lunes, 29 de abril de 2024

El mal no existe: un final mal explicado derrumba la eco parábola de Hamaguchi


El mal no existe dirigida por Ryûsuke Hamaguchi se estrena en cines españoles el próximo día 1 de mayo de 2024. La cinta japonesa ganó el León de Plata -Gran Premio del Jurado- en la última edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. 

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La historia: Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokio. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza.

La crítica: Una de las funciones que tiene la crítica de cine es el poder de influencia para intentar controlar los desmanes de cineastas. Y es que a pesar de ganar el Oscar por Drive my Car a Hamaguchi se le criticó por llevar la citada película a los 180 minutos. Y como es de sabios rectificar solo cabe felicitar al director por dejar la cinta hoy reseñada en 109 minutos que es un metraje mucho más lógico para otorgar el ritmo narrativo adecuado al relato. Es de sentido común y mucho más cuando hablamos de cine de autor.

Aún así hay cosas que no tienen cura y para muestra un botón: los primeros 8 o 9 minutos de metraje consisten en un plano en movimiento sobre árboles de un bosque por lo que el "efecto melatonina" no tarda en llegar. Superada esa fase inicial, comienza El mal no existe. Título, por cierto, que corresponde a una supuesta genialidad y que es en tono irónico. Porque el mal claro que existe y en cine se podría traducir cuando una película es lenta, soporifera e impostada en su mensaje. Como esta. 

El mal no existe se asienta sobre un conflicto narrativo menor que el cineasta trata de convertir en algo universal o grandioso sin conseguirlo. Asistimos a un mero dilema municipal sobre la instalación de un camping con 50 plazas turísticas. El debate consiste en mover del plano una fosa séptica y dar vigilancia al camping como medida contra incendios. El empresario se muestra reacio y algo tan sencillo como sería denegar una licencia municipal, Hamaguchi lo trata de convertir en el fin del mundo natural. El mensaje ultra ecologista del filme está vacío y se demuestra con los propios pobladores (fuman, van en coche y talan arboles).

Nada que achacar, ni alabar en las interpretaciones así que repasemos a los personajes. Takumi es el protagonista y principal opositor a la construcción del camping. Es por tanto un amante de la Naturaleza, le encantan los animales salvajes y sin embargo olvida a menudo que tiene que recoger a su hija menor del colegio. Tanto es así que la obliga a que vuelva sola por bosques peligrosos y al final como es natural la niña se pierde. Eso sí, lo importante es que el micro-camping no se haga porque romperá el mundo natural. A la niña ya si eso que la cuide la madre. Bueno en realidad la madre no existe y tampoco se explica. ¿Murió, dejó a Takumi y a su hija, o simplemente el cineasta no quiso escribir al personaje? Ya saben, cosas de los genios. Los demás personajes son Ryuji y Ayaka que son los comerciales del camping y que se van contagiando del espíritu naturalista de los vecinos del pueblo. Dos personajes sin aristas.  

Lo mejor de la película pasa por las localizaciones del rodaje: se rueda en las montañas de Nagano. Hablamos de una reserva natural cercana a Tokio. Las bellas imágenes se complementan con la bonita música de la compositora Eiko Ishibashi. La fotografía en tonos azulados hacen que la experiencia visual y sensorial sea óptima. Lástima que guion en forma de eco parábola y personajes aparezcan en pantalla. 

El mal no existe es una película lenta, engañosa y aburrida. Dicho lo cual, a la crítica generalista le ha parecido una obra magna. Magna para dormir digo yo. Además, la película cuenta con un hándicap que va a molestar a muchos espectadores. Hablamos de un final mal explicado y peor resuelto en un giro de guion cuando la niña se pierde en el bosque. En definitiva, la nueva cinta de Hamaguchi es positiva como un inductor del sueño por eso que dicen que hay que quedarse con las cosas positivas de la vida. 

Nota: 3/10.

P.D. ALERTA SPOILER.

Final explicado de El mal no existe

Si has llegado desde la búsqueda de Google tratando de encontrar una explicación al final de la película voy a tratar de aclarar lo que pueda. Tras perderse Hana (la niña) esta aparece sola, sin daños y frente a un ciervo que la mira de manera desafiante. El padre ve la escena y está acompañado por el comercial del proyecto. El comercial trata de gritar y correr hacia la niña para salvarla. El padre le trata de hacer callar para no asustar al ciervo y en el forcejeo mata al hombre. La niña parece ser atacada por el ciervo y se ve una imagen suya con sangre saliendo por la boca. No sabemos si está muerta o inconsciente. Se escucha a una persona corriendo que pudiera ser el padre cargando a la niña y tratando de pedir ayuda. También pudiera estar huyendo por el delito cometido. 


