martes, 9 de diciembre de 2025

Eternity: la vida más allá de la vida


 Eternity dirigida por David Freyne (cineasta de Dating Amber) se ha estrenado en cines españoles el día 5 de diciembre de 2025. La cinta es una comedia romántica de ciencia ficción protagonizada por Miles Teller ('Whiplash'), Elisabeth Olsen (''Bruja Escarlata") y Callum Turner ('Animales fantásticos'). 

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La historia: En un más allá donde las almas tienen una semana para decidir dónde pasarán la eternidad, Joan se enfrenta a la diabólica disyuntiva de elegir entre el hombre con el que ha compartido su vida y su primer amor, que murió joven y ha estado décadas esperando a que ella llegara (A24).


La crítica: La pregunta fundamental que subyace a la fantasía de Eternity es cuál sería, para cada uno de nosotros, la guinda que pondría al pastel más allá de su irresistible dulzura. Inspirado por las acertadas interpretaciones de un reparto principal carismático, el director David Freyne construye una visión original, divertida y romántica del más allá, que se convierte en un deslumbrante escenario visual de los sueños humanos en el que debe darse respuesta a la decisión más importante a la que uno se enfrentará jamás. Joan se enfrenta a un verdadero dilema y no hay nada como ello para enganchar al espectador. En cierta manera, y salvando las distancias, en el fondo subyace el mismo dilema que en 'Los puentes de Madison' aunque de manera invertida. La mujer debe elegir entre su primer marido del que siempre estuvo enamorada a pesar de su muerte o quedarse con su segundo marido con el que estuvo casada durante más de cincuenta años, tuvo hijos y le dio una buena vida, pero sin la pasión que sintió junto a su primer amor. Tiene una semana en una parada técnica camino de la eternidad para elegir con quién la pasa. 

Las reglas que rigen en el más allá pronto quedan claras. Cada recién llegado aterriza, aturdido y confuso, en El Cruce, una combinación de gran estación de tren, centro de convenciones y hotel de mediados del siglo XX. Aparentando la edad que tenían en la etapa de mayor felicidad de su vida, los recién fallecidos se ven bombardeados con vallas publicitarias, anuncios y mercachifles que les ofrecen opciones para la eternidad: del Mundo Sin Hombres al Mundo Capitalista, del Mundo del Surf al Mundo de la Infantilización. La cosa es que después de elegir tu destino eterno, no hay vuelta atrás. Y si no eres capaz de elegir, debes aceptar un trabajo de servicios en El Cruce y vivir en un pequeño apartamento de mala muerte hasta que estés preparado para dar el salto.

Las visiones de los reinos celestiales de un tipo u otro han atraído desde hace mucho tiempo a cineastas ambiciosos, desde Ernst Lubitsch y Powell & Pressburger hasta Warren Beatty y Albert Brooks. En Eternity, Freyne se ha tomado muy en serio esta historia, haciendo un guiño en tono de broma a las numerosas películas que antes que esta habían fijado su atención en las alturas. Pero también emplea su personal y artesanal forma de hacer cine para crear una vida en el más allá que nos hace reflexionar sobre todo lo que anhelamos en este mundo. Porque enmedio de El Cruce hay un centro comercial que cubre todas las posibilidades y que ofrece a su clientela todas las obsesiones, los sueños imposibles y los finales felices que alguna vez han sido la ilusión de alguna persona. Está diseñado para que la gente entre y salga lo más rápidamente posible. La laboriosa construcción de un mundo cuya única fuente de inspiración solo podía ser una imaginación desbordante ha llevado a Freyne al límite de su creatividad. Pero el punto en el que ha anclado la narración es un enfoque, tierno y delicado como las nubes, con el que aborda a los personajes de la historia. En el debe de la historia se echa en falta más humor y menos melodrama ya que en el fondo hablamos de una comedia. Me faltan carcajadas y me sobran algunas reiteraciones sobre el amor. 


¿Qué importa más? ¿la electrizante tensión de la pasión juvenil sin límites o la inquebrantable devoción de décadas juntos? Esa es la disyuntiva a la que Joan, magnífica Elizabeth Olsen, tiene que enfrentarse al darse cuenta de que tanto su primer como su segundo marido desean pasar la eternidad con ella. Teller aborda el personaje de Larry como el de hombre normal y corriente, fiable, con el que es fácil identificarse, un padre de urbanización de buen carácter y un poco gruñón, más interesado en superar los obstáculos del día a día que en alcanzar las estrellas. Luke, interpretado con corrección por Turner, fue un soldado que murió en combate en 1953, ha estado esperando el momento oportuno trabajando como camarero en El Cruce, escuchando entre copas las historias de los que pasaban por allí. Físicamente aún en la veintena y lleno de sueños por cumplir, Luke sigue siendo tan gallardo y galante como cuando cautivó a Joan en la década de 1950. Y tiene la intención de volver a hacerlo.

