viernes, 25 de mayo de 2018

Disobedience: la culpa y el deseo en la mirada íntima de Sebastián Lelio


Amor y deseo son dos cosas diferentes; que no todo lo que se ama se desea, ni todo lo que se desea se ama. -Miguel de Cervantes.

La historia: Una pérdida, un regreso y un reencuentro. La fotógrafa neoyorkina Ronit Krushka (Rachel Weisz), viaja hasta el Reino Unido para despedir a su padre que fue un reconocido rabino de una importante comunidad judía ortodoxa en el norte de Londres. Después de un frío recibimiento familiar, comprueba que sus mejores amigos Dovid (Alessandro Nivola) y Esti (Rachel McAdams) han contraído matrimonio. A partir de entonces, las sensaciones de los tres protagonistas se debaten en un duelo entre la pérdida, el deseo, la felicidad y el amor.


La crítica: Disobedience supone una ruptura y una confrontación entre dos mundos que son incompatibles entre sí a pesar de estar situados en el mismo espacio temporal. En dos planos bien diferenciados, observamos por un lado, el mundo urbano, cosmopolita, moderno y libre que puede tener un ciudadano de Nueva York, Barcelona o Tokio, y por otro lado y en contraposición, se nos presenta a una sociedad patriarcal, tradicional y cerrada, como es la comunidad ultraortodoxa judía como metáfora y realidad de que lo viejo que se niega a morir ante lo nuevo.

El reciente ganador del Oscar para Chile por La mujer fantástica, Sebastián Lelio, afronta su primera incursión en un filme de habla inglesa y consigue plasmar con fuerza su potente mirada sobre el universo femenino que siempre ha gustado en explorar. En esta ocasión, su filme está basado en la exitosa novela homónima que en el año 2006 le valió a la escritora Naomi Alderman el Premio Orange Broadboard para nuevos escritores. Además, el libreto está coescrito junto a Rebecca Lenkiewicz que consigue dar forma visual a una novela en principio tan compleja para adaptar al lenguaje cinematográfico. Cine y literatura a fuego lento.

La cinta vuelve a explorar un tema tan complejo como es la vuelta a los orígenes geográficos y sentimentales de alguien que una vez escapó de un mundo deformado, buscando libertad, oxigeno y nuevos horizontes. De alguna manera, la historia es la representación de un viaje de lo urbano a lo rural, pero amplificado por la sensación opresiva cuando en mundo así, el matiz religioso se convierte en el todo y el libre pensamiento queda solo como una anécdota. Las salidas de tono solo están permitidas de una manera condescendiente si su expresión verbal no rompe las reglas establecidas. En este universo, la mujer vuelve a ser tratada de manera primitiva y casi en exclusiva como máquina fecundadora y reprimiendo cualquier conducta sexual abierta incluso dentro del propio matrimonio. Por lo tanto y a través del conocimiento de sociedades cerradas como la mostrada en la película, nos encontramos con un viaje donde los afectos universales explotan salvajemente cuando la sexualidad pasa de reprimida a exteriorizarse de una manera ávida e instintiva. En el mismo centro de la película y como representación del clímax de la sexualidad, y de nuevo en contraposición a el sexo mecánico retratado en la pareja heterosexual de la historia, nos encontramos con una secuencia lésbica que va a pasar a la historia y que marca un antes y un después tanto para las actrices, como por la bellísima manera de estar rodada y encuadrada en el cine convencional. En este caso, el cineasta logra atravesar unos limites que en otros tiempos -y veremos ahora- estarían calificados como perversión, y que desde luego hubieran hecho estallar las alarmas más potentes en los tiempos donde la censura hacía estragos en el cine. Probablemente hablamos de la escena que rompa el ritmo monótono y demasiado pausado del film, que en su esencia es un tratado sobre la culpa y como esta afecta al recorrido vital de las personas.


La actriz canadiense Rachel McAdams (Midnight in París) realiza el mejor trabajo de su vida en una carrera muy dilatada ya a pesar de su juventud. Solo hay que observar la fotografía superior para ver reflejado en una mirada, en una expresión y en un rostro, lo que es el sentimiento de culpa. Imprescindible verla actuar en versión original, ya que una actuación así es imposible de igualar por muy buena que sea la actriz de doblaje. Francamente excepcional en los silencios y arrebatada en los discursos. Una actriz que va a celebrar su 40 aniversario en su mejor momento.

En cambio la otra Rachel, la Weisz (Ágora), estando bien, incluso muy bien, se queda algo por debajo de su compañera, quizás por esa aire ausente y despistado con el que impregna a mucho de sus personajes. Ella en la película representa el libre pensamiento y otra forma de relacionarse con el mundo que la de su compañera. Su personaje también conversa sobre la culpa y en este caso, girando sobre si no supo o no pudo, querer a su padre cuando tuvo la oportunidad para hacerlo.

En la parte masculina representado al marido de Esti y al amigo de Ronit, nos encontramos con un muy inexpresivo Alessandro Nivola (La gran estafa americana) que aspira a suceder al padre de Ronit en el liderazgo de la comunidad judía en Londres. Su personaje se debate entre sus propias creencias religiosas y la adaptación a un mundo nuevo. En cierta manera representa la amistad dentro de la pareja y como esta evoluciona con el paso del tiempo.


En los aspectos adicionales y no menos importantes, destaca el hipnótico manejo de la cámara de Sebastián Lelio con un festival de encuadres y planos que harán las delicias de los más cinéfilos. Primeros planos, contrapicados y picados, planos dorsales y pequeños planos secuencia cuando caminan los personajes, demuestran una capacidad cinematográfica de muy alto nivel. Otro aspecto importante es la utilización de la música cuando aparecen los besos en pantalla. Con ello se remarca la emocionalidad de unos momentos muy bellos. En cambio, aprecio un grave error en el proceso de montaje que baja considerablemente la nota de la película en un error incomprensible. De nuevo y me vuelvo a reiterar, el metraje no consigue ser recortado en este proceso de montaje y nos vamos casi a los dos horas de película que la hacen demasiado lenta para lo que nos quiere narrar. Probablemente los primeros 30 minutos de película sean innecesarios y reiterativos en un presentación de personajes interminable. Si la película se hubiera llevado a los 90 de duración, probablemente estaríamos hablando de una obra sobresaliente.


Recapitulando ya, Disobedience nos plantea un drama universal e íntimo sobre las relaciones humanas con el amor, la pérdida y el deseo como motivos principales de una narrativa inteligente aunque demasiado pausada. Por otra parte, la película es profundamente femenina y se presenta como una confrontación de lugares y personas. En definitiva, la historia nos habla de un viaje interior en busca de la libertad y la concesión del perdón hacía nosotros mismos. Aquí si hay Cine.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Reino Unido.
Dirección: Sebastián Lelio.
Guión: Sebastian Lelio y
Naomi Alderman.
Reparto: Rachel Weisz, Alessandro
Nivola, Rachel McAdams.
Fotografía: Danny Cohen.
Música: Mathew Herbert.
Duración: 115 minutos.
Estreno EE UU: 27/04/2018.
Estreno España: 25/05/2018.

lunes, 21 de mayo de 2018

El taller de escritura: ni taller, ni escritura, ni cine


Conviene siempre esforzarse más en ser interesante que en ser exacto; porque el espectador lo perdona todo menos el sopor.
-Voltaire.

La historia: La prestigiosa escritora Olivia Dejazet (Marina Foïs), recibe el encargo de dirigir un taller de escritura como modo de integración social de un grupo de jóvenes. La acción se situa en La Ciotat, que es una población costera cercana a la ciudad francesa de Marsella. El conflicto surge cuando un miembro del grupo, el joven Antoine (Matthieu Lucci), comienza a cuestionar la autoridad de la escritora a la vez que despierta la antipatía del resto del grupo. Mientras tanto y entre todos los componentes del taller, tienen la misión de escribir una novela para ser publicada.


La crítica: Ahora mismo podría dar ya por finalizada la crítica pues es una película tan plana, tan sosa y tan profundamente aburrida, que en la sinopsis que he redactado está todo lo que sucede en la historia que es realmente nada de nada. Es decir, ni taller, ni escritura, ni cine. De hecho, se podrían ver los primeros 15 minutos de la película, salir de la sala a probar la "gastronomía cinéfila", volver una hora después y encontrarnos que la película sigue en el mismo punto donde la dejamos, es decir en la nada de nada, monada. ¡Tremendo y descomunal bodrio francés!

