martes, 20 de junio de 2017

Mientras ellas duermen (While the women are sleeping)


Todo lo que nos sucede, todo lo que hablamos, y nos es relatado, o entra por nuestros oídos o sale por nuestra lengua, ha de tener un destinatario fuera de nosotros mismos y a ese destinatario lo vamos seleccionando en función de lo que acontece, o nos dicen o bien decimos nosotros mismos.
-Javier Marías, extracto de la novela Todas las almas.

La historia: Kenji (Hidetoshi Nishijima) es un escritor en crisis que pasa unos días de vacaciones en la costa japonesa junto a su mujer Aya (Sayuri Oyamada). Es allí, cuando se fijan en una extraña pareja compuesta por un hombre bastante maduro y su jovencísima acompañante. Una noche en la que el escritor no puede dormir, se encuentra en la piscina del hotel con el misterioso señor mayor y le pregunta casi sin quererlo por la chica que le acompaña. Este sin dudarlo, le confiesa que es su novia y que la graba todas las noches en vídeo mientras ella duerme. Es entonces, cuando Kenji se obsesiona con la pareja y comienza a investigar el fondo de este desnaturalizado romance que le está llevando a recuperar su inspiración.


La crítica: El escritor español Javier Marías escribió en el año 1990 un impactante y poderoso relato en forma de cuento urbano con el mismo título de la película japonesa reseñada hoy. En el, nos narraba la historia de un matrimonio madrileño que coincidía con una desigual pareja de Barcelona en un complejo hotelero de la isla de Menorca. Pues bien, más de veinticinco años después ha sido el cineasta hongkonés Wayne Wang (Blue in the face), el que lo ha adaptado libremente consiguiendo hacer una obra de arte con elementos que el mismísimo Akira Kurosawa hubiera firmado.

Cinco días y cinco texturas diferentes, soportan el orden cronológico sobre el que descansa una narrativa limpia, lúcida y absolutamente perturbadora. La mirada masculina sobre la belleza de la mujer en su lado más sutil, pero también más retorcido, es de lo que nos habla Wang en un discurso sugerente, irreal por momentos, pero de una capacidad insólita para conectar con un lenguaje cinematográfico de un nivel superior a lo que habitualmente vemos en las pantallas mundiales.

Cinta de un metraje perfecto con 100 minutos que son más que suficientes para mostrarnos los extraños comportamientos del ser humano cuando se deja llevar por los instintos más primarios pero a la vez más sinceros. Todo pasa en la historia por la adoración idealizada, obsesiva y a veces disonante de un hombre egoísta al que no le importa su muy pronunciada diferencia de edad -más de 30 años- con su pareja, que no es más que una niña de poco más de 18 años que en principio se siente bien siendo objeto de adoración, hasta que se da cuenta de la toxicidad de esta relación.

La cinta nos habla de un vouyerismo limpio pero insano. Y es que el matrimonio compuesto por Kenji y Aya son los primeros que ejercen esta labor de mirones sobre la extraña pareja. Primero es la mujer del escritor la que fija su objetivo y después es Kenji el que se obsesiona de tal manera que incluso llega a entrar en la intimidad de la habitación de los desconocidos. La situación empieza a descontrolarse y cada personaje se enfrenta a sus vectores más ocultos con unas consecuencias imprevisibles para todos ellos pero sobre toda la joven. La historia evoluciona desde una situación inicial cotidiana de unas simples vacaciones, hasta convertirse en una narración de suspense con algunos tintes de buen cine negro.


El reparto está compuesto por los ya mencionados Hidetoshi Nishijima y Sayuri Oyamada con unas actuaciones convincentes y metódicas que van dando su personal forma a un matrimonio deshilachado, con el cual el director quiere mostrarnos su mirada sobre el porqué a veces (¿o siempre?) en el amor uno de los miembros quiere e idealiza más al otro, mientras la otra parte se limita a poseer y a dejarse querer. Por otra parte, está el hombre maduro interpretado con extraña gracia por el gran Takeshi Kitano (Ghost in the sell) y la brillante Shiori Kutsuna (Unforgiven) que es la fuente del pecado en una alegoría profana a la Eva bíblica.

En resumen, Mientras ellas duermen es una preciosidad de filmación que solo cuenta en su debe con un final abierto en el que los sueños, la realidad y los deseos se funden de una manera desigual impidiendo a la cinta convertirse en una obra maestra. Pero esto sin embargo, no impide que la historia este llena de una belleza hipnótica donde se mezclan con acierto, un sutil erotismo y un mensaje que nos habla de que los acuerdos en el amor a veces son inestables e inexistentes y otras en cambio son reforzados por factores externos inesperados y sorprendentes. En definitiva, un cine independiente de alto calado, que lastimosamente para el gran público solo se exhibe en el circuito de festivales o de las pocas salas de cine independiente que quedan en las grandes ciudades. Aún así, merece la pena esperar, buscar y tener paciencia infinita para volver a enamorarse del cine una vez más.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Japón.
Dirección: Wayne Wang.
Reparto: Hidetoshi Nishijima, Sayuri Oyamada,
Takeshi Kitano, Shiori Kutsuna.
Guión: Mami Sunada, Michael Ray,
Shinno Lee (historia Javier Marías).
Fotografía: Atsuhiro Nabeshijima.
Música: Youki Yamamoto.
Duración: 103 minutos.
Estreno Japón: 27/02/16.
Estreno España: 16/06/17.
Festivales: Sitges y Berlín.

miércoles, 14 de junio de 2017

El sueño de Gabrielle (Mal de pierres)


La historia: Gabrielle (Marion Cotillard), es una joven con las hormonas en plena ebullición y que además está afectada por una desestabilización emocional, que le está causando problemas con los hombres de la población en la que vive y por consiguiente con su familia. Cuando la situación empieza a ser insostenible en opinión de su madre, esta le propone un matrimonio de conveniencia para estabilizar su situación emocional o bien ingresarla en un centro psiquiátrico para que deje de ocasionar problemas. Ante la dramática situación propuesta por su madre, Gabrielle acepta casarse sin estar enamorada, pero advirtiendo a su futuro esposo que no piensa mantener relaciones sexuales con él en ningún momento de su convivencia.


La crítica: El sueño de Gabrielle es una preciosista cinta francesa que tiene como principal problema un halo de artificialidad impostada, que hace muy difícil integrarse en la historia sin pensar que estamos viendo una película en todo momento. Podríamos decir que solo se sostiene en pie por una actuación muy importante de Marión Cotillard y que sin ella, el largometraje se caería de un soplido como un castillo de naipes. De hecho, es un souflé galo que aún desinflándose, deja momentos de una belleza indudable pero que se siente como una lastimosa oportunidad perdida.

La cinta está basada en la novela del año 2008, 'Mal de piedras' de la autora italiana Milena Agus que se saldó con un moderado éxito en el país transalpino. El título hace referencia a la enfermedad renal que padece Gabrielle y que le impide engendrar descendencia. En el lenguaje coloquial, a esta enfermedad de cálculos renales se la conoce como piedras en el riñón. Por cierto, no se que puede pasar por la cabeza de un autor, para titular una novela con el horrendo título de Mal de piedras -en francés Mal de pierres- cuando además no es la clave de la historia ni de cerca. Por una vez y sin que sirva de precedente, comprendo a los traductores en España. Evidentemente, si traducen este título literalmente por 'Piedras en el riñón' no hubiera ido al cine ni el dueño de la sala. Sin embargo, cómo cambia la cosa si la cinta es titulada de una forma tan bella como 'El sueño de Gabrielle'; la verdad no hay color. Y dicho esto y para contradecirme marcianamente, este título es una estafa porque no se corresponde con la realidad ni de la autora italiana, ni con la de la cineasta francésa Nicole Garcia que quiso respetar la opción del título que libremente eligió Milena Agus por mala que esta fuera en mi opinión.

