracadores está cavando un túnel para perpetrar un robo a un banco que esta en las inmediaciones de la casa. La historia dará un giro espectacular y sorprendente.

La intriga y el suspense son mi genero preferido en el cine. Sin embargo, he de decir que es el género cinematográfico con más dificultades para escribir sobre él. Por lo tanto, lo que trataré de hacer será sobrevolar sobre la cinta sin desvelar detalles que puedan perjudicar el visionado de la misma. En este tipo de películas el primer visionado es el más importante; por lógica, en posteriores visitas a la cinta, el factor que genera angustia, estupefacción o miedo tiende a perderse. Esta es la grandeza pero también la miseria de este tipo de cintas.

Cine de atracos también. Tras la exitosa cinta 'Cien años de perdón' el cine hispano-argentino vuelve a unir sus fuerzas para revitalizar este tipo de películas que renuevan sus premisas cada poco tiempo. La fascinación que algunas veces sentimos por el cine de robos a bancos, nos hace ver que a veces refugiados en la oscuridad de la gran pantalla, todos o algunos de nosotros nos podamos sentir identificados con los fascinantes planes que diseñan los ladrones.

En esta ocasión, el director pretende lo contrario. Es decir, fija su mirada en el lado más realista y revocatorio en contra de este tipo de delincuencia organizada. No hay que olvidar que en la vida real no son pocas las personas que se han dejado la vida por culpa de estos planes que en la realidad tienen poco de glamourosos y mucho de violentos.

Pero volviendo al largometraje en sí, hay que decir que en todo momento el gran pulso narrativo que consigue el director está incluso por encima del libreto que tiene cierta originalidad por si mismo. Pero lo destacable es el fuerte ritmo que se va imponiendo a lo largo de la trama y que inteligentemente transcurre de menos a más. 

La parte final es fuerte, pero quizás en su ultimo tercio la producción es poco creíble. Sin hacer ningún tipo de spoiler, si comentaré que en el broche final tiene cierta blandura hábilmente escondida en alguna escena fuertemente violenta. 

El elenco artístico es prácticamente sobresaliente. Leonardo Sbaraglia está en plena disposición para dar el salto definitivo a Hollywood. Otra cosa es que él este dispuesto a tal labor ya que ofertas no deberían faltarle. Tiene la expresividad, el carácter e incluso el físico adecuado para ello. Clara Lago (Ocho apellidos vascos) sorprende para bien en el papel de femme-fatale. Quién hubiera pensado que la dulce niña de la película 'El viaje de Carol' se podría convertir en una bailarina de striptease con un fuerte carácter. Pablo Echarri interpreta al jefe del equipo de ladrones y lo hace de una manera soberbia. Echarri también se encarga en esta ocasión de parte de la producción ejecutiva de la cinta. Federico Luppi tiene un breve papel en la película dejándonos detalles muy importantes. La niña Uma Salduende revoca al maestro Hitchcock y actúa con corrección. Los niños por lo general son excelentes actores por su naturalidad... otra cosa es la "guerra" que puedan dar en el set de rodaje.

Otros detalles técnicos a destacar serían la buena coordinación de los efectos visuales a cargo del mítico ya, Reyes Abades. La fotografía nocturna es excelente con bastantes planos a contraluz que son una auténtica maravilla técnica. La música interpretada por la orquesta sinfónica de Budapest es bastante correcta y se rige por los clásicos sonidos del cine de suspenso. Lo que resulta absolutamente incomprensible es la disonancia entre el estreno en Argentina en Abril y la llegada a España prácticamente de tapadillo, y sin apenas promoción. Teniendo en cuenta que Warner-Bros tiene los derechos de la cinta todo parece indicar que la película quiere ser solapada para intentar vender un remake a Hollywood.

Como conclusión final, el largometraje se siente especialmente bien diseñado y es un soplo de aire fresco para cine hispano-argentino. 

La tensión in-crescendo de la trama es un buen punto de apoyo salvando así las dudas que pudiera dejar la dudosa credibilidad de la parte final de la trama. Para amantes del cine de intriga, Al final del tunel, es una buena opción.

 Nota: 8/10.

Título: Al final del túnel.

Nacionalidad: Argentina, España.

Director: Rodrigo Grande.

Reparto: Leonardo Sbaraglia,

Clara Lago, Pablo Echarri,

Federico Luppi, Uma Salduende.

Fotografía: Félix Monti.

Metraje: 120 minutos.

Estreno Argentina: 21 de Abril de 2016.

Estreno España: 12 de Agosto.

¡Qué maravilloso es el cine! Casablanca

"El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos"

Ilsa: - Lo dices porque quieres que me vaya.
Rick: - Lo digo porque es la verdad. Los dos sabemos que tu lugar es con Víctor. Tú eres parte de su obra. Si no te vas con él, te pesará.
Ilsa: - ¿Y nosotros?
Rick: - Nosotros siempre tendremos París. No lo teníamos hasta que viniste a Casablanca. Anoche lo recuperamos.
Ilsa: - Y yo dije que nunca te dejaría.
Rick: - Nunca me dejarás. También tengo obras que realizar. No puedes ser parte de lo que yo debo hacer.

Este es un solo ejemplo de los maravillosos diálogos de esta obra maestra del cine clásico. Amor, desamor, historia y belleza en el cine.

Rick Blaine es el propietario de un exitoso café-club en la ciudad marroquí de Casablanca. En el contexto de la Segunda Guerra Mundial la ciudad se ha convertido en un refugio para las personas que huyen del conflicto. Hasta allí se desplaza Ilsa que fue un antiguo amor de Rick. Llega junto a su marido Víctor, huyendo también de la persecución a la que estaba sometido este. Los recuerdos y la llama de un amor aún no apagadas removerán su difícil situación.

