Elemental: los amores ¿imposibles? de Disney-Pixar

Elemental dirigida por Peter Sohn se estrena en cines españoles el día 14 de julio de 2023. La cinta de Pixar celebró su première mundial en el 76º Festival Internacional de Cine de Cannes.

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La historia: Ambientada en Ciudad Elemento donde los residentes de Fuego, Agua, Tierra y Aire viven juntos, el relato nos presenta a Candela, una joven cabezota, ingeniosa y vehemente que entabla amistad con Nilo. Él es un chico muy sentimental que se deja llevar por la corriente, y que pondrá patas arriba la vida de la joven.

 El cineasta se debió preguntar: ¿Y si los elementos que todos conocemos estuvieran vivos? Y a partir de ahí decide humanizar al Fuego, Agua, Tierra y Aire en forma de personajes. Con esta premisa cogida por los pelos y copiando en partes, que no igualando, a la magistral Inside Out, Peter Sohn construye un relato con buena intención, pero muy irregular en su fondo o narrativa. Analicemos por partes. 

La presentación 

Candela es una inmigrante de segunda generación. Sus padres emigraron de Fireland a Ciudad Elemento, donde la chica nació y creció. Este personaje emprende un viaje para comprender su propia identidad y de paso también comprenderá lo que sus padres han hecho por ella. 

Ambientada en una ciudad que reúne elementos de diferentes orígenes, Elemental trata de demostrar que los polos opuestos se atraen sin remisión. El relato nos habla sobre las relaciones entre Fuego y Agua, entre padres e hijos y entre nosotros y nuestros vecinos. Esos vecinos que a primera vista no se parecen a nosotros. Es en parte comedia y en parte choque cultural.

Lo más destacado del viaje de Candela, y en muchos sentidos lo que lo impulsa, es una amistad fatídica con un chico de Agua llamado Nilo. Al principio, Candela desprecia la ciudad, pero Nilo la ayuda a enamorarse de la ciudad. El relato va tomando forma romántica. 

Los personajes

Candela

Es una inteligente mujer bombero de veintitantos años con un gran sentido del humor pero que a veces es demasiado impulsiva. Lo que le falta en paciencia lo suple con creces con el amor a su familia. Candela es hija única de padres inmigrantes y es muy consciente de cuánto se han sacrificado para darle una vida mejor. Está decidida a demostrarles su valía y espera hacerse cargo de Fireplace, el negocio familiar, cuando su padre, Lucio, se jubile. Se observa semejanzas con el personaje de Alegría en Inside Out en el color, forma y en su carácter extrovertido. 

Nilo

No tiene miedo a mostrar sus emociones; de hecho, le resulta difícil pasar por alto las mismas. Nilo, un empático chico de Agua de veintitantos años, es observador, sabe escuchar y -literalmente- rebosa compasión por los demás. Está muy unido a su familia, un grupo animado y súper llorón que busca cualquier oportunidad para compartir sus sentimientos. Igualmente se observan semejanzas con el personaje de Tristeza de Inside Out. Aunque él es alegre, llora como una fuente en cuanto tiene oportunidad. 

Lucio

Es un elemento de Fuego con una personalidad crepitante que arde de orgullo. Es un apasionado de su tierra natal, de su hija Candela y de Fireplace, la tienda que regenta en Ciudad Elemento. Él y su esposa, Ceni, se fueron de Fireland hace 20 años para darle una vida mejor a su única hija. Solo se trajeron una llama azul que representa su pasado y su gente. Su tienda de barrio se ha convertido en un destino obligado para los elementos de Fuego y Lucio espera con paciencia el día en que Candela se haga cargo de ella. 

Mar

Es la madre cariñosa y comprensiva de Nilo. Es muy emprendedora y tiene un gran éxito. Además, sabe reconocer el talento y servir de guía para su equipo. Mar es una arquitecta que siente una empatía ilimitada por los problemas de los demás y nunca deja pasar la oportunidad de llorar. De hecho, toda su familia tiene un corazón muy sensible: compartir sentimientos y expresar emociones es la norma en casa de los Ripple. Son muy ricos, viven en un ático con piscina, incluido un conserje. A todos les gusta el arte lo que le resulta muy atractivo a Candela. 