En lo personal he tenido la ocasión de asistir a algún taller de escritura y de cine, y cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia. De hecho es una experiencia muy recomendable para cualquier persona que se dedique a escribir o incluso para aprender a hacerlo con corrección. Además hoy en día, raro es la persona que no escribe a diario, aunque solo sea en redes sociales o a través del móvil. Y quiero apostillar esto, pues esta crítica lógicamente nada tiene en contra de ningún taller (excepto hacia los talleres mecánicos que si causan pavor con sus facturas), sino que está basada en la nula emocionalidad de un guión triste, apático y con el sopor como constante. Además y por dar por finalizada la parte dedicada al taller de escritura, cabe señalar que aún no salgo de mi perplejidad cuando dicho taller lo podría haber dirigido un niño de cuatro años. Es decir, la profesora se limita a que el alumnado proponga sobre que va a tratar la novela y se acabó. Todos a escribir sin recibir un solo consejo más. Ni como dar forma a los diálogos, ni los diferentes tipos de narrador existentes, ni como causar emociones en el lector, por supuesto nada de como mejorar la gramática, utilización de signos de puntuación o hacer frases cortas o largas, etc, etc. Lo dicho, un guión perpetrado por Laurent Cantet que dirige también este despojo cinéfilo con ciertos aires de impostada intelectualidad.

La cinta además nos trata de vender que es una muestra de las interrelaciones socioculturales que se están produciendo con la llegada de la inmigración a Francia en las últimas décadas. Cae en tópicos como "descubrir" que el terrorismo yihadista es malo, que el racismo es malo, y que la extrema derecha lepenista es mala. ¿Y es que no lo sabemos ya? Para esto no es necesario hacer una película. Esto se llama no tener respeto por el cine, y lo que es más importante, la manera de estar narrada es profundamente irrespetuosa con el intelecto más elemental. En general, a nadie le gusta que le traten como a un retrasado mental, pues bien, el señor Cantet se dedica precisamente a eso durante todo el metraje. Incluso en un momento del guión se permite el siguiente delirio: un alumno se dirige a la escritora y le pregunta si puede leer un escrito que ha redactado. La profesora contesta, ¿es muy largo? (insólito).


El reparto es lo único que se puede salvar de la película al menos en la parte actoral más joven. Y es que incluso la prestigiosa actriz francesa Marina Foïs (Astérix y Obélix) en su papel de escritora, está como desvaída y sin muchas ganas. En cambio, gran actuación de un joven actor debutante como es Matthieu Lucci que es el único que parece poner un poco de sangre en la producción. Además es el único personaje con ciertos matices narrativos interesantes con una rebeldía contra el mundo y contra sí mismo, que ponen algo de calor en el largometraje, muy largo eso si. El resto del elenco actoral compuesto por los chavales del grupo hacen un buen trabajo.

En conclusión, El taller de escritura es un tremendo petardo como se suele decir en España. Una filmación que va de un tema a otro sin centrase en ninguno y sin aportar nada que no conozcamos ya. De una narrativa plana y una nula emocionalidad, ya tenemos seria candidata a ganar el premio a una de las peores películas de este año 2018. Mis saludos y afectos al director, con cariño, Miguel.

Nota: 2/10.

P. D. El bodrio aquí cuestionado fue moderadamente aclamado por la crítica francesa en Cannes 2017. No quiero pensar como fue lo no aclamado. Sudores fríos.

Nacionalidad: Francia.
Dirección: Laurent Cantet.
Reparto: Marina Foïs, Matthieu Lucci,
Issam Talbi, Florian Beaujean.
Guión: Laurent Cantet y Robin Campillo.
Fotografía: Pierre Milon.
Música: Bedis Tir.
Duración: 114 minutos.
Estreno Francia: 11/10/2017.
Estreno España: 18/05/2018.



viernes, 18 de mayo de 2018

Maria by Callas: El mito, la estrella y la mujer


La música empieza donde acaba el lenguaje. -Ernst Theodor Hoffmann.

La historia: Ana María Cecilia Sofía Kaloyerópulos, conocida mundialmente como Maria Callas, nació un 2 de diciembre de 1923 en Nueva York y murió a la temprana edad de 53 años el 16 de septiembre de 1977 en París. En esta película documental francesa, se recogen testimonios, entrevistas y actuaciones de la celebre soprano que revolucionó el mundo de la ópera y del bel canto a mediados del pasado siglo XX.

María y Marilyn en el cumpleaños del presidente Kennedy. Vidas al límite.

La crítica: Conocida también como "La Divina", la artista de origen griego, vivió en una permanente contradicción entre su vida personal y su carrera profesional. En algunas de sus declaraciones públicas y en su correspondencia privada, reconoce que hubiera preferido ser plenamente feliz en el amor, formar una familia y haber sido madre, que triunfar como cantante de ópera. Ella solía comentar que su profesión requería trabajo a tiempo completo, lo que no le impidió casarse y posteriormente mantener un romance a tiempo parcial con el magnate griego Aristóteles Onasiss. Pero a pesar de su siempre eterna sonrisa, su impecable belleza o sus dotes artísticas, nunca fue una mujer completamente feliz. Así al menos, se deduce de este histórico documental que supone una buena ópera prima para el fotógrafo Tom Volf, que entra por la puerta grande en su debut como cineasta.

No obstante, la película también cuenta con algunos problemas que le impiden convertirse en una obra sobresaliente. El principal defecto, es paradójicamente también su mayor virtud. Hablamos de que buena parte de la producción está basada en imágenes que no aportan mucho al lenguaje visual cinematográfico. Es decir, visionar este documental en una sala de cine no aporta mayor valor añadido que verlo en televisión dada la mediocridad de sus imágenes. En cambio, el valor de estas imágenes (muchas de ellas inéditas), es incalculable, pues recogen testimonios únicos de la vida de la Callas, que hasta ahora habían permanecido en la privacidad de sus propietarios. Desde luego, si el cine documental tiene algún sentido, es precisamente el de documentar hechos históricos y dejar constancia para la posteridad de estos legados artísticos o personales. Por supuesto, sin olvidar que el cine documental gana aún más enteros, cuando nos habla de pequeñas historias protagonizados en su caso por personas anónimas.

La actriz francesa Fanny Ardant realiza una excelente locución en off y en primera persona, de la correspondencia privada que se ha conseguido rescatar de la soprano. A su vez, la producción utiliza como hilo narrativo excelentes piezas de ópera incluidas en Norma de Bellinni, Carmen de Bizet o en Tosca de Puccini. En este aspecto, las melodías intercaladas con las entrevistas a nuestra protagonista, consiguen poner el contrapunto emocional que toda película debe aspirar a conseguir. Lógicamente, música y cine eran de obligado cumplimiento como parte del dialogo directo que se establece entre María Callas y el espectador.


El mito, la estrella y la mujer se fundieron en la Medea de Pier Paolo Pasolini cuando este le propuso su primer y único papel en el cine. No era una niña ya, y sin embargo el poder de su presencia, su feminidad latente y su enigmática mirada, consiguieron conquistar brevemente al cineasta. Ella se empeñó en hechizarle como pretendió la Medea mitológica con su Jason particular. En el caso de Pasollini, los hechizos de esta aprendiz de Circe, no surgieron efecto dada la homosexualidad del italiano. Aún así, convergieron en muchos puntos vitales y trenzaron una bonita amistad. En cualquier caso, el único y verdadero amor de María Callas fue Aristóteles Onasiss al escribió algo tan entregado como lo siguiente: "Te amo en cuerpo y alma, y doy gracias a Dios de que te pusiera en mi camino. Soy toda tuya". Onasiss como un perfecto imbécil le respondió traicionándola y casándose con Jackie Kennedy.

María en cierta manera tomó este rechazo como una tragedia griega y aún manteniendo la amistad con el millonario heleno, cayó en depresiones y puede que ahí estuviera la semilla de su final. Ella ya había estado casada antes, pero la fuerte diferencia de edad con su marido, le llevó a declarar que se casó figuradamente con un padre, no con un compañero. Su complicada infancia tampoco ayudó en su circunstancia vital, pero todo ello no le impidió concentrase en su profesión hasta llegar a ser la artista más reconocida en el mundo de la ópera en el siglo XX. El documental es testigo y legado de su paso por la vida y por la música.