En la técnica de rodaje destaca el esfuerzo del equipo creativo que aporta profundidad, textura y tangibilidad a un mundo suspendido a medio camino entre la fantasía y el caos burocrático cotidiano de un lugar de trabajo terrenal. En la película, Luke y Joan se sienten atraídos por el Mundo de las Montañas para realizar en él su prueba de eternidad, con sus impresionantes vistas de lagos cristalinos y cielos. Para lograr esta idílica fantasía alpina, el equipo de producción buscó y eligió una ubicación celestial: Squamish, en la Columbia Británica, con sus vistas gemelas de Howe Sound y las imponentes Coast Mountains. Para El Cruce, se realizó una estructura circular brutalista con ventanas que dan a acantilados pintados y con un sistema de altavoces a través del cual suena el canto de los pájaros. Es un mundo absolutamente artificial, orientado por completo a la venta. El caos y la disparatada variedad de anuncios responden a un propósito; desde las fantasías desfasadas hasta lo más mundano para una elección rápida y segura de la eternidad. 

Eternity es original, disparatada en el mejor de los sentidos y reflexiva cuando se pone profunda. No es una película perfecta, pero tampoco lo busca. Más bien nos hace preguntarnos o jugar con los dilemas a la salida del cine. Al final del filme, muchos espectadores saldrán de la sala preguntándose: ¿cómo sería mi eternidad perfecta? Otros dirán: ahora tengo más claro que nunca que el cielo no existe. Y si existe, prefiero el infierno en el que seguro hay mucha más diversión, música y rock and roll. Para concluir ya y en definitiva, hablamos de una cinta en la que se desata un triángulo amoroso en el lugar más inesperado: el más allá. De este concepto fantasioso surge una comedia romántica, audaz y conmovedora; un viaje a una visión pop de la existencia ultraterrenal y del valor que damos a una vida de amor y felicidad.

Nota: 6/10. 


Nacionalidad: EE UU

Género: Ciencia-ficción

Dirección: David Freyne

Guion: David Freyne

Música: Dave Fleming

Fotografía: Ruairi O'Brien

Duración: 112 minutos

Reparto: Elizabeth Olsen,
Miles Teller, Callum Turner, 
John Early ...

martes, 2 de diciembre de 2025

La voz de Hind: emotivo retrato de la barbarie en Gaza


La voz de Hind dirigida por Kaouther Ben Hania se ha estrenado en cines españoles el día 28 de noviembre de 2025. La propuesta presentada en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) es la película elegida por Túnez para representar al país en la carrera por el Oscar.

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La historia: 29 de enero de 2024. Los voluntarios de la Media Luna Roja reciben una llamada de emergencia. Una niña de 6 años está atrapada en un coche bajo fuego en Gaza, suplicando ser rescatada. Mientras intentan mantenerla en la línea, hacen todo lo posible por enviarle una ambulancia. Su nombre, Hind Rajab (Caramel Films).

La crítica: Al igual que en The Guilty y en Víctima imperfecta la acción se sitúa en una centralita de emergencias. Allí observamos a los operadores, casi en tiempo real, en su lucha desesperada por tratar de hacer llegar una ambulancia hacia una niña. Ésta solicita ayuda desde un teléfono móvil mientras está atrapada en un coche masacrado por el ejercito israelí con más de 300 impactos de bala. En el automovil viajaba con su familia intentando sortear las bombas, pero cómo es bien sabido las fuerzas armadas de Israel no respetan las mínimas reglas de la guerra. Han bombardeado ambulancias, hospitales, edificios residenciales y en el caso que relata la cinta incluso disparaban sin complejos a familias de civiles que solo trataban de escapar del horror. Ojalá que estos criminales de guerra ardan en el infierno o al menos el genocida de Netanyahu acabe en prisión para el resto de su miserable vida. 

La voz de Hind no necesita inventar horrores: le basta con reproducir la grabación real de la niña aterrorizada hablando con la operadora de la Media Luna Roja mientras los tanques israelíes se acercaban. Esa grabación, que recorrió el mundo en febrero de 2024, generó rabia durante unos días y luego fue sustituida por otras imágenes. El cine la rescata, la amplía, le pone rostros, nombres, madres que gritan, y la convierte en algo que no se puede deslizar tan fácilmente con un scroll. El espectador sale de la sala con la voz de Hind resonando en la cabeza, y esa resonancia es brutal: es la prueba de que alguien intentó borrarla y no lo consiguió.

El cine de denuncia no sustituye a la justicia internacional ni a la acción política, pero sí cumple una función que ningún informe de la ONU, por detallado que sea, logra: humaniza a las víctimas hasta el punto de hacerlas imborrables. Cuando imagines a Hind escondida en un coche rodeado de cadáveres, ya no podrás reducir su muerte a una baja colateral ni a un daño inevitable en zona de guerra. La convertirás, quieras o no, en alguien cuyo nombre merece ser recordado. Y eso es exactamente lo que más temen los aparatos de propaganda que justifican limpiezas étnicas, bombardeos indiscriminados y asedios totales: que recordemos nombres. Que Hind Rajab, o los cientos de periodistas y médicos asesinados dejen de ser estadísticas y se conviertan en fantasmas que les persigan.

Por eso películas como La voz de Hind son urgentes y necesarias. Porque mientras los tanques se retiran y las cámaras de televisión se van, el cine se queda. Se proyecta en festivales, en aulas, en salas pequeñas de barrios humildes, en cines grandes y en plataformas. Y cada vez que alguien la ve, el intento de borrar Gaza fracasa un poco más.

