viernes, 20 de abril de 2018

Un lugar tranquilo: Magistral lección de buen suspense de John Krasinski


Hay algo amenazante en un silencio demasiado grande. -Sófocles.

La historia: En un mundo post-apocalíptico arrasado por unas extrañas y peligrosas criaturas extraterrestres, el matrimonio Abott y sus tres hijos han descubierto que la única forma de sobrevivir es permanecer unidos y en silencio. Los extraños seres invasores son ciegos y solo atacan cuando oyen algún ruido. Para evitar ser escuchados, los Abott se han aislado en una granja rural en el interior de los Estados Unidos y han ideado un sistema para comunicarse y moverse emitiendo el menor ruido posible. Todo se complica aún más, cuando Evelyn (Emily Blunt) se queda embarazada, y tiene que idear junto a su marido Lee (John Krasinski), un sistema para que el parto y el llanto del futuro bebé no ponga en peligro a toda la familia.


La crítica: Un lugar tranquilo (A Quiet Place), nace con vocación de clásico universal en el cine de género y lo hace de forma sobresaliente. Peliculón sin reservas y en mí opinión, la mejor cinta de la década dentro de su categoría.

Su marco narrativo es muy amplio y es colindante entre otros, con el cine de terror, siendo en su esencia un thriller psicológico con pinceladas del género fantástico. Si el cine tiene algún sentido todavía para ser visto en la gran pantalla, este es el ejemplo perfecto y el camino a seguir en un futuro.

Soy un fiel creyente que en la cinematografía es posible innovar y con ello situar a este arte considerado por muchos como algo menor, en un vehículo que se coloque a la vanguardia de las artes escénicas. En cualquier caso, y aunque resulte una obviedad, cabe recordar que el cine no es más que una visualización de una idea que antes tuvo que ser imaginada y redactada en un libreto con múltiples variantes, que van más allá de los diálogos y su posterior puesta en escena.

Y es que todo lo bueno y lo malo que pasa en una película se rige fundamentalmente por una sola cosa: guión, guión y guión. Si este elemento falla, no hay reparto, banda sonora o dirección de fotografía, que pueda salvar a una producción del naufragio.

Y vuelvo a insistir que un guión ya sea adaptado u original, contiene muchísimo más que los diálogos que aparecen en pantalla. Podríamos concluir, que es el mapa por el que discurre cada elemento de la puesta en escena de una filmación. En esta ocasión, es el propio Krasinski, el que tras recibir el libreto de Scott Beck y Brian Woods, lo reescribió para darle su toque como director firmante de la película. Es en suma, un trabajo conjunto y escrito a tres manos, que les aseguro va a ser estudiado en las escuelas de cine por las siguientes generaciones de futuros hombres y mujeres que se dediquen a este arte. ¿Cuál es la peculiaridad de este guión y con él, de la propuesta presentada hoy? En primer lugar la excelencia en su redacción y en segundo lugar, su plasmación en la gran pantalla. Si a ello le sumamos que durante los 95 minutos de metraje, los diálogos solo ocupan 5 minutos de la producción, nos podemos hacer una idea de la complejidad que conlleva esta vanguardista idea para que funcione como un perfecto reloj sincronizado en la sala de cine. En cierta manera, es una vuelta al cine mudo, sin que el espectador se percate de esta circunstancia por la brutal, asfixiante y perturbadora atmósfera conseguida. En este aspecto, la historia se convierte desde su estreno en un clásico del cine de suspense, que iguala o incluso supera por momentos al cine del maestro Alfred Hitchcock.

Pero que apenas haya diálogos, no quiere decir que los personajes no se comuniquen. Todo lo contrario. Ellos lo hacen a través del lenguaje de signos o de miradas y susurros. Y es que cualquier ruido disonante, puede provocar que los seres que habitan en los exteriores de su granja, y que han aniquilado a buena parte de la humanidad, acudan al reclamo y acaben también con ellos. Probablemente los Abott sean una de las últimas familias del planeta y si ellos mueren, la humanidad puede que sea extinguida para siempre. ¿Conseguirán salvarse y con ello, obtener la posibilidad de un nuevo comienzo para el ser humano? ¿Son invencibles las criaturas invasoras? ¿Hay otras familias a lo largo del planeta en la misma situación? ¿Se habrán zampado los monstruos a Donald Trump? No pude evitar la última pregunta.


En el reparto, nos encontramos también a John Krasinski en el papel del padre de familia y representando la figura de la protección y de guía para el resto de la familia. Más que correcto papel, aunque algo por debajo de su gran labor en la dirección del conjunto de la producción. La que brilla con luz propia y en una actuación espectacular es Emily Blunt, que de no ser porque la película se ha estrenado fuera de la temporada de premios, merecería un Oscar por un papel impresionante. La escena del parto en la bañera y en silencio, pasa directamente a la historia del cine. Por otra parte, la buena química que se establece con su marido en la ficción, es debido a que ambos son matrimonio en la vida real e incluso la propia Blunt, aportó alguna idea al guión llevado a cabo por su pareja. Los niños Noah Jupe y especialmente la pequeña Millicent Simmonds están extraordinarios. Con Millicent nace una nueva estrella de cine y esperemos que su sordera de nacimiento, no sea ningún impedimento para que se adapten futuros guiones para ella.

Hay tres aspectos adicionales que en una película tan especial como la reseñada hoy cobran vital importancia. Uno es un excelente diseño de sonido que por razones evidentes se convierte en un personaje más de la película. Cualquier ruido, una pisada de más o de menos, el viento, el agua, los crujidos de la casa, los susurros y las comunicaciones, son la clave de la propuesta y mantienen una absoluta tensión en la sala de cine, en un ambiente que por momentos se hace irrespirable. Otro aspecto muy importante es el diseño de producción de la granja, en la que meses antes de la película, se plantaron diez hectáreas de maíz, se construyeron graneros y se diseñaron unos interiores con carácter neo-impresionistas, que nos trasladan a una América profunda y rural, creando mayor sensación de aislamiento si cabe. Y por último, cabe destacar una gran banda sonora compuesta por Marco Beltrani que enfatiza sin opacar, cada momento de tensión de la producción.


Toda la historia retratada en la filmación, comienza en el día 89 después de la invasión, y finaliza alrededor del día 500 post-invasión.Y todo ello, en apenas 90 minutos, que son más que suficientes como tantas veces he repetido, para conseguir un ritmo adecuado y un climax perfecto en la parte final. La conclusión de la historia es espectacular y con el añadido de un gran twist final, que levanta una instintiva y atronadora ovación entre los asistentes y que se repetirá a lo largo de las salas de cine de buena parte del mundo. Es por ello, entre otras muchas cosas ya reseñadas anteriormente, que Un lugar tranquilo, se convierte desde su nacimiento en un clásico del terror y en una magistral lección de suspense de John Krasinski que hacen que el Séptimo Arte se vuelva a escribir con mayúsculas.

Nota: 10/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: John Krasinski.
Reparto: John Krasinski, Emily Blunt,
Millicent Simmonds, Noah Jupe.
Guón: John Krasinski, Scott Beck
y Brian Woods.
Música: Marco Beltrani.
Fotografía: Charlotte B. Christensen.
Duración: 95 minutos.
Estreno EE UU y México: 6/04/2018.
Estreno España: 20/04/2018.

domingo, 15 de abril de 2018

Campeones: Inteligente y audaz comedia sobre la discapacidad


En realidad, no existen personas con alguna discapacidad, solo personas con distintos grados de aptitud.
-Henry Viscandi.

La historia: Marco (Javier Gutiérrez) es un entrenador profesional de baloncesto que es despedido de su equipo y además ha sido condenado por la justicia tras un accidente de coche por conducir bajo los efectos del alcohol. Para evitar la pena de cárcel, se le encomienda el trabajo social de entrenar a un equipo de baloncesto de discapacitados intelectuales durante 90 días. Será el comienzo de la mayor aventura de su vida, en la que podrá comprobar su concepto sobre la "normalidad".


La crítica: 20 años después de su fabuloso debut con la auténtica marcianada El milagro de P. Tinto, el cineasta español Javier Fesser, firma su mejor comedia desde aquel entonces. La película recuerda de inicio al cine de los hermanos Peter y Bobby Farrelly, que tantas veces han puesto el dedo en la llaga al hacer comedia sobre las personas con discapacidad, sin ningún miedo a ser criticados. En este caso, la mirada es mucho más tierna que gamberra, lo que no impide que durante el transcurso de la filmación, se suceden situaciones hilarantes y muy bien cocinadas que nunca resultan ofensivas para las personas con situaciones personales semejantes.

