Bienvenidos un año más a la salerosa Gala de los Premios Marcianos 2023 que llegan ya a su octava edición. El año ha sido magnífico para la taquilla y confirma la recuperación del Cine en el Cine. Este 2023 ha estado marcado por el fenómeno "Barbienheimer" y por la huelga de guionistas que finalmente fue desconvocada. En lo artístico no ha sido un gran año aunque ha habido buenas películas y variedad en la cartelera.
Para quien aún no sepa cómo se seleccionan los Premios Marcianos paso a explicar el modus operandi: para que una película pueda ser premiada seguiré la norma de que la cinta en cuestión se haya estrenado en España en 2023. También tendrá que haber sido reseñada en la web marciana. Este año volvemos a tirar la casa por la ventana y la dotación económica de estos suntuosos premios se sitúa en 10 millones de dólares a pagar con dinero del Monopoly.
Comienza la ceremonia y al acabar se procederá al capítulo de agradecimientos que este año será con carácter general.
Como cada año a cada persona que leyó una crítica en la web. A cada persona que compartió una reseña en redes sociales. A cada persona que dejó un tiempo de su vida para comentar una crítica en el propio blog o a través de las citadas redes. Y en definitiva a todas esas personas con las que hablo casi a diario con el cine como punto de conexión.
¡Muchas gracias!
Cine y críticas marcianas vuelve el próximo martes 2 de enero de 2024 tras una breve pausa navideña. Os deseo muy felices fiestas y un buen fin de año.
Blood de Brad Anderson se estrena en cines españoles el próximo día 15 de diciembre de 2023. La película se presentó en la Sección Oficial del Festival de Sitges, donde el director recibió el Premio Máquina del Tiempo.
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La historia: Tras su divorcio, Jess, una joven enfermera, se muda con sus dos hijos a una casa en las afueras que no está encantada. La casa digo. Gran sorpresa. Igualmente hay circo. Sigo. A su pequeño hijo Owen se le escapa su perro y cuando el animal regresa, endemoniado y sarnoso, ataca al niño. Las heridas sanan, pero Owen se ve poseído por una inexplicable sed de sangre que le vuelve un chupóptero de marca mayor.
La crítica: Ya estaba tardando mucho el año 2023 en saciar mi sed de 'Niños siniestros y perros en el cine' y por fin llegó mi sabrosa ración sazonada con madre desquiciada. La única pena que me queda es que la casa no está hechizada, ni hay un triste coche que no arranque. En fin, no se puede tener todo lo que se desea, pero me conformo con este gran sarnazo antes de proceder a la entrega de los Premios Marcianos.
Blood de Brad Anderson (no estoy haciendo SEO, el título en España es así), llamada Sed incontrolable en México, es la misma película de siempre, con el mismo ruido de siempre y con las mismas rutinas de siempre. Por cierto, el perro se muere. Lo digo para evitar dramas innecesarios si ven esto en el cine. ¿Esto es spoiler? Sí. Pero como sucede en los primeros minutos no cuenta. Por cierto, más que morirse, le mueren. Vamos que la madre de la gloriosa criatura chupóptera al ver que el perro viene poseído de un paseo por el bosque, le pega un estacazo que le quita la tontería y el endemoniamiento, pero también la vida. DEP.
En fin. Pues la cosa es que el niño se ha vuelto vampiro y si no le dan sangre pues se enoja. ¿Y qué hace una madre ante eso? Pues como la mujer tampoco anda muy bien, pues se dedica al menester. Mata conejos, secuestra señoras, roba sangre en bolsas e incluso se corta para satisfacer al joven chupóptero. El niño tan contento claro. Incluso se bebe la sangre con pajita como si fuera un zumo. Todo esto que estoy contando no es inventado, ni estoy bajo los efectos de las drogas. Palabra.
Encabeza el reparto Michelle Monaghan como suministradora sanguínea. Su personaje es el típico en este tipo de sarnazos: gritona, desquiciada, madre coraje, etc. El niño vampiro está protagonizado con arte por Finlay Wojtak-Hissong. Y luego el perro hace un buen papel, pero muy corto. En la película sale más gente gritando, pero no creo que nadie esté interesado en saber quien los interpreta. Si alguien se queda con muchas ganas que me escriba un correo y detallamos las sosegadas interpretaciones.
La parte técnica es fácil de resumir: música, fotografía y montaje dignos de un telefilme de sobremesa de Antena 3.