La película está basada en una obra teatral titulada "Everybody comes to Rick's" (Todos vienen al café de Rick), de Joan Alison y Murray Burnett. La dirección fue del aclamado Michael Curtiz de origen húngaro que con una prolífica carrera superó los 150 filmes. Es cierto que ninguno llegó a alcanzar la universalidad de 'Casablanca', pero sin ninguna duda dejó en su obra otras grandes historias como fueron: 'El capitán Blood', 'Dodge City', 'Alma en suplicio' o 'Sinuhé el egipcio'.

Esta historia mil veces reseñada, vuelve a cobrar actualidad una vez más a colación con la crisis de los refugiados y de los flujos migratorias que se vienen produciendo en los últimos años. A la ya tradicional salida de dichos flujos provenientes de África hacia el viejo continente, habría que sumar ahora la salida desesperada de decenas de miles de personas huyendo de la guerra en Siria y de la insostenible violencia que sigue arrastrando Irak.

Es en este contexto, es donde me atrevo a dar mi punto de vista de esta joya del cine considerada por muchos como una de las mejores películas de todos los tiempos. No obstante, aunque casi siempre se recuerde 'Casablanca' por ser una gran historia de amor/desamor, su vinculo con los exiliados de Europa hacia esta ciudad y sus paralelismos con la huida de miles de refugiados de guerra, entroncan en cierta manera con la situación actual. Por desgracia, el ser humano esta condenado a repetir la historia. Refugiados y guerras van unidos de la mano y el cine es testigo durante el pasado siglo XX de la barbarie criminal del ser humano.

En la película, la ciudad de Casablanca era el puente para llegar a Lisboa y desde allí partir hacia el continente americano para buscar una vida mejor. Pero la salida era poco menos que imposible. Solo algunos afortunados y con altos contactos con los funcionarios destacados de la administración francesa, eran los que conseguían el famoso salvoconducto. Este hecho aparece recurrentemente en la cinta. Lo cierto es que lo que aporta fuerza y belleza a la historia es su romance, pero no conviene olvidar el contexto en el cual esta desarrollada la acción. Otro dato adicional de interés es que la cinta no se rodó en la ciudad original, sino que se filmó en los estudios de Warner Bros en la costa oeste de Estados Unidos. Los exteriores también fueron rodados en los estados de Arizona y California.

La película es ante todo belleza; sus diálogos y frases son un verdadero catálogo de antología poética. Todo es abrumador, todo inteligencia, un todo envuelto en un regalo de una historia que fue de amor y desembocó en un desamor quizás desgarrador. La identificación con un amor imposible es lo que otorga universalidad a la historia. Es decir, aquello que pudo ser y no fue, o aquello que fue y ya no puede ser. Todos somos un poco Rick, todas son un poco Ilsa y los que no, tal vez se sentirán identificados con el lado mordaz del inspector encargado de la prefectura francesa (Claude Rains). Un personaje absolutamente inolvidable.

Ilsa y Rick, Ingrid Bergman y Humphrey Bogart, dos leyendas del cine juntos para una misma historia. Estrellas de cine con mayúsculas, cada uno con sus matices, pero sin ninguna duda ambas carreras son dos ejemplos del porqué, los actores y actrices pasaron a obtener un reconocimiento a nivel mundial. Pero independientemente del prestigio bien merecido lo que ellos consiguen en la película, es que todos en algún momento soñemos con atravesar la pantalla y unirnos a la historia. El sueño del cine hecho realidad es a lo que más puede asemejarse a 'Casablanca'.

Un sueño que tuve la oportunidad de visionar en una pantalla de cine cuando aún era un niño. Sería aproximadamente a principios de la década de los 90. Por aquel entonces, en Madrid, aún quedaba alguna sala de cine en la que se volvían a proyectar algunos clásicos. Para mí, fueron unas sensaciones parecidas a las que sentía el niño de 'Cinema Paradiso'. Quizás ahí empezó a convertirse mi afición por el cine en una pasión. Es una pena que estás salas de cine, hoy en día, estén prácticamente desaparecidas de muchas ciudades. En la ciudad de Madrid si nos queda aún una auténtica joya. Se trata de la Filmoteca Nacional y sigue proyectando todo tipo de clásicos y no tan clásicos de las distintas cinematografías mundiales a unos precios totalmente asequibles. Espero y deseo que el Ministerio de Cultura, en vez de impulsar una fiscalidad desproporcionada al cine en España, se dedique a preservar esta joya que es un patrimonio cultural indispensable. En la actualidad la función de las filmotecas en las diversas ciudades de nuestro planeta debería ser un bien protegido. Quizás la única manera de poder ver en la gran pantalla joyas como 'Casablanca'.

'Casablanca' obtuvo el Oscar de la Academia de Hollywood como mejor película en el año 1943. También obtuvo dos Oscar más: al Mejor Director y al Mejor Guión Adaptado. En 1989 la película fue seleccionada para ser conservada en la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos por "ser cultural, histórica o estéticamente significativa". El American Film Institute la considera la tercera mejor película de todos los tiempos. También la cinta tiene sus detractores. En la época de su estreno la revista 'The New Yorker' la calificó como "apenas tolerable" y en la actualidad el escritor italiano Umberto Eco se refirió a ella: "Como una suma de arquetipos que la hacían mediocre en su sustancia". Esto prueba que la unanimidad en el cine es una quimera y así debe seguir siendo. En mi humilde opinión 'Casablanca' es una obra maestra absoluta.

Música y cine: Max Steiner fue el encargado de la brillante banda sonora de la producción. Pero sin ninguna duda lo que ha pasado a la historia es la famosa frase de: "tócala otra vez Sam" (Play it again, Sam) que por cierto, nunca se pronuncio en la película. La frase textual fue "tócala" de Bogart o "tócala una vez" de Ingrid Bergman. El personaje de Sam es interpretado por Dooley Wilson que fue un cantante y actor estadounidense que alcanzó la fama universal por interpretar la que fue la canción de Rick y Ilsa. Probablemente una de las canciones mas recordadas de la historia del cine. Sam era el pianista del café y amigo personal de Rick.