Galerna

Es un elemento de Aire con mucho carisma, fanfarronería y una tez rosada y esponjosa. Como jefa de Nilo, espera mucho de sus empleados y es dura de pelar. Fuera de la oficina, Galerna es una gran fan de los Flatulakers, un equipo de Balonviento que juega en el Estadio Ciclón de Ciudad Elemento. ¡Y por fin han llegado a los playoffs! 

Ciudad Elemento

Inspirada en ciudades basadas en sistemas de canales, tales como Venecia y Ámsterdam. Por ello, en la ciudad de la película existe un sistema de canales que, de hecho, es un medio de transporte. La ciudad se divide en distritos y presenta a la vez un código de colores que facilitan a la audiencia a identificar cada uno. Por ejemplo, la vecindad de agua es azul; el espacio que pertenece a los de fuego cuenta con colores como rojo y naranja; los de tierra son representados por el verde o marrón; y los de aire son translúcidos, morados, lavanda o rosa. Ciudad Elemento es esa metrópolis cultural donde distintos elementos, de diversos orígenes, conviven, con diferentes costumbres e incluso códigos de urbanidad, marcados por la experiencia migratoria. La primera comunidad que llegó fue la de Agua. Es la infraestructura básica de la ciudad. El siguiente grupo fue él de Tierra: la ciudad está construida sobre un delta donde se encuentran la tierra y el agua. De allí vendría el grupo de Aire y luego él de Fuego. Esto tiene dos variantes: Ciudad Elemento representa un obstáculo para Candela ya que su infraestructura basada en el agua dificulta la navegación de un elemento de Fuego, pero también es una oportunidad para descubrir su belleza. 

La música

Hace mucho tiempo que los realizadores de Pixar entendieron el enorme poder de la música para contribuir a dar vida a una historia. De hecho, la construcción del mundo va mucho más allá de los edificios y de los personajes de fondo: el paisaje sonoro que se elige para una película añade profundidad al viaje de los personajes y ayuda a definir los momentos emotivos. En lo que se refiere a la música de Elemental, se recurre a un consumado miembro de su familia musical: Thomas Newman. El famoso compositor fue nominado a un Oscar® por su trabajo tanto en "Buscando a Nemo" como en "WALL•E. El director Peter Sohn aprovechó la experiencia y el talento de Newman para reforzar el núcleo emocional de la historia. La música de Newman captura de forma brillante la conexión inesperada entre Candela y Nilo, Fuego y Agua, opuestos a todas luces, pero empeñados en quererse.  

Conclusión

Elemental es una película divertida y optimista aunque muy irregular cuando trata de dar credibilidad al núcleo de la historia. Por momentos fallida y por momentos brillante, la nueva apuesta de Pixar se queda a medio camino entre la mediocridad narrativa y la brillantez de sus imágenes e ideales. La cinta animada invita al público a viajar junto a Candela y Nilo que por el camino se dan cuenta de que es posible que no sean tan diferentes después de todo. Gracias a Nilo, Candela puede ver Ciudad Elemento por primera vez sin sentir miedo. Y ese momento da pie a la parte romántica de una historia que se basa en los amores imposibles, que quizás si son imposibles, tampoco es cuestión de forzarlos. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: EE UU

Dirección: Peter Sohn

Guion: Peter Sohn

Música: Thomas Newman

Fotografía: Animación

Duración: 100 minutos

Coco: una carta de amor de Disney-Pixar hacia la cultura y las tradiciones de México

Porque esta música es mi lenguaje y el mundo es mi familia. -Miguel, "Coco".