Pasolini & Callas

En definitiva, María by Callas, es un perfecto retrato histórico y una bella crónica periodística sobre una figura icónica de la cultura contemporánea. También es un viaje junto a la artista por las ciudades de Lisboa, Mallorca, Nueva York, con paradas en el bucólico Lago de Garda italiano o en el impresionante Festival de Cine de Cannes. Pero ante todo, la cinta, lo que trata de recoger es la dicotomía que sostuvo la soprano entre la mujer y el mito, entre la persona y la estrella, o entre María y la Callas. Esa es la esencia del film y probablemente la esencia en la vida de la artista.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Francia.
Dirección: Tom Volf.
Título original: Maria by Callas:
In Her Own Words.
Música: Jean-Guy Veran.
Fotografía: Janice Jones.
Duración: 114 minutos.
Estreno Francia: 18/12/2017.
Estreno España: 11/05/2018.

lunes, 14 de mayo de 2018

Lucky: un cascarrabias con encanto


Cuando me dicen que soy demasiado viejo para hacer una cosa, procuro hacerla enseguida. -Pablo Picasso.

La historia: Lucky (Harry Dean Stanton) es un hombre de 90 años con un fuerte carácter y que vive solo en un pequeño pueblo estadounidense en una zona desértica fronteriza con México. Es ateo, cascarrabias, pero destila cierta ternura y por ello, es querido por los pocos habitantes que aún quedan en el municipio. Nunca ha tenido suerte en el amor, si entendemos por suerte en el amor, el haber estado casado. Por lo demás, sigue una férrea rutina y solo se alimenta de leche, café y fuma 20 cigarrillos al día. Tras una pequeña caída en casa sin mayores consecuencias, comienza un debate existencialista consigo mismo y con sus conciudadanos, buscando las respuestas que él parece haber encontrado ya.


La crítica: Esta pequeña película independiente viene a recordarnos que el cine es algo tan sencillo como contar una pequeña o una gran historia, hacerlo de una manera entendible y no tener que recurrir a ninguna explosión, efecto visual o a algo más que a la propia narrativa expuesta en la misma filmación. Y es que la vida cotidiana, tiene pequeños momentos que la hacen extraordinaria. Así al menos, parece entender la vida Lucky, que se considera un hombre afortunado desde que sirvió en la Armada estadounidense y tuvo la fortuna de estar destinado en el puesto menos peligroso del ejercito. Es decir, la cocina. De ahí, tomó su apodo de Lucky.

John Carroll Lynch, actor de Fargo, Zodiac o Gran Torino, debuta en la dirección con una propuesta firme, pausada, y sin mayores pretensiones que buscar un retrato de la vejez a través de un personaje sarcástico, cómico casi sin quererlo e inmensamente tierno sin apenas pretenderlo. En cierta manera, podríamos hablar de una comedia de corte filosófico, que de una manera un tanto repetitiva nos habla del descreimiento como método para afrontar la etapa final de la vida. O cómo viene a expresar nuestro viejo gruñón protagonista: total si ya no se me levanta, tampoco me voy a preocupar ya del cambio climático (esto no es literal).

La historia está impregnada en todo momento por un cine transfronterizo, polvoriento e inhóspito que tan bien se reflejan en esas pequeñas poblaciones que aún persisten en el desierto de Sonora. Podemos encontrar muchas referencias cinematográficas en la película, pero siempre desde la sencillez. Desde el Giro al infierno de Oliver Stone y sus extraños habitantes, hasta referencias al cine argentino como en los también extraños vecinos del pueblo de El ciudadano ilustre. Incluso en cierta manera, nos encontramos con un minimalista y "contra" Relato Salvaje, apoyado en las Historias Mínimas del cineasta bonaerense Carlos Sorín. Ahora bien, también cabe decir que quizás Lucky hubiera cabido en un cortometraje o un relato corto si de literatura estuviéramos hablando. Y es que a pesar de su ajustado metraje, por momentos su ritmo monótono nos lleva a repetir rutinas innecesarias como espectadores. Lo lógico y honesto, hubiera sido, que el cineasta hubiera usado las elipsis narrativas aunque el metraje se hubiera quedado en 70 minutos. O lo que es lo mismo, hay bastante relleno para completar un largometraje en toda su extensión convencional, sin que apenas suceda nada entre un día u otro en la vida del protagonista.


Lógicamente el reparto está encabezado por un extraordinario Harry Dean Stanton (Paris Texas, Corazón salvaje, Twin Peaks) que nos dejó este enorme legado en Lucky y que lastimosamente es su obra póstuma como actor. De todas maneras no hubiera asistido a la premiere, ni a ningún estreno posterior de la película, ya que él solía comentar que eso solo lo hacían las estrellas y algunos actores. Como pueden comprobar, esta manera de pensar, se funde en cierta manera con su personaje de Lucky, que parece ser en parte autobiográfico en su ácido caracter. Descanse en paz, y gracias por una vida dedicada al mundo del cine. En el resto del reparto, cabe destacar la aparición del director de cine David Lynch, en un papel como amigo del bar del pueblo en que el que se reúnen los pocos habitantes del lugar. Es tanto en el bar, como en la típica cafetería americana, donde encontramos los mejores diálogos entre los personajes. En estas secuencias, la película recuerda ya de una manera muy directa a la famosa serie estadounidense Cheers aunque en modo rural.

En los aspectos adicionales cabría destacar el color dorado del desierto y esos amaneceres bien recogidos por la dirección de fotografía. También la música country y los sonidos de las armónicas, que nos sitúan en el contexto geográfico de una manera perfecta. Mención especial a una canción popular mexicana, con mariachi incluido, interpretada en un aceptable español por nuestro joven protagonista.

Lucky es un conclusión, un pequeño tratado sobre como se ve la vida desde el vértigo de los 90 años. O dicho de otra manera, como se ve la muerte desde esa posición y si esta causa miedo, curiosidad o incluso risa. Quizás sea una película más curiosa, que buena, pero desde luego es un testimonio inequívocamente distinto a la juventud y belleza que siempre ha reinado y reinará en el cine. Es por ello y además en plena orgía super-heróica, que parece incluso un súper-milagro que una pequeña película independiente llegue a estrenarse en las salas de cine. ¡Good luck!

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección: John Carroll Lynch.
Reparto: Harry Dean Stanton,
David Lynch, Ed Begley Jr.
Fotografía: Tim Shurstedt.
Música: Elvis Kuehn.
Duración: 90 minutos.
Estreno EE UU: 29/09/2017.
Estreno España: 4/05/2018.

miércoles, 9 de mayo de 2018

Entrevista al director de cine Adrián Orr que nos presenta el estreno de su película: Niñato


El 11 de mayo se estrena en cines de España la ópera prima de Adrián Orr con el sorprendente y llamativo título de Niñato, que consigue de inmediato captar la atención del espectador. Ambientada en un barrio popular madrileño, la historia narra el día a día de David, alias Niñato, que es un joven padre desempleado, músico de hip-hop por vocación y que tiene bajo su cargo a tres niños pequeños. Pese a las numerosas dificultades que debe afrontar, el joven lucha por inculcar a los más pequeños los valores del esfuerzo en un mundo cada vez más complicado.

La película es un drama de no ficción, donde documental y ficción mantienen un estrecho diálogo. En su periplo por los festivales de cine, la cinta ha sido galardonada con el Premio a la mejor película en el Festival Internacional de Buenos Aires (BAFICI), el Premio Nuevas Olas del Festival de Cine Europeo de Sevilla, o la nominación al mejor documental en los Premios Feroz. 

Adrían Orr es nacido en Madrid en 1981 y es Licenciado en Comunicación audiovisual por la UCM. Completó sus estudios en la Escuela de cine de Lisboa (ESCT) y ha realizado varios cortometrajes. Desde Cine y críticas marcianas y NoroesteMadrid le agradecemos muy especialmente su amabilidad en la concesión de esta entrevista y le deseamos mucha suerte en el debut con su primer largometraje. 

"He posicionado al espectador como testigo a tiempo real de como "Niñato" aprende a enseñar, a estimular a los niños, a seguir trabajando, a crecer en autonomía y a tener sueños, incluso cuando sabe que los suyos propios, probablemente, ya no se harán realidad". -Adrián Orr.

