martes, 11 de octubre de 2022

Cerdita: pueblo pequeño, infierno grande


Cerdita dirigida por Carlota Pereda se estrena en cines españoles el próximo día 14 de octubre. La coproducción hispano - francesa tuvo el honor de tener su premiere internacional en el Festival de Sundance y ha llegado hasta el Festival de Sitges 2022 con una enorme expectación. 

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La historia: No a todo el mundo le gusta el verano. Para Sara solo significa tener que soportar los juicios, las burlas y el acoso diario de las chicas de su pueblo. Su único refugio es la piscina a la hora de la siesta, con el pueblo muerto a la hora de más calor, cuando puede estar sola, en paz. O eso quiere creer. Pero todo cambiará cuando un desconocido llegue al pueblo y secuestre a sus acosadoras ante la mirada perpleja de la propia joven. 


La crítica: Con guion original de la propia Carlota Pereda y rodada en Extremadura, la película está inspirada en el corto homónimo que obtuvo un gran éxito dentro y fuera de nuestras fronteras. Cerdita es un thriller de género lleno de tensión, venganza, miedo y polvo que se acerca al cine terror de una forma original sin clichés, sin sustos gratuitos y enmarcado en una narrativa marcada por el suspense que consigue mantener en vilo al espectador en sus 90 minutos. 

La cinta, enmarcada en el noir rural ibérico, nos habla sobre la tortura psicológica o bullying que sufre Sara y que no acaba cuando ésta llega a casa. Hoy en día y a través de las redes sociales este tipo de acoso puede llegar a ser infinito en el tiempo. Se requieren medidas urgentes por parte de los poderes públicos para acabar con esta lacra y esto solo puede suceder con el endurecimiento de los castigos penales y económicos contra los acosadores o en su caso contra los padres de los mismos. 

En Cerdita, un misterioso desconocido llega al pueblo y secuestra a sus acosadoras. Por fin alguien la ha defendido aunque pronto las cosa se le va de las manos. Sara lo ve todo: la sangre, el barro, el cuchillo, la furgoneta en la que se las ha llevado. Y el desconocido la ha visto a ella. Un pacto sin palabras: no se van a traicionar. Ahora es cómplice. Una serie de sucesos sacuden al pueblo, y pronto empieza la investigación. La guardia civil hace muchas preguntas, la gente del pueblo sospecha y acusa mientras las ancianas cuchichean. Y lo que es peor: el desconocido ronda a Sara, atento a todos sus movimientos. El calor es sofocante, la presión la ahoga y la culpa la atormenta. Solo ella puede salvar a las chicas, pero... ¿lo hará?


Laura Galán es una actriz estupenda. Realiza una gran interpretación del personaje de Sara y se postula como una de las posibles nominadas al Goya a mejor actriz revelación. Su personaje es solitario, inseguro y callado. Ella pasa el verano enganchada al teléfono y ayudando a su padre en la carnicería familiar. Su único momento de felicidad es cuando baja a la piscina natural, mientras el pueblo duerme la siesta. Lástima que allí encuentre a su peor pesadilla. Nadie llama a Sara por su nombre: las otras adolescentes para burlarse de su obesidad la llaman cerda o cerdita. Pueblo pequeño, infierno grande.

Richard Holmes interpreta con solvencia al inquieto secuestrador. El vengador. ¿Un ángel del karma o un psicópata? Un lobo. El auténtico outsider. El lado oscuro de nuestras pulsiones y un personaje muy bien creado con el que la cineasta juega con el espectador como si este fuera una marioneta. En el mejor sentido de este término. Incluso logra por momentos que te identifiques con él.

Carmen Machi realiza una buena interpretación como la madre de Sara. Trabaja en la carnicería y en la casa. Agotamiento, dolores crónicos y falta de sueño. Cansada de no llegar a fin de mes y de no tener ocio. Ella, como toda madre, quiere lo mejor para su hija pero tener una hija adolescente es enfrentarse a un misterio insondable aún no resuelto por la ciencia. Un personaje ambivalente que tendrá algunas claves importantes. 

