miércoles, 1 de marzo de 2017

La vida de Calabacín (Ma vie de Courgette)


El espíritu infantil no es un vaso que tengamos que llenar, sino un hogar que tenemos que calentar. - Plutarco.

La historia: Calabacín es un tímido y encantador muchachito que tras perder a su madre tiene que ingresar en un hogar de acogida para niños huérfanos. Tras el rechazo inicial de algún compañero, pronto se integrará y empezará a forjar nuevas amistades. La llegada al centro de una niña llamada Camille será un revulsivo tanto para Calabacín como para todos sus compañeros. La historia de superación personal está servida.

La crítica: La primera sorpresa que nos encontramos en esta propuesta animada es la corta duración de la misma. Aunque técnicamente es un largometraje, sus apenas 66 minutos están vinculados con una rara avis en el mundo del cine como son los mediometrajes. En todo caso es tiempo suficiente para contar una buena historia y la mejor prueba de ello es el cada vez más exitoso mundo del cortometraje.

Otra de las peculiaridades de la cinta es que que se trata de una animación stop motion cuya técnica consiste en aparentar movimiento en imágenes estáticas. La unión de estos fotogramas a la velocidad adecuada hacen posible la óptica de la movilidad. El cineasta suizo Claude Barras ha empleado cuatro años de su vida en rodar su proyecto más personal. Un trabajo totalmente artesanal en el que moldea junto a su equipo unas figuras de plastilina que cobran vida gracias al trabajo y a la magia del cine. Lo que a primera vista pudiera parecer un trabajo sencillo de animación, es un minucioso y artístico logro, que en su naturalidad encuentra su principal belleza.


Pero ante todo la propuesta goza de una sensibilidad exquisita en el tratamiento de algo tan dramático como es la pérdida de una madre. Nuestro joven protagonista lleva además una pesada carga en su conciencia, al haber intervenido en el luctuoso suceso accidentalmente. Pero no fue su responsabilidad, su madre estaba alcoholizada al no asimilar la ruptura de su matrimonio.

Por lo tanto nos encontramos de partida, con un cine de alto calado social, pero bien enmascarado en unas ágiles secuencias de animación para que los más pequeños puedan disfrutar de la película sin estar pendientes de porqué Calabacín llegó al orfanato. La inteligencia del director al proponer lo que yo calificó como "cine dual", hace que mientras los niños disfrutan y asimilan el mensaje con tranquilidad, los adultos puedan repensar la historia desde un punto de vista más profundo.

Y de soledades y amistades habla la cinta. Y de cómo cada niño que está en el hogar de acogida lleva una pesada carga detrás de su llegada hasta allí. Violencia familiar, inmigración ilegal o la falta de familiares adecuados hacen que esta ficción por desgracia sea una realidad en nuestra sociedad. Pero no todo son cargas de profundidad, de hecho el alegre colorido y las aventuras de los pequeños en su nuevo hogar ponen el contrapunto adecuado adornado también con algún toque de humor. En todo caso lo verdaderamente esencial de La vida de Calabacín es la muchísima ternura que impregna Claude Barras a su película.


Hoy no podemos resaltar a nadie del cuerpo actoral, pues son muñecos de plastilina. Lo destacable es el trabajo artesano de esta coproducción franco suiza que ha conseguido el hito histórico de ser nominada al Oscar de la Academia junto a las habituales producciones de Disney. Tras el monumental ridículo de la entrega de estatuillas doradas del pasado domingo, supuestamente La vida de Calabacín no obtuvo finalmente el Oscar, aunque con el movimiento de sobres que hubo quizás a nadie le importe ya. Lo que si consiguió fueron dos galardones de la Academia francesa de cine que parece actuar con más seriedad. Ganó el Premio César a mejor película de animación y lo más sorprendente aún es que se hizo con el César al mejor guión adaptado en competencia real con las películas no animadas, entre ellas las aclamadas 'Elle' o 'Frantz'.

En conclusión, nos encontramos con una propuesta hábil e inteligente que a pesar de no ser una cinta redonda del todo, es de muy interesante visionado por lo paradójicamente original que es la vuelta al cine stop motion y al trabajo artesano con mensaje. Un cine totalmente diferente a la órbita de Disney para que podamos apreciar que no solo de princesas vive el hombre. A excepción de Urdangarín, un experto en la materia...

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Francia, Suiza.
Director: Claude Barras.
Novela: Gilles París.
Guión: Claude Barras,
Germano Zullo, Céline Sciamma.
Música: Sophie Hunger.
Duración: 66 minutos.
Estreno Francia: 19/10/16.
Estreno España: 24/2/17.


viernes, 24 de febrero de 2017

Fences


Nunca digas que amas a alguien si no has visto su ira, sus malos hábitos, sus creencias absurdas, y sus contradicciones. Todos pueden amar una puesta de sol y la alegría, solo algunos son capaces de amar el caos y la decadencia.
- Acción poética Cartagena.

La historia: Troy (Denzel Washington) trabaja en el servicio de limpieza en el Pittsburgh de los años 50. Sus sueños como jugador de béisbol quedaron atrás y ahora lucha junto a su mujer Rose (Viola Davis) por sacar a flote su hogar y por aliviar su precaria situación económica. Las relaciones con sus hijos, más una tercera persona que se cruza en el matrimonio, harán saltar los resortes de lo que parecía una convivencia en armonía.

La crítica: Denzel Washington además de encabezar el reparto, dirige y produce con fuerza su tercera película tras Antwone Fisher (2002) y The Great Debaters (2007). En esta ocasión, la cinta está basada en la obra teatral del mismo nombre y fue galardonada con el Premio Pulitzer. Este hecho, supuso el reconocimiento internacional para el dramaturgo August Wilson, que antes de su fallecimiento dejó adaptado el guión para ser llevado al cine.

Sus obras se caracterizan por entrelazar las vidas individuales, para mostrar una perspectiva en su conjunto de la realidad social afroamericana en el pasado siglo XX. Temas como la esclavitud, la reconversión industrial que se cebo con los trabajadores negros o la humillante segregación racial fueron las fuentes de su creación. Por otra parte, su deseo de que su obra fuera filmada por un afroamericano se ha visto cumplido cuando Denzel Washington decidió hacerse cargo del proyecto.

Las cuatro nominaciones al Oscar que ha recibido Fences (mejor película, mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor guión) suponen un reconocimiento póstumo del mundo del cine a la trayectoria del escritor que firmó un libreto lleno de pasión y arrebato.


La presentación con veinticinco minutos de diálogos de vértigo, dan paso a un drama complejo en el que la imperfección de las relaciones humanas se emparentan con la cruda realidad. Toda la historia gira hacia la figura de un padre y marido totémico, que va marcando con su carácter a los demás miembros de la familia. Su ego infinito, nos habla del miedo a verse superado por sus hijos, mientras estos se debaten entre la admiración y el miedo a su agridulce progenitor.

La atmósfera que consigue el cineasta es por momentos asfixiante, pero balanceada con hábiles ráfagas de humor que se concretan en el patetismo de un padre de familia que a sus más de 50 años aún juega a encontrar su lugar en el mundo. La acción prácticamente en su totalidad está desarrollada en el hogar familiar, concretamente en el porche exterior, recogiendo claramente las influencias teatrales de las más de 500 representaciones que la obra lleva en Broadway.