Otra virtud del cineasta es la consecución de un buen equilibrio en un género cinematográfico tan complicado como es la comedia. Incluso podríamos hablar de virtuosismo técnico, al conseguir que un metraje de 125 minutos -que de por sí es antinatural en el género cómico- se sienta totalmente adecuado. Con Campeones, se demuestra que la comedia inteligente y en este caso española, es más que posible como se demostró en Toc toc o en los Perfectos desconocidos de Álex de la Iglesia. 

La película juega con la evolución del personaje principal que es la base de cualquier narración cinematográfica o incluso literaria. Si en una historia, los personajes no evolucionan, solo puede deberse a una mala planificación del guión o a un trabajo desestructurado en el montaje final. En este caso, el personaje del entrenador de baloncesto, pasa de salvador a ser salvado por sus alumnos. Es decir, Marco partiendo de una personalidad despreciable y engreída, evoluciona y se percata de que la verdadera discapacidad consiste en no empatizar con sus semejantes. La historia es una lección de vida, vista desde un humor muy bien estudiado que conecta de inmediato con el espectador. Quizás la parte más floja e incluso sobrante de la filmación, es cuando se intercalan secuencias de la relación de pareja de Marco que poco aportan a la intrahistoria e incluso la hacen más débil en su esencia. 


Javier Gutiérrez (La isla miníma, El autor), encabeza el reparto y si se me permite la broma, encabeza el reparto junto a Antonio de la Torre del 90 por ciento de la producción cinematográfica española. Nada que objetar, pues es un excelente actor que sigue evolucionando en franca progresión y en cualquier tipo de registro. En esta ocasión borda su papel y da prestancia al conjunto de la  producción. El resto del reparto y al estar compuesto por un equipo de baloncesto completo, harían que esta parte de la crítica se hiciera muy premiosa si analizáramos cada personaje interpretado, pero con carácter general hacen un trabajo excelente teniendo en cuenta que no son actores profesionales. Eso si, quisiera hacer una mención especial para un personaje femenino que es un delicia. Se trata de una genial Gloria Ramos que interpreta a la señorita Collantes, que siendo mujer y bajita, se integra en el equipo masculino de baloncesto y deja unas perlas brillantes que retumban en forma de carcajadas por toda la sala de cine.

La mejor, la numero 10 (Gloria Ramos)

La música compuesta por Rafael Arnau es una maravilla, pero cabe decir que se utiliza de un forma un tanto tramposa para acentuar las emociones en el público; algo que por otra parte es habitual en casi cualquier producción cinematográfica. 

Por último, no me puedo despedir sin mencionar como referencia tres secuencias para el recuerdo. La primera, es la presentación entre equipo y nuevo entrenador que deja momentos que obligan casi a volver al cine para volver a disfrutarlos de nuevo. La segunda, es un viaje en transporte público a una ciudad española (Cuenca), de todos los personajes que es realmente descacharrante. Y por último, una escena con un ascensor de por medio, que pone en evidencia quien es normal y quien no en la vida. En conclusión, nos encontramos con una buena comedia que engancha de principio a fin, y que nos transmite un mensaje tan sencillo y a la vez tan complejo, en el cual la linea entre la capacidad y la discapacidad es tan delgada, que consigue dejar en evidencia cualquier prejuicio establecido que tengamos en relación a este asunto. Por ello, cabe destacar la sensibilidad de Javier Fesser para lograr hacer una película que cambia los roles y el discurso sobre la integración. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España.
Dirección: Javier Fesser.
Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo,Gloria Ramos, 
Athenea Mata, Jesús Vidal.
Guión: David Marqués y Javier Fesser.
Fotografía: Chechu Graff.
Música: Rafael Arnau.
Duración: 125 minutos.
Estreno España: 6/04/2018.

martes, 10 de abril de 2018

Inmersión: disparatado y esperpéntico drama romántico de Win Wenders


Tu ego se puede convertir en un obstáculo para tu trabajo. Si comienzas creyendo en tu grandeza, es el fin de tu creatividad. -Marina Abramovic.

La historia: En un idílico hotel de la costa francesa, coinciden la científica Danielle Flinders (Alicia Vikander) y el espía británico James More (James McAvoy). Tras conocerse en la playa y entablar amistad, se enamoran e inician un romance con consecuencias imprevisibles. Al cabo de un tiempo, James es destinado a una misión secreta anti-yihadista en Somalia, mientras que Danielle se encuentra en Groenlandia, en una expedición para investigar el origen de la vida en los fondos marinos. Es entonces, cuando James es secuestrado por un grupo terrorista en África y pierde toda posibilidad de contactar con su amada. A partir de ese momento, harán todo lo posible para volver a comunicarse, pero ya no dependerá de ellos.


La crítica: Analizar la carrera de un cineasta tan especial y con tantas luces y sombras como Win Wenders, sería inabordable en una crítica cinematográfica, así que me voy a centrar en exclusiva en la película reseñada hoy, que por otra parte da que pensar si no ha llegado ya el momento de su retirada. En primer lugar y paradójicamente, cabe señalar que la presentación y puesta en escena de la filmación es excelente, tanto visualmente, como en relación a la descripción de los personajes presentados.

Pero incluso esto y una vez acabada y reposada la filmación, está lleno de tópicos, cuando no de situaciones que se mueven entre el elitismo y la comedia involuntaria. Y es que James, además de espía e ingeniero hidráulico, es tierno, romántico, apuesto y la comprende perfectamente. ¡Puro realismo! Y ella, además de guapísima, estilosa, es nada más y nada menos, que biomatemática marina. ¡Toma ya! Pero lo que no tiene desperdicio, es que se enamoran mediante frases tan sutiles como las que pronuncia Danielle, llamándole repetidas veces a su hombre: gallina, gallina, mientras que él, a cuenta de una noticia de prensa, la llama estúpida por supuestamente no comprender dicha información. En fin, a partir de aquí, comienza un disparate que en la segunda parte de la filmación, llega a producir tanta perplejidad que dudas de si el cineasta, está con sus facultades mentales integras o directamente ha dirigido la producción bajo los efectos de alguna sustancia alucinógena. Ver para creer o mejor dicho, ver con un buen nivel alcohol en sangre, a ver si ahí está el truco de un nuevo género de cine nacido para ver borracho/a.

Volviendo a la génesis de la historia, la película está basada en la novela Submergence (que es el título original de la película), del escritor británico J.M. Legard y de aquí parte uno de los principales problemas de la producción. No porque la novela sea mala o buena, sino porque en ningún momento el libreto adaptado por Erin Dignam, consigue sacarse el lenguaje literario, que en este caso está lleno de metáforas y onirísmos varios, que nunca funcionan al traspasarlos al lenguaje visual cinematográfico. Si además, Wenders juega a ser un genio, el juguete que ha preparado solo puede calificarse como una autodestrucción o una parodia nihilista del absurdo. "Si comienzas creyendo en tu grandeza, es el fin de tu creatividad".

Pero el principal problema de la producción radica en que después de la presentación y el romance entre los guapos, la película se parte en dos mitades y en dos tramas paralelas, que son imposibles de fusionar en ningún momento de su narrativa. De hecho, nacen dos películas distintas. Una con una trama de espionaje y yihadismo en África y otra con la científica tratando de demostrar en Groenlandia, el origen de la vida e incluso si hubo vida en Marte?? Realmente no hay por donde coger esta obscenidad cinematográfica, que además nos trata de soltar un panfleto religioso, transcendental y en su parte final, degenera hacia un tono místico que produce la estupefacción total y probablemente un daño neuronal irreparable. 


El reparto hace lo que puede en medio del despropósito para al menos dejar dos buenas actuaciones. La actriz sueca Alicia Vikander, oscarizada por su papel en La chica danesa, tiene un talento innato para meterse en todo tipo de papeles, al igual que su compañero en el film James McAvoy (Múltiple/Split/Fragmentado), aunque ambos comparten en común una mala selección de algunos de sus papeles protagonistas. En cualquier caso, hacen al menos más digerible la propuesta.

En los aspectos adicionales es una pena que la excelente fotografía de Bonoit Debie y la buena banda sonora compuesta por el músico Fernando Velázquez, se queden en una anécdota y que solo aisladas, podrían tener una validez como expresión artística.