El resto del reparto coral está formado por un buen elenco que cubren con firmeza a los personajes que pululan por el pueblo. Rodada en Villanueva de la Vera con una excelente dirección de fotografía por parte de Rita Noriega que se toma la molestia de saber iluminar las tomas nocturnas dando una lección a aquellos que confunden los planos oscuros o ciegos para crear suspense. La luminosidad del verano extremeño es también retratado de manera bella sin menoscabar el misterio. 


Cerdita es un alegato contra el acoso pero sobre todo es una buena película. Con algunas secuencias de fuerte violencia y un inteligente cierre circular, Carlota Pereda nos regala una ópera prima de primer nivel que nos habla sobre como el cine no puede cambiar el mundo, pero sí te ofrece la oportunidad de ver la vida desde otra perspectiva. La cinta es una oda a lo diferente en todos los sentidos. También en lo moral. Sara no es delgada, no es simpática, no es sexy. Pero es humana y, en su humanidad, consigue aceptarse y ser libre. En definitiva, la cinta viene para quedarse. Su originalidad es su mayor valor. Viene a dejarnos su huella y a cambiar las reglas del juego del cine de terror (e incluso del cine social) y se une a esta nueva ola de denuncia en el cine pero tratado desde el punto de vista del thriller, el suspense y el mismo terror que inspira nuestra sociedad.

Nota: 8/10. 

P.D. El día 11 de octubre, visitaron @El_Hormiguero las protagonistas de #CerditaLaPelícula. Carmen Machi y @lauragalanm se divirtieron en el programa charlando sobre la impactante ópera prima de @Carlota_Pereda.


Nacionalidad: España-Francia

Dirección: Carlota Pereda

Guion: Carlota Pereda

Música: Olivier Arson

Fotografía: Rita Noriega

Duración: 90 minutos

Reparto: Laura Galán, Claudia Salas,
Camille Aguilar, Pilar Castro,
Carmen Machi, José Pastor,
Chema del Barco, Richard Holmes

domingo, 7 de marzo de 2021

Minari. Historia de mi familia: delicado viaje en busca del sueño americano

 
Minari. Historia de mi familia dirigida por Lee Isaac Chung se estrena en cines españoles el próximo día 12 de marzo. La película, producida por Brad Pitt, se convirtió en la gran triunfadora de la pasada edición del Festival de Sundance donde ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público.

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La historia: A mediados de los 80, una familia coreano-estadounidense se muda a una pequeña granja de Arkansas en busca del sueño americano. Vista a través de los ojos de un niño de siete años la historia profundiza en las relaciones familiares y en los conflictos emocionales que todo cambio de vida conlleva. El viaje en busca de la prosperidad será la piedra de toque para un matrimonio en plena crisis existencial. 


La crítica: Titulada con el nombre de una hierba coreana para cocinar, Minari, es una oda tierna, divertida y evocativa sobre cómo una generación de una familia lo arriesga todo para establecer los sueños de la siguiente generación. La cinta se despliega con toda la intensidad de una memoria vívida. Aunque en una primera impresión la película parezca una historia conocida —la historia de unos inmigrantes que intentan su propio Sueño Americano—, el director Lee Isaac Chung aplica un enfoque nuevo y revelador. En la médula del film cohabitan detallados recuerdos de familia a un tiempo potentes, alegres y cándidos que contribuyen a un relato más grande: el impacto del viaje de una generación nueva de jóvenes americanos que se preguntan cuál es su lugar en el mundo.

La historia es sencilla al igual que su delicada narrativa. Todo empieza cuando en la América de la década de los ochenta Jacob, un coreano recientemente llegado, se lleva su familia de California a Arkansas, decidido a forjarse una sólida independencia como granjero, aunque el terreno sufra de falta de agua. Si bien Jacob contempla Arkansas como tierra de oportunidades, el resto de su familia está agobiada por este movimiento tan inesperado hacia una nueva vida en un pedazo de tierra perdido en mitad de la nada. El espectador contempla de manera hipnótica un viaje que se tambalea en el hilo de la derrota. 