Quizás por esto mismo, los 139 minutos de metraje se sienten excesivos para una cinta que aunque paradójicamente resulte muy veloz en los diálogos, pierde frescura en lo parsimonioso del desarrollo. O lo que es lo mismo, un disfrute para el que quede enganchado por los personajes o un exceso para aquel que desconecte de las historias personales con demasiadas capas en su transición. Es evidente que Washington es un enamorado de esta historia, pero es incomprensible que no haya podido valorar que la cinta con los 90 minutos de rigor hubiera ganado mucha habilidad narrativa. En mí opinión es mejor quedarse corto y dejar al espectador con ganas de más, que pasarse de metraje y caer en lo más temido por un cineasta, el aburrimiento o las miradas al reloj.


Lo que si es absolutamente abrumador es el trabajo de Denzel Washington interpretando con pasión, calor y arrojo a un personaje que no es fácil de comprender por sus actitudes contradictorias. Una de las mejores interpretaciones de su carrera, sino la mejor. Por otra parte, aparece como coprotagonista en pantalla Viola Davis (Criadas y Señoras), que le da una fantástica réplica en el papel de una mujer que dió toda su vida por el amor hacia su marido y ahora se ve sorprendida por los devaneos amorosos extraconyugales de su pareja. Con la nominación al Oscar por esta interpretación, pasa a la historia como la mujer negra con más nominaciones a los citados premios de toda la historia. Hay que señalar que la pareja de actores recibieron sendos Premios Tony por la interpretación teatral que hicieron de Fences sobre las tablas de Broadway. Del resto del reparto habría que destacar a Stephen Henderson en el papel de Jim, interpretando al eterno buen amigo que intenta llevar por el camino recto al personaje principal y la muy prometedora presencia en pantalla de Jovan Adepo, que hace el papel del hijo que quiere emular a su padre en la pasión por el beisbol.

En el aspecto técnico destaca la fabulosa fotografía realizada por la danesa Charlotte Bruus Christensen (Lejos del mundanal ruido), que envejece con brillo, el aspecto de las imágenes para trasladarnos a la Pensilvania de mediados del siglo pasado. La dirección de arte con la recreación de la casa familiar y los exteriores completan un buen trabajo.

En resumen, una película que destaca sobre todo por las majestuosas interpretaciones y que hará las delicias de los amantes del teatro llevado al cine. En su debe, habría que colocar su parsimoniosa relación de hechos, así como ciertas alegorías religiosas fuera de lugar. En cualquier caso, el reparto será recordado, asimilado y emulado en las futuras clases que se impartirán en cualquier escuela de teatro o cine que se reparten por tantas ciudades del planeta. ¿Es suficiente esto para recomendar la película? En sus manos queda, les dejo el tráiler y formen su propio criterio.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección: Denzel Washington.
Reparto: Denzel Washington,
Viola Davis, Jovan Adepo
Stephen Henderson.
Guión: August Wilson.
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen.
Música: Marcelo Zarvos.
Duración: 139 minutos.
Estreno EE UU: 25/12/2017.
Estreno España: 24/02/2017.

Trailer subtitulado por el canal Cinescondite:

domingo, 19 de febrero de 2017

Jackie


Si no podemos poner fin a nuestras diferencias, contribuyamos a que el mundo sea un lugar apto para ellas. - John Fitzgerald Kennedy.

La historia:  El 22 de noviembre de 1963 y durante una visita a Dallas, el 35 presidente de los Estados Unidos John F. Kennedy, fue asesinado por un francotirador en presencia de su esposa Jacqueline. La narración nos lleva brevemente al momento anterior al magnicidio, para centrarse totalmente en los días posteriores al dramático suceso. La visión de los hechos y el trauma vivido por Jackie Kennedy, ponen en valor como era, que sentía y que labor desarrollaba la ex primera dama. Un biopic centrado en unos días que conmovieron al mundo, mientras una mujer perdía a su marido.

La crítica: La brutal pérdida del reino de Camelot estadounidense, es filmada magistralmente por la mirada del cineasta chileno Pablo Larraín que ya demostró su autoridad en la estupenda película 'No'. Y lo hace, a través de unos primeros planos de una exquisita factura, en los que la actriz Natalie Portman (Jane got a gun) demuestra que ya es historia viva de la cinematografía mundial.

Pero la cinta es algo más que Portman y Larraín, de hecho el impulso del proyecto es del director y ahora productor de Jackie, Darren Aronofsky, que ya llevó a la actriz a ganar un Oscar por la aclamada cinta 'Cisne negro'. Para ello se valió de un gran guión de Noah Oppenheimer que fue galardonado como el mejor libreto en el pasado Festival de Cine de Venecia. Un trabajo en equipo, de la que sin embargo sale una de las películas más personales del cineasta chileno.

Últimos momentos de felicidad

La cinta es ante todo, la pérdida de la inocencia de la sociedad estadounidense y de la propia Jacqueline Kennedy a través de las vísceras cerebrales de su propio esposo. Y es que ella sostuvo entre sus manos el cráneo desfigurado del presidente en unas imágenes vistas a nivel mundial. Aunque no fue el primer presidente asesinado en la historia de los Estados Unidos, si ha sido uno de los magnicidios que más controversias ha despertado entre los historiadores y periodistas del mundo entero. La película en sí, no desarrolla ninguna teoría de la conspiración, pero si deja algún matiz a cuenta de la tibieza del sucesor de Kennedy, el presidente Lyndon B. Johnson.

Lo que parece claro es que el asesinato de Lee Harvey Oswald, el a su vez asesino del presidente, supuso como mínimo, una grave dejación de funciones de las autoridades policiales de Texas. Dos asesinatos demasiado fáciles, que solo los historiadores e investigadores serios, podrán aclarar en toda su magnitud. Las locas ideas conspiranoicas no caben en esta cinta. De hecho, es un retrato muy intimista de lo que sintió una mujer, una persona, un icono como fue la joven Jackie. Un desborde emocional, intenso y aunque un tanto pausado, que sugiere a una mujer mucho más fuerte que ese mito de Chanel que la cultura contemporánea se encargó de crear. 

Y es que la historia se narra a través de la única entrevista que concedió la "reina y viuda de América" al periodista de la revista Time, Theodore H. White, en los días posteriores al trágico suceso. De ahí, el cineasta va recomponiendo el puzzle sentimental por la que atravesó esta mujer, que a pesar de los devaneos amorosos de su marido, supo y quiso estar a su lado más allá de su muerte y transmitir el enorme legado en cuestión de derechos civiles que nos dejó el presidente Kennedy para la posteridad.

La soledad

El reparto es ante todo una descomunal Natalie Portman ocupando prácticamente la totalidad de planos de la producción. Nominada y ganadora de premios por esta actuación, casi se hace vulgar hablar de premiaciones, pues su actuación está muy por encima de lo que obtenga o deje de obtener. La que fue una niña prodigio, ya es maestra de actores a sus 35 años. La acompaña interpretando a Bobby Kennedy, Peter Sarsgaard (An Education) en una actuación creíble y formal de un actor que personalmente me encanta. Como asistenta de Jackie, aparece la actriz en alza Greta Gerwig (Maggie's Plan) aportando la calidez que la caracteriza. El periodista encargado de la entrevista que sirve como hilo conductor del largometraje es interpretado con corrección por Billy Crudup. Mención especial para John Hurt (El expreso de medianoche), en su último buen papel en la gran pantalla antes de dejarnos recientemente. Interpreta al sacerdote que intenta dar consuelo a la protagonista y de hecho se establecen los mejores diálogos del guión a cuenta de la existencia o no de Dios.