Volviendo a la película en sí, la historia está desarrollada temporalmente a finales de la segunda guerra mundial y geográficamente situada en la espectacular campiña francesa. En este contexto, es donde nos encontramos a Gabrielle con una sexualidad desbordada y en la búsqueda a su vez de un amor romántico al que no consigue ponerle cara. Tras contraer matrimonio, ciertamente se estabiliza pero no es feliz. El marido además es un hombre sombrío, callado y que no le aporta calidez. En un momento de la trama, Gabrielle se da cuenta que su marido está frecuentando a prostitutas y pagando 200 francos por cada encuentro. Desesperada por las infidelidades -en principio consentidas- le propone la extravagante formula a su marido, de que le pague a ella los 200 francos en vez de a las prostitutas y llegan a un acuerdo para sostener la economía familiar. Aunque Gabrielle está empezando a sentir algo por su marido, esta manera tóxica de relacionarse está empezando a desestabilizarla de nuevo.

A partir de ahí, sufre un aborto por sus cálculos renales y decide, o deciden por ella, ingresarla en un balneario para curar su enfermedad. Es allí, en soledad, donde conoce a un atractivo soldado herido y cuando se enamora realmente por primera vez. Es entoces, cuando arranca el verdadero conflicto sentimental narrativo de la película del que no haré spoiler y cuando conocemos la verdadera historia de Gabrielle......

Y la pregunta es, ¿cómo es posible que con una buena historia, una excelente ambientación y una actriz en su mejor momento, la película se aproxime a ser un naufragio triste y desolador?

Pues así es el cine y hay un buen puñado de razones para argumentar el porqué este sueño de Gabrielle se convierte en solo un sueño de lo que pudo haber sido y nunca fue. Uno de los errores es el parsimonioso, lento y desesperante desarrollo que convierten sus 126 minutos de metraje en algo que parecen ser 226 minutos inacabables y profundamente extensos. Otro de los problemas surge cuando la identidad de la cinta se aproxima más a la factura técnica de un telefilme o directamente se entronca con la manera de narrar de las telenovelas más simples. Por último y entre otros problemas, cabe destacar la mala utilización del recurso narrativo de los sueños o de la locura, para contar historias que nunca sucedieron en la realidad.


Aún con todo lo expuesto anteriormente, es una brillantísima y seductora Marion Cotillard (Aliados), la que sostiene toda la película y la salva por los pelos del naufragio total. Su actuación es sutil, contenida, suave y con una excelente vocalización de su lengua madre, que hace imprescindible el visionado de la película en versión original francesa, ya que cualquier otra opción es una pérdida de tiempo y de dinero. La acompaña en el reparto Àlex Brendemühl (Truman) en un papel tan frío y seco como su personaje, lo cual no se ciertamente si es bueno o todo lo contrario. El que no deja dudas es el actor galo Louis Garrel (The Dreamers), en el convincente papel del soldado herido del que se enamora Gabrielle en su estancia en el balneario. Cabe destacar la fuerte química que se establece en pantalla entre Cotillard y Garrel, con alguna escena subida de tono en las que ambos saben explotar su magnetismo físico.

En la parte técnica de la cinta, sobresale además de su buena música y fotografía, un privilegiado diseño de vestuario, que hacen que Marion Cotillard este perfectamente "mal" vestida o bien vestida desde la primera, hasta la última toma de la cinta. El vestuario diseñado para los campesinos o el personal del balneario es también de una elección inmejorable.

Por toda esta parte técnica reseñada, la gran actuación de la actriz francesa y la buena premisa de salida de la historia, es una verdadera lástima que la película se convierta en un sucedáneo de cine, que se aproxima más al cartón-piedra que a una producción profesional y con una narrativa medianamente aceptable. Por lo tanto, El sueño de Gabrielle es una profunda decepción, si hablamos de pureza en el cine, aunque tiene tantos aspectos positivos que extrañamente la convierten en una bonita mala película.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Francia.
Dirección: Nicole Garcia.
Reparto: Marion Cotillard, Louis Garrel,
Àlex Brendemühl, Victoire Du Bois.
Guión: Jacques Fieschi, Nicole Garcia.
Música: Daniel Perbenton.
Fotografía: Christophe Beaucarne.
Duración: 126 minutos.
Estreno Francia: 19/10/16.
Estreno España: 9/6/17.


viernes, 9 de junio de 2017

¡Qué maravilloso es el cine! Los santos inocentes


Mientras, Azarías arriba, mascaba salivilla y reía bobamente al cielo, a la nada, milana bonita, milana bonita, repetía mecánicamente. -Miguel Delibes, Los santos inocentes.

Brutal, seco, sorprendente y descorazonador drama rural que convulsionó la historia de la cinematografía española en el año 1984. A finales del mes de mayo de ese mismo año, saltaba la noticia en todos los medios de comunicación de España, en la que se comunicaba que Alfredo Landa y Francisco Rabal habían obtenido exequo el galardón a la mejor interpretación masculina en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Su trabajo en Los santos inocentes interpretando a Paco el bajo y Azarías se imponía a actores de la talla de Marcello Mastroianni, Michael York o Anthony Hopkins. Cuando Paco Rabal subió a recoger su parte del premio, inmortalizó entre susurros su mítica frase por la que es recordada la película, "milana bonita, milana bonita".


El escritor español Miguel Delibes firmó en el año 1981 una de sus mejores novelas, siendo adaptada al cine, tres años después por el cineasta Mario Camus que probablemente realizó la mejor película de toda su carrera. Se habla continuamente de que las adaptaciones cinematográficas de las novelas a la gran pantalla dejan bastante que desear, pues bien, en este caso, la película es tan grande, que quizás esté por encima de la propia obra literaria en un hecho pocas veces visto en el cine.

Los santos inocentes es un retrato descarnado de la España negra de los años 60, en el que algunos comportamientos se asemejan más al medievo que a una situación vivida en pleno siglo XX. La historia nos cuenta la vida de un matrimonio de campesinos y sus hijos, que​ trabajan en un cortijo de Extremadura a la orden de unos latinfundistas de la época. Estos últimos tratan a sus trabajadores como si fueran animales, con el objetivo de despersonalizarlos y utilizando el miedo como arma de control de los mismos.

Realmente la película es un tratado o una tesis doctoral sobre la lucha de clases o más bien sobre la diferencia de clases, pues lucha no hay ninguna. Básicamente, es un retrato sobre el abuso de poder y la capacidad del ser humano para ser ser humillado sin protestar e incluso con cierto agrado por algunos de sus personajes. La relación sadomasoquista establecida por algunos habitantes de la finca en los roles esclavo/señor, dan un juego tanto literario como cinematográfico de primer nivel. Esto es lo que convierte a mi parecer, tanto a la novela como a la película en dos obras magistrales que aunan una expresividad y un dialogo narrativo para conseguir la excelencia en ambas miradas.

Pero la mejor manera para conocer la película o parte de ella, es a través de sus personajes y las implicaciones que cada uno de ellos llevan en los arquetipos sociales de la época. De hecho, la cinta está presentada por capítulos y cada uno de ellos llevan el nombre de un personaje de la trama. Vayamos con ello entonces.


Paco, el bajo.

Es el personaje principal de la novela y de la película. Representa la humillacion sin limites en el género humano. Es capaz de arrastrarse como un perro para buscar las presas cazadas por Iván, el señorito que viene a cazar a la finca. Padre y esposo fiel, su vida consiste en sacar adelante la parte del cortijo que tiene encomendada como guardés de la finca. Su relación con el señorito, es de máxima fidelidad hacia él, desde que este era un crío y ya destacaba en la caza de aves. Realmente podríamos hablar de una relación de miedo, admiración y a la vez puro masoquismo. La culminación de este personaje nos llega, cuando tras romperse la rótula y estar escayolado, el señorito Iván le pide que aún en ese estado, le acompañe a cazar y le obliga a recoger las presas con la escayola incluida. Paco el bajo, acepta debatiéndose entre el miedo y la sumisión, y naturalmente su lesión empeora y queda cojo para el resto de sus días. Alfredo Landa, realizó en mi opinión el mejor trabajo de su carrera, en una nueva etapa donde dejó atrás el tan denostado "landismo" por la crítica.


Azarías.

