viernes, 15 de marzo de 2024

¡10 interpretaciones femeninas para el recuerdo!

Si en la publicación anterior echábamos una mirada a 10 de las mejores interpretaciones masculinas hoy hacemos un ranking con 10 grandes interpretaciones femeninas en la historia del cine. Por supuesto, faltarán muchas intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación. 

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10. Jodie Foster en Acusados de 1988.

Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Martin Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con 'Acusados' con la que conseguiría su primer Oscar como actriz principal. Barbara Valera dijo lo siguiente: "Lo más destacable de la cinta es la gran actuación de una joven Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos".

9. Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo de 1951.

Pablo Kurk de FilmAffinity encontró las palabras adecuadas para definir la cinta y las interpretaciones: "Elia Kazan bucea en las relaciones de pareja, según la obra de Tennessee Williams, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. Magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. Imprescindible.

8. Nicole Kidman en Dogville de 2003.

Impactante actuación en una película con una decoración no menos impactante. Daniel Andreas lo explicó de manera perfecta: "Abrumadora y perversa inteligencia de Lars Von Trier que hace que la forma y fondo sean una unidad inseparable, y uno no sabe qué admirar más: si la coherencia del relato, el juego metafílmico entre el personaje del intelectual y el propio director, la mezcla y renovación de los géneros fílmicos, el decorado-escenario, el conjunto como alegoría, la fuerza de las escenas individuales, la magistral interpretación de Nicole Kidman, la fugaz pero deslumbrante presencia de James Cann o ese final operístico y demoledor. Nadie hace cine ni remotamente parecido".

7Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc en 1958. 

Peter Bradshaw en The Guardian hizo una gran revisión de la película. Maggie (Elizabeth Taylor), es crucificada por su desesperación por lograr que Brick la desee: se la interpreta con una intensidad hipnóticamente felina, irradiando desde ese rostro ovalado perfecto, el vestido blanco prístino sobre su combinación opaca ceñida para acentuar una cintura notablemente delgada y la absoluta imposibilidad de estar embarazada. Y un placer cómico negro muy real de la película es lo odiosos que somos de niños. El propio WC Fields asentía sombríamente ante el comportamiento de estas espantosas pequeñas bestias, sumergiendo sus manos sucias en tarros de helado o disparando seis tiros de juguete que destrozan los nervios a los adultos"

6. Bette Davis por Eva al desnudo en 1950.

Una interpretación memorable que marcó su gran carrera. Luis Martínez en el Diario El País revisó la película con esta perla: "Bette Davis está genial. Aunque la pregunta es quién no lo está en esta inmarcesible película sobre la ambición, la capacidad de envenenar y, al margen de lecturas, sobre el placer de escuchar un guión perfectamente hilvanado". 

5. Marilyn Monroe por Vidas Rebeldes en 1961.


En mi opinión la mejor interpretación de Marilyn en toda su carrera. En su mirada melancólica se podía deducir que el final de la estrella y del mito se acercaba. Tara Brady en Irish Times encontró las palabras adecuadas: "Reforzada por las increíbles actuaciones de Monroe y Gable y la meticulosa fotografía de Russell Metty, es una experiencia visual poderosa y emotiva".

4Katharine Hepburn por Historias de Filadelfia en 1940.  


Una diva y una actriz portentosa. Con 4 Oscars de la Academia aún sigue liderando esa marca que ninguna otra actriz ha logrado igualar. Jake Hamilton en Empire dijo lo siguiente: "Un reparto excelente, un gran argumento y un guion inteligente hacen de ella un clásico del género, con uno de los mejores papeles de Katherine Hepburn".

3Audrey Hepburn por Desayuno con Diamantes en 1961.


Esta vez tomaré mis propias palabras de la retro reseña de la película: "El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad".