En conclusión, esta coproducción hispano-alemana-francesa rodada en inglés, es un duro artefacto para el equilibrio y la salud mental del espectador. Además de mala, nos obsequia con un intento de mensaje a transmitir, sobre los males del terrorismo internacional (gran descubrimiento), e incluso se permite el descaro de presentarse como una epifanía religiosa en un desbarre que de mitad de metraje en adelante, debería pasar a la antología del disparate o como un arma de destrucción masiva contra el intelecto humano. Supongo que no habrá segunda parte. Fin.

Nota: 3/10.

Nacionalidad: Alemania,
España, Francia.
Director: Win Wenders.
Reparto: Alicia Vikander,
James McAvoy, Reda Kateb.
Guión: Erin Dignam.
Música: Fernando Velázquez.
Fotografía: Benoit Debie.
Duración: 111 minutos.
Estreno España: 6/04/18.
Estreno EE UU: 13/04/18.


viernes, 6 de abril de 2018

100 días de soledad: alejarse para volver a amar


Aunque lloré, sufrí, dudé, renegué, fui inmensamente feliz en estos cien días.
-José Díaz.

La historia: El naturalista español José Díaz se propuso pasar aislado y en soledad cien días que abarcaron desde el 12 de septiembre del año 2015 hasta el 19 de diciembre del mismo año. Para ello, eligió una cabaña aislada en el Parque Natural de Redes en la región de Asturias en España. El reto consistía en hacerlo sin electricidad, móvil, ordenador, reloj y siendo autosuficiente en cuestiones alimentarias sin recurrir a la caza. Cien días de soledad por lo tanto, recoge en forma de película documental esta experiencia que fue grabada y documentada por el propio naturalista.


La crítica: Desde que Cine y críticas marcianas comenzó su andadura, el cine documental siempre tuvo y tendrá un lugar especial para una cinematografía, que bajo mi punto de vista, conserva la mayor pureza de lo que llega a las salas o a los festivales de cine. Ello no significa que todo lo que se haga sea excelente, pero siempre merecerá la pena reseñar, lo que en este caso, ha conseguido estrenarse en salas comerciales, aunque haya sido en un circuito de cine minoritarios en España. En todo caso, espero que pronto 100 dias de soledad pueda estar a disposición en las plataformas legales habituales, para que este reto y esta visión de la naturaleza en el norte de España, pueda ser visionado en cualquier parte del mundo.

La película está producida por José María Morales que es un gran amante de la naturaleza como ya demostró en su anterior proyecto Cantábrico (Los dominios de oso pardo), en la que tuvimos la oportunidad de conocer a su narrador Luis Ignacio González en una entrevista muy especial. En el caso de la cinta reseñada hoy, José Díaz, es el hombre orquesta de la producción haciendo las labores de narrador, director de fotografía, guionista, y codirector junto a Gerardo Olivares.

Pero si en Cantábrico, la naturaleza en sí misma era la que ejercía como sujeto narrador, en está ocasión, es el hombre y su relación con el entorno natural el que ocupa el leitmotiv de la historia. Rodada de manera más intimista y en un tono a su vez exuberante en lo natural, cabe destacar que existe en la proyección un cierto aire minimalista en lo personal, que repercute en cierta desconexión emocional con su protagonista. Podríamos concluir que como "actor" José Díaz no se ganaría el sueldo, pero como documentalista ha nacido con un don para tal labor.


Quizás el momento más emotivo de la película no llegue con el reto en sí mismo y su lucha contra los elementos naturales como la nieve, el viento o el frío, sino cuando nuestro protagonista comienza a sentir el precio de la incomunicación con su mujer y sus hijos. Precisamente es en este contexto, cuando llega el mensaje que más interés me ha generado la propuesta. En un momento dado, es cuando el propio José en un monólogo directo consigo mismo y con el espectador, hace ver que el alejamiento temporal con la pareja es necesario y casi aconsejable, para revitalizar e impulsar el amor. Es decir: alejarse para volver a amar.

La historia también nos habla de un profundo viaje de lo urbano a lo rural con todas las consecuencias que ello implica. Es decir, el hombre y la naturaleza convergiendo sin móviles, redes sociales, nevera o televisión. ¿Es posible la vida sin Facebook? Bueno posible es claro, pero la paradoja es que sin las redes sociales la difusión de este proyecto sería casi imposible. Por lo tanto, supongo que es en la medida y no en su uso, donde el equilibrio debe encontrar su razón de ser.  En lo personal, no voy a denostar las nuevas tecnologías. Creo además que en este caso y aplicándolas en la conservación del entorno natural, son una herramienta perfecta de divulgación.

De hecho José para llevar a cabo la filmación ha empleado entre otras, una cámara Sony 4K de última tecnología digital, varias cámaras go-pro (incluso sub-acuaticas), un drón con una cámara instalada para las espectaculares tomas aéreas, y dos cámaras de fotos para comprimir secuencias de larga duración. Eso sí, para poder transportar todo este material tan pesado, el cineasta contó con el gran apoyo del caballo Atila, que se convierte en coprotagonista de la filmación.


Cabe señalar que José Díaz contó para está aventura en soledad con los siguientes recursos para alimentarse : 6 gallinas y un gallo, un invernadero y una huerta para obtener verduras y patatas cultivadas por él mismo, colmenas para obtener miel, y la recolección de frutos del bosque como zarzamoras, arandanos, nueces o avellanas. Lo curioso y esto entraría en el debe de la producción, es que al protagonista no se le ve en ningún momento preparando o cocinando estos alimentos; solo una vez se le tirando de una lata de comida de las pocas que llevó hasta la cabaña.

Otra de las cosas que me genera alguna duda es por qué elegir 100 días para este reto y no 30 o 200. Desde luego el esfuerzo para sobrevivir 100 días así es enorme y muy meritorio, pero aunque pueda resultar duro escribirlo o pensarlo, lo realmente bonito hubiera sido llevar a cabo este reto durante un año completo para poder disfrutar de las cuatro estaciones del año y de los cambios que se producen en la naturaleza. He de suponer que un invierno en esas condiciones hubieran sido casi insuperable, pero quizás con apoyo externo se hubiera completado un ciclo anual maravilloso en los países que contamos con las cuatro estaciones del año.


Recapitulando, 100 días de soledad es una propuesta muy interesante, pero que no enamora a la salida de los cines. Al menos como reto técnico. Lo que si enamora son las imágenes captadas de la naturaleza en plena ebullición. También los sonidos del bosque, los animales que pueblan el lugar y sobre todo los maravillosos colores del otoño en el Parque Natural de Redes. Es por ello, que la película es un bonito marco estético y una buena puerta de entrada para todo aquel que no conozca Asturias o conociéndola, decida emprender este viaje visual de lo urbano a lo rural.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: España.
Dirección, guión, narración y 
fotografía: José Diáz.
Codirector: Gerardo Olivares.
Música: Pablo Díaz Fanjul.
Duración: 93 minutos.
Estreno España: 16/03/2018.


lunes, 2 de abril de 2018

El aviso: Contundente thriller sobrenatural con la firma de Daniel Calparsoro


El destino baraja las cartas, pero nosotros somos los que las jugamos.
-William Shakespeare.

La historia: En abril del año 2008 Jon (Raúl Arevalo), es testigo indirecto del disparo fortuito de un delincuente, que recibe su amigo David (Sergio Mur), cuando este ultimaba unas compras en la tienda de una gasolinera abierta 24 horas. Mientras el herido se debate entre la vida y la muerte, Jon se percata que en el lugar del suceso y siguiendo un patrón numérico, se han producido diferentes asesinatos con unas características comunes. Diez años después y en abril de 2018, Nico (Hugo Arbués) que es un niño de 10 años, recibe un aviso en forma de carta, advirtiéndole que pase lo que pase, el día 12 de abril no pase por la tienda de la gasolinera que frecuenta bajo ningún concepto. ¿Podrá parar el niño el destino a pesar del aviso recibido?


La introducción o el aviso (el mio): Desde hace unos cuantos años la "crítica profesional" en España no soporta al cineasta Daniel Calparsoro y despacha sus películas con unas pocas lineas llenas de desdén y tirando de argumentario populista. Incluso algún medio lo veta y no realiza la reseña correspondiente. Supongo que en esta ocasión será más de lo mismo. No lo certifico, pues no leo nada antes de redactar mi texto, pero estaría encantado de ir a contracorriente de un movimiento que parece ir más en contra de su persona, que de su cine. Así que incluso por encima de la calidad o no de la propuesta presentada, es tal la riqueza de temas expuestos en la misma, que voy a realizar una tesina cinematográfica marciana, abordando la película desde los máximos ángulos posibles que quepan en una crítica cinematográfica y razonando cada elemento expuesto en la misma.