Blood de Brad Anderson es un pufo hasta en la traducción del título. Pero también es verdad que ha saciado por completo mi sed de sangre y sarna para acabar el año de manera gloriosa. Con un final absurdo intentando explicar que la culpa de todo la tiene un árbol maldito, habrá que esperar hasta ese momento para ver si los humanos siguen el camino del perro, si el niño sigue con la manía de beber sangre a modo de zumo y si la madre decide darlo en adopción para pasarle el marrón a los de la segunda parte de la película que capaces serán de hacerla. Fin.
Robot Dreams dirigida por Pablo Berger se estrena en cines españoles el día 6 de diciembre de 2023. La cinta de animación tuvo su estreno mundial en el Festival de Cannes. El estreno nacional de la película tuvo lugar en el Festival de Cine de Sitges, donde se alzó con el Gran Premio del Público.
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La historia: Dog es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot para paliar su soledad. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los ochenta. Una noche de verano, Dog con gran pena, se ve obligado a abandonar a su amigo Robot. ¿Volverán a encontrarse?
La crítica: Hace ya una década que el cineasta, Pablo Berger sorprendía con su original Blancanieves. La película gustó y fue ganadora de diez premios Goya y del Premio Especial del Jurado en el Festival de San Sebastián. Ahora con Robot Dreams vuelve a dar una vuelta de tuerca con un filme de animación ambientado en el Nueva York de los ochenta.
El guion, que firma el propio Berger, es una adaptación de la exitosa novela gráfica homónima de la artista norteamericana Sara Varon. Ella es una de las ilustradoras más reconocidas de los Estados Unidos. Su mundo antropomórfico de animales con comportamiento humano que viven en Nueva York es el pie para que el cineasta haga una película animada para todos los públicos. Quizás algo más enfocada al público adulto, pero los niños la disfrutarán igualmente.
Robot Dreams es un viaje en el tiempo a una ciudad que ha enamorado a varias generaciones de espectadores. Dog, el perro protagonista, vive en un pequeño apartamento en el East Village. Es un perro, pero se identifica de manera rápida con cualquier persona que viva una soledad no deseada. Y es ahí cuando compra un robot para sentirse acompañado. Hablamos de una metáfora sobre el aislamiento social y de como los robots se presentan como suplentes de los humanos. Más si cabe cuando la IA sea doméstica.
El filme mira hacia la animación tradicional, pero pensada para el público de hoy. La animación clásica, en dos dimensiones, dibujada fotograma a fotograma tiene su propia expresión, humanidad y empatía. Se siente cercana. El cineasta no ha querido utilizar diálogos y opta por narrar mediante imágenes, música y pequeñas muecas. En el fondo Berger mira a Chaplin, Buster Keaton o Harold Lloyd y en ese aspecto sale bien parado de una apuesta con ciertos riesgos.
El mundo visual y sonoro en el que habitan Dog y Robot ha sido creado gracias a la colaboración de un gran equipo con experiencia tanto en animación como en imagen real. José Luis Ágreda es el director de arte, que ya triunfó con el largometraje de animación 'Buñuel en el Laberinto de las Tortugas'. El belga Benoît Feroumont es el director de animación de Robot Dreams y de las inolvidables películas de animación 'Bienvenidos a Belleville' y 'El libro de Kells'. Alfonso Villalonga es el compositor habitual de las bandas sonoras de las películas de Pablo Berger desde 'Blancanieves' y por la que ganó el Goya a mejor BSO. El equipo lo completan el reconocido montador Fernando Franco que ya trabajó con Berger en 'Blancanieves' y la diseñadora de sonido Fabiola Ordoyo que también trabajó con él en 'Abracadabra' y que ganó un Goya por As Bestas.
Robot Dreams es un filme distinto, distinguido y divertido. Es decir, tiene la "regla de las tres des" que acaba de ser inventada por un servidor. Hablamos de una fábula sobre la amistad, la ruptura y el reencuentro. En definitiva, Berger realiza un sutil retrato sobre la soledad desde una perspectiva luminosa, algo tibia y con un mensaje esperanzador.
Nota: 7/10.
P.D. Robot Dreams acaba de ser nominada a 4 Premios Goya: Mejor película de animación, Mejor guion adaptado (Pablo Berger), Mejor música original (Alfonso de Vilallonga) y Mejor montaje (Fernando Franco). Por otro lado, 20.000 especies de abejas se coloca como líder en nominaciones con 15. Puedes leer la crítica aquí.