Texto y fotos: Miguel Pina

Hola Adrián, ¿qué se va encontrar el espectador en la sala de cine cuando Niñato se estrene el próximo 11 de mayo?

Va a presenciar una película que cuenta nuestro presente a través de una familia de clase obrera, en la cual un padre joven cuida de tres niños, pero que aún mantiene su sueño adolescente de hacer música a través del hip-hop. Entonces nos encontramos con la dicotomía de un padre que está aprendiendo a ser padre, y unos niños que están aprendiendo a ser niños a través de un padre joven.

¿Cómo explicarías que desde el intimismo y lo cotidiano se consiga enganchar al espectador?

Es una película que trabaja mucho el vivir cotidiano desde el documental, pero que se acerca mucho al cine de ficción, en la que lo cotidiano a través del cine consigue ser algo extraordinario. De hecho, los pequeños momentos de nuestros días cuentan mucho de quienes somos. Además se van a encontrar a una familia muy excepcional, que dentro de esa excepción, transmiten mucha normalidad. Es muy fácil identificarse con ellos en los conflictos que hemos tenido o que todos los niños hemos vivido. Es decir, en esos procesos cotidianos como ir al colegio, hacer los deberes, se determina mucho de quienes somos.

¿Por qué has escogido un título tan llamativo como Niñato?

En primer lugar porque es el nombre artístico del protagonista y ya de antes en el barrio, todo el mundo le llamábamos niño o niñato, desde que tenía 16 años aproximadamente. Después, porque la película está centrada en él y en su historia. Y además, es que niñato va a llamar la atención porque rompe los estereotipos. Quizás de un rapero te esperas otras cosas y David representa la bondad, el cuidado de los niños..... su tono de voz siempre es calmado y didáctico. También queríamos jugar con este término ya que uno de los niños, Oro, está pasando de una cierta manera de niño a niñato por su rebeldía, y en cambio David que ya es adulto, conserva su parte de niño en una dicotomía muy especial.

¿En qué género cinematográfico enmarcarías la película? ¿Cine documental, no ficción o mezcla de géneros?

Yo la película no la enmarcaría en ningún tipo de género. La película se puede ver como una ficción, pero con toda la verdad que tiene un documental. La puesta en escena es real, nunca actuada. Los enfados de David, de los niños, se rodaron cuando sucedieron y nunca fueron provocados. Lo que hace diferente a esta película, es que trabaja desde lo real, desde lo documental, pero lo acerca todo a una puesta en escena que la relacionamos más cercana a la ficción.



La película ha ganado en los festivales internacionales de Buenos Aires (BAFICI) y Sevilla. ¿Qué sensaciones tuviste en lo personal tras más de cincos años de trabajo con Niñato?

Los premios fueron una gran sorpresa y se juntaron en apenas dos días el de Argentina y el de Suiza. Hay que saber medir los premios y en este caso ayudaron mucho a dar visibilidad a una película que a priori no podía tenerla, ya que es cine independiente y sin grandes compañías que nos apoyen. Los medios se están haciendo eco de ella y puedes continuar girando por festivales hasta llegar a estrenar comercialmente en salas.

¿El mejor premio en todo caso es el estreno en cines con la competencia que hay con las grandes compañías y estudios cinematográficos?

Me parece estupendo el estreno en cines, sobre todo porque es una película fácil de ver, y que yo he hecho desde el corazón y con la sensación de que emocione y genere empatía con la gente que lo este viendo. Los padres jóvenes, y los que hayan sido estudiantes, se vincularán emotivamente con la película.

¿Qué presupuesto ha tenido la producción y por qué has dejado la película con una duración de 72 minutos?

La duración de una película llega a través del proceso de montaje y nunca hemos tenido una limitación de tiempo. Era la duración justa para contar lo que se quería contar. El presupuesto total está en torno a los 100.000 euros.

¿Lugar de rodaje?

En Madrid, en el Barrio del Pilar que es el barrio de nuestro protagonista David y el mio propio.

¿Va a llegar la película a Hispanoamérica?

Se ha estrenado ya en Argentina y Urugay, y próximamente estará en la Cineteca Nacional de México.

¿Cómo es rodar con niños y durante tanto tiempo?

Es conseguir estar dentro de su cotidianidad y en su día a día, llevando la cámara aunque no se filmara. Compartir tiempo con ellos y cuando se diera la ocasión y dentro de su espontaneidad, aprovechar para filmar. Tener confianza mutua es la base.

En la película se tratan temas sociales como la precariedad laboral, las dificultades económicas de algunos padres para poder llevar a sus hijos al comedor o el esfuerzo de los alumnos en sus tareas escolares. ¿Cómo ves desde el prisma social retratado en la película, el presunto favoritismo con el que algunos políticos en España obtienen Masters o directamente falsean sus currículums?

La clase dirigente más cercana al Partido Popular y que lleva mucho tiempo en el poder y en lo referente por ejemplo al caso del Master de Cifuentes, faltan por esclarecer muchas cosas que huelen mal. Y por encima de que tenga el título o no, lo interesante es saber si ha tenido un trato de favor para conseguirlo por ser quien es. Eso nos frustra a todos, ya sea a Niñato como represente de la clase trabajadora, o desde otros ámbitos sociales.



TEST PERSONAL SOBRE CINE Y CURIOSIDADES


Tu película preferida de todos los tiempos.

Accattone de Pier Paolo Pasolini.

Tu película española favorita.

El espíritu de la colmena de Víctor Erice.

Tu director de cine español preferido.

Luis Buñuel.

Tu director de cine internacional preferido

Yasujiro Ozu.

Tu actor preferido.

No tengo actor favorito.

Tu actriz favorita.

Hay muchas, pero depende del momento.

Tu festival de cine predilecto.

La Biennale de Venecia.

La sala de cine más bonita que conozcas o que hayas conocido.

La sala central del Festival Popoli de Florencia. 

El último libro que hayas leído y que recomendarías.

Cassavetes on Cassavetes de Ray Carney y John Cassavetes.

Tu plato de comida preferido.

Pescado a la plancha.

Una ciudad para vivir.

Lisboa.

Una ciudad por conocer.

Roma.

Una ilusión por cumplir.

Seguir haciendo películas y poder vivir del cine.

P.D. La entrevista se ha publicado conjuntamente, con más fotos e información adicional sobre el preestreno y un posterior coloquio con el cineasta, en la sección de cine del diario online NoroesteMadrid (enlace).

El vídeo que sigue es una pequeña entrevista con alguna imagen de la película y pertenece al canal de Youtube: TheBizarrovision.


viernes, 4 de mayo de 2018

Roman J. Israel, Esq: Denzel Whasington y la excelencia como norma de trabajo


Una cosa no es justa por el hecho de ser ley. Debe ser ley porque es justa.
-Montesquieu.

La historia: El veterano letrado Roman J. Israel (Denzel Whasington), pierde su puesto de trabajo en un bufete de abogados especializado en la defensa de los derechos civiles, cuando su jefe y mentor muere y la empresa es liquidada por sus herederos. Tras el luctuoso acontecimiento, una nueva vida comienza para él, cuando es contratado por George Pierce (Collin Farrel) que es un joven y engreído abogado que dirige con mano de hierro el bufete más importante de Los Ángeles. A partir de entonces, el choque de generaciones y caracteres será inevitable. Todo se complica aún más en la vida de Roman, cuando entabla amistad con la activista Maya Alston (Carmen Egogo) y lo que parece ser la semilla de un romance, comienza a peligrar por un suceso imprevisto en un caso de asesinato en el que trabaja el abogado.


La crítica: Dice un refrán "qué nunca es tarde, si la dicha es buena". Y es que por fin, este 4 de mayo y tras 6 meses desde su estreno en Estados Unidos y 2 meses después de ser estrenada en México, Roman J. Israel, llega a las carteleras españolas como una muy interesante propuesta judicial escrita y dirigida de una forma muy seria por Dan Gilroy.  No sabemos muy bien el porqué de este desfase temporal del estreno en España de una cinta que que tuvo serias opciones en la temporada de premios. De hecho, Denzel Whasington estuvo nominado como mejor actor al Premio Oscar de la Academia y según mi criterio, el galardón debió recaer en él por un papel en el que una vez más demuestra su excelencia a la hora de afrontar un trabajo, del que además es productor implicándose al máximo una vez más.