Así que una vez más le pediremos un último favor antes de cerrar esta reseña.

Tócala otra vez Sam:

Dioses de Egipto (Gods of Egypt)

Me gustaría tomarte en serio, pero hacerlo sería ofender tu inteligencia. - George Bernad Shaw.

(A la atención del director de esta cosa, el ínclito señor Alex Proyas)

Cosas curiosas que suceden en una sala de cine:

1. Dormirse: siempre y cuando las ráfagas de ruidos ensordecedores y desquiciantes de algunas producciones se lo permitan. La oscuridad, unas buenas butacas y un ambiente adecuado pueden ayudar a inducir el sueño mejor que una benzodiacepina.

2. Practicar el amor libre: diversas y extrañas posturas, besos y gemidos estremecedores ha escuchado este servidor a lo largo de estos últimos veinte años. Por suerte, parece que el servicio de limpieza suele dejar el recinto bastante aseado para la siguiente sesión.

3. Comentaristas: dícese del señor o señora que gusta de ir comentando la película. Su meta es que el resto de espectadores o los más cercanos a él, nos percatemos de su inteligencia y de sus ágiles comentarios. Suelen aventurarse en hipótesis sobre las siguientes secuencias de la cinta. Como es natural no aciertan casi nunca.

4. Adolescentes: alejarse lo más posible de ellos. Sobre todo, si en la cinta aparecen algunos de sus ídolos y las hormonas entran en ebullición. Si no queremos acabar sordos, mojados por sus refrescos o directamente desesperados por sus sonidos guturales, guardemos una prudente distancia de seguridad.

5. "Gastronomía" en el cine: palomitas saladas, palomitas dulces, patatas fritas, nachos con o sin queso, hot-dogs, pipas de girasol (doy fe), hamburguesas, bocadillos, pizzas, helados, algodón de azúcar, diversas golosinas para niños que se comen sus padres, maíz frito y estoy seguro que me dejo algún alimento de interés, lo cierto es que marisco nunca he visto. Será por el precio...

6. Criticar al director de la película en voz muy alta. Este hecho suele sucederse en los pases de prensa o en algunos festivales de cine. Esta subespecie de gritos o cabreos, incitan a los demás críticos o invitados a excitarse y las opiniones se vuelven cada vez más caóticas. Suele acabarse el jaleo con una frase a la medida: ¡Un poco de respeto señores! Esto, amansa a las fieras y ni un calmante haría tanto efecto.

7. Personas que entran diez, veinte o treinta minutos después de iniciada la sesión. Algunos me han llegado a preguntar sin el menor rubor que de qué iba la película. Lo más curioso es que yo les he contado la trama sucedida hasta el momento, pero de otra película claro, para despistar...

8. Teléfonos móviles en el cine con diversas melodías he tenido el "privilegio" de escuchar: pasodobles, sambas, Julio Iglesias, ladridos de perro, el himno de España, sonidos intergalácticos y algún sonido más de difícil explicación. Creo que a esto se le llama politonos, da igual, el nombre es lo de menos. La cosa se suele zanjar con la siguiente tontería: "Perdón, pensé que estaba en modo avión".  Haber estado en modo cine, digo yo, que es apagado o sin sonido.

9. Borrachos: sí borrachos en el cine, gente muy bebida que entra en la sala y arma el espectáculo. Aunque reconozco que las dos veces presenciadas esto fue lo mejor de la película. Uno de ellos, tenía una risa tan contagiosa que debería ser contratado por las productoras de algunas comedias infectas como animador.

10. Dioses de Egipto: se me olvidaba, no vean esta película, su vida es demasiado valiosa para perder su tiempo en "esto". Yo desde luego me niego a comentar nada de este engendro. Bastante castigo tuve ya, como para autoflagelarme recordándola. Den un paseo por el parque, besen a su esposa, acaricien a su novio, lean un libro, atraquen un banco, hagan deporte, hagan el amor e incluso vayan al cine, pero vean otra película, no se hagan daño, no es necesario. Por si alguien tiene interés en esta producción, les dejo un enlace a una crítica profesional que personalmente suscribo. Yo desisto.

http://www.cinemania.es/peliculas/dioses-de-egipto/critica/

Nota: 0/10

Espectador que por lo visto la sufrió

P.D: Cuando estaba visionando esta cinta, me acordé de unas críticas de cine, que me mostró un amigo caraqueño de parroquia antigua. Eran de Pablo del Moral, uno de los mejores en este campo. Que sirva como pequeño homenaje, por si algún día por casualidad, leyera este texto. Espero que todo el mundo haya entendido la ironía de esta crítica. Yo, después de haber visto unas "cuantas" películas en el cine en los últimos 20 años, estoy dispuesto a ver cosas como esta o peores. Pero a lo que no estoy dispuesto es que os intenten tomar el pelo a vosotros en el cine (si es que en algún lugar siguen proyectándola) o al adquirir la cinta.

Postdata 2: Bueno chicos con vuestro permiso, como este blog es nuestro, me voy a permitir hacerme unas preguntas a mi mismo.

Miguel - ¿Estabas drogado cuando redactaste esta crítica? ¿Consumes drogas en tu vida diaria?

Miguel Pina -  Hombre Miguel, reconozco que algo tomé, algún gramo de cocaína, metanfetaminas y algún opiáceo suelto, pero drogas lo que se dice drogas no tomé.

Miguel - ¿Miguel estas en algún tipo de terapia psicológica?

Miguel Pina - Efectivamente, me has descubierto cabrón. Para superar el trauma de esta peli, voy dos veces por semana a un terapeuta, lo reconozco.