La música de Mica Levi es un personaje más de la película, actuando como catalizador de los sentimientos de Jackie, consiguiendo unas notas de suspense y afectación increíbles en una historia más o menos conocida por todos. Una excelente banda sonora que ha obtenido una obligada nominación a los Oscars de la Academia. También lo ha hecho un gran diseño de vestuario y paradójicamente lo mejor técnicamente de la película, que es la sobresaliente dirección de arte se ha quedado fuera. Y es que los escenarios tanto naturales como las recreaciones artísticas de los distintos interiores dejan completamente maravillados con la grandeza del cine (por cierto la mayoría de la cinta está rodada en Francia).

En definitiva, Jackie es una excelente propuesta interior que nos sumerge en la personalidad de la primera dama más popular de la historia de los Estados Unidos. Lo que se echa de menos en la película, sería haber profundizado más en las relaciones personales de la pareja para comprender en su totalidad el comportamiento de la protagonista. Otro defecto que nos encontramos, no se debe al hecho artístico, sino al marketing comercial de la productora, que da a entender que la película es un retrato de la vida de Jackie Kennedy cuando la realidad es que la historia esta basada en los días posteriores al asesinato del presidente Kennedy. Pero independientemente de estas pequeñas pegas, Jackie es una emocional, brutal y desgarradora historia que te atrapa a través de Natalie Portman y su gran capacidad de conexión que te mantiene con un nudo en la garganta hasta el desenlace final. El cine una vez más, refleja un acontecimiento histórico cumpliendo perfectamente con su función de espectaculo y a la vez sirviendo como vehiculo socio cultural de primer nivel.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos,
Chile, Francia.
Director: Pablo Larraín.
Reparto: Natalie Portman,
Peter Sarsgaard, Greta Gerwig.
Música: Mica Levi.
Fotografía: Stéphane Fontaine.
Duración: 95 minutos.
Estreno EE UU: 02/12/16.
Estreno Chile: 16/02/17
Estreno España: 17/02/17.
Estreno México: 24/02/17.
Estreno Perú: 9/03/17.


jueves, 16 de febrero de 2017

Sesión Teta: Otra manera de ir al cine


La idea de esta publicación en Cine y críticas marcianas, nació una tarde en la que me disponía a sacar una entrada en las taquillas de un cine en la ciudad de Madrid. Me encontraba tranquilamente leyendo los horarios de las películas, cuando para mí sorpresa, en una de las producciones aparecia un indicativo señalizando ese pase con el sobrenombre de Sesión Teta. Lo primero que pensé es que se trataba de una sesión erótica o incluso un error de imprenta en la cartelería. Pero claro, ya se sabe que los hombres antes de preguntar una dirección o consultar con otra persona, preferimos hacer 10.000 kilómetros si con ello queda demostrada nuestra "gran" sabiduría. El caso es que me daba vergüenza preguntar a las chicas de las taquillas y fue el teléfono móvil con la conexión a internet el que me sacó de dudas. La Sesión Teta consistía en una iniciativa para que las mamás en periodo de lactancia pudieran acudir al cine con sus bebes en unas condiciones muy favorables para ambos. Este es el curioso prólogo con el que doy paso a divulgar esta información para todos aquellos que lean estas lineas y que como yo, desconocían esta bonita manera de acudir al cine.


La idea nace de la enfermera de pediatría Carmen Maderuelo durante unos talleres de lactancia en el centro de salud Doctor Castroviejo situado en Madrid. El aislamiento de las madres en los actos socioculturales por tener que cuidar a sus pequeños, es una de las razones que le llevaron a impulsar esta popular iniciativa que se esta extendiendo por el resto de España a una velocidad de crucero. Ojalá que muy pronto se pueda extender por el resto del mundo y especialmente entre nuestra comunidad iberoamericana donde la natalidad siempre esta necesitada de apoyos y de estímulos.

El 27 de febrero del año 2015 se proyecta la primera sesión de estas características en los cines del centro comercial La Vaguada. Para llegar a esta meta, la enfermera se puso en contacto con el propietario de estos multicines y llegaron a un acuerdo para facilitar una sesión a la semana, concretamente los martes en horario matutino. Pero claro, las condiciones para acoger a estos bebés, a sus madres o a algunos padres que también se fueron apuntando debían ser especialmente acogedoras por el bien de los más pequeños.

A continuación, expongo cuales son las principales características que deben cumplir estas sesiones.

La climatización: La temperatura de la sala debe ser acogedora y adecuada a las condiciones que necesitan los peques. Por lo tanto el aire acondicionado en verano tiene que ser moderado y por supuesto en invierno tiene que haber la calidez que proporciona una no muy potente calefacción.

El sonido: Los decibelios de la sala no deben superar los 65, cuando lo habitual es que estén en torno a los 100 en las sesiones para todos los públicos. No hay que olvidar que la protección auditiva es muy importante para el normal desarrollo de la audición en los bebés.

El precio: Los cines donde acogen esta iniciativa ofrecen un descuento sobre la entrada de referencia en una sesión ordinaria. Podríamos hablar de entre un 20 o 30 por ciento de ahorro según en que ciudad y en que sala.

La movilidad: Esto es importante, porque si un bebé se pone a llorar nadie se va a quejar. Las mamás se podrán levantar, acunar o incluso dar un paseo con su niño si con ello se calma y acomoda a la situación. Por supuesto el amamantar al bebé en plena proyección es otra de las ventajas de la Sesión Teta, de ahí su nombre. Se recomienda también en la medida de lo posible llevar a la criatura en brazos o en mochilas preparadas para ello, con el fin de no obstaculizar las salidas de emergencia con los carritos. En todo caso plegarlos o la habilitación de espacios para ellos es la solución.

La edad y la programación: Se recomienda también que la edad adecuada no debe superar los 20 meses, pues a partir de este momento y debido al desarrollo cognitivo de los bebés, ya empiezan a comprender algunas situaciones de las películas que podrían no ser adecuadas para ellos. En cualquier caso esto ya queda a criterio de los padres. La programación será acorde con los mejores estrenos del momento evitando eso sí, las películas de terror o las de mucha acción por los cambios bruscos en el volumen de la audición.


La iniciativa que surgió hace ahora dos años y que empezó como algo anecdótico en un solo cine y en una sola sesión en la capital española, se ha propagado por el resto del país y ya llega a Barcelona, Murcia, Cartagena o Palma de Mallorca por citar solo algunas de las ciudades donde está presente. En Madrid son muchos los cines que están dando el paso en los últimos meses.

Giorgia Bussolino y otras madres, fueron las impulsoras de la creación de una página temática en Facebook en la se ofrecen las últimas novedades e incorporaciones al respecto. Se llama @alcinecontubebe y para los no usuarios de esta red social también disponen del correo sesionteta@gmail.com aunque este está especialmente habilitado para los cines que se quieran sumar a la propuesta.

