domingo, 29 de enero de 2017

Ballerina


La historia: Felicia es una niña que vive en un orfanato de la Bretaña francesa desde que perdió a sus padres. Su sueño es convertirse en una gran bailarina y para ello decide escaparse de aquel lugar con la ayuda de su amigo Víctor. Su destino es París y su objetivo, ingresar como alumna en la Gran Opera House de la ciudad de la luz. Pero no todo será tan idílico como piensa, una vez llegada allí, se las tendrá que ingeniar para ser admitida y no desentonar con las demás niñas que ostentan una elevada posición social.

La crítica: Ballerina nace con vocación de recuperar el mejor aroma de los clásicos de la animación intemporales y con aires de cuento universal en la mejor linea de lo que quiso retratar el viejo Walt Disney en su visión del cine. La sorpresa es que la película no es de la casa del ratón Mickey, sino que es una coproducción franco canadiense al margen de los grandes estudios, dirigida por Eric Summer y Eric Warin. Alguna vez he comentado que una cinta que se pudiera haber visionado hace 50 años, en la actualidad o dentro de otros 50 años sin perder vigor, se puede calificar como un clásico vivo en la historia del cine. Independientemente de gustos personales, Ballerina consigue este propósito desde su presentación.

Para ponernos en situación hay que admitir que la cinta bebe de dos películas claramente. Es imposible no acordarse de 'Billy Elliot' al contemplar los sueños de Felicia en el mundo del baile y también nos acordaremos de la oscarizada 'Ratatouille' por la ambientación en París. En cualquier caso, este posicionamiento no menoscaba la propuesta, que lejos de resultar molesta a falsete de homenaje, encuentra el buen gusto en el uso de un buen lenguaje cinematográfico.


Dos huérfanos en busca de un sueño, este podría haber sido el título alternativo a la película, pues Víctor además de ayudar a Felicia a escapar del orfanato y acompañarla hasta la gran ciudad, también trata de conseguir su meta, que es convertirse en un gran inventor. Y de aquí parte la moraleja de la historia, que no es otra que no rendirse hasta conseguir los sueños por venir. En proponérselo está el principio del camino, quizás el trayecto sea lo más bonito, al fin y al cabo las metas logradas son la finalización de un proyecto, el tránsito es el verdadero sueño.

La cinta se presenta desde un punto de vista femenino muy necesario, y sin tener que recurrir a extravagancias innecesarias de heroínas impostadas, se reclama una feminización del mundo que nos rodea de una manera sutil y exquisitamente narrado. Además en una segunda lectura más reposada, deja algún mensaje importante sobre la igualdad de géneros.

Pero si por algo destaca la cinta es por su belleza visual y por la impresionante recreación histórica de la ciudad de París de 1879. En plena construcción de la Torre Eiffel y con los preparativos de la Exposición Universal de 1889, viajamos hasta el siglo XIX en un ambiente bohemio y realmente preciosista. La recreación de la Ópera de París, tanto en exteriores como en interiores es absolutamente sobresaliente, solo por este detalle ya vale la pena pagar una entrada de cine para salir satisfechos con la propuesta.


Solo encuentro una pega con la propuesta, y es que en la parte final el excesivo dulzor se pasa un poco de frenada. Respecto al público infantil, haríamos bien en enseñar a nuestros más pequeños que el cine es algo más que golpes y estruendos. En mi opinión, la enseñanza en valores igualitarios es un bien que el cine podría ayudar a cambiar, desterrando para ello roles que luego perduran en la memoria colectiva. El cine de animación en la actualidad guarda buenos ejemplos en este aspecto.

La música tan importante en las películas de animación esta realizada por el gran compositor alemán Klaus Badelt que trabajó en el equipo de 'Piratas del Caribe' y las voces originales de las canciones están interpretadas por Elle Fanning y Dane Mechan. Yo sería partidario de no traducir las canciones a los idiomas de los respectivos países, leer unos subtítulos tampoco puede hacer tanto daño, pero esa batalla la dejaremos para quien tenga potestad.

Mí conclusión es muy positiva tras visionar la propuesta que nos llega del país galo. Es una historia para disfrutar sin complejos y reconciliarse con el cine de animación para aquel que hubiera perdido la esperanza en el mismo. Un viaje en el tiempo hasta los sueños de nuestra niñez.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Francia, Canadá.
Dirección: Eric Summer y Eric Warin.
Guión: Eric Summer, Carol Noble.
Reparto (voces originales):  Elle Fanning,
Maddie Ziegler, Carley Rae Jepsen.
Música: Klaus Badelt.
Estreno Francia: 14 de diciembre de  2016.
Estreno México: 30 de diciembre de 2016.
Estreno España: 27 de enero de 2017.












jueves, 26 de enero de 2017

BILLY LYNN


La historia: Billy Lynn (Joe Alwyn) es un joven soldado de 19 años del ejercito estadounidense que regresa a casa tras sobrevivir a una feroz batalla en la guerra de Irak. Allí ha sido grabado mientras socorría a un sargento herido por los combatientes locales. Él y su escuadrón Bravo son recibidos como héroes nacionales en acto multitudinario a modo de propaganda nacional. Pronto en su entorno familiar y en el grupo humano de soldados, empiezan a emerger serias dudas sobre el papel que están desarrollando en la vuelta al país que los vio nacer.

La crítica: El triplemente oscarizado cineasta taiwanés Ang Lee (La vida de Pi), es el encargado de dirigir esta cinta basada en la novela homónima del escritor estadounidense Ben Fountain. Se encarga de adaptar el guión y de dotarlo de un aceptable lenguaje cinematográfico el graduado por Harvard y ensayista Jean-Christophe Castelli, que consigue crear un libreto del que destacan sus logrados flashback bélicos.

Pero el film es en sus silencios y en las miradas de su protagonista donde encuentra su verdadera esencia. En medio del banal espectaculo que organiza el Departamento de Defensa para subir la moral de la población tras el desastre de la guerra de Irak, es donde aparecen las contradicciones de los soldados y del mismo pueblo norteamericano. Una guerra absurda y estúpida que retrata con cierto distanciamiento Ang Lee, que aún sin entrar en confrontaciones políticas, deja sutilmente su mirada crítica sobre la misma.