Miguel - ¿Que tal la terapia?

Miguel Pina -  A continuación la cuento, gracias por tus preguntas Miguel.

Postdata 3: La terapia creo que va bien, teniendo en cuenta que el terapeuta esta mas "zumbao" que yo. Dice que en mi caso, la terapia cognitiva-conductual para mi no sirve, tiene que ser una solución más radical. Así que me ha recetado que me descargue una aplicación en el móvil llamada 'Pokemon Go' y que me vaya a la calle a cazar Pikachus. Dice que así olvidaré 'Dioses de Egipto'. El caso es que cuando voy por la calle, me canso de cazar muñecos virtuales y me despisto. Cuando veo una rubia por la calle, o una morena, me da por tirar el puto móvil e invitar a un té a las chicas guapas que veo. Si ya lo se, soy raro, pero es que no veo la puta gracia a cazar los malditos pokemon. Claro y el terapeuta me pregunta que si solo tomo el té, y yo le digo: no hombre no, también tomamos pastas, de té, claro. Total que deje la terapia y me apunté a yoga.

Postdata 4 y última: Mi profesor de yoga dice, que tiene la solución al trauma de la película reseñada. Dice que  solo se quita viendo otra que sea mejor e inolvidable. Me ha recomendado una película de una actriz muy guapa. Dice que se llama Ingrid Bergman (me suena que formó parte del melodioso grupo 'Spice Girls', ¿no?), el actor principal es Humphrey Bogart, este si me suena más, creo que en la reciente y sublime película estrenada 'Escuadrón suicida' (Suicide Squad) tiene un papel destacado, el dato esta por confirmar. Así que nada, me dispondré a ver esta rareza y ya os contaré que tal, Aunque con el título que me ha dicho mi profesor de yoga, dudo que haya triunfado. Se trata de 'Casablanca'...

Autocine en Madrid, autocines en el mundo

Autocine: Recinto al aire libre donde se proyecta una película que se puede seguir desde dentro del automóvil. Esta es la definición que da el diccionario de la Real Academia Española para referirse a este modelo de visionado de cine que viene siendo una alternativa curiosa a la sala de cine tradicional. Idea importada made in U.S.A.

Esta entrada la quiero enmarcar en la sección de curiosidades del cine en este blog. Viene a colación por la próxima apertura prevista para el mes de septiembre de un autocine en la ciudad de Madrid. El proyecto está promovido por cuatro jóvenes emprendedores que van a hacer su apuesta por este modelo que tantas veces hemos visto en las películas estadounidenses. Cristina Porta, Tamara Istambul, Javier Fernández, y David Alsina son los responsables de este proyecto.

Un poco de historia: El primer autocine a nivel mundial se inauguró en la ciudad de Camdem, en Nueva Jersey, el 6 de junio de 1933. La idea fue patentada por Richard Hollingshead, J.R y la primera película emitida fue la comedia británica " Two White Arms" a la que asistieron 600 espectadores. Si bien hay que decir que también era posible asistir sin la necesidad de llevar automóvil.

Pero sin duda alguna fue en la década de los 50 cuando la idea tomó auge. En ese periodo histórico hubo más de 4000 autocines a lo largo y ancho de la geografía estadounidense. Esta forma de ver cine se consideró en su momento parte de la cultura norteamericana. Desde luego se adaptaba como un guante a la personalidad de una parte de la población al más puro estilo: "American Way of Life".

Autocine en Camdem

Como en casi toda novedad, después de este auge, llegó la posterior decadencia de esta manera de tan curiosa de ver cine. Aún así, todavía quedan alrededor de 400 autocines en Estados Unidos. Nostalgia, curiosidad y diversión son las motivaciones principales del espectador actual. También rememorar tantas y tantas películas de Hollywood donde se rodaron multitud de escenas en la que aparecían los susodichos recintos que tanto han dado que hablar.

Aunque el autocine se extendió por diversos lugares del planeta, quizás, fuera de Estados Unidos el país donde más caló esta idea fue en México. Allí los precios relativamente accesibles hicieron que bastantes familias mexicanas pudieran disfrutar de esta diversión emulando a sus vecinos norteamericanos. Conviene recordar que en este país hay una extensa cultura cinematográfica y que también tuvo su edad dorada del cine.

La decadencia de los autocines no solo fue debida a que dejaron de ser una novedad. La aparición de otros medios de entretenimiento, más el encarecimiento del suelo que tuvo lugar durante las décadas de los 60 y 70, también tuvieron una clara influencia en su declive.  En la actualidad en la ciudad de México, cuentan con un autocine que aprovecha las vistas de la ciudad para servir como reclamo. Tal vez sea una fuente de inspiración, de la que bebieron estos jóvenes emprendedores para impulsar el proyecto que da pie a este texto.

Ilustración del próximo autocine de Madrd

Después de estos breves apuntes históricos, me gustaría proporcionar la información de servicio que nos ayudará a comprender mejor el funcionamiento de estos curiosos recintos. El autocine de Madrid contará con una superficie de 25000 metros cuadrados y tendrá una capacidad para 350 vehículos y una zona de butacas para el verano. La pantalla tendrá un tamaño gigante de 250 metros y la proyección sera en sistema digital. El sonido de la película llegará a través de emisora de radio FM que podrá ser sintonizada en la propia radio del coche.

También contará con un servicio de restauración al estilo americano de los años 50 en una zona gastronómica conocida como "food trucks". Ádemás el autocine contará con distintos servicios necesarios que complementarán esta zona de ocio. Como "fondo de pantalla" podremos contemplar el nuevo "skyline" de la ciudad de Madrid. Además de los estrenos de actualidad, tienen previsto revisitar algunos clásicos del séptimo arte. Particularmente en España existen algunos autocines en la zona de Levante (Valencia, Denia y Alicante) y en la zona norte peninsular (Gijón, Getxo).