Una idea que nace de la ciudad de Madrid para el resto del mundo. Así que cualquier persona que quiera sumarse a este proyecto ya sea en España o en cualquier parte del mundo, ya sabe que el camino recorrido por Carmen Maderuelo no solo es factible, sino que también es un punto de unión entre el negocio cinematográfico y la labor que este tiene para la socialización de las personas. Muchas de estas madres hicieron amistad en las propias salas de cine. Otras en el futuro lo harán con el telón de fondo del séptimo arte como reclamo. Por mí parte y al tener un blog de cine, lo mínimo que puedo hacer es poner mí granito de arena en la divulgación de la iniciativa. Todo suma en un una propuesta tan original y tan atractiva para el mundo del cine. ¡Larga vida a la Sesión Teta!

jueves, 9 de febrero de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Gilda


¿Te interesa saber lo mucho que te odio, Johnny? Te odio de tal manera que buscaría mi perdición para destruirte conmigo. -Gilda.

Una parte muy importante de la historia del cine viene marcada por los grandes clásicos que conectaron con amplio sectores de la población. Gilda es uno de los casos más paradigmáticos en este aspecto y por muchas singularidades que concurrieron tras la presentación de la película. Sin duda, la cinta será recordada por la famosa interpretación de la canción 'Put the blame on mame' con la que Rita Hayworth alcanzó la universalidad y se convirtió en un mito erótico del siglo XX. Nunca un "no striptease" de una estrella de Hollywood dió tanto que hablar y es que de hecho la actriz solo se desprende de los guantes durante la escena. En todo caso, la cinta es mucho más que esto, encontrándonos ante una gran historia de amor romántico, impregnada de la mejor esencia del cine noir. Cine para el recuerdo que marcó un hito en la cultura cinéfila.

Película del año 1946

La historia nos lleva hasta el Buenos Aires de la década de los 40 del siglo pasado. En escena aparece Johnny (Glenn Ford), que es un jugador de mal vivir que es rescatado de un un asalto por el millonario Ballin Mundson (George Macready). Este hombre, es dueño de un casino y decide darle una oportunidad empleándole en el salón de juegos como su mano derecha. Es entonces cuando aparece Gilda (Rita Hayworth), un antiguo amor de Johnny y el dueño del casino le comunica a su empleado que va a contraer matrimonio con ella. Los antiguos amantes ocultan al empresario la relación que mantuvieron, pero pronto los celos y las pasiones encontradas sacarán a relucir unos sentimientos que nunca estuvieron apagados. El conflicto pasional está servido.


La película es un cocktail explosivo de amor, celos, pasiones, violencia, erótismo, engaños, contradiciones, odios y miedos, agitados a la perfección por el cineasta húngaro Charles Vidor y bajo un guión de Jo Eisinger, que en su improvisación es donde halla su genialidad. El director europeo que emigró a los Estados Unidos para vivir el sueño del cine sonoro, logró fichar por la Metro Goldwyn Mayer aunque el éxito para la posteridad que logró con Gilda, le llegó en un posterior contrato con los estudios Columbia Pictures, en los cuales la estrella era Rita Hayworth. Nunca obtuvo un triunfo tan arrollador como en esta película, pero es cierto que realizo otras grandes obras entre las que destacó una nueva adaptación de 'Adiós a las armas' de Ernest Hemingway, en el año 1957.

Pero el análisis de Gilda tiene su principal motivación en la psicología de unos personajes, que si bien no dejan de representar a unos arquetipos de aquella sociedad y de la actual, es en la profundidad de sus capas donde encontramos la esencia de todo lo que significó y significa esta película.

De menor a mayor importancia habría que hablar en primer de lugar del personaje del millonario Ballin Mundson, que desde la primera escena en la que salva a Johnny, representa la displicencia y la compra de voluntades con su carácter seductor pero tramposo en sus fines. Una vez que el jugador de malos hábitos, es contratado como pieza importante en el casino del empresario, no solo ha contratado a un empleado, sino que ha conseguido un súbdito que por momentos parece mostrar más interés en el propio Ballin que en su amada Gilda. Mundson es sin duda es el gran 'capo' de la vida nocturna de la ciudad porteña y la bella Gilda no es más que otra de sus adquisiciones hasta que una vez contraído matrimonio, queda absolutamente enamorado y prendido de ella. Una de las frases que pronuncia para el recuerdo es el "estoy loco por Gilda", a partir de ahí la lucha entre los negocios y la conquista de su mujer marcará el devenir del personaje.

Seguimos el viaje con el personaje de Johnny Farrell, que en la cinta es la correa de transmisión entre un matrimonio de conveniencia, que como es natural está condenado al sufrimiento más que a la esperanza. En su momento, a este personaje se le asoció una bixesualidad por su admiración por el hombre que le había sacado de las calles. Quizás sea un análisis un tanto forzado, pues si bien es cierto que durante el metraje se aprecia una excesiva adoración y lealtad hacia su jefe, esto no parece implicar ningún tipo de deseo sexual. En todo caso, el personaje queda marcado para la historia del cine por la sonora y polémica bofetada que le propinó a Gilda tras la sensual interpretación de 'Put the blame on mame'. Esta acción ha hecho correr ríos de tinta y provocado muchos equívocos. Evidentemente este es un hecho denigrante y machista, pero por rodar esta escena el cineasta no lo está justificando, sino reflejando el carácter violento de su personaje. Filmar un asesinato, una violación o un conflicto bélico no justifican de ningún modo estos actos, por la misma razón no se puede acusar a Charles Vidor de contemplativo en estos asuntos. La interpretación de Glenn Ford en este papel fue bastante convincente y supo transmitir bien en su faceta expresiva en su relación de amor/odio con Gilda.

Y como no, llegamos a través de esas pasiones enfrentadas al mítico papel de Gilda, interpretado con máyusculo acierto por Rita Hayworth que solía bromear en la vida real con la frase "los hombres se acuestan con Gilda pero se levantan conmigo". La película estuvo preparada en cada detalle para el lucimiento de la actriz, que prácticamente en cada secuencia desborda por su belleza y por sus buenos matices interpretativos. Fue tan grande el impacto de su actuación, que podría considerarse la primera estrella de cine que empezó a cobrar un porcentaje de los resultados en taquilla, aparte de su ya extraordinario caché para la época. Gilda representa a la mujer dañada en primer lugar, pues de hecho toda el personaje está basado en el despecho que siente hacia el que fuera su pareja y que una vez la dejó plantada. Todo lo que hace se mueve en una estrategia de recuperar a su pareja mediante el uso de los celos como arma envolvente. Lejos de conseguir su propósito en un principio, lo que consigue es sembrar la semilla de un profundo odio en su ex pareja, envenenando de ese modo la relación de una manera notable. Si por algo destaca la película es por reflexionar sobre la toxicidad de las relaciones humanas y sus consecuencias. Gilda consigue hacer entender que precisamente es el odio un sentimiento más feroz y devastador que cualquier otro sentimiento de la condición humana. Solo el amor puede servir de redención a cada uno de los personajes representados.