Y de cómo es la vuelta al cálido hogar familiar tras los horrores de la guerra, es de lo que nos habla la propuesta presentada. La narrativa discierne con precisión, sobre como la sociedad a través de sus ejércitos, está enviando a casi niños aún, a matar o morir en los distintos conflictos armados que asolan nuestro planeta. Jóvenes de 18 o 19 años que pasan de jugar a las videoconsolas, a vivir situaciones que nadie y menos a esas edades está preparado para aguantar con la suficiente madurez emocional.

La película retrata con franqueza, algunas situaciones personales en las que 6000 dolares de prima, son la única razón que motivan a los soldados a emprender su alistamiento. Otros, sin embargo, lo hacen por defender a su país, comprando un discurso rancio apoyado por los poderes establecidos. El miedo a tener que volver al frente de batalla, está presente en la atmósfera de toda la historia y es el dilema que tendrá que solucionar el soldado Billy Lynn pues tendría la posibilidad de no regresar achacando estrés postraumático. 

La vivencia de una guerra en primera persona queda retratada como la experiencia más difícil en la vida de cualquier ser humano. Pocas cosas hay comparables, en las que una vida valga tan poco y matar pueda salir de alguna manera gratis a nivel de la justicia civil o militar. Pero las secuelas emocionales perdurarán por largo tiempo en estos niños de la guerra.

El bochornoso espectaculo a los que son sometidos los soldados en pleno día de acción de gracias en un estadio de fútbol americano es inenarrable. Tratados como simples marionetas al servicio del poder, el cineasta centra la acción en ese día y prácticamente en tiempo real, de ahí que el metraje de la cinta se le vaya de las manos hasta los excesivos 110 minutos que se sienten como demasiado reiterativos en el mensaje. La parte cálida de la historia deviene, cuando el joven soldado conoce a una animadora del estadio con la que surge el principio de un romance. Esta situación añadida, le lleva a debatirse aún más, entre la lealtad a su escuadrón y el inicio de una nueva vida fuera del ejército. 


En el reparto nos encontramos con el debut del actor teatral británico Joe Alwyn, en el papel principal de Billy Lynn en una actuación comedida, seca y en la que destaca su buena faceta gestual. Recordemos que el director taiwanés fue el impulsor de Jake Gyllenhaal en la aclamada 'Brokeback Mountain' y que desde luego tiene buen ojo para elegir a su reparto, por ello sorprende que haya elegido a Vin Diesel para interpretar al sargento del combate que da pie a la historia. Una interpretación forzada y que por momentos bordea el ridículo intelectual. De nuevo vemos en pantalla a Steve Martin que tantas comedias nos regaló en pasadas décadas, y que interpreta con acierto al dueño de un equipo de fútbol americano que pretende rodar una película con los soldados a precio de saldo. Vuelve a sorprender y para bien Kristen Stewart en el papel de la hermana de Billy Lynn demostrando que su actuación en Café Society de Woody Allen no fue una casualidad, actriz muy recuperable y en progresión. Pero el mejor papel de la producción lo lleva a cabo Garrett Hedlund (Unbroken) interpretando a otro sargento al frente del pelotón, con un fuerte carisma y que lo coloca en disposición de afrontar ya los retos que le propongan. Para concluir ya con este extenso reparto coral, en el papel de animadora aparece una sensual, pero que muy sensual actriz estadounidense llamada Mackenzie Leigh conocida por la serie 'Gotham' y que brilla en un papel de joven explosiva con ínfulas de absurda profundidad.

Aunque la propuesta dramáticamente no sea todo lo redonda que cupiese esperar, tiene aciertos y un clímax que la distingue de las demás. Pero donde logra sus mayores cuotas de éxito es en la parte técnica, con una edición de sonido absolutamente espectacular. También pasará a la historia del cine por ser la primera película rodada a una velocidad de 120 fotogramas por segundo, cuando lo habitual es rodar a 24 o a 48 en algunos casos. Con ello se consigue una ultraresolución que hacen de su fotografía un paraíso de color y nitidez visual. Billy Lynn también se ha rodado en 3D nativo para los amantes de este modo de ver cine, que personalmente no me gusta. De hecho en el preestreno al que tuve la posibilidad de asistir, la proyección se exhibió en las dos dimensiones convencionales y las características técnicas se aprecian también con precisión. Las escenas de combate en Irak, se rodaron en Marruecos, cerca de la frontera con Argelia y en las proximidades de la ciudad de Erfoud bordeando con el desierto de Sahara. El diseño de producción se encargó de la construcción del poblado donde se desarrolla la acción.

Mi conclusión es moderadamente positiva balanceando todos los elementos anteriormente expuestos. Una propuesta extraña, poco convencional y que con un poco más de intensidad dramática hubiera causado mayor impacto en la sociedad estadounidense. No obstante, siempre es interesante la mirada del cineasta Ang Lee que ya forma parte de la historia del cine con tres Oscars a sus espaldas. Un arriesgado proyecto experimental, que puede desatar rechazo entre la crítica más purista, pero que sin duda es una vanguardista apuesta técnica por ser la primera cinta rodada a 120 fotogramas por segundo.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: EE UU, G.B, China.
Director: Ang Lee.
Guión: Jean-Christophe Castelli.
Reparto: Joe Alwyn, Vin Diesel,
Kristen Stewart, Steve Martin,
Garrett Hedlund, Ben Platt.
Música: Jeff Danna, Mychael Danna.
Fotografía: John Troll.
Duración: 110 minutos.
Estreno EE UU: 11/11/16.
Estreno España: 27/01/17.

domingo, 22 de enero de 2017

Películas curiosas: Nómadas del Viento (Le peuple migrateur)


En el año 2001 se produjo el estreno de esta cinta documental francesa que supuso un impacto por su espectacular manera de rodar a las aves en sus grandes migraciones bianuales. Los documentalistas Jacques Perrin y Jacques Cluzaud (Océanos) apoyados por Michel Debats estuvieron al mando de la producción durante los cuatros años que emplearon en su rodaje. Toda una epopeya que culminó en una de las películas más curiosas realizadas en la primera década del siglo presente. 