Zona de recreo del futuro autocine 

En definitiva y desde mi opinión personal, cualquier método que sirva de forma vehicular (y nunca mejor dicho) para introducirnos en la cultura popular del cine siempre debe ser bienvenido. En los tiempos que corren de crisis económica y de incertidumbre mundial yo solo puedo aportar mi pequeño granito de arena. Mi intención es divulgar cualquier iniciativa que suponga una apuesta por llevar el cine a un nuevo segmento de población que quizás de otra manera no se hubiera interesado en acercarse al maravilloso mundo del cine. Desde aquí, solo me cabe desear mucha suerte a este grupo de personas en tan personal e ilusionante proyecto. http://www.autocinesmadrid.es/

Infierno Azul (The Shallows)

¿Existe el género cinematográfico de tiburones? Bueno exista o no, esta es la premisa que nos encontramos en esta película. Es una nueva vuelta de tuerca al "cine escualo" donde el malo de la película es un malvado tiburón que se quiere zampar a la rubia de turno.

Nancy es una joven estudiante de medicina que decide tomarse unos días de vacaciones en una apartada playa de México. Allí desatará su pasión el surf. Lo que en principio iban a ser unos momentos idílicos se convierten en un infierno. La joven se queda atrapada en unos rocas a escasos 180 metros de la orilla y en la zona de alimentación de un enorme tiburón blanco. Sola y sin ayuda, tendrá que afrontar la experiencia mas dura de su vida para intentar conseguir su supervivencia. Su ingenio y determinación se pondrán a prueba.

Jaume Collet-Serra, el taquillero director español afincado en Estados Unidos, se pone a los mandos de esta producción para intentar triunfar en la taquilla de los cines americanos. En todo caso no deja de ser un film plenamente comercial aprovechando el verano boreal y los días de playa por venir. Cine de aventuras en el mar que bebe de otras muchas fuentes. Existen referencias a la ya clásica 'Tiburón' de Steven Spielberg y recordándonos también a 'Náufrago' de Robert Zemeckis. En Infierno Azul se sustituye la famosa pelota con la que hablaba Tom Hanks por una gaviota herida que hace compañía a Nancy en su particular naufragio.

Infierno Azul es un intento de epopeya marina de irregular resultado. El director por darle un cierto formato de videoclip apoyado en algunas novedosas imágenes que utilizan las videollamadas por teléfono móvil como hilo narrativo. Con ello nos da  a conocer el pasado de Nancy. Esta, después de haber sufrido un importante revés emocional en su vida, busca en la soledad y en la aventura superar una dura situación personal que dará un giro cuando se vea envuelta en una batalla por su propia supervivencia.

Es cierto que el ajustadísimo metraje de la película se siente acertado en esta ocasión. Sin llegar a la hora y media de rigor la trama no es redundante en exceso. Hay que tener en cuenta que la producción está sustentada en un solo personaje y los diálogos por lo tanto muchas veces se convierten en monólogos. A veces se utiliza en otras el recurso de la gaviota herida que servirá como interlocutora para así apreciar las evoluciones de la protagonista.

El resto de personajes son algunos oriundos del lugar pero con muy poco peso en la filmación. Algunas imágenes de las heridas que sufre Nancy tras uno de los ataques del tiburón están perfectamente conseguidas. Grandes efectos visuales que sustentan bien la propuesta. Ella misma tendrá que proceder a suturarse una de las heridas valiéndose de los pocos materiales que tiene a mano tras su naufragio particular en una cirugía casi documental.

La actriz Blake Lively alcanzó la notoriedad por su aparición destacada en la serie de televisión 'Gossip Girl' y aquí se nos muestra como una actriz ya en plena madurez profesional. Su estilo "Old Hollywood", más su correcta evolución interpretativa, ha hecho que Woody Allen haya contado con ella para su último proyecto de inminente estreno en Estados Unidos titulado 'Café Society'. Por otra parte, el excelente actor Oscar Jaenada (Cantinflas) tiene una pequeña aparición que sin embargo resultará determinante para el desarrollo de la acción.

Además de los efectos especiales ya reseñados, lo mejor de esta producción esta bajo mi punto de vista en la extraordinaria utilización de la fotografía por parte del director de la misma. El encargado de la misión es el donostiarra Flavio Martínez Labiano que da una verdadera lección en la utilización de la gama cromática.

En conclusión, nos encontramos ante una propuesta con aromas de serie B con más continente que contenido, pero que trata de profundizar en el desafío humano por la supervivencia. Para los amantes del cine de aventuras con ciertos toques de suspense puede pasar la prueba de una tarde veraniega. Jaume Collet-Serra es honesto y ha pensando en realizar un producto para divertir...

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jaume Collet-Serra.

Reparto: Black Lively, Oscar Jaenada,
Brett Cullen, Sedonia Legge.

Música: Marco Beltrami.

Fotografía: Flavio Martinez Laviano.

Guión: Anthony Jaswinski.

Estreno U.S.A: 24/06/2016.

Estreno España y México: 15/07/16.

Mi amigo el gigante (THE BGF)

Cine de autor. Steven Spielberg vuelve a ser un niño y saca lo mejor de sí mismo impartiendo una magistral lección con el mejor aroma del cine clásico de todos los tiempos. Grandísima obra que sin embargo, en tiempo de superhéroes y de determinado cine basura, me temo que no tendrá toda la repercusión que debería obtener. En otra época, hablaríamos del nacimiento de un clásico para la historia. Hoy en día ese honor esta reservado para superproducciones que son puro artificio del tipo Spiderman 12 o Batman 28, es decir secuelas de las precuelas o todo lo contrario, yo me perdí en X-Men 17...