La censura encontró en Gilda un buen puñado de razones para cebarse con la película, sin embargo sorprendentemente en España, país donde los censores tenían el trabajo asegurado, se estrenó sin amputaciones significativas. El problema surgió con los sectores más conservadores de la sociedad con la iglesia católica como principal opositora a la exhibición de la cinta. En su delirio, los obispos consideraron a Gilda como gravemente peligrosa para la moral y la clasificaron para mayores de 21 años, cosa que no hizo sino aumentar la leyenda y el deseo de los espectadores por visionarla. Rezos, protestas y diversos boicots frente a los cines donde se exhibió, aún causan perplejidad mundial por lo exagerado de la reacción de dichos sectores de la sociedad. Como anécdota más significativa cabría resaltar, que algunos arzobispos españoles amenazaron con la excomunión a los fieles que osaran a ver el largometraje y todo por el famoso guante de Gilda que en definitiva era lo único que se quitaba. Evidentemente no era el guante lo que molestaba, sencillamente era el control sexual de la población como herramienta de "trabajo", que aún sigue utilizándose en nuestros días por algún poder establecido.

Pero el anecdotario de Gilda es infinitamente rico en la historia de la cinematografía universal más allá de la censura o de las polémicas estériles. Una de las curiosidades es que Rita Hayworth no es la intérprete real de las canciones de la película, sino que hace playback de los temas interpretados por Anita Ellis. Otro de los puntos de interés, fue que la sensual interpretación de la actriz también provocó un alto interés en el público femenino por los vaporosos vestidos elegidos por la dirección de vestuario, así como por el punto de vista rebelde y de mujer a contracorriente que representaba Gilda. Mención aparte, merece el peinado ondulado de la artista que hoy en día sigue estando de actualidad en las peluquerías femeninas para fiestas de gala o cenas románticas. En recientes fechas, la actual Reina de España Letizia, causó revuelo en algún sector de la sociedad por lucir en un acto público, el peinado y un vestido negro de tirantes inspirados en el look de Gilda. En definitiva, los ecos de la pelirroja más famosa de la historia del cine aún llegan hasta nuestros días. En la siguiente fotografía podremos apreciar la imagen real de Gilda a todo color. El blanco y negro tan bello para el cine clásico impedía apreciar el verdadero color del cabello de la artista.


En conclusión, nos encontramos ante una película que trascendió mucho más allá de sus valores cinematográficos que ya eran altos de por sí. De desigual recepción entre la crítica especializada la cinta ha logrado ganar peso con el paso de los años. De hecho es de las películas que ha conseguido no envejecer con el transcurrir de las décadas y estar de plena actualidad en pleno siglo XXI. Sentimientos tan universales como el amor, el odio, la traición, el desamor, o la atracción sexual son las razones por la Gilda cobra vigencia y es uno de los iconos de la cultura popular de todos los tiempos. Para concluir solo me queda remarcar la frase que da origen a esta publicación y a esta sección tan querida del blog marciano, ¡Qué maravilloso es el cine!

Trailer original de Columbia Pictures subtitulado por el canal de Youtube Arkham 1888:



domingo, 5 de febrero de 2017

Múltiple (Split/Fragmentado)


La historia: Kevin (James McAvoy) es un paciente psiquiátrico con personalidad múltiple en tratamiento por la Dra. Fletcher (Betty Buckley). A pesar de que su enfermedad parece controlada, en un arrebato de locura secuestra a tres chicas y las encierra en sótano de su residencia. A partir de ese momento comienza una lucha psicológica entre las 23 personalidades de Kevin y las jóvenes raptadas.

La crítica: El cineasta hindú M. Night Shyamalan (El sexto sentido) afronta con irregular resultado su enésima incursión en el thriller de suspense. Si bien hay que reconocer que el guión firmado de su puño y letra engancha de salida (a pesar de ser una premisa repetida), por otra parte y como suele ser habitual en su filmografía, sus desvaríos en el desarrollo, opacan su excelente tempo narrativo.

En esta ocasión, se vuelve a tocar en el cine el trastorno de identidad disociativo (TID), una enfermedad mental en la que distintas personalidades conviven dentro del mismo individuo. En el año 1957 el cineasta Nunnally Johnson ya afrontó este reto en la bien documentada cinta Las tres caras de Eva y en el año 2003 James Mangold lo propuso en la escalofriante Identity.


¿Y que es lo que sucede con 'Múltiple', teniendo todo para haber brillado a una altura distinta de lo que lo hace? Pues en primer término, vuelve a sostener el maldito cliché de que todas las enfermedades mentales nos llevan a un villano psicópata con retorcidos propósitos, que solo logran confundir a la población con una información sesgada de poco valor médico.

En todo caso hay que reconocer que Shyamalan es uno de los mejores especialistas en generar suspense en su narrativa y una vez más lo consigue de una manera notable. Los personajes se van trenzando a fuego lento implicándonos en el terror de las chicas secuestradas. Veloces diálogos entre las victimas y las distintas personalidades de Kevin dan muestra de la capacidad de cineasta para mantener la tensión.

Mientras tanto, la psiquiatra encargada del desequilibrado secuestrador, empieza a sospechar que algo no va bien cuando el paciente empieza a asomar la personalidad numero 24 conocida como "la bestia" (¿será Donald Trump?). Y es ahí, cuando en el tercio final de la cinta, el que empieza a desvariar no es el paciente, sino el cineasta con salidas de tono absurdas, que dan al traste con toda la buena trama expuesta hasta el momento.

Imposible además concentrarse, con lo que en principio creí que era un error de racord, pero no es más que una tomadura de pelo del director. Se trata de la caracterización de una de las jóvenes secuestradas. Y es que después de luchas, llantos, días y noches encerrada, el personaje de Casey permanece con el maquillaje intacto, como recién salida de una sesión de fotos promocionales de Vogue, ver para creer (la escena de la ambulancia es sólo un ejemplo). Además la joven presenta unos arañazos de "gato desganado" en su abdomen (mal maquillaje), que representan un abuso en su niñez. Es entonces cuando el psicópata empatiza con su víctima, en otro desbarre del cineasta cuando es sabido que la falta de empatía es la principal característica de los psicópatas.


Lo mejor de la película llega con la extraordinaria interpretación de James McAvoy (Expiación), impregnandose con las distintas personalidades de Kevin. Desde un niño asustado hasta una mujer malévola, son interpretados con maestría por el actor escocés. En el papel de psiquiatra encargada del paciente, aparece una emotiva y emocional Betty Buckley que ya trabajó con el cineasta en 'El incidente'. De las jóvenes secuestradas destaca Anya Taylor Joy ('The witch') en el papel de Casey, una joven talentosa y que transmite bien sus emociones.

No voy a extenderme mucho más, pues al ser una cinta en la que el suspense y el misterio son una de sus cualidades, cualquier detalle adicional podría desvelar partes importantes de la trama. En todo caso y como conclusión final, es una verdadera lástima que un director único para crear atmósferas y sensaciones tan difíciles de conseguir en el cine, desperdicie todo su talento y el de unos buenos actores en unos desvaríos finales más propios de un cine adolescente, que de un cine profesional. Un cineasta en definitiva, que sigue apuntando alto y que no acaba de conseguir el equilibrio necesario para hacer una obra completa en la forma y en el fondo.