Sin embargo, serán dos miembros impensados de la familia, cada uno a un extremo distinto del espectro, quienes comenzarán a forjar el nuevo sendero del clan: el indisciplinado David, de ojos bien abiertos y siete años de edad, y su abuela Soonja, igualmente desafiante, que acaba de llegar de Corea en avión. En medio de tamaño cambio, al principio chocan, pero pronto descubren los lazos imperfectos aunque mágicos que enraízan la familia con su pasado a medida que afrontan el futuro. La cadencia en la narración nos mece como espectadores integrándonos en la trama como un miembro más de la familia. Poco a poco deseamos conocer, estar, vivir o viajar hasta Arkansas con lo que el cine vuelve a cumplir su misión de ser un transportador de sueños a través de fotogramas en movimiento.


Protagonizada por Steven Yeun ("Burning", "The walking dead"), Yeri Han ("Niebla"), y el joven actor Alan Kim, junto a Will Patton ("Armageddon", "Mensajero del futuro") no podría destacar ninguna interpretación memorable. El reparto se muestra hierático sin mostrar demasiadas emociones con una contención exagerada y contrapuesta a las reglas de un buen melodrama como demuestra ser Minari

Toda esa calidez que falta por momentos, está contrarrestada con una preciosista puesta en escena en la que destacan los tonos pastel que actúan también como sujeto narrador. Toda esta paleta de colores nos acerca a una familia que se va reconvirtiendo en sureños de campo enfrentados a la fe, a la intolerancia, a la salvación y a sus propios defectos como familia. El cineasta que creció en Lincoln, Arkansas, en una pequeña granja de los montes Ozark, usa la experiencia vivida para dar calor a una película con matices autobiográficos a la vez que universales. 

En conclusión, Minari. Historia de mi familia me ha parecido una reconciliación con el buen cine de autor. La historia narrada posee una gran mezcla de tonos: divertidos, dulces, tristes, y esperanzadores en su génesis. En definitiva, la cinta explora cómo una familia atraviesa no sólo los muy específicos dilemas en el proceso de asimilación a la América rural, sino también cómo afronta cuestiones más amplias de humanidad básica: los vacíos que combatimos todos entre los vínculos familiares y la independencia, la fe y el escepticismo, a caballo entre el sentimiento de outsider y el anhelo de pertenencia. 

Nota: 8/10


Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Lee Isaac Chung 

Guion: Lee Isaac Chung 

Música: Emile Mosseri

Fotografía: Lachlan Milne

Duración: 115 minutos

Reparto: Steven Yeun, 
Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, 
Alan S. Kim, Noel Cho,
Will Patton, Scott Haze

viernes, 23 de noviembre de 2018

The Guilty: El thriller que ha puesto en pie al público del Festival de Sundance


Echarle la culpa de tus errores a tu naturaleza no cambia la naturaleza de tus errores. Tomas Harris.

La historia: Durante el turno de noche y en la centralita de emergencias donde desarrolla su labor el agente de policía Asger Holm (Jacob Cedergren), este recibe una llamada de una mujer aterrada que dice haber sido secuestrada por un hombre y que se encuentra a bordo de una furgoneta blanca. A raíz de este suceso, Asger tiene que movilizar, coordinar y pedir ayuda a todas las patrullas policiales de la zona, tranquilizar a la mujer retenida y lidiar con asuntos personales en una lucha contra el tiempo en la que cada segundo será decisivo para resolver la complicada situación.


La crítica: ¿Es posible hacer una película con prácticamente solo un personaje en pantalla, desarrollada en un solo espacio interior de unos 30 metros cuadrados y qué esta puede ser vibrante e incluso impactante por momentos? Pues con la cinta danesa reseñada hoy no queda duda de que además de posible, es una idea relativamente vanguardista, barata y que vuelve a poner al cine independiente como referencia de lo mejor que se está haciendo en la cinematografía europea.

Avalada por el Premio del Público del Sundance Festival de este 2018 y por las tres nominaciones a los European Film Awards, Dinamarca ha seleccionado a la estupenda ópera prima del joven cineasta Gustav Moller para luchar en la larga carrera de los Oscars de la Academia en la categoría de mejor filme en habla no inglesa. Y creo que por la buena acogida que está teniendo es seria candidata a estar al menos entre las cinco nominadas finales. Pero por encima de premios, que al final no son más que la consecuencia de una producción bien realizada (al menos en este caso), lo importante en The Guilty es que cumple con los principales mandamientos del cine que yo suelo resumir en uno solo: entretener sin entontecer. O dicho de otra manera; servir un producto que sea un buen espectáculo cinematográfico y que a la vez nos haga pensar o reflexionar sobre lo vivido en la sala de cine.