Nacionalidad: Japón

Título original: Aku Wa Sonzai Shinai

Género: Drama 

Dirección: Ryûsuke Hamaguchi

Guion: Ryûsuke Hamaguchi

Música: Eiko Ishibashi

Fotografía: Yoshio Kitagawa

Duración: 109 minutos

Reparto: Hitoshi Omika,
Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka,
Ayaka Shibutani.

lunes, 22 de abril de 2024

Civil War: ¿profecía autocumplida?


Civil War dirigida por Alex Garland se ha estrenado en cines españoles el día 19 de abril de 2024. El nuevo filme del cineasta británico nos sitúa en un futuro cercano dónde los Estados Unidos se encuentran completamente fragmentados.

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La historia: En un futuro cercano donde Estados Unidos está sumido en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos (DeAPlaneta).

La crítica: Si una película no puede explicarse a sí misma a través de su libreto hablamos de un error de narrativa fundamental. No hablo de finales abiertos, personajes con doble cara o de que se ofrezca un filme masticado por completo. Más bien estaríamos hablando de una premisa con cierto atractivo que nunca llega a desarrollarse. Se renuncia a una explicación del contexto para crear un suspense vacuo. 

Civil War resulta una especie de profecía autocumplida que bebería del insólito asalto al Capitolio de Estados Unidos. Es cierto que la realidad suele superar a la ficción y para muestra la pandemia, la fallida invasión rusa a Ucrania o la boda del alcalde de Madrid. Por tanto, una supuesta guerra civil en USA nunca puede ser descartada, pero necesita un contexto en el que el cineasta ni se moja, ni lo explica, ni lo intenta. Sucede porque sí y nos tenemos que limitar a observar secuencias bélicas deshilvanadas entre la insurrección, civiles y cameos del ejercito regular. 

De manera independiente a las razones, el conflicto en sí, según va avanzando y llegando a los diferentes estados, se siente bien realizado en la técnica de rodaje. No se trata de una distopía aunque lo parezca: es un retrato visceral de los acontecimientos y los sonidos de la guerra. Un grupo de reporteros es el único hilo narrativo al que acogerse para tratar de tener una visión de conjunto. 

Lee es una experimentada reportera gráfica que ha retratado atrocidades y conflictos en todo el mundo, que viaja a la Casa Blanca con la esperanza de captar una última instantánea del presidente. En la caravana de periodistas coincide con una joven aspirante a fotógrafa llamada Jessie, con quien acaba compartiendo sus conocimientos, si bien de primeras lo hace a regañadientes. Quizás la mejor parte sucede cuando el grupo atraviesa el país, -ahí el filme se muestra tan road movie como película bélica- y nos enseña una realidad alternativa que progresa de manera caótica.

El reparto está encabezado por una avinagrada Kirsten Dunst en un error de casting colosal. Wagner Moura, que interpreta a Joel, compañero de la reportera cumple con su papel y para casa. Lo mejor del reparto pasa por la joven Cailee Spaeny. Ya en Priscilla se mostraba como una promesa y ahora se consolida como una de las mejores actrices de su generación. Con respecto a los personajes que interpretan todos están cortados por el mismo rasero: son torpes, toman decisiones incorrectas o absurdas y te da igual si viven, mueren o se quedan a vivir en un camping. 

La técnica, fotografía y el sonido bien. Quizás no está demás llevar tapones a la sala de cine. Las palomitas ya son opcionales porque ver matanzas y estar comiendo puede parecer de mal gusto. 

Civil War es un blockbuster sustentado por las expectativas creadas que pueden verse defraudadas como suele pasar en cualquier aspecto de la vida. La película es entretenida, pero inane. La alianza presentada por el cineasta entre Texas y California para formar las llamadas Western Forces y derrocar a un eventual gobierno pudo salir de una noche de borrachera. Ahora bien, según está el mundo ya no podríamos descartar ningún escenario. Yo mismo tuve un sueño mientras dormía: Trump volvía a gobernar, se teñía el pelo de color negro y decidía invadir México. ¿Lo del tinte suena muy loco?

Nota: 4/10.


Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Acción, Bélica

Dirección: Alex Garland

Guion: Alex Garland

Música: Geoff Barrow

Fotografía: Rob Hardy

Duración: 110 minutos

Reparto: Kirsten Dunst,
Cailee Spaeny, Wagner Moura, 
Stephen MCKinley Henderson,
Nick Offerman, Jesse Plemons.

lunes, 15 de abril de 2024

Fallen Leaves: un amor de cine


Fallen Leaves dirigida por Aki Kaurismäki se estrena en Filmin el día 19 de abril de 2024. El legendario director finlandés dedica su nueva película a una humana historia de amor premiada en Cannes.

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La historia: Ansa es soltera y vive en Helsinki. Trabaja con un contrato precario en un supermercado, abasteciendo los estantes; luego clasifica el plástico reciclable. Una noche se encuentra con un solitario trabajador llamado Holappa, un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación. 

La crítica: Woody Allen, y de paso todos los amantes del cine clásico, se sentirá pletórico al comprobar que en apenas 80 minutos Fallen Leaves consigue todos los propósitos de su sencillo y emotivo libreto. Nos hallamos ante un filme de autor que sin embargo ha conseguido ampliar su audiencia a amplias capas de público en diferentes partes del mundo. 

Hablamos de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en una salida nocturna e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo de Holappa, números de teléfono perdidos y la tendencia general de las trampas del destino de quienes buscan su felicidad.

Fallen Leaves gira sobre los temas a través de los cuales la humanidad podría tener un futuro: el anhelo de amor, la solidaridad, la esperanza y el respeto por las demás personas. La agresión de Rusia a Ucrania está muy presente a través de la radio de la protagonista. Cabe recordar que Finlandia es zona fronteriza con la Federación Rusa y el miedo a una agresión bélica está presente en la población. 

Otra de las cosas que ha enamorado de la película a los cinéfilos es que la sala de cine está muy presente. Una de las primeras citas de la pareja, como en La La Land, ocurre en el cine. Otras escenas también están rodadas en la puerta de la sala donde podemos ver algunos carteles de cine clásico. También aparece sin censura el consumo de cigarrillos, de alcohol y pequeños hurtos que hacen a la película políticamente incorrecta lo que se agradece en grado sumo. 


Alma Pöysti se graduó en la Academia de Teatro en la Universidad de Helsinki con una Maestría en Arte. Una actriz que sorprende con su interpretación de Ansa. Su personaje es el de una mujer que se gana la vida en trabajos precarios. No habla mucho, se muestra amable y sigue esperando al amor de su vida. Buen papel también de Jussi Vatanen que interpreta Holappa. Su personaje también es muy reservado, adicto al alcohol y de igual manera se busca la vida en trabajos donde suele ser despedido por la citada adicción. En el fondo hablamos de dos seres solitarios necesitados de amar y ser amados. 

Las canciones elegidas elevan el clímax de una manera notable. Una vez más se demuestra que el cine sin la música sería mucho menos cine. Las localizaciones son otra parte destacada en la técnica. Se complementan zonas industriales con la calidez del hogar de Ansa. 

Fallen Leaves es un bello cuento urbano que narra una bonita historia de amor de dos corazones solitarios destinados a encontrase. Las miradas pesan más que los diálogos. En definitiva, son dos personas que se conocen en la madurez y que han vivido algunas desilusiones por lo que deben armarse de un gran valor para arriesgarse a enamorarse a medida que van cumpliendo años. El final es tan hermoso y tierno que nos reconcilia una vez más con el séptimo arte.

Nota: 8/10.


Nacionalidad: Finlandia

Título original: Kuolleet Lehdet

Género: Romántico 

Dirección: Aki Kaurismäki

Guion: Aki Kaurismäki

Fotografía: Timo Salminen

Duración: 80 minutos

Reparto: Alma Pöysti, 
Jussi Vatanen, Anna Karjalainen, 
Kaisa Karjalainen, Janne Hyytiäinen.

lunes, 8 de abril de 2024

Menudas piezas: notable comedia española con Alexandra Jiménez como reina del tablero


Menudas piezas dirigida por Nacho G. Velilla se estrena en cines españoles el próximo día 12 de abril de 2024. La cinta española se presentó en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso. 

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La historia: Candela cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana y su padre, esos a los que lleva años mirando por encima del hombro.


La crítica: Algunas claves para que una comedia funcione deben pasar por la transgresión, también por una cierta amabilidad, por tocar algunos temas de actualidad, contener un guion con diálogos divertidos, confrontar clases sociales y sobre todo por convertir una situación dramática en algo ameno o hilarante para el espectador. En ese aspecto podríamos decir que Nacho G, Velilla supera de manera notable las claves de la buena comedia y por tanto consigue el objetivo del género. 