Nota: 4/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección y guión: M. Night Shyamalan.
Reparto: James McAvoy, Betty Buckley,
Anya Taylor Joy, Jessica Sula.
Música: West Dylan Thordson.
Fotografía: Michael Gioulakis.
Duración: 116 minutos.
Estreno EE UU: 20/01/17.
Estreno España: 27/01/17.
Estreno Argentina: 2/02/17.
Estreno México: 17/02/17.

jueves, 2 de febrero de 2017

Melanie. The Girl with all the Gifts


La historia: Melanie es una niña con una extraña infección fúngica puesta en cuarentena junto a un grupo numeroso de niños con idéntico problema. Mientras el ejercito británico los vigila, una profesora se encarga de su educación y cuidado. El extraño virus está arrasando el mundo y convirtiendo en zombis a los humanos infectados. La esperanza está puesta en los médicos que luchan contra reloj para lograr una vacuna que contenga el escenario apocalíptico que se empieza a imponer. Los niños infectados aún conservan parte de su humanidad, pero el hongo vírico que portan, los está zombificando a pasos agigantados. Melanie tendrá la clave para salvar a la humanidad...

La crítica: Tras su buen paso por el Festival de Cine Fantástico de Sitges, llega ahora a las carteleras de cine en España, esta distópica cinta de ciencia ficción y terror postapocalíptico, dirigida con bastante potencia por el cineasta británico Colm McCarthy. La película esta basada en la novela homónima de Mike Carey que también se encarga de adaptar el guión para la producción cinematográfica. Buen duo y con buenas ideas.

¿Por qué si los zombis están tan sedientos de sangre, no se comen entre ellos?
La pregunta no es mía, la hacía una chica a la salida del pase de la película. Bueno yo presupongo que será por cierta camaradería y por el corporativismo que acecha nuestra sociedad, mundo zombi incluido. Fuera de bromas, nos encontramos ante una más que interesante propuesta en este tipo de cine que tantos partidarios y detractores cosecha. Podríamos decir que la historia deja varios mensajes bastante talentosos sobre la soledad y la desconfianza en un mundo globalizado como el nuestro.


La presentación de la historia contiene una fuerza expresiva rotunda. Unos niños aislados en una base militar, que son fuente de experimentación para que los científicos puedan encontrar una solución para el control de la plaga que se extiende por toda Inglaterra. Mientras, en el exterior, nos encontramos ante un escenario catastrófico en el que se vislumbra una ciudad de Londres arrasada por los "hambrientos", que es como se denomina a los infectados por el hongo.

Toda la historia pasa por Melanie y su lucha por desterrar todo el mal que simbólicamente se aferra sobre ella en la infección que contrajo en el útero materno. La lucha entre su parte humana y su parte sobrenatural simbolizan la eterna lucha entre el bien y el mal. Cuando la base militar es invadida por los zombis, ella se pone de parte de su profesora que es la única persona que le ha dado cariño en su corta pero dura experiencia vital.

En una huida sin retorno del recinto militar y aferrados a la esperanza, la niña y su maestra se unen a dos militares y a una médico en busca de una esperanza en encontrar una solución a la pandemia que está sucediendo en el país. Las contradicciones morales entre los miembros supervivientes afloran cuando la parte más brutal de Melanie sale a relucir.

Metafóricamente la historia nos habla de los dos lados que se supone que todo humano tiene en su interior y la lucha por sacar lo mejor de nosotros mismos. Mientras que la historia nos ofrece gotas de pensamiento emocional debidamente racionadas, por otro lado obsequia con un festival de ataques zombis de un cine gore bastante manejable y divertido. En sus virtudes, están también sus defectos, pues alguien podría pensar que se queda a medio camino entre el cine intelectual y el mero divertimento zombi; en mi opinión las situaciones están bien balanceadas y consiguen lo que buscan, entretener sin entontecer.


El reparto está encabezado por Sennia Nanua que interpreta a Melanie. Actuación sensible y a la vez radical que la valió para recibir el premio a la mejor actuación femenina en el último Festival de Cine de Sitges. Ojalá la sirva para hacer carrera en el difícil mundo del cine, por lo demostrado en este papel se lo merece y mucho. En el papel de la cariñosa maestra de la niña nos encontramos con una poderosa Gemma Arterton ('Primavera en Normandía') actriz no muy conocida y con bastante carisma.
Y un gusto es volver en escena a Glenn Close ('Atracción Fatal') en su papel de médica sin escrúpulos en el papel de mala de la película; magisterio en escena y en plena forma. El militar al mando del grupo, sin embargo, es llevado a la pantalla por un irregular Paddy Considine ('Pride').

En conclusión, nos encontramos con un entretenido e inteligente cine apocalíptico que hará las delicias de los aficionados al cine de zombis y de terror. Este subgénero parece experimentar un resurgir con esta producción y con la cinta surcoreana 'Train to Busan' que ha tenido un enorme éxito entre la crítica especializada y el espectador adicto a este tipo de historias. Desde luego la exitosa serie de televisión 'The Walking Dead' es la impulsora de este nuevo amanecer zombi. Sin hablar de una obra cumbre, encuentro a 'Melanie. The Girl with all the Gifts', como una muy aceptable propuesta.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido.
Dirección: Colm McCarthy.
Reparto: Sennia Nanua, Gemma Arterton, 
Annamaria Marinca, Glenn Close.
Guión: Mike Carey.
Fotografía: Simon Dennis.
Música: Cristobal Tapia de Veer.
Duración: 105 minutos.
Estreno Reino Unido: 23/09/2016.
Estreno España: 3/2/2017.

domingo, 29 de enero de 2017

Ballerina


La historia: Felicia es una niña que vive en un orfanato de la Bretaña francesa desde que perdió a sus padres. Su sueño es convertirse en una gran bailarina y para ello decide escaparse de aquel lugar con la ayuda de su amigo Víctor. Su destino es París y su objetivo, ingresar como alumna en la Gran Opera House de la ciudad de la luz. Pero no todo será tan idílico como piensa, una vez llegada allí, se las tendrá que ingeniar para ser admitida y no desentonar con las demás niñas que ostentan una elevada posición social.

La crítica: Ballerina nace con vocación de recuperar el mejor aroma de los clásicos de la animación intemporales y con aires de cuento universal en la mejor linea de lo que quiso retratar el viejo Walt Disney en su visión del cine. La sorpresa es que la película no es de la casa del ratón Mickey, sino que es una coproducción franco canadiense al margen de los grandes estudios, dirigida por Eric Summer y Eric Warin. Alguna vez he comentado que una cinta que se pudiera haber visionado hace 50 años, en la actualidad o dentro de otros 50 años sin perder vigor, se puede calificar como un clásico vivo en la historia del cine. Independientemente de gustos personales, Ballerina consigue este propósito desde su presentación.

Para ponernos en situación hay que admitir que la cinta bebe de dos películas claramente. Es imposible no acordarse de 'Billy Elliot' al contemplar los sueños de Felicia en el mundo del baile y también nos acordaremos de la oscarizada 'Ratatouille' por la ambientación en París. En cualquier caso, este posicionamiento no menoscaba la propuesta, que lejos de resultar molesta a falsete de homenaje, encuentra el buen gusto en el uso de un buen lenguaje cinematográfico.


Dos huérfanos en busca de un sueño, este podría haber sido el título alternativo a la película, pues Víctor además de ayudar a Felicia a escapar del orfanato y acompañarla hasta la gran ciudad, también trata de conseguir su meta, que es convertirse en un gran inventor. Y de aquí parte la moraleja de la historia, que no es otra que no rendirse hasta conseguir los sueños por venir. En proponérselo está el principio del camino, quizás el trayecto sea lo más bonito, al fin y al cabo las metas logradas son la finalización de un proyecto, el tránsito es el verdadero sueño.