Quisiera aclarar algún aspecto sobre el peculiar título de la producción: Roman J. Israel, Esq. Aunque resulte obvio, Roman J. Israel es un nombre y no tiene nada que ver con la nación de Israel. Pero quizás a alguna persona le extrañe o no sepa que es eso de Esq. Pues bien, en la versión original de la película y en los subtítulos, el término equivale a letrado/abogado y es un diminutivo de Esquire. Se podría concluir entonces que es una especie de mención honorífica anexionado al apellido de un abogado y que se usa tradicionalmente en Estados Unidos.

Por cierto y aunque el cine judicial no resulte en principio muy atractivo, cabe recordar que la justicia debería ser la base sobre la que se asienta nuestra vida. Y es que hay dos sucesos ocurridos en relación a la justicia, que aunque no tengan relación directa con el cine, si tienen que ver que un sistema judicial que se ha convertido en una estafa como denuncia en su fondo Roman J. Israel, Esq. El primero de ellos ha ocurrido en México, con el terrorífico suceso ocurrido con los tres estudiantes de cine asesinados y disueltos en ácido por el crimen organizado en el país azteca. ¿Qué va a hacer la justicia corrupta de México para parar esta orgía de crímenes? NADA. Y en España, ¿cómo es posible que la violación de una niña de 18 años, por cinco repugnantes tipos conocidos como "La manada", se despache con una sentencia profundamente machista, indignante e irrisoria? Desde el cine, solo queda la obligación de denunciar estas situaciones como modo de concienciación social y a su modo, la película reseñada hoy, es una enmienda a la totalidad de la justicia en Estados Unidos y por ende al resto del mundo.

Y es que Roman J. Israel, Esq, lo que trata de mostrar es como el sistema judicial del Estado de Los Ángeles en Estados Unidos, es un mercado de compra y venta de sentencias en un sistema corrupto en el que solo los que más dinero han acumulado, tienen la posibilidad de evitar la cárcel o ver rebajadas sus sentencias, en un mercadeo realmente asqueroso entre fiscales y abogados defensores. La base sobre la que se asienta este sistema y que denuncia la cinta, consiste en evitar ir a juicio y resolver las causas mediante vistas orales y acuerdos, que van siempre en contra del más elemental derecho a la defensa del más débil, en contraposición con la "justicia" que reciben los más poderosos. ¿Recuerdan la cárcel VIP en la cumple condena el personaje interpretado por Leonardo Di Caprio en El Lobo de Wall Street?


El reparto y como señalaba anteriormente, está encabezado por un extraordinario Denzel Whasington que tras su espectacular papel en Fences, (y su monumental enfado al no recibir el Oscar), se volvió a quedar sin su esperada tercera estatuilla dorada por este papel reseñado hoy. Creo que el mejor ejemplo de que hay que tomarse los premios con cierta distancia, es la adorable actriz Meryl Streep que tras 21 nominaciones al Oscar, "solo" ha conseguido tres de ellos. Lo que parece claro, es que el record de Khatarine Hepburn con 4 Premios de la Academia, no solo es difícil de batir, sino que parece una quimera que sea igualado. Volviendo al reparto de Roman J. Israel, Esq, hay que destacar una excelente réplica de Collin Farrel (La seducción), en una de sus actuaciones más serias y brillantes. Aquí encarna a un abogado sin escrúpulos, que recibe una lección de vida del veterano letrado Roman J. Israel. En la parte femenina del reparto, Carmen Egogo (Animales fantásticos) pone el contrapunto emocional y emotivo a la filmación, en una actuación secundaria pero clave para entender el conjunto de la historia.

La parte adicional más llamativa es el diseño de vestuario de la producción. En cierta manera es otro personaje más de lo que quiere transmitir el cineasta. Por un lado, el personaje de Denzel Whasington vive anclado en los años 70 y sigue vistiendo con esos trajes tan característicos de la época (y con el pelo a lo afro). Y por otro lado, vemos a Colin Farrel con unos trajes de último diseño y de firma, con los que parece soñar el veterano letrado. A través de este aspecto de la filmación, vemos el choque entre dos mundos, entre dos generaciones y entre dos formas de pensar. Es por ello que a través del vestuario, llegamos a la conclusión de que lo viejo en forma de ideas, se niega a dar paso a lo nuevo. Pero es que probablemente lo nuevo sea tan superficial, que lo viejo adquiera el poder de la vanguardia al menos en cuanto a ideales y principios vitales. La película en su conjunto, nos habla de los principios del ser humano y de la traición a ellos por cuestiones mercantiles. Y en esto caso, los trajes y algo en principio tan secundario como es el vestuario en el cine, son utilizados como forma narrativa sin que apenas nos percatemos de la función dramática que cumplen en la argumentación.

En conclusión, Roman J. Israel, Esq, es cine de denuncia social sobre un sistema judicial obsoleto y corrupto, visto desde el idealismo del mayo del 68 (aplicado a la justicia) del que ahora se cumplen 50 años. La película en sí misma no es la mayor diversión que me he encontrado en lo que va de año 2018, y mucho menos cine palomitero, pero desde luego es un cine que tiene calidad en cada fotograma exhibido. Es por ello, que si sumamos las interpretaciones, a una buena narrativa cinematográfica, la experiencia además de positiva, es enriquecedora.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección y guión: Dan Gilroy.
Reparto: Denzel Whasington,
Collin Farrel, Carmen Egogo.
Música: James Newton Howard.
Fotografía: Robert Elswit.
Duración: 129 minutos.
Estreno EE UU: 3/11/2017
Estreno México: 2/02/2018.
Estreno España: 4/05/2018.

lunes, 30 de abril de 2018

Cómo se hace Cine y críticas marcianas: Mi diario marciano


¿Y esto qué es? Pues muy sencillo, alguna vez me han preguntado como era el proceso desde que veo una película, hasta que su correspondiente crítica es redactada y finalmente publicada. Y en vista de como está la cartelera en los cines esta semana, y para celebrar de alguna manera las 200.000 visitas que se acaban de producir, voy a dedicar una jornada de puertas abiertas en forma de entrada en el blog. En ella voy a intentar explicar un proceso que no empieza en la sala de cine, sino en la selección de la película a reseñar. Así que vamos con ello.

Selección de la película de la sección principal de críticas de cine.

En España, como en muchas partes del mundo, los estrenos de cine llegan a las carteleras los viernes. Concretamente en la ciudad de Madrid, se vienen produciendo alrededor de entre cinco o seis estrenos semanales, aunque esta cifra es variable y si sumamos los estrenos en las salas de cine del circuito minoritario, esta cifra puede aumentar en dos o tres estrenos semanales más. Por lo tanto, la primera decisión es elegir dos de esos estrenos para reseñarlos durante la semana, aunque esta cifra puede ser variable. El criterio es claro, se trata de ir al cine a ver algo que pueda tener interés en primer lugar para mí, pues lo que se dice ir a sufrir para hacer una crítica negativa no va conmigo. En todo caso, en muchas de las ocasiones, la selección no está acorde con mis expectativas y la crítica por lo tanto no puede ser positiva para la cinta reseñada.

¿Pases para la prensa, webs y blogs de cine o sesión para el público en general?

En los comienzos del blog, no existía esta duda. Sencillamente elegía una película y "perpetraba" una especie de escrito por llamarle de alguna manera. Algún tiempo después y cuando la redacción de las reseñas comenzaba a entenderse, e incluso los acentos estaban colocados en el lugar correspondiente, me pregunté como era posible que tanto la prensa en general, como otros blogs de cine pudieran tener las críticas el mismo día del estreno. Pues bien, para eso están los llamados pases de prensa, que por mediación de las distribuidoras te pueden ofrecer la posibilidad de asistir a los pases con bastantes días de antelación y así facilitan la labor de tener en tiempo y forma adecuadas las reseñas preparadas y publicadas. Por resumir, podríamos decir que cuando el blog tenía escasas visitas recibidas y pocos seguidores en las redes sociales, la misión de asistir a estos pases era poco menos que imposible. Poco a poco y cuando el blog se fue posicionando en Google de manera óptima y en competencia clara con otras paginas de cine, es cuando las invitaciones empezaron a llegar y llegan de manera habitual a día de hoy. Es entonces, cuando llega la hora de seleccionar la película candidata a ser reseñada, y los criterios son los mismos que marcaba antes, es decir, o me produce algún interés la película propuesta o no acudo a los pases de prensa. Es en estas ocasiones, cuando espero al fin de semana y veo por mi cuenta las películas a las que no he sido invitado, pues no todas las distribuidoras hacen preestrenos o no estoy en su agenda por unas cuestiones u otras. Por supuesto, la valoración de la película es independiente y ajena a estas cuestiones técnicas. Al final y despues de todo, lo que se trata es de ver una película e intentar disfrutar del cine en toda su intensidad. Solo hay dos vetos a la hora de elegir película (en realidad es uno solo), y son para las películas de super héroes que me super superan y las películas (como decía Groucho Marx), en las que el pecho del héroe es superior al de la heroína. Es decir, desde Superman (la de Christopher Reeve) y Batman (la de Jack Nicholson) que si me gustaron, y dada la degradación del género, paso por completo del tema.