Póster en España (saludos a los traductores)

Con una melodiosa música encargada al excelso compositor francés Bruno Coulais, la historia nos narra las grandes rutas migratorias establecidas por las grandes aves del planeta. Los patrones de estas migraciones, son traspasados y aprendidos por cada generación nueva de individuos de las distintas especies que salen representadas en la cinta. El caso más extremo y que sirva como ejemplo, se da en el Charrán Ártico que vuela 20.000 kilómetros de polo a polo hasta completar una migración record. La búsqueda del alimento para sobrevivir es la función principal de este y los otros recorridos.

Pero si por algo destacó este film, fue por el empleo de pequeños aviones aeroligeros para conseguir rodar las imágenes en pleno vuelo de las aves. La sensación óptica de estar volando junto a los animales es absolutamente impresionante; esta es la esencia y la novedad de la propuesta presentada. Acompañada de una luminosa y bien definida fotografía, la cinta es en primer lugar un espectacular poema visual sobre la belleza de estos seres alados en sus viajes transoceánicos.  

Ultraligero en acción 

Doce pilotos, tres directores y más de quinientas personas hicieron falta para poder completar el largometraje documental. Además se dividieron en distintos equipos a lo largo de todos los continentes del planeta. Visitamos entre otros lugares Nueva Zelanda en Oceanía, la India en Asia, España en Europa, Mali en África, la Amazonia en América del Sur y por último también la Antártida.

El guiño al mundo del cine transcurre en Norteamérica y mas concretamente en tierra "sagrada" del maestro John Ford, hablamos ni más ni menos de unas portentosas escenas rodadas en el Monument Valley de Arizona, que fue la cuna del western con cintas como 'Fort Apache', 'La diligencia' o la mítica 'Centauros del desierto'. 

También visitamos las grandes urbes del planeta, que no dudan en en atravesar las aves, si las corrientes térmicas por las que se guían así lo requieren. El paso por París es de lo más sugerente de estos nómadas que no se cansan de batir sus alas. Tras haber transcurrido ya 15 años desde su estreno y al revisitar la filmación, un escalofrío recorre el cuerpo cuando atraviesan la ciudad de Nueva York. Al fondo las Torres Gemelas aún lucian majestuosas antes del mayor atentado de la historia. 

Impacto visual 

Se filman entre otras a las siguientes especies: grullas, ánsares, alcatraces, charranes, albatros, pelícanos, petirrojos, gansos, águilas y a los heroicos pingüinos emperador. Una lección de naturaleza y fauna avícola puesta al servicio del espectador. La parte crítica viene en la parte en que algunos cazadores abaten a algunos ejemplares de manera despiadada. Todo esta rodado con bastante seriedad y sin dar cualidades humanas a los animales grabados, exceptuando una especie de baile ritual de unas grullas acompañados de la música de Coulais. Es el pequeño contrapunto de humor para rebajar la tensión de la lucha por la supervivencia.

Para poder llevar a cabo la película y poder rodar en ultraligeros junto a las aves sin que estas se asustaran, se utilizo la técnica denominada como impregnación. Por ello se criaron a parte de las aves en cautividad. Esta curiosa técnica consiste en que lo primero que vean las crías tras salir del huevo, sea a una persona y esta permanezca junto a los polluelos los primeros días de vida, con ello los animales adoptan a esa persona como madre y la siguen a todas partes (incluido volar cerca de los ultraligeros citados). El descubridor de esta tendencia animal, fue el zoólogo y etólogo austriaco Konrad Lorenz, un animalista que observó este comportamiento cuando los polluelos se quedaban huérfanos antes de salir del huevo. Es entonces cuando las crías seguían a la primera persona que veían, siendo este ritual especialmente acentuado en los gansos y ocas.
Sus trabajos en el campo del comportamiento animal, así como en fisiología le valieron el Premio Nobel y no se entendería el documental sin sus descubrimientos en este terreno.

Espectacular formación 

La cinta obtuvo la nominación al Oscar de la Academia a mejor película documental, además de numerosos reconocimientos a nivel social y cinematográfico. Fue un gran éxito de taquilla en Francia y tuvo buena acogida en los países que se estrenó. En conclusión, nos encontramos con una obra que retrata a la perfección el proceso que llevan a cabo las aves en sus grandes rutas migratorias. Pero sobre todo, fue la primera en reflejar tan de cerca el maravilloso vuelo de estos viajeros que dos veces al año repiten su epopeya sin descanso. Una oportunidad para visionar la otra cara del cine.

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jueves, 19 de enero de 2017

Figuras Ocultas (Hidden Figures)


La historia: En 1961 la NASA está en plena carrera aeroespacial para conseguir poner en órbita al astronauta John Glenn. Tres brillantes mujeres negras especialistas en ciencia y matemáticas, son reclutadas como calculadoras humanas para ayudar a trazar los parámetros exactos para que el evento sea un éxito. En plena segregación racial en Estados Unidos, el asunto levantará polvaredas en las entrañas de la agencia espacial. Este es el punto de partida de la desconocida historia de tres mujeres que ayudaron a cambiar la historia de la conquista espacial.

La crítica: 'Figuras Ocultas' está basada en la novela homónima de Margot Lee Shetterly, que recoge los testimonios reales de las tres mujeres que trabajaron en NASA desde mediados de la década de los 50. Se encarga más que notablemente de adaptar el guión, la escritora Allison Schroeder que también trabajó en la agencia durante su juventud. El prometedor director Theodore Melfi (St.Vincent), obra de maestro de ceremonias y sorprende con una historia excelentemente narrada.