Érase una vez una niña que vivía en un orfanato de Londres. Una noche al mirar por la ventana observa cómo un gigante camina por la ciudad. Al verse sorprendido, el extraño ser secuestra a la niña y la lleva consigo hasta el país de los gigantes. Allí entablan una entrañable amistad. Allí la niña se percata de que en realidad es un gigante bonachón y un incomprendido entre sus compañeros. Correrán grandes aventuras y conseguirán implicar hasta a la reina de Inglaterra en un plan para salvar a los niños de los malvados gigantes.

La cinta está basada en el libro 'El gran gigante bonachón' del exitoso escritor británico Roald Dahl. Este autor fue uno de los magos de la literatura infantil y juvenil (Matilda, Charlie y la fábrica de chocolate, Las brujas). Esta vez Spielberg vuelve a contar con Melissa Mathison, la guionista de 'E.T el extraterrestre', para adaptar el guión de la obra original. Y de nuevo los aires de aquella mítica película vuelven a aparecer en escena. Observamos el típico el rol de niña conoce a "monstruo" y entablan amistad. Es decir, género dentro del género infantil que tan buenos resultados artísticos viene cosechando en las últimas décadas. Dulce despedida de Melissa Mathison.

El formato de cuento en el cual está narrado 'Mi amigo el gigante', hace que sea una obra universal que hubiera tenido validez hace cincuenta años y la tendrá dentro de otros cincuenta años más. De ahí que me permita comentar lo intemporal y el clasicismo de esta historia que en definitiva es lo que más le gusta a un niño. Por lo tanto aquel que haya leído el libro o visto la película tendrá una bonita historia para contar o para soñar con ella. 

Y de sueños literalmente es de lo que trata la propuesta. No obstante el gigante dedica su vida a ser un cazador de los mismos. El árbol de los sueños es el lugar onírico donde los captura y luego los sopla con su magia a los habitantes de la ciudad. Las pesadillas las reserva para momentos de urgencia. Todos tenemos sueños, algunos ya están rotos, otros vendrán a buscarnos, pero él llama a esto la obra de su vida, su legado.

Y como no, otra de las temáticas tratadas es la amistad. Amigos intergeneracionales, amigos interesados, amigos desinteresados, amigos en lo bueno y amigos en lo malo son las distintas cargas de profundidad que apreciamos en una segunda lectura de la historia. Siendo este concepto de la amistad una de las motivaciones más destacadas en la filmografía de Steven Spielberg.

Mark Rylance, ganador del Oscar de la Academia de Hollywood este mismo año por su excelente papel en 'El puente de los espías' también de Spielberg, es el encargado de dar vida al gigante bonachón. Sin duda uno de los descubrimientos del año. En el encuentro que tiene con la reina de Inglaterra despliega todos sus matices interpretativos con gran acierto. Por cierto, pequeñísimo pero agradable papel de Rebeca Hall como ayudante de la Reina.

Mención especial merece el debut de la niña británica Ruby Barnhill en el papel de Sofía. Una cría que es todo un prodigio, y que a sus once años trata de tú a tú a actores con una carrera ya consagrada. Lo cierto es que la naturalidad de los niños en pantalla hace que al final se muestren tal y como son. Los efectos visuales mediante técnicas CGI son magníficos, aunque eso era de esperar. La música a cargo de John Williams es una autentica sinfonía y se me antoja como una banda sonora para adquirir casi de urgencia.

Sin embargo, la pieza musical final para cerrar la producción se muestra algo tenebrosa y desacertada al igual que los títulos de crédito de cierre que son secos, fríos y asépticos dejando cierta sensación agridulce que no concuerdan con el resto de la cinta. En todo caso, estaríamos hablando de un mal marco para un estupendo lienzo. Mi conclusión final, me lleva a pensar que estamos ante el mejor Spielberg en una vuelta a sus orígenes buscando la magia en el cine. Quizás en otra época esta película hubiera embelesado a los grandes públicos, pero hoy en día me temo que irónicamente pasará a ser cine relativamente minoritario. Hoy por hoy, el cine clásico, está absurdamente en las antípodas de la demanda del espectador relativamente joven que es el que más acude a las salas según las estadísticas. En cualquier caso, Mi amigo el gigante es una gran adaptación literaria con el sello idealista marca de la casa.

 Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Steven Spielberg.

Reparto: Mark Rylance, Ruby Barnhill,

Rebeca Hall, Penelope Wilton.

Música: Jhon Williams.

Fotografía: Janusz Kaminski.

Guión adaptado: Melissa Mathisson.

Estreno EEUU: 1/7/2016.

Estreno España: 8/7/2016.

Demolition

Cine para adultos y no erótico precisamente. Demolition es un poema visual sobre la pérdida. La vanguardia en el cine está en hacer propuestas atrevidas, duras y descarnadas como esta. Si queremos saber lo que es el dolor inesperado y sobrevenido, asomémonos a esta ventana En ella, veremos que no todos los viajes son bellos y alegres. Este tour emocional nos habla de nuestro interior, representando con ello todas las contradicciones del ser humano. 

La historia: Davis es un exitoso ejecutivo con una vida aparentemente ideal. Una mañana, sufre un accidente de tráfico junto a su esposa que es la que conducía el coche en ese momento. Ella recibe el impacto principal muriendo como consecuencia del brutal golpe. A partir de ese momento es cuando empieza esta historia que nos habla de la reparación del daño sobrevenido y como reconstruir una vida. Un niño y su madre, a los cuales conoce tras el luctuoso suceso, ayudarán a Davis aentender su pasado y su futuro, pero la demolición será inevitable, será necesaria.

La crítica: Podríamos entender la película como una realidad, o como una metáfora sobre los cambios inesperados. Su director, el canadiense Jean-Marc Vallée (Dallas Buyers Club) y de la mano de un gran guión de Bryan Sipe, nos sorprende gratamente con un retrato intimista y a veces radical de la condición humana. La exuberancia de las emociones complejas en algún momento suenan desbordantes, pero todas las piezas del engranaje mental de su protagonista comienzan a cuadrar cuando comprende lo que sentía y lo que siente ahora hacia su mujer.