Empieza la película: ¿Cómo memorizar? ¿Sólo o acompañado? ¿Primeras filas o últimas? ¿Con o sin palomitas?

En primer lugar, no es lo mismo ir al cine con la intención de hacer una reseña después, que ir completamente por libre. De hecho, sigo y voy a seguir viendo películas por mi cuenta sin redactar ninguna crítica. Pero en el caso de ir con la intención de hacer una reseña (que siempre es secundario al mero placer de ver cine), la concentración y la alerta debe ser sino máxima, al menos considerable. Es decir, no vale ir borracho, drogado, o con la intención de hacer "manitas" o demás menesteres que deben quedar para otras ocasiones. Si hacemos las cosas, o las hacemos bien o mejor no hacerlas. La memoria es algo fundamental, pues para hacer un análisis cinematográfico correcto hay que tratar de retener cada detalle que acontece en pantalla. Aún así, a la salida de la proyección escribo unas notas con palabras clave o datos técnicos, que luego son consultadas a la hora de la redacción. Con respecto a ir en compañía o ir solo al cine, no tiene demasiada influencia en la cuestión. El único requisito es que durante la proyección, no me cuenten la biografía personal completa, o lo que es lo mismo, que pueda escuchar lo que pasa en escena. Respecto al lugar elegido en el cine, soy bastante marciano, por lo que no me gusta estar rodeado masivamente de gente. Prefiero en una esquinita, pero tranquilo. En cambio, con respecto a la fila no tengo preferencias excesivas. Según sea la película la puedo ver en la fila 4 o 5 o incluso en la última fila. Palomitas actualmente no, y en todo caso depende de la película. Por ejemplo, no me plantearía estar zampando palomitas en una película sobre los campos de exterminios nazis, pero sin embargo, en una comedia insustancial o de cine de evasión, pues pueden caer saladas o incluso dulces. Las demás "delicias" gastronómicas que se venden en los cines, quedan ya como excusa para soportar algún bodrio sin tener impulsos suicidas.

Al empezar una reseña.....


¿Cuándo hacer la crítica, justo a la salida del cine o conviene reposar la película?

Pues en principio, tampoco hay demasiada elección. Se podría esperar un día o dos para reflexionar sobre la película, aún con el peligro de perder detalles o definición sobre la misma. También se puede ir del cine al ordenador directamente, pero o bien la adrenalina en positivo o el cabreo en negativo, pueden hacer demasiado pasional la crítica. Por lo tanto, aunque es bueno guardar un cierto equilibrio en este aspecto, debe haber una cierta rapidez en su redacción y publicación, pues hay que recordar que algunos estrenos sólo están una semana en los cines o a lo sumo dos. Todo esto nos lleva a concluir que una crítica cinematográfica de estreno, no es como una poesía o un relato. Quiero decir que no hay posibilidad de recrearse en el uso del lenguaje por tiempo indefinido o incluso dejar reposar los textos y luego volver a ellos para mejorarlos. En cierta manera se trata de escritura express. 

La página en blanco y la mente en blanco.

Esto es independiente a una reseña de cine o a cualquier texto escrito. Hay veces que el escrito sale de un tirón, y otras que cuando la pantalla está en blanco, el miedo escénico entra en juego y no encuentras ni una sola palabra para empezar. En mi caso, utilizo la sinopsis para romper el hielo y contar lo que yo llamo "La historia" de la película. Después en la crítica en si misma, ya hay que improvisar y decir algo más de sí te gustó o no la película. Dentro de la subjetividad que este tipo de textos conllevan por su naturaleza, hay que expresar una serie de razonamientos que vayan más allá de contar la película, pues eso sería un resumen y no una evaluación de lo que ha querido transmitir el cineasta de turno y como lo ha transmitido. A esto yo lo llamo sobrevolar sobre la cinta, sugiriendo pero no enseñando. Es decir, en mi opinión una buena crítica cinematográfica de estreno, sería como la lencería de una mujer o de un hombre. Es decir sugerente pero no claramente explícita.

Pulsar el botón de publicar, visitas y comentarios.

Después de corregir, tomar un café, volver a corregir, tomar otro café, volver a corregir, escuchar música y volver a corregir, por fin llega el momento de pulsar el botón "nuclear". Y es que después de más de 180 películas reseñadas, aún me pongo nervioso ante ese momento y más aún con las pasadas que suele jugar Blogger en un formato que se está quedando obsoleto. Y ahora queda, la promoción o divulgación en redes sociales de la reseña. Después llega el mejor momento (sin olvidar que el mejor momento, o el peor, pertenece a la sala de cine), que es cuando el texto publicado empieza a recibir cientos de visitas, e incluso en algunas reseñas se cuentan por miles tras unos días o semanas en la red. Desde México, Estados Unidos, Venezuela, Argentina, y por supuesto España, llegan esas visitas (entre otros muchos países) y algunas personas con una humanidad desmedida, incluso me honran con sus comentarios y no me insultan. Millones de gracias a cada una de las personas que interactúa con el blog, ya sea leyendo, compartiendo o comentando en el mismo blog o a través de las redes sociales.


......acabando una reseña al limite de tiempo

Y vuelta a empezar.

Pues efectivamente, cuando un ciclo de una reseña se acaba, otro nuevo empieza con la selección de una nueva crítica marciana. En las publicaciones de ¡Qué maravilloso es el cine! o Películas Curiosas, la selección es más tranquila y obedece a razones que el propio nombre de las secciones indican. En la sección Curiosidades de Cine, pueden entrar noticias destacadas o cosas interesantes como fueron por ejemplo: Autocines o Sesión Teta.


Conclusión.

Este ha sido el primer desnudo integral de Cine y críticas marcianas y si alguien quiere tomar la idea y hacer lo propio con su blog o web, me parecerá una idea estupenda. Si también quieren hacer un desnudo integral del cuerpo en sí mismo, también me parecerá estupendo. Y si además se atreven a publicarlo sería ya el bombazo del año. Por mi parte, me ha quedado por comentar el porqué poner nota a la película, la inclusión de el tráiler o como hago para conseguir que algunas personas relacionadas con el mundo del cine se dejen entrevistar, describir como son esos humanos en el tú a tú y donde se han realizado estás conversaciones. Así que dependiendo del interés demostrado por los marcianos y marcianas, tal vez cuente los detalles más jugosos de esos momentos únicos en el universo de Cine y críticas marcianas. Por hoy, lo dejamos aquí, para no contradecir a los que piensan que los escritos en Internet no pueden ser muy largos. Quizás algún día haga una crítica que solo contenga cuatro palabras: me gustó la película. Aunque pensándolo bien, con dos valdría: "Me gusta". Perdón con una: Like.

P. D: Y ahora, todos a menear las caderas con la nueva sintonía de Cine y críticas marcianas: El baile del marciano.

miércoles, 25 de abril de 2018

Fireworks: ¿Y si pudieras regresar a aquél día?


El que tiene imaginación, con qué facilidad saca de la nada un mundo.
-Gustavo Adolfo Bécquer.

La historia: Nazuna Oikawa es una joven adolescente que va a ser obligada a cambiar de escuela porque su madre se casa por tercera vez y pretende mudarse del lugar. Es entonces, cuando ofuscada y frustrada pide ayuda a su amigo Norimichi Shimada, para intentar trazar un plan de fuga de su residencia familiar. Tras intentarlo y fracasar, ambos descubren que mediante una esfera mágica que se encuentran, pueden hacer que el día comience de cero a través de un salto en el tiempo hacia atrás, y con ello pueden mejorar y trazar de nuevo el plan de fuga. Pero alterar el tiempo, tendrá unas consecuencias insospechadas para ellos, sus amigos y sus familias. Una vez más, cada acto tendrá una consecuencia insospechada.