La crítica: Aunque parezca una obviedad, es básico que cuando una persona o un marciano acuda a una proyección en una sala de cine, consiga ver lo que está sucediendo en pantalla. Para este fin, tan aparentemente sencillo, existen unos señores o señoras, llamados directores de fotografía, también llamados directores de cinematografía en Hispanoamérica, que se encargan de una labor que es la base sobre la que se cimientan los demás elementos de la producción. Pues bien, dicho esto y en parte del cine de actualidad, algunos fotógrafos de cine, confunden la creación de misterio o tensión narrativa, oscureciendo tanto la imagen, que lo único que consiguen es invisibilizar lo que sucede en pantalla. Esta situación ocurre especialmente en las tomas nocturnas. Es por ello y ante la sorpresa de ver una perfecta iluminación tanto diurna, como especialmente nocturna, por lo que he querido empezar esta crítica destacando la labor de Sergi Vilanova que es sobresaliente. Cabe decir también que para poder evaluar y apreciar esta labor correctamente y con justicia, es primordial que el proyector de la sala de cine este actualizado y sea de nueva generación, ya que algunas salas de cine por motivos económicos, mantienen unos proyectores obsoletos, impidiendo mostrar la calidad de la imagen adecuada. Si vemos cine en casa, la definición de nuestra pantalla también puede marcar la diferencia para que esta percepción sea la adecuada.

Tras este preámbulo, vamos al lío. El aviso es una peculiar e interesante propuesta, que independientemente de que pueda gustar más o gustar menos, tiene la virtud de no provocar indiferencia y consigue mantener pegado literalmente al espectador a su butaca durante los 90 ajustados minutos de su duración. Sería importante que los cineastas y montadores comprendieran que para el espectador, un metraje ajustado, siempre ayuda a elevar el ritmo narrativo y más en tramas como esta, donde el suspense resalta como punto más destacado. En esta ocasión y en el cine en general, menos es más, como característica general según mi manera de entender la cinematografía. Además, la película es de esas que provocan debate a la salida de los cines, lo cual es un hecho muy de agradecer en el panorama actual.

La película esta basada en la novela homónima de Paul Pen que se saldó con un éxito considerable y cuenta con un guión adaptado de una complejidad manifiesta y que tuvo que ser trabajado en equipo por las múltiples variables que se manejan en el el libro original. Y es que la narrativa de la película cuenta con una estructura paralela en dos tiempos. Es decir, se intercalan las acciones ocurridas en el año 2008, con las que que se están sucediendo en el presente 2018, logrando además que sean de muy sencilla compresión para el espectador. Incluso Daniel Calparsoro consigue introducir un tercer y cuarto tiempo narrativo pasado, con los sucesos ocurridos en la gasolinera"maldita", donde se desarrolla la parte principal de la acción. Y es que en dicha gasolinera y según un patrón matemático, se vienen sucediendo misteriosos asesinatos, y a través de dicho patrón, se podrían presagiar futuros acontecimientos criminales según Jon, que es el protagonista principal de la historia. Este, se obsesiona con resolver y prevenir un futuro crimen que implica al niño que ese 12 de abril de 2018 cumplirá 10 años. En este aspecto, el thriller se adentra en el género fantástico y aquí es donde puede surgir el único problema de la película. No por dirigirse hacia el género sobrenatural, sino sobre si esta derivada es creíble o no por el espectador. Entonces aquí está la clave de la propuesta. En mi caso y teniendo en cuenta que soy bastante escéptico a cuenta de estos temas, la propuesta me pareció creíble, por lo tanto la doy por buena. Ahora bien, probablemente aquel espectador que no la encuentre fundamentada, puede percibir la producción como absurda o mal guionizada. En cualquier caso, me parece una apuesta arriesgada y que funciona como una perfecta bomba sincronizada y lista para estallar en su resolución.


El reparto está encabezado por el polifacético Raúl Arevalo, que además de un buen actor, ya demostró su pericia como director en otro excelente thriller titulado: Tarde para la ira. Su personaje se mueve en la complejidad de tener que lidiar con su esquizofrenia, a la vez que intenta resolver lo que está pasando con el caso de la gasolinera. En otro tiempo narrativo, y en la actualidad, aparece Aura Garrido (La niebla y la doncella), otorgando peso al personaje que hace de la madre del niño que parece ser está en grave peligro. Este chaval es interpretado por Hugo Arbués, llevando una vez más la contraria al maestro Alfred Hitchcock, en eso de que los niños, los animales e incluso Charles Laughton eran enemigos de la cinematografía. Bueno este último, un poco si. Completan el reparto con serios y trabajados papeles Belen Cuesta y Sergio Mur, como compañeros de Raúl Arevalo en la génesis de la historia en el año 2008. Mención especial para Antonio Dechent, en el papel clave de Hector, que es el dueño de la gasolinera 24 horas en ambos tiempos narrativos. Buen trabajo y buena idea cinematográfica, ya que este personaje es el nexo de unión entre ambas tramas, que estaban obligadas a converger en su resolución.

Hay un aspecto en la película, que por el hecho de ser adicional, no es menos importante para el conjunto de la propuesta. Se trata de una muy brillante dirección de arte comandada por la excelente diseñadora de producción Pilar Revuelta, que ha trabajado con Guillermo del Toro y Pedro Almodóvar entre otros grandes cineastas. Solo este aspecto de la película, ya daría para escribir un libro de esta disciplina, así que es imprescindible reseñar algunos detalles importantes al respecto. En primer lugar, la elección de los exteriores y sus espacios escenográficos, son claves para fusionar dos narrativas cuando estas están separadas en el tiempo (2008 y 2018). El eje vertebrador utilizado para ello, es el nuevo skyline de la ciudad de Madrid, representado en las nuevas 4 torres que acechan como gigantes sobre los personajes representados. Para diferenciar las tramas, en 2008 se muestran en construcción y en 2018, ya acabadas como están en la actualidad. Además la gasolinera, actua como espacio narrativo -otro personaje más- que se muestra en sus distintas etapas históricas. Por otro lado, la escenografía interior -casas, hospitales, colegios- están perfectamente elegidos e integrados en la trama. Lo interesante de todo esto, es que estos espacios no debe ser apreciados por el espectador, sino que deben estar al servicio del argumento y servir para la creación de las emociones de los personajes representados. Ahora bien, si además de disfrutar la película en cuestión, logramos que todos estos elementos se inyecten en nuestra mirada como espectadores, como críticos o como cinéfilos, la experiencia cinematográfica se multiplica de una manera exponencial, con cada elemento o gremio cinematográfico (dirección de arte, fotografía, montaje), que consigamos interiorizar de un modo natural.


Esta crítica-río, además de lógicamente reseñar la película en cuestión, pretende demostrar humildemente, que la nueva ola de crítica cinematográfica que está surgiendo en los últimos años y denominada "crítica con spoilers" no tiene demasiado sentido, ya que es completamente innecesario contar el final de una película o explicarlo, ya que la crítica cinematográfica debe aspirar y tiene la obligación además, de poder ser leída antes o después de un visionado, cobrando sentido para el lector en cualquiera de las posiciones temporales en las que se encuentre. Se puede entonces y se debe, sobrevolar sobre la filmación, explicar sus significantes, o valorar algunas escenas, pero sobre todo, se trata de emitir un juicio crítico con lo que el cineasta ha querido transmitir y en que órbita se mueve la narrativa acometida. Hacer un resumen de la película puede estar muy bien, explicar un final confuso hacernos más inteligentes y acometerlo con spoilers puede ser una opción, pero eso no es crítica cinematográfica, es querer sencillamente tomar el camino más sencillo y no trabajar adecuadamente un texto o una vídeo-crítica.