Segundo personaje principal de la historia. Es el hermano de la mujer de Paco y es acogido por la familia tras ser despedido de otra finca colindante por sus comportamientos escatológicos. Afectado por un retraso mental, personifica la inocencia y a la vez la venganza en el comportamiento humano. Amante incondicional de las aves, se dedica en sus ratos libres a criar pequeñas aves, entre las que destaca una pequeña milana con la que establece una relación de afecto padre hija. En la parte final y sin desvelar nada por si alguien no ha visto la producción, se produce el clímax de la cinta que nos habla de duelo y venganza. Sólo quiero comentar, que visioné esta película por primera vez cuando tenía 8 años y fue la primera vez que escuché estallar una sala de cine en aplausos cuando Azarías lleva a cabo un siniestro plan. Francisco Rabal, probablemente, también realizó su mejor trabajo en el cine con este entrañable papel que le catapultó a la fama en España.


El señorito Iván.

Representa la élite social en el peor sentido de este término. Uno de los personajes que mejor ha representado el egoísmo en la historia del cine español. Suele pasar temporadas en la finca para cazar y de paso para encontrarse en escapadas amorosas con la mujer de uno de sus "amigos" en el latifundio. Cruel, aprovechado, insensible, ególatra y un sinfín más de adjetivos que definen una personalidad al borde de la psicopatía. Juan Diego, es el encargado de ponerse en la piel del señorito Iván, en una actuación absolutamente sobresaliente. Desde entonces, sigo todas sus películas.


La Régula.

Es la esposa de Paco el bajo y la hermana de Azarías. Tan entregada a la servidumbre y a la humillación como su marido. Sus frases lo dicen todo: "A mandar" u "Oir, ver y callar", toda una filosofía de vida por llamarlo de alguna manera. Su mayor deseo es que sus hijos tengan unos estudios para que no tengan que servir más en el cortijo. La interpretación de Terele Pavez, genial y contenida. Aún la vemos en la gran pantalla, con grandes interpretaciones como en la última pelicula de Álex de la Iglesia (El bar).



Gráfico de Ramón López Moreno

Nieves, Quirce y la niña chica.

Son los hijos de Paco el bajo y de Régula. Nieves desea estudiar, pero pronto la reclaman para que sirva en la casa de los administradores del cortijo. Quirce es un joven muy reservado y que sustituye a su padre en la ayuda del señorito Ivan, cuando la pierna de su progenitor no da más de si. Y la niña chica es la hija menor de la familia y esta paralizada por una extraña enfermedad. Sus gritos son desgarradores en pantalla. El resto de personajes destacados serian la marquesa, su hija y el administrador de la finca y su mujer, interpretados con gran verosimilitud por Agustín González y Ágata Lys que tienen una relación de amor odio o más bien de odio/odio.


En conclusión, Los santos inocentes es un descarnado, cruel y hábil retrato sobre las relaciones que se establecen en un latifundio rural, que podría considerarse un pequeño tratado sociológico sobre estas relaciones de trabajo, donde el rango social prevalece sobre cualquier otro aspecto humano. De hecho la historia es una denuncia contra el anti-humanismo y un grito por la igualdad de las clases sociales. Pero por encima de cualquier mensaje, lo más importante para el cine en este caso, es la grandísima película que dejó para la historia de la cinematografía española y universal, el cineasta cántabro Mario Camus.

A continuación, un fragmento de Los Santos Inocentes, España, 1984.



lunes, 5 de junio de 2017

Como la espuma


¿Qué es lo peor que puede pasar si retomamos nuestra historia de amor después de diez años?

_Caos, lágrimas, destrucción.....

_¿Y qué pasa por eso? Nosotros somos adictos al drama, no tenemos miedo a nada.

-Fragmento de 'Como la espuma'.

La historia: Milo (Carlo D'Ursi) se ha quedado postrado en una silla de ruedas tras un accidente y su mejor amigo Gus (Nacho San José), decide montarle una espectacular fiesta de cumpleaños, en el chalet con piscina donde reside. Tras mensajear a una amiga con la leyenda: "after, piscina y orgía" y después de una serie de confusiones, los aproximadamente 50 invitados se lo toman al pie de la letra, convirtiendo la fiesta en una orgía sexual y actuando en consecuencia. Tras unos primeros compases iniciales de sexo desenfrenado por toda la casa, los reencuentros casuales de algunas personas hacen que los sentimientos empiecen a florecer, dejando el sexo en un segundo plano y dando paso a los conflictos sentimentales y al nacimiento de nuevos amores.


La crítica: El cineasta español Roberto Pérez Toledo consigue un nuevo milagro al levantar su cuarta película independiente, en una cinematografía como la española perseguida impúnemente por un gobierno que castiga con un desproporcionado IVA cultural del 21%, -no ya a los profesionales-, sino a los espectadores que pasan por taquilla y que no son responsables de la polarización de algunos sectores del cine español. El famoso 'No a la guerra' de Iraq de los actores en 2003, es el responsable de está venganza rencorosa, larga e injustificable, que seguimos padeciendo los espectadores españoles aunque vayamos a ver una película americana.

'Como la espuma' es una comedia que está inteligéntemente presentada por capítulos, pero sin perder la continuidad. Sus nombres son totalmente gráficos y por orden serían los siguientes: Lo suficiente para romper el hielo, Besos y Orgías, Incontrolable, Adictos al drama, El cañón y La hora de los desesperados. En cada uno de ellos, vamos conociendo a unos personajes, que guardan un denominador común y es que acuden a la orgía para romper su soledad y con el sexo como excusa para encontrar el amor.

La película nace con el problema de que en la primera media hora es demasiado teatral. El cineasta opta por dejarla cruda y sin música en este primer segmento, por ello, puede costar trabajo meterse en la trama inicialmente. Pero todo cambia a partir del minuto 30 en una gran conversación de una una joven pareja que se conoce y con la aparición por fin de la música de fondo que no siempre es necesaria, pero que en una comedia se siente imprescindible. Es en ese momento, cuando Jorge y Elisa hablan del significado de un beso, de un beso de amor. Y es que con un beso no se puede engañar, los besos son de verdad y las orgías no. De hecho, en las orgías sus componentes no se besan, solo follan.

En 'Como la espuma' lo más sorprendente son las cargas de profundidad de sus personajes y la soledad infinita que sienten. Matrimonios a punto de romperse, descubrimientos de homosexualidades reprimidas, gigolos con fondo de ositos de peluches y en definitiva, una cinta en que los diálogos se van imponiendo al sexo como en la vida misma. Y es que después de la primera atracción sexual que es imprescindible para que una pareja conecte, habrá que hablar de algo, al menos entre polvo y polvo.....digo yo.


El reparto es muy extenso al tratarse de una comedia coral. Como mínimo, podríamos hablar de hasta 15 personajes más o menos principales, por lo que solo destacaré lo mejor del reparto, aunque en general todos cumplen con les que les pide el director. El argumento está desarrollado sobre Gus que es el organizador de la fiesta interpretado con gracia y acierto por Nacho San José (Legionario). La canaria Sara Sálamo (Tres 60) aparece tan atractiva como siempre, en un papel fantástico con golpes llenos de gracia. 

Y quizás junto a San José y Sálamo, lo mejor de la película sea el matrimonio que se presenta en la orgía con el afán de arreglar sus problemas y que está compuesto por los actores Pepe Ocio y María Cotiello que están para comérselos, realmente brillantes. En las siguientes fotografías les pondremos "cara".


Sara Sálamo

Pepe Ocio

María Cotiello

En conclusión, 'Como la espuma' es una propuesta que empieza como una pequeña broma y poco a poco y siempre in crescendo, consigue hablarnos de una manera eficaz del difícil comportamiento humano. Es más, el mensaje final que nos presenta, es dulce pero a la vez tremendamente duro. Personalmente me transmitió los recuerdos del primer amor o incluso del amor verdadero, que algunas personas piensan que solo sucede una vez en la vida. Quizás el resto de nuestras vidas, solo tratemos de intentar que alguien nos haga sentir igual que la primera persona de la que nos enamoramos.

Nota: 7.5/10.