El elenco, compuesto íntegramente por actores palestinos, incluye a Saja Kilani en el rol de Rana Hassan Faqih, la operadora que mantuvo la conversación con Hind, transmitiendo empatía y urgencia.  Clara Khoury da vida a Nisreen Jeries Qawas, otra figura clave en la coordinación, aportando profundidad emocional al equipo.  Finalmente, Amer Hlehel encarna a Mahdi M. Aljamal, destacando el compromiso humanitario en medio del caos. Estos personajes, inspirados en personas reales, humanizan la denuncia contra los crímenes de guerra, haciendo del film un testimonio inolvidable.

En la técnica de rodaje destaca su enfoque híbrido entre el documental y la ficción, ya que integra grabaciones reales de audio con escenas dramatizadas para recrear la tragedia de Hind Rajab. La fotografía y el manejo de cámara brilla al utilizar encuadres en pantalla ancha y tomas a mano alzada que generan una sensación real en el centro de llamadas de la Media Luna Roja, serpenteando entre escritorios y mapas digitales de Gaza en ruinas, lo que intensifica la urgencia y el realismo. La música es utilizada de manera muy escasa (yo la hubiera dejado sin ella) y el metraje de 90 minutos es totalmente acertado. 

La voz de Hind funciona bien como vehículo cinematográfico, pero sobre todo es útil en lo que ya empieza a suceder: en un mundo saturado de imágenes efímeras y titulares que duran apenas unas horas, el cine sigue siendo uno de los pocos instrumentos capaces de fijar el dolor en la memoria colectiva. Porque el olvido ya está ocurriendo. A medida que pasan los días desde los acuerdos de alto el fuego y los anuncios de “planes de paz” (por frágiles y parciales que sean), la atención global se desplaza con una velocidad aterradora. Las cadenas de noticias rotan sus portadas, los algoritmos premian otros conflictos, otros escándalos, otras tragedias más recientes. Gaza, que durante meses concentró la indignación mundial, comienza a desvanecerse del relato colectivo como si sus muertos, amputados, heridos y sus barrios arrasados solo fueran una fase más de un ciclo interminable que ya se solucionará. No se solucionará si se olvida. Es por eso que la posibilidad de ser nominada al Oscar pudiera ayudar a mantener viva la esperanza de hacer justicia universal.

Nota: 7'5/10


Nacionalidad: Túnez

Género: Drama

Dirección: Kaouther Ben Hania

Guion: Kaouther Ben Hania

Fotografía: Juan Sarmiento G.

Música: Amin Bouhafa

Duración: 90 minutos

Reparto: Motaz Malhees, Saja Kilani,
Amer Hlehel, Clara Khoury

martes, 25 de noviembre de 2025

Blue Moon: Ethan Hawke magistral en una arriesgada apuesta de Richard Linklater


 Blue Moon dirigida por Richard Linklater se estrena en cines españoles el próximo día 28 de noviembre de 2025. El director de "Boyhood" y "Antes del amanecer" -entre otros muchos éxitos- nos presenta una arriesgada apuesta de cine de arte y ensayo poco corriente en el cine de actualidad. 

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La historia: Biografía del legendario letrista de Broadway, Lorenz Hart. La noche del 31 de marzo de 1943, Hart se enfrenta a su nula autoestima en el bar Sardi's mientras su antiguo colaborador Richard Rodgers celebra el estreno de su musical «Oklahoma!».
(Sony Pictures). 


La crítica: ¿Quién fue, Lorenz Hart? La respuesta breve es la siguiente: fue el creador de la letra de la famosa canción que da título a la película. Blue Moon ha sido interpretada, entre otros, por Frank Sinatra, Billie Holiday, Elvis Presley, Liam Gallagher, The Mavericks, The Platters, Dean Martin, The Supremes y Rod Stewart.
¿La escuchamos?

 

La respuesta más elaborada sobre quién fue Lorenz Hart es la siguiente: Lorenz Milton Hart, nació en Harlem, New York el 2 de Mayo de 1895 y falleció a los 48 años, también en New York, el 22 de Noviembre de 1943. Hijo de judíos emigrantes de Alemania. Sus conocimientos de ambos idiomas le llevaron a adaptar obras de teatro del alemán al inglés, para los hermanos Shubert con los que estuvo trabajando en 1918. Pero su paso a la fama va de la mano de su socio Richard Rodgers que musicalizaba las letras que él componía. Durante más de 20 años combinaron sus respectivas genialidades para crear una serie de musicales de éxito como Pal Joey, Los Hijos de la Farándula, Muchachos de Siracusa y On Your Toes. Leyendas de Broadway en definitiva. Explico todo esto pues al ser una temática muy local de Estados Unidos puede que no sea conocida por todos y el contexto es básico para enfrentarse al visionado del filme. 

Con Blue Moon me ha pasado lo que a veces sucede con novelas o películas. Ganas de abandonar en mitad de la trama y tener la paciencia de esperar a que salte la chispa. Es por tanto una cinta en la que cuesta entrar, pero cuyo tercio final te congracia con el buen cine y los buenos diálogos. Uno de los motivos que crea impaciencia es un cierto aire claustrofóbico pues la historia se desarrolla en un solo espacio -básicamente la barra del bar Sardi's en Nueva York-. Luego está la patológica verborrea del protagonista a la que cuesta acostumbrarse. Sin embargo, una vez que nos vamos familiarizando con Lorenz Hart, lo vamos comprendiendo, empatizando e incluso soltando alguna carcajada ante las ocurrencias del guionista que realiza un trabajo excepcional. 