Volviendo y para recapitular ya, El aviso y a pesar de contar con algún agujero en el guión a cuenta de incluir elementos sobrenaturales respecto a posibles reencarnaciones, es una excelente y muy arriesgada apuesta de Daniel Calparsoro, que ha conseguido rodearse de los mejores de cada gremio cinematográfico para crear 90 minutos de un impactante thriller con un suspense sostenido de principio a fin de la cinta. Además, la historia no solo trata de ser un entretenimiento al uso, sino que aborda durante el argumento, temas tan variopintos como el acoso escolar, las enfermedades mentales o el miedo como desencadenante de nuestros propios sucesos. Pero si por algo destaca la película es por afrontar un tema tan peliagudo, controvertido y a la vez tan fascinante, como es el destino y si este es inevitable o por el contrario modificable por nuestros comportamientos. A partir de ahí, se establece un dialogo indirecto con el espectador sobre los patrones matemáticos aplicados al crimen, el azar, la serendipia, la sincronicidad de hechos y en general sobre como las casualidades influyen en la vida y si estas son meras coincidencias o por el contrario, cuando se dan un número elevados de ellas, nos hagamos la pregunta de por qué y como llevaron, por ejemplo, a dos personas a coincidir en un lugar donde ninguna de ellas debería haber estado. En cualquier caso, lo importante cinematográficamente hablando, es si durante la proyección, estos elementos que se podrían aproximar al género fantástico son creíbles o no para el espectador. Un buen ejemplo de ello, es como en La forma del agua, nadie se preguntó si el hombre-pez pudo ser real, pues se daba por descontando que es un monstruo ficticio y solo se valoró la calidad de la propuesta. En cambio, con El aviso y al introducir elementos no científicos, sobre una trama aparentemente real, se puede generar el debate de la verosimilitud o no de la propuesta. En definitiva, son tantos y tan diversos los elementos narrativos de la película, que para abordarlos en su totalidad se podría escribir un ensayo sobre la misma. Esto de por sí es ya una gran noticia, pues no son pocas las ocasiones que tras salir de la sala de cine, nuestro cerebro y en un gran mecanismo de auto defensa para nuestra salud mental, tiende a olvidar de inmediato lo vivido en la gran pantalla y vuelve a centrar su atención en temas tan recurrentes como la comida, el sexo o cual será la próxima foto en subir a Instagram. Con El Aviso, no sucederá esto. Para bien o para mal, saldremos de la proyección pensando en cine y solo en cine.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España.
Director: Daniel Calparsoro.
Reparto: Raúl Arevalo, Aura Garrido,
Hugo Arbués, Belén Cuesta.
Guión: Jorge Guerricaechevarría,
Chris Sparling, Patxi Amezcua.
Música: Julio de la Rosa.
Fotografía: Sergi Vilanova.
Duración: 92 minutos.
Estreno en España: 23/03/2018.

lunes, 26 de marzo de 2018

María Magdalena: desmontando el mito de su pecado


Si las personas pueden poner a un lado sus nociones preconcebidas sobre la religión, encontrarán algo realmente hermoso en lo que Jesús estaba diciendo, no como figura religiosa sino como un hombre. -Rooney Mara.

La historia: María Magdalena (Rooney Mara), es una joven e inquieta mujer que no encuentra su lugar en el mundo y vive aislada en un entorno familiar, que no comprende su actitud de rebeldía ante las normas impuestas. Tras conocer a Jesús de Nazaret (Joaquín Phoenix), que acude a su casa a verla cuando esta se encontraba afligida de ánimo, decide escucharle y seguirlo en su camino. Con ello, inicia una nueva vida junto a los demás discípulos de Jesús, y sin apenas darse cuenta, ella se convierte en la principal referencia femenina con la que Jesús pretende implicar a las demás mujeres en difundir su palabra y sus enseñanzas.


La crítica: ¿Fue María Magdalena la precursora de los derechos de la mujer? ¿Por qué se la ha considerado una prostituta o como mínimo una mujer pecaminosa? ¿Existió realmente esta mujer como figura histórica? ¿Pudo mantener con Cristo una relación que fuera más allá de la amistosa? ¿Dónde esta enterrado su cuerpo? ¿Por qué se la acusó de estar endemoniada? ¿Fue la única mujer apóstol o sencillamente una discípula de Jesús? ¿Pudo ser relegada en los evangelios a una figura menor por su condición de fémina? ¿Estuvo enamorada del nazareno o solo enamorada de su mensaje? ¿Transmitió el mensaje evangélico y fue testigo de la resurrección? ¿Por qué entonces impide la iglesia católica a las mujeres ser sacerdotes? ¿Quién fue realmente María Magdalena, también conocida por María de Magdala?

Esta batería de preguntas que he formulado, esperaban encontrar respuestas en esta producción británica dirigida con desigualdad de aciertos por Garth Davis (Lion), que se atreve a dar respuestas firmemente a algunas de ellas, eludiendo sin embargo, algún que otro tema y dejándolas en el alero una vez más, pecando de correcto.

Efectivamente y un año más, vuelve el cine de Semana Santa para hacer la caja correspondiente en estas fechas tan señaladas, como diría el antiguo Rey de España, Juan Carlos I. Hay que recordar, que el cine además de un arte (a veces), es un negocio que no duda en aprovechar cualquier fecha para sacar rédito económico. Guste o no, la industria cinematográfica funciona así y cada pascua aprovecha para estrenar al menos, un par de películas en torno a la figura de Jesucristo. Y entre tanto material, en mi opinión, solo dos películas consiguieron destacar por encima de la mediocridad en los últimos 30 años. Una fue La ultima tentación de Cristo de 1988 del maestro Martin Scorsese que rompió moldes por la polémica ocasionada y la otra fue la brutal cinta gore La pasión de Cristo de 2004, que con 30 millones de presupuesto, recaudó 611 millones de dolares. Es tal el negocio que supuso esta producción, que Mel Gibson tiene entre manos hacer, La pasión de cristo 2, -esto no es una broma- y con Jim Caviezel de protagonista de nuevo, y eso que murió en la primera parte....¿Precuela, resurrección o máquina para volver a romper las taquillas?

Volviendo a la cinta que nos trae hoy aquí, podríamos decir que lógicamente todo gira en torno a la figura de María Magdalena y a la visión que pudo tener de los hechos acaecidos. La narración tiene algunos momentos de emoción por la hábil utilización de una buena banda sonora del compositor islandés Jóhann Jóhannsson, que se convierte en su obra póstuma tras su fallecimiento. Deja un gran legado y lo mejor de esta película en cualquier caso. Pero por otra parte, la narrativa es algo densa, poco fluida y además por momentos se vuelve algo plomiza, acompañando a una muy gris fotografía, y no hablo en sentido figurado, sino que los tonos grises predominan durante toda la película, pareciendo ser, sin buscarlo, una metáfora del propio color artístico de la dramatización. En las conclusiones finales, trataré de dar respuestas a algunas de las preguntas retóricas formuladas al comienzo del texto.

Jesús y María Magdalena en una imagen que es una tesis en sí misma

En cuanto a las interpretaciones, Rooney Mara (Carol), quedará para la historia cinematográfica, como una de las mejores interpretes en meterse en la piel de María Magdalena, valiéndose de un físico que se asemeja a las representaciones iconográficas que se han hecho a lo largo de la historia de la discípula de Jesús. No obstante, por supuesto, no me olvido de Mónica Bellucci o Barbara Hershey en las películas citadas anteriormente. Representando a Jesús de Nazaret, nos encontramos a Joaquín Phoenix (Gladiator), al que igualmente, el físico, le ayuda en una transfiguración bien conseguida. Como anécdota y además con una correcta interpretación Chiwetel Ejiofor (Doce años de esclavitud), interpreta al apóstol Pedro, siendo en mi caso, la primera vez que veo a un actor negro interpretado este papel.

En conclúsión, la película de la que nos ocupamos hoy, tendría bastante material para escribir sobre ella, no por su calidad, ya que se queda en una experiencia cinematográfica bastante plana, sino por los temas que se abordan en ella. Voy a tratar de recapitular en un décalogo marciano mis impresiones generales, que contienen relativos spoilers de la película, aunque todos sabemos como acabaron los hechos relatados en los evangelios y por tanto en la filmación.

1. Independientemente de la libertad creativa que parece haber otorgado Universal Pictures a Garth Davis en la recreación de los hechos bíblicos, la fecha del estreno en los países católicos coincidiendo con la Semana Santa, implica una clara apuesta por mercantilizar la propuesta.

2. La tesis implícita en el desarrollo argumental y explícita en los títulos de crédito, trata de desmontar el bulo de que María Magdalena fue una prostituta y se achaca a un discurso que pronunció el Papa Gregorio I en el año 591, calificando a esta como una mujer pecadora en una probable manipulación nada inocente.

