jueves, 25 de mayo de 2017

Entrevista a Laura Herrero Garvín, directora de El Remolino


El Remolino es la película documental ganadora del Festival Internacional de Cine DocumentaMadrid 2017 en Competición Nacional. En Cine y críticas marcianas la cinta quedó reseñada antes de conocerse este importante galardón. Personalmente tuve la oportunidad de conocer a Laura Herrero en la sede del Festival, le comenté lo de mi reseña y le solicité una entrevista que amablemente me concedió unos días después de acabar el acontecimiento celebrado en Madrid. Antes de dar paso a las preguntas, os dejo un enlace a la crítica de El Remolino que tantísimo gustó por los valores que representaba el film y así nos situaremos también en contexto. El Remolino (The swirl)

Foto Miguel Pina

En primer lugar, enhorabuena por tu película y por la forma que tienes de expresarte cinematográficamente hablando. ¿Cómo recibiste la noticia de que habías ganado el Festival Internacional de Cine DocumentaMadrid y que supone para ti y tu película este prestigioso galardón?

La verdad es que ha llegado en el momento perfecto. Veníamos de hacer una ruta por festivales muy importantes como el de Locarno en Suiza, Morelia o el Ambulante en México y habíamos tenido menciones especiales, pero nunca habíamos tenido un primer premio. Para mí personalmente como directora es muy importante porque yo además soy de Toledo y era el festival que más cerca estaba de mi casa y fue super bonito personalmente.

¿A qué puede ayudar entonces el premio?

Puede ayudar a que la película tenga un nuevo impulso para "volar" por festivales y quizás sea una oportunidad para su distribución comercial e incluso para ser adquirida por las televisiones. Además, ha tenido un gran recibimiento en España en general y estoy muy contenta por ello. En todo caso, es una película para ver en pantalla grande por su buena fotografía y en Tijuana (México), han podido ya disfrutar de ella en una sala de cine.

Volviendo a la génesis del proyecto de la película, ¿cómo surge el proyecto de rodar El Remolino?

El Remolino surge cuando estaba rodando otro documental que hice con mi colectivo La sandia digital. Estábamos en Chiapas navegando por el río Usumacinta (que es el más caudaloso de México), y pregunté por la comunidad más afectada por las inundaciones. Fue entonces cuando me llevaron a El Remolino, que es una pequeña población escondida y la sorpresa fue que cuando escucharon nuestra sonora barca, salieron como 20 personas y entre ellas estaban Esther, Pedro y Don Edelio que es el padre de ambos y dialogamos durante horas y horas, quedando muy conectada con el lugar y sus gentes.

Suelo comentar cuando voy al cine y una película me marca, que es esta la que me ha elegido a mí y no yo a ella. ¿Tuviste alguna sensación parecida cuando llegaste a El Remolino?

Completamente, de hecho las películas más autorales que he rodado (cortos y largos), han venido a mi de alguna forma. Entonces creo que es muy importante que la película venga a ti y te elija a ti.

¿Cuanto tiempo has empleado para completar el rodaje de la película?

Pues casi cuatro años de mi vida. Desde agosto de 2012 que empezamos con el proyecto, hasta que estrenamos en abril de 2016. Lo cierto es que fueron en distintos periodos de tiempo e hicimos hasta 11 fases de rodaje distintas. El periodo mayor durante estos casi cuatro años, fue 25 días seguidos en los que conviví con la familia.

Me gustaría saber cual fue el presupuesto económico que tuvo El Remolino para salir adelante.

Fueron 1.800.000 pesos mexicanos que al cambio actual serían unos 85.000 euros o 95.000 dólares estadounidenses. Los fondos fueron aportados por el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), y ganamos también algún premio al desarrollo y el resto fueron recursos propios del equipo.

Aunque es una inversión bastante pequeña si la comparamos con el presupuesto de otras películas, ¿cómo se consigue rentabilizar el proyecto?

De momento de las proyecciones en algunos cines. La película también se ha distribuido a algunas universidades e instituciones y después de los premios de los festivales. Ahora estamos pendientes de que sea distribuida comercialmente e intentar cubrir al menos los gastos ocasionados.

Laura en Chiapas

El documental relata las fuertes lluvias anuales de la región de Chiapas, las posteriores inundaciones y como afectan a los oriundos del lugar, ¿qué mensaje quieres transmitir con tu película en el aspecto puramente meteorológico y lo más importante en el lado humano de las personas que habitan el lugar?

Yo creo que hay que corresponsabilizarnos de los cambios que está sufriendo la naturaleza y que el cambio climático y la deforestación son los elementos clave para que esta comunidad sufra estas inundaciones. En el lado humano, me parece importante que estos habitantes que están tan conectados con la naturaleza, se consideran así mismos corresponsables, cosa que muchos de nosotros no lo hacemos e incluso ellos -y eso me llamó mucho la atención- lo ven como un ciclo más de la naturaleza e incluso sacan el lado positivo, pues para sus pequeños cultivos, toda esta agua al secarse produce unas zonas de siembras mucho más ricas. Digamos que su vida es un ciclo de lluvias, siembra y cosecha y lo asumen con naturalidad. El ser humano es un ser adaptable y lo mismo que somos capaces de adaptarnos al caos de las grandes ciudades, otros en México en este caso, se adaptan al agua o en el norte del país a las duras sequías. Por otro lado y por poner un ejemplo, en el norte de Europa las personas se adaptan a fríos extremos, lo que en definitiva demuestra el amor por la tierra pero sobre todo la adaptabilidad del ser humano a cualquier circunstancia.

Pedro es un campesino transexual que lucha por ocupar su lugar en el mundo y que va dejando durante la película auténticas sentencias literarias, ¿cómo es Pedro fuera de la grabación, es realmente tan cercano como parece?

Es exactamente igual que lo vemos en pantalla. Hay algo que me gusta de Pedro y es que él no se define sexualmente. Por ejemplo, lo de transexual es algo que utilizamos desde fuera para intentar etiquetarlo de alguna manera. Pero es transparente absolutamente. Quizás con Esther si hubo algún momento más provocado e incluso jugamos a crear momentos, pero con Pedro fue tal cual lo veis.

Y Esther, ¿cómo es ella como persona? ¿Te hiciste amiga de ella?

Ella es una persona muy sabia y super reflexiva. Necesita sus momentos de soledad y esto le da pie a reflexionar mucho. Y respecto a la amistad, yo si considero que Esther y yo somos amigas. La pena es que El Remolino está en una zona muy remota y los desplazamientos hasta allí son muy costosos. Pero seguimos en comunicación y hablamos por WhatsApp o me escribe cuando tiene algún problemilla e intento ayudarla. Siempre hemos tenido una relación muy cercana.

Hablando de tu carrera como cineasta, eres Ingeniera de Telecomunicaciones doctorada en España, pero ¿cuando decidiste que te ibas a dedicar al cine por completo y que te llevó a desarrollar tu carrera en México?

Cuando acabe la carrera universitaria la tiré al mar de alguna forma -risas-, de hecho no se ni donde tengo el título. Poco después me marché a San Francisco (California) y ahí empecé a estudiar cine documental. Tras ese primer paso, fui a México donde ya había estado antes y pude hacer una carrera intensiva para formarme como documentalista. Y bueno a partir de ahí me integré en el colectivo La Sandía Digital que es un laboratorio de cultura audiovisual y hacemos cine documental, radio y proyectos participativos de máximo interés público. Después ya he tomado mi carrera en el documental con mi opera prima en solitario como ha sido El Remolino y sigo adelante con el proyecto de La Sandia Digital.

Y ahora Laura, cuando termine la carrera de El Remolino, ¿cuál será tu próximo proyecto en el mundo del cine?

Pues es un documental titulado 'La Mami' y estamos en la fase del proyecto de recaudación de fondos, ya tenemos el proyecto bastante desarrollado y estamos buscando que sea una coproducción entre México, Francia y España aunque el rodaje se producirá en México D.F

¿De que va a tratar La Mami?

La Mami está ambientada en un cabaret llamado Barbazul que viene funcionando desde la década de los 50 del siglo pasado. Allí están las ficheras que son unas mujeres que alquilan su cuerpo para bailar. En la parte de arriba están los baños y allí está Doña Olga que lleva en el cabaret 40 años y ha trabajado como mesera, bailarina y ahora como ya esta viejita se encarga de cuidar los baños. Ella es La Mami y es la confesora y testigo de lo que pasa en la planta alta del cabaret. Es una mirada femenina y feminista a lo que vive la mujer de la noche.