La crítica: Antes de comenzar a analizar esta producción de animación japonesa, me veo obligado a realizar una aclaración a raíz de un conflicto privado con otra web de cine. Todas las sinopsis realizadas en Cine y críticas marcianas (donde señalo La historia) son realizadas personalmente y nunca copiadas de las notas de producción de las distribuidoras autorizadas. No discuto a otras webs de cine que lo hagan así, pero no es mi caso. Yo trato de explicar la esencia de la historia a mi modo, aunque me ocupe más tiempo que el hecho de colocar un sencillo corta y pega de dichas notas. Tampoco crítico a quien así decida hacerlo, cada uno manda en su tiempo.

Volviendo a la esencia de la historia, creo que la premisa de salida nos recuerda de inmediato al famoso día de la marmota, de la excelente película protagonizada por Bill Murray y traducida en España con el peculiar título de 'Atrapado en el tiempo' (Groundhog Day), y  de hecho, creo que es una película que debería estar en la sección de ¡Qué maravilloso es el cine! del blog marciano.

Ahora bien, con Fireworks y ya en este 2018, no podemos esperar nada de eso, ya que cualquier parecido con aquella cinta, es pura coincidencia en lo que a la calidad o a las situaciones cómicas se refieren. En esta ocasión, el cineasta nipón Nobuyusi Takeuchi, no deja espacio para la comedia y se centra en hacer una especie de melodrama juvenil en el que las imágenes se sitúan por encima de la propia historia. Algo que por otra parte en el cine de animación, tiene su cierta lógica.

Pero el principal problema de Fireworks, es la falta de la credibilidad de la historia. Y esto no tiene nada que ver con que la película se circunscriba al género fantástico dentro de la animación. De hecho, la mencionada 'Atrapada en el tiempo', no tenía ni pies ni cabeza, pero en la sala de cine ademas de creíble, era divertida. Justo lo contrario que en la producción reseñada hoy. Aún con lo expuesto anteriormente, cabe decir, que para los seguidores del anime o incluso para algunos asiduos al cine de animación convencional, la película aún siendo muy justita en su calidad, pudiera ser tolerable como espectáculo visual sin mayores pretensiones que lucir la belleza de la animación nipona.


La narración es una especie de parque temático con ese toque japonés y unos fuegos artificiales de presentación y postre, que están presentes como medio vehicular de la producción, sirviendo como contrapeso a la dramática situación por la que atraviesa Nazuna. Y es que lo que el cineasta trata de expresar, es el conflicto vital adolescente, cuando se convive en una familia desestructurada.

En los aspectos adicionales, y además del colorido ya mencionado, cabe destacar una preciosista música compuesta por Saturo Kosaki que se convierte en lo mejor de la producción. Además, si cabe hablar de "vestuario" en cine de animación, la producción se recrea en sus personajes femeninos mezclando los kimonos tradicionales, con las típicas prendas más sexualizadas de la "zona manga".


En conclusión, Fireworks narra de una forma muy irregular, una historia romántica entre adolescentes buscando a través de los loops temporales, una especie de innovación que de mitad de metraje en adelante, se adentra en terrenos bastantes pantanosos y de difícil comprensión para el espectador. En definitiva, es un cuento moderno con cierta dulzura narrativa, pero que finalmente se queda un retrato sobre la adolescencia que en principio solo va a interesar a aquellos que atraviesan esta "dramática situación", que siempre se cura con el tiempo, -la adolescencia digo-. Aunque pensándolo bien, creo que la etapa de la pubertad se ha estirado considerablemente en la era digital. De hecho, yo propongo una nueva clasificación. Niñez: de 0 a 10 años, adolescencia: de 11 a 60 años y cierta madurez: entre 61 años y el hoyo. Es decir, Fireworks es básicamente para todos los públicos. Eso si, con un par de chupitos de téquila antes de entrar en la sala de cine, la experiencia debe ser mucho más "alucinante" de lo que ya es de por sí.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Japón.
Dirección: Nobuyusi Takeuchi,
Akiyuki Shimbo.
Guión: Shunji Iwai, Hithose One.
Música: Saturo Kosaki.
Duración: 90 minutos.
Estreno Japón: 18/08/2017.
Estreno México: 23/02/2018.
Estreno España: 20/04/2018.

viernes, 20 de abril de 2018

Un lugar tranquilo: Magistral lección de buen suspense de John Krasinski


Hay algo amenazante en un silencio demasiado grande. -Sófocles.

La historia: En un mundo post-apocalíptico arrasado por unas extrañas y peligrosas criaturas extraterrestres, el matrimonio Abott y sus tres hijos han descubierto que la única forma de sobrevivir es permanecer unidos y en silencio. Los extraños seres invasores son ciegos y solo atacan cuando oyen algún ruido. Para evitar ser escuchados, los Abott se han aislado en una granja rural en el interior de los Estados Unidos y han ideado un sistema para comunicarse y moverse emitiendo el menor ruido posible. Todo se complica aún más, cuando Evelyn (Emily Blunt) se queda embarazada, y tiene que idear junto a su marido Lee (John Krasinski), un sistema para que el parto y el llanto del futuro bebé no ponga en peligro a toda la familia.


La crítica: Un lugar tranquilo (A Quiet Place), nace con vocación de clásico universal en el cine de género y lo hace de forma sobresaliente. Peliculón sin reservas y en mí opinión, la mejor cinta de la década dentro de su categoría.

Su marco narrativo es muy amplio y es colindante entre otros, con el cine de terror, siendo en su esencia un thriller psicológico con pinceladas del género fantástico. Si el cine tiene algún sentido todavía para ser visto en la gran pantalla, este es el ejemplo perfecto y el camino a seguir en un futuro.

Soy un fiel creyente que en la cinematografía es posible innovar y con ello situar a este arte considerado por muchos como algo menor, en un vehículo que se coloque a la vanguardia de las artes escénicas. En cualquier caso, y aunque resulte una obviedad, cabe recordar que el cine no es más que una visualización de una idea que antes tuvo que ser imaginada y redactada en un libreto con múltiples variantes, que van más allá de los diálogos y su posterior puesta en escena.

Y es que todo lo bueno y lo malo que pasa en una película se rige fundamentalmente por una sola cosa: guión, guión y guión. Si este elemento falla, no hay reparto, banda sonora o dirección de fotografía, que pueda salvar a una producción del naufragio.

Y vuelvo a insistir que un guión ya sea adaptado u original, contiene muchísimo más que los diálogos que aparecen en pantalla. Podríamos concluir, que es el mapa por el que discurre cada elemento de la puesta en escena de una filmación. En esta ocasión, es el propio Krasinski, el que tras recibir el libreto de Scott Beck y Brian Woods, lo reescribió para darle su toque como director firmante de la película. Es en suma, un trabajo conjunto y escrito a tres manos, que les aseguro va a ser estudiado en las escuelas de cine por las siguientes generaciones de futuros hombres y mujeres que se dediquen a este arte. ¿Cuál es la peculiaridad de este guión y con él, de la propuesta presentada hoy? En primer lugar la excelencia en su redacción y en segundo lugar, su plasmación en la gran pantalla. Si a ello le sumamos que durante los 95 minutos de metraje, los diálogos solo ocupan 5 minutos de la producción, nos podemos hacer una idea de la complejidad que conlleva esta vanguardista idea para que funcione como un perfecto reloj sincronizado en la sala de cine. En cierta manera, es una vuelta al cine mudo, sin que el espectador se percate de esta circunstancia por la brutal, asfixiante y perturbadora atmósfera conseguida. En este aspecto, la historia se convierte desde su estreno en un clásico del cine de suspense, que iguala o incluso supera por momentos al cine del maestro Alfred Hitchcock.

Pero que apenas haya diálogos, no quiere decir que los personajes no se comuniquen. Todo lo contrario. Ellos lo hacen a través del lenguaje de signos o de miradas y susurros. Y es que cualquier ruido disonante, puede provocar que los seres que habitan en los exteriores de su granja, y que han aniquilado a buena parte de la humanidad, acudan al reclamo y acaben también con ellos. Probablemente los Abott sean una de las últimas familias del planeta y si ellos mueren, la humanidad puede que sea extinguida para siempre. ¿Conseguirán salvarse y con ello, obtener la posibilidad de un nuevo comienzo para el ser humano? ¿Son invencibles las criaturas invasoras? ¿Hay otras familias a lo largo del planeta en la misma situación? ¿Se habrán zampado los monstruos a Donald Trump? No pude evitar la última pregunta.