La historia: Miguel es un niño mexicano de 12 años que sueña con triunfar en el mundo de la canción. Pero en su familia está prohibido tocar música desde que uno de sus antepasados abandonara a su esposa y a su hija Coco, para emprender camino como cantante tradicional. Es entonces cuando Miguel se encuentra con el dilema de elegir entre su pasión por la música y el amor por su familia. Una vez llegados a este punto, será en el tradicional día de muertos mexicano y con el recuerdo a los familiares que ya no están, cuando el niño tendrá que optar por cumplir su sueño u obedecer la prohibición familiar que perdura en el tiempo.

La crítica: Una de las sensaciones más bonitas que una persona puede experimentar al concluir una filmación en una sala de cine, es tener la impresión y si me apuran la certeza, de haber asistido al nacimiento de un clásico cinematográfico. Es entonces, cuando uno de los sueños de todo cinéfilo se cumple. Cabe decir que quizás el cine de animación es el más profuso en este tipo de sorpresas por su narrativa en forma de cuentos universales. Y es que esa es la principal característica de Coco. El filme nace con vocación de fábula para perdurar ya para siempre en la memoria colectiva. Además, esta película viene a salvar un año ciertamente penoso para el cine de animación en el que solo, y bajo mi punto de vista, podríamos salvar las producciones francesas Ballerina y La vida de calabacín.

Coco también debería suponer una catarsis para Pixar y su obsesión mercantilista por incidir en secuelas que no aportan absolutamente nada a una compañía que nació con vocación de revolucionar el cine de animación y que en buena medida lo consiguió. No sabemos aún como afectara su reciente absorción por los estudios Disney, pero en cualquier caso, el camino que abre este largometraje es el indicado para convertir su cine en algo más que en un producto para el consumo navideño.

La cinta y a través de la cultura popular mexicana está principalmente centrada en el significado universal de la familia y al hecho de que todos hemos formado parte de esta unidad de convivencia en algún momento de nuestras vidas. Y lo quiere hacer, buscando el significado que para el país azteca tiene la celebración del día de muertos. Con ello, Coco busca hacer del recuerdo a los antepasados un homenaje y traerlos hasta nosotros en forma de ofrenda floral en forma de caléndula. Todo en Coco está teñido del preciosista color naranja de la flor mexicana por excelencia que sirve como contrapunto colorido y emocional.

Y es precisamente una brillante idea de un guión original lúcido, la que utiliza un espectacular y colorido puente de las caléndulas para separar y a la vez unir los dos mundos que se reflejan en la narración. Es decir, la tierra de los vivos y la tierra de los muertos. En la primera, es donde y en el inicio de la película nos encontramos a Miguel en el bellísimo pueblo de Santa Cecilia con su bulliciosa plaza central inspirada en la arquitectura popular y colonial mexicana. Allí también está la zapatería familiar, e incluso su perro Dante que es un guiño a la raza autóctona mexicana conocida conocida por el sobrenombre perro pelón mexicano o perro Xolo.

Y el segundo mundo, o tierra de los muertos, es en el que conviven los antepasados cuya máxima ilusión es ser recordados aunque solo sea un día en los altares tradicionales que sus descendientes les otorgan en forma de homenaje. Y es que en el mundo de los muertos, se muere dos veces. Además de la primera muerte, la definitiva es cuando son olvidados por el último descendiente que ya no ponga su foto en el altar o sencillamente no sea recordado. Pero lejos de ser un mundo sórdido y triste, es precisamente ahí donde Pixar saca todo su talento, arte digital y colorido para hacer un inmenso parque temático con cines, cantinas y espectáculos donde los esqueletos se divierten y hacen de la muerte un festival como si en la ciudad de Las Vegas conviviesen. Visualmente la película es una obra maestra, pero....