Nacionalidad: España.
Director: Roberto Pérez Toledo.
Reparto: Nacho San José, Carlo D'Ursi,
Sara Sálamo, Pepe Ocio,  María Cotiello.
Daniel Muriel, Diego Martinez, Elisa Matilla
Sergio Torrico, Javier Ballesteros.
Fotografía: José Martín Rosete.
Música: Alejandro Ventura.
Duración: 93 minutos.
Estreno España: 2/01/17.

jueves, 1 de junio de 2017

Richard, la cigüeña (Richard the Stork/Una cigüeña en apuros/Überflieger)


La historia: Richard es un gorrión huérfano que ha sido adoptado por una familia de cigüeñas. El simpático polluelo se ha olvidado que es de otra especie y ahora está convencido que es una cigueña como sus padres adoptivos y su hermano. El problema surge cuando llega el invierno y la manada tiene que iniciar el proceso migratorio desde el centro de Europa hasta el continente africano. Es entonces, cuando Richard quiere demostrar a todos que a pesar de su minúsculo tamaño, él no es un gorrión sino una cigüeña dispuesta a volar hasta África para demostrar su valía.


La crítica: Toby Genkel y Reza Memari codirigen esta armoniosa coproducción centro-europea en la que están involucrados Luxemburgo, Austria, Alemania y Noruega demostrando una máxima colaboración para coordinarse y trabajar en equipo. Y es curioso, pues podría tomarse como una analogía del trabajo en grupo que realizan las cigüeñas cuando se trata de las migraciones anuales que las caracterizan.

Pero además de trabajo, de lo que se trata a la hora de afrontar un proyecto cinematográfico es que se obtenga un producto que sea artísticamente reconocible. Y desde luego, en la parte técnica de animación, la película es de una belleza más que notable. Ya se puede dar por acabada la era en que Disney y posteriormente Pixar guardaban el monopolio del lucimiento digital en pantalla. Hoy en día las técnicas animadas mediante ordenador están al alcance de cualquier estudio o productora relativamente pequeña.

En la parte puramente artística, nos encontramos ante una película de animación clásica en la que los buenos sentimientos preponderan, aunque abusando en cierta manera de buscar la lágrima por encima de encontrar algo más de profundidad en la historia narrada. Por otra parte, los niños disfrutarán a lo grande con los toques de humor y las aventuras de Richard, en una cinta muy infantilizada que por otra parte es de lo que se trata en esta ocasión.

Richard la cigüeña, es una clara road movie en un bellísimo viaje animado que nos pasea por Francia, nos lleva hasta San Remo en Italia, cruzamos el estrecho hasta Tanger para finalizar en la parte más cálida de África pero omitiré cuantos y quienes de los personajes consiguen la soñada odisea anual. El mensaje claro de la historia nos habla casi en exclusiva de superación personal y de vínculos familiares y lo hace a través de los personajes que son los que siguen a continuación.


Richard

Nuestro protagonista principal y maestro de ceremonias es la ingenuidad en primera persona. Se conocen casos verídicos de animales que fueron adoptados por otros de distintas especies, aunque evidente la película no busca dar visos de realidad a lo que presenciamos con este gorrión empeñado en ser una cigüeña. La lucha de Richard es simplemente obtener el reconocimiento de su familia adoptiva y ser querido como un miembro más. En una segunda lectura podríamos hablar de la aceptación del distinto y de superación personal ante las adversidades vitales. Este jovial gorrión es inocente, un poco tontuelo, pero con la ternura como principal característica.

Olga, la buho pigmeo

Olga es el personaje con más matices de la propuesta. Ella representa la soledad y de hecho tiene que recurrir a Oleg que es un amigo imaginario con el que habla recurrentemente. Cuando encuentra a Richard perdido en el bosque, decide ayudarlo y emprender con el el viaje hasta África en busca de su familia. Esta buho es simpática, comilona, locuela y necesita ayuda para superar sus traumas. En el viaje junto a al gorrión encontrará su liberación.

Kiki, el periquito cantante

Este pajarraco es un oportunista que se une al viaje tras escaparse de un local- karaoke donde le tenían encerrado para diversión del público más morboso. Es egoísta, pretencioso y va evolucionando durante el viaje, aprendiendo que en la comprensión hacia los demás esta la mayor virtud. Deja algunos puntos de humor con cierta acidez.


En conclusión, Richard la cigüeña es una propuesta ágil, directa y entretenida pero que no dejará una huella duradera en las películas de animación. Más bien, se trata de un espectáculo destinado al público infantil para que pasen una agradable tarde de cine. Lo mejor sin duda, es una espectacular banda sonora compuesta por Èric Neveux e interpretada magistralmente por la Orquesta Filarmónica de Bruselas.

Nota: 7/10.

Otras reseñas de animación en Cine y críticas marcianas que te puede interesar, en los siguientes enlaces: 

La vida de Calabacín

Ballerina

Inside Out

Nacionalidad: Luxemburgo,
Austria, Noruega, Alemania.
Dirección: Toby Genkel y Reza Memari.
Guión: Reza Memari.
Música: Èric Neveux.
Duración: 85 minutos.
Estreno Alemania: 11/05/17.
Estreno España: 12/05/17.
Estreno México: 12/05/17.






domingo, 28 de mayo de 2017

Me casé con un boludo


Boludo: Persona que hace o dice tonterías, se comporta como un estúpido o no es responsable. -Voz proveniente de la zona geográfica del Río de la Plata, Argentina.

La historia: Fabián (Adrían Suar), es un engreído e insoportable actor que no obstante es una reconocida estrella en Argentina. Durante el rodaje de una película, conoce a Florencia (Valeria Bertucelli), que es una actriz que está empezando en el mundo de la interpretación. Tras un breve romance, contraen matrimonio y al poco tiempo la esposa, se da cuenta que se ha casado con un auténtico e insuperable boludo de categoría especial. ¿Habrá vuelta atrás o seguirán adelante a pesar de todo?


La crítica: En primer lugar, hay que reconocer el ingenio del cineasta argentino Juan Taratuto (Un novio para mi mujer), por elegir un título para su película que además de resultar gracioso y llamativo, ya nos está otorgando una valiosa información de lo que vamos a ver en esta justita pero salvable comedia argentina. Y ahora bien, estoy casi seguro que el 90 por ciento de las mujeres que están casadas han pensado en algún momento lo siguiente: "estoy casada con un auténtico boludo", el otro 10 por ciento además le añadirían la voz argentina "pelotudo". Bromas aparte (o no), lo cierto es que la premisa de salida predispone al espectador a pasar un rato entretenido, sin más aspiraciones cinematográficas que sacar a las endorfinas de paseo cinéfilo.

Y lo cierto, es que la comedia es el género cinematográfico probablemente más complicado, pues la linea entre lo sublime y lo ridículo es muy delgada. Los dramas, solo por el hecho de serlos, ya dan la sensación que son propuestas más serias, cuando en realidad es un género mucho más fácil de realizar para los guionistas y directores. Pero el poder de hacer reír, sonreír o simplemente hacer pasar un rato divertido al espectador, sin faltar al buen gusto, está en manos de muy pocos. No es precisamente 'Me casé con un boludo', una comedia que alcance cotas altas de grandeza, pero a su manera, consigue algunos momentos de brillantez con un humor de cierta calidad.

La cinta es una sátira hacia el ego desmedido de algunas personas triunfadoras, centrándose en este caso, en hacer una parodia de las estrellas de cine y su corte de aduladores. El principio de la película, también nos habla del cine dentro del cine y de las particularidades de un rodaje que se convierte en una lucha de personalismos entre guionistas, directores y los mismos actores.

Pero el verdadero clímax de la cinta se alcanza, cuando Florencia se da cuenta de que no se ha enamorado de la persona, sino del actor y del personaje mediático que representa. Cuando conoce al verdadero Fabián, se da cuenta que es una persona fuera del mundo real y absorbido por una fama que lo está llevando fuera de la realidad. Así que ella misma define a su marido como un boludo y lo que es más grave aún como un "pelotudo irrecuperable" o sea un idiota de récord mundial. Resulta enternecedor en cambio una respuesta del marido cuando reflexiona sobre su actitud y le dice a su mujer "recuerda que los boludos también nos enamoramos y yo lo sigo estando de ti". ¿Qué decisión tomará Florencia al oír tan enternecedoras palabras?