2. Meryl Streep por Los puentes de Madison en 1995.


La secuencia final del melodrama filmado por el maestro Eastwood es una obra maestra en sí misma. Meryl Streep supo transmitir mejor que nadie el significado de dilema. Pablo Kurt en FilmAffinity se expresó así: "Su grandeza es que algunos la ven como una historia sobre el amor, la aventura o el adulterio, mientras otros atienden al trasfondo de la vida sacrificada, los sueños no cumplidos y el dilema del ser frente al querer ser. Algunos la ven y empatizan desde el personaje de ella, y otros reclaman atención hacia el hecho de que el verdadero drama quizá esté en él. Abierto sigue el debate. En cualquier caso nadie discute que ambos se embarcan en un viaje emocional pocas veces visto en el cine reciente. La ceguera de Hollywood la nominó a solo un Oscar -mejor actriz-. El final, siempre recordado, en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir o no la puerta a una nueva vida..."

1. Rita Hayworth por Gilda en 1946.


Para concluir era imposible olvidarse de Rita Hayworth en una película considerada una obra maestra. Extraigo un extracto de mi retro reseña sobre el filme: "Gilda dirigida en el año 1946 por el cineasta húngaro Charles Vidor es un icono en la historia de la cinematografía. Hay películas que marcan un antes y un después para algunas estrellas de cine. Y de lo que no cabe duda es que con este filme Rita Hayworth consiguió la universalidad en la memoria colectiva del espectador"

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P.D. Os animo, como en la publicación anterior, a enriquecer la entrada dejando algún comentario sobre alguna interpretación femenina que os impactara o que recordéis con cariño.

domingo, 10 de marzo de 2024

¡10 interpretaciones masculinas para el recuerdo!

Hoy vamos con un ranking que recogerá algunas de las 10 mejores interpretaciones masculinas en la historia del cine. Podrían ser 50 o 100, pero vamos a intentar hacer la publicación amena y digerible. Por supuesto, faltarán muchos intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Además, y de manera inclusiva, hoy cedemos el puesto a los caballeros y en la próxima publicación serán las damas las que protagonicen la otra parte del ranking. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación.

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10. Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (1991)

Según Miguel Vidal Martinez: "Se leyó el guión cientos de veces (literalmente) y terminó imaginándose a Hannibal Lecter como una mezcla entre la asertividad de Katharine Hepburn, la reclusión mental de Truman Capote, y la voz suave pero intrigante de la máquina HAL 9000 de la película 2001: Una Odisea en el Espacio (1968). Además, Anthony Hopkins visitó juicios por asesinatos como parte de la audiencia y a presidiarios por esos cargos para comprender psicológicamente qué lleva a un hombre a matar. El autor de la novela en la que se basa la película se inspiró en el Dr. Alfredo Balli Treviño para la creación del personaje.

9. Alfredo Landa por El crack (1981)

Incluir al fundador del Landismo no es ninguna provocación. De hecho, este papel fue fundamental para cambiar de registro y conocer a un actor portentoso y mejor persona. Javier Alpañez de El Palomitrón escribió lo siguiente: "El crack narra un caso sin resolver del detective privado Germán Areta, antiguo policía retirado interpretado por un magnánimo Alfredo Landa en un papel que acabaría convirtiendo al personaje en un icono del cine negro español. Si una parte importante de la película viene motivada por un salvaje Alfredo Landa que devora la pantalla, otra parte tiene más que ver con un Madrid asimilado a un sucio Nueva York hasta el punto de llevar los tramos finales de la película a la Gran Manzana. En Cine y críticas marcianas recogí la crítica de El crack cero.