Precisamente es en esta división en dos mitades del film donde aparece el mayor defecto de la producción y le resta capacidad de unión narrativa. Es cierto, que ese nexo de unión lo intenta conseguir a través del efectista puente de las caléndulas, pero las dos tramas superpuestas en la cinta se sienten partidas en dos mitades, brillantes las dos, pero dejando la sensación de enfrentarnos a dos películas en una sola sin la completa unión de sus mitades. Esta sensación agridulce no menoscaba en todo caso una obra cumbre que principalmente nos habla del arte, de la cultura y de la música mexicana en todo su esplendor.

Por lo tanto, la banda sonora es un brillante compendio inspirada en instrumentos musicales tradicionales como son: el guitarrón mexicano, el arpa folclórica, la quijada, el sousaphone, las charchetas, las jaranas, marimbas, violines y trompetas con el mariachi de telón de fondo. Es decir, un nuevo y cuidado homenaje a México.

En los aspectos técnicos cabe destacar que la ciudad de los muertos está inspirada en la ciudad azteca de Tenochititlán y con ello se hace un diseño de ciudad vertical y en expansión. Allí siempre es de noche. Sin embargo, en Santa Cecilia, el pueblo de nacimiento de Miguel, predomina la luz diurna. Para recrear este tradicional pueblo mexicano, los diseñadores de Pixar viajaron entre otros lugares a Oaxaca donde visitaron la iglesia y el centro cultural de Santo Domingo, así como el mercado de Tlacolula y el Árbol del Tule de Montezuma. En Morelia el equipo estuvo en la Plaza Morelos, la Fuente de Tarascas y en el acueducto que sirvió de inspiración para crear también el puente de las caléndulas que marca la narración. Por último, se documentaron en el casco histórico de Guadalajara y en los cementerios de Tzintzuntzán y sus fastuosas decoraciones. Todo esto consigue que la dirección de arte animada sea un bello retrato de las calles empedradas, las telas bordadas y la idiosincrasia mexicana que se convierte en un carta de amor de Disney hacia el pueblo mexicano.

En conclusión, Coco se siente como un viaje alucinante al fondo de las tradiciones socioculturales mexicanas. Su impresionante paleta de colores, además, hacen de la experiencia visual un mapa inmenso de emociones cromáticas. Si bien es cierto, que en la parte puramente narrativa se siente una desconexión entre los dos mundos visualizados por los personajes protagonistas y una cierta falta de riesgo que la podrían haber convertido en una obra maestra absoluta. No por ello, deja de ser una propuesta muy emotiva y de un enorme valor artístico. Desde luego, en valoración general se siente como una apuesta más en linea con Up o Inside Out que con Cars o Los increíbles. Es decir, un cine con sustancia, sabor y color que lo aproxima con lo que un día fue llamado Séptimo Arte. O sencillamente solo arte, eso es Coco.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Dirección: Matthew Aldrich y Adrián Molina.

Guión: Jason Katz, Lee Unkrich,
Matthew Aldrich, Adrián Molina.

Fotografía: Matt Aspbury, Danielle Feinberg.

Música: Michael Giacchino.

Duración: 109 minutos.

Estreno México: 27/10/2017.

Estreno EE UU: 22/11/2017.

Estreno España: 1/12/2017.

Buscando a Dory

¡Festival de imagen, sonido y mundo Disney! Espectacular comunión que la querida factoría de los sueños ha logrado con la productora Pixar. Pocas uniones en el cine han sido tan fructíferas. En pocas palabras, una suma del mejor talento puesto a disposición del espectador para dar paso a la secuela de 'Buscando a Nemo'. Y es que la antecesora de la película hoy reseñada fue una obra maestra indiscutible. El filme marcó una nueva manera de hacer cine animado realmente para todos los públicos.  Buscando a Dory sale bien parada de su arriesgada apuesta. ¡Enhorabuena! El cine de animación sigue vivo.

Una vez encontrado Nemo y reunido con su padre, ahora es la entrañable Dory la que en un momento de lucidez y a pesar de sus graves problemas de memoria, recuerda que es ella la que está extraviada de sus padres. Entonces a la inversa que en la primera parte con Nemo, esta vez es la hija la que intenta por todos los medios encontrarles a ellos. Contará con la inestimable ayuda del experto Nemo y de su querido padre. Los amigos marinos se unirán de nuevo para intentar dar con el paradero de los padres de la simpática y olvidadiza Dory. Aventuras en el mar.