Ya desde la esmerada presentación, la cinta promete y no defrauda. Nos encontramos a Katherine, que es una de las mujeres cuando era una niña y asombraba a sus profesores con sus habilidades matemáticas. En una excelente elipsis narrativa (con cambio en las tonalidades de la fotografía), nos trasladamos hasta la década de los sesenta mientras las tres mujeres acuden al trabajo. En un muy breve espacio de tiempo, el cineasta nos coloca en un contexto histórico de una manera sencilla y a la vez magistral.
Si cuando nos presentamos ante una persona, tratamos de ser amables y dar nuestra mejor versión, lo mínimo que se le puede pedir a una producción cinematográfica es que haga lo propio y de manera artística a poder ser. Primer objetivo conseguido.


Si el cine además de ser un espectaculo, logra documentar sucesos de la historia que son desconocidos para una buena parte de la población, cobra un valor añadido en difusión y divulgación del conocimiento. La segregación racial que persistía en el Estado de Virginia en la época, llegaba hasta el punto en el que existían fuentes públicas de agua potable para blancos y otras para negros. La cinta narra estos hechos sin revanchismos, pero dejando en evidencia las vergonzosa leyes estadounidenses que permitían semejante disparate.

En un entorno tan complicado y sumado al machismo que incluso hoy perdura en muchas empresas, la lucha de estas tres valientes por abrirse paso en la vida y en su trabajo en NASA fue absolutamente admirable. Y es que la agencia, en su lucha contra Rusia en la conquista del espacio, estaba dispuesta a romper todas las barreras raciales. Aún así, la cultura segregacionista estaba tan asimilada, que hubo grupos de mujeres negras aisladas en edificios anexos, en los que no se podían mezclar con las personas de raza blanca.

El cineasta también trae a la memoria al trigésimo quinto presidente de los Estados Unidos, John F. Kennedy, que hizo cuanto pudo por cambiar este comportamiento de la sociedad y que fue el gran impulsor de los avances en políticas aeroespaciales que llevaron al hombre a la Luna. Pero independientemente de cuestiones sociales, la cinta nos habla de competencia y riesgos. En primer término, porque si no hubiera habido competencia con los rusos, probablemente los acontecimientos hubieran sucedido de otra manera.

De hecho la Unión Soviética se adelantó en varias ocasiones a EEUU, como con el éxito de colocar a Yuri Gagarin en el espacio antes que nadie. A partir de este hecho, el gobierno americano forzó al máximo el presupuesto de NASA y parte de esto lo refleja con intensidad la película.  Además cuenta con la habilidad de un libreto que sabe dar cierto suspense a los hechos acontecidos, implicando al espectador en la historia y empujándolo a dar apoyo a las tres mujeres matemáticas en el empeño de poner en órbita a John Glenn. Quizás sobra algo de dulzura narrativa, siendo este el único defecto que en mí opinión pudiera tener la propuesta presentada.


Especialmente importante es el reparto en esta ocasión, pues se trata de reflejar a personas reales y debemos encontrar cierta calidez interpretativa. Taraji P. Henson (El curioso caso de Benjamin Button) es la niña hecha mujer, que describía en la presentación de esta reseña, su actuación es comedida y muy profesional. La oscarizada Octavia Spencer (Criadas y Señoras), es puro talento interpretativo lo que le ha valido para ser nominada al 'Globo de Oro' por esta buena actuación, en la que interpreta a Dorothy una supervisora sin rango oficial de NASA. En tercer lugar lugar aparece una artista muy prometedora llamada Janelle Monáe (Moonlight) interpretando con coraje a Mary, una aspirante a ingeniero en la citada agencia. Ha sido un gusto también volverme a encontrar con un buen Kevin Costner (Bailando con Lobos) interpretando con orden y acierto al jefe de proyectos de la misión. Breves pero intensos papeles también para Kirsten Dunst y para Glen Powell interpretando este último al coronel y senador estadounidense John Glenn.

La directora de fotografía Mandy Walker, creadora de la espectacular cinematografía de la cinta 'Australia', hace un trabajo sensacional y desde los primeros planos su mirada es notoria. La banda sonora es otro de los platos fuertes de la producción, canciones y melodías que también le han valido para obtener otra nominación a los 'Golden Globes'. La dirección de arte, así como el vestuario reflejan a la perfección los años 60 en Virginia. El diseño de producción en las instalaciones de NASA es sobresaliente.

Para recapitular ya, nos encontramos ante una propuesta más que interesante, por recoger una historia desconocida y que tal vez si no hubiera sido por el cine, jamás la hubiéramos conocido. Cumple también como película, llegando a emocionar en algunas de sus escenas cumbres.

Por último y como curiosidad adicional, si alguna vez un niño hace la incómoda pregunta de que para que sirven las matemáticas, una buena respuesta sería que visionaran 'Figuras Ocultas', lo comprenderán de inmediato.

Nota: 8/10.

Apunte histórico sobre los personajes representados:

Katherine Johnson fue la primera mujer negra en estudiar en la universidad de West Virginia en 1930. En 1953 fue contratada por NASA como matemática experta en el cálculo de trayectorias orbitales. Sus trabajos más destacados fueron en el lanzamiento de la misión Friendship 7 de la que habla la película y la colaboración en la misión Apollo 11. En 2015 recibió la Medalla Presidencial de la Libertad de manos del presidente Barack Obama.

Dorothy Vaughan se graduó como matemática en la Wilberforce University of Ohio donde consiguió una beca a los 15 años. Fue la primera mujer afroamericana en conseguir un puesto como supervisora en NASA, y allí destacó en la programación de los primeros megaordenadores IBM que llegaron a la agencia aeroespacial. Luchó sin descanso por la igualdad de derechos y la no discriminación dentro de la agencia. Colaboró en la construcción de la lanzadera espacial.