8. Tom Hanks por Náufrago (2000)

Aunque algunos piensen que la mejor interpretación de la película sea la de la pelota Wilson, yo me quedo con el entrañable Tom Hanks. Peter Travers de Rolling Stone dijo lo siguiente: "Hanks interpreta a Chuck Noland, un genio de la eficiencia de FedEx. Cuando su avión se estrella en el Pacífico Sur, Chuck pasa los siguientes cuatro años en una isla desierta, donde la palabra prisa no se aplica. No importa que Hanks bajó cincuenta libras para hacer el papel: ¡los votantes de la Academia con frecuencia confunden los cambios de peso con la actuación! pero Náufrago crece en ti. Zemeckis esquiva los clichés de la isla. Sin tiburones, sin bebés nativos, sin cameos de Survivor de Rich o Rudy. Ni siquiera una partitura musical, el truco más perezoso de Hollywood para dirigir nuestras emociones. Solo los sonidos del agua, el viento, los insectos y Chuck hablando con una pelota de voleibol a la que llama Wilson. ¿Suena aburrido? no lo es, Hanks imparte una clase magistral de actuación al mostrar a un hombre que pierde el sentido de sí mismo en gradaciones fraccionarias.

7. Henry Fonda en Las uvas de la ira 1940.

En esta ocasión me citaré a mí mismo ya que es una película retro reseñada que marcó a generaciones: "Henry Fonda afrontó a sus 35 años el papel más importante de su carrera y seguramente el que le confirmó como un actor portentoso y de largo recorrido. Otros grandes trabajos suyos fueron en las películas Pasión de los fuertes, El día más largo o En el estanque dorado por citar solo algunos de sus éxitos más reconocidos. En la cinta reseñada hoy, su papel es convincente, serio y como la propia película está fuera de los patrones clásicos del galán al uso en el Hollywood de la época. En definitiva, un actor con mucho recorrido y con bastantes matices en su carrera".

6. James Dean en Rebelde sin causa 1955.

Un actor mítico, un icono y una pérdida muy dolorosa. Paco Casado de Cine y Max dijo lo siguiente sobre la película: "Su fuerza poética, su capacidad de tensión emocional de muchas de sus escenas, remiten a lo mejor del autor que firmó films tan emblemáticos como 'Johnny Guitar' (1954) en el género del western o 'Chicago, años 30' (1958) en el policiaco. La soltura narrativa de que hace gala el realizador es típica del mejor cine americano de la década de los años 50, considerada ya como una etapa clásica. Brilla junto a la excelente dirección de actores, un James Dean espléndido y una joven Natalie Wood en su primer papel importante". Dirigida por Nicholas Ray. 

5. Robert de Niro en Toro Salvaje 1980.

Brillante, histriónico y querido por las masas. Peter Bradshaw dijo en The Guardian: "Fue protagonizada por Robert De Niro, electrizante y terriblemente carismático en el papel del campeón de boxeo de peso mediano de la década de 1940, Jake La Motta. En el cuadrilátero, era un luchador sin gracia, fuera de él, un matón repugnante y golpeador de esposas que estaba esclavizado por la mafia. La película en realidad suprime muchos de los aspectos más desagradables de la vida de La Motta y esencialmente lo toma en su propia estimación indulgente de sí mismo, enfatizando lo que supuestamente fue su resistencia inicial y obstinada a la participación parasitaria de los gánsteres".

4. James Stewart en ¡Qué bello es vivir! 1946.

La película de las Navidades con un inolvidable actor en su punto más tierno. También reseñada junto a David Rubio escribimos lo siguiente: "La vida de George es la de un soñador ambicioso al que la realidad le pone continuamente obstáculos que le obligan a elegir entre sus deseos y lo que moralmente es correcto. Cuando ya es hombre y un memorable James Stewart toma las riendas del personaje, la primera imagen que vemos es la suya con una maleta bien grande para marchar a Europa y después a la universidad y comenzar a cumplir los grandes planes que tiene en mente. Ese primer plano inicia una larga secuencia clave en la cinta en las que se nos muestra un pueblo casi utópico, en el que los vecinos se conocen por su nombre y se ayudan unos a otros. Conocemos a su padre, dueño de una pequeña empresa de préstamos que prima la ayuda a la gente sobre el beneficio económico, a su madre, y hermano, a sus amigos. Iremos a la fiesta de Mary (Donna Reed), que desde niña a amado a George y su único sueño es formar un hogar con él. ¿La pareja perfecta en el pueblo perfecto?