Mirada perdida

La paradoja del marido consiste en que realmente no siente dolor ante la pérdida de su mujer o si lo siente, no sabe como canalizarlo. Para él, es un martirio no sentir el dolor que se supone debería sentir ante un suceso de tal magnitud. El propio hecho de no poder llorarla y empaparse con su recuerdo es lo que le esta destruyendo. Para ello, emprenderá una reconstrucción de su vida y específicamente del hogar conyugal. Ahí la demolición sera literal y tendrá ciertos toques de buen humor ácido.

Romper para empezar, llorar para seguir. De esto es básicamente de lo que nos habla esta propuesta que por momentos se presenta en una atmósfera original y perturbadora. Desde luego, si hubiera que poner algún pero o crítica constructiva, la cinta no sería la mejor opción para los detractores de las producciones dramáticas o tramas un tanto interiores; por el contrario, será una lección de aprendizaje para personas maduras e interesadas en la condición humana. Al final habrá esperanza.

De la parte final no puedo desvelar casi nada como es natural, pero si diré que contendrá emociones muy potentes que giraran sobre el perdón hacia uno mismo. La aparición de nuevos elementos del pasado resultarán bastante sorprendentes y nuevamente inesperados. La compañía de Karen y su hijo Chris, a los cuales se acerca tras el luctuoso suceso, le ayudarán a afrontar la travesía del desierto en forma de auto-curación ante el drama vivido. 

Esperanza, ilusión....

Jake Gyllenhaal (Brokeback Mountain) probablemente tiene el personaje más complejo de toda su carrera y lo resuelve notablemente. Matices y miradas difíciles de olvidar de actor en plena madurez. Naomi Watts (21 gramos) es una actriz extraordinaria y lo demuestra una vez más. Sus dos nominaciones al Oscar saben a poco, y su talento merecería mayor reconocimiento. En su papel en 'Demolition' ayudará a Davis a superar el duelo mediante la amistad y la semilla de un romance. Destacar la aparición de Chris Cooper en el papel de suegro y jefe de Davis. La relación con el marido de su hija, tras la desaparición de esta, se va envenenando y Cooper cumple a la perfección con el papel de duro en el que está algo encasillado.

Los aspectos técnicos están resueltos con corrección: montaje, música y dirección de arte se resuelven con asepsia. La fotografía si destaca dando un aire realista a toda la filmación. Recapitulando, lo más destacable de la producción es la credibilidad que tiene toda la trama. No hay artificios, y te olvidas que estas viendo una película. No obstante, no es una cinta fácil. Gustará o no gustará. No habrá medianías. Como he dicho en alguna ocasión: "No eres tú el que eliges a las películas, en realidad son ellas las que te escogen a ti".

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jean-Marc Vallèe.

Reparto: Jake Gyllenhaal, Naomi Watts,

Chris Cooper, Polly Draper, Ben Cole.

Guion: Bryan Sipe.

Fotografía: Yves Bélenger.

Estreno U.S.A: 8/4/16.

Estreno España: 1/7/16

Un Hombre De Altura

Las delicias turcas son unos pequeños bocados de placer repostero de un dulzor exquisito. En un 'Hombre de altura' básicamente es lo que nos encontramos. Es decir, unas pequeñas píldoras de placer cinéfilo servidas con esmero desde el país galo.

La historia: Diane es una brillante y atractiva abogada que pierde su móvil en una distracción. Ella recibe la llamada de un hombre encantador que le pone como condición para recuperar el teléfono que tenga una cita con él. Después de varias conversaciones y resultando ser él amable, simpático y gracioso, deciden tener una cita. La sorpresa para ella se producirá cuando le conozca y compruebe que que solo mide 1 metro y 36 centímetros...

La crítica: La película es un remake de la argentina 'Corazón de León' de Marcos Carnevale que estaba interpretada magistralmente por el actor argentino Guillermo Francella. Fue un éxito en su país y ahora el director francés Laurent Tirard (Astérix y Obélix), decide darle su particular visión que en realidad no difiere mucho de la obra original. Mezclas peculiares en el cine sin pasar por Hollywood. Anteriormente reseñábamos la española 'Kiki, el amor se hace' que era un revisión de una cinta australiana. Francia, Argentina, España y Australia sin pasar por EEUU. Otro asunto sería la conveniencia del remake.

La primera cita: la cara de Diane es todo un poema en una situación muy graciosa por lo inesperado del físico de Alexandre. Disimulos, sonrojos y todo tipo de gestos que dicen más que mil palabras. Los espectadores disfrutando claro.

La primera reflexión que deja el film es la influencia del aspecto físico en cualquier ámbito de la vida. Si además, esto ocurre a la hora de emprender una relación amorosa, esta influencia se multiplica por mucho que la corrección política nos haga a veces decir lo contrario. La realidad a veces es terca y tozuda.

Lo que si hace de la película una comedia muy agradable, es la sutileza y el vuelo suave que aborda el guión sobre este tipo de historias. Un gran planteamiento desarrollado con facilidad y muy digerible para todo el mundo. Al final por encima de los centímetros de los protagonistas, hablamos de una historia de amor pero dando una visión de lo limitante que puede ser la altura para un adulto. Y aunque en este caso el creador de la historia hace hincapié solamente en los problemas de crecimiento de algunas personas, también podría servir de ejemplo para otras discapacidades auditivas. visuales o psicológicas por poner solo algunos ejemplos. El mensaje final totaliza la integración de las distintas discapacidades físicas o intelectuales en su interrelación con el mundo que nos ha tocado vivir.