Mary Jackson se licenció en matemáticas y ciencias físicas en el Hampton Institute. Tras obtener las certificaciones como ingeniera en un centro exclusivo para blancos, logró ser la primera ingeniera negra de la NASA. Fue también directora de recursos humanos y recibió la distinción Apollo Group Achievement Award por sus trabajos en las misiones Apollo que llevaron al hombre a la Luna.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Theodore Melfi.
Reparto: Taraji P. Henson,
Octavia Spencer, Kirsten Dunst,
Janelle Monáe,  Kevin Costner.
Guión: Allison Schroeder.
Fotografía: Mandy Walker.
Música: Hans Zimmer.
Duración: 127 minutos.
Estreno EEUU: 25/12/2016.
Estreno España: 20/01/2017.
Estreno Chile: 2/2/2017.
Estreno México: 3/2/2017.




domingo, 15 de enero de 2017

La La Land (La Ciudad de las Estrellas)


Y el sueño del cine se hizo realidad...

La historia: Mia (Emma Stone) es una joven camarera de los estudios Warner Bros de Los Ángeles, que se dedica a presentarse a numerosas audiciones, para intentar conseguir un papel como actriz en Hollywood. Por otra parte, está Sebastian (Ryan Gosling), que es un talentoso pianista con aspiraciones de crear un club de jazz. Por casualidades del destino se conocen y dan comienzo a un romance de consecuencias imprevisibles... 

La crítica: y fue un musical el que rescató la magia del cine, y fue un musical el que puso la emoción a flor de piel, y fue un musical el que lleno las salas de cine, y fue un musical el que me hizo llorar de emoción, y fue un musical...  
                                                                        
'La la land' inicia de alguna manera una contrarrevolución cultural en el mundo del cine. Una manera de narrar que parecía olvidada y que entronca directamente con la época dorada de los grandes musicales de Hollywood. La película esta en la linea de 'West Side Story', 'My Fair Lady', o 'Sonrisas y Lágrimas', propuestas que en su momento, conectaron este género cinematográfico con la sensibilidad de la mayoría de los espectadores. En una época en las que nos ha tocado sufrir innumerables despropósitos que han hecho del cine mayoritario un espectaculo de ruidos bochornosos, el cineasta Damien Chazelle (Whiplash) ha logrado una obra maravillosa y mágica que se convierte en un clásico desde su nacimiento. 

Y cuando hablo de contrarrevolución cultural, me estoy refiriendo al cine que se hace en los grandes estudios, por ello este éxito, podría suponer una vuelta a rodar más películas clásicas y atemporales en detrimento de los grandes blockbusters basados en los efectos especiales. Sino un cambio total, que sería una quimera, si puede hacer subir la cuota de cintas rodadas con buen gusto y sin duda reactivarán el género cinematográfico de los musicales, enriqueciendo así el panorama cinéfilo de una manera considerable. Con esto no quiero decir que todo el cine que se hace en la actualidad sea de mala calidad, pues paradójicamente y con el Festival de Sundance como punta de lanza, el cine independiente está viviendo una cierta época dorada, en la cual, se hace un cine tan profundo como el mejor de la historia. Parte del problema reside que se circunscribe a un circuito minoritario y dificultoso de seguir incluso en las grandes ciudades.

Volviendo a La La Land, uno de sus méritos, es que consigue un casi imposible en el mundo del cine y en cualquier otro ámbito escenico diría yo. Y no es otra cosa que cumplir o superar en mí caso, las expectativas creadas por los increíbles trailers presentados (que de hecho son tan buenos o más que la película, siendo recomendable su no visionado para no perder el efecto sorpresa) y por la fuerte campaña establecida por la productora y seguida por los medios. Cuando además las buenas críticas han acompañado su estreno en el Festival de Cine de Venecia, la tendencia general nos llevaría a pronunciar la frase "pues no es para tanto". Pero esta vez las cosas no son así, la cinta es para tanto y algo más. Sencillamente una obra de arte mayúscula. 


El paseo por la ciudad de Los Ángeles es una de las motivaciones de la película. Situada cronológicamente en la actualidad, y con la urbe muy castigada por los altos niveles de contaminación, el director sin embargo, consigue que la meca del cine brille con luz propia, eligiendo para ello unos escenarios auténticamente evocadores. Una de las primeras paradas la hacemos en el cine Rialto, allí visionamos una escena de una reposición de 'Rebelde sin causa', mientras Mia y Sebastian tienen su primera cita.

A continuación, conocemos el Parque Griffith, el muelle de Hermosa Beach, el espectacular tren funicular Angels Flight Railway, el distrito Art Deco, los estudios Warner Bros y el maravilloso escenario natural con vistas a toda la ciudad a los pies del Griffith Observatory. Un sueño con cientos de referencias cinéfilas que convierte a la película en un homenaje a la historia del cine. Dentro del observatorio y en mí opinión, se produce el mejor número musical instrumental de la historia del cine.

La película también rinde homenaje a través de los distintos números musicales a las décadas de los 60, 70 y 80 convirtiéndose en toda una orgía de nostalgia y cultura pop. Referencias a Ingrid Bergman, Audrey Hepburn o Humphrey Bogart tampoco faltan en la cinta mientras la pareja de enamorados se van conociendo.

En la parte dramática de la propuesta, la apertura de la narración ya es toda una declaración de intenciones. Los personajes tienen una excelente presentación y rápidamente congeniamos con ellos. La cinta está dividida en cuatro actos, representados por las estaciones del año. En el tercer acto la película decae por momentos en un plan trazado por el director para resaltar la parte final. Si desvelar nada sustancial, es en el cuarto acto donde se producen 15 minutos de auténtico prodigio artístico. Un final auténticamente sorprendente y maravilloso que el propio cineasta Frank Capra hubiera soñado para algunas de sus películas. Un auténtico sueño de amor, desamor, vidas paralelas, vidas infinitas, toques musicales, arte en su máxima expresión que acabá con un un unánime aplauso de los espectadores de la sala de cine, en una situación que no vivía en primera persona desde hacia muchos años ya. Todo en la película pasa por estos minutos finales, la esencia del mensaje dramático está en la resolución, de hecho sin esta parte la historia se hubiera quedado en una buena propuesta sin más. Un pequeño tratado sobre el amor, lo que pudo haber sido y no fue o le que es y pudo no haber sido, la razón y el corazón, el desgarro y la felicidad.