La cinta se presenta desde un punto de vista femenino muy necesario, y sin tener que recurrir a extravagancias innecesarias de heroínas impostadas, se reclama una feminización del mundo que nos rodea de una manera sutil y exquisitamente narrado. Además en una segunda lectura más reposada, deja algún mensaje importante sobre la igualdad de géneros.

Pero si por algo destaca la cinta es por su belleza visual y por la impresionante recreación histórica de la ciudad de París de 1879. En plena construcción de la Torre Eiffel y con los preparativos de la Exposición Universal de 1889, viajamos hasta el siglo XIX en un ambiente bohemio y realmente preciosista. La recreación de la Ópera de París, tanto en exteriores como en interiores es absolutamente sobresaliente, solo por este detalle ya vale la pena pagar una entrada de cine para salir satisfechos con la propuesta.


Solo encuentro una pega con la propuesta, y es que en la parte final el excesivo dulzor se pasa un poco de frenada. Respecto al público infantil, haríamos bien en enseñar a nuestros más pequeños que el cine es algo más que golpes y estruendos. En mi opinión, la enseñanza en valores igualitarios es un bien que el cine podría ayudar a cambiar, desterrando para ello roles que luego perduran en la memoria colectiva. El cine de animación en la actualidad guarda buenos ejemplos en este aspecto.

La música tan importante en las películas de animación esta realizada por el gran compositor alemán Klaus Badelt que trabajó en el equipo de 'Piratas del Caribe' y las voces originales de las canciones están interpretadas por Elle Fanning y Dane Mechan. Yo sería partidario de no traducir las canciones a los idiomas de los respectivos países, leer unos subtítulos tampoco puede hacer tanto daño, pero esa batalla la dejaremos para quien tenga potestad.

Mí conclusión es muy positiva tras visionar la propuesta que nos llega del país galo. Es una historia para disfrutar sin complejos y reconciliarse con el cine de animación para aquel que hubiera perdido la esperanza en el mismo. Un viaje en el tiempo hasta los sueños de nuestra niñez.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Francia, Canadá.
Dirección: Eric Summer y Eric Warin.
Guión: Eric Summer, Carol Noble.
Reparto (voces originales):  Elle Fanning,
Maddie Ziegler, Carley Rae Jepsen.
Música: Klaus Badelt.
Estreno Francia: 14 de diciembre de  2016.
Estreno México: 30 de diciembre de 2016.
Estreno España: 27 de enero de 2017.












jueves, 26 de enero de 2017

BILLY LYNN


La historia: Billy Lynn (Joe Alwyn) es un joven soldado de 19 años del ejercito estadounidense que regresa a casa tras sobrevivir a una feroz batalla en la guerra de Irak. Allí ha sido grabado mientras socorría a un sargento herido por los combatientes locales. Él y su escuadrón Bravo son recibidos como héroes nacionales en acto multitudinario a modo de propaganda nacional. Pronto en su entorno familiar y en el grupo humano de soldados, empiezan a emerger serias dudas sobre el papel que están desarrollando en la vuelta al país que los vio nacer.

La crítica: El triplemente oscarizado cineasta taiwanés Ang Lee (La vida de Pi), es el encargado de dirigir esta cinta basada en la novela homónima del escritor estadounidense Ben Fountain. Se encarga de adaptar el guión y de dotarlo de un aceptable lenguaje cinematográfico el graduado por Harvard y ensayista Jean-Christophe Castelli, que consigue crear un libreto del que destacan sus logrados flashback bélicos.

Pero el film es en sus silencios y en las miradas de su protagonista donde encuentra su verdadera esencia. En medio del banal espectaculo que organiza el Departamento de Defensa para subir la moral de la población tras el desastre de la guerra de Irak, es donde aparecen las contradicciones de los soldados y del mismo pueblo norteamericano. Una guerra absurda y estúpida que retrata con cierto distanciamiento Ang Lee, que aún sin entrar en confrontaciones políticas, deja sutilmente su mirada crítica sobre la misma.


Y de cómo es la vuelta al cálido hogar familiar tras los horrores de la guerra, es de lo que nos habla la propuesta presentada. La narrativa discierne con precisión, sobre como la sociedad a través de sus ejércitos, está enviando a casi niños aún, a matar o morir en los distintos conflictos armados que asolan nuestro planeta. Jóvenes de 18 o 19 años que pasan de jugar a las videoconsolas, a vivir situaciones que nadie y menos a esas edades está preparado para aguantar con la suficiente madurez emocional.

La película retrata con franqueza, algunas situaciones personales en las que 6000 dolares de prima, son la única razón que motivan a los soldados a emprender su alistamiento. Otros, sin embargo, lo hacen por defender a su país, comprando un discurso rancio apoyado por los poderes establecidos. El miedo a tener que volver al frente de batalla, está presente en la atmósfera de toda la historia y es el dilema que tendrá que solucionar el soldado Billy Lynn pues tendría la posibilidad de no regresar achacando estrés postraumático. 

La vivencia de una guerra en primera persona queda retratada como la experiencia más difícil en la vida de cualquier ser humano. Pocas cosas hay comparables, en las que una vida valga tan poco y matar pueda salir de alguna manera gratis a nivel de la justicia civil o militar. Pero las secuelas emocionales perdurarán por largo tiempo en estos niños de la guerra.

El bochornoso espectaculo a los que son sometidos los soldados en pleno día de acción de gracias en un estadio de fútbol americano es inenarrable. Tratados como simples marionetas al servicio del poder, el cineasta centra la acción en ese día y prácticamente en tiempo real, de ahí que el metraje de la cinta se le vaya de las manos hasta los excesivos 110 minutos que se sienten como demasiado reiterativos en el mensaje. La parte cálida de la historia deviene, cuando el joven soldado conoce a una animadora del estadio con la que surge el principio de un romance. Esta situación añadida, le lleva a debatirse aún más, entre la lealtad a su escuadrón y el inicio de una nueva vida fuera del ejército. 


En el reparto nos encontramos con el debut del actor teatral británico Joe Alwyn, en el papel principal de Billy Lynn en una actuación comedida, seca y en la que destaca su buena faceta gestual. Recordemos que el director taiwanés fue el impulsor de Jake Gyllenhaal en la aclamada 'Brokeback Mountain' y que desde luego tiene buen ojo para elegir a su reparto, por ello sorprende que haya elegido a Vin Diesel para interpretar al sargento del combate que da pie a la historia. Una interpretación forzada y que por momentos bordea el ridículo intelectual. De nuevo vemos en pantalla a Steve Martin que tantas comedias nos regaló en pasadas décadas, y que interpreta con acierto al dueño de un equipo de fútbol americano que pretende rodar una película con los soldados a precio de saldo. Vuelve a sorprender y para bien Kristen Stewart en el papel de la hermana de Billy Lynn demostrando que su actuación en Café Society de Woody Allen no fue una casualidad, actriz muy recuperable y en progresión. Pero el mejor papel de la producción lo lleva a cabo Garrett Hedlund (Unbroken) interpretando a otro sargento al frente del pelotón, con un fuerte carisma y que lo coloca en disposición de afrontar ya los retos que le propongan. Para concluir ya con este extenso reparto coral, en el papel de animadora aparece una sensual, pero que muy sensual actriz estadounidense llamada Mackenzie Leigh conocida por la serie 'Gotham' y que brilla en un papel de joven explosiva con ínfulas de absurda profundidad.