El reparto es cosa claramente de dos, por una parte Adrián Suar (El hijo de la novia), en un papel interpretando correctamente al boludo y su circunstancia y por otro lado, nos encontramos a una inconmensurable Valeria Bertucelli (Luna de Avellaneda), que es una de las mejores actrices argentinas con una vis cómica muy especial.

En la parte técnica habría que destacar una hermosa y luminosa fotografía de la mano de Julián Azpeteguía y una muy buena utilización hasta por tres veces de la épica canción de Camilo Sexto "Morir de amor". El diseño de producción también está muy cuidado especialmente en los interiores.

En conclusión, Me casé con un boludo es una apta comedia que nos habla con acierto de los egos infinitos e incontrolados de los actores que no saben digerir su fama con naturalidad, si es que esto es posible ante tal cúmulo de halagos. En su debe, cabría poner alguna pega pues encontramos un cierto tono artificial en el desarrollo de la acción. Pero a pesar de algunos errores, la cinta nos otorga un cierto entretenimiento inteligente, que nos hace salir de la sala de cine con una buena dosis de optimismo y con las endorfinas en un buen punto de ebullición.

Nota: 7/10.

Dirección: Juan Taratuto.
Reparto: Adrián Suar, Valeria Bertucelli,
Gerardo Romano, Norman Briski.
Guión: Pablo Solarz.
Música: Dario Eskenazi.
Fotografía: Julián Azpeteguía.
Duración: 110 minutos.
Estreno Argentina y Uruguay: 17/03/16.
Estreno España: 26/05/17.

jueves, 25 de mayo de 2017

Entrevista a Laura Herrero Garvín, directora de El Remolino


El Remolino es la película documental ganadora del Festival Internacional de Cine DocumentaMadrid 2017 en Competición Nacional. En Cine y críticas marcianas la cinta quedó reseñada antes de conocerse este importante galardón. Personalmente tuve la oportunidad de conocer a Laura Herrero en la sede del Festival, le comenté lo de mi reseña y le solicité una entrevista que amablemente me concedió unos días después de acabar el acontecimiento celebrado en Madrid. Antes de dar paso a las preguntas, os dejo un enlace a la crítica de El Remolino que tantísimo gustó por los valores que representaba el film y así nos situaremos también en contexto. El Remolino (The swirl)

Foto Miguel Pina

En primer lugar, enhorabuena por tu película y por la forma que tienes de expresarte cinematográficamente hablando. ¿Cómo recibiste la noticia de que habías ganado el Festival Internacional de Cine DocumentaMadrid y que supone para ti y tu película este prestigioso galardón?

La verdad es que ha llegado en el momento perfecto. Veníamos de hacer una ruta por festivales muy importantes como el de Locarno en Suiza, Morelia o el Ambulante en México y habíamos tenido menciones especiales, pero nunca habíamos tenido un primer premio. Para mí personalmente como directora es muy importante porque yo además soy de Toledo y era el festival que más cerca estaba de mi casa y fue super bonito personalmente.

¿A qué puede ayudar entonces el premio?

Puede ayudar a que la película tenga un nuevo impulso para "volar" por festivales y quizás sea una oportunidad para su distribución comercial e incluso para ser adquirida por las televisiones. Además, ha tenido un gran recibimiento en España en general y estoy muy contenta por ello. En todo caso, es una película para ver en pantalla grande por su buena fotografía y en Tijuana (México), han podido ya disfrutar de ella en una sala de cine.

Volviendo a la génesis del proyecto de la película, ¿cómo surge el proyecto de rodar El Remolino?

El Remolino surge cuando estaba rodando otro documental que hice con mi colectivo La sandia digital. Estábamos en Chiapas navegando por el río Usumacinta (que es el más caudaloso de México), y pregunté por la comunidad más afectada por las inundaciones. Fue entonces cuando me llevaron a El Remolino, que es una pequeña población escondida y la sorpresa fue que cuando escucharon nuestra sonora barca, salieron como 20 personas y entre ellas estaban Esther, Pedro y Don Edelio que es el padre de ambos y dialogamos durante horas y horas, quedando muy conectada con el lugar y sus gentes.

Suelo comentar cuando voy al cine y una película me marca, que es esta la que me ha elegido a mí y no yo a ella. ¿Tuviste alguna sensación parecida cuando llegaste a El Remolino?

Completamente, de hecho las películas más autorales que he rodado (cortos y largos), han venido a mi de alguna forma. Entonces creo que es muy importante que la película venga a ti y te elija a ti.

¿Cuanto tiempo has empleado para completar el rodaje de la película?

Pues casi cuatro años de mi vida. Desde agosto de 2012 que empezamos con el proyecto, hasta que estrenamos en abril de 2016. Lo cierto es que fueron en distintos periodos de tiempo e hicimos hasta 11 fases de rodaje distintas. El periodo mayor durante estos casi cuatro años, fue 25 días seguidos en los que conviví con la familia.

Me gustaría saber cual fue el presupuesto económico que tuvo El Remolino para salir adelante.

Fueron 1.800.000 pesos mexicanos que al cambio actual serían unos 85.000 euros o 95.000 dólares estadounidenses. Los fondos fueron aportados por el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), y ganamos también algún premio al desarrollo y el resto fueron recursos propios del equipo.

Aunque es una inversión bastante pequeña si la comparamos con el presupuesto de otras películas, ¿cómo se consigue rentabilizar el proyecto?

De momento de las proyecciones en algunos cines. La película también se ha distribuido a algunas universidades e instituciones y después de los premios de los festivales. Ahora estamos pendientes de que sea distribuida comercialmente e intentar cubrir al menos los gastos ocasionados.

Laura en Chiapas

El documental relata las fuertes lluvias anuales de la región de Chiapas, las posteriores inundaciones y como afectan a los oriundos del lugar, ¿qué mensaje quieres transmitir con tu película en el aspecto puramente meteorológico y lo más importante en el lado humano de las personas que habitan el lugar?

Yo creo que hay que corresponsabilizarnos de los cambios que está sufriendo la naturaleza y que el cambio climático y la deforestación son los elementos clave para que esta comunidad sufra estas inundaciones. En el lado humano, me parece importante que estos habitantes que están tan conectados con la naturaleza, se consideran así mismos corresponsables, cosa que muchos de nosotros no lo hacemos e incluso ellos -y eso me llamó mucho la atención- lo ven como un ciclo más de la naturaleza e incluso sacan el lado positivo, pues para sus pequeños cultivos, toda esta agua al secarse produce unas zonas de siembras mucho más ricas. Digamos que su vida es un ciclo de lluvias, siembra y cosecha y lo asumen con naturalidad. El ser humano es un ser adaptable y lo mismo que somos capaces de adaptarnos al caos de las grandes ciudades, otros en México en este caso, se adaptan al agua o en el norte del país a las duras sequías. Por otro lado y por poner un ejemplo, en el norte de Europa las personas se adaptan a fríos extremos, lo que en definitiva demuestra el amor por la tierra pero sobre todo la adaptabilidad del ser humano a cualquier circunstancia.

Pedro es un campesino transexual que lucha por ocupar su lugar en el mundo y que va dejando durante la película auténticas sentencias literarias, ¿cómo es Pedro fuera de la grabación, es realmente tan cercano como parece?

Es exactamente igual que lo vemos en pantalla. Hay algo que me gusta de Pedro y es que él no se define sexualmente. Por ejemplo, lo de transexual es algo que utilizamos desde fuera para intentar etiquetarlo de alguna manera. Pero es transparente absolutamente. Quizás con Esther si hubo algún momento más provocado e incluso jugamos a crear momentos, pero con Pedro fue tal cual lo veis.

Y Esther, ¿cómo es ella como persona? ¿Te hiciste amiga de ella?

Ella es una persona muy sabia y super reflexiva. Necesita sus momentos de soledad y esto le da pie a reflexionar mucho. Y respecto a la amistad, yo si considero que Esther y yo somos amigas. La pena es que El Remolino está en una zona muy remota y los desplazamientos hasta allí son muy costosos. Pero seguimos en comunicación y hablamos por WhatsApp o me escribe cuando tiene algún problemilla e intento ayudarla. Siempre hemos tenido una relación muy cercana.