Todo se dice a través de unas miradas que atraviesan el alma, algo que cada espectador tendrá que interpretar a su manera, según su propia experiencia. Las ganas de vivir, la apuesta por el amor o el peligro de dejarlo ir, en definitiva, una secuencia final que sería imposible desvelar pues en cada vida, en cada persona, habrá una interpretación.


Ryan Gosling (El Diario de Noah) sabe actuar, sabe cantar y además es atractivo. Actor polifacético y multigénero que ha tenido una espectacular progresión y se sitúa entre los actores más destacados del panorama actual. Por su parte Emma Stone (Irrational Man) y galardonada con la Copa Volpi de la Mostra de Cine de Venecia por esta actuación, está sencillamente deslumbrante. No se puede actuar mejor. Su poder de transmisión es instantáneo y sale convertida en una verdadera estrella de cine. Sin duda, ambos actores pasarán a la historia universal del cine independientemente de los premios que ya han obtenido y de los muchos que vendrán. El resto del reparto tienen papeles muy pequeños al servicio del lucimiento de los dos protagonistas, solo destacaría la breve aparición de J.K. Simons como dueño de un club de jazz y que no obstante marca el futuro del pianista.

Fotografía, vestuario, dirección de arte, y diseño de producción son sobresalientes estando claramente al servicio de la banda sonora que obtiene la matrícula de honor. Se encarga de ella, el estadounidense Justin Hurwitz con 30 maravillosas piezas instrumentales. Además el soundtrack se complementa con 16 canciones destacando la inolvidable y emocionante 'City of Stars', la apasionante 'Audition' o el tema de John Legend 'Start a Fire'.  En cuanto a los números musicales son bellísimos, desde el que abre la cinta, hasta que llegamos al del prodigioso cierre final.

Antes de concluir, quisiera aclarar una vez más, el concepto de crítica cinematográfica. En mí opinión, y en la de otros cinéfilos, es un ejercicio puramente subjetivo y siempre será así. Puede existir la objetividad en aspectos técnicos como pueden ser la fotografía o los maravillosos planos secuencia que contienen algunas películas, como es el caso de 'La ciudad de las Estrellas', que es el título que se le ha dado en España. Ahora bien, pretender la objetividad en el gusto por una película ni es posible, ni sería sano. Las personas estamos afectadas por distintos sentimientos, diferentes estados de ánimo, dias malos o buenos, situaciones personales, enamoramientos, desenamoramientos, conflictos, ilusiones y todo esto afecta a la hora de visionar una propuesta artística. En definitiva son las películas las que te escogen a tí, no tú a ellas.

Por eso y en mí opinión, La La Land es el sueño del cine hecho realidad. Un musical que pasará a la historia, y que muy probablemente se adaptará al teatro y dentro de 50 años se seguirá representando en Broadway o en cualquier otra ciudad del planeta. Una propuesta que es homenaje al cine. El musical de los musicales y es por ello que solo puedo calificar a la película como una autentica obra maestra.

Nota: 10/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Damien Chazelle.
Guión: Damien Chazelle.
Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone,
J.K. Simons, Rosemary De Witt.
John Legend, Jessica Rothe.
Fotografía: Linus Sangren.
Música: Justin Hurwitz.
Duración: 127 minutos.
Estreno EE UU: 9/12/16.
Estreno España: 13/01/17.
Estreno Chile: 19/01/17.
Estreno Argentina: 26/01/17.
Estreno México: 3/02/17.



Cartel alternativo de la película

Y cerremos la reseña con una curiosidad adicional. Se trata de un vídeo que demuestra que el cine es fuente de inspiración para nuevos talentos, como es el caso de este cover del musical, interpretado por Scott Oatley y Rachel Panchal:

jueves, 12 de enero de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Match Point


"Aquel que dijo más vale tener suerte que talento, conocía la esencia de la vida. La gente tiene miedo a reconocer que gran parte de la vida depende de la suerte. Asusta pensar cuantas cosas se escapan a nuestro control. En un partido hay pelotas que golpean el borde de la red y durante una fracción de segundo puede seguir adelante o caer hacia atrás. Con un poco de suerte sigue adelante y ganas o no lo hace y pierdes".
- Woody Allen, Match Point (2005).

Chris (Jonathan Rhys-Meyers) es un joven tenista profesional que retirado ya de su carrera, se dedica a impartir clases de tenis a jóvenes de la clase alta londinense. En el club de tenis entabla amistad con Tom, un alumno de su misma edad, que a su vez le presenta a su familia y le introduce en los ambientes más elegantes de Londres. Fascinado por su nueva posición social, Chris comienza un romance con Chloe que es hermana de Tom y aunque en principio no se siente muy atraído por ella, la vida de lujos y su nuevo estatus le llevan a contraer matrimonio con ella. Todo empieza a cambiar cuando se enamora de Nola (Scarlett Johansson), una joven y atractiva actriz americana que a su vez es novia de su amigo y cuñado Tom. Pronto todo estallará por los aires al desatarse la pasión y dar paso a la tormenta perfecta.

Cuando el maestro Woody Allen se centra exclusivamente en el cine y deja un poco de la lado sus obsesiones personales, es capaz de obrar autenticas maravillas para el séptimo arte como es la cinta de la que hablamos hoy. Su cita anual como director que él mismo se ha marcado, se ha convertido ya un ritual para él y todos los que amamos sus películas, aunque no todas claro. En cualquier caso, su prolífica carrera siempre deja detalles para el recuerdo en casi toda su filmografía, pero en Match Point sabe explotar todas sus virtudes con una elegancia que solo puede venir de una creatividad marcada por su talento.


Siempre que leo alguna crítica de alguna cinta de este cineasta, nos suelen bombardear con sus anteriores películas y las implicaciones que conllevan en la propuesta actual. Este es un ejercicio que resulta pesado, cansado y pedante que yo no repetiré. Es cierto que si estuviéramos analizando la obra en conjunto sería adecuado, pero el espectador cuando va al cine o quiere ver una película en su casa, lo que se centra es en la historia que le están narrando en ese momento. Los sesudos análisis que no aportan demasiado a la trama, se sienten más como una obligación intelectual que como una necesidad en explicar la propuesta y más aún en este caso, que es un argumento independiente y que no es necesario saber nada de lo anterior; sencillamente es sentarse a disfrutar de una buena historia.