3. Javier Bardem en Mar adentro 2004

Ramón Sampredo tuvo que recibir ayuda para realizar su propia eutanasia. Javier Bardem se metió de tal manera en el personaje que se llegaba a confundir a la persona real con el personaje interpretado. Carlos Boyero en El Mundo dijo lo siguiente: "Mar adentro es de las películas más estremecedoras que he visto en mucho tiempo. Amenabar también consigue que te rias en medio de la tragedia de Ramón Sampedro. Todo es magistral en una película que sale del corazón. Javier Bardem está más allá del elogio, pero Belén Rueda y los secundarios también".

2. Joaquín Phoenix en Joker en 2019


La excelencia en la interpretación es sinónimo de lo que hizo Joaquín Phoenix en Joker. Lucero Calderón en Diario Excélsior dijo lo siguiente: "Phoenix entrega una de las mejores actuaciones de su carrera (...) Con distintas lecturas sobre la corrupción, la miseria, la violencia y el bullying (...) 'Guasón' dará mucho de qué hablar y seguramente estará nominado en los Premios Oscar."

1. Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del cuco en 1975.


Mi interpretación (masculina) preferida de la historia del cine es la que realizó Jack Nicholson en esta maravilla de película. Potente, tierno, histriónico, vital o en definitiva, ¡brutal! Pablo Kurk de FilmAffinity expresó lo siguiente: "El director checo Milos Forman y un enorme Jack Nicholson abordan la locura como concepto, la dignidad del individuo como ventana de escape en la enfermedad mental y -ya de paso- el sistema psiquiátrico norteamericano como denuncia en uno de los títulos míticos de los años setenta. Multipremiada -todavía es hoy junto a "El silencio de los corderos" (The Silence of the Lambs, 1991) y "Sucedió una noche" (It Happened One Night, 1934) una de las 3 únicas películas ganadoras de los 5 Oscars principales-, obtuvo además un enorme éxito de público. Como curiosidad, estuvo producida por un joven -tenía 29 años- Michael Douglas. Una obra formidable en la que destaca la interpretación de Nicholson, que borda un papel hoy ya inimaginable con otro actor".

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P.D. Os animo a enriquecer esta publicación dejando algún comentario sobre alguna interpretación masculina que os impactara o que recordéis con cariño. El próximo viernes publicaré la segunda parte de esta entrada con las interpretaciones femeninas. Os espero. 

lunes, 4 de marzo de 2024

Dream Scenario: original, potente e implosiva obra con el mejor Nicolas Cage

Dream Scenario dirigida por Kristoffer Borgli se ha estrenado en cines españoles el día 1 de marzo de 2024. La cinta cuenta con la presencia de Nicolas Cage, en uno de los papeles más sorprendentes de su carrera, por el que fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical.

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La historia: El desventurado padre de familia Paul Matthews (Nicolas Cage) verá cómo su vida simple y aburrida como profesor da un vuelco repentino cuando millones de extraños empiezan a verle en sus sueños. Pero sus apariciones nocturnas tomarán un cariz de pesadilla, por lo que Paul se verá obligado a lidiar su inesperado estrellato.

La crítica: Todo el mundo conoce a Nicolas Cage como actor, director y productor y que su notable versatilidad le ha llevado a cosechar grandes éxitos en todos los géneros durante más de cuatro décadas. Pero el momento que vive como actor ahora en su madurez es el mejor de su carrera aunque viva alejado de sus mayores éxitos.

En El insoportable peso de un talento descomunal ya le veíamos muy cómodo en estos nuevos roles y ahora en Dream Scenario confirma ese momento tan dulce como intérprete. Y lo hace, además, en una película original, potente aunque implosiva en su tercer acto. 