El amor de Andrea dirigida por Manuel Martín Cuenca se ha estrenado en cines españoles el día 24 de noviembre de 2023. El cineasta español es uno de los directores más prestigiosos y reconocidos del cine actual con títulos como 'La flaqueza del bolchevique", "El autor" o "La hija". Película distribuida por Filmax.
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La historia: Andrea, una joven de 15 años, quiere recuperar el amor de su padre, que desapareció de sus vidas cuando se divorció de su madre. Andrea recuerda a un padre amoroso y no puede entender por qué ahora no quiere ver a sus hijos. Tomás y Fidel, sus dos hermanos, son sus compañeros infatigables en esta aventura que habla de amor y familia.
La crítica: Si bien, Martín Cuenca ya exploraba en "La hija" la complejidad de las relaciones familiares, es ahora con El amor de Andrea cuando las profundiza y matiza con su sutil enfoque narrativo. En su anterior película la premisa pivotaba sobre el deseo de ser padres y ahora da la vuelta a la situación girando sobre un padre que no desea ejercer su responsabilidad.
La narración es minimalista, pausada y cadenciosa. Por momentos lenta. Incluso con un ajustado metraje de 100 minutos. En esta ocasión podríamos decir que en lo cotidiano no se halla nada que parezca extraordinario. Aún con todo, nos hallamos ante un valioso ejercicio de búsqueda de la identidad. Y es precisamente esa identidad la que trata de encontrar la joven Andrea. Es perseverante. No entiende por qué se separaron sus padres y sobre todo se pregunta por su padre ausente.
El amor de Andrea es un retrato generacional y una visión sobre la precariedad laboral. También se afrontan temas como los divorcios, los derechos sociales, los problemas de los menores, la negociación de acuerdos, la importancia de los profesores y sobre todo la voluntad inquebrantable de las personas que no se dan por vencidas. La lucha de la joven Andrea por el derecho a tener un padre es el leitmotiv del relato.
Lupe Mateo Barreda sostiene la película de principio a fin con el grandísimo trabajo en el papel de Andrea. Si la suerte le acompaña tenemos intérprete para largo y espero que sea nominada al Goya como actriz revelación. El personaje está muy bien escrito y muestra una adecuada evolución a lo largo de la trama. La contraparte la encontramos con la correcta intervención de Jesús Ortiz que representa el arquetipo del padre ausente como comentaba anteriormente. También está la madre de Andrea bien interpretada por Irka Lugo. Un personaje complejo y críptico al que le cuesta abrirse con su hija. Los hermanos pequeños de Andrea completan personajes y un reparto poco conocido.
En la técnica destaca la banda sonora de Vetusta Morla, en la que supone la segunda colaboración de la reconocida banda de rock madrileña con el director. El tema principal de la película está interpretado por la cantante Valeria Castro junto a la banda. La otra protagonista principal de la película es la ciudad de Cádiz. Tendremos la sensación como espectadores de que hasta la infelicidad es más fácil de sobrellevar en el sur del sur. La ciudad no sólo actúa como paisaje visual, sino que alcanza valor narrativo por sí misma. Hablamos de un gran acierto en la selección de las localizaciones exteriores y se constata una buena dirección de arte en interiores.
El amor de Andrea me ha parecido un filme valiente, algo reiterativo, pero bien estructurado en su fondo y forma. Con unas interpretaciones muy sólidas y con ese preciosismo visual que aporta la ciudad de Cádiz, Martín Cuenca nos ofrece una lúcida visión sobre la paternidad desde los ojos de una niña. No hablamos de una cinta grandiosa, tampoco se busca, pero si de una obra con la suficiente calidad narrativa como para darle una oportunidad en la sala de cine o en plataformas digitales.
Nota: 7/10.
Este artículo, con distinto formato, ha sido portada en Cinemagavia
Napoleón dirigida por Ridley Scott se estrena en cines españoles el próximo día 24 de noviembre de 2023. La superproducción guionizada por David Scarpa y protagonizada por el ganador del Oscar® Joaquin Phoenix se presenta como uno de los eventos cinematográficos más importantes del año.
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La historia: Biografía que detalla el ascenso y la caída del icónico Emperador Napoleón Bonaparte. La película muestra la incesante carrera de Bonaparte hasta el poder, a través del prisma de la adictiva y volátil relación con Josefina, la que fue su único amor verdadero. Se presentan también sus visionarias tácticas políticas y militares a través de las batallas que marcaron su carrera.