Las interpretaciones son otro dulce envuelto en dos grandes actores que hacen una gran pareja a pesar de la diferencia de altura. Alexandre es interpretado por el ganador del Oscar por la película 'The Artist', Jean Dujardin. Este se desenvuelve perfectamente en un papel un tanto complicado al tener que trabajar mediante un croma para así reducir la altura, pues su estatura es normal. Virginie Efira interpreta magistralmente a la abogada Diane y llena la pantalla en cada una de sus apariciones. La actriz francesa está brillante.

Los efectos especiales también forman parte destacada de la producción. El trabajo es arduo pues se trata de rebajar en pantalla a un actor cincuenta centímetros de golpe y proporcionarlos al resto del cuerpo. Además hay que unirlo en pantalla con los otros actores y el resultado es sobresalientes. Los demás aspectos técnicos como son la  fotografía, la música y la dirección de arte están muy cuidados.

En conclusión, nos encontramos con una caja de bombones siempre que no hayamos visto la película predecesora. Si esto fura así el factor sorpresa quedará difuminado y la película puede defraudar. Si por el contrario, es la primera vez que hemos oído hablar de esta historia la experiencia será altamente agradable. Sobre todo para los amantes del género de la comedia romántica. En cualquier caso, será una experiencia positiva por la elegancia de la producción.

Nota: 8/10.

Titulo original: Un Homme á la hauteur.

Nacionalidad: Francia.

Director: Laurent Tirard.

Reparto: Jean Dujardin, Virginie Efira,
Cedric Kahn, Myriam Tekaia, Elea Clair.

Fotofrafía: Jerome Almeras.

Guión: Marcos Carnevale.

Estreno Francia: 4 de mayo de 2016.

Estreno en España: 22 de Junio 2016.

Buscando a Dory

¡Festival de imagen, sonido y mundo Disney! Espectacular comunión que la querida factoría de los sueños ha logrado con la productora Pixar. Pocas uniones en el cine han sido tan fructíferas. En pocas palabras, una suma del mejor talento puesto a disposición del espectador para dar paso a la secuela de 'Buscando a Nemo'. Y es que la antecesora de la película hoy reseñada fue una obra maestra indiscutible. El filme marcó una nueva manera de hacer cine animado realmente para todos los públicos.  Buscando a Dory sale bien parada de su arriesgada apuesta. ¡Enhorabuena! El cine de animación sigue vivo.

Una vez encontrado Nemo y reunido con su padre, ahora es la entrañable Dory la que en un momento de lucidez y a pesar de sus graves problemas de memoria, recuerda que es ella la que está extraviada de sus padres. Entonces a la inversa que en la primera parte con Nemo, esta vez es la hija la que intenta por todos los medios encontrarles a ellos. Contará con la inestimable ayuda del experto Nemo y de su querido padre. Los amigos marinos se unirán de nuevo para intentar dar con el paradero de los padres de la simpática y olvidadiza Dory. Aventuras en el mar.

Pero la pregunta inicial es la siguiente ¿Era necesario hacer una secuela de una película tan buena? ¿Tendría sentido hacer una segunda parte de 'Casablanca', 'Centauros del desierto' o 'Blancanieves'? Más preguntas que respuestas pues cada uno tendrá su propia opinión y todas serán válidas. El caso es que el plato está servido, bien condimentando y dejará las arcas de la compañía a rebosar. Evidentemente y reconociendo el talento de la producción, el factor sorpresa que supuso 'Buscando a Nemo' ya está diluido.

En esta ocasión el mensaje de la cinta es inverso al de su antecesora. Si entonces la idea era hacernos ver el amor paterno y su sacrificio hacia los hijos, en esta nueva propuesta de lo que se trata es de resaltar el amor incondicional de los buenos hijos hacia los padres. Dory y su incansable búsqueda a través de los océanos representa la identificación con unas costumbres, unos lugares y una forma de vivir.

Además, es un nuevo canto a la amistad en la que la reciprocidad de Nemo y su padre, no sólo se divisa como un agradecimiento a los servicios prestados por Dory, sino que surge de forma natural. a

El humor y la memoria de pez de Dory, nunca mejor dicho, es la argumentación por donde se mueven las aguas de la cinta. La perseverancia y el esfuerzo son otros de los valores que nos acompañan. resultando la película conservadora y continuista con la primera parte. Disney juega a continuar un clásico con más clasicismo. Es decir, busca asegurar un buen resultado y lo cierto es que consigue su propósito.

Técnicamente y de la mano de la productora Pixar, 'Buscando a Dory' es sobresaliente. La animación CGI es espectacular sumergiéndonos en una pecera de colores inolvidables. Nos encontramos ante un hiperrealismo en estado puro. En la parte final, y cuando entran los humanos en acción (sobre todo en las escenas de persecuciones de vehículos), confundimos incluso animación con filmación real.

La música es una seña de identidad de Disney y aunque en esta ocasión no nos encontramos con números musicales, la banda sonora es bastante acertada. Habría que incluir en este apartado un guiño evocador al maestro Louis Armstrong, así como unos títulos de crédito bellamente diseñados y con sorpresa final. Habrá que esperar casi a que la sala este vacía para una última pequeña sorpresa al final de dichos títulos.

En conclusión, apuesta segura de Disney sin salirse apenas del guión con unos personajes bien construidos y bien diseñados. En su debe cabe destacar la no asunción de riesgos narrativos. El público adulto decidirá en la parte que le toca si fue un acierto sacar de nuevo a navegar a estos entrañables pececillos. Los niños disfrutarán con estas nuevas aventuras. Ambos públicos y sin entrar en comparaciones con la primera parte, disfrutarán con la nueva propuesta de Disney para esta temporada.

Nota: 8/10.

Titulo original: Finding Dory.

Nacionalidad: EEUU.

Duración: 95 minutos.

Estreno Estados Unidos: 17 de Junio.

Estreno España: 22 de Junio.