3. Sin ánimo de hacer teología, pues ni soy quien, ni este es el lugar adecuado, quisiera matizar que la iglesia católica históricamente a relegado a la mujer a un segundo plano y sobre todo a partir del Concilio de Laodicea del siglo IV. Es allí cuando se expresa la idea de que las mujeres no podían ser ordenadas sacerdotes, cuando parece ser que en las primeras comunidades cristianas si podían celebrar los sacramentos. Todo parece indicar que María Magdalena pudo ser una evangelista en igualdad de condiciones que los hombres, cosa que pudo llevar al Papa Gregorio I ha declarar lo expuesto en el punto número dos, para perpetuar el dominio del varón en el seno la iglesia.

4. La cinta tiene un aire feminista y reivindicativo del papel histórico de la mujer en transmitir el mensaje de Jesús y lo trata de expresar en el apoyo sin fisuras que este concedió a María para ser una evangelista más.

5. La propuesta de Garth Davis sostiene la tesis de que María Magdalena fue la treceava apóstol de Cristo y no una simple discípula. Parece ser que el actual Papa Francisco apuesta también por ello.

6. No se despejan las dudas si entre Jesús de Nazaret y María Magdalena hubo algo más que una relación de amistad en el entorno de maestro-discípula, aunque deja alguna idea abierta a este respecto a la libre interpretación del espectador.

7. En parte de los evangelios oficiales y oficiosos se hace alguna referencia a que María pudiera estar endemoniada, mientras la película parece defender la tesis de que pudiera estar pasando por un proceso depresivo o de melancolía.

8. Los restos óseos de María Magdalena están divididos entre varias iglesias del mundo, aunque es imposible de demostrar que pertenecieron a la misma mujer, pues la iglesia se ha negado a hacer estudios comparativos entre ellos.

9. La película ha sido rodada en Matera, Sicilia, Nápoles y Puglia en Italia, quedando anuladas parcialmente estás bellas localizaciones por una pésima dirección de fotografía de Greig Fraser.

10. En definitiva, María Magdalena funciona más como mensaje reivindicativo y de limpieza de una figura bastante controvertida, que como experiencia cinematográfica. En todo caso, y para los amantes del cine bíblico, puede aportar una cierta mirada novedosa, pero siempre desde una corrección política que la deja en terreno de nadie y sin asumir más riesgos de los necesarios.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Reino Unido.
Director: Garth Davis.
Reparto: Rooney Mara,
Joaquín Phoenix, Chiwetel Ejiofor,
Tahar Rahim, Denis Menochet.
Guión: Helen Edmudson.
Música: Jóhann Jóhannsson.
Fotografía: Greig Fraser.
Duración: 120 minutos.
Estreno España y UK: 16/03/2018.
Estreno Hispanoamérica: 22/03/2018.



jueves, 22 de marzo de 2018

La tribu: Carmen Machi, Paco León y otras chicas del montón


Todo es muy cómico siempre que le suceda a otro. - William W. Rogers.

La historia: Fidel (Paco León) es un alto ejecutivo que es despedido de la empresa que dirige tras un incidente sexual en su despacho con una becaria. Desesperado y avergonzado por unos hechos que además han sido subidos a las redes sociales, se intenta suicidar, arrojándose a la vía pública cuando un autobús transitaba a su paso por las calles de la ciudad. Por suerte, sale con vida del suceso, pero le queda como secuela un proceso de amnesia temporal. Mientras se recupera, es acogido por su madre biológica (Carmen Machi) que le entregó en adopción tras su nacimiento. Una nueva y sorprendente vida, comienza para los dos principales miembros de la tribu.


La crítica: Tras una descomunal campaña de marketing comercial cinematográfico, made in Atresmedia España o sea Antena 3 Televisión, y un divertido tráiler que supera con mucho a la película, llega por consiguiente, la habitual, aunque moderada decepción, que conlleva colocar las expectativas tan altas en esta o en cualquier otra película. Además en este caso, la producción está avalada por la presencia en pantalla del rey (merecido) de la comedia española, con el buen recuerdo de Kiki, el amor se hace o la muy buena comedia Toc Toc ya reseñadas en este espacio de cine. Ahora bien, ¿hay algo tan especial en La tribu, como para reventar la taquilla española como a buen seguro lo hará? o ¿estamos ante una comedia insustancial sin mayor valor añadido que el promedio de este género?

En mi opinión, la película tiene el problema de estar partida en dos mitades a través de la mirada del personaje principal interpretado por Paco León. Podríamos decir que en la primera parte y con el ex ejecutivo en "zona amnesia total", se producen lo momentos más hilarantes y divertidos de la producción. Es después y en la zona "post-amnesia", cuando la trama se convierte en un producto de consumo rápido y con demasiados lugares comunes como referencias principales.

El director de La tribu es Fernando Colomo que dirigió en el año 2003, una película que me dejó un muy grato recuerdo llamada Al sur de Granada, basada en la novela autobiográfica del escritor hispanista Gerald Brenan. Para este nuevo proyecto del que hablamos hoy, -basado en hechos reales-, (imaginación al poder), nos situamos en la ciudad catalana de Badalona y en un conjunto de baile denominado "Las Mamis", que son un grupo de mujeres maduras que se dedican a ello por vocación, como medio de socialización y naturalmente para pasárselo bien. La escuela de baile se llama Tribu Urbana Center y de ahí viene el nombre de la película.

La película por lo tanto, intenta transmitir algún mensaje sobre el valor de la amistad, la superación personal y quizás lo más interesante, el poder de las redes sociales para destruir la vida de algunas personas, como le sucede a Fidel al ser grabado en una situación muy incomoda. No dudo que la intención del cineasta sea buena, pero el entorno y la situación narrativa de la película, vulgariza cualquier mensaje que se quiera transmitir, sintiéndose innecesario, ya que lo mejor de la película estaba en la situación de partida y no en el planfetillo que se convierte en su segunda parte. Es entonces, cuando se va perdiendo la frescura generada por la situación inicial, dirigiendo "la tribu" a un concurso de talentos televisivos, que parecen querer promocionar más a estos espacios televisivos propiedad de la productora (Tu cara me suena y demás), que aportar algo interesante a una trama, que solo subsiste por la inteligencia de Colomo al dejarla en 90 minutos justitos, que la hacen más digerible.


En el reparto nos encontramos con el esperado reencuentro de Paco León y Carmen Machi años después de su espectacular éxito en la serie de televisión Aida. Los dos brillan en sus actuaciones y por supuesto están muy por encima de la propia película. Especialmente inspirado y en estado de gracia, está nuestro protagonista masculino que provoca la sonrisa casi sin abrir la boca. El resto del reparto es demasiado coral para poder destacar a todos los protagonistas, pero merece mención especial, el debut de Maribel del Pino que se interpreta a sí misma, pues es la fundadora real de la escuela Tribu Urbana Center de Badalona en la que está inspirada la película. Y es que la actriz comenzó contratada como coreógrafa de la producción, hasta que Fernando Colomo se dio cuenta de su talento natural para la actuación y le concedió un papel clave en la película que resuelve de una manera más que notable.

Hay un aspecto que en principio no tiene que ver directamente con la película, pero que no puedo pasar por alto por las pocas o muchas personas que puedan leer esta crítica y no hayan visto el film aún. La película ha sido calificada con muy mal gusto y desatino, como no recomendable para menores de 7 años en España. Es decir, que supuestamente ello implica que un niño o una niña de 8 años, pueda estar preparado para ver una escena de apertura en la que una pareja sale follando sin remilgos, se produzca un escabroso traspiés sexual en la secuencia y además en la trama, la palabra erección esté presente en varias ocasiones con las situaciones que ello implica. Sin pecar de puritanismo, pues evidentemente a los adultos son escenas que nos pueden producir incluso indiferencia, me genera muchas dudas que los pequeños de la casa puedan recibir como un impacto, lo que lógicamente está en las antípodas de una buena, libre y abierta educación sexual que lógicamente deben recibir de sus familiares o en su centro educativo.


