martes, 18 de septiembre de 2018

¡Diez curiosidades de cine para la historia!


Curiosidad: Cosa o dato que causa interés, sorpresa o extrañeza. 

Imagen: Jennifer Lawrence interesada, sorprendida o extrañada ante una pregunta en la hilarante conferencia de prensa tras ganar el Oscar de la Academia en 2012.

El show Lawrence comenzó minutos antes :-)

Hablemos de cine: 

1. Se calcula que la película más vista de la historia sigue siendo 'Lo que el viento se llevó' (1939) con 202 millones de espectadores acumulados en Estados Unidos desde su estreno y en las posteriores reposiciones llevadas a cabo. La recaudación estimada y añadiendo un protocolo matemático de ajuste de la inflación, nos llevaría a la cifra de 1.872.953.700 en dólares si ajustáramos el precio de una entrada a 9.25 dólares aproximadamente. Aunque suponemos que todo esto el mítico Clark Gable lo resumiría de la siguiente manera: "Francamente, querida, me importa un bledo".



2. Viajamos en el tiempo desde 1939 hasta nuestros días y con datos cerrados del año 2017 y según el Ministerio de Cultura de España, uno de los súper fracasos de ese año en el país ibérico fue el de la producción española 'Blue Rai' que obtuvo la "escalofriante" cifra de 33 espectadores que pasaron por taquilla dejando una recaudación de 85 euros.


3. Nos quedamos por un momento en España para rememorar cual es la película con mayor número de espectadores y recaudación de todos los tiempos en el país. Se trata de la comedia de Emilio Martínez Lázaro 'Ocho apellidos vascos' del año 2014 que consiguió llegar a los  9.516.252 millones de espectadores con una recaudación total de más de 56 millones de euros. El último gran éxito del cine español es Perfectos desconocidos de Álex de la Iglesia con 21 millones de euros recaudados a la espera del cierre de los datos de Campeones de Javier Fesser.


4. Volvemos a Estados a Unidos para conocer algunos datos interesantes sobre los Premios Oscar de la Academia, centrándonos en las actrices y en sus galardones o reconocimientos. El record absoluto de estatuillas lo sigue teniendo Khatarine Hepburn con 4 Oscars, algo que ninguna actriz, ni ningún actor ha conseguido igualar. Respecto a las nominaciones obtenidas, Meryl Streep es la reina con 21 de ellas obtenidas, consiguiendo finalmente 3 Premios de la Academia. Aún tiene tiempo para intentar igualar al menos los 4 Premios de la gran Khatarine Hepburn. Respecto a la actriz más joven en recibir un Premio de la Academia lo sigue teniendo Tatum O'Neal que a sus 10 años lo obtuvo por su interpretación en 'Luna de papel' del año 1973 y dirigida por Peter Bogdanovich. Sin embargo la actriz más veterana en recibir este galardón fue Jessica Tandy que lo recibió a los 80 años por su interpretación en 'Driving Miss Daisy' de Bruce Beresford.


5. Vamos ahora con la peor película de la historia según el sitio de Internet IMBd y que cuenta con una puntuación de 1.9/10. Se trata de la producción estadounidense con el título premonitorio de Disaster Movie y que básicamente era un subproducto para el lucimiento de Carmen Electra y Kim Kardasihan. Algunas perlas dejadas por la crítica fueron las siguientes: Glen Ferris de Empire escribió: "Una terrible pérdida de tiempo, oxigeno y dinero". En cambio David Bernal de Cinemanía fue algo más amable y escribió: "No es cine, pero si más divertida (dentro de su estupidez), que las infaustas 300 o Epic Movie".


6. Pero lógicamente todo tiene su contraparte y para ello viajamos al portal de Internet FilmAffinity para encontrar la película con mayor valoración de la historia. En está ocasión, El padrino del año 1972 de Francis Ford Coppola es calificada con una nota media de 9/10 siendo considerado por muchos una de las mejores películas de la historia del cine. Y quizás lo más curioso es que la segunda parte de El Padrino rompe el tópico de que segundas partes nunca fueron buenas. De hecho para bastantes espectadores y críticos, la continuación estuvo al mismo nivel de su predecesora e incluso para algunos sectores fue superior. Eso sí, parece haber consenso en que la tercera parte está por debajo de las dos primeras aunque también es una filmación de una indudable calidad.


7. Uno de los mayores fracasos de la historia del cine (y con razón), lo "logró" la película del año 2013 de Universal Pictures: Ronin 47, La leyenda del samurái, del cineasta Carl Erik Rinsch y con Keanu Reeves de protagonista. El presupuesto de la producción fue de 175 millones de dólares a los que hay que sumar una "propinilla" de 50 millones en publicidad y marketing. Es decir, coste total: 225 millones de dólares. Si la recaudación en total fue de 150 millones y hacemos cuentas, fácilmente llegamos a la conclusión que la película obtuvo unas pérdidas de 75 millones de dólares. Algunas fuentes elevan estas pérdidas y Universal Pictures ni confirma, ni desmiente; casi mejor....


8. Demos un salto hasta la producción más exitosa en la historia del cine en relación al presupuesto inicial y los ingresos obtenidos. Se trata de 'El Proyecto de la Bruja de Blair' de 1999 dirigida y escrita por Eduardo Sánchez y Daniel Myrick al estilo de "metraje encontrado" que con un presupuesto de 22.500 dólares, y que logró la asombrosa cifra de 248 millones de dólares de recaudación. La película además fue rodada en solo 8 días y obtuvo alguna mención importante de la crítica. De hecho la Asociación de Críticos de Chicago la colocó en su día en el puesto número doce entre las 100 mejores películas de terror de la historia.


9. En el cine siempre hubo besos tanto en los patios de butacas de las salas de todo el mundo como en las propias pantallas de los propios recintos. Pero, ¿cuál fue el primer beso rodado y exhibido en la gran pantalla? Pues tenemos que viajar hasta el año 1898 y situarnos en el cortometraje titulado The Kiss rodado en New Jersey bajo las ordenes del inventor y empresario Thomas Edison. En el mismo, el actor John C. Rice y la actriz May Irwin se besaban durante 18 segundos inaugurando esta "displicina" de los morreos en el cine y que naturalmente escandalizó a la puritana sociedad de la época. Después el cine "evolucionó" y llegaron producciones como 'Supersalidos' o 'El fontanero, su mujer y otras cosas del meter' que ya solo escandalizaban por lo necio de sus títulos.


10. Para acabar este decálogo de curiosidades y cifras en el mundo del cine y por si alguna vez os habéis preguntado el desglose de donde va a parar el dinero invertido en una entrada de cine, voy a tratar de explicarlo brevemente en porcentajes de mayor a menor. El 30 por ciento de la entrada va para la sala de cine en cuestión y de ahí debe salir el sueldo de los empleados y los gastos en las propias infraestructuras del local como pueden ser los proyectores o la renovación de las butacas. El 20 por ciento va para los publicistas y la mercadotecnia de la película. El 17 por ciento va para la productora de la película. Otro 15 por ciento también es para la sala de cine y sería para cubrir los gastos fijos de explotación (luz, agua, calefacción, etc, etc). El 10 por ciento va para la distribuidora de la producción. Y por último, el 8 por ciento es para los actores protagonistas de las películas en un extra para su caché.

Naturalmente de aquí y esto vale para cualquier gobierno de turno del mundo, un porcentaje impositivo va para ellos. Por ejemplo en España, la carga impositiva llegó a ser de un 21 por ciento de IVA en un atraco a mano armada aprobado por mayoría absoluta en una especie de venganza infantil que se arrastraba desde el famoso 'No a la guerra de Irak' de una parte muy importante de los actores españoles. Al cierre de esta publicación, el IVA ha sido rebajado por el nuevo gobierno a un 10 por ciento que sigue siendo una cifra considerablemente alta y muy perjudicial para el espectador y para la propia cinematografía española. 

Otro día hablaremos de las palomitas....


Bueno por el momento lo dejamos aquí, aunque la historia de las curiosidades y cifras en el mundo del cine pueden dar para futuras entradas marcianas con datos más que sorprendentes. ¡Eso es todo amigos! 

 Nos vemos en la próxima crítica marciana de un esperado estreno.


viernes, 14 de septiembre de 2018

Carmen y Lola: La película del escándalo


La intolerancia puede ser definida aproximadamente como la indignación de los hombres que no tienen opiniones. -Gilbert Keith Chesterton.

La historia: Lola es una joven gitana que reside en una humilde barriada periférica de Madrid junto a sus padres y a su hermano pequeño. Ella está a punto de cumplir los 17 años y su orientación sexual comienza a decantarse por las personas de su mismo sexo. Es entonces, cuando conoce a otra joven gitana llamada Carmen de su misma edad, que está prometida y a punto de casarse con su novio. Pero antes de llevarse a cabo el enlace matrimonial de está ultima, surge una fuerte amistad entre las dos chicas en lo que será la semilla de un romance que revolucionará la vida de sus familias, y hará que la situación comience a ser insostenible. ¿Triunfará el amor?


La crítica: Tras su luminoso paso por la emblemática Quincena de Realizadores del Festival Internacional de Cine de Cannes, la estupenda ópera prima de la cineasta Arantxa Echevarría se ha convertido en la película del escándalo en parte de la comunidad gitana en España, llegando a ser acusada de mostrar una imagen esteriotipada de la misma, en un artículo realizado por la Asociación de Gitanas Feministas por la Diversidad en la que afirmaban haber sido vetadas por la directora.

De hecho, llegó a suspenderse el pase de la cinta en La Muestra de Cine y Mujeres de Pamplona con una fuerte polémica entre la directora y parte de este colectivo en cuanto a dicha estereotipación racial. Pero aparte de polémicas estériles que sin duda se ven amplificadas por el rechazo homófobo de otros sectores hacia el amor lésbico, lo que encontramos en Carmen y Lola es un tipo de cine independiente y con coraje, que hace algo tan sencillo como narrar una buena historia. Además, está guionizada a través de un excelente libreto redactado por la propia directora del film que llega ahora a los cines españoles con una expectación siempre bienvenida.

La cinta hay que analizarla desde dos prismas distintos, y a la vez complementarios. Por un lado habría que fijar la mirada en el retrato que Echevarría nos trata de trasladar como mensaje de fondo y por otro lado, tendríamos que fijarnos en el virtuosismo técnico en el manejo de la cámara que es absolutamente poético.

La historia en sí misma afronta el tema de la homosexualidad y la búsqueda de la orientación sexual en el despertar de la vida, como ya lo hicieron en este año 2018 las estupendas Call Me by Your Name y Disobedience. Pero en este caso se sube la apuesta a máximos, y además de introducir el lesbianismo que aún causa estupor en los sectores ultra-conservadores, hay que sumar el tabú que este tema produce en la comunidad gitana según nos hace ver la cineasta. Todo en la historia y desde una perspectiva valiente, gira en como dicha comunidad se debate entre no querer dejar morir lo viejo para dar paso a lo nuevo en forma de libertades individuales.

Pero en mi opinión y fuera de debates estériles y obsoletos, lo mejor de la película pasa por una sinfonía en el manejo de la cámara que nos regala unos encuadres con una composición de escenas que se asemejan a lienzos en movimiento. Sencillamente y sin adjetivarla más en este aspecto, podemos hablar de una obra de arte que conseguirá emocionar a todo aquel que esté interesado en el arte visual y en la forma pictórica de componer una obra cinematográfica. Todo ello además, supone un fuerte contraste, pues el lenguaje utilizado por los personajes tiende a la vulgarización del mismo, por lo que habrá que saber distinguir entre la locución puesta en boca de los personajes y el propio prisma óptico desde el que se enfoca a dichos personajes. De hecho, la mezcla de ternura con los exabruptos presenciados en pantalla, conllevan rasgos de parte del cine del Buñuel más polémico. También podemos encontrar semejanzas con el cine de Berlanga e incluso visualmente aspectos que el mismísimo Fellini hubiera firmado en una especie de nuevo y afortunado neorrelismo mágico español. Con ello, Arantxa Echevarría, deja el listón muy alto para su siguiente proyecto que va a ser mirado y examinado con lupa.

Ejemplar y emocionante composición artística

Respecto al reparto de la película está compuesto por actores y actrices no profesionales que lejos de menoscabar la producción, otorgan una mayor fuerza narrativa a pesar de contar con alguna carencia técnica propias de esta circunstancia. Básicamente hay que citar en el reparto a las dos protagonistas del romance que son Rosy Rodriguez y Zaira Morales que ofrecen una actuación compacta, fresca y con una sensualidad desbordante acorde a la sexualidad que requieren los papeles encomendados. Pero no quisiera olvidarme del papel del padre de la joven Lola, interpretado por un debutante Moreno Borja que está absolutamente impresionante y en estado de gracia. Atención a este actor porque si no está nominado a mejor actor revelación del año en los próximos Premios Goya es para que cierren la Academía por unos cuantos años. De hecho, este trabajo le ha valido al actor malagueño para que Paco León le haya otorgado un papel en la serie 'Arde Madrid' que se estrenará próximamente en la plataforma Movistar Plus.

Moreno Borja en su escena cumbre

La dirección artística de la película actúa como sujeto narrativo en la historia con localizaciones exteriores en la ya deteriorada UVA de Hortaleza, el horripilante edificio de viviendas conocido como "La carcel" en Moratalaz o sobrevolando con vistas cenitales la carretera de circunvalación M-30 de Madrid, sumergiéndonos con ello, en zonas muy deprimidas con un recurso muy almodovariano para acercar el contexto social mediante imágenes que hablan por sí mismas. Una vez más, los espacios en el cine son utilizados como medio para expresar en este caso la desolación de los personajes representados. Respecto a la fotografía dirigida por Pilar Sánchez Díaz es un festival de luminosidad con una densidad cromática espectacular. Con ello, sitúa en mi opinión, al cine digital muy por delante ya del celuloide tradicional, que debería quedar para las películas de época o para las cintas que sitúen la acción en el siglo pasado. También a destacar en la producción, el festival de planos cinematográficos con una composición geométrica de bellísima factura. En especial, quisiera hacer hincapié en algunos planos picados y dorsales que harán las delicias de los más cinéfilos siendo un gran ejemplo para las escuelas de cine.

Arantxa Echevarría componiendo un plano/lienzo de museo

Reacapitulando ya, la cinta trata de reflejar como el amor y el deseo sexual actúan como movimientos rupturistas en sociedades cerradas y patriarcales como la reflejada en la historia. Me gustaría recordar antes de concluir la crítica, una secuencia en la que una de las protagonistas dice textualmente que las gitanas por no tener, no tienen ni sueños, en una frase lapidaria y demoledora ante la situación por la que que está transitando en un camino sin retorno.

Carmen y Lola es en definitiva, una filmación poética en su mirada visual y profunda en sus texturas narrativas, haciendo del cine un vehículo perfecto para transmitir emociones a través de los afectos universales.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: España.
Dirección y guión: Arancha Echevarría.
Reparto: Rosy Rodriguez, Zaira Morales,
Moreno Borja, Carolina Yuste.
Fotografía: Pilar Sánchez Díaz.
Música: Nino Aranda.
Duración: 103 minutos.
Estreno España: 7 de septiembre de 2018.


martes, 11 de septiembre de 2018

Un océano entre nosotros (The Mercy): Navegando entre mentiras


A veces es necesario ir muy lejos, fuera del camino, con el fin de volver a la distancia correcta. -Edward Albee.

La historia: Basada en la vida del inventor y navegante Donald Crowhurst (Colin Firth), nos trasladamos a la Inglaterra del año 1968 en la que reside junto a su esposa Clare (Rachel Weisz) y sus tres pequeños hijos. Es entonces, cuando su apacible vida se ve interrumpida por problemas económicos en su pequeña empresa tecnológica y por la rutina que le lleva a emprender el mayor reto de su vida. Este desafió consiste en circunnavegar el planeta en solitario, sin paradas y en un velero en una competición extrema organizada por el periódico londinense Sunday Times llamada Golden Globe Race. Dicha competención conllevaba un premio de 5000 libras, además de pasar a la historia como el primer hombre en conseguirlo. ¿Consiguió ganar la carrera? ¿Enloqueció tras más de seis meses en alta mar? ¿Pudo hacer trampas?


La crítica: Desde el Reino Unido y rodada a medio camino entre los exteriores marítimos de la isla de Malta y el pueblo pesquero inglés de Teignmouth, llega a la cartelera la nueva producción de James Marsh que alcanzó la fama con el biopic del científico Sthephen Hawking titulado 'La teoría del todo'. En esta ocasión, el cineasta apuesta por recuperar otra historia basada en hechos reales perdiendo pulso con respecto al trabajo antes citado y quedándose a medio camino entre la ficción y una especie de cine documental sin pertenecer a este género que es donde en mi opinión la historia hubiera cobrado más sentido. De hecho, en el año 2006 los documentalistas británicos Louise Osmond y Jerry Rotwhell recogieron ya la historia de Donald Crowhurst en su Deep Water que ganó el Festival Internacional de Roma en su categoría correspondiente. No obstante, la cinta reseñada hoy está trabajada con esmero y seriedad lo que le otorga al menos el respeto de quien escribe estas lineas. Otra cosa es que la narración pueda divertir más o menos, que será menos que más, pero al menos y a través del gancho de los actores protagonistas se va a dar a conocer una parte muy importante de la historia de la navegación a vela.  

Pero para comprender la historia y ya que en el largometraje está mal explicado el reto propuesto, vamos a prestar un servicio público y a través de un mapa ver cual era el punto de partida, la ruta a recorrer y el punto de regreso. 


El punto de salida era en Inglaterra como reflejan las lineas rojas y en dirección sur recorriendo la costa africana para posteriormente virar por el océano Indico en dirección al sur de Australia y seguir navegando posteriormente por el Pacífico sur hasta rodear el cabo de Hornos y bordeando la costa de América del Sur en dirección norte, y atravesar el Atlántico para regresar al puerto de salida en el Reino Unido. Es decir, circunnavegar o dar la vuelta al mundo y poder demostrarlo sin mentiras. 

Volviendo a la parte artística, la producción habría que enmarcarla en el cine donde el mar actúa como sujeto narrativo para contarnos historias de náufragos, supervivientes en soledad, o claustrofobia y desorientación en las embarcaciones. Podríamos encontrar referencias de 'Aguirre, la cólera de Dios', de Herzog, 'Náufragos' de Hitchcock, 'Cuchillo en el agua' de Polanski' o la exitosa 'Naufrago' de Zemeckis en la que Tom Hanks pasó a la historia por hablar con una pelota. En definitiva, la historia lo que trata de reflejar es como la soledad en medio del océano durante meses y sin contacto social, puede generar fuertes problemas psicológicos en el comportamiento humano. Por otra parte, cabe resaltar y volvemos a la información de servicio público para quien aún no haya visionado la cinta, que tanto el póster, como la alucinante traducción del título en España (de The Mercy/ La piedad, a Un océano entre nosotros??) sugieren una preciosista historia de amor, cuando esta es un complemento a la historia y nunca el todo (si leen la crítica desde Hispanoamérica la película fue traducida allí por 'Un viaje extraordinario', nada que ver tampoco con la realidad pero al menos más acertado dentro del caos traductor mundial). 


Colin Firth (Un hombre soltero) encabeza el reparto con una actuación correcta pero demasiado aséptica para el papel de un aventurero en el que parece no sentirse cómodo en ningún momento. Tampoco ayuda demasiado en la producción ese aire ausente y despistado que caracteriza a la actriz británica Rachel Weisz que tanta polémica generó este mismo 2018 con el beso lésbico del desapercibido, pero buen filme Disobedience. Sin embargo, lo más destacable de la película y donde más cine encontramos es en el discurso final de su personaje de sufrida esposa. En esta arenga en forma de moraleja, traza un retrato despiadado sobre el papel de los medios de comunicación y la presión de los patrocinadores que en cierta manera condujeron a Donald Crowhurst a llegar a sobrepasar unos límites con consecuencias muy graves para su equilibrio mental y físico. 

En conclusión y destacando una gran escenografía ambientada en la década de los 60 del siglo pasado, Un océano entre nosotros, deja unas sensaciones agridulces ya que por una parte documenta y ficciona relativamente bien un hecho histórico poco conocido fuera del Reino Unido y por otro lado su carácter documental mal entendido, resulta demasiado frío, desarrollando una narrativa por momentos confusa y plomiza pecando de un academicismo excesivo.  

Nota: 5/10. 

Nacionalidad: Reino Unido.
Dirección: James Marsh.
Guión: Scott Z. Burns.
Reparto: Colin Firth, Rachel Weisz,
David Thewlis, Jonatahan Bailey. 
Música: Johann Jhoannson.
Fotografía: Eric Gautier.
Duración: 102 minutos.
Estreno Reino Unido: 9/02/2018.
Estreno México: 5/04/2018. 
Estreno España: 7/09/2018. 


viernes, 7 de septiembre de 2018

Entrevista a la actriz Ester Expósito: "En Cuando los ángeles duermen, ni los buenos son tan buenos, ni los malos son tan malos"


Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas a la actriz española Ester Expósito que tan buenas sensaciones ofrece en el film Cuando los ángeles duermen que ya fue reseñado en la anterior entrada y que se estrena hoy 7 de septiembre en las salas de cine comerciales de España. Será a través de la importante distribuidora Filmax. Agradecerle su buena disposición por aceptar la entrevista, responder a todas las preguntas y posar para la sesión fotográfica.

Texto y fotos: Miguel Pina

Repasando un poco la carrera de la joven española, tenemos que viajar hasta el año 2013 que es cuando ingresa en el grupo de teatro del ÍES Fortuny de Madrid, donde ya obtuvo su primer Premio como mejor actriz de reparto. Siguiendo con el teatro, en el año 2015 participó en el Woman en Red y en el año 2016 en el Adoscelcer 2055. En ese mismo año, se produce su consagración en las tablas tras obtener el galardón de interpretación femenina de la Universidad Carlos III por la obra 'El show de Truman'.

En televisión ha trabajado en las series Vis a Vis de Antena 3 televisión, Estoy vivo de Televisión Española y en este 2018 protagoniza Elite en Netflix. Su paso por el cine le llevó primero por el camino del cortometraje y en 2014 actuó en Tengo que decirte algo, para posteriorermente en el año 2016 trabajar en Martina, ay Martina de Fátima Martín. Es ahora cuando le llega su gran oportunidad en la pantalla de cine debutando y protagonizando Cuando los ángeles duermen de Gonzalo Bendala junto a los ganadores del Goya Julián Villagrán y Márian Álvarez. Para hablarnos del film y de sus próximos proyectos, vamos ya sin más preámbulos con la entrevista deseándole mucha suerte en su carrera artística.


Hola Ester, ¿qué se van a encontrar los espectadores en el cine cuando vayan a ver Cuando los ángeles duermen?

Se van a encontrar con un thriller que además es entretenido porque te tiene todo el tiempo en tensión y te hace pasar un mal/buen rato. La película está realizada con mucha profesionalidad y cariño por todos los departamentos, que creo han hecho una buena película, dentro de un buen cine de autor. Los espectadores además, se van a marchar del cine con un dilema y con algo que pensar que siempre está muy bien. Reflexionarán sobre lo que es éticamente correcto y se podrá llegar a la conclusión de que los buenos no son tan buenos, ni los malos son tan malos. Lo más bonito de está película, es que te hará reflexionar como espectador y te llevarás un pensamiento a casa.

¿Cómo llegó el papel hasta tus manos y qué te interesó de él?

Pues me llegó la separata para el casting y me encantó el personaje ya que me sentía muy identificada por la edad del personaje y por los rasgos de rebeldía que veía en el mismo. Luego el guión y la trama me parecía brutal, así que me hacia mucha ilusión participar en la película.

El proceso de casting fue largo, tuve que pasar por tres de ellos y estaba atacada porque quería saber si me iban a seleccionar o no. Pero finalmente así fue y enseguida conecté muy bien con el director de la película. Fue todo muy ilusionante.

¿Cómo definirías a Silvia que es el personaje que te has tenido que interpretar?

Es esa adolescente que está un poco presionada por sus padres y que no tiene una relación fluida con ellos, ni una buena comunicación. Esto le lleva a ser una chica desconfiada, violenta en ocasiones y que quiere evadirse de ese mundo que tiene en casa que no le gusta nada. Para ello se refugia en su mejor amiga Gloria con la que consigue evidarse y rebelarse contra sus padres. 

Tu personaje está muy trabajado desde la parte física y podría representar en cierta manera los excesos que cometen los jóvenes en sus salidas nocturnas. ¿Consideras que Silvia toma decisiones equivocadas, o todo puede deberse a que tu personaje entra en estado de shock en la pesadilla nocturna en la que se ve involucrada?

Yo creo que ambas cosas, efectivamente toma decisiones que si hubieran sido otras todo se hubiera resuelto de manera más sencilla. Pero estas decisiones incorrectas que toman todos los personajes, en ella se producen por efectivamente estar en ese estado de shock tras haber sufrido un accidente y en el que tiene miedo de perder a su amiga, más el propio miedo de la noche y lo desconocido. Allí es donde desarrolla esa furia interior que la lleva a un estado de shock permanente y que a veces le lleva a complicar la situación mucho más de lo que podría haber sido.

En mi crítica sobre la película y de ahí el solicitarte esta entrevista, escribía lo siguiente: nos encontramos con el buen y sorprendente debut en el cine de la joven actriz Ester Expósito, que podría tener posibilidades de obtener una nominación al Goya como mejor actriz novel. ¿Qué te haría más ilusión, esa hipotética nominación o seguir haciendo cine con regularidad?

Las dos cosas desde luego, pero vamos, yo firmaba por seguir trabajando siempre en el cine. La verdad es que es un sueño y evidentemente los premios están bien y me gustaría, por qué no, estar simplemente nominada que ya sería un placer y un regalazo. Pero si tuviera que elegir una cosa, me quedo con trabajar siempre como ahora lo estoy haciendo.

¿Por qué decidiste ser actriz?

No sé en que momento dije quiero ser actriz, pero lo tenía claro desde pequeña porque era algo que me llenaba. También veía películas y recuerdo esa sensación de querer estar dentro de ellas. Luego surgió el hacer teatro hasta llegar a las cámaras y siempre ha sido algo que me ha llenado y me hace ser feliz. Además tengo la ambición de seguir aprendiendo como actriz y nunca dejar de crecer en la profesión. 

Recibiste el Premio de Interpretación Femenina del certamen de teatro de la Universidad Carlos III por la representación teatral 'El show de Truman'. ¿Es el teatro la clave para la formación de las actrices ya que no hay posibilidad de repetir las escenas como en el cine?

Creo que la formación teatral es muy importante, aunque también se puede ser actriz sin haber realizado teatro. Pero creo que es un espacio para la mejora muy importante y yo pienso que quien no haya hecho teatro debería hacerlo en cuanto le fuera posible. El teatro además como has dicho, te da una adrenalina diferente porque no se pueden repetir las escenas.

¿A qué edad te subiste por primera vez a un escenario?

En el colegio y con 6 o 7 años.

¿Cuales son tus próximos proyectos?

En el cine se va a estrenar una película en noviembre que se llama Tu Hijo, con José Coronado y Pol Monen dirigida por Miguel Ángel Vivas. Y en Netflix se va estrenar próximamente la serie Élite en la que también trabajo. También voy a empezar a grabar una serie llamada Monteperdido para Televisión Española.


TEST PERSONAL SOBRE CINE Y CURIOSIDADES

Tu película preferida de todos los tiempos.

Tesis de Alejandro Amenábar.

Tu película internacional favorita.

Seven de David Fincher.

Tu director de cine español preferido.

Alejandro Amenábar.

Tu director de cine internacional preferido.

Woody Allen.

Tu actor preferido.

Gene Hackman, y españoles Roberto Álamo y Antonio de la Torre.

Tu actriz favorita.

Meryl Streep.

La sala de cine más bonita que conozcas o que hayas conocido.

El cine Callao de Madrid.

Género literario preferido para la lectura. 

Todo lo que tenga que ver con el teatro.

Tu plato de comida preferido.

Solomillo de ternera.

Una ciudad para vivir.

Me encanta Madrid y Sevilla porque rodé allí la película.

Una ciudad por conocer.

París.

Una ilusión por cumplir.

Me encanta bucear y de hecho hago submarinismo y me encantan los tiburones, entonces quiero ir a la costa de África a ver los tiburones blancos pero a través de una jaula marina (risas), ese es un sueño que tengo desde pequeña.


Si quereís seguir a Ester Exposito en redes sociales, lo podeís hacer a través de su cuenta de Instagram ester_exposito y para futuros proyectos o contrataciones, pueden contactar con Lucia del Río Management en el que podrán ver su currículum y videobook profesional. Agradecerle de nuevo la concesión de esta entrevista que fue realizada en la librería cinematográfica de Madrid Ocho y medio.

La entrevista se ha publicado conjuntamente en el siguiente enlace del diario madrileño Noroeste Madrid con más fotografías y como noticia destacada en portada.

A continuación, os dejo con el trailer de 'Cuando los ángeles duermen'.

lunes, 3 de septiembre de 2018

Cuando los ángeles duermen: pesadilla en la carretera


Al final tuve que salir por las carreteras tapadas por los árboles y hacer lo posible por evitar las ciudades. -John Steinbeck.

La introducción: Tras la pausa veraniega del mes de agosto, Cine y críticas marcianas comienza nueva temporada y lo hace con el adelanto de la crítica de la cinta española 'Cuando los ángeles duermen' que se estrenará comercialmente el próximo 7 de septiembre. Muchas gracias a todos por la espera y sed bienvenidos de nuevo al universo cinematográfico marciano en el que volveremos a prestar especial atención al cine independiente, a las películas en habla hispana o al cine documental sin olvidarnos de recordar algunas películas clásicas o curiosidades del séptimo arte.


La historia: Tras un día de intenso trabajo Germán (Julián Villagrán) emprende un viaje nocturno por una carretera inhóspita para intentar llegar a casa antes de que acabe la fiesta de cumpleaños de su hija. Pero todo se complica en un accidente de tráfico en el que se cruza con dos jóvenes mujeres que convierten la noche en una verdadera pesadilla involuntaria para todos. ¿Llegarán todos a sus respectivos hogares familiares o se los tragará la noche para siempre?


La crítica: El título de una película debería ser siempre una declaración de intenciones de lo que vamos a presenciar en pantalla y en está ocasión lo entendemos al concluir la proyección. Pero antes de ello y a través de un diálogo madre/hija obtenemos la clave de lo que está sucediendo en esta intensa producción dirigida y escrita por el cineasta español Gonzalo Bendala. El director realiza un aseado thriller de suspense, que no obstante deja alguna duda cuando se adentra en los terrenos del nuevo cine noir español que parece haber encontrado un filón por la demanda de los nuevos espectadores.

 _¿Mamá, los ángeles duermen?

_Si, claro.

_¿Entonces quién nos protege de noche?

Mientras este diálogo se está produciendo en la tranquilidad y en el reposo de un hogar familiar, nos encontramos con el contraste de que el padre y esposo de esta familia está viviendo una noche en la que no habrá ángeles, dioses, ni demonios. O dicho de otra manera, los ángeles, dioses y demonios están representados en todos los protagonistas en una dicotomía inteligentemente narrada por el cineasta.

De alguna forma en Cuando los ángeles duermen podemos encontrar reflejos de una de las subtramas de Animales nocturnos en la que Tom Ford indagaba con fuerza en los enigmas de la noche, y en las criaturas nocturnas que habitaban la misma en forma de jóvenes descontrolados que chocaban literalmente y metafóricamente con familias estructuradas. En cualquier caso, hablamos de tramas diferenciadas y en cierta manera contrapuestas, y lejos de criticar al director español, si la citada película de Tom Ford ha servido como referencia o inspiración solo puede hablar del buen gusto del cineasta. Y es que Nocturnal animals en apenas 2 años ha ganado tanto peso que podemos hablar ya de clásico moderno del cine de suspense.

Por otro lado, cabe decir que la producción española trata de un modo simplista la eficacia constatada de las fuerzas policiales del estado, pero no sabemos si por casualidad o no y estando rodada en la provincia de Sevilla, podría ser un cierto toque de atención para hacernos ver que el impactante caso de la joven sevillana desaparecida Marta del Castillo, supera la trama que cualquier guionista pudo o pueda imaginar, tanto en la relación a los posibles errores policiales, como en ese tópico que muchas veces se cumple a rajatabla de que la realidad suele superar con hechos a la ficción. No voy a entrar mucho más a fondo en la trama, pues especialmente en las películas de suspense el primer visionado es el más importante y mi función en esta ocasión es solo sobrevolar sobre el argumento.

Julián Villagrán y Ester Expósito en el 20 Festival de Málaga

El reparto está encabezado por el ganador del Premio Goya, Julián Villagrán (Grupo 7), que carga con todo el peso de la producción desde el primer plano con una actuación muy física, bastante bien trabajada y que gustará más o menos dependiendo ya de la credibilidad que el espectador otorgue a un personaje contradictorio en un principio y bien definido en las conclusiones finales. Por otro lado, nos encontramos con el buen y sorprendente debut en el cine de la joven actriz Ester Expósito, que podría tener posibilidades de obtener una nominación al Goya como mejor actriz novel. Un personaje también muy trabajado desde la parte física y que podría ser una fiel representación de los excesos de cualquier joven de 18 años. Por último y en un personaje secundario pero narrativamente delicioso, aparece la esposa del protagonista principal que tendrá las claves de la resolución de los conflictos planteados. Este personaje es interpretado por la también ganadora del Premio Goya, Marian Álvarez, que vuelve a dejar una actuación sensacional.

Marian Álvarez      Foto: Miguel Pina

En conclusión, Cuando los ángeles duermen funciona moderadamente bien cuando se centra en tensionar al espectador a través de un suspense que siempre va de menos a más explorando las contradicciones y los demonios interiores del ser humano. En su debe, cabe matizar que los personajes suelen anticipar las (torpes o infantiles) acciones que van a realizar restando con ello eficacia y el factor sorpresa en algunos momentos de la argumentación. Pero en definitiva, todo en la película pasa por la credibilidad que el espectador pueda otorgar a lo que está presenciando en pantalla siendo esta cuestión absolutamente subjetiva, tanto en una mirada recreativa como en la visión crítica de la propuesta presentada. En cualquier caso, el cine de suspense en general y el thriller español en particular, se mantienen en buena forma y aquí volvemos a encontrar una buena prueba de ello.

Nota: 7/10.

P.D: Al cierre de esta reseña he solicitado una entrevista con la actriz debutante Ester Expósito para que nos de su punto de vista de la película, de su actuación en ella y de sus aspiraciones como actriz. Si finalmente es concedida, se publicará el próximo viernes 7 de septiembre coincidiendo con su estreno, tanto en Cine y críticas marcianas como en Noroeste Madrid. 

Nacionalidad: España.
Dirección y guión: Gonzalo Bendala.
Reparto: Julián Villagrán, Ester Expósito,
Marian Álvarez, Marisol Membrillo.
Música: Pablo Cervantes.
Fotografía: Sergi Gallardo.
Duración: 100 minutos.
Estreno España: 7 de septiembre de 2018.

jueves, 26 de julio de 2018

¡10 frases de Groucho Marx, una musiquita y nos vemos en septiembre!


Más o menos cada 6 meses la NASA o la ESA anuncian que han descubierto que bajo la superficie de Marte hubo o incluso hay agua liquida o helada. Como marciano militante lo confirmo. Además para este verano de 2018, hemos importado desde La Tierra la suficiente cantidad de tequila, cervezas y demás bebidas refrescantes para pasar un mes de agosto la mar de entretenidos. Por lo tanto, regreso por un tiempo a mi capsula marciana, desconecto de las redes sociales y vuelvo con fuerzas renovadas en septiembre para seguir divagando sobre el maravilloso mundo del cine y sus circunstancias. Antes de marchar os dejo con diez citas del gran Groucho Marx que aunque parezca mentira es de la misma especie que ese ser tan entrañable, curioso y delicado llamado Donald Trump.

Imagen de Edukame.com sobre la app Vacaciones en Marte

La televisión es muy educativa. Siempre que alguien la enciende, voy a la habitación y leo un buen libro.

Fíjate en mí. Me he esforzado para llegar de la nada a la pobreza extrema.

Debo confesar que nací a una edad muy temprana.

Estos son mis principios y si no les gustan tengo otros.

Es mejor estar callado y parecer tonto que hablar y despejar las dudas definitivamente.

Detrás de cada hombre hay una gran mujer. Detrás de ella, está su esposa. 

He pasado una noche estupenda. Pero no ha sido esta.

Recuerdo perfectamente la primera vez que disfrute de sexo. Todavía conservo el recibo. 

Mi madre adoraba a los niños. Hubiera dado cualquier cosa porque yo lo fuera.

El matrimonio es la principal causa de divorcio. 

Una noche en Casablanca (1946)

¡Muchas gracias a todos y que paséis un mes de agosto estupendo!

Os dejo ya la con la musiquita prometida y para este verano he elegido el tema "Verano con lima" de Sofia Ellar, grabado desde los cielos de Madrid en la terraza del Hotel Vinnci Capitol Gran Vía. 

Un alojamiento perfecto para quien no conozca aún la capital de España y que precisamente se halla junto al Cine Capitol que es uno de los últimos templos del Séptimo Arte que aún se conservan en la ciudad de Madrid.

¡Hasta la vuelta!

Luna llena de agosto tendida, y llega septiembre a nuestra isla....-Sofia Ellar. 

viernes, 20 de julio de 2018

¡Qué maravilloso es el cine! El vuelo


Flight, año 2012.  Nacionalidad: Estados Unidos  Director: Robert Zemeckis

Basta un instante para hacer un héroe y una vida entera para hacer un hombre de bien. -Paul Brulat.

La sección de ¡Qué maravilloso es el cine! contiene spoilers.

Un arrollador, espectacular y orgiástico comienzo del film hacen que en menos de cinco minutos podamos decir lo maravilloso que es el cine cuando se hace bien y con coraje. Y es que la presentación es puro vicio políticamente incorrecto, cuando nos introducimos con los personajes en el amanecer de una habitación de un moderno hotel. Allí vemos como tras una noche de frenesí, alcohol, sexo y drogas (todo esto lo suponemos por lo que deja ver la cámara), despiertan el comandante Whip Whitaker (Denzel Whasington) y la azafata de vuelo Katerina Marquez (Nadine Velázquez). Hasta aquí nada fuera de lo corriente; bueno supongo que para las almas más puritanas esto debe ser escandaloso, pero con un par de padres nuestros se puede superar e incluso si lo viven en persona puede hasta que les guste el rollito duro. Pero lo curioso de la situación y volviendo al filme, es que en menos de dos horas el vuelo de los tripulantes está preparado para despegar. El problema es que el comandante Whip está tan colocado que casi no puede coger ni el teléfono. ¿La solución? Un chute de cocaína para desayunar, intentar despertarse y dirigirse junto a su compañera para el aeropuerto. Personajes y trama perfectamente retratados en un opening magistral que Robert Zemeckis nunca ha logrado igualar o superar.


La historia de 'El vuelo' comienza su transición dramática cuando el avión pilotado por Whip empieza a desarrollar problemas de carácter técnico y de este modo comienza a perder altura y a caer en picado en una tragedia que parecía irremediable. Pero es precisamente en ese momento cuando el comandante reacciona, y tras una virtuosa maniobra volando invertido (avión al revés en pleno vuelo), consigue aterrizar el vuelo en campo abierto salvando decenas de vidas con ello. El problema surge cuando tras caer herido y pasar el test de drogas, da positivo. Es entonces, cuando las autoridades aeronáuticas deciden abrir una investigación criminal contra él. Todo esto sucede en una vertiginosa y emocionante media hora inicial que queda para los anales del cine en cuanto a ritmo y diversión en pantalla. Aunque luego lógicamente, la trama baja el ritmo, su director Robert Zemeckis (Forrest Gump), consigue que los 132 minutos de metraje pasen en suspiro en la sala de cine. 'El vuelo' fue en cierta manera, una mirada de reojo al alma del maestro Frank Capra en versión mayores de 18 años.


El vuelo en todo caso, paradójicamente no es un filme puramente de aviación, aunque esta esté presente en pantalla. Los aviones, el incidente y la ulterior investigación, parecen más una excusa para presentar al personaje principal que un modo de expresión cinematográfico. La cinta nos habla de un padre de familia abandonado por su esposa e hijo, que cae en el infierno del alcohol y las drogas al no poder en principio superar esta ruptura. Pero sobre todo, es una historia donde la redención está presente en su aura de expresión como forma totalizadora del mensaje a transmitir. Hay que decir en su debe, que este mensaje redentorista no cuadra con las actitudes del comandante Whip y es ahí, donde Robert Zemeckis pierde pulso y fuelle en parte final a la que falta contundencia para cerrar el circulo de una manera adecuada a lo expuesto anteriormente. En todo caso, la película es un estupendo viaje interior y también en cierta manera iniciático hacia la condición del alma humana. Este viaje metafórico del comandante Whip, es acompañado de uno real hasta la granja de sus padres que ya no están para recibirle. Hasta allí se lleva a Nicole, que es una especie de alma gemela en forma de mujer, a la que conoce en el hospital donde se cura de sus heridas físicas y morales. Esta subtrama, que es preciosista en algunos momentos, nos recuerda por la rotura de sus personajes al binomio entre Forrest Gump y su amada Jennifer, que ya sacó a relucir el cineasta en la aclamada cinta que le dio la celebridad.


Denzel Whasington (Fences) realiza un trabajo extraordinario por el que fue nominado al Oscar de la Academia y que finalmente se llevó Daniel Day Lewis por Lincoln. Pero decir, que es un trabajo extraordinario el de este poderoso actor sabe a poco, realmente borda la excelencia en cada papel que interpreta en el cine. Un actor de actores. Del resto del reparto, cabe destacar a un genial John Goddman (Calle Cloverfield 10) que hace de "camello" del piloto y a una muy interesante actriz británica llamada Kelly Reilly (True Detective), que interpreta a la chica que Whip conoce en el hospital y que representa con acierto la autodestrucción humana.

Cabe decir que el argumento de la película está construido parcialmente por dos historias reales. En primer lugar, hay que retrotraernos al año 2000, cuando un avión de la compañía Alaska Airlines sufrió una avería semejante a la que se relata en la cinta reseñada hoy. Fue entonces, cuando el piloto de aquel vuelo intentó salvar la situación volando al revés, pero finalmente no lo consiguió y el avión se derrumbó en el océano. Por otra parte, la cuestión de tomar tierra fuera de un aeródromo, se basó en el aterrizaje de emergencia que realizo el comandante canadiense Robert Piche, en el que logró salvar la vida de 306 personas. Hay que recordar también, que el maestro Clint Eastwood, abordó en el año 2016 el conocido como "milagro en el Hudson", a través de la película (Sully), que en cierta manera bebe de la narrativa que Robert Zemeckis utilizó en 'El vuelo', y que pudo servirle de inspiración.

En conclusión, El vuelo es gran retrato sobre el heroísmo y la responsabilidad final que recae en algunos profesionales a lo largo del mundo. Una cinta, que en cierta manera cuenta con un metraje invertido -como el mismo vuelo- y que comienza donde otras acaban. Pero sobre todo, lo que tratar de hacer Robert Zemeckis con la historia es lograr una semblanza sobre la redención, como en parte ya acostumbra este cineasta. A él, se le espera con urgencia para que pueda retomar el pulso inicial que tuvo y así pueda poner aún un broche de oro a su carrera artística.



P.D. Durante muchos años de mi vida, mi actividad profesional se desarrolló en la aerolínea de aviación española Iberia. Por ello quiero narrar una anécdota personal que ocupó muy pequeño espacio en las páginas de los periódicos y que en parte tiene que ver con lo sucedido en la película reseñada hoy. Vamos a ello: una noche indeterminada pero aproximadamente en la fecha de estreno de El vuelo, un compañero y yo estábamos a pie de pista del Aeropuerto de Barajas en Madrid inspeccionando una aeronave de KLM que estaba a punto para el despegue. Pues bien, en esos momentos nos sorprendió una fuerte explosión proveniente de las alturas. El motor de un avión Boeing 757 de Iberia en fase de despegue había sufrido un estallido y estaba incendiado. Fue entonces cuando el aparato comenzó a perder altura de una manera alarmante y a caer casi en picado. Realmente tanto mi compañero, como yo, veíamos ya la tragedia como irremediable. Estábamos a punto de ver como iban a perder la vida cientos de personas y el horror que sentimos creo que nunca lo olvidaremos. Pero entonces, vimos una maravillosa maniobra del comandante del aquel avión que consistió en el apagado de las llamas de manera automatizada mediante extintores activados desde cabina. Tras ello, ese motor quedó inutilizado y el avión perdió más altura aún. Pero prodigiosamente, el piloto puso máxima potencia en el otro motor y cuando la aeronave estaba aproximadamente a 300 metros del suelo consiguió levantar la nave, estabilizarla y lograr un aterrizaje de emergencia que salvó a decenas de personas de una muerte segura pues los tanques iban llenos de queroseno y el impacto hubiera sido mortal de necesidad. Es por ello, que historias como la de la película recordada hoy cobran sentido y dan al cine un plus que va más allá del puro espectáculo. Por último y como esta reseña quedará posicionada en Google en el área de cine de aviación, si por casualidades del destino la llegara a leer el comandante de aquel Boeing 757 (creo recordar era una vuelo Madrid-Lisboa), queda invitado a relatar como vivió esa experiencia y a explicar los detalles técnicos en una entrevista que sería publicada aquí y en Noroeste Madrid.



viernes, 13 de julio de 2018

El mejor verano de mi vida: hiperbólica españolada con buenas maneras


Los amores de verano tienen un lado malo: que los vuelvas a encontrar en invierno.
-Megan Fox. 

La historia: Curro (Leo Harlem) es un desastroso padre de familia en proceso de separación que intenta ganarse la vida como comercial de robots de cocina con más pena que gloria. Para motivar a su hijo Nico (Alejandro Serrano), le promete unas vacaciones de ensueño si logra sacar todas las asignaturas del colegio con sobresaliente. La sorpresa para toda la familia llega cuando el niño logra el objetivo propuesto y el padre se encuentra sin blanca para poder afrontar el viaje prometido. Pero tras intentar de un modo surrealista que la profesora del pequeño le baje las notas para no tener que cumplir su promesa y fracasar en el empeño; Curro tendrá que ingeniárselas para ofrecer a su hijo unas vacaciones inolvidables que comenzarán con "turismo rural" de andar por casa, para acabar y por golpes del destino con el mejor viaje de sus vidas.


La crítica: El verano también ha llegado a los cines y como en Semana Santa o Navidad comienzan a llegar las producciones dedicadas a este periodo tan especial del año. Desde luego es una época muy extraña para el mundo del cine donde tienen cabida todo tipo de producciones que entran en cartelera por la puerta de atrás o por la puerta grande publicitaria al menos en España, como es en el caso de la película reseñada hoy. En cualquier caso, no siempre el verano boreal se limita al cine de animación o a las socorridas comedias de situación al uso. Cabe recordar que en los últimos veranos también se produjeron grandes sorpresas como fueron Café Society de Woody Allen, Baby Driver o la argentina Todo sobre el asado.

En esta ocasión, el cineasta español Dani de la Orden (Barcelona, noche de verano), consigue al menos convertir una comedia en principio insustancial en algo que funciona con cierta gracia y con ternura, implicando a los personajes infantiles en la trama de una manera efectiva que funciona como un reloj sincronizado. Por lo tanto, es una cinta sincera, sin pretensiones y de la que no se puede realizar una crítica en profundidad pues sería equivocar los términos propuestos y que no engañan a nadie.

De temática muy local española, y quizás por eso no llegue a los cines de Hispanoamérica, la propuesta se desarrolla en formato de road-movie recorriendo diversos puntos de la geografía ibérica como son Toledo, poblaciones de Cádiz como Sotogrande y Algeciras y diversas localizaciones en pueblos del interior de España, Madrid o Tenerife. Todo ello aporta un colorido muy especial a través de una luminosa fotografía de Valentín Álvarez puesta al servicio de este juguete veraniego.

Suponiendo que nos queramos interesar en el mensaje a transmitir de la película, esta trata de hablarnos de los nuevos modelos de familia con el "virus" de las separaciones y divorcios en plena ebullición, tocando temas también sobre si el dinero es el que aporta la felicidad, los problemas de inserción laboral una vez pasados los 40 años o en la teoría del doble error que básicamente consiste en empecinarse en no rectificar errores del pasado y volver a cometerlos una y otra vez.


En el reparto, todo el peso de la producción recae en el monologuista, cómico y actor español Leo Harlem (Torrente 5) que con su verborrea y velocidad verbal en los diálogos da un recital que salvando las distancias, le entroncaría de alguna manera con los discursos trepidantes que el bueno de Mario Moreno Cantinflas nos regalaba en sus películas mexicanas. A destacar las buenas interpretaciones de los niños Alejandro Serrano y Stephanie Gil que representan con sus papeles la amistad en la infancia y la superación de los problemas propios de su edad. El resto de personajes que orbitan alrededor de los anteriores protagonistas mencionados cumplen con su papel a la perfección destacando a los televisivos Jordi Sánchez, Maggie Civantos, Toni Acosta, Berto Romero o Arturo Valls. Pero el mejor papel y atención a los créditos finales, recae en la abuela del niño interpretada por una inmensa Gracia Olayo a la que ya vimos brillar en la exitosa película musical 'La llamada'.

En conclusión, El mejor verano de mi vida, siendo cinematográficamente insustancial, consigue lo que se propone y que no es otra cosa que buscar la evasión, la sonrisa e incluso sacar alguna carcajada que tal como está el mundo es un regalo nada despreciable. En su contra, cabe destacar que es una cinta demasiado enfocada al público nacional y especialmente al espectador más televisivo. De hecho, para disfrutar de ella y para quien no conozca a Leo Harlem, tendría que ver primero sus monólogos en Youtube para hacerse una idea de la vis cómica del citado actor. En definitiva, 90 minutitos de cine que sirven como excusa perfecta para quitarse de en medio de una comida dominguera con esos seres tan entrañables y adorables que comienzan hablando de "El tiempo" a las dos de las tarde para a eso de las nueve de la noche haber arreglado ya la política nacional e incluso la internacional. Fin.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España.
Dirección: Daniel de la Orden.
Reparto: Leo Harlem, Maggie Civantos,
Alejandro Serrano, Stephanie Gil.
Guión: Daniel Castro, Marta Suárez.
Fotografía: Valentín Álvarez.
Música: Zacarias de la Riva.
Duración: 90 minutos.
Estreno España: 13 de julio de 2018.


lunes, 9 de julio de 2018

Luis y los alienígenas: tres marcianos muy salados


A veces pienso que la prueba mas fehaciente de que existe vida inteligente en el universo es que nadie ha intentado contactar con nosotros. -Will Watterson.

La historia: Luis es un niño que está a punto de cumplir 12 años y los servicios sociales amenazan con separarle de su padre viudo que es un desastroso ufólogo en busca de vida extraterrestre. Pero la suerte para el muchacho puede cambiar tras la llegada a La Tierra de tres alienígenas dispuestos a ayudarle. A cambio de ello, será el chico el que primero les eche una mano a ellos a conseguir el propósito por el que están visitando nuestro planeta y que no será nada aterrador.


La crítica: Desde Alemania y dirigida por los cineastas Wolfang y Christoph Lauenstein, ganadores del Oscar por el cortometraje de animación Balance, llega a las carteleras de cine una simpática producción sin mayores pretensiones que entretener a los más pequeños de la casa que aún no estén en la playa o en la montaña de vacaciones. Tratándose además de marcianos, esta reseña era ineludible en Cine y críticas marcianas en este comienzo de verano boreal.

La cinta parte de un narrativa clásica en el cine de animación en la que encontramos a un niño con ciertos problemas de integración escolar para girar a un mundo fantástico en los que unos alienígenas ejercen como sujeto narrativo para resolver las carencias tanto afectivas como vitales del joven protagonista. Para ello, los cineastas optan por un humor resolutivo, ágil y de fácil comprensión para los más pequeños. De hecho, el target de edades a los que va dirigida la producción lo podríamos situar entre los 3 y 12 años, aunque en ningún momento disgustará a padres o abuelos a pesar de ser una producción menor pero efectiva y sincera en sus objetivos.

A destacar en la historia es la divertida premisa de salida en la que los marcianos se interesan en La Tierra por un anuncio que consiguen captar de la clásica teletienda televisiva y de un producto milagroso que prometen en ella. A partir de esta situación, se producen algunas secuencias muy irónicas en relación a los famosos círculos de las cosechas, a marcianos que comen mucho para combatir la ansiedad o sobre ciertas élites estadounidenses y sus perfectas vidas en sus villas unifamiliares.

Vamos con el capítulo de hoy dedicado a las traducciones cinematográficas que en esta ocasión dejan un momento que era imposible que personalmente dejara pasar por alto como marciano militante.

Alemania y título original: Luis und die Aliens.

Título internacional oficial: Luis and the Aliens y alternativamente: Luis and His Friends from Outer Space.

Titulo España: Luis y los alienígenas.

Título Paraguay: Luis y sus amigos del espacio.

Y por fin llega México, país en el que el filme será estrenado en agosto, y sus ocurrencias infinitas e insuperables a través de sus maestros traductores. En esta ocasión, y sin que sirva como precedente, me encanta el título propuesto por razones obvias: Luis y los marcianos.


Aunque parece evidente que la película solo busca servir como un entretenimiento estival, intenta dejar algunos mensajes en forma de moraleja en torno a la paternidad, la amistad o sobre el bien y el mal a través de una clásica villana empeñada en llevarse al niño a un orfanato.

En los aspectos técnicos el diseño de animación está aceptablemente bien conseguido y la cinta resulta colorida sin estridencias y dejando claramente en evidencia que el cine de animación ya no está solo en manos de Disney/Pixar.


En conclusión, Luis y los alienígenas, siendo una propuesta blandita y algo tontuela, deja momentos muy reconfortantes de buen humor y alguna referencia al clásico E.T el Extraterrestre de Steven Spielberg, que siempre trae buenos recuerdos. Lo mejor de la producción cinematográficamente hablando, pasa por un buen epílogo final sobre la paternidad; otorgando con ello valor a los títulos de créditos finales que no hay que olvidar forman parte del metraje de una película. ¡Saludos marcianos!

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Alemania.
Dirección y guión: WolfangLauenstein,
Christoph Lauenstein.
Música: Martin Lignau, Ingmar Suberkrub.
Duración: 90 minutos.
Estreno Alemania: 24/05/2018.
Estreno España: 29/06/2018.
Estreno México: 17/08/2018.


martes, 3 de julio de 2018

Hereditary: desmontando el bluf del año en 10 errores impresentables


La decepción es solo la acción de tu cerebro al reajustarse a la realidad después de descubrir que las cosas no son como creías que eran. -Brad Warner.

La historia: Annie (Toni Collete) es una galerista casada y con dos hijos que acaba de perder a su madre. Esta mujer era la matriarca de toda la familia y ejercía un extraño poder sobre todos sus miembros. Al poco tiempo de su muerte, una serie de extraños sucesos paranormales comienzan a sucederse en la residencia familiar. A partir de este momento su pequeña hija Charly (Milly Shapiro), aumenta más si cabe su extravagante comportamiento al detectar presencias inexplicables e incompatibles con la normalidad de un hogar. El terror está a punto de estallar....o no.


La introducción: Aunque en principio no tenía la intención de reseñar esta película por cuestiones varias, vista la polémica generada por la misma y ante el insólito hecho de que un buen número de personas me han pedido mi insignificante opinión marciana sobre la misma, guardo la entrada que tenía preparada para otra ocasión. Solo quiero aclarar una última cosa. La mitad de las personas me comentaban que destrozara sin piedad a la película y la otra mitad la consideraban casi una obra maestra. Esto es solo un reflejo de lo que esta pasando a nivel general con los amores y odios que está levantando Hereditary entre el público. En cambio, la borreguil y adormilada crítica profesional parece estar encantada con la cinta y se siguen unos a otros sin que nadie se atreva a levantar la voz o al menos discrepar en algunos puntos cuanto menos dudosos. Sin ánimo de molestar a ningún "bando" cinéfilo vamos ya con la disección marciana de este Exorcista 2.0


La crítica: El primer error, y de muy mal gusto cinematográfico de Hereditary parte ya desde los créditos iniciales de presentación. Allí mismo y sin el menor pudor el cineasta debutante Ari Aster, inserta un cartel en forma de texto literario en el que se explica la muerte de la matriarca familiar y de donde viene o hacia donde va la historia. Si una película tiene que recurrir a explicarse con apéndices escritos y no es capaz de desarrollarse visualmente por sí misma, solo puede deberse o bien a la incapacidad manifiesta de su cineasta o bien a querer recurrir al camino más corto para lo que no se ha sabido resolver mediante las imágenes o mediante el guión articulado en las voces de los protagonistas.

El segundo error lo encontramos cuando observamos que la película está partida en dos mitades que no parecen pertenecer al mismo género cinematográfico. La primera hora de Hereditary además de insustancial es de una lentitud mal entendida, apuntando que algo va a suceder, pero sin que nada suceda. Este tostón inicial se podría haber resuelto con una sencilla elipsis narrativa de al menos 45 minutos sin que la historia se viera afectada en ningún término y consiguiendo con ello el ritmo adecuado.

El tercer error y este deviene del segundo, es que nos encontramos con una duración de 126 minutos en los que los rellenos se sienten sobrantes y solo intentan aportar un cierto aire de intelectualidad impostada.

El cuarto error parte de la excesiva preponderancia de la música que actúa como sujeto omnipresente narrativo tratando de tapar con esto, muchas de las carencias de la propia historia. Hagan la prueba y vean Hereditary sin música y comprobarán que se cae como un castillo de naipes.

El quinto error lo encontramos en un guión deslavazado y cobarde, que cuando no sabe resolver las situaciones que plantea y sus propias trampas, tira de los socorridos sueños, alucinaciones o supuestas apariciones para así justificar lo que no tiene justificación a pesar de tratarse de una película del género fantástico.

El sexto error y uno de los más importantes es prescindir de la presencia de la niña Milly Shapiro y situarla como un personaje secundario, cuando era ella y solo ella, la que podría haber convertido a Hereditary en una obra que no hubiera generado ninguna controversia. Inexplicable por lo tanto el rol otorgado a la cría y la sobreponderación que sin embargo se le presta a su hermano el fumeta.

El séptimo error deviene del sexto, ya que todo el protagonismo recae en una madre mal interpretada por Toni Collete en una actuación realmente sobreactuada y por momentos incluso desagradable.

El octavo error, y esto es una deshonra muy grande para cualquier cineasta es que en la segunda parte y cuando ya entramos en la zona de sustos y despropósitos varios, algunas situaciones provocan la comedia involuntaria haciendo reír a parte del público cuando en realidad pretendía asustarlo.

El noveno error parte de una especie de gorgoteo extraño que emite la niña cuando la dejan salir en escena y que recuerda más a un partido de tenis o de ping- pong que a algo que realmente pueda asustar o lo que es peor tener alguna credibilidad.

Y el décimo error y más importante es un final epifánico/religioso que realmente provoca vergüenza ajena resultando increíble, demencial y delirante.

Poniendo morritos para Instagram

Por otro lado, es innegable que la cinta tienen también sus virtudes y la primera de ellas es que no trata de abusar de los sustos gratuitos y busca concienzudamente encontrar un terror mucho más profundo y por momentos lo consigue. Los aspectos adicionales como dirección de arte, iluminación nocturna de su fotografía y los efectos visuales están realmente bien conseguidos. Lo mejor de estos aspectos complementarios pasan por un gran diseño de sonido y para ello se construyó el escenario de la casa en el interior de un estudio de sonido de grandes dimensiones. De hecho, y aunque el estreno está muy lejos de la temporada de premios, podría contar con algunas posibilidades de entrar en la carrera para obtener al menos alguna nominación a los Oscars como pasó con Get Out.

En conclusión, Hereditary me ha parecido una oportunidad desaprovechada sobre todo porque deja escapar a una de las niñas más terroríficas y sádicas que he visto en el cine. Además tiene una transición narrativa partida en dos mitades muy desiguales y para colmo tiene una parte final que desemboca en un mal melodrama rozando el ridículo en unas secuencias finales que desbaratan lo que poco arreglo pudiera tener ya. En definitiva, un producto del marketing y de la industria cinematográfica que han sabido vender como nadie, y que nos recuerda a lo que ahora llaman alta gastronomía. Es decir, algo por lo que fácilmente te pueden clavar 20 euros si pides un postre que se llame: "Mousse de yogurt con esferificación de mango al aroma de humo francés"; que traducido, viene a ser un yogurt de melocotón del Carrefour pero servido con mucho glamour. En definitiva, eso es Hereditary: humo, mucho humo...


Nota: 3/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.
Dirección y guión: Ari Aster.
Reparto: Toni Collete, Grabriel Byrne,
Milly Shapiro, AlexWolff.
Música: Colin Stetson.
Fotografía: Pawel Pogorzelski.
Duración: 126 minutos.
Estreno EE UU: 8/06/2018.
Estreno Hispanoamérica: 7 y 8/06/2018.
Estreno España: 22/06/2018.