La premisa de salida es muy divertida ya que nos encontramos ante un personaje central que empieza siendo discreto e inofensivo sin saber porque se aparece en los sueños de sus estudiantes y de otras personas desconocidas. Además en esos sueños no hace nada. Se limita a observar pase lo que pase a los soñadores lo cual provoca una reacción cómica en el resto de personajes y en el espectador. Pero todo se vuelve más ambiguo a medida que avanza la historia y se desquicia antes del tercer acto. Su aparente vida feliz se va transformando en un caos según aumenta su fama. La mayor pega es que el cineasta se toma en serio a sí mismo y lo que era una ágil comedia implosiona en la parte final hacia un drama social, que aunque válido, se siente fuera de lugar. 

Una vida en apariencia de ensueños terminará convirtiéndose en una pesadilla a través de un inteligente guion que desgrana temas como la fama, la presión social, el anhelo y la obsesión por las redes sociales. 

En las interpretaciones, además de un enorme Cage, hallamos en un pequeño y gracioso papel a Michael Cera cuyo personaje trata de seducir al atribulado profesor para que aproveche la fama y anuncie una marca de refrescos cuando éste lo único que quiere es publicar un libro. En el papel de sufrida esposa aparece una anodina Julianne Nicholson

A pesar de contener elementos de cine fantástico la película es bastante plana en la técnica de rodaje por lo que solo sería destacable el maquillaje y la caracterización del protagonista. Un metraje demasiado ajustado en esta ocasión no permite desarrollar el tercio final que no obstante se pierde en una justa crítica a la cultura de la cancelación. Esto parece metido con calzador en lo que hasta ese momento era una comedia bastante gamberra y con secuencias realmente efectivas. 

Dream Scenario me ha parecido una de las películas más originales y divertidas de los últimos tiempos a pesar de ponerse demasiado seria en su desenlace. En la historia, Borgli encuentra el equilibrio entre la comedia y el género fantástico satirizando el ascenso y la caída de una persona común. Asimismo se muestran las luces y sombras de su trayectoria. Con un Nicolas Cage brillante y un libreto muy bien pensado, nos hallamos ante un descubrimiento que nos permite ver que no todo estaba inventado en el cine y eso es una gran noticia. 

Nota: 7'5/10. 


Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Comedia fantástica

Director: Kristoffer Borgli

Guion: Kristoffer Borgli

Fotografía: Benjamin Loeb

Música: Owen Pallett

Duración: 100 minutos

Reparto: Nicolas Cage, 
Julianne Nicholson, Michael Cera, 
Dylan Baker, Kate Berlant,
Dylan Gelula, Tim Meadows

martes, 27 de febrero de 2024

Tótem: Lila Avilés vuelve a seducir


Tótem dirigida por Lila Avilés se estrena en cines españoles el próximo día 1 de marzo de 2024. La cinta fue seleccionada en la shortlist de los Premios Oscar a Mejor Película Internacional en representación de México y también ha sido reconocida en varios festivales de cine, como la Berlinale o el Festival de San Sebastián. 

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La historia: Sol, una niña de siete años, se encuentra en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. A medida que avanza el día, un ambiente extraño y caótico se apodera lentamente de la situación, fracturando los cimientos que mantienen unida a la familia. Sol llegará a comprender que su mundo está a punto de experimentar un gran cambio por los avatares de la vida. 


La crítica: Aunque Tótem no es una película para todo el mundo por su carácter intimista e independiente, si aborda un tema tan universal como lo es la familia como pilar central para afrontar alegrías, penas y apoyos tanto afectivos como económicos. Así es como la cineasta mexicana Lila Avilés vuelve a seducir como ya lo hacía en la hipnótica La camarista.

Tótem está narrada a través de los ojos de una niña a lo largo de una jornada. Es la del cumpleaños de su padre que padece una grave enfermedad y se encuentra recluido en una habitación intentando tomar aliento para la celebración de quizás el que sea su último aniversario. Un hombre joven al que le van a demostrar lo querido que es desde el humor y la esperanza. Avilés logra narrar la jornada con continuidad y en una especie de tiempo real logrando de manera natural dejar el metraje en 90 minutos. La cámara fluye, danza o se esconde por la casona familiar dando a conocer a los personajes: Sol, sus padres, sus primos, su abuelo, sus tías y otros pobladores de la morada que poco a poco se va llenando. 