Hablando de tu carrera como cineasta, eres Ingeniera de Telecomunicaciones doctorada en España, pero ¿cuando decidiste que te ibas a dedicar al cine por completo y que te llevó a desarrollar tu carrera en México?

Cuando acabe la carrera universitaria la tiré al mar de alguna forma -risas-, de hecho no se ni donde tengo el título. Poco después me marché a San Francisco (California) y ahí empecé a estudiar cine documental. Tras ese primer paso, fui a México donde ya había estado antes y pude hacer una carrera intensiva para formarme como documentalista. Y bueno a partir de ahí me integré en el colectivo La Sandía Digital que es un laboratorio de cultura audiovisual y hacemos cine documental, radio y proyectos participativos de máximo interés público. Después ya he tomado mi carrera en el documental con mi opera prima en solitario como ha sido El Remolino y sigo adelante con el proyecto de La Sandia Digital.

Y ahora Laura, cuando termine la carrera de El Remolino, ¿cuál será tu próximo proyecto en el mundo del cine?

Pues es un documental titulado 'La Mami' y estamos en la fase del proyecto de recaudación de fondos, ya tenemos el proyecto bastante desarrollado y estamos buscando que sea una coproducción entre México, Francia y España aunque el rodaje se producirá en México D.F

¿De que va a tratar La Mami?

La Mami está ambientada en un cabaret llamado Barbazul que viene funcionando desde la década de los 50 del siglo pasado. Allí están las ficheras que son unas mujeres que alquilan su cuerpo para bailar. En la parte de arriba están los baños y allí está Doña Olga que lleva en el cabaret 40 años y ha trabajado como mesera, bailarina y ahora como ya esta viejita se encarga de cuidar los baños. Ella es La Mami y es la confesora y testigo de lo que pasa en la planta alta del cabaret. Es una mirada femenina y feminista a lo que vive la mujer de la noche.

Foto Miguel Pina

Laura, con tu permiso te voy a hacer un pequeño y divertido cuestionario personal de preguntas cortas para conocer algunos de tus gustos.

¿Cuál es tu película documental preferida?

Te diré varias y cronológicamente hablando según me han emocionado últimamente:

Hace 6 meses: 'El futuro perfecto' de Nele Wohlatz.
Hace 4 meses: 'La bocca del lupo' de Pietro Marcello.
Hace 2 meses: 'Santiago' de Joao Moreira.
Y actualmente: 'Strangers in paradise' de Guido Hendrikx.

Cada una de ellas son muy diferentes, pero con demasiadas cosas buenas a su alrededor. 

¿Y tu película preferida que no sea un documental?

Del año pasado, 'Oscuro animal' de Felipe Guerrero. 

¿Te gustaría hacer una película que no fuera un documental?

Mira...si me lo piden mucho......mmmm, no creo, a mi lo que me gusta mucho es el cine documental, de momento no entra en mis planes.

¿Cuál es tu director o directora de cine preferido?

La austriaca Agnès Varda.

¿Tu actor favorito?

No soy mucho de actores favoritos, si de sus personajes, en todo caso me quedo con Pedro de El Remolino.

¿Y tu actriz preferida?

Esther de El Remolino (risas).

Tu libro preferido.

Actualmente uno que me ha movido bastante, es 'Una habitación propia' de Virginia Woolf.

Tu plato preferido de comida de México y otro de España.

De México los chilaquiles y de España el pulpo a la gallega. 

Una ciudad para vivir.

Barcelona o San Francisco.

Una ciudad por conocer.

Buenos Aires.

Una ilusión por cumplir.

Hacer todas las películas que quiero hacer.

Muchísimas gracias Laura por tu amabilidad y por compartir tu talento, ¿quieres comentar algo más para cerrar la entrevista? 

Pues agradecer a todas las personas que se han interesado por mi película, ya que me ha hecho mucha ilusión como autora y añadir que en la pagina de Facebook de El Remolino vamos a estar informando de toda la actualidad y noticias que se produzcan sobre el documental.

Para las distribuidoras que deseen contactar con Laura Herrero, además de la pagina de Facebook mencionada anteriormente, su web es www.lauraherrerogarvin.com y la página del documental es http://elremolinodoc.com/

Esta entrevista se compartirá y adaptará para ser publicada próximamente también en Noroeste de Madrid.





domingo, 21 de mayo de 2017

Déjame salir (Get out)


La historia: Tras cinco meses de noviazgo, Rose (Allison Williams) decide invitar a su novio Chris (Daniel Kaluya) a casa de sus padres para dar por formalizada de esta manera la relación (¡horror!...). Cuando llegan a la mansión familiar en mitad de un frondoso bosque, todos tratan de poner su mejor cara en el típico baile de mascaras de está situación tan embarazosa para todos. Pronto Chris se empieza a sentir fuera de lugar, pues él al ser negro y su novia blanca, tiene una sensación de rechazo más por intuición que por la realidad. Lo que no sospecha, es que lejos de ser rechazado, la familia tiene unas enormes ganas de no dejarle salir de allí en una insólita y siniestra situación que empeorará cada minuto restante del fin de semana.


La crítica: "Aterradora", "Inquietante", "Cruel y mordaz", "Perturbadora".........un momento, ¡paren las máquinas! Estas palabras suelen estar recogidas de opiniones de críticos de cine cuando al finalizar un pase para la prensa, las distribuidoras piden "amablemente" la opinión de estos monstruos de la opinión cinéfila. Es entonces, cuando algunos de ellos se ponen líricos, para que sus palabras con mención incluida vayan al póster promocional. ¿No sabían este aspecto de la crítica cinematográfica? Pues bueno, ahí lo dejo. Por cierto, 'Déjame salir" ni es perturbadora, ni mordaz, ni mucho menos aterradora, o al menos a mi no me lo pareció, cosa que tampoco significa demasiado.

Lo que si me pareció excelente en la película es la presentación de la misma, encadenando tres maravillosas canciones a la vez que la pareja de tortolitos nos está siendo presentada. Al menos en eso, hay que reconocerle al debutante cineasta Jordan Peele su buen gusto en la manera de filmar y en la buena utilización de los recursos puestos a su disposición por Universal Pictures.

La cinta, nos recuerda de salida a la magistral 'Adivina quién viene esta noche' (Guess who's coming to dinner) del maestro Stanley Kramer y al choque cultural (y racista), que suponía recibir a un hombre negro en una familia blanca y como novio de la niña de la casa. Aunque esto solo es un amago y la cinta presenta su propia personalidad con una buena y prometedora premisa de salida, que lastimosamente se va nublando sobre todo en el absurdo último tercio de la cinta.

Y la verdad, no conviene hablar demasiado de lo que sucede durante el fin de semana en casa de los padres de lo novia, pues sería reventar la película y creo que a pesar de sus errores merece una oportunidad de ser visionada. Solo añadiré del argumento, que la cosa consiste en ponerle las cosas muy complicadas a Chris, en una familia de auténticos desequilibrados mentales.


El reparto está encabezado por el actor británico Daniel Kaluuya (Sicario, serie Black Mirror), en un papel que le viene como anillo al dedo a su fuerte expresividad y transmisión en pantalla. En la parte femenina, nos encontramos con la enigmática actriz y graduada por Yale, Allison Williams (serie Girls), que da una buena réplica a Kaluuya, en un papel que la hace evolucionar desde una chica aparentemente dulce hasta una mujer, esta si, realmente perturbadora. En el resto del reparto, solo destacaría a Catherine Keener (Capote), que hace de la madre de la novia, interpretando a una psiquiatra que trata de hipnotizar al novio de sus hija.

La parte técnica de la película es muy destacable y esto ayuda a subir la nota de la misma. Nos encontramos con una gran fotografía nocturna (y diurna) dirigida con maestría por Toby Oliver. La música y sobre todo el diseño de producción dejan unas sensaciones muy positivas. En el debe, habría que destacar negativamente, la publicidad subliminal (y descarada) que hace la empresa fotográfica Canon durante la proyección y que supongo será uno de los patrocinadores de la película, pero que queda horroroso en pantalla. No pueden convertir el cine en un producto para introducir publicidad directa, pues ya es suficiente con la indirecta habitual.