Pero la pregunta inicial es la siguiente ¿Era necesario hacer una secuela de una película tan buena? ¿Tendría sentido hacer una segunda parte de 'Casablanca', 'Centauros del desierto' o 'Blancanieves'? Más preguntas que respuestas pues cada uno tendrá su propia opinión y todas serán válidas. El caso es que el plato está servido, bien condimentando y dejará las arcas de la compañía a rebosar. Evidentemente y reconociendo el talento de la producción, el factor sorpresa que supuso 'Buscando a Nemo' ya está diluido.

En esta ocasión el mensaje de la cinta es inverso al de su antecesora. Si entonces la idea era hacernos ver el amor paterno y su sacrificio hacia los hijos, en esta nueva propuesta de lo que se trata es de resaltar el amor incondicional de los buenos hijos hacia los padres. Dory y su incansable búsqueda a través de los océanos representa la identificación con unas costumbres, unos lugares y una forma de vivir.

Además, es un nuevo canto a la amistad en la que la reciprocidad de Nemo y su padre, no sólo se divisa como un agradecimiento a los servicios prestados por Dory, sino que surge de forma natural. a

El humor y la memoria de pez de Dory, nunca mejor dicho, es la argumentación por donde se mueven las aguas de la cinta. La perseverancia y el esfuerzo son otros de los valores que nos acompañan. resultando la película conservadora y continuista con la primera parte. Disney juega a continuar un clásico con más clasicismo. Es decir, busca asegurar un buen resultado y lo cierto es que consigue su propósito.

Técnicamente y de la mano de la productora Pixar, 'Buscando a Dory' es sobresaliente. La animación CGI es espectacular sumergiéndonos en una pecera de colores inolvidables. Nos encontramos ante un hiperrealismo en estado puro. En la parte final, y cuando entran los humanos en acción (sobre todo en las escenas de persecuciones de vehículos), confundimos incluso animación con filmación real.

La música es una seña de identidad de Disney y aunque en esta ocasión no nos encontramos con números musicales, la banda sonora es bastante acertada. Habría que incluir en este apartado un guiño evocador al maestro Louis Armstrong, así como unos títulos de crédito bellamente diseñados y con sorpresa final. Habrá que esperar casi a que la sala este vacía para una última pequeña sorpresa al final de dichos títulos.

En conclusión, apuesta segura de Disney sin salirse apenas del guión con unos personajes bien construidos y bien diseñados. En su debe cabe destacar la no asunción de riesgos narrativos. El público adulto decidirá en la parte que le toca si fue un acierto sacar de nuevo a navegar a estos entrañables pececillos. Los niños disfrutarán con estas nuevas aventuras. Ambos públicos y sin entrar en comparaciones con la primera parte, disfrutarán con la nueva propuesta de Disney para esta temporada.

Nota: 8/10.

Titulo original: Finding Dory.

Nacionalidad: EEUU.

Duración: 95 minutos.

Estreno Estados Unidos: 17 de Junio.

Estreno España: 22 de Junio.

¡Qué maravilloso es el cine! Inside Out

Por Mane Lander & Miguel Pina :

¿Puede una película de animación ser altamente conceptual y además hablarnos de la psique humana? Demos otro pasito ¿Puede una cinta dirigida al público infantil conseguir hablar del funcionamiento de los neurotransmisores cerebrales, mientras los más pequeños se lo pasan en grande? Rotundamente sí.

Obra maestra del cine, pero del cine en general. Disney-Pixar consigue "cuadrar el círculo". Alegría, ira, miedo, asco y tristeza: estas son las emociones representadas por los personajes centrales de la cinta. Y es que pareciera que Disney no se cansa de realizar propuestas que cada vez resultan más y más atractivas para los amantes del cine, sobre todo para los más pequeños, aunque sabemos bien que la magia de Disney tiene alcances que van mucho más allá del público infantil; suponemos que por este motivo existen tantos adultos admiradores de su "mundo".