Otra dualidad que expresa Avilés gira en torno al tiempo y a la duración. El tiempo medido y nuestra percepción de su paso son muy diferentes, aunque ambos describan una secuencia idéntica de acontecimientos. Todos hemos vivido días que parecen meses y días que pasan en segundos. Nuestra experiencia del tiempo suele estar determinada por los espacios que habitamos mientras transcurre. Dado que conforman nuestro sentido del tiempo, los lugares que habitamos no son externos a nosotros. Al contrario, debemos encontrar esos lugares también dentro de nosotros, con todas nuestras imperfecciones. Y eso de manera independiente  a nuestro género, religión, país, estatus, idiosincrasia. Encontrar esta verdadera morada es un proceso de sustracción, una reducción y concentración en lo esencial. Como dice Tolstoi: “La verdad, como el oro, se obtiene no por su crecimiento, sino lavando de ella todo lo que no es oro”.


A través de Sol, se construye un retrato íntimo sobre una familia visto a través de los ojos de esa niña interpretada de manera muy especial por Naíma Sentíes. Completan el reparto coral las actrices Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Saori Gurza, Teresita Sánchez y el actor Mateo García Elizondo en los distintos roles familiares. 

En la parte técnica destaca una sola localización -una casa con jardín- en la que apreciamos una comunión entre personas y naturaleza. Las plantas entran y salen de la casa a modo de enredadera al igual que lo hace la luz. Por supuesto, la película tiene sombras, igual que un cuadro. Para entender la luz, hay que entender la sombra. A veces, son las sombras las que hacen la vida más difícil, pero también más interesante. Otra particularidad del rodaje es el retrato a las familias en América Latina, que son muy extensas. Siempre hay primos y tíos, animales, como una fiesta. Observamos cómo hablan y se relacionan en una familia, con su jerga y códigos incluso en la misma lengua.

Tótem me ha parecido de manera principal un filme muy auténtico. Lila Avilés sigue retratando la vida cotidiana desde un punto de vista muy íntimo basado en el naturalismo. Películas que son como microcosmos buscando la esencia de las cosas como las matrioskas, las pirámides, las cosas que contienen otras cosas. El tema central es el concepto de hogar y como la familia se convierte en bastión en las venidas o en las despedidas. En definitiva, nos hallamos ante un filme que trata de convertir lo cotidiano en algo extraordinario. 

Nota: 7/10.



Nacionalidad: México

Género: Drama, Familia 

Dirección: Lila Avilés

Guion: Lila Avilés

Fotografía: Diego Tenorio

Música: Thomas Becka

Duración: 92 minutos

Reparto: Naíma Sentíes,
Montserrat Marañon, Marisol Gasé, 
Teresa Sánchez, Iazua Larios, 
Mateo García, Saori Gurza

jueves, 22 de febrero de 2024

Secretos de un escándalo: duelo de actrices en la cumbre


Secretos de un escándalo dirigida por Todd Haynes se estrena en cines españoles el próximo día 23 de febrero de 2024. Protagonizada por la ganadora del Oscar® Natalie Portman y la también ganadora de un Oscar® Julianne Moore, junto con Charles Melton (Riverdale). La película está escrita por Samy Burch, quien ha sido nominada en la categoría de mejor guion original en los Oscar® 2024.

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La historia: Veinte años después de que su célebre romance saltara en todos los titulares y conmoviera a la nación, Gracie Atherton, (Julianne Moore), y su marido Joe (Charles Melton), 23 años menor que ella, ceden ante la presión de la actriz de Hollywood, Elizabeth Berry (Natalie Portman), que viene a investigar sobre su historia para hacer una película de su escandaloso pasado que conmocionó a Estados Unidos. 