Foto Miguel Pina

Laura, con tu permiso te voy a hacer un pequeño y divertido cuestionario personal de preguntas cortas para conocer algunos de tus gustos.

¿Cuál es tu película documental preferida?

Te diré varias y cronológicamente hablando según me han emocionado últimamente:

Hace 6 meses: 'El futuro perfecto' de Nele Wohlatz.
Hace 4 meses: 'La bocca del lupo' de Pietro Marcello.
Hace 2 meses: 'Santiago' de Joao Moreira.
Y actualmente: 'Strangers in paradise' de Guido Hendrikx.

Cada una de ellas son muy diferentes, pero con demasiadas cosas buenas a su alrededor. 

¿Y tu película preferida que no sea un documental?

Del año pasado, 'Oscuro animal' de Felipe Guerrero. 

¿Te gustaría hacer una película que no fuera un documental?

Mira...si me lo piden mucho......mmmm, no creo, a mi lo que me gusta mucho es el cine documental, de momento no entra en mis planes.

¿Cuál es tu director o directora de cine preferido?

La austriaca Agnès Varda.

¿Tu actor favorito?

No soy mucho de actores favoritos, si de sus personajes, en todo caso me quedo con Pedro de El Remolino.

¿Y tu actriz preferida?

Esther de El Remolino (risas).

Tu libro preferido.

Actualmente uno que me ha movido bastante, es 'Una habitación propia' de Virginia Woolf.

Tu plato preferido de comida de México y otro de España.

De México los chilaquiles y de España el pulpo a la gallega. 

Una ciudad para vivir.

Barcelona o San Francisco.

Una ciudad por conocer.

Buenos Aires.

Una ilusión por cumplir.

Hacer todas las películas que quiero hacer.

Muchísimas gracias Laura por tu amabilidad y por compartir tu talento, ¿quieres comentar algo más para cerrar la entrevista? 

Pues agradecer a todas las personas que se han interesado por mi película, ya que me ha hecho mucha ilusión como autora y añadir que en la pagina de Facebook de El Remolino vamos a estar informando de toda la actualidad y noticias que se produzcan sobre el documental.

Para las distribuidoras que deseen contactar con Laura Herrero, además de la pagina de Facebook mencionada anteriormente, su web es www.lauraherrerogarvin.com y la página del documental es http://elremolinodoc.com/

Esta entrevista se compartirá y adaptará para ser publicada próximamente también en Noroeste de Madrid.





domingo, 21 de mayo de 2017

Déjame salir (Get out)


La historia: Tras cinco meses de noviazgo, Rose (Allison Williams) decide invitar a su novio Chris (Daniel Kaluya) a casa de sus padres para dar por formalizada de esta manera la relación (¡horror!...). Cuando llegan a la mansión familiar en mitad de un frondoso bosque, todos tratan de poner su mejor cara en el típico baile de mascaras de está situación tan embarazosa para todos. Pronto Chris se empieza a sentir fuera de lugar, pues él al ser negro y su novia blanca, tiene una sensación de rechazo más por intuición que por la realidad. Lo que no sospecha, es que lejos de ser rechazado, la familia tiene unas enormes ganas de no dejarle salir de allí en una insólita y siniestra situación que empeorará cada minuto restante del fin de semana.


La crítica: "Aterradora", "Inquietante", "Cruel y mordaz", "Perturbadora".........un momento, ¡paren las máquinas! Estas palabras suelen estar recogidas de opiniones de críticos de cine cuando al finalizar un pase para la prensa, las distribuidoras piden "amablemente" la opinión de estos monstruos de la opinión cinéfila. Es entonces, cuando algunos de ellos se ponen líricos, para que sus palabras con mención incluida vayan al póster promocional. ¿No sabían este aspecto de la crítica cinematográfica? Pues bueno, ahí lo dejo. Por cierto, 'Déjame salir" ni es perturbadora, ni mordaz, ni mucho menos aterradora, o al menos a mi no me lo pareció, cosa que tampoco significa demasiado.

Lo que si me pareció excelente en la película es la presentación de la misma, encadenando tres maravillosas canciones a la vez que la pareja de tortolitos nos está siendo presentada. Al menos en eso, hay que reconocerle al debutante cineasta Jordan Peele su buen gusto en la manera de filmar y en la buena utilización de los recursos puestos a su disposición por Universal Pictures.

La cinta, nos recuerda de salida a la magistral 'Adivina quién viene esta noche' (Guess who's coming to dinner) del maestro Stanley Kramer y al choque cultural (y racista), que suponía recibir a un hombre negro en una familia blanca y como novio de la niña de la casa. Aunque esto solo es un amago y la cinta presenta su propia personalidad con una buena y prometedora premisa de salida, que lastimosamente se va nublando sobre todo en el absurdo último tercio de la cinta.

Y la verdad, no conviene hablar demasiado de lo que sucede durante el fin de semana en casa de los padres de lo novia, pues sería reventar la película y creo que a pesar de sus errores merece una oportunidad de ser visionada. Solo añadiré del argumento, que la cosa consiste en ponerle las cosas muy complicadas a Chris, en una familia de auténticos desequilibrados mentales.


El reparto está encabezado por el actor británico Daniel Kaluuya (Sicario, serie Black Mirror), en un papel que le viene como anillo al dedo a su fuerte expresividad y transmisión en pantalla. En la parte femenina, nos encontramos con la enigmática actriz y graduada por Yale, Allison Williams (serie Girls), que da una buena réplica a Kaluuya, en un papel que la hace evolucionar desde una chica aparentemente dulce hasta una mujer, esta si, realmente perturbadora. En el resto del reparto, solo destacaría a Catherine Keener (Capote), que hace de la madre de la novia, interpretando a una psiquiatra que trata de hipnotizar al novio de sus hija.

La parte técnica de la película es muy destacable y esto ayuda a subir la nota de la misma. Nos encontramos con una gran fotografía nocturna (y diurna) dirigida con maestría por Toby Oliver. La música y sobre todo el diseño de producción dejan unas sensaciones muy positivas. En el debe, habría que destacar negativamente, la publicidad subliminal (y descarada) que hace la empresa fotográfica Canon durante la proyección y que supongo será uno de los patrocinadores de la película, pero que queda horroroso en pantalla. No pueden convertir el cine en un producto para introducir publicidad directa, pues ya es suficiente con la indirecta habitual.

En conclusión, 'Déjame salir' se presenta en forma de thriller psicológico, siendo un claro reflejo de la plaga que asola el cine en la actualidad y que viene marcada por unas premisas muy interesantes de salida, unos desarrollos del guión medianamente aceptables y unas cagadas finales impropias de un cine supuestamente profesional. En todo caso, es una propuesta medianamente aceptable de cine palomitero dispuesto a arrasar en las taquillas del fin de semana.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección y guión: Jordan Peele.
Reparto: Daniel Kaluuya,
Allison Williams,  Catherine Keener.
Música: Michael Abels.
Fotografía: Toby Oliver.
Duración: 103 minutos.
Estreno EE UU: 22/02/17.
Estreno España: 19/05/17.
Estreno México: 25/05/2017.

jueves, 18 de mayo de 2017

Bajo el sol (Zvizdan)


Las guerras seguirán mientras el color de la piel sea más importante que el de los ojos. -Bob Marley.

La historia: La película nos cuenta tres historias de amor en los años 1991, 2001, y 2011 respectivamente, con el conflicto de la antigua Yugoslavia como telón de fondo. En los tres "capítulos", la mujer siempre es serbia y el hombre es croata. Por lo tanto, todo el conflicto narrativo parte y nos lleva a transitar por las relaciones interpersonarles de amor y odio, entre supuestos enemigos de una guerra que cambió sus vidas.