Recapitalundo, La tribu es una propuesta con cierta frescura y gracia, que lamentablemente pierde esa originalidad, cuando en su segunda parte se pone "seria" y deja escapar ese momento amnésico que podríamos haber vivido eternamente como si fuera el día de la marmota. Sin embargo, una duración muy ajustada y unos créditos finales sorprendentes, dejan una sensación de moderado entretenimiento (insustancial), que puede ser suficiente, sino buscamos nada más.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España.
Director: Fernando Colomo.
Reparto: Paco León, Carmen Machí,
Maribel del Pino, Julian López,
Arlette Torres, Maite Sandoval.
Guión: Fernando Colomo, Joaquín
Oristrell, Yolanda García Serrano.
Música: Vicente Ortiz Gimeno.
Fotografía: Ángel Iguacel.
Duración: 90 minutos.
Estreno España: 16 de marzo 2018.


domingo, 18 de marzo de 2018

Entrevista a Diego Mas Trelles, codirector del nuevo Festival Internacional de Cine por Mujeres con sede en Madrid


Del 3 al 8 de abril en la ciudad de Madrid, se producirá el nacimiento de un nuevo festival de cine con el objetivo de visibilizar a la mujer como realizadora cinematográfica. Será la I Edición del Festival Internacional de Cine por Mujeres, que además aporta el valor añadido de que  todas las películas que van a ser proyectadas han sido dirigidas por cineastas femeninas. El martes 3 de abril en el Palacio de la Prensa de Madrid, se inaugura el festival con la proyección de la película de Lorna Tucker: Westwood: Punk, Icon, Activist, de 2018 y que competirá en la sección oficial. Además a lo largo del festival, directoras, productoras y otras profesionales del sector cinematográfico, presentarán sus obras al público en dialogo abierto con los espectadores asistentes a una serie de actos programados. Para hablarnos más en detalle de este acontecimiento cinematográfico, Diego Mas Trelles, codirector y responsable de contenidos del festival, ha concedido una entrevista a Cine y críticas marcianas y a Noroeste Madrid, para presentarnos algunos detalles del funcionamiento y programación del evento. Les dejamos ya con con el cuestionario.  


 EL FESTIVAL

Hola Diego, ¿cuándo y por qué surge la idea de crear el Festival Internacional de Cine por Mujeres?

La idea de crear el Festival Cine por Mujeres surge alrededor de mayo del 2017, porque pensábamos que había muchas películas hechas por mujeres que se veían en otros festivales importantes en España como San Sebastián, Valladolid, Málaga, pero que no se mostraban de una manera conjunta agrupadas en un solo festival. Además de películas dirigidas por mujeres, en las próximas ediciones del festival, queremos también mostrar películas producidas por mujeres, aunque las dirija un hombre, películas con mujeres directoras de fotografía, ingenieras de sonido o las que la banda sonora hayan sido compuesta por mujeres por la sencilla razón de que tienen menos visibilidad. Un ejemplo a poner en valor sería Belén Atienza, que ha producido las películas de Juan Antonio Bayona y que nos acompañara ya en esta primera edición. También haremos una mesa redonda de productoras españolas que tendrá lugar en la Fundación Telefónica. Pero volviendo al tema global sobre el que girará el festival, queríamos dar valor a las mujeres que trabajan en la profesión y queríamos también que fuera un festival de tipo internacional con cine de ficción, documental y animación y en base a eso, hemos tratado de hacer la selección de la programación de esta primera edición.

¿Cuántas películas acogerá la sección oficial del festival y cuántas se proyectarán en su totalidad?

La sección oficial en competición va a incluir 7 películas ya confirmadas y en total pasarán por Madrid 27 películas.

¿Qué secciones tendrá el festival?

Además de la sección competitiva, hay un Focus Suecia de seis películas (una de ellas documental), un miniciclo de tres películas latinoamericanas en Casa de América, que se llamará: Tres directoras, Tres mujeres, Tres visiones de América latina, en el que se proyectarán: Matar a Jesús de Laura Mora (Colombia), Los Perros de Marcela Said (Chile) y El Futuro que viene de Constanza Novick (Argentina). Otra sección también estará dedicada al cine iberoamericano, en este caso más retrospectivo, que tendrá lugar en la sala Berlanga compuesto por 10 películas en su mayoría ya estrenadas. Además la sección OFF contará con la proyección de la película documental L'altrove e più vicino con la presencia de su realizadora Elisabetta Sgarbi, el jueves 5 de abril a las 20:30.

¿Cuál es el primer país invitado al festival y como ha evolucionado el cine hecho por mujeres allí?

Hemos elegido Suecia ya que tiene un buen volumen de producción y porque tiene una gran calidad, siendo además el país que lleva adelante una política de igualdad y paridad más concreta y que mejores resultados ha obtenido. La sección dedicada a Suecia viene con el apoyo del Swedish Film Institute y la embajada y el instituto sueco. Contará con cinco películas de directoras de este país y se estrenará en España la película, The Ex-wife con la presencia de su cineasta Katja Wik.

El cine hecho por mujeres en Suecia y con la colaboración del Ministerio de Cultura sueco, ha pasado del 18 por ciento al 50 por ciento en los últimos 4 años.

¿Cuál es el porcentaje de mujeres cineastas a nivel nacional y también a nivel internacional?

En España el porcentaje de cine hecho por mujeres es de un 8 por ciento y según la New York Film Academy, solo el 16.9 por ciento a nivel global.

Tengo entendido que se desarrollaran debates abiertos al público con las cineastas. ¿Cómo se desarrollarán estos debates?

Habrá una serie de clases magistrales y debates en dos sedes: Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid y en el Espacio Fundación Telefónica que actualizaremos en la pagina web. El público podrá participar en estos debates y mesas redondas que serán de carácter gratuito.

¿Qué precio tendrán las entradas para el público en general en los pases de las películas?

Las entradas en las salas, tanto en Sala Berlanga, como en el Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes tendrán un coste de 3 euros. También habrá entrada gratuita en Casa de América y en la Academia de Cine.

¿Qué sedes de la ciudad de Madrid acogerán las proyecciones?

Contaremos con cinco sedes para las proyecciones: Palacio de la Prensa, Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes, Sala de la Academia de Cine, Sala Berlanga de la Fundación SGAE, y la sala Iberia de la Casa de América. Las dos sedes para los debates serán el Salón de Actos de Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid y el Espacio Fundación Telefónica.

¿Desde que instituciones se ha dado apoyo al festival?

Apoyan en Festival Internacional de Cine Hecho por Mujeres: Instituto de la Mujer y para la Igualdad de oportunidades del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad, Gobierno de España, Consejería de Políticas Sociales y Familia de la Comunidad de Madrid; Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid, Fundación Telefónica y la Fundación SGAE a través del Consejo Territorial de Madrid.

Texto y fotos: Miguel Pina

CARRERA PROFESIONAL

Ademas de productor cinematográfico, has dirigido tres películas de cine documental, como fueron Pharos, sentinelles de le mer, Mujeres en Armas y Sexo, maracas y chihuahuas. ¿Por qué has elegido el cine documental como medio de expresión cinematográfico?

Pese a que he producido también películas de ficción, como director he elegido trabajar en el cine documental, porque me parece que es mucho más libre, más complicando en el fondo, y porque la realidad se manifiesta de una manera permanente.  Además supone un reto que no exista un guión previo como en el cine de ficción, y este guión se va desarrollando durante el propio rodaje y después en el proceso de montaje. Pero sobre todo es que me gusta trabajar con historias reales.

¿Tienes algún nuevo proyecto entre manos como productor o director de cine?

Como director estoy trabajando en un proyecto sobre el músico Joaquín Rodrigo con el deseo de que se estrene el próximo año, coincidiendo con una de sus efemérides.

En la actualidad eres Head of Industry de DocsBarcelona. ¿Cuál es tu cometido allí?

El área de industria de DocsBarcelona tiene varias facetas, una es el festival propiamente dicho, otra es el documental del mes, que es una serie de programaciones en distintas sedes no solo de España, sino también en el extranjero siendo también una distribuidora de documentales que esta presente por ejemplo en Valparaiso o Medellín. También trabajamos en rondas de financiación para nuevos proyectos en distintos estados de preparación y ponemos en contacto a los cineastas por distintos medios, con las posibles fuentes de financiación o productoras interesadas en los mismos.


TEST PERSONAL DE CINE Y CURIOSIDADES.

Tu película preferida de todos los tiempos.

Pierrot el loco de Jean-Luc Godart.

Tu película española favorita.

Arrebato de Iván Zuloeta. 

Tu director de cine español preferido.

Edgar Neville y Jacinto Esteva.

Tu director de cine internacional preferido.

No puedo quedarme con uno solo. 

Tu actor preferido.

Marlon Brando.

Tu actriz favorita.

Ingrid Bergman.

Tu festival de cine predilecto.

El de Berlín y en documental el DocuFest de Kosovo. 

La sala de cine más bonita que conozcas o que hayas conocido.

El desaparecido Grand Splendid de Buenos Aires que ahora es una librería y de los actuales, la sala central del Festival de Cine Documental de Amsterdam. 