Aunque la propuesta dramáticamente no sea todo lo redonda que cupiese esperar, tiene aciertos y un clímax que la distingue de las demás. Pero donde logra sus mayores cuotas de éxito es en la parte técnica, con una edición de sonido absolutamente espectacular. También pasará a la historia del cine por ser la primera película rodada a una velocidad de 120 fotogramas por segundo, cuando lo habitual es rodar a 24 o a 48 en algunos casos. Con ello se consigue una ultraresolución que hacen de su fotografía un paraíso de color y nitidez visual. Billy Lynn también se ha rodado en 3D nativo para los amantes de este modo de ver cine, que personalmente no me gusta. De hecho en el preestreno al que tuve la posibilidad de asistir, la proyección se exhibió en las dos dimensiones convencionales y las características técnicas se aprecian también con precisión. Las escenas de combate en Irak, se rodaron en Marruecos, cerca de la frontera con Argelia y en las proximidades de la ciudad de Erfoud bordeando con el desierto de Sahara. El diseño de producción se encargó de la construcción del poblado donde se desarrolla la acción.

Mi conclusión es moderadamente positiva balanceando todos los elementos anteriormente expuestos. Una propuesta extraña, poco convencional y que con un poco más de intensidad dramática hubiera causado mayor impacto en la sociedad estadounidense. No obstante, siempre es interesante la mirada del cineasta Ang Lee que ya forma parte de la historia del cine con tres Oscars a sus espaldas. Un arriesgado proyecto experimental, que puede desatar rechazo entre la crítica más purista, pero que sin duda es una vanguardista apuesta técnica por ser la primera cinta rodada a 120 fotogramas por segundo.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: EE UU, G.B, China.
Director: Ang Lee.
Guión: Jean-Christophe Castelli.
Reparto: Joe Alwyn, Vin Diesel,
Kristen Stewart, Steve Martin,
Garrett Hedlund, Ben Platt.
Música: Jeff Danna, Mychael Danna.
Fotografía: John Troll.
Duración: 110 minutos.
Estreno EE UU: 11/11/16.
Estreno España: 27/01/17.

domingo, 22 de enero de 2017

Películas curiosas: Nómadas del Viento (Le peuple migrateur)


En el año 2001 se produjo el estreno de esta cinta documental francesa que supuso un impacto por su espectacular manera de rodar a las aves en sus grandes migraciones bianuales. Los documentalistas Jacques Perrin y Jacques Cluzaud (Océanos) apoyados por Michel Debats estuvieron al mando de la producción durante los cuatros años que emplearon en su rodaje. Toda una epopeya que culminó en una de las películas más curiosas realizadas en la primera década del siglo presente. 

Póster en España (saludos a los traductores)

Con una melodiosa música encargada al excelso compositor francés Bruno Coulais, la historia nos narra las grandes rutas migratorias establecidas por las grandes aves del planeta. Los patrones de estas migraciones, son traspasados y aprendidos por cada generación nueva de individuos de las distintas especies que salen representadas en la cinta. El caso más extremo y que sirva como ejemplo, se da en el Charrán Ártico que vuela 20.000 kilómetros de polo a polo hasta completar una migración record. La búsqueda del alimento para sobrevivir es la función principal de este y los otros recorridos.

Pero si por algo destacó este film, fue por el empleo de pequeños aviones aeroligeros para conseguir rodar las imágenes en pleno vuelo de las aves. La sensación óptica de estar volando junto a los animales es absolutamente impresionante; esta es la esencia y la novedad de la propuesta presentada. Acompañada de una luminosa y bien definida fotografía, la cinta es en primer lugar un espectacular poema visual sobre la belleza de estos seres alados en sus viajes transoceánicos.  

Ultraligero en acción 

Doce pilotos, tres directores y más de quinientas personas hicieron falta para poder completar el largometraje documental. Además se dividieron en distintos equipos a lo largo de todos los continentes del planeta. Visitamos entre otros lugares Nueva Zelanda en Oceanía, la India en Asia, España en Europa, Mali en África, la Amazonia en América del Sur y por último también la Antártida.

El guiño al mundo del cine transcurre en Norteamérica y mas concretamente en tierra "sagrada" del maestro John Ford, hablamos ni más ni menos de unas portentosas escenas rodadas en el Monument Valley de Arizona, que fue la cuna del western con cintas como 'Fort Apache', 'La diligencia' o la mítica 'Centauros del desierto'. 

También visitamos las grandes urbes del planeta, que no dudan en en atravesar las aves, si las corrientes térmicas por las que se guían así lo requieren. El paso por París es de lo más sugerente de estos nómadas que no se cansan de batir sus alas. Tras haber transcurrido ya 15 años desde su estreno y al revisitar la filmación, un escalofrío recorre el cuerpo cuando atraviesan la ciudad de Nueva York. Al fondo las Torres Gemelas aún lucian majestuosas antes del mayor atentado de la historia. 

Impacto visual 

Se filman entre otras a las siguientes especies: grullas, ánsares, alcatraces, charranes, albatros, pelícanos, petirrojos, gansos, águilas y a los heroicos pingüinos emperador. Una lección de naturaleza y fauna avícola puesta al servicio del espectador. La parte crítica viene en la parte en que algunos cazadores abaten a algunos ejemplares de manera despiadada. Todo esta rodado con bastante seriedad y sin dar cualidades humanas a los animales grabados, exceptuando una especie de baile ritual de unas grullas acompañados de la música de Coulais. Es el pequeño contrapunto de humor para rebajar la tensión de la lucha por la supervivencia.

Para poder llevar a cabo la película y poder rodar en ultraligeros junto a las aves sin que estas se asustaran, se utilizo la técnica denominada como impregnación. Por ello se criaron a parte de las aves en cautividad. Esta curiosa técnica consiste en que lo primero que vean las crías tras salir del huevo, sea a una persona y esta permanezca junto a los polluelos los primeros días de vida, con ello los animales adoptan a esa persona como madre y la siguen a todas partes (incluido volar cerca de los ultraligeros citados). El descubridor de esta tendencia animal, fue el zoólogo y etólogo austriaco Konrad Lorenz, un animalista que observó este comportamiento cuando los polluelos se quedaban huérfanos antes de salir del huevo. Es entonces cuando las crías seguían a la primera persona que veían, siendo este ritual especialmente acentuado en los gansos y ocas.
Sus trabajos en el campo del comportamiento animal, así como en fisiología le valieron el Premio Nobel y no se entendería el documental sin sus descubrimientos en este terreno.

Espectacular formación 

La cinta obtuvo la nominación al Oscar de la Academia a mejor película documental, además de numerosos reconocimientos a nivel social y cinematográfico. Fue un gran éxito de taquilla en Francia y tuvo buena acogida en los países que se estrenó. En conclusión, nos encontramos con una obra que retrata a la perfección el proceso que llevan a cabo las aves en sus grandes rutas migratorias. Pero sobre todo, fue la primera en reflejar tan de cerca el maravilloso vuelo de estos viajeros que dos veces al año repiten su epopeya sin descanso. Una oportunidad para visionar la otra cara del cine.

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