En conclusión, 'Déjame salir' se presenta en forma de thriller psicológico, siendo un claro reflejo de la plaga que asola el cine en la actualidad y que viene marcada por unas premisas muy interesantes de salida, unos desarrollos del guión medianamente aceptables y unas cagadas finales impropias de un cine supuestamente profesional. En todo caso, es una propuesta medianamente aceptable de cine palomitero dispuesto a arrasar en las taquillas del fin de semana.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección y guión: Jordan Peele.
Reparto: Daniel Kaluuya,
Allison Williams,  Catherine Keener.
Música: Michael Abels.
Fotografía: Toby Oliver.
Duración: 103 minutos.
Estreno EE UU: 22/02/17.
Estreno España: 19/05/17.
Estreno México: 25/05/2017.

jueves, 18 de mayo de 2017

Bajo el sol (Zvizdan)


Las guerras seguirán mientras el color de la piel sea más importante que el de los ojos. -Bob Marley.

La historia: La película nos cuenta tres historias de amor en los años 1991, 2001, y 2011 respectivamente, con el conflicto de la antigua Yugoslavia como telón de fondo. En los tres "capítulos", la mujer siempre es serbia y el hombre es croata. Por lo tanto, todo el conflicto narrativo parte y nos lleva a transitar por las relaciones interpersonarles de amor y odio, entre supuestos enemigos de una guerra que cambió sus vidas.


La crítica: El prestigioso director croata Dalibor Matanic (The Lika Cinema), nos transporta en un viaje sentimental estremecedor, aunque un tanto irregular, hasta el año 1991 en una zona rural de Croacia, en los preámbulos de una guerra que asoló la región de los Balcanes. Después, mediante saltos en el tiempo siempre hacia delante y conservando el mismo marco geográfico, nos relata tres historias de amor distintas, pero marcadas por el enfrentamiento político de sus personajes. Bajo mi punto de vista, nos encontramos ante una nueva "vuelta de tuerca" del mito de los Capuletos y los Montescos (salvando las distancias), que retrató William Shakespeare en una de las obras cumbres de la literatura universal como fue Romeo y Julieta. En todo caso, lo que trata de hacer Matanic, es reflejar los horrores de la guerra y lo consigue hacer sin relatar ni una sola batalla bélica y centrándose en las personas que habitaban el lugar antes, durante y después del conflicto. Una película extraña, seca, pero con altas dosis de emocionalidad que se dividen en los tres siguientes capítulos.

Jelena y Iván, 1991.

La pérdida de la inocencia es la idea fundamental de la primera historia. Y es aquí donde nos encontramos la parte más brillante de la película. Con una poética presentación, mediante un solo de trompeta interpretado por Iván frente a un bucólico escenario fluvial, también conocemos a Jelena que es la novia del joven croata. Ella es serbia y los dos tienen planeado huir de la zona antes de que el conflicto estalle y sus familias los separen definitivamente. Realmente esta historia es la génesis de la cinta y refleja a la perfección como de distinta puede ser la guerra en las zonas rurales en contraposición a su desarrollo en las grandes ciudades. Una guerra que se hace pueblo por pueblo, y casa por casa, reflejándose en la historia con unas imágenes liricamente estremecedoras de como quedaron muchísimas viviendas en ruinas. Mientras tanto Iván y Jelena luchan por salvar su relación en medio de odios larvados y enfrentamientos familiares, que harán de su historia una metáfora de amor y odio.

Natasha y Ante, 2001. 

La reconstrucción física y moral después de un conflicto armado es la idea fundamental de la segunda historia. Aquí el cineasta baja el tono con respecto a la primera parte, pero deja aspectos bastante interesantes. Nos habla de la vuelta al hogar de una joven serbia llamada Nathasa en compañía de su madre. Para reconstruir la casa familiar contratan a Ante, que es un joven croata que no salió de la zona durante el conflicto. Rápidamente, los jóvenes se ven atraídos sexualmente pero también repelidos por el odio tribal que llevan acumulado durante mucho tiempo. La constante tensión sexual se resuelve con una fuerte y embriagante escena erótica de alto voltaje, que la pacata sociedad actual parece que no admite en las películas que vemos habitualmente. A partir de ahí, veremos si la historia de Ante y Nathasa tiene futuro, o por el contrario el rencor se hace vencedor.

Marija y Luka, 2011.

La vuelta a la "normalidad", tras la guerra es la idea fundamental de la tercera historia. Esta parte del largometraje parece impostada y de relleno siendo claramente fallida y paradójicamente dejando una escena final con mucho más cine que el resto de la película. La narración nos trae a Luka de vuelta al pueblo que le vio nacer, tras pasar bastante tiempo en Split alejado del conflicto. Ahora es un joven de su tiempo, con viajes y fiestas infinitas hasta la madrugada. Mientras tanto, su antigua novia llamada Marija ha criado al hijo de ambos, enfrentándose al rechazo croata solo por el hecho de ser serbia y madre soltera. El perdón sobrevuela la tercera historia como leitmotiv de la misma e intentando recomponer de alguna manera la historia entre ambos.


En el reparto es donde está la mayor controversia de la película y no por falta de calidad de sus interpretes. El problema está en que el cineasta croata lleva a pantalla un experimento que se convierte en un exabrupto de difícil comprensión. Y es que utiliza a los mismos actores protagonistas para representar a los diferentes personajes de las tres historias, lo que lleva al espectador a la confusión total. Es decir, Iván, Ante y Luka son personajes independientes pero interpretados por el mismo actor, un correcto Goran Markevic. Y lo mismo pasa con Jelena, Nathasa y Marija que son interpretados con brillantez por Thiana Lazovic una actriz que es un gran descubrimiento pero que no puede evitar la confusión generada por el director.

En conclusión, 'Bajo el sol' es un lúgubre pero a la vez brillante retrato del odio larvado entre las personas que por cuestiones ideológicas y de identidad nacional se ven enfrentadas en algunos conflictos armados. Aunque la narración, en este caso se desarrolla en la antigua Yugoslavia, podría servir como ejemplo del rencor generado en las guerras que se han desarrollado en la historia de la humanidad. También es una hábil mirada en la búsqueda del amor como catarsis contra la crueldad humana. A pesar, del en mi opinión descomunal error de la mala utilización del reparto en la historia, la cinta consigue una pureza cinematográfica muy difícil de encontrar en el cine actual.

'Bajo el sol', obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival Internacional de Cannes 2016.

Nota: 7.5/10.

Nacionalidad: Croacia.
Director: Dalibor Matanic.
Reparto: Goran Markevic, Thiana Lazovic,
Nives Ivankovic, Mira Banjac.
Guión: Dalibor Matanic.
Fotografía: Marko Brdar.
Música: Alen Sinkauz, Nenad Sinkauz.
Duración: 129 minutos.
Estreno Alemania: 30/06/2016.
Estreno España: 12/05/2017.


lunes, 15 de mayo de 2017

Entrevista a Luis Ignacio González, locutor y narrador de Cantábrico para celebrar las 100.000 visitas de Cine y críticas marcianas


Es un gran orgullo para Cine y críticas marcianas abrir una nueva sección de entrevistas en el blog, con la presencia del mejor narrador de cine documental de la actualidad como es Luis Ignacio González. En la reseña de la película Cantábrico (Los dominios del oso pardo), ya hice referencia a su trabajo y poco después contacté con él, para pedirle que inaugurara una sección en la que trataré en alguna ocasión más, de invitar a algunas personas relacionadas con el mundo del cine. En una nota final, también agradeceré las 100.000 visitas recibidas en el blog marciano. Así que muchas gracias a todos y sin más, os dejo ya con la entrevista.


Felicidades por tu trabajo en Cantábrico y enhorabuena por las críticas recibidas. ¿Cómo surge tu participación en la película?

El director de la película, Joaquín Gutiérrez Acha y yo, ya habíamos trabajado juntos en otras producciones similares hace tiempo. Me propuso para locutar 'Cantábrico', y la productora Wanda Films aceptó la propuesta.