La crítica: El prestigioso director croata Dalibor Matanic (The Lika Cinema), nos transporta en un viaje sentimental estremecedor, aunque un tanto irregular, hasta el año 1991 en una zona rural de Croacia, en los preámbulos de una guerra que asoló la región de los Balcanes. Después, mediante saltos en el tiempo siempre hacia delante y conservando el mismo marco geográfico, nos relata tres historias de amor distintas, pero marcadas por el enfrentamiento político de sus personajes. Bajo mi punto de vista, nos encontramos ante una nueva "vuelta de tuerca" del mito de los Capuletos y los Montescos (salvando las distancias), que retrató William Shakespeare en una de las obras cumbres de la literatura universal como fue Romeo y Julieta. En todo caso, lo que trata de hacer Matanic, es reflejar los horrores de la guerra y lo consigue hacer sin relatar ni una sola batalla bélica y centrándose en las personas que habitaban el lugar antes, durante y después del conflicto. Una película extraña, seca, pero con altas dosis de emocionalidad que se dividen en los tres siguientes capítulos.

Jelena y Iván, 1991.

La pérdida de la inocencia es la idea fundamental de la primera historia. Y es aquí donde nos encontramos la parte más brillante de la película. Con una poética presentación, mediante un solo de trompeta interpretado por Iván frente a un bucólico escenario fluvial, también conocemos a Jelena que es la novia del joven croata. Ella es serbia y los dos tienen planeado huir de la zona antes de que el conflicto estalle y sus familias los separen definitivamente. Realmente esta historia es la génesis de la cinta y refleja a la perfección como de distinta puede ser la guerra en las zonas rurales en contraposición a su desarrollo en las grandes ciudades. Una guerra que se hace pueblo por pueblo, y casa por casa, reflejándose en la historia con unas imágenes liricamente estremecedoras de como quedaron muchísimas viviendas en ruinas. Mientras tanto Iván y Jelena luchan por salvar su relación en medio de odios larvados y enfrentamientos familiares, que harán de su historia una metáfora de amor y odio.

Natasha y Ante, 2001. 

La reconstrucción física y moral después de un conflicto armado es la idea fundamental de la segunda historia. Aquí el cineasta baja el tono con respecto a la primera parte, pero deja aspectos bastante interesantes. Nos habla de la vuelta al hogar de una joven serbia llamada Nathasa en compañía de su madre. Para reconstruir la casa familiar contratan a Ante, que es un joven croata que no salió de la zona durante el conflicto. Rápidamente, los jóvenes se ven atraídos sexualmente pero también repelidos por el odio tribal que llevan acumulado durante mucho tiempo. La constante tensión sexual se resuelve con una fuerte y embriagante escena erótica de alto voltaje, que la pacata sociedad actual parece que no admite en las películas que vemos habitualmente. A partir de ahí, veremos si la historia de Ante y Nathasa tiene futuro, o por el contrario el rencor se hace vencedor.

Marija y Luka, 2011.

La vuelta a la "normalidad", tras la guerra es la idea fundamental de la tercera historia. Esta parte del largometraje parece impostada y de relleno siendo claramente fallida y paradójicamente dejando una escena final con mucho más cine que el resto de la película. La narración nos trae a Luka de vuelta al pueblo que le vio nacer, tras pasar bastante tiempo en Split alejado del conflicto. Ahora es un joven de su tiempo, con viajes y fiestas infinitas hasta la madrugada. Mientras tanto, su antigua novia llamada Marija ha criado al hijo de ambos, enfrentándose al rechazo croata solo por el hecho de ser serbia y madre soltera. El perdón sobrevuela la tercera historia como leitmotiv de la misma e intentando recomponer de alguna manera la historia entre ambos.


En el reparto es donde está la mayor controversia de la película y no por falta de calidad de sus interpretes. El problema está en que el cineasta croata lleva a pantalla un experimento que se convierte en un exabrupto de difícil comprensión. Y es que utiliza a los mismos actores protagonistas para representar a los diferentes personajes de las tres historias, lo que lleva al espectador a la confusión total. Es decir, Iván, Ante y Luka son personajes independientes pero interpretados por el mismo actor, un correcto Goran Markevic. Y lo mismo pasa con Jelena, Nathasa y Marija que son interpretados con brillantez por Thiana Lazovic una actriz que es un gran descubrimiento pero que no puede evitar la confusión generada por el director.

En conclusión, 'Bajo el sol' es un lúgubre pero a la vez brillante retrato del odio larvado entre las personas que por cuestiones ideológicas y de identidad nacional se ven enfrentadas en algunos conflictos armados. Aunque la narración, en este caso se desarrolla en la antigua Yugoslavia, podría servir como ejemplo del rencor generado en las guerras que se han desarrollado en la historia de la humanidad. También es una hábil mirada en la búsqueda del amor como catarsis contra la crueldad humana. A pesar, del en mi opinión descomunal error de la mala utilización del reparto en la historia, la cinta consigue una pureza cinematográfica muy difícil de encontrar en el cine actual.

'Bajo el sol', obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cannes 2016.

Nota: 7.5/10.

Nacionalidad: Croacia.
Director: Dalibor Matanic.
Reparto: Goran Markevic, Thiana Lazovic,
Nives Ivankovic, Mira Banjac.
Guión: Dalibor Matanic.
Fotografía: Marko Brdar.
Música: Alen Sinkauz, Nenad Sinkauz.
Duración: 129 minutos.
Estreno Alemania: 30/06/2016.
Estreno España: 12/05/2017.


lunes, 15 de mayo de 2017

Entrevista a Luis Ignacio González, locutor y narrador de Cantábrico para celebrar las 100.000 visitas de Cine y críticas marcianas


Es un gran orgullo para Cine y críticas marcianas abrir una nueva sección de entrevistas en el blog, con la presencia del mejor narrador de cine documental de la actualidad como es Luis Ignacio González. En la reseña de la película Cantábrico (Los dominios del oso pardo), ya hice referencia a su trabajo y poco después contacté con él, para pedirle que inaugurara una sección en la que trataré en alguna ocasión más, de invitar a algunas personas relacionadas con el mundo del cine. En una nota final, también agradeceré las 100.000 visitas recibidas en el blog marciano. Así que muchas gracias a todos y sin más, os dejo ya con la entrevista.


Felicidades por tu trabajo en Cantábrico y enhorabuena por las críticas recibidas. ¿Cómo surge tu participación en la película?

El director de la película, Joaquín Gutiérrez Acha y yo, ya habíamos trabajado juntos en otras producciones similares hace tiempo. Me propuso para locutar 'Cantábrico', y la productora Wanda Films aceptó la propuesta.

En cuanto al trabajo en sí, ¿el director está presente en tu locución o te deja cierta libertad? ¿Cómo es el proceso de grabación?

Ambas cosas. El director está presente en la locución y ente ambos vamos adaptando la voz a la historia que cuentan las imágenes. En el caso de 'Cantábrico' se hizo la locución sobre imagen con guión preestablecido.

¿Esperábais el equipo de Cantábrico el inusual éxito en las taquillas de un documental español?

El gran éxito de 'Cantábrico' es haber llamado la atención de un segmento muy amplio de público. Creo que este documental ha gustado a personas de todas las edades y probablemente triunfe fuera de nuestras fronteras dada la calidad del mismo.

¿Consideras tu narración en off de la película, como tu mejor trabajo hasta la fecha? ¿O se quiere a "todos los hijos por igual"?

Tú lo has dicho. A todos los hijos de les quiere por igual.

¿Qué otros trabajos tuyos, destacarías en el mundo del cine en general y del documental en particular?

En realidad mi trabajo a lo largo de muchos años ha estado más volcado en la locución publicitaria y en el vídeo y la voz corporativa. Cierto es que hay documentales de gran calidad. Me viene a la mente la serie 'Mundos Perdidos' que produjo Gondwana (New Atlantis). O los documentales sobre la geografía española y reservas naturales de Azor Producciones emitidos por Televisión Española. Y últimamente estoy disfrutando mucho con todas las series documentales que se están grabando y en las que también participo para la televisión autonómica extremeña sobre costumbres, paisajes y gastronomía de la región. Estos últimos magníficamente realizados por la productora Volcán. Lo más anecdótico en cine fue mi doblaje de un personaje de dibujos animados llamado Alfredo, para la edición norteamericana de la historia de los Reyes Magos, "The 3 Wise Men". Lo gracioso de esto es que tuve que hacerlo en inglés.

¿Consideras que debería haber una categoría en los Premios Goya al mejor narrador documental o al mejor actor de doblaje? ¿Existe algún galardón para reconocer vuestra labor?