En el reparto, nos encontramos también a John Krasinski en el papel del padre de familia y representando la figura de la protección y de guía para el resto de la familia. Más que correcto papel, aunque algo por debajo de su gran labor en la dirección del conjunto de la producción. La que brilla con luz propia y en una actuación espectacular es Emily Blunt, que de no ser porque la película se ha estrenado fuera de la temporada de premios, merecería un Oscar por un papel impresionante. La escena del parto en la bañera y en silencio, pasa directamente a la historia del cine. Por otra parte, la buena química que se establece con su marido en la ficción, es debido a que ambos son matrimonio en la vida real e incluso la propia Blunt, aportó alguna idea al guión llevado a cabo por su pareja. Los niños Noah Jupe y especialmente la pequeña Millicent Simmonds están extraordinarios. Con Millicent nace una nueva estrella de cine y esperemos que su sordera de nacimiento, no sea ningún impedimento para que se adapten futuros guiones para ella.

Hay tres aspectos adicionales que en una película tan especial como la reseñada hoy cobran vital importancia. Uno es un excelente diseño de sonido que por razones evidentes se convierte en un personaje más de la película. Cualquier ruido, una pisada de más o de menos, el viento, el agua, los crujidos de la casa, los susurros y las comunicaciones, son la clave de la propuesta y mantienen una absoluta tensión en la sala de cine, en un ambiente que por momentos se hace irrespirable. Otro aspecto muy importante es el diseño de producción de la granja, en la que meses antes de la película, se plantaron diez hectáreas de maíz, se construyeron graneros y se diseñaron unos interiores con carácter neo-impresionistas, que nos trasladan a una América profunda y rural, creando mayor sensación de aislamiento si cabe. Y por último, cabe destacar una gran banda sonora compuesta por Marco Beltrani que enfatiza sin opacar, cada momento de tensión de la producción.


Toda la historia retratada en la filmación, comienza en el día 89 después de la invasión, y finaliza alrededor del día 500 post-invasión.Y todo ello, en apenas 90 minutos, que son más que suficientes como tantas veces he repetido, para conseguir un ritmo adecuado y un climax perfecto en la parte final. La conclusión de la historia es espectacular y con el añadido de un gran twist final, que levanta una instintiva y atronadora ovación entre los asistentes y que se repetirá a lo largo de las salas de cine de buena parte del mundo. Es por ello, entre otras muchas cosas ya reseñadas anteriormente, que Un lugar tranquilo, se convierte desde su nacimiento en un clásico del terror y en una magistral lección de suspense de John Krasinski que hacen que el Séptimo Arte se vuelva a escribir con mayúsculas.

Nota: 10/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: John Krasinski.
Reparto: John Krasinski, Emily Blunt,
Millicent Simmonds, Noah Jupe.
Guón: John Krasinski, Scott Beck
y Brian Woods.
Música: Marco Beltrani.
Fotografía: Charlotte B. Christensen.
Duración: 95 minutos.
Estreno EE UU y México: 6/04/2018.
Estreno España: 20/04/2018.

domingo, 15 de abril de 2018

Campeones: Inteligente y audaz comedia sobre la discapacidad


En realidad, no existen personas con alguna discapacidad, solo personas con distintos grados de aptitud.
-Henry Viscandi.

La historia: Marco (Javier Gutiérrez) es un entrenador profesional de baloncesto que es despedido de su equipo y además ha sido condenado por la justicia tras un accidente de coche por conducir bajo los efectos del alcohol. Para evitar la pena de cárcel, se le encomienda el trabajo social de entrenar a un equipo de baloncesto de discapacitados intelectuales durante 90 días. Será el comienzo de la mayor aventura de su vida, en la que podrá comprobar su concepto sobre la "normalidad".


La crítica: 20 años después de su fabuloso debut con la auténtica marcianada El milagro de P. Tinto, el cineasta español Javier Fesser, firma su mejor comedia desde aquel entonces. La película recuerda de inicio al cine de los hermanos Peter y Bobby Farrelly, que tantas veces han puesto el dedo en la llaga al hacer comedia sobre las personas con discapacidad, sin ningún miedo a ser criticados. En este caso, la mirada es mucho más tierna que gamberra, lo que no impide que durante el transcurso de la filmación, se suceden situaciones hilarantes y muy bien cocinadas que nunca resultan ofensivas para las personas con situaciones personales semejantes.

Otra virtud del cineasta es la consecución de un buen equilibrio en un género cinematográfico tan complicado como es la comedia. Incluso podríamos hablar de virtuosismo técnico, al conseguir que un metraje de 125 minutos -que de por sí es antinatural en el género cómico- se sienta totalmente adecuado. Con Campeones, se demuestra que la comedia inteligente y en este caso española, es más que posible como se demostró en Toc toc o en los Perfectos desconocidos de Álex de la Iglesia. 

La película juega con la evolución del personaje principal que es la base de cualquier narración cinematográfica o incluso literaria. Si en una historia, los personajes no evolucionan, solo puede deberse a una mala planificación del guión o a un trabajo desestructurado en el montaje final. En este caso, el personaje del entrenador de baloncesto, pasa de salvador a ser salvado por sus alumnos. Es decir, Marco partiendo de una personalidad despreciable y engreída, evoluciona y se percata de que la verdadera discapacidad consiste en no empatizar con sus semejantes. La historia es una lección de vida, vista desde un humor muy bien estudiado que conecta de inmediato con el espectador. Quizás la parte más floja e incluso sobrante de la filmación, es cuando se intercalan secuencias de la relación de pareja de Marco que poco aportan a la intrahistoria e incluso la hacen más débil en su esencia. 


Javier Gutiérrez (La isla miníma, El autor), encabeza el reparto y si se me permite la broma, encabeza el reparto junto a Antonio de la Torre del 90 por ciento de la producción cinematográfica española. Nada que objetar, pues es un excelente actor que sigue evolucionando en franca progresión y en cualquier tipo de registro. En esta ocasión borda su papel y da prestancia al conjunto de la  producción. El resto del reparto y al estar compuesto por un equipo de baloncesto completo, harían que esta parte de la crítica se hiciera muy premiosa si analizáramos cada personaje interpretado, pero con carácter general hacen un trabajo excelente teniendo en cuenta que no son actores profesionales. Eso si, quisiera hacer una mención especial para un personaje femenino que es un delicia. Se trata de una genial Gloria Ramos que interpreta a la señorita Collantes, que siendo mujer y bajita, se integra en el equipo masculino de baloncesto y deja unas perlas brillantes que retumban en forma de carcajadas por toda la sala de cine.

La mejor, la numero 10 (Gloria Ramos)

La música compuesta por Rafael Arnau es una maravilla, pero cabe decir que se utiliza de un forma un tanto tramposa para acentuar las emociones en el público; algo que por otra parte es habitual en casi cualquier producción cinematográfica. 

Por último, no me puedo despedir sin mencionar como referencia tres secuencias para el recuerdo. La primera, es la presentación entre equipo y nuevo entrenador que deja momentos que obligan casi a volver al cine para volver a disfrutarlos de nuevo. La segunda, es un viaje en transporte público a una ciudad española (Cuenca), de todos los personajes que es realmente descacharrante. Y por último, una escena con un ascensor de por medio, que pone en evidencia quien es normal y quien no en la vida. En conclusión, nos encontramos con una buena comedia que engancha de principio a fin, y que nos transmite un mensaje tan sencillo y a la vez tan complejo, en el cual la linea entre la capacidad y la discapacidad es tan delgada, que consigue dejar en evidencia cualquier prejuicio establecido que tengamos en relación a este asunto. Por ello, cabe destacar la sensibilidad de Javier Fesser para lograr hacer una película que cambia los roles y el discurso sobre la integración. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España.
Dirección: Javier Fesser.
Reparto: Javier Gutiérrez, Juan Margallo,Gloria Ramos, 
Athenea Mata, Jesús Vidal.
Guión: David Marqués y Javier Fesser.
Fotografía: Chechu Graff.
Música: Rafael Arnau.
Duración: 125 minutos.
Estreno España: 6/04/2018.