La crítica: Con un inicio explosivo, un desarrollo vibrante y un final redondo, Ridley Scott se corona Emperador del Cine. Quizás sea la mejor película del año 2023 y una de la más potentes de su carrera. En lo personal denominaría como su triangulo de oro los filmes "Alien", "Blade Runner" y "Thelma & Louise". En ellas, y en otras de su carrera, muestra audacia, capacidad, y olfato para apasionar al público.
Napoleón fue uno de los líderes militares más importantes de la historia. Su vida despierta críticas y admiración por parte de historiadores, políticos y de los que fueron sus súbditos. Su ascenso al poder y sus duras campañas militares han influido en las generaciones venideras, desde Churchill a Nietzsche. Tal fue su brillantez táctica y su reputación despiadada que se necesitaron siete coaliciones diferentes entre países europeos para derrotarle. Pero fuera del campo de batalla, su obsesión con Josefina –su amante, esposa y emperatriz– definiría su vida tanto como cualquier batalla. La película mantiene un equilibrio perfecto entre la vida personal y militar de Bonaparte. No hablamos de un biopic completo ya que no se narra ni la niñez ni la juventud del lider galo lo cual parece acertado para completar un perfecto metraje de 157 minutos. Suficiente para mantener la tensión narrativa y por tanto en vilo al espectador.
Napoleón es un personaje de película fascinante, ya que, al igual que muchas personas, fue esclavo de su propio corazón y emociones. La cinta también le muestra como un narcisista, a veces un loco, otras un brillante táctico, un tirano en la batalla, pero también en sus placeres carnales. Se muestra a un tipo que va de camino a invadir Moscú, y a su vez obsesionado con lo que su mujer estaba haciendo en París. Los celos también le hacen volverse de la guerra en Egipto para intentar contener las infidelidades de su esposa. Es incluso acusado de deserción aunque consigue dar la vuelta a la acusación.
El aspecto psicológico del personaje y las espectaculares batallas han sido dos puntos que Scott ha encontrado igual de atractivos a la hora de hacer la película. En lo personal jamás había visto en el cine unas batallas tan bien rodadas, explicadas y montadas. Se recrean entre otras las de Austerlitz, Waterloo, Marengo y Borodino. Aunque la parte romántica, la de Napoleon y Josefina, es igualmente impecable en lo emocional. Ella tenía una sensualidad natural ya que creció en los trópicos, con el calor, la música, la cultura y ese entorno tan especial. En sus primeros años está más centrada en los sentidos que en el intelecto. Pero cuando se casa con Napoleón se tiene que adaptar, tiene que cambiar radicalmente para poder sobrevivir. Tiene que convertirse en una mujer distinta, en la mujer que él quiere. Se entrega, pero no puede evitar ser infiel lo que va volviendo cada vez más irascible a Bonaparte.
Joaquin Phoenix realiza y nos regala una interpretación colosal que le coloca como favorito para obtener su segundo Oscar. Quizás no sea un papel tan potente como en Joker, pero su contención en Napoleón explora otra vertiente más sutil que es la otra cara de la moneda de un actor descomunal. Asimismo, Vanessa Kirby en el papel de Josefina demuestra una capacidad arrolladora. Hablamos de una interpretación delicada, sólida y que la coloca como una de las mejores actrices del momento. El resto del muy extenso reparto coral cumple a la perfección estando al servicio de la pareja protagonista, pero no destacaría a nadie en concreto.
La parte técnica de rodaje, diseño de producción, fotografía y música es fascinante, pero tengo dos pegas que me impiden dar a la película la máxima puntuación. La primera sería que el cineasta se apoya en los créditos tanto iniciales, como finales en textos sobre-impresionados en pantalla para ofrecer datos que deberían haber sido narrados por los personajes. Y la segunda es algo que me resulta incomodo y puede sacarme de la película: escuchar a Napoleón, a Josefina y a las tropas francesas hablando en inglés es cuanto menos muy extraño. Quizás la película hubiera tenido que haberse rodado en francés y haber optado por intérpretes galos o actores que dominaran esa lengua. Por supuesto que hablo de la versión original del filme y no de la versión doblada en la que ya se pierde la esencia completa de los actores.
No obstante, quisiera destacar la utilización visual y narrativa de la luz. En una película de época, siempre se intenta usar luz natural, como Rembrandt o Caravaggio. Siempre usaban una única fuente de luz, ya sea una gran ventana, una chimenea o velas. El efecto es precioso, así que se ha empleado mucha luz frontal como la de los cuadros de David. La iluminación siempre hace que destaquen Napoleón y los personajes principales, dejando al resto de personajes en la sombra. Cada una de las localizaciones han influido en la luminosidad de la escena. La luz de Egipto es muy dura y brillante, formando siluetas. La de Rusia es más difusa y tenue, como de eterno anochecer, con tanta nieve que la hace casi monocromática. La opulencia de los palacios se muestra con la riqueza de colores y los dorados. En definitiva hablamos de una obra maestra en lo visual que pasará a la historia de la cinematografía.