En general, el sonido siempre ha sido "el pariente pobre" de una película, exceptuando eso si, la banda sonora original. Pero ya que lo preguntas, no estaría mal que existiera un galardón para la locución. Que yo sepa, existen los Premios Take, que otorgan galardones a las voces del doblaje.


¿Cuándo eres consciente de que tienes una voz con potencial para dedicarte a la locución? ¿Te lo comenta alguien o te percatas tu mismo de tu "herramienta de trabajo"?

Mi primera escuela fue la radio y después de empezar a grabar publicidad en emisoras locales, un buen día algunas agencias y productoras se interesaron por mí. A partir de ahí -te hablo del año 1985-, empecé a ser más conocido y a trabajar prácticamente con todas las agencias, productoras y estudios de sonido de España.

Me comentas que empezaste en radio, concrétamente, ¿en qué emisora distes tus primeros pasos? ¿Cuando prendió la mecha para el lanzamiento de tu carrera profesional?

Como te decía, hace más de tres décadas empecé en Radio Oeste de Madrid, una radio local, donde conocí al tristemente desaparecido Luis Figuerola-Ferreti con el que empecé a hacer algunos bocetos publicitarios. Recuerdo que mi primer trabajo en un estudió de grabación (Edit, en el madrileño Paseo de la Habana, ya desaparecido), fue un anuncio para el lanzamiento de la furgoneta Renault "Trafic". Y a partir de ahí prendió la mecha y desde ese estudio empezaron a conocerme y llamarme para otras producciones. Recuerdo también con especial cariño a Arturo Marugán, a Carlos Infante, a Santiago Lardies de LP Montaje y al equipo de Broka 80. Estos fueron los primeros trabajos. Como te puedes imaginar, desde entonces hasta hoy serían incontables las personas, las empresas y las marcas a las que siempre estaré agradecido por haber confiado en mí.

¿Cuál es tu faceta preferida, la de locutor de radio, la de actor, la de poner voz a campañas publicitarias o la de narrador de cine?

Cada faceta tiene sus propias características. Me gustan todas. Lo más importante no es la faceta sino el trabajo que se realiza en cada ocasión. No es la radio en general, sino qué radio puedas realizar. Como no es la publicidad en conjunto, sino qué tipo de publicidad hagas.

En las noches de martes a jueves tienes un programa propio en Capital Radio llamado "Déjate Inspirar. ¿Cuál es la temática del programa y que posibilidades hay de descargarlo o de escucharlo a través de Internet?

La temática de Déjate Inspirar es sencilla. Construyo historias que saco de la trastienda de la fibra sensible y cuento entre canción y canción. Generalmente selecciono baladas y oldies. Se puede descargar el podcast en Capital Radio/Déjate Inspirar.

¿Cómo te llevas con las redes sociales?

Ni bien ni mal sino todo lo contrario. Puedes encontrarme en Twitter y en Linkedin, además de en mi espacio web www.luisignaciogonzalez.com


Luis Ignacio, con tu permiso te voy a hacer un pequeño y divertido cuestionario personal de preguntas cortas para conocer algunos de tus gustos.

¿Cuál es tu película preferida?

Juegos de Guerra, del año 1983 dirigida por John Badham. Y si me lo permites otra, La Gran Comilona de Marco Ferreri.

¿Tu actor preferido?

José Bódalo.

¿Tu actriz preferida?

María Isbert.

¿Tu narrador de televisión o cine preferido de todos los tiempos?

El locutor Manolo Cano..... y otros veinte más.

¿Una ciudad para vivir, que no sea Madrid?

León.

¿Tu comida preferida?

Me encanta comer, me resulta imposible decir un solo plato.

¿Y tienes algún restaurante favorito?

También aquí me es imposible decir solo uno. Depende de mi estado de ánimo, de la época del año....

¿Tu libro preferido?

Cualquier libro de divulgación, especialmente sobre las Ciencias de la Salud.

¿Tu sala de cine preferida de las actuales o del pasado?

De la actualidad, Kinépolis. Del pasado, el Cine Astoria en el Paseo de Extamadura en Madrid. Ya no existe.

¿Una ciudad por conocer?

Buenos Aires.

¿Una ilusión por cumplir?

Acabar con el maltrato de las personas, animales y cosas.

Por último, agradecerte infinitamente tu presencia en Cine y críticas marcianas en mi nombre y en la de todos los asiduos a este espacio cinéfilo. ¿Te gustaría añadir algo para concluir la entrevista?

Si, claro. Quiero que estas palabras sean de agradecimiento por tu entrevista y de ánimo por este trabajo que gracias a las nuevas tecnologías es capaz de contactar con sensibilidades y aportar información. Cantábrico, por otra parte, es una una película emocionante y hermosa. Sigamos teniendo la capacidad de distinción suficiente como para diferenciar los trabajos de calidad de aquellos que no la tienen.


Agradecimientos finales: Además de a Luis Ignacio González, tengo que hacer un agradecimiento general para todas las personas que han llegado a visitar este blog de cine para llegar a la cifra de 100.000 visitas. Y en particular, el agradecimiento muy especial, para tres personas. Son, Alfredo García creador de Cinefilia, la colección líder de cine de las redes sociales, por su confianza en mí desde los primeros pasos de Cine y críticas marcianas, viniendo el grueso de las visitas de las divulgaciones de las reseñas que hace en su espacio de cine. En segundo lugar, a Ángela Merino, directora de Noroeste Madrid por ofrecerme su medio para colaborar en él y abrirme las puertas del mundo del cine con pases de prensa, entrevistas y demás aspectos de las relaciones con la industria. Por último, también a mi querida amiga María del Socorro Duarte del estupendo blog literario Presentimientos, por su ayuda en los momentos duros, muy duros en lo personal y por saber estar también en los buenos momentos.

Y para acabar, os dejo con dos vídeos del protagonista de la entrevista de hoy, para que podáis comprobar su profesionalidad y su majestuoso dominio del lenguaje en la narración documental. ¡Muchas gracias!



Gráficos de María del Socorro Duarte y Macarena Sierra del magnífico blog viajero El Mundo con Ella

La entrevista se publicará próximamente también en Noroeste de Madrid, adaptándola adecuadamente para este medio.

jueves, 11 de mayo de 2017

El Remolino (The Swirl)


"La vida es como un remolino que da vueltas y vueltas ....y vuelves a llegar al mismo lugar." - Pedro, el campesino. _El Remolino.

La historia: La película documental mexicana estrenada en el pasado Festival de Locarno, nos habla de una pequeña comunidad de alrededor de 150 habitantes llamada El Remolino y que está situada en en las zonas inundables de Chiapas en el sur de México. Y lo hace, a través de dos hermanos de mediana edad, llamados Pedro y Esther que protagonizan la narrativa. Pero la historia de El Remolino, es el testimonio de una inundación repetida periódicamente, tras la época de lluvias que azota cada año con más intensidad la zona geográfica limítrofe al río Usumacinta. Es decir, nos encontramos ante un retrato de la lucha del hombre contra las condiciones meteorológicas, que podrían estar afectadas por el cambio climático a nivel global.


La crítica: Tremenda, desgarradora y a la vez preciosista película documental mexicana dirigida con sutileza y gran fuerza narrativa por la cineasta española Laura Herrero Garvín, que firma una ópera prima de auténtico lujo visual e intelectual. Y lo hace, a través de la mirada de Pedro, que es un campesino transexual y de su hermana Esther que es una pequeña comerciante que lucha por darle unos estudios que ella no tuvo a su hija Dana. Pero antes de entrar en los pormenores de la vida de esta familia de la aldea, el documental refleja las inmensas lluvias que llevan a unas crecidas anuales que imposibilitan una vez al año la vida de estas familias.

La cinta se presenta en un principio como una pequeña y metafórica road movie circular, a través de los desplazamientos a través del río de los habitantes del lugar. Las crecidas son enormes y lo que empezó hace unas décadas con una subida del nivel del río hasta las rodillas de los oriundos, ahora y como ellos mismos muestran en pantalla, el agua les llega hasta el cuello literalmente. Dicen que Dios aprieta pero no ahoga, pero por las pérdidas de vidas humanas del lugar, parece que el humilde remolino mexicano aún no ha entrado en sus planes. Aunque si para las personas es duro, para los animales del lugar es completamente devastador. Lógicamente la agricultura es otra de las afectadas por las grandes lluvias anuales de la región.