¿Por que caminos nos quiere llevar en esta ocasión el director y guionista? en primer lugar al concepto de suerte en nuestras vidas, tanto para bien como para mal. Tanto en el ejemplo de la pelota de tenis que te puede hacer ganar un partido, como en las casualidades que nos puede deparar la vida, es donde hace una parada el cineasta en esta ocasión. El factor del azar está presente durante toda la historia, el juego e incluso el título de la producción son una metáfora para los avatares que el destino irá proporcionando a los personajes, que por momentos son inocentes y por otros momentos completamente siniestros. Los arquetipos de las personalidades, quizás sean la parte más censurable de la argumentación, que en todo caso no menoscaban la fuerza de la narración.

El otro aspecto fundamental de la película nos habla del amor por conveniencia y de lo que se esta dispuesto a hacer por y para el. Chris en todo momento se debate entre dos posiciones, una es si conservar su matrimonio que le aporta estabilidad, riqueza y posición social o bien dar un vuelco a su vida e irse con la mujer de la que realmente está enamorado y siente pasión tanto en su vida sexual como en la sentimental. Si el filme se hubiera titulado 'El dilema', hubiera sido también un acierto, pues básicamente es lo que le sucede al protagonista y a parte del reparto. La lucha entre la pasión y la razón, desembocarán en una serie de hechos concatenados, que se irán resolviendo de una manera entre trágica y surrealista pero que serán muy bien hilados en una genialidad propia del maestro Allen.


Aunque el protagonista principal de la historia es el joven Chris, interpretado más que correctamente por Jonathan Rhys-Meyers, fue Scarlett Johansson con la interpretación de Nola la que consiguió la consagración mundial definitiva con este papel de mujer explosiva. Y cierto es, que brilla absolutamente en pantalla y hace uno de sus mejores papeles hasta el momento; las dudas de algunos sobre si solo era una chica guapa, quedaron absolutamente disipadas. Para quien albergue alguna duda todavía, simplemente me remitiría a su entrañable papel cuando era una niña en la cinta 'El hombre que susurraba a los caballos' junto al mítico Robert Redford. El resto del reparto lo compusieron Matthew Goode (Tom), Emily Mortimer (Chloe) con interpretaciones insustanciales, dejando más picante para los suegros de Chris interpretados con autoridad por Brian Cox y Penélope Wilton.

Match Point habría que enmarcarla en la gira de películas rodadas en Europa por el director de Manhattan. En mi opinión las que hizo en suelo británico fueron las mejores. Las realizadas en España e Italia solo se podrían calificar como turismo cinematográfico (Vicky Cristina Barcelona y A Roma con amor). Match Point tuvo un presupuesto de 15 millones de dólares recaudando un total de 85 millones de dolares, uno de los grandes éxitos de taquilla del director, que además tuvo una excelente recepción entre la crítica especializada. Como curiosidad adicional y en el capítulo de "crímenes traductores" la ocurrencia en algún país de habla hispana, fue titularla como 'La Provocación', poco más que añadir, no entraré en tal "provocación".

Mi conclusión final es que nos encontramos ante una de las mejores películas de Woody Allen en su última etapa. La lucha de clases es el centro de la historia y aunque el inicio de la cinta esta más centrado en la construcción de los personajes, no hay que olvidar que la cinta en su tercio final se acomoda por los caminos del thriller poco trillados a lo largo de su carrera. La puesta en escena es un autentico lujo con una dirección de arte y una fotografía excelentemente cuidadas y que por momentos se convierten en un personaje más de la película. Por lo tanto, nos encontramos con un trocito de la historia del cine para revisitar en cualquier momento del año. Solo por escuchar su banda sonora con piezas de Verdi, Bizet o Morozov, el viaje con parada en la ciudad de Londres habrá merecido la pena.

P.D. Agradecimientos especiales premios y aniversario del blog: En primer lugar quiero dar las gracias a Jose Eugenio Guimaraes por la concesión del Premio Liebster Award y a María del Socorro Duarte por la concesión del Premio Vientos Estelares. En ambos casos son por mí pequeña contribución a crear contenidos en el mundo de la cultura cinéfila. 
Cine y críticas marcianas ha cumplido oficialmente un año el pasado 3 de enero. Coincidiendo con esa fecha, el blog superó las 50.000 visitas y se consolida como uno de los blogs de cine con mayor crecimiento en 2016 en la red social Google+. Estos datos son debidos de una forma mayoritaria a la divulgación de los contenidos en la colección Cinefilia de la citada red social. Por eso quiero dar muy especialmente las gracias a su creador y director Alfredo García por su máxima generosidad con este espacio de cine y que apoyó cuando nadie lo conocía. 
Y por supuesto a todas y cada una de las personas que me honran con sus visitas, ¡muchas gracias!

Volviendo a Match Point que es lo que nos trae aquí, os dejo un enlace de Ana López con una de las escenas claves de la película:


domingo, 8 de enero de 2017

Desierto

Que tire la primera piedra quien no tenga algún inmigrante en su árbol genealógico.
 - José Saramago.

La historia: Un grupo de unos 20 migrantes mexicanos, se embarcan en un pequeño camión para tratar de atravesar el desierto que une una parte de la frontera mexicana con Estados Unidos. Uno de los pasajeros es Moisés (Gael García Bernal), un joven padre deportado que desea volver a ver su hijo. También está Adela (Alondra Hidalgo), que es una joven mujer a la que sus padres han pagado el transporte y los guías, para tratar de conseguir el sueño americano. El viaje clandestino se complica cuando en mitad de la travesia, el vehiculo se avería y tienen que continuar el viaje a pie. La situación aún se hace más difícil, cuando aparece un solitario y extremista francotirador estadounidense que se ha encomendado a si mismo, la misión de vigilar la frontera para que ningún mexicano la atraviese con vida. El viaje acaba de comenzar...