Menudas piezas está basada en una historia real ocurrida en 2018. Enrique Sánchez, un profesor de Instituto, apasionado del ajedrez, que aprendió a jugar con los huéspedes que se alojaban en su casa, transformada en pensión de estudiantes, consiguió una hazaña impensable: convertir a cinco alumnos de un colegio humilde, de un barrio obrero de Zaragoza, en jugadores de ajedrez que competían con la élite de otros colegios.

En la cinta reseñada se introducen los lógicos cambios para exagerar a los personajes. El profesor jubilado, pasa a ser el personaje de Candela que es una joven maestra que solo ha dado a clase en colegios de élite. En el grupo de muchachos nos encontramos de todo un poco. Se conjuga a un grupo de chicos excluidos y con problemas de integración escolar. Es decir a unas buenas piezas que encontrarán en el ajedrez su tabla de salvación. 

La superación personal, tanto de maestros como de alumnos, es el leitmotiv de una historia que además de risueña consigue ser conmovedora. La objeción principal del filme son los ciertos clichés que se ofrecen en la comparativa entre la educación pública y la privada. Sobre todo en el desarrollo de los personajes más por sus formas que por su fondo. Sin embargo se abordan con acierto temas como la integración racial, la sexualidad en los jóvenes o la propia precariedad social.


Alexandra Jiménez vuelve a reinar en la comedia española y sustenta con su interpretación la base cómica del relato. Una actriz que desde la aclamada "Toc-toc" no deja de superarse situándose como la reina del tablero nacional. Su personaje, Candela, ha sido siempre una luchadora. Su padre le enseñó a no rendirse y ella se esforzó en salir del barrio humilde donde creció. Y cuando creía haberlo conseguido -un buen trabajo, una casa de ensueño, una familia y una posición- su mundo se viene abajo al descubrir que su marido le es infiel. Tras años de sacrificio, pierde los nervios y le monta a su marido una escena con la que solo consigue perder el trabajo y la reputación que tanto esfuerzo le ha costado construirse. Se siente derrotada y su única opción es buscar refugio en la casa de su padre interpretado por un buen Francesc Orella, para descubrir que todos estos años ha estado huyendo del recuerdo de una infancia humilde y un entorno social degradado. Ahora llega el momento de redimirse a través de la enseñanza en la escuela pública e intentar sacar adelante a unos jóvenes con el mundo cuesta arriba. 

Otro personaje importante es Lope que está interpretado con solera por Luis Callejo. Su papel es el del director del Instituto Luís Buñuel en Zaragoza, aquel en el que estudió y al que ahora le intenta devolver todo lo que le dio. En esa labor se ha implicado veinticuatro horas al día desde hace años y se ha dejado la vida, las ganas y la vocación. Lope es de los que siempre ha visto la enseñanza como un servicio público y un ascensor social para los más desfavorecidos. Aunque él no lo sabe, quizás Candela sea el empujón que necesita para recuperar su motivación. O quizás sea el empujón que necesita para dejar la enseñanza. Completan el reparto de los adultos, María Adanez como hermana de Candela y Alain Hernández como la expareja de Candela que deja buenos momentos.

Los chicos y chicas hacen un buen trabajo en sus respectivos papeles. Destacaría a Pablo Louazel como el joven que con 16 años está a punto de cruzar esa delgada línea que separa al gamberro del delincuente. Si la enseñanza es un lastre para él, él también es un lastre para la enseñanza aunque también encontrará la redención a través del ajedrez. Y en la parte de las chicas destaca el papel interpretado con desparpajo por Rocío Velayos. Ella es una de las alumnas más populares del instituto. Viste, actúa y habla de forma provocativa. Se la puede reconocer fácilmente porque el botellón es su hábitat natural, la cachimba un complemento más y porque es la única del instituto que luce su embarazo como una prueba de que no es de las que piensa mucho las cosas.


En la parte técnica destaca la luminosa fotografía y las localizaciones que se sitúan en Zaragoza. La ciudad tendrá su pequeña recompensa en forma de recuerdo, ya que ha quedado hermosamente retratada en la película. También destaca la música y canciones elegidas. Entre ellas destacan temas de Ginebras, Amaral, Afro Juice, Luna Ki o el gran Serrat. 