Volviendo un poco a la historia reflejada en la cinta, nos encontramos o me encuentro ante una crítica muy complicada de realizar pues cualquier dato que se revele más allá de la sinopsis redactada corre el peligro de reventar toda la argumentación. Por lo tanto, lo mejor es buscar los significantes de la película y que trata de expresar con su  desarrollo.

The Guilty nos habla de la soledad y del sentimiento de culpa reflejada en su personaje principal interpretado con rigor por Jacob Cedergren. A su vez estos sentimientos de culpa y soledad mencionados anteriormente se ven reflejados de una manera circunstancial en la mujer que le está llamando pidiendo ayuda y que es interpretada por Jessica Dinnage. Lo curioso de este personaje es que solo podemos escuchar su voz pues nunca llega a aparecer en pantalla.

La trama siempre va in crescendo y la angustia se incorpora al sentimiento del espectador transmitida por la desesperación del agente de policía que prácticamente solo con dos teléfonos y un ordenador tiene la misión de salvar la vida de su interlocutora. Además, tiene como misión averiguar si lo que le está contando la mujer al otro lado de la linea telefónica es cierto o puede estar cayendo en algún tipo de incoherencia.


Otra cosa que llama bastante la atención es que la película se desarrolla en tiempo real. Es decir, en los muy acertados 85 minutos de metraje (con esta idea de rodaje en espacios cerrados y un solo personaje en pantalla, extender la duración a más de 90 minutos hubiera sido un suicidio cinematográfico), nos encontramos como los acontecimientos se van sucediendo en esa hora y media crítica para todos los personajes. Por ello, no hay cortes temporales, flashbacks, o cualquier recurso cinematográfico que nos saque de la fuerte tensión en la que como espectadores nos vemos involucrados. En cierta manera, The Guilty nos recuerda a la película 'Última llamada' de Joel Schumaker de 2002 y en la que Collin Farrel se veía atrapado en un teléfono público de la ciudad de Nueva York y era amenazado por un francotirador si se movía del punto exacto en el que se hallaba.

En conclusión, The Guilty es ya uno de los thrillers más impactantes de este 2018.  El filme juega a través del rostro del agente de policía Asger Holm a sembrar la duda, la angustia o el pánico en el espectador. Como he escrito en otras ocasiones, el libreto consiste en hacer que el espectador lo pase realmente bien, pasándolo terriblemente mal. Es decir, puro suspense psicológico. En contra de la producción cabría advertir que la cinta podría causar algún tipo de sensación claustrofóbica al carecer de localizaciones exteriores. Pero en definitiva su inteligente corta duración, su valentía y un cierto mensaje redentorista final hacen del filme un muy notable debut de Gustav Moller en la dirección que le podría hacer volar del Sundance Festival a la alfombra roja de los Oscars.

Nota: 8/10.

Dirección: Gustav Moller.

Guión: Emil Nygaard.

Reparto: Jacob Cedergren,
Jessica Dinnage, Johan Olsen.

Fotografía: Jaspers Panning.

Duración: 85 minutos.

Estreno Dinamarca: 14/06/2018.

Estreno EE UU: 19/10/2018.

Estreno España: 23 de noviembre de 2018.




viernes, 21 de octubre de 2016

Verano en Brooklyn (Little Men)


La nieve y la adolescencia son los únicos problemas que desaparecen si los ignoras el tiempo suficiente.-Earl Wilson.

La historia: Jake es un joven de trece años que acaba de mudarse con sus padres a la casa que les dejó su abuelo en Brooklyn, Nueva York. La herencia también va acompañada de un local comercial que el abuelo de Jake alquiló a un precio muy por debajo del mercado a una inmigrante hispana. Mientras que el joven entabla una gran amistad con el hijo de la inquilina, el conflicto surge cuando los padres de Jake intentan renegociar el precio del alquiler. La amistad recién forjada entre los chicos se enfrentará a la disputa entre ambas familias y a los problemas propios de la difícil etapa adolescente.