La película se inspira en la correspondencia que mantuvieron Hart y una joven, cartas que Kaplow investigó para escribir el guion. De la mujer no se sabe mucho, más que se llamaba Elizabeth y que mantenía una fluida correspondencia con Hart. En el tercio final de la cinta la joven entra en escena y cambia el rumbo de la película que hasta ese momento se centraba en el declive profesional de Hart. Se debió, en parte, a su adicción al alcohol, que lo convirtió en un compañero creativo distante y complicado. Pero no es una película sobre la adicción, sino sobre una persona adicta y cómo quienes sufren de adicción buscan aquello que piensan que les va a sanar. Más bien el filme es un tratado sobre el éxito y declive profesional, la egolatría y sobre el amor no correspondido. En esto último encontramos la esencia y la clave emotiva del relato. 


Ethan Hawke realiza un trabajo magistral interpretando a Lorenz Hart. Debería estar en la carrera por el Oscar a mejor actor protagonista. Pero aún no he hablado del resto de reparto y personajes. Eddie, el camarero del Sardi’s, es casi como un terapeuta para Hart tras haberle servido copas y escuchado sus divagaciones en innumerables ocasiones. Correcto trabajo de Bobby Cannavale. El talentoso actor Andrew Scott (All Of Us Strangers, Ripley) interpreta a Richard Rodgers -el compañero de trabajo de Hartz- que  se siente desencantado con él. Su reencuentro en el bar confirma el final de su relación profesional. Y por último destacar a Margaret Qualley (La sustancia) que realiza un breve, pero apoteósico papel interpretando a la joven Elizabeth. El diálogo que mantienen Hawke y Qualley es de una maestría total. En esos minutos encontramos la esencia de la película en la que se combina el humor, las confesiones sexuales, la vejez versus la juventud, el amor y el desamor, la ilusión y la vitalidad y tantas cosas que no cabrían en una crítica de cine. Sencillamente antológico. 

En la técnica de rodaje destaca la preciosista fotografía en tonos muy saturados que combinada con la dirección de arte logran una composición visual muy bella. Asimismo el vestuario y la música nos transportan hacia el año 1943 pareciendo que estuviéramos viendo una película clásica. 

Blue Moon es en definitiva una cinta en la que me ha costado entrar y sin embargo una vez inmerso en ella me ha costado salir e incluso la he saboreado durante días. Hart puede describirse como un personaje trágico, pero es su humanidad y su ingenio lo que destaca por encima de todo. La película es un emotivo alegato al amor en todas sus dimensiones y por tanto también al desamor. Y es que este irrumpe en él en varias capas: la profesional y la personal. En última instancia, la cinta nos recuerda que el amor y el desamor no son polos opuestos, sino hilos entretejidos en el tapiz de la existencia humana, donde la tragedia de Hart se convierte en un espejo para nuestras propias vulnerabilidades. 

Nota: 7/10.


Nacionalidad: EE UU

Género: Biografía-Drama

Dirección: Richard Linklater

Guion: Robert Kaplow

Fotografía: Shane F. Kelly

Música: Graham Reynolds

Duración: 100 minutos

Reparto: Ethan Hawke, 
Margaret Qualley, 
Bobby Cannavale, Andrew Scott ...

martes, 18 de noviembre de 2025

The Home: mala con avaricia

The Home dirigida (es un decir) por James DeMonaco se estrena por desgracia en cines españoles el día 21 de noviembre de 2025. Este vulgar bodrio de terror está protagonizado por Pete Davidson (El Escuadrón Suicida, Bodies Bodies Bodies).

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La historia: Max (Pete Davidson) es un chico malote que acepta hacer servicios comunitarios en un asilo de ancianos tras realizar actos vandálicos en la vía pública (ojo a la mala leche de la premisa que viene a decir que es un castigo el cuidar ancianos). Lo que empieza como una condena aburrida se convierte en una pesadilla ya que empieza a ser perseguido por abuelos que hemos de suponer son zombies/demonios/fantasmas (nadie lo sabe, ni el guionista), y todo se convierte en un circo hasta llegar a un final esperpéntico.  

La crítica

Malísima

Asquerosa

Lamentable

Anémica

Cutre
Ominosa
Negativa

Anormal

Vacua

Anticine

Repulsiva

Inane

Cínica

Irresponsable

Agónica

Nota: 0/10.

P.D. Actualización de última hora (no es broma): aunque Sensacine, el póster oficial (véase abajo) y otros medios siguen marcando la fecha de estreno para el 21 de noviembre, el estreno en España se llevó a cabo el 24 de octubre (casi a escondidas) de manera exclusiva en algunos cines de la cadena Cinesa. No se aportan datos de taquilla ni por Cinesa, ni por la distribuidora, ni por ningún medio oficial. Seguiremos actualizando si hay alguna novedad (estreno en plataformas, etc) aunque esto ya es solo para masoquistas cinematográficos entre los que me encuentro je, je. Vaya circo. La cinta se estrenó en EE UU el pasado 25 de julio con una recaudación de un millón y medio de dólares. En cualquier caso, la crítica se deja publicada como homenaje a las películas más malas que la sarna.