Napoleón me ha parecido un filme rotundo, muy sólido y brillante en la narración. No entraré en comentar los posibles errores históricos, si los hubiere, pues esa es la labor de los historiadores aunque no deben olvidar que no estamos ante un documental, sino ante una película de ficción. Con unas interpretaciones señoriales, un desarrollo trepidante y un final bien explicado nos hallamos ante una obra magna que nos reconcilia con el Cine. El año ha sido bueno para la taquilla, pero mediocre en lo artístico. Ridley Scott, realiza en definitiva una obra compleja en la que hay explosiones, cañones disparando, caballos al galope, extras, localizaciones, secuencias de guillotina y sin embargo es la parte sentimental la que añade un gran valor añadido a un filme grandioso.
Que nadie duerma dirigida por Antonio Méndez Esparza se estrena en cines españoles el próximo día 17 de noviembre de 2023. La cinta española es una adaptación de la novela homónima de Juan José Millás con un guion coescrito por el cineasta junto a Clara Roquet.
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La historia: Lucía (Malena Alterio) pierde su empleo de informática y decide dar un giro definitivo en su vida comenzando a trabajar como taxista. Mientras recorre las calles de Madrid, en busca del amor y nuevos objetivos, Lucía acaba embarcándose en una venganza en contra de aquellos que le han robado su vida.
La crítica: El cine actual suele pecar de argumentos que se desinflan en su parte final. Sin embargo, en Que nadie duerma esto no sucede. Hablamos de una historia más o menos sencilla que encuentra en su bien explicado final una potente resolución que por lógica no entraré a desvelar.
La cinta es la historia de una pérdida y de un nuevo comienzo. El cineasta ha tratado de explorar parte del comportamiento social a través de la visión de un taxi o mejor dicho de la visión de su conductora. Es así como observamos a distintos estamentos de la sociedad, pero también poco a poco vamos conociendo a la protagonista que tiene muchas más aristas de lo que aparenta su sencilla personalidad. Aparece la perversidad.
Que nadie duerma es una road movie que transita por la ciudad de Madrid, pero centrada en unos personajes complejos, egoístas, a veces falsos y crudos como el pavimento de la gran urbe. El cineasta busca una amalgama de realidad y ficción que unas veces es delirante, otras trepidante, pero en otras algo reiterativas por un pequeño exceso de metraje que se va a los 120 minutos sin demasiada justificación.
Malena Alterioafronta su papel más importante como plena protagonista y sale muy bien parada de la apuesta. Un gran trabajo con el personaje de Lucía que soporta casi todos los planos de la película. Ella es un mujer con una personalidad amigable hasta que le tocan el moño. ¿Se ha entendido? Le acompañan en el reparto la gran Aitana Sánchez Gijón con un personaje secundario, pero muy bien construido. Su personaje es el de una productora teatral que entabla amistad con Lucía en uno de los viajes en el taxí. Completan el reparto Rodrigo Poisón, José Luis Torrijo, Manuel de Blas y Mariona Ribas que van apareciendo en la vida de Lucía como pasajeros, vecinos o compañeros de su anterior trabajo. Todos los personajes guardan oscuridad, complejidad humana, doble moral y narcisismo. Unas joyas.
En la parte técnica destaca el buen equilibrio entre los espacios exteriores e interiores. Un buen sonido directo hace más fácil que el esfuerzo por vocalizar de los intérpretes tenga buenos frutos. Sin embargo se observa una sobreutilización de la música para crear intriga o tensión. No hablamos de que la música de Zeltia Montes sea fallida. El problema radica en que en el montaje se ha enfatizado demasiado la música que nunca debería ser el sujeto narrador, sino más bien acompañar a la idea desarrollada sin cobrar un protagonismo tan estridente.
Que nadie duerma me ha parecido un filme original, algo críptico y con un final potente que levanta una historia mundana. Esparza nos presenta un retrato generacional de una mujer que toma las riendas de su vida en un momento inesperado. En definitiva, hablamos de una película entretenida que consigue superar la parsimonia inicial con un desarrollo que siempre va a más siendo esta su mayor virtud y un buen ejemplo a seguir.