En cuanto al trabajo en sí, ¿el director está presente en tu locución o te deja cierta libertad? ¿Cómo es el proceso de grabación?

Ambas cosas. El director está presente en la locución y ente ambos vamos adaptando la voz a la historia que cuentan las imágenes. En el caso de 'Cantábrico' se hizo la locución sobre imagen con guión preestablecido.

¿Esperábais el equipo de Cantábrico el inusual éxito en las taquillas de un documental español?

El gran éxito de 'Cantábrico' es haber llamado la atención de un segmento muy amplio de público. Creo que este documental ha gustado a personas de todas las edades y probablemente triunfe fuera de nuestras fronteras dada la calidad del mismo.

¿Consideras tu narración en off de la película, como tu mejor trabajo hasta la fecha? ¿O se quiere a "todos los hijos por igual"?

Tú lo has dicho. A todos los hijos de les quiere por igual.

¿Qué otros trabajos tuyos, destacarías en el mundo del cine en general y del documental en particular?

En realidad mi trabajo a lo largo de muchos años ha estado más volcado en la locución publicitaria y en el vídeo y la voz corporativa. Cierto es que hay documentales de gran calidad. Me viene a la mente la serie 'Mundos Perdidos' que produjo Gondwana (New Atlantis). O los documentales sobre la geografía española y reservas naturales de Azor Producciones emitidos por Televisión Española. Y últimamente estoy disfrutando mucho con todas las series documentales que se están grabando y en las que también participo para la televisión autonómica extremeña sobre costumbres, paisajes y gastronomía de la región. Estos últimos magníficamente realizados por la productora Volcán. Lo más anecdótico en cine fue mi doblaje de un personaje de dibujos animados llamado Alfredo, para la edición norteamericana de la historia de los Reyes Magos, "The 3 Wise Men". Lo gracioso de esto es que tuve que hacerlo en inglés.

¿Consideras que debería haber una categoría en los Premios Goya al mejor narrador documental o al mejor actor de doblaje? ¿Existe algún galardón para reconocer vuestra labor?

En general, el sonido siempre ha sido "el pariente pobre" de una película, exceptuando eso si, la banda sonora original. Pero ya que lo preguntas, no estaría mal que existiera un galardón para la locución. Que yo sepa, existen los Premios Take, que otorgan galardones a las voces del doblaje.


¿Cuándo eres consciente de que tienes una voz con potencial para dedicarte a la locución? ¿Te lo comenta alguien o te percatas tu mismo de tu "herramienta de trabajo"?

Mi primera escuela fue la radio y después de empezar a grabar publicidad en emisoras locales, un buen día algunas agencias y productoras se interesaron por mí. A partir de ahí -te hablo del año 1985-, empecé a ser más conocido y a trabajar prácticamente con todas las agencias, productoras y estudios de sonido de España.

Me comentas que empezaste en radio, concrétamente, ¿en qué emisora distes tus primeros pasos? ¿Cuando prendió la mecha para el lanzamiento de tu carrera profesional?

Como te decía, hace más de tres décadas empecé en Radio Oeste de Madrid, una radio local, donde conocí al tristemente desaparecido Luis Figuerola-Ferreti con el que empecé a hacer algunos bocetos publicitarios. Recuerdo que mi primer trabajo en un estudió de grabación (Edit, en el madrileño Paseo de la Habana, ya desaparecido), fue un anuncio para el lanzamiento de la furgoneta Renault "Trafic". Y a partir de ahí prendió la mecha y desde ese estudio empezaron a conocerme y llamarme para otras producciones. Recuerdo también con especial cariño a Arturo Marugán, a Carlos Infante, a Santiago Lardies de LP Montaje y al equipo de Broka 80. Estos fueron los primeros trabajos. Como te puedes imaginar, desde entonces hasta hoy serían incontables las personas, las empresas y las marcas a las que siempre estaré agradecido por haber confiado en mí.

¿Cuál es tu faceta preferida, la de locutor de radio, la de actor, la de poner voz a campañas publicitarias o la de narrador de cine?

Cada faceta tiene sus propias características. Me gustan todas. Lo más importante no es la faceta sino el trabajo que se realiza en cada ocasión. No es la radio en general, sino qué radio puedas realizar. Como no es la publicidad en conjunto, sino qué tipo de publicidad hagas.

En las noches de martes a jueves tienes un programa propio en Capital Radio llamado "Déjate Inspirar. ¿Cuál es la temática del programa y que posibilidades hay de descargarlo o de escucharlo a través de Internet?

La temática de Déjate Inspirar es sencilla. Construyo historias que saco de la trastienda de la fibra sensible y cuento entre canción y canción. Generalmente selecciono baladas y oldies. Se puede descargar el podcast en Capital Radio/Déjate Inspirar.

¿Cómo te llevas con las redes sociales?

Ni bien ni mal sino todo lo contrario. Puedes encontrarme en Twitter y en Linkedin, además de en mi espacio web www.luisignaciogonzalez.com


Luis Ignacio, con tu permiso te voy a hacer un pequeño y divertido cuestionario personal de preguntas cortas para conocer algunos de tus gustos.

¿Cuál es tu película preferida?

Juegos de Guerra, del año 1983 dirigida por John Badham. Y si me lo permites otra, La Gran Comilona de Marco Ferreri.

¿Tu actor preferido?

José Bódalo.

¿Tu actriz preferida?

María Isbert.

¿Tu narrador de televisión o cine preferido de todos los tiempos?

El locutor Manolo Cano..... y otros veinte más.

¿Una ciudad para vivir, que no sea Madrid?

León.

¿Tu comida preferida?

Me encanta comer, me resulta imposible decir un solo plato.

¿Y tienes algún restaurante favorito?

También aquí me es imposible decir solo uno. Depende de mi estado de ánimo, de la época del año....

¿Tu libro preferido?

Cualquier libro de divulgación, especialmente sobre las Ciencias de la Salud.

¿Tu sala de cine preferida de las actuales o del pasado?

De la actualidad, Kinépolis. Del pasado, el Cine Astoria en el Paseo de Extamadura en Madrid. Ya no existe.

¿Una ciudad por conocer?

Buenos Aires.

¿Una ilusión por cumplir?

Acabar con el maltrato de las personas, animales y cosas.

Por último, agradecerte infinitamente tu presencia en Cine y críticas marcianas en mi nombre y en la de todos los asiduos a este espacio cinéfilo. ¿Te gustaría añadir algo para concluir la entrevista?

Si, claro. Quiero que estas palabras sean de agradecimiento por tu entrevista y de ánimo por este trabajo que gracias a las nuevas tecnologías es capaz de contactar con sensibilidades y aportar información. Cantábrico, por otra parte, es una una película emocionante y hermosa. Sigamos teniendo la capacidad de distinción suficiente como para diferenciar los trabajos de calidad de aquellos que no la tienen.


Agradecimientos finales: Además de a Luis Ignacio González, tengo que hacer un agradecimiento general para todas las personas que han llegado a visitar este blog de cine para llegar a la cifra de 100.000 visitas. Y en particular, el agradecimiento muy especial, para tres personas. Son, Alfredo García creador de Cinefilia, la colección líder de cine de las redes sociales, por su confianza en mí desde los primeros pasos de Cine y críticas marcianas, viniendo el grueso de las visitas de las divulgaciones de las reseñas que hace en su espacio de cine. En segundo lugar, a Ángela Merino, directora de Noroeste Madrid por ofrecerme su medio para colaborar en él y abrirme las puertas del mundo del cine con pases de prensa, entrevistas y demás aspectos de las relaciones con la industria. Por último, también a mi querida amiga María del Socorro Duarte del estupendo blog literario Presentimientos, por su ayuda en los momentos duros, muy duros en lo personal y por saber estar también en los buenos momentos.

Y para acabar, os dejo con dos vídeos del protagonista de la entrevista de hoy, para que podáis comprobar su profesionalidad y su majestuoso dominio del lenguaje en la narración documental. ¡Muchas gracias!



Gráficos de María del Socorro Duarte y Macarena Sierra del magnífico blog viajero El Mundo con Ella

La entrevista se publicará próximamente también en Noroeste de Madrid, adaptándola adecuadamente para este medio.