Nacionalidad: EE UU

Género: Terror

Dirección: James DeMonaco

Guion: James DeMonaco

Fotografía: Anastas N. Michos

Música: Nathan Whitehead

Duración: 97 minutos

Reparto: Pete Davidson, John Glover,
Bruce Altman, Marilee Talkington ...

martes, 11 de noviembre de 2025

La larga marcha: previsible, monótona y aberrante


La larga marcha (y tan larga) dirigida por Francis Lawrence se estrena en cines españoles el próximo día 14 de noviembre de 2025. La cinta es una inoperante adaptación de un libro de bolsillo escrito por Stephen King en 1967 y publicado en 1979. 

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La historia: En un futuro distópico, cien adolescentes participan en una brutal competición donde deben caminar sin descanso: si se detienen o reducen la velocidad de la marcha, mueren. Solo uno sobrevivirá.
(Diamond Filmes).


La crítica: En la sinopsis oficial (véase 'La historia') nos acaban de contar la película hasta el final. Pero por si no quedaba claro, en los primeros cinco minutos del bodrio reseñado ya sabemos que vamos a asistir a una sucesión de 99 ejecuciones y solo nos queda saber quien ganará la "competición". Aguantar a estos personajes adolescentes durante 108 minutos ha sido peor que intentar ligar en una biblioteca usando solo la mímica y estando borracho. 

La larga marcha es la demostración perfecta de que no todas las novelas pueden, ni deben adaptarse al cine por más que nos guste el maestro Stephen King. Es decir, lo que a veces funciona en literatura es imposible que funcione en cine por cuestiones técnicas o narrativas. Y sí, aunque la premisa de salida pueda resultar atractiva o no, la plasmación cinematográfica es plana, fallida y sobre todo aburrida. Las reglas de la competición son muy simples: si bajas la velocidad de 5 kilómetros por hora, te darán un aviso. Si te paras, te darán un aviso. Si das la vuelta, te darán un aviso. Al tercer aviso, recibes tu disparo mortal. Pero vuelvo a incidir, ¿Qué interés o intriga puede tener el que vayamos a ver la muerte de todos los concursantes menos uno? Bueno...lo único es ver quien es el que gana y se lleva el millonario premio. Pero permitidme la maldad, ya puestos que se hubieran cargado a los 100 de golpe y a ser posible en un metraje de no más de 15 minutos. 

Un problema añadido son los insípidos -y a veces tontos diálogos- que tenemos que soportar entre los muchachos que se han apuntado a este reto kamikaze. Son charlas y más charlas entre filosóficas y absurdas sobre el mundo en el que viven: una sociedad dictatorial y fanática en la que se ha convertido Estados Unidos en la historia narrada. 


A los actores ni los conozco, ni los quiero conocer. Cumplimento a modo de notario marciano: la cinta entera se cuenta desde la perspectiva de Raymond Garraty (Cooper Hoffman), un joven angustiado por el espectro de su padre y resuelto a competir para suavizar la cargada vinculación que sostiene con su madre (Judy Greer). En torno a él emergen los demás concursantes, que para ajustarse a la época presentan un espectro de pluralidad étnica y racial inexistente en la obra primigenia. De este modo, Peter McVries (David Jonsson) pasa a ser afroamericano, Hank Olson (Ben Wang) en heredero de raíces asiáticas y Collie Parker (Joshua Odjick), en portavoz de las naciones indígenas. En fin...

Lo único que puntúa de la película es la técnica de rodaje. Buena fotografía, montaje y la elección de los espacios escenográficos.  

La larga marcha es a mi juicio una película previsible, monótona y aberrante. Una pérdida de tiempo en el mejor de los casos y una invitación al suicidio para las personas que la vean y estén justas de ánimo. Otra opción más plausible es salirse del cine a los diez minutos e irse a casa a mirar una pared en blanco durante 30 minutos que seguro será mucho más divertido. Si es posible sentados en una buena silla que tampoco es cuestión de estar de pie. Fin. 

Nota: 2/10. 


Nacionalidad: EE UU

Título Original: The Long Walk

Género: Distopía

Dirección: Francis Lawrence

Guion: JT Mollner

Fotografía: Jo Willems

Música: Jeremiah Fraites

Duración: 108 minutos

Reparto: Cooper Hoffman, 
David Jonsson, Mark Hamill,
Judy Greer, Roman Griffin Davis.

martes, 4 de noviembre de 2025

Reversión: experimento en familia


Reversión dirigida por Jacob Santana se estrena en cines españoles el próximo 7 de noviembre de 2025. La película hispano-dominicana está protagonizada por Jaime Lorente, Belén Rueda, y Fernando Cayo. 

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La historia: Mario se muda a una nueva casa con sus padres y con su hermano mayor David, al cual está muy unido. Mario sufre episodios de ansiedad y falta de concentración, por lo que está tomando una medicación de manera regular. Una tarde lluviosa, Mario presencia como secuestran a su hermano mayor. Después de 19 días de angustiosa espera, David vuelve a casa, pero no recuerda nada de su desaparición. Desde ese momento, Mario nota suficientes cambios en la personalidad y el comportamiento de su hermano mayor como para empezar a creer que la persona que ha regresado no es su verdadero hermano (AF Films).