La historia: Riley es una niña de once años, que se instala junto a sus padres en una nueva ciudad. Este cambio, más un pronto inicio de su adolescencia, van a confluir en un estallido de sus emociones. Pero la novedad y lo maravilloso de este argumento es desde donde está narrado. Ni más ni menos la fuente de todos nuestros anhelos y desalientos: el cerebro. Nos encontramos ante un viaje extraordinario hasta el centro de mando del pensamiento humano.

La narración esta expresada desde dos perspectivas, por un lado vemos la historia clásica de una niña y los conflictos emocionales que tiene con sus padres al adaptarse a una nueva ciudad, y por otro lado vemos como son gestionados estos sentimientos dentro de su pensamiento. Para ello observamos a los personajes interactuando desde dentro de su cabeza, dando ordenes y contraórdenes que van afectando al comportamiento de Riley. El personaje central de la cinta, pasará a ser Alegría, una especie de hada amarilla que lucha porque Tristeza, una muñequilla luminiscente azul, no se imponga a los pensamientos de la joven Riley. Esta subtrama pasa a convertirse en trama principal, esto mismo es lo original y divertido de la película.

Ahora ya estamos dentro del cerebro de la niña, denominado en la historia, como la consola de control del pensamiento. Allí observamos como los personajillos se desenvuelven entre ellos para tratar de imponer a Riley sus decisiones. Ya sean ponerle furiosa, hacerla sentir miedo o repugnancia, pero siempre bajo el mando de Alegría, que trata de imponer su criterio de tener a la niña lo más contenta posible. Tristeza será su antagonista principal y será ella la que aún sin quererlo trate de trasladar a la niña su melancolía. Todo ello esta tratado desde el sentido del humor y dando forma a la historia para que el público infantil lo pueda asimilar como un juego y no como un tratado de psicología que es a lo que se aproxima la película de un modo magistral.

Inside Out nos otorga demasiada información en dosis constantes y disfrazadas de personajes y situaciones bastante fáciles de digerir, sobre todo por el público infantil al que va dirigido como prioridad. Lo que más destaca por supuesto es el hecho de que Alegría pasa la mayor parte del tiempo intentando preservar y extender, insistentemente, los momentos felices de Riley sin comprender la función de Tristeza y alejándola a toda costa de los recuerdos de la pequeña; eso suena familiar ¿Verdad? Los humanos no comprendemos la función de la tristeza, y rechazamos toda sensación poco placentera que pueda generarse en nuestro interior, pero la realidad es que incluso las emociones poco agradables tienen una función crucial en nuestro desenvolvimiento.

La tristeza es un instrumento reparador que, en muchas ocasiones, actúa como una especie de "alarma de auxilio" que puede ser atendida por aquellos que nos aman o a quienes les importamos. Estar triste es un estado emocional necesario en ocasiones, y rechazarlo es rechazar a una parte vital de nosotros mismos. Nada es para siempre, ni la alegría, ni la tristeza porque los humanos somos un acumulado de emociones que se encienden para transmitirnos un mensaje importante que necesita ser atendido; muchas veces estar triste nos acerca a varios tipos de consuelo, nos enseña a vivir la soledad, a aceptar los cambios, a soltar, a dejar ir, a vivir el duelo de la pérdida, cosas que se viven sin importar la edad.

Las transiciones del desarrollo evolutivo por las que todo ser humano pasa, se representan en la película de forma muy interesante, así entonces podemos encontrar situaciones como la importancia de los lazos familiares y sociales, la madurez proveniente del paso de los años y la represión de símbolos amenazantes u hostiles. Inside Out menciona a los amigos imaginarios y emotivamente retrata el olvido al que son sometidos con el tiempo, un olvido necesario producto de la madurez emocional y psicológica.