La crítica: Una actriz haciendo de actriz debe ser un bucle infinito y un desafío para una interprete. En cualquier caso, Natalie Portman sale muy bien parada de este juego de espejos. Brillante también, Julianne Moore que le da buena réplica en una historia real que sirvió a los tabloides estadounidenses para desparramarse.

Secretos de un escándalo está inspirada en el caso real de Mary Kay Letourneau que los medios explotaron en los años 90 en EEUU. Una profesora que cumplió pena de cárcel por tener relaciones sexuales con uno de sus alumnos, de 13 años, cuando ella estaba casada y ya era madre de tres niños. Tras su condena quedó en libertad, pero no respetó la prohibición de volver a ver al niño, de quien quedó embarazada y tuvo que cumplir otros 7 años de prisión acusada de violación. Ahora, dos décadas después, la narrativa nos lleva a observar una actriz de Hollywood que va a hacer una película sobre su historia.

Todas las vidas, todas las familias, son el resultado de elecciones, y hay pocas relaciones románticas más polémicas que ésta a la que aquí nos referimos; siendo prueba de ello, el rechazo y desprecio unánime que suscitó en todo el mundo, y contra el que llevan luchando dos décadas, tanto Gracie y Joe Yoo como sus dos hijos, que actualmente están terminando los estudios de enseñanza secundaria. Lo que parece claro es que una diferencia de edad de 23 años teniendo la persona más pequeña solo 13 años es algo perturbador e incluso enfermizo. 

A medida que la personalidad del niño ya hecho un hombre va saliendo a la luz, el público ve las similitudes, cada vez más evidentes, entre Elizabeth y Gracie; a pesar de que ninguna de las dos quiere reconocerlo. Mediante este silencioso cambio de perspectiva, la película pasa del retrato simple al doble.


La escena del maquillaje en el baño es la pieza central del filme; un punto de inflexión en la película, que marca la progresión de Elizabeth estudiando a Gracie y la concesión de confianza y revelaciones que intercambian las dos mujeres; y que está impregnado de intimidad y cruce de límites. Entonces te das cuenta de que ambas están dispuestas a correr ese riesgo (el de la confianza íntima, la una con la otra y viceversa). La secuencia evoca a las imágenes de Persona de Ingmar Bergman ya que las dos mujeres están de perfil aplicándose el maquillaje y luego se vuelven hacia la lente de una cámara, que es el espejo, y observan cómo es esa transformación. Hablamos de un duelo interpretativo de dos actrices en la cumbre del cine. 

Las tomas de la cinta están fotografiadas en tonos preciosistas. Se eligen espacios en una comunidad de playa, a unos 30 kilómetros de Savannah, llamada Tybee, pues el tipo de humedad y de luz de pantano que emanaba de esa región ofrecía un lenguaje visual específico: es un tipo de luz apastelada, que se filtra por los encuadres y a menudo hace siluetas con las tomas. La música está inspirada en la banda sonora compuesta por Michel Legrand para la película de 1971 El mensajero.

Secretos de un escándalo es una película mucho más profunda de lo que aparenta su inofensiva superficie. Con unas interpretaciones para el recuerdo y un libreto bien desarrollado, nos hallamos ante un acertado retrato de una historia oscura y que perturba por la naturaleza de los hechos narrados. El resultado es una inquietante historia, conmovedora por momentos, y que resulta una emotiva reflexión sobre la incapacidad de los seres humanos para comprendernos a nosotros mismos, y entender las relaciones en las que estamos inmersos.

Nota: 7'5/10. 


Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: May December

Género: Drama

Dirección: Todd Haynes

Guion: Samy Burch

Fotografía: Christopher Blauvelt

Música: Marcelo Zarvos

Duración: 113 minutos

Reparto: Natalie Portman, 
Julianne Moore,Charles Melton, 
Cory Michael Smith