La crítica: La intriga o suspense en el cine es un poderoso vehículo de emociones que despierta la curiosidad y mantiene al espectador al borde del asiento. Este género, con su capacidad para tejer misterios y sorpresas, fomenta la empatía al conectar al público con los personajes en su búsqueda de respuestas. La intriga promueve valores como la perseverancia, al mostrar a personajes que no se rinden ante lo desconocido, y la astucia, al desafiar la mente con giros inesperados. Además, fortalece la reflexión, invitando a cuestionar la realidad y explorar dilemas morales en este caso en un entorno familiar. En cualquier caso, la intriga debe dar paso a una narrativa que cuadre todos los aspectos tratados sin que algunos puntos parezcan inverosímiles aunque hablemos de una ficción. Por tanto, el suspense debe estar supeditado a un bien mayor que es el conjunto entre narración y credibilidad. 

Para ser coherente con el párrafo anterior trataré de no desvelar la intriga de la propuesta pues cualquier palabra de más o spoiler rompería lo propuesto por el cineasta. Así que sobrevolaremos por la historia tocando los temas de fondo que trata, pero sin entrar en mucho detalle de lo que sucede con los protagonistas y que les lleva a comportarse extrañamente. 

El filme es como un juego de espejos narrado de manera no cronológica. Todo lo que creemos saber sobre Mario y su familia gira de forma inesperada hacia la mitad de la trama encontrándonos ante un rompecabezas colosal. No obstante, en el final de Reversión podremos atar todos los cabos que incluso invitan a un segundo visionado. La parte central sobre la que no puedo desvelar demasiado nos hace ver que Mario está siendo sometido a un experimento con hipnosis por parte de su familia en el que nada es lo que parece. Un crimen sin resolver es sobre lo que pivota el relato en el intento de desentrañar lo oculto, celebrando así el poder de lo impredecible. Aún así, los numerosos giros me parecen excesivos. 

El núcleo de esta cinta radica en que el público emprende el mismo periplo inquietante y exasperante que el personaje principal. Dispone de idéntica información que él, ni más ni menos. Las mismas pistas para construir un rompecabezas de misterio y tensión que se despliega en ambas direcciones temporales, proyectándose hacia el porvenir mientras nos interrogamos sobre qué ocurrirá, y atendiendo al ayer para comprender qué nos ha conducido hasta este punto. También aborda la salud mental, la necesidad de identificar a los falsos cómplices, el temor al futuro y el pavor a desentrañar el pasado de una niñez marcada.

Jaime Lorente realiza un papel muy trabajado del personaje de Mario. Atormentado y depresivo no comprende lo que está sucediendo con su familia tras un cambio de casa. Allí trata de recuperarse de una depresión lo cual no le impide ver el extraño comportamiento familiar. David, su hermano, -correcto papel de Manuel Vega- se muestra angelical hasta que evoluciona de manera muy ambigua. Los ya veteranos en el cine, Fernando Cayo y Belén Rueda, nos dejan las mejores interpretaciones como secundarios de lujo. Sus personajes son los padres de Mario -o no- y le tratan con cariño aunque son demasiados vigilantes con él. 

En la técnica tenemos que destacar la colaboración entre España y la Republica Dominicana donde se ha rodado parte de la película. Sin embargo, al ser una cinta de interiores y pocos exteriores se podría haber rodado en Albacete y ni nos habríamos dado cuenta. La película no se posiciona geográficamente y solo sabemos que estamos en las afueras de una ciudad ficticia en la que conviven de manera algo inverosímil una mezcla de personajes españoles y dominicanos sin que encontremos una explicación a esto. La fotografía es un tanto oscura y aunque no soy partidario, es cierto que imprime tensión e incluso algo de terror a la trama. La música es muy acertada enfatizando la intriga del relato. 

Reversión aparenta ser un thriller psicológico audaz con una idea atractiva, pero con defectos en su desarrollo, lo que generará opiniones divididas. Si buscas un filme que explore la ansiedad, los puzzles narrativos y la intriga, podría captar tu atención. No obstante, si prefieres una narrativa más robusta y consistente, es probable que los múltiples giros le quiten algo de credibilidad a un guion que nos guste más o nos guste menos conlleva un trabajo muy meritorio. 

Nota: 6/10.


Nacionalidad: España - Rep Dominicana

Género: Thriller

Dirección: Jacob Santana

Guion: Jacob Santana

Fotografía: David Azcano

Duración: 101 minutos

Reparto: Jaime Lorente, Manuel Vega, 
Belén Rueda, Fernando Cayo.....

martes, 28 de octubre de 2025

Los domingos: enamorada de Dios


Los domingos dirigida por Alauda Ruiz de Azúa se ha estrenado en cines españoles el día 24 de octubre de 2025. El filme español fue el gran triunfador del Festival de San Sebastián llevándose la Concha de Oro a la Mejor Película entre otros premios. 

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La historia: Ainara (Blanca Soroa), una joven idealista y brillante de 17 años, ha de decidir qué carrera universitaria estudiará. O, al menos, eso espera su familia que haga. Sin embargo, la joven manifiesta que se siente cada vez más cerca de Dios y que se plantea abrazar la vida de monja de clausura. La noticia pilla por sorpresa a toda la familia provocando un abismo y una prueba de fuego para todos (BTeam Pictures).