La crítica: Ira Sachs, director de la vanguardista y fenomenal película 'El amor es extraño', vuelve a tocar el tema de las relaciones familiares con un toque de distinción que lo diferencia del resto. Utilizando una visión calmada, aunque un tanto premiosa, consigue llevarnos a su terreno siempre que estemos dispuestos a entrar en él. El filme es una singular muestra del cine independiente estadounidense que también existe y del que es referente el Festival de Sundance.

Volvemos a toparnos con el eterno y por lo visto irresoluble problema de las traducciones de los títulos en la cinematografía. Esta vez el equipo traductor le ha echado "un par" y de 'Little Men' (hombrecillos en este contexto), ha pasado a ser renombrada como 'Verano en Brooklyn' ??

Ternura

El tono de la historia está narrado con un lenguaje intimista en el cual podemos encontrar los múltiples matices que conllevan las relaciones paternofiliales en el marco de la adolescencia. El paso de la niñez a la edad adulta es una transición en que la incomprensión mutua nos evoca situaciones, que no por conocidas, dejan de ser interesantes por el eterno debate que suscitan.

Otra de las temáticas narradas en la filmación nos hace ver la difícil disyuntiva de tener o no que ejecutar una orden de desahucio ante la imposibilidad del impago por parte de un inquilino. De nuevo el cineasta opta por una visión neutral y enfrenta al espectador a ponerse en el lugar de las dos partes en conflicto. Con ello, nos impregna en un debate sobre el doble rasero hipócrita (que en algún momento todos hemos mantenido, pero cuando nos tocan la cartera la moral a veces queda en el olvido.

La sutileza expresiva del cineasta a veces se siente por encima de la propia historia. En el debe del filme americano cabe destacar su frio minimalismo narrativo ya que sucedenn pocas cosas durante el largometraje. Por eso mismo, se siente acertada la decisión de dejar la duración del mismo en ochenta y cinco minutos bien aprovechados. La cinta me trae muchos recuerdos al tipo de películas en las que te asomas a un trocito de la vida de una familia y cuando finaliza la proyección tienes la sensación que la historia continua a través del otro lado de la pantalla. Metafóricamente sería una cinta en movimiento. Es decir, la historia tiene un antes y un después. Por lo tanto, lo que apreciamos es una de las etapas de una familia con historia por detrás y otra por delante que ya queda a efectos de nuestra imaginación.

En primer plano Jennifer Ehle, actriz importante

El reparto está encabezado por los jóvenes debutantes Theo Taplitz (Jake) y por Michael Barbieri (Tony). Se establece una buena química entre ellos realzando con ello sus buenas interpretaciones. Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine) interpreta al padre de Jake y vuelve a demostrar una vez más su frialdad en escena. Un actor con demasiadas oportunidades ya, y que en mi opinión no está a la altura. Descubrimiento importante de la actriz Jennifer Ehle (Zero Dark Thirty) con una interpretación llena de naturalidad y buen gusto. Esperemos volverla a ver pronto en la gran pantalla. La actriz chilena Paulina García (premiada con el Oso de Plata del Festival de Berlín por 'Gloria') interpreta con esmero y acierto a la inquilina de la tienda familiar.

En los aspectos técnicos habría que destacar una hermosa fotografía retratando las singulares zonas de Brooklyn. Paseamos por los barrios de Sunset Park, Bay Ridje y Williamsburg como escenarios secundarios de una buena dirección artística. La banda sonora es de carácter preciosista cerrando la cinta con una pegadiza melodía.

En conclusión, nos encontramos con una película interesante, de autor y que retrata de una manera sencilla pero eficaz la cotidianidad de una familia. Quizás el ritmo algo plano de la historia no consiga ser emocionalmente eficaz. Por consiguiente, el director opta por no alargar demasiado la historia ajustando el metraje de una manera eficaz. En cualquier caso, este es un tipo de cine que es bienvenido a las carteleras por ofrecernos una visión contrapuesta a los habituales estrenos del cine más comercial.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Ira Sachs.

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri,
Greg Kinnear, Jennifer Elhe,
Paulina Garcia, Alfred Molina.

Música: Dickon Hinchliffe.

Fotografía: Óscar Durán.

Estreno EEUU: 5 de agosto.

Estreno Reino Unido: 23 de septiembre.

Estreno España: 21 de octubre.