Una vez que conocemos el contexto climático de la zona, es cuando la cineasta busca con una sensibilidad especial el lado humano de las personas que no personajes, que habitan el lugar. Pedro es una rara avis entre sus doce hermanos, y ya desde pequeño se percató de su tendencia homosexual. En principio, en comunidades tan cerradas, era de esperar el rechazo que tuvo por su padre y otras personas de la población. Si aún en las grandes urbes mundiales, se registran ataques homófobos, la conclusión es clara de que su vida no ha sido un camino de rosas en el aspecto sexual. Aún así, Pedro se muestra implacable con su condición sexual y ha conseguido ser medianamente aceptado por su familia e incluso por los habitantes del aislado lugar. Convicciones y principios llevados hasta las últimas consecuencias por el enternecedor campesino, que ahora se está planteando el cambio de sexo e incluso la adopción de un hijo. Una historia realmente impactante que refleja una frase de Pedro, y que además, añade el golpe de humor al documental y que dice así: "soy reina de noche y hombre de día".

Esther, es el otro afluente por el que penetra la directora, estableciendo con ella una relación de intimidad que se plasma en los testimonios que la remolinense nos deja en pantalla. De hecho, esta mujer está tan implicada con el rodaje del documental, que decide desde su humildad, adquirir una pequeña videocámara para registrar su pequeño cuaderno de rodaje, con la intención de legárselo a su hija como recuerdo de la experiencia. Muchas de las imágenes que Esther graba para ella misma, al final son utilizadas por la documentalista y las integra con inteligencia en la película.


El Remolino ha pasado con muy buena nota por los festivales de cine de Locarno, el Ambulante mexicano y ha logrado la Mención especial del jurado del Festival Internacional de Cine de Mérida (FICMY). Ahora llega a España en la sección oficial a competición en el prestigioso Festival Internacional DocumentaMadrid 2017. Al cierre de esta reseña, aún no se conoce el palmarés oficial del festival, pero en el pase al que tuve la ocasión de asistir, el aplauso del público fue unánime al concluir la proyección. Precisamente, una de las funciones de los festivales de cine, es la difusión de estas cintas independientes para poder generar interés en las distribuidoras y así poder ser estrenadas posteriormente en los circuitos de las salas comerciales para llegar a todos los públicos. De momento, El remolino seguirá girando por festivales y cinetecas a la espera de si es estrenada comercialmente. En todo caso, supongo que a su debido tiempo estará presente en las distintas plataformas legales de cine en Internet.

En resumen, la película es un magnífico retrato de la lucha del hombre contra las circunstancias meteorológicas y su adaptación frente a las adversidades de las mismas. Para catalogar de alguna manera la cinta, nos podríamos circunscribir al cine de arte y ensayo pero perfectamente adaptado a la mirada moderna y actual de una cineasta española, pero mexicana de adopción como ella misma se define.

En mi opinión, lo mejor y más puro de la cinematografía actual viene sin ninguna duda del cine documental. En Cine y críticas marcianas se ha dado buena cuenta de ello, en producciones tan interesantes como La historia de JanLa gran ola o Cántabrico. En esta ocasión, El Remolino nos ofrece un maravilloso poema visual, que trata temas tan interesantes como la despoblación de los núcleos rurales, las tradiciones socio culturales de una región de un verdor indescriptible como Chiapas o incluso la búsqueda del amor por parte de Pedro. Este refleja en sus labios, una frase que podría resumir uno de los mayores anhelos del ser humano y que dice algo así: "Mi sueño es encontrar una pareja para amar y ser amado".  En conclusión, una obra que ante todo es un homenaje al humanismo en el más amplio concepto de este término.

Nota: 9/10.

Actualización 12 de Mayo: El Remolino ha sido galardonada con el Premio al Mejor Largometraje de la Competición Nacional en el Festival Internacional DocumentaMadrid 2017, obteniendo además una valoración del público de 4.48/5. ¡Enhorabuena!

Nacionalidad: México.
Dirección, guión y fotografía:
Laura Herrero Garvín.
Fotografía naturaleza:
Canek Kelly Guevara.
Duración: 75 minutos.
Presentación: Festival de Locarno.
Estreno comercial: Pendiente.


lunes, 8 de mayo de 2017

El círculo (The Circle)


Lo que ocurre en Las Vegas, se queda en Las vegas. Lo que ocurre en Twitter se queda en Google para siempre. -Jure Keplic.

La historia: Mae (Emma Watson), es una joven que consigue un puesto de trabajo en El Circulo, que es una empresa tipo Google, que se ha hecho con el nicho de mercado más importante de internet a nivel global. Mientras desarrolla sus primeros pasos en la empresa, conoce a Eamon Bailey (Tom Hanks), uno de los fundadores de El Circulo y que encantando con la frescura de Mae, la invita a asumir nuevas responsabilidades. Pero lo que parece un entorno idílico y de "buen rollo" entre compañeros de trabajo, pronto se convertirá en una invasión de la intimidad de todos los trabajadores y de los demás usuarios de esta nueva super red social.


La crítica: Basada en la novela homónima del escritor estadounidense Dave Eggers, es el cineasta James Ponsoldt (Smashed), el encargado de dirigir esta cinta, que partiendo de una potente premisa se va desinflando poco a poco, hasta quedarse en una especie de caricatura sobre las redes sociales y las consecuencias en el comportamiento de las personas. Ya el verano pasado, con el descomunal bodrio de la película Nerve, se empezó a explorar los peligros de la influencia de Internet, sobre todo en la población más joven. Por supuesto que El círculo está por encima de Nerve, pero no llega a ser la gran película que estamos esperando aún y que no sabemos si llegará sobre las redes sociales y todo lo que significa la revolución tecnológica.

Toda la historia gira en torno al personaje de Mae, su entrada en la compañía y su desarrollo como trabajadora en la misma. Podríamos pensar perfectamente que estamos entrando en las oficinas centrales de Google en Silicon Valley, cuando Mae comienza a desarrollar su labor dentro de El círculo y esto hace a la película muy atractiva de salida. El problema surge, cuando el guión adaptado por el mismo escritor de la novela, no para de caer en lugares comunes y desarrollos previsibles rompiendo de esta manera el ritmo narrativo de la propuesta.

En cierta manera vemos reflejada en la historia el gran hermano que Orwell ya adelantó en su aclamada novela 1984. Esto sucede, cuando Mae para progresar en la escala social de la empresa, acepta el experimento temporal que su jefe Eamon Bailey le propone y que no consiste en otra cosa que retransmitir su vida en directo durante 24 horas y por tiempo indefinido. Para ello se verá obligada a llevar microcámaras en su ropa y a llenar su casa particular de más artefactos de videovigilancia. El objetivo, conseguir la transparencia absoluta de los empleados con la excusa de que no hay nada que ocultar si eres una persona legal.

De esta manera, el cineasta busca hablar de la violación de la intimidad y del poder de las redes sociales en la actualidad. Quizás la idea más original de la propuesta, sea la posibilidad que plantean en El círculo de poder votar en las elecciones legislativas de tu país, mediante tu perfil de Facebook o de Google. Por otra lado, parece una auténtica tontería la posibilidad de implantar chips en los huesos de los niños para su control, como se teoriza en algún momento de la cinta. Este, es uno de los problemas de la película, es decir, la exageración y la manipulación de los argumentos, que convierten el peligro real de algunas redes sociales, en algo teatralizado y que paradójicamente hacen vieja a la película cuando pretende lo contrario sin duda.


La británica Emma Watson (Mi semana con Marilyn), es la referencia principal en el capítulo de las interpretaciones de la cinta y sin llegar a estar mal, tampoco convence en este papel en el que cabía esperar una actuación más potente. ¿Por qué Emma, parece continuamente enfadada en las últimas apariciones en pantalla? Yo no lo sé, lo que parece es que se quiere quitar de encima su fama de niña buena y cool con unas miradas demasiado afectadas, e incluso con una inexpresividad un tanto displicente en su forma de estar sobre el escenario. Parece claro que su profesión le está exigiendo ya, papeles más comprometidos y salvajes con cambios de registros urgentes en sus personajes. En todo caso, cabe destacar esa dulce fragilidad que la emparenta de alguna manera con Audrey Hepburn, pero que en el cine de hoy en día la podría llevar a encasillarse en unos papeles con registros demasiado similares. El segundo protagonista en pantalla es Tom Hanks (Sully), y esto son palabras mayores. Aquí representa un buen papel como tiburón de los negocios, con una cara blanqueada respecto a sus propios trabajadores y al público que va dirigido su negocio en la empresa tecnológica. La doble cara es lo que quiere expresar el cineasta con este personaje. Por último, un recuerdo muy especial para Bill Paxton en su filme póstumo interpretando al padre de Mae con su buen hacer habitual.