También encontramos toda una organización del pensamiento y el entendimiento de los conceptos como parte esencial de los procesos cognitivos y la combinación de emociones que se producen cuando dejamos de ser niños y lo primitivo va cediendo lugar a lo complejo; así podemos decir que en la niñez nos centramos en expresar estar muy alegres, muy enojados, muy tristes o con mucho desagrado; cuando crecemos nuestras emociones básicas, dejan de ser tan literales y comienzan a mezclarse entre ellas, así podemos tener recuerdos tristes que nos pusieron felices, enojarnos a causa de algo que nos produce demasiado desagrado, tener mucho miedo y entristecernos por ello, etc., etc., y conocemos mezclas interesantes como la ansiedad, la melancolía, la duda, la agresividad, el impulso, la intelectualización, el egoísmo y miles de estados que tienen que ver con nuestras emociones.

La producción fue ganadora del Oscar de la Academia a la mejor película animada en el año 2015. Este hecho fue la culminación a otros galardones internacionales entre los que cabe destacar el Premio de la Crítica Cinematográfica. Figura en el puesto 12 como mejor película de todos los tiempos en el prestigioso sitio web "Rotten Tomatoes". Philippe Engel en Fotogramas escribió: "La lluvia de ideas y de ingenio de guiños y de gags, que llaman a la reflexión sobre infinidad de temas es apabullante, convirtiendo a Inside Out en una obra imprescindible". La banda sonora original, como en otras tantas películas de Disney, es magnífica haciéndonos vibrar y emocionarnos a partes iguales.

En conclusión, película altamente recomendable para tenerla en los primeros puestos de nuestra videoteca en la sublimación del cine inteligente elevado a la enésima potencia. Exquisito concepto del consciente y subconsciente humano. Inside Out nos deja echar un vistazo a nuestro interior para entendernos de una forma entretenida, algo que nunca se había retratado tan magníficamente. Y es que si eso fuese el pan de cada día entonces las cosas en nuestra vida serían más llevaderas ¿No creéis? Porque entendernos constantemente es una forma de vivir con mayor aceptación, en paz, pues no es sino en el entendernos en donde se encuentra la respuesta a muchas cuestiones.

Nota final: Este texto esta elaborado a dúo con el psicólogo y escritor Mane Lander. Cada párrafo ha sido consensuado en un satisfactorio trabajo en equipo que me ha servido para aprender una faceta nueva en el mundo de la narrativa. Todo un privilegio para mí trabajar y aprender de él. 

Próximamente publicara su nueva novela que será un éxito seguro. Mientras tanto os dejo el enlace a su blog donde nos deleita con sus letras :www.manelander.blogspot.com.es

La base central de este texto se publicará simultáneamente el mismo día en ambos blogs.

P.D: Este texto esta dedicado a mi niña María. Ella es la luz que ilumina mi alma.

 

El libro de la selva

¿Que pensaría Walt Disney de esta nueva versión animada de su clásica y aclamada película? ¿Aprobaría un cambio tan radical a su propuesta? ¿Se asustaría al verla? ¿Estaría orgulloso de este espectáculo visual generado por ordenador? Ofrezco más preguntas que respuestas al ver como Disney-Pixar quiere rizar el rizo al proponer un remake de la famosa cinta. Esta a su vez una versión animada del largometraje homónimo de 1942 dirigido por Zoldan Corta.

Rudyard Kipling escritor británico de origen indio y Premio Nobel de Literatura es el autor original de esta obra escrita en 1894. Rememorando el 150 aniversario de su nacimiento, la factoría de los sueños se propuso dar una nueva visión a su clásica propuesta.

La archiconocida historia, cuenta como un niño (Mowgli) es acogido por una manada de lobos al quedarse huérfano. La película profundiza en las relaciones que se establecen entre el niño y los diferentes animales que conviven con él.