La crítica: En España hemos tenido que esperar 9 meses desde su premiere en México (hay embarazos más rápidos), para poder ver el esperado estreno de 'Desierto'. Además llega con copias restringidas y al circuito de las pocas salas de cine independiente que van quedando en el país. Esto es síntoma, de que esta historia de verdaderos héroes que se juegan la vida para tratar de conseguir una vida mejor, interesa menos que las cintas de superhéroes?? y sus "fantásticos superpoderes" que están jodiendo definitivamente las carteleras de cine de medio mundo.

Jonás Cuarón escribe y dirige esta cinta, que es un puñetazo de realidad al drama de la emigración clandestina que se viene produciendo en México durante las últimas décadas. La película está pensada y realizada antes de que Donald Trump fuera elegido presidente de los Estados Unidos y por lo tanto ahora renueva su interés de una forma inusitada. Si las cosas ya estaban complicadas, me temo que solo caben ir a peor. Otras películas y ahora 'Desierto', se adelantaron al drama que se nos viene encima con supuestos muros y otros delirios deshumanizantes.


En los aspectos meramente artísticos, es una interesentante película y sobre todo una estupenda propuesta de cine social. Se intercalan muchos géneros cinematográficos en la misma, aunque quizás a lo que más se aproxime es al thriller dramático. En cualquier caso se ve apoyada por elementos de suspense, de aventuras e incluso de road-movie con ciertos aromas al western. Ninguno de estos elementos están forzados técnicamente, sino que van surgiendo de manera natural.

Para poder abarcar tanta variedad de subgéneros en una cinta, el trabajo de montaje es fundamental y más si tenemos en cuenta que la producción se juega en terrenos minimalistas con más silencios que diálogos. Es notorio que Cuarón proviene de familia de cineastas y que sabe hacer cine. Sin embargo, sorprende que con el buen desarrollo del guión a lo largo del metraje, la parte final se resuelva con una solución facilona, dejando un final abierto que en esta ocasión parece fuera de tono.

Pero sobre todo 'Desierto' es un alegato hacia el sufrimiento de los migrantes y hacia el heroísmo de los mismos. En algunos casos, la meta de estas personas no es su desarrollo profesional o personal al otro lado de la frontera, simplemente es sobrevivir o poder ayudar a sus familias. Tampoco podemos provocar confusión y generalizar al pueblo mexicano con una sola voz, hay muchísimos millones de mexicanos que viven felices en su país y no desean emigrar a ningún lugar. Esto afecta a un porcentaje de la población en situación de desesperación y necesidad; cruzar un desierto no es precisamente una ruta de senderismo y no digamos llegar a un país nuevo encontrándose con el rechazo, el miedo o la adaptación sociocultural.


Encabeza el reparto Gael García Bernal; la primera vez que le visioné en pantalla fue en la excelente película mexicana 'Amores Perros'. Pensé que había actor para largo y el tiempo lo ha demostrado. En la actualidad, es uno de los mejores actores jóvenes a nivel mundial. Cabe decir, que además de su buena interpretación en la cinta, también es productor ejecutivo de la misma, es decir un hombre implicado con y para el cine. El villano de la historia esta interpretado por Jeffrey Dean Morgan (Premonición), con tal acierto que provoca odio durante la proyección. Su "dedicación" a exterminar inmigrantes, le convierte en un personaje deleznable, frío y con rasgos psicópatas que determinan su radicalismo intelectual.  La actriz mexicana de doblaje Alondra Hidalgo, da el salto a la gran pantalla interpretando con gran realismo al personaje de Adela, esperemos verla de nuevo con más oportunidades.

'Desierto' se ha rodado por completo en exteriores. El equipo de localizaciones se decidió por la región mexicana de Baja California Sur, por ser una zona de dunas, valles y laberintos de rocas, que buscan representar a los escenarios naturales de buena parte de la zona fronteriza en la que se han establecido rutas migratorias. La fotografía esta en consonancia con la belleza inhóspita del lugar y se encargá de ella Damián García que nos regala unas excelentes panorámicas. La música del francés Woodkid es excelente, aún así en cintas tan descarnadas como esta, la banda sonora hubiera sido suficiente con los sonidos y silencios del desierto.

Recapitulando y a pesar de que la parte final provoca más dudas que certezas, nos encontramos con una interesante proyección que funciona bien como película y podría funcionar perfectamente como documental. La búsqueda de una vida mejor, o de simplemente una vida, marcan las aspiraciones de estas personas y las de cualquier inmigrante. El cineasta imaginó a un francotirador frente a los más débiles, otros imaginan y proyectan muros kilométricos que separen a las personas y denigren a los pueblos. Por desgracia el ser humano no aprende de la historia y esta condenado a repetir los errores de nuestros antepasados una y otra vez. 'Desierto' refleja una situación que pronto podría verse superada por la más cruda realidad.

La película fue seleccionada por México para competir por el Oscar de 2017 a la mejor película en lengua no inglesa, aunque finalmente no ha sido nominada. Si fue galardonada con el Premio Fipresci en el Festival de Cine de Toronto.

Nota: 8/10.

P.D. Esta reseña está dedicada a mi querida amiga mexicana María del Socorro Duarte, por su contribución y enseñanza de los mejores valores como profesora a sus alumnos. Además, su amor hacia su tierra fronteriza de Mexicali, que tantas buenas películas ha inspirado, me ha contagiado de cariño hacia ese gran país y sus gentes, así que viva el el cine y ¡Viva México!

Nacionalidad: México.
Dirección: Jonás Cuarón.
Reparto: Gael García Bernal,  Alondra Hidalgo, Jeffrey Dean Morgan, 
Diego Cataña, Marco Perez.
Guión: Jonás Cuarón, Mateo García.
Música: Woodkid.
Fotografía: Damián García.
Duración: 94 minutos.
Estreno México: 15 de abril de 2016.
Estreno España: 6 de enero de 2017.