Hypnotic dirigida por Robert Rodriguez se estrena -sin saber la causa aún- en cines españoles el próximo día 27 de octubre de 2023. El filme es una coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido para el supuesto lucimiento de Ben Affleck que sigue en su loca carrera para acabar de destrozar su prestigio.
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La historia: Danny (Ben Affleck) es un supuesto vidente o hipnótico que no sabe ver que la van a robar a su hija delante de sus narices. Y se la roban. El resto de la película es una reunión de videntes tratando de encontrar a la niña que también es otra vidente en un bucle infinito. O sea, un circo.
Los asesinos de la luna dirigida por Martin Scorsese se estrena en cines españoles el día 20 de octubrede 2023. La cinta se presenta como uno de los eventos del año y está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone.
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La historia: A principios del siglo XX, el petróleo le dio una gran fortuna a la nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon y robaron tanto dinero Osage como pudieron antes de recurrir al asesinato. Película basada en una historia real y contada a través del romance entre Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) y Mollie Kyle (Lily Gladstone).
La crítica: Es evidente que Scorsese tiene todas las cualidades técnicas que le han convertido en una leyenda viva del cine. También se podría decir que la naturaleza no le ha otorgado la capacidad de síntesis. Los 205 minutos utilizados para narrar la historia son una maravilla en la técnica de rodaje, profundos cuando se recrean en retratar la ambición humana, pero carecen de la emoción necesaria para mantener la tensión en tan extenso metraje. Hablamos, por tanto, de un filme académico, plúmbeo y duro.
Los asesinos de la luna, basado en el best seller homónimo de David Grann, narra una historia estadounidense de crimen y racismo que habla del pasado de un país. Ambientada principalmente en la década de 1920, durante el ocaso del Viejo Oeste, es una crónica del acaparamiento de tierras y del surgimiento de una fuerza judicial con sus propios problemas inherentes. Nacía el FBI para tratar de controlar los desmanes de los forajidos y en el caso del retrato efectuado para investigar los crímenes que se estaban dando con la comunidad Osage.
Los asesinos de la luna se sitúa en Oklahoma y trata la historia sobre las tretas urdidas por un cacique estadounidense (Robert De Niro), que utiliza a su sobrino (DiCaprio) para cometer o urdir crímenes con el fin de despojar a los nativos de sus terrenos ricos en petróleo. También le busca esposa (Lily Gladstone) con el fin de unir familias, recursos y posibles herencias. El tema está tratado con grandilocuencia y rigor, pero Scorsese cae en subtramas más propias de una telenovela que de un filme que aparenta más de lo que lleva dentro. De hecho, en Pozos de ambición se trataba la temática de los yacimientos petrolíferos y a mi parecer de manera más seria, más solida y con un metraje de 150 minutos que parece a todas luces más apropiado para un tema tan árido y poco sentimental.
Di Caprio y Gladstone, como Ernest y Molly, cumplen a la perfección con su trabajo interpretando a una pareja que no tienen nada en común. Para Ernest todo consiste en un matrimonio de conveniencia y de escalada social. Scorsese, sitúa el drama como una historia de traición personal en la que el personaje masculino usa la confianza y el amor para seguir queriendo más: más tierra, más dinero, más influencia. Y luego está el personaje interpretado por De Niro con excelencia. También es cierto que es el mismo personaje que hemos visto ya muchas veces: un mafioso, un magnate o un capo que utiliza todo y a todos para aumentar su poder. Un personaje, por tanto, estereotipado y sin factor sorpresa.
La parte técnica de la cinta es sobresaliente y junto con el reparto la coloca como favorita para recibir un buen puñado de nominaciones a los Oscars. Todo brilla: música, diseño de producción, fotografía, vestuario, exteriores e interiores y un casting óptimo digno de quitarse el sombrero.
Los asesinos de la luna me ha parecido un filme muy trabajado, sólido en su planteamiento narrativo, pero totalmente inocuo en emoción. Y el cine sin emoción, y por supuesto sin distracción, es menos cine por muy buena técnica que consiga o por más minutos de metraje que se añadan. Una película, por tanto, más para la crítica que para el público que al final es el que paga la entrada. Y si bien Scorsese se ha ganado un sitio en el olimpo de los mejores cineastas de la historia, quizás se haya olvidado de que las historias se escriben para el disfrute de los espectadores y no para la vanagloria personal -cameo final incluido- de un círculo muy reducido de intelectuales cuyo tiempo ha pasado.
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