En conclusión, El circulo es una pelicula que nos habla de una manera un tanto paranoica del control humano a través de las redes sociales criminalizándolas, en una especie de maniqueísmo algo rancio y claramente tramposo. Presenta de una manera solapada a Google, como una especie de secta social en su forma de entender las relaciones laborales y lo oculta en este circulo que se convierte en un experimento fallido de lo que pudo ser y no fue. En la parte positiva me quedo con un tipo de cine que siendo una nimiedad cinematográfica, produce un cierto placer culpable por el morbo que produce ver las redes sociales a través del mundo del cine.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: James Ponsoldt.
Reparto: Emma Watson. Tom Hanks,
Bill Paxton, John Boyega, Karen Gillan.
Guión: James Ponsoldt,  Dave Eggers.
Música: Danny Elfman.
Fotografía: Matthew Libatique.
Duración: 110 minutos.
Estreno EE UU: 28/4/17.
Estreno España: 5/5/17.




viernes, 5 de mayo de 2017

Un italiano en Noruega (Quo vado?)



La historia: Checco es un funcionario italiano que tiene como obsesión y casi única meta en la vida, conservar su puesto de trabajo fijo en la administración pública. Casi a los 40 años ya, vive a cuerpo de rey en la casa de sus padres, que le aman y miman orgullosos del logro conseguido. Pero una reforma en la administración pública italiana, hacen de su vida un continuo traslado de ciudad y de puesto de trabajo, con el fin de que deje de "chupar" de las arcas públicas sin dar un palo al agua. Como último recurso para intentar que abandone su puesto de trabajo, la directora de su área, le traslada a lo más remoto y aislado de Noruega, en una base científica italiana. Cansado y a punto de abandonar su trabajo, aparece en su vida Valeria y cae rendidamente enamorado de ella. A partir de ese momento, comenzará un debate entre el amor al funcionariado o el amor a una mujer que está descolocando aún más su vida.


La crítica: Una de las escenas que abre la película, es toda una declaración de intenciones de la sátira que vamos a presenciar sobre el amor del pueblo italiano (y del sur de Europa), a lo que llamamos por estos lares, un puesto de trabajo "fijo". Nos encontramos con Checco en su más tierna infancia y cuando le preguntan, qué le gustaría ser de mayor, el niño responde sin ninguna duda: "Yo quiero ser funcionario".

Quo vado? se ha traducido en España, con el peculiar título que encabeza esta reseña. A la espera de si es estrenada en otros países europeos, de momento en México se ha titulado como ¡No renuncio! en un nuevo capítulo de crímenes traductores en la brillantez de estas mentes inquietas y perversas. Como siempre, saludos a estos queridos genios del marketing en el cine. Please, consulten el título en inglés de 'Olvidate de mi' con Kate Winslet y Jim Carrey. Bueno...., yo hago el trabajo, el título original fue "Eternal Sunshine of the Spotless Mind". O sea, con un par y me quedo tan ancho o ancha....por cierto estupenda película, que lastimosamente se recuerda más por esto, que por su original premisa y sorprendente desarrollo.

Pero volviendo a la cinta en cuestión, lo más destacable de esta comedia italiana es que ha conseguido conectar con la población local, convirtiéndola en la película más taquillera del cine italiano hasta la fecha. Un hito histórico que recuerda al rotundo éxito que tuvo "Ocho apellidos vascos" en el cine español o 'No se aceptan devoluciones' en el cine mexicano. ¿Es esto indicativo de la calidad de la propuesta? Pues ni mucho menos. Lo que indica claramente, es la necesidad de las poblaciones locales por desconectar de alguna manera de la realidad social de sus respectivos países. En todo caso, 'Un italiano en Noruega' es una aceptable propuesta que hace pasar un rato entretenido y que provoca la sonrisa cómplice del espectador, sabiendo que la calidad cinematográfica de la historia es muy justita, no aspirando a una cosa distinta a lo que es.  Es decir, no encontraremos la sombra de Fellini, ni es el objetivo.

Por el contrario, lo que busca la película sin descanso es el choque contracultural entre los habitantes de la trabajadora y "civilizada" Europa del norte en contraposición con la "dolce vita" que supuestamente se vive en los países latinos del sur del viejo continente. Para tal fin, se vale de unos personajes completamente estereotipados y bordeando en todo momento la caricatura, para buscar la complicidad con el espectador que quedará embaucado sintiéndose más inteligente que los protagonistas de la acción, en un viejo pero efectivo truco del cine más populista.


Checco Zalone es un cómico de tremenda popularidad en Italia y básicamente lo que hace es interpretarse a si mismo con acierto, pero paradójicamente con un cierto aire de antipatía en pantalla. Podríamos compararlo en cierta manera con la repercusión en España de Santiago Segura (Torrente), o con la popularidad obtenida por Sacha Baron Cohen (Borat) en el Reino Unido. En cualquier caso, resulta imprescindible verlo actuar en versión original italiana para poder valorar todo su repertorio y situarnos en el contexto correcto. Si ya de por sí, con el doblaje al castellano se pierden muchos matices en las cintas internacionales, con el cine italiano especialmente y dado su especial carácter un tanto histriónico, cualquier cosa distinta a visionar la versión original carece prácticamente de sentido. Como compañera principal de reparto y en el papel de Valeria aparece Eleonora Giovanardi, con un papel cálido y bastante acertado. Ella representa todo lo contrario a Checco, es decir es aventurera, madre soltera de tres hijos de distintos padres, feminista, liberal y defensora de distintas causas perdidas. El choque cultural entre los enamorados es la génesis de los distintos gags que se producen en la parte noruega de la historia.

En conclusión, nos encontramos ante una propuesta divertida, pero que en su parte técnica deja mucho que desear por su aire de telefilme con unos decorados que realmente hacen daño a la vista y que son muy desiguales en contraposición con algunas buenas localizaciones en Noruega e Italia. En todo caso, un espectáculo cinematográficamente bastante flojito que sin embargo es una buena sátira hacia la función pública que permite salir del cine con una sonrisa a la italiana.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Italia.
Dirección: Gennaro Nunziante.
Reparto: Checco Zalone, Lino Banfi,
Eleonora Giovanardi, Sonia Bergamasco.
Música: Checco Zalone.
Fotografía: Francesco Di Giacomo.
Duración: 85 minutos.
Estreno Italia: 1/1/16.
Estreno Argentina: 28/7/16.
Estreno México: 5/8/16.
Estreno España: 28/4/17.


martes, 2 de mayo de 2017

Plan de fuga


La historia: Víctor (Alain Hernández) es un policía reconvertido, que tiene un pasado criminal como atracador de bancos. Su misión consiste ahora en infiltrarse en una banda de atracadores de la Europa del este, para frustrar sus planes en un gran golpe que tienen preparado con carácter inminente. Para ello, buscará ayuda en "Rápido" (Javier Gutiérrez), un antiguo amigo, que ahora es un yonki con una información básica de lo que están planeando los delincuentes organizados. Una de atracos....


La crítica: Para no andar con "paños calientes", diré que nos encontramos ante un descomunal bodrio perpetrado por el cineasta español Iñaki Dorronsoro, que da una lección magistral de lo que no se debe hacer en el cine, a no ser que el objetivo sea recaudar unos buenos euros, mientras los espectadores se duermen o directamente se dedican a engullir palomitas para soportar semejante film visto 7000 mil veces ya, pero de mejor factura e ideas. Y es que me duele, que las personas inviertan su dinero en una entrada de cine, para encontrarse con un producto totalmente comercial en el peor sentido de este término. Más que decepción la sensación es de indignación.