La crítica: Con Cinco lobitos la cineasta ya exploraba las relaciones familiares de manera intensa. Ahora en Los domingos profundiza, reflexiona y nos hace pensar a través de un dilema al que se enfrenta una adolescente. Y es que más allá de las vocaciones, ¿tiene sentido que una niña de 17 años quiera o se planteé pasar el resto de su vida como monja de clausura? En la era de Tik Tok a muchos les sonará a chino. 

La cinta española ha generado las máximas expectativas posibles tras su galardón en Donosti y ser calificada por algún portal importante de cine como la mejor película de 2025. Como norma general cuando vamos a la sala con las expectativas muy altas es más probable que la decepción o el "no es para tanto" surga entre el público. En este caso, y tras una media hora inicial algo titubeante, cabe decir que ese ritmo de menos a más es la clave para igualar o superar las expectativas mencionadas y encontrarnos con una gran película. El cine español vuela alto. 

Ruiz de Azúa nos inquiere con las siguientes preguntas: ¿Por qué alguien desea ser monja de clausura a esa edad? ¿Por qué decidir alejarse del mundo justo cuando comienza su vida adulta? ¿Cómo convencer a alguien de que vale la pena esa vida adulta cuando el mundo exterior puede ser incierto y difícil? ¿La falta de vocaciones puede convertir a los colegios religiosos en un "coto de pesca"? ¿Existe la llamada de Dios? 

Los domingos tiene una narrativa centrada en la propuesta de Ainara,  que en principio es solo pasar una o dos semanas conviviendo en el convento sin ningún compromiso, y en las reacciones familiares que esto conlleva. Por lo general la lógica impera en la familia retratada y la joven es aconsejada para que estudie su carrera universitaria, disfrute de su juventud y después decida si realmente la vida monacal es lo suyo. 

Pero, Ainara, siente la llamada de Dios a sus 17 años y ante eso dice que poco puede hacer. Ainara, con lágrimas de gozo, se confiesa enamorada de Dios. Su amor no es como los demás; es un fuego que arde sin consumir, un abrazo eterno que llena cada rincón de su ser. Dejarlo todo no es sacrificio, sino liberación. Pero la cineasta también contrapone esas ideas a través de otros personajes agnósticos por lo que deja que sea el espectador el que determine y concluya con su propia perspectiva.  


Ainara es interpretada de manera muy notable por Blanca Soroa que se postula al Premio Goya como mejor actriz revelación de este 2025. Una actuación sutil, pausada y convincente. Su personaje es muy parecido: una chica educada, que sabe escuchar a todas las partes y que además sabe explicar el momento por el que está transitando. Patricia López Arnaiz, su tía en el filme, siempre excelente, es su antitesis en la historia y trata de convencerla por todos los medios de que está equivocada. El padre de Ainara, interpretado con corrección por Miguel Garcés se mantiene en una posición más neutral. Quedó viudo y parece más centrado en una nueva relación y en sus problemas que en lo que explica su hija. 

A mi juicio la única pega de la película es la floja iluminación o la falta de luz en algunas secuencias. Es cierto que la cineasta se empeña en rodar con luz natural y eso es lo que ensombrece la fotografía en algunos momentos. No obstante es una pequeña objeción ya que lo que sucede en pantalla no es Technicolor, pero es "visible". Por otro lado, destaca el sonido directo, el montaje y la buena escenografía. También destaca la bella música coral.

Los domingos me ha parecido una película sensacional, muy sólida en su argumento y con un final muy emotivo logrando con ello una obra para la posteridad del cine español. Lo trascendente del filme se encuentra en el convento, pero también más allá de sus muros. No se trata de una dimensión espiritual ligada a la religión, sino afectiva. Ese algo intangible que envuelve a todos. La delicadeza de las cosas. La pérdida de seres queridos. Las separaciones que acontecen sin gritos ni conflictos. Los primeros amores llenos de dudas. Los vacíos que se forman mientras parece que nada pasa. El anhelo de amar o ser amados que nos sigue a lo largo de toda la existencia y la percepción de que todos necesitamos confiar en algo, en alguien o en nosotros mismos. 

Nota: 9/10. 


Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Alauda Ruiz de Azúa

Guion: Alauda Ruiz de Azúa

Fotografía: Bet Rourich

Duración: 115 minutos

Reparto: Patricia López Arnaiz,
Blanca Soroa, Miguel Garcés, 
Juan Minujín ...

martes, 21 de octubre de 2025

La cena: el arte de la tragicomedia

 
La cena dirigida por Manuel Gómez Pereira se ha estrenado en cines españoles el día 17 de octubre de 2025. El filme español está protagonizado por Mario Casas y Alberto San Juan acompañados de un reparto coral formado por Asier Etxeandia, Nora Hernández, Elvira Mínguez y Eva Ugarte. 

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La historia: Dos semanas después de acabar la Guerra Civil, Franco solicita una cena de celebración en el Hotel Palace. Un joven teniente, un maître meticuloso y un grupo de prisioneros republicanos expertos en cocina, deben preparar un banquete impecable en tiempo récord. Todo parece ir sobre ruedas, pero en la cocina se trama algo más que un menú.