Menudas piezas vuelve a situar a la comedia española en un buen nivel. La cinta es divertida, emotiva y con un ritmo adecuado. Con un buen reparto y una historia basada en la superación saldremos más que satisfechos de la sala de cine. El libreto está pensado para enfrentar de buen rollo a varias generaciones y que se vean retratadas ante el espejo. Nos hallamos, por tanto, ante una historia muy abierta, con grandes dosis de comedia y de emoción, que retrata muy bien el duelo generacional y la diferencia de clases sociales de sus divertidos personajes.

Nota: 7'5/10.


Nacionalidad: España

Género: Comedia

Dirección: Nacho G. Velilla

Guion: Nacho G. Velilla

Música: Juanjo Javierre

Fotografía: Andreu Ortoll

Duración: 100 minutos

Reparto: Alexandra Jiménez,
María Adánez, Francesc Orella,
Miguel Rellán, Alain Hernández, 
José Manuel Poga, Luis Callejo. 

lunes, 1 de abril de 2024

Mayday Club: alocada comedia nórdica sobre el miedo a volar


Mayday Club dirigida por Hafsteinn Gunnar Siurðsgson se estrena en cines españoles el día 5 de abril de 2024. Sigurðsson es el realizador de las ingeniosas 'Under the tree' (Buenos vecinos), que pasó por Venecia o Toronto, 'Paris Of The North' o 'Either Way' (ganadora del Festival de Turín 2011).

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La historia: Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en el remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas y volar.


La crítica: La aerofobia es un miedo irracional a realizar un desplazamiento en un avión. Según el INE entre el 5% y el 6% de la población española, más de 2,5 millones de personas, padece ansiedad antes de tomar un avión. Con esta premisa, ideal para realizar comedia, Siurðsgson nos deja un alocado retrato que resulta inverosímil y por momentos fallido. 

Mayday Club trata sobre como superar el miedo a volar a través del humor. Ahí se encuentra el reto. Para ello, un grupo heterogéneo de pasajeros fóbicos está a punto de completar un curso terapéutico de alto nivel para superar su particular pánico a volar. El objetivo final del curso es realizar un vuelo de exposición de corta distancia en el que se enfrentarán a su fobia y, en teoría, vencerán su miedo de una vez por todas.

Los miembros del grupo, desconocidos entre sí, no sólo tendrán que enfrentarse a sus propios miedos, sino también a los comportamientos, a veces chocantes, de sus compañeros de viaje. A medida que las tensiones aumentan y los conflictos se intensifican, la trama que en teoría debería tener gracia, se va desinflando a medida que avanza la acción. Va pasando el tiempo y la cinta se limita a ser una sucesión de gags que en el mejor de los casos pueden levantar una ligera sonrisa. 


Los personajes y el reparto están encabezados por Sarah, buen papel de Lydia Leonard, que es una exitosa promotora inmobiliaria de 40 años. Necesita tenerlo todo bajo control, pero una nueva variable ha entrado en su vida y está aterrorizada por cómo podría alterar el frágil equilibrio que tanto se esfuerza por mantener: está enamorada y los vuelos en avión son necesarios para su vida laboral y amorosa. 

Edward (que es protagonizado por Timothy Spall) es un veterano de guerra traumatizado. El miedo a volar es, en cierto modo, la menor de sus preocupaciones, pero actúa como una lente a través de la cual los horrores de su pasado pueden verse con mayor claridad. Sara y Edward son los personajes mejor construidos ya que el resto se limitan a ser estereotipos: una pareja de “influencers” y el instructor del grupo. 

Nada que destacar en la técnica de rodaje. Si acaso, y en negativo, una oscura e insólita fotografía para ser una comedia. Los parajes nevados de Islandia, adonde se traslada el grupo desde Londres, tampoco son aprovechados y se limitan a algunos planos generales. 


Mayday Club me ha parecido un filme discreto que intenta quitar hierro a la aerofobia y supongo que ayudar a las personas que la padecen. Otra cosa es que lo consiga. Con un ritmo trepidante y un metraje muy ajustado, el cineasta trata de hilar una aventura divertida y excéntrica consiguiendo solo lo segundo que no parece mucho bagaje. 

Nota: 5/10.


Nacionalidad: Islandia

Título original: Northern Comfort

Género: Comedia

Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Fotografía: Niels Thastum

Duración: 95 minutos

Reparto: Timothy Spall, Lydia Leonard,
Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, 
Gina Bramhill, Sverrir Gudnason.