Pero argumentemos la idea de porqué es tan fallida la cinta para no ser acusado de hacer crítica destructiva. ¿Qué falla en Plan de fuga? En primer lugar, un guión inconexo y que bebe de cientos de películas del "género de robos", sin aportar nada nuevo y cayendo en centenares de clichés en sus 100 minutos de duración. Además, de nuevo, nos encontramos con una muy oscura fotografía que directamente impide ver lo que aparece en pantalla, cosa que empieza a ser un problema generalizado en el cine, que busca un cierto aire noir a las películas, consiguiendo el efecto contrario. Precisamente en el cine negro clásico, la fotografía era portentosa y unas de sus señas de identidad, por lo tanto, esto es una moda/broma de mal gusto, que no tiene pinta de arreciar mientras nos sigamos torpedeando explicando que la falta de luz es consustancial para crear el clímax adecuado??

Pero el principal problema de Plan de Fuga, es que no engancha en ningún momento y menos aún implica al espectador ni con los malos ni con los buenos de la película. Es decir, que causa indiferencia que roben, maten, pillen a los atracadores o el galán de la película rechace un regalo en forma de prostituta. Por supuesto una pizquita de machismo no podía faltar. En definitiva, que da igual lo que pase, porque no se genera interés ni con la estructura narrativa, ni con la supuesta tensión emocional de la historia que de hecho no existe. Que me disculpé Dorronsoro, pero para este viaje no era necesario, el sin duda esfuerzo realizado. Pero, ¿tiene algo bueno Plan de fuga? Si, el reparto, así que vayamos con el.


Alba Galocha, en la imagen, (No culpes al Karma de lo que te pasa por gilipollas), se confirma como una de las actrices españolas jóvenes con más talento y fuerza en pantalla. Aunque tiene un pequeño papel secundario, interpretando a una bailarina de streptease, pienso que la vamos a ver en el cine con papeles de mayor entidad. Pero el personaje principal, lo lleva a cabo un buen Alain Hernández (El rey tuerto), dándole fuerte soporte al policía metido a ladrón de bancos (de nuevo) y dejando realmente una buena impresión. Completan el reparto, un profesional Luis Tosar (Toro) como comisario jefe y un excelente Javier Gutiérrez (La isla mínima), recordándonos en cierta manera al buen papel de drogadicto que lanzó a Javier Bardem en 'Días Contados' de Imanol Uribe. ¿Pero de qué vale un buen reparto si nos encontramos con una película vacua y vacía? Pues prácticamente para nada, en un símil sería como tener un coche deportivo impresionante, para luego no tener dinero para combustible. En todo caso, es importante destacar sus buenas actuaciones.

En conclusión, y tras dos buenas películas hispanas en el año 2016 del subgénero de robos, como fueron Cien años de perdón y Al final del túnel, esta vez no hay tanta suerte y nos encontramos ante un producto más para consumo televisivo que una obra propiamente hecha para el cine. El aire de serie de atresmedia televisión, no deja despegar a la película en ningún momento y para colmo un almibarado y surrealista final, dan la puntilla a un film que es una geografía de lugares comunes que imposibilita la implicación con algunos de los personajes. Una oportunidad perdida, que quedará solo para los incondicionales de los thrillers de robos a bancos.

Nota: 3/10.

Nacionalidad: España.
Dirección y guión: Iñaki Dorronsoro
Reparto: Alain Hernández, Luis Tosar,
Alba Galocha, Javier Gutiérrez.
Música: Pascal Gaigne.
Fotografía: Sergi Vilanova.
Duración: 105 minutos.
Estreno España: 28/04/2017.

jueves, 27 de abril de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Mi semana con Marilyn


Lo único que ve la gente en mí siempre es a Marilyn Monroe. En cuanto ven que no soy ella huyen. My week with Marilyn, año 2011.

La frase que abre esta reseña de cine para el recuerdo, es un claro indicio del trágico final que tuvo la dulce Marilyn cuando ella misma se arrebató su propia vida. Un mito, una estrella entre las estrellas que no pudo resistir a su propio personaje y acabó muriendo de éxito. Y es en el minuto setenta y dos de la cinta, cuando encontramos este desgarrador testimonio que guarda la clave de quién era ella y hasta que punto la actriz pudo con la persona. El precio de la fama se cobró una vida convirtiéndola en leyenda.


Simon Curtis firmó en el año 2011 este biopic parcial de Marilyn Monroe, que se centra en cuando la actriz acudió a Inglaterra para llevar a cabo el rodaje de la película 'El príncipe y la corista' en el año 1957. El cineasta en la que fue su ópera prima, firmó su trabajo más personal hasta la fecha, desarrollando un homenaje al cine dentro del cine de una factura técnica exquisita. Pero ante todo, la película es una curiosidad en la vida de la artista que se vió rodeada y superada por un reparto en el que el método estaba por encima de la improvisación que a ella le hacía única en pantalla.

La película británica de la que hablamos hoy, está basada en los diarios personales del escritor Colin Clark que a sus 23 años trabajó como asistente del director en el rodaje de la ya citada, 'El príncipe y la corista'. Los hechos se centran cuando el esposo de Marilyn, el escritor Arthur Miller se vuelve a Estados Unidos tras desavenencias personales con su mujer y es entonces cuando a Clark se le encarga el cuidado y la protección de Marilyn. A partir de este momento se establece un inocente romance entre el joven y la estrella de Hollywood que es la base dramática de la propuesta.

La extraordinaria y talentosa actriz Michelle Williams (Brokeback Mountain) ganadora del Globo de Oro por esta interpretación, asumió este reto en su carrera tras rechazar Scarlett Johansson el papel, quizás por miedo a que la encasillaran en el papel de chica sexy para el resto de su carrera. Y la verdad es que en un principio cuesta ver a Williams en el papel, pues sus rasgos difieren con los de Marilyn en varios aspectos. La sorpresa sucede cuando la mimetización y la interiorización tanto de la voz como de la faceta gestual es tan grande, que el recuerdo a la rubia más célebre del cine se convierte en realidad.

La cinta supuso el lanzamiento del actor británico Eddie Redmayne (La chica danesa), interpretando al escritor y por entonces ayudante de dirección Colin Clark, en un papel fresco, emocional y dejando para el recuerdo unas miradas que valen casi más que el texto recitado con su buen hacer habitual. Kenneth Branagh (Enrique V, Hamlet) fue nominado al Oscar por la interpretación que hace de Sir Lawrence Olivier en su empeño por universalizar su carrera a través del mito de Marilyn. Judi Dench, Emma Watson y Julia Ormond también destacan en un reparto de un altísimo nivel técnico.


Mi semana con Marilyn está narrada en un tono de dulce fábula en la que es un placer entrar gracias al virtuosismo en el manejo de la cámara Simon Curtis. Aunque el creador de una atmósfera tan cinéfila, es su director de Fotografía Ben Smithard que a través de sus filtros y tonos nacarados nos lleva hasta la década de los 50 en un preciosista y encantador viaje visual. Pero no es hasta la segunda parte de la cinta, cuando la historia empieza a tener el calado emocional que la convierte en algo más que en un espectacular marco estético. Es entonces, cuando podemos apreciar la fragilidad y soledad que siente Marilyn ante el pelotón de aduladores que la acompaña. Y es ahí, cuando ella misma parece comprender que antes que una buena actriz, es considerada más por su físico que por su talento. Se está rompiendo en pedazos por dentro, al darse cuenta de sus propias debilidades como actriz, pero a su vez no está dispuesta a renunciar al mito y a la celebridad que ha logrado por una sensualidad explotada por ella misma. La amistad que traba con el joven ayudante de dirección, es la perspectiva desde la que el cineasta ataca la historia para hacernos ver que Marilyn era un pajarillo con las alas rotas entregada ya a los sedantes y a la medicación para poder sobrellevar sus contradicciones de la mejor manera posible. Está es la esencia de lo que aporta Mi semana con Marilyn al legado de la artista. Una mujer que fue superada por su propio personaje y de la que sacaron provecho tanto la industria del cine como los maridos que se acercaron a ella y no la supieron o no pudieron entenderla.