La crítica: La tragicomedia es un género que fusiona lo trágico y lo cómico, ofreciendo una experiencia narrativa rica y compleja: momentos de dolor y alegría coexisten, generando empatía y conexión con el público. Ejemplos destacados son: La vida es bella (1997), que mezcla el horror del Holocausto con humor y ternura; El club de los poetas muertos (1989), donde la inspiración convive con la tragedia; o Jojo Rabbit (2019), una sátira que aborda el nazismo con ingenio y humanidad.

La cena se inspira en la obra de teatro "La cena de los generales", de José Luis Alonso de Santos. Ambientada en el contexto real de la Guerra Civil, La Cena retrata un hecho ficticio y parte de una premisa muy ingeniosa y de una situación insólita: un banquete que quiere dar el mismísimo General Franco en el Hotel Palace de Madrid como colofón a una terrible guerra civil, viajando a través de lo trágico y lo humorístico en el patetismo de la situación: inmediata posguerra, cárcel, represión, miedo, muertos, odios, hambruna y fracaso colectivo. Franco intenta hacer ver la vuelta a la normalidad cuando la posguerra acaba de empezar. 

En cualquier caso el tono cómico es el que prevalece con una situación insospechada para los empleados del Hotel Palace. De hecho, el hotel en la cinta estaba reconvertido en un hospital para heridos de guerra y lo que menos pensaban eran en dar banquetes. El lío en el que están metidos los personajes es morrocotudo. Deben trasladar el hospital y quirófanos a las plantas superiores, conseguir los mejores cocineros que además estaban encarcelados, también contratar a una orquesta y conseguir la comida perfecta para no defraudar al Caudillo. Todo se va convirtiendo en un vodevil que va haciendo las delicias de los espectadores. 

La cena tiene un tempo muy atractivo, con un ejercicio de precisión propio de la comedia: la acción se desarrolla en un día, desde las ocho de la mañana hasta la madrugada y a medida que pasa el tiempo el encargo se convierte en una bomba de relojería, no habrá marcha atrás. El espacio debe reunir un escenario tan atractivo e hiperrealista donde el espectador se sumerja en la imparable peripecia de los personajes que se mueven en un Madrid de la inmediata posguerra y el Hotel Palace como centro de acción de la película consolida un trabajo visual potente.


Alberto San Juan, como el maître del hotel, ofrece una interpretación sensacional. Ingenioso, irónico y tenaz, su personaje encarna la oposición discreta de la gente frente al sistema, con conversaciones mordaces que desencadenan las risas. Mario Casas, en el papel del teniente Molina, interpreta con encanto y hondura a un militar fiel pero desbordado por una tarea inalcanzable, otorgando al personaje una fragilidad humorística que intenta otorgar humanidad a un hombre superado por las circunstancias. El elenco colectivo deslumbra de igual manera. Asier Etxeandía aporta originalidad y miedo como un falangista ocupado de supervisar el banquete, mientras Elvira Mínguez infunde sensibilidad y vigor en su papel de cocinera sagaz. Unidos, estos actores no solo animan a personajes intricados —definidos por fidelidades enfrentadas y deseos contenidos—, sino que convierten un episodio histórico en un cuadro vibrante de la España fragmentada. Su dinámica vibrante asegura que La Cena sea un placer memorable, combinando humor ácido con una sensibilidad profunda. Se echa de menos más papel para Franco (Xavi Francés) que tiene pocas lineas de dialogo y con el cual se podría haber provocado la carcajada general si su personaje hubiera estado más proactivo durante el banquete en su honor. No obstante, ojo a la escena final. 

En la técnica destacan el uso de la iluminación y de la música para matizar insistentemente la alegría, el miedo, la violencia y la emoción donde parece que se ha declarado la paz, pero sigue presente el miedo y en este pequeño mundo español de la posguerra seguirán vivos, por desgracia, muchos elementos del conflicto que enfrentó a hermanos y amigos. 

La cena combina humor inteligente, diálogos ágiles y situaciones endiabladas. El cineasta ha sabido aplicar una narrativa rítmica y que sucede en un suspiro. En el fondo también hablamos de una sátira sobre el culto al lider y que nos hace ver que poco ha cambiado de 1939 a 2025. Sin ir más lejos, en la reciente firma de la supuesta paz entre Israel y Gaza pudimos ver de manera vergonzante como los lideres más importantes del mundo peloteaban o se dejaban humillar por Donald Trump en lo que parecía una parodia de la propia vida. En el fondo es lo que retrata la película hoy reseñada con humor, chispa y sagacidad. 

Nota: 8/10. 


Nacionalidad: España

Género: Comedia dramática

Dirección: Manuel Gómez Pereira

Guion: Manuel Gómez Pereira

Fotografía: Aitor Mantxola

Música: Anne-Sophie Versnaeyen

Duración: 106 minutos

Reparto: Alberto San Juan,
Mario Casas, Asier Etxeandia, 
Eva Ugarte, Elvira Mínguez.

martes, 14 de octubre de 2025

Caza de brujas: Julia Roberts brilla en una densa cinta sobre la mentira y la cancelación


Caza de brujas dirigida por Luca Guadagnino se estrena en cines españoles el próximo día 17 de octubre de 2025. Con guion de Nora Garret, el filme está protagonizado por Ayo Edebiri, Andrew Garfield, Julia Roberts