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

Brújula de Mathias Enard. 

Tu plato de comida preferido.

Soy carnívoro (risas).

Una ciudad para vivir.

Madrid.

Una ciudad por conocer.

Palermo.

Una ilusión por cumplir.

Seguir contando historias ya sea haciendo películas propias o mostrando las de otros en los Festivales en los que trabajo.

Pues muchas gracias Diego por tu amabilidad y te deseamos mucho éxito tanto en lo personal como en la dirección y programación del festival.

Pueden seguir la programación y la actualización de la información en la web del festival y en sus distintas redes sociales que enlazamos a continuación:

http://www.festivalcinepormujeres.com/

https://www.instagram.com/fcinepormujeres/

Facebook Cine por Mujeres

https://twitter.com/FCinepormujeres

Canal en Youtube

Nota final: Os dejo con un pequeño vídeo de Diego Mas Trelles presentado el festival y como acotación personal, me gustaría comentar que las cifras de mujeres cineastas son más que alarmantes por la desigualdad de género que implican. El dato de que en España solo el 8 por ciento de las películas son dirigidas por mujeres y a nivel mundial la cifra no suba mucho, hacen comprender que festivales de este tipo son urgentes y necesarios por la visibilización del trabajo de las mujeres cineastas. Está claro que Suecia y sus políticas cinematográficas y culturales, son un ejemplo a seguir elevando las cifras hasta llegar a un 50 por ciento de películas dirigidas por mujeres. 

Les pido, os pido, que compartáis esta entrada por Redes Sociales, WhatssApp, correo, etc, etc, y cada uno en la medida de sus posibilidades, para entre todos, poner nuestro granito de arena y hacer posible el éxito del Festival Internacional de Cine por Mujeres en su primera edición. Muchas gracias por vuestra atención. 

P.D. Con amor al cine de Icíar Bollaín, Ildikó Enyedi, Gracia Querejeta, Laura Herrero Garvín y Sofia Coppola.




miércoles, 14 de marzo de 2018

Loving Pablo: Llegó la hora de dar por sepultado el "género narco-escobariano"


Mantén cerca a tus amigos, pero más cerca a tus enemigos. - Mario Puzo (adoptada por Pablo Escobar Gaviria).

La historia: A finales de la década de los 70 del siglo pasado, Pablo Escobar (Javier Bardem) está en un ascenso imparable en el mundo del narcotráfico en Colombia, siendo el fundador y líder del Cartel de Medellín. Casado y con dos hijos, conoce a la periodista Virginia Vallejo (Penélope Cruz) con la que comienza a mantener una tormentosa relación extramarital, que coloca a esta última en una posición insostenible. Mientras Escobar coquetea con la política en su país para evitar ser extraditado a Estados Unidos, las calles en Colombia se convierten en un auténtico infierno de violencia provocada por él mismo. A partir de ese momento se convierte en el enemigo numero uno para la administración estadounidense.


La crítica: Cuando el cine, las series de televisión o la literatura le toman "cariño" a un personaje, ese amor se vuelve inversamente proporcional para el espectador que hastiado, aburrido y extenuado dice basta ya, y es cuando el cine, la televisión y la literatura ponen su mirada en el próximo objetivo de la carnaza comercial, para volver a comenzar el ciclo con un nuevo fenómeno de las características del angelito de Pablo Escobar y sus secuaces. De la guerra civil española en el cine patrio ni hablamos y de la de Vietnam en el estadounidense, pues que decir ya, con la paliza que nos han pegado. Después de estos años con Narcos, Benicio del Toro, Javier Bardem y de refilón Tom Cruise con Barry Seal: El tráficante/American made (que por cierto es la mejor), más las series o docudramas colombianos al respecto de Pablo Escobar, creo que conozco mejor la vida de este tipo, que la de mi propio padre o incluso que mi propia vida. Como dicen en Andalucía: ¡Qué jartá!

Pero lo más raro de todo esto, es por qué un director con la categoría intelectual de Fernando León de Aranoa, se ha metido en este extraño subproducto, que atención, es una coproducción hispano-búlgara y que además ha sido rodada en inglés como si fuera la lengua materna de Escobar o de su amante. Realmente la cosa es muy loca, porque la producción además tiene un cierto aire hollywoodiense, que la convierten en un cocktail, en el que la perplejidad es el ingrediente principal del largometraje, -que hace honor a este término-.

La trama está narrada tan linealmente que no consigue enganchar con las situaciones narradas aún tirando de sexo y violencia. De hecho es tan gris, e incluso tan correcta en su forma narrativa, que lo único que provoca es frecuentes miradas al reloj. Sinceramente para ver esto, prefiero sufrir incluso el último trabajo del ínclito Aronofsky y su querida Madre! con Javier Bardem también, pues por lo menos sales de la proyección con un buen nivel de indignación.

Es por ello que el film se convierte en un simple producto correcto en sus formas, que sinceramente no aporta nada nuevo a unos hechos muy manidos ya. Volviendo a la génesis de la historia, nos encontramos con un biopic al uso, basado en la novela autobiográfica Amando a Pablo, odiando a Escobar, que escribió la afamada periodista colombiana Virginia Vallejo, sobre su relación con el narco entre 1983 y 1987. Como comentaba anteriormente, lo desconcertante de todo este asunto, es la presencia en la dirección de Fernando León de Aranoa, que es un excelente cineasta y que parece haber perdido el rumbo cinematográfico, cegado quizás por la luz de las estrellas. Y es que León de Aranoa firmó entre los años 1995 y 2010 cinco magníficas películas de cine independiente español, retratando la marginalidad social de que existe en España con la crisis económica de por medio, tocando temas además como fueron la soledad, la prostitución, la inmigración o la precariedad laboral entre otros muchos como linea argumental.

Estas películas fueron: Familia, Barrio, Princesas, Amador y la magistral Los Lunes al sol, con precisamente Javier Bardém, Luis Tosar y Fernando Tejero en el reparto. A partir de ahí, se produce un parón en su filmografía y cuando vuelve en 2015, lo hace con un extraño producto rodado en inglés (A perfect day) y con las estrellas Tim Robbins, Benicio del Toro y la estrellita Olga Kurylenko, que parecen desenfocar su carrera. Es ahora, con Loving Pablo, cuando comete el mayor error de su carrera, que debería servirle como punto de inflexión, para hacerle reflexionar y que volviera a hacer cine de verdad, con valores y en la linea de sus comienzos, donde demostró una categoría excepcional. La pregunta es si será tarde ya y seguirá el ridículo camino que ha emprendido Jose Antonio Bayona, -otro cineasta español que apuntaba muy alto- y que ahora se dedica a dirigir la enésima secuela de Jurasic Park.


Lo mejor de la película pasa por un Javier Bardem inconmensurable en una verdadera transfiguración (con gran barriga incluida), en la figura del narco colombiano. Irreprochable actuación del que en mi opinión es el mejor actor español en la actualidad y probablemente también lo sea a nivel mundial. Realmente está de premio, pero es una isla en la película que no consigue salvar. De hecho, no hay actor o actriz que consiga salvar una mala película o incluso una mediocre producción como es el caso. A su lado aparece Penélope Cruz interpretando, por decir algo, a la periodista colombiana Virginia Vallejo. Y es que realmente "Pe", se dedica a lucir su belleza en pantalla, poner sus mejores poses y morritos, para cobrar su caché y a otra cosa mariposa. En el resto del reparto y entre lo más reseñable, estaría Peter Sarsgaard en el papel de un agente americano y en un muy buen papel secundario para la actriz colombiana Julieth Restrepo, que interpreta a la esposa de Escobar.

Para concluir ya, pues realmente poco más se puede decir de una producción tan plana y horizontal, Loving Pablo, debería suponer el cierre a este nuevo género cinematográfico al que he bautizado como "narco-escobariano", y que se ha exprimido hasta el infinito y más allá. En definitiva, una película que sin ser pésima, genera más indiferencia que polémica, si es que alguna vez lo hubo pretendido. Cine de fabrica y lineal, que ni disgusta, ni embelesa; o sea más o menos, como la relación que mantengo con el microondas de mi casa: buenos días y buenas noches.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España, Bulgaria.
Dirección: Fernando León de Aranoa.
Reparto: Javier Bardem, Penélope Cruz,
Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo.
Guión: Fernando León de Aranoa.
Música: Federico Jusid.
Fotografía: Alex Catalán.
Estreno España: 9/03/2018.