La cinta tuvo un buen paso por taquilla si nos atenemos a que contó un presupuesto de 10 millones de dólares y obtuvo un recaudación final de más de 34 millones. Respecto a los premios, logró ser nominada por distintas asociaciones de críticos entre las que destacan los círculos de Nueva York, San Diego o Toronto siendo sin embargo destrozada por otra parte de la crítica sin piedad. Pongamos unos cuantos ejemplos contrapuestos, para demostrar que la crítica de cine sufre de una bipolaridad en ocasiones de extrema gravedad. Respecto a Michelle Williams, Javier Ocaña en el diario El País escribió: "Williams no da el pego ni en el físico, ni en el rostro, ni por supuesto en el aura". En cambio Oti Rodríguez Marchante en el periódico ABC se refirió a la actriz así: "Una interpretación, la de Michelle Williams que vale un Oscar se lo den o no". Sigamos ahora con la película en si. Michael Phillips en Chicago Tribune dejo esta perla: "Una película menor, sobre una película menor a pesar de los talentos implicados". Sin embargo Carmen Lobo en el diario La Razón se expresó así: "Filme Exquisito, sobrio, contenido". Si a todo esto le añadimos que obtuvo calificaciones desde el sobresaliente al muy deficiente, fácilmente deduciremos que detrás de cualquier crítica de cine hay nada más y nada menos que una persona y ya se sabe que cada persona es un mundo. En conclusión, que leer una crítica de cine es un acto de alto riesgo intelectual, que como dice el crítico Pablo del Moral, el mayor peligro de ellas es tomarlas muy en serio.

Hay aspectos que se prestan a poca discusión en la película y uno de ellos es la excelente ambientación conseguida en la misma. Rodada en los míticos Pinewood Studios en los cuales se rodó 'El príncipe y la corista' y muchas de las películas de James Bond, la cinta consigue ser una obra maestra en cuanto a la dirección de arte se refiere. Para ello veamos esta fotografía en que cada elemento está colocado con una precisión absoluta. El actor ocupa el centro del plano con un vestuario perfecto. Los maravillosos coches de época le rodean y a la vez dan profundidad a la imagen. Mientras, los extras ocupan su posición y van hablando entre ellos. El espectador es seducido e involucrado en el contexto histórico a través de un diseño de producción de auténtico lujo. La magia del cine es esto, pero para llegar aquí el trabajo es inenarrable.


Música y cine: La belleza de esta banda sonora merece una mención especial. Personalmente la considero entre las diez mejores que se han escrito en lo que llevamos de siglo. El compositor Conrad Pope se encarga de los temas instrumentales y la selección de canciones cuenta con maravillosos temas de Nat King Cole, Dean Martin o la orquesta Tropicana. Por su parte Alexandre Desplat se encarga de uno de los temas centrales del soundtrack con el emocionante Marilyn's Theme. Pero escribir sobre música sin escucharla no es lo mismo. Así que os dejo un ejemplo de lo maravillosa que es la música de cine:


Mi semana con Marilyn es una película que me transportó emocionalmente hasta el Londres del año 1957. Como suelo decir, una cinta que por la razón que sea me eligió a mí una noche del año 2012, que fue cuando se estreno en España. Espero que algunos de vosotros también disfruteis de este viaje para el recuerdo a través de Marilyn Monroe y su leyenda. Os dejo el tráiler para aquellos que aún no hayáis visto la película.

lunes, 24 de abril de 2017

Amar


El verdadero amor, especialmente el primer amor, puede ser tan tumultuoso y apasionado que llega a sentirse como un viaje violento. - Holliday Grainger.

La historia: Laura (María Pedraza) es una chica de 17 años que encuentra en Carlos (Pol Monen) su primer y apasionado amor. Ambos son jóvenes e inexpertos pero saben que se aman con una fuerza arrolladora que ciega sus vidas. Mientras, los padres de ellos, ven con escepticismo esta relación que está intoxicando de alguna manera sus vidas y les está complicando sus estudios. ¿Aguantarán las presiones de familiares, amigos y entorno, para seguir adelante con la relación? ¿Será su amor tan fuerte para soportar algunos devaneos amorosos de Laura? ¿Se amarán para el resto de sus días?


La crítica: Amar para Laura y Carlos es como respirar. Se besan, se quieren, se aman, se respiran el uno al otro, incluso con unas máscaras fabricadas para tan singular forma de entender el amor. Precisamente del primer amor, es de lo que nos habla Esteban Crespo en su ópera prima en el largometraje con un excelente resultado que le coloca en la vanguardia del cine español. Un director curtido en el cortometraje y con una nominación al Oscar de la Academia en 2014 por su corto 'Aquel no era yo', sorprende con una forma de narrar muy novedosa y ciertamente original. Lo que podría parecer una historia de adolescentes sin mayor motivación, pasa a ser un verdadero tratado sobre el amor juvenil que implica de inmediato al espectador buscando en sus recuerdos más escondidos. Por otra parte, los más jóvenes verán en 'Amar', parte de su vida llevada al cine con las redes sociales como referencia secundaria.

Ya desde la presentación, con unos hiper primeros planos de los protagonistas en una escena sexual de alto voltaje, Crespo consigue la plena atención a su propuesta. De este modo, iniciamos el viaje acompañados de una excelente fotografía velada de Ángel Amorós (El bar), en la que los intensos blancos se funden con las pieles erizadas de sus protagonistas. Así es como la película comienza hablándonos de sexo sin tabúes, especialmente en la actitud masculina que cambia ciertos roles con la visión femenina, siendo esta más compresiva en ciertas prácticas sexuales que algunos hombres pudieran considerar humillantes o afeminadas. ¡Golpe de efecto!

Y una vez que Amar ha conseguido captar la atención y golpearnos visualmente con fuerza, ya no nos suelta hasta su desenlace final. La cinta nos habla de la intensidad del amor a los 17 años y del descubrimiento del mundo a través del despertar sexual de dos jóvenes que podemos ser cualquiera de nosotros. Por lo tanto, la historia está narrada a modo de cuento universal para adultos, siendo dulce en algunos momentos, pero ganando toda la fuerza narrativa en la parte donde las relaciones se enfrían y encuentran el lado oscuro de los celos o de las dudas de sus protagonistas.

Laura y Carlos están enamorados a tiempo completo. Es decir, 24 horas sobre 24, pensando el uno el otro sin más norte que su próxima cita o su próxima llamada. Quizás dentro de veinte años, el amor de Carlos y Laura evolucione hacia un amor a tiempo parcial, como el que tienen los padres de ambos representando la mirada irónica y desgastada del amor maduro. Ya decía alguién, que la manera ideal de acabar con el amor era un buen matrimonio....


En el reparto, nos encontramos con el extraordinario debut en en el cine de María Pedraza, interpretando a Laura con fuerza y a la vez sensibilidad artística. La joven actriz de 19 años es bailarina y modelo, siendo descubierta en redes sociales por el director de la película, que no dudo en ponerse en contacto con ella para ofrecerle el trabajo. Sin duda, es la primera candidata del año a ser nominada al Goya a mejor actriz revelación. Su compañero en la cinta es Pol Monen en su primer papel protagonista en el cine. Un actor con buena expresividad y una promesa hecha ya realidad. En el resto del reparto destacan Natalia Tena (10.000 Km) y Gustavo Salmerón (Fuera del Cuerpo) interpretando con acierto a la madre y al "padrastro" de Laura.

En conclusión, Amar es una acertada visión de la "generación Instagram", vista desde la hábil mirada de Esteban Crespo (1971), que podría representar a la "generación Nokia". Una propuesta sin errores aparentes de fondo, que podrá gustar o no, dependiendo de los intereses del espectador en este tipo de historias. En mi opinión, una propuesta de cine independiente, vanguardista e íntimo, que consigue lo más difícil en pantalla y que no es otra cosa que la innovación en la estructura narrativa y en el lenguaje cinematográfico. Por otra parte Amar, es un intenso duelo intergeneracional entre dos miradas distintas a la vida. La percepción del mundo a las 20 años frente a la mirada sarcástica del mismo mundo una vez pasada la barrera de los 40 años. Dos visiones, dos miradas distintas de afrontar la vida, que confluyen en el mismo instinto humano de amar y de ser amados, que buscan sin cesar los protagonistas de la cinta.

Nota: 8'5/10.

Nacionalidad: España.
Director: Esteban Crespo.
Guión: Esteban Crespo.
Reparto: María Pedraza, Pol Monen,
Natalia Tena, Gustavo Salmerón.
Música: Adolfo Núñez.
Fotografía: Ángel Amorós.
Duración: 105 minutos.
Estreno España: 21/04/17.