El primer detalle a destacar es que el protagonista central de la trama está interpretado por un actor real. El interprete es el niño Neel Sethi por lo que nos encontramos ante una propuesta en el que se intercala la animación con las imágenes reales del citado actor. A mí personalmente no me gusta este metodo de rodaje. Hubiera preferido que todos los personajes guardaran un mismo rol, siendo estos todos animados o todos reales. Pienso que con ello se daría mayor unidad narrativa y visual a la filmación. No obstante el joven actor nos regala una gran interpretación.

La película toma por un camino muy diferente de su versión clásica. Este remake es una propuesta tenebrosa, oscura e inquietante que difícilmente gustará a los amantes de la jovial cinta de 1967. A pesar de que a mi esta versión no me ha convencido se agradece que no se limite a ser una copia de la anterior. Aunque en esta ocasión se pierda completamente el espíritu que inspiró a Walt Disney.

Paradójicamente, este largometraje es bastante más fiel al relato original de Kipling que su predecesora. Se profundiza en mayor medida en las características de los personajes con un fuerte mensaje moral que por momentos es asfixiante y repetitivo.

Al verla, tenemos la sensación que nos están dando una continua lección de moralidad. Los clichés de los personajes están demasiado acentuados abusando de un ramplón maniqueísmo. De esta manera no hay lugar para el equilibrio entre las distintas personalidades que nos muestran a través de los animales.

El significado de los distintos protagonistas que aparecen en la película ha hecho correr ríos de tinta sobre el verdadero mensaje que cada uno conlleva. Nos encontramos con la pantera Bagheera como la protectora y maestra del huérfano. Akela, el líder de la manada de lobos, representa el tótem protector y sabio. Baloo es el oso bonachón y personifica la amistad. Ka la serpiente sibilina y astuta. Shere -Kan el tigre que quiere acabar con Mowgli, representa la maldad y la traición. Louie el rey mono, nos muestra el funcionamiento de cualquier cadena de mando.

La profundización moral en los personajes es demasiado densa en esta ocasión. Sobre todo si tenemos en cuenta el tipo de cinta que es. El mensaje es abrumador y resulta reiterativo. Se aproximaría más a una tesis doctoral sobre la condición humana, trasladando a los animales nuestros defectos y virtudes, que a una película destinada a un público infantil. Desde luego será difícil de comprender para los menores de diez años.

Técnicamente la propuesta es sobresaliente, y las innovaciones desarrolladas mediante la informática hacen que la animación sea impresionante en pantalla. El hiperrealismo de los animales es verdaderamente asombroso. La banda sonora es obra del compositor y director de orquesta John Debney. Asistimos a un verdadero concierto de música sinfónica. Sin embargo, la reinterpretación de las mágicas canciones de la versión clásica, deja bastante que desear.

De valorar también es la inmensa cantidad de profesionales que han trabajado para llevar a cabo esta superproducción. En los títulos de crédito del final de la cinta se da buena cuenta de ello. En los mismos escuchamos a Scarlett Johansson interpretar el famoso tema de la serpiente Ka: "Confía en mí".

Habría que preguntarse, si en las últimas dos décadas, se ha pasado de hacer un cine de animación para los niños y difícil de soportar para los padres, a un cine animado hecho para los padres y de complicada asimilación para los niños.

Película de luces y sombras, y por momentos demasiado introspectiva. Habría que estar dispuestos a olvidarnos de la versión clásica para poder darle una oportunidad a esta producción. La cinta parece destinada a una nueva generación de niños acostumbrados a las nuevas tecnologías y a los cuales la versión de 1967 seguramente les parecería del pleistoceno.

Nota: 6/10.

Titulo original: The Jungle Book.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Jon Favreau.

Reparto: Nell Sethi.

Voces versión original: Bill Murray, Ben Kingsley,
Scarlett Johansson, Idris Elba, Christopher Walken,
Lupita Nyong'o, Giancarlo Exposito.

Estreno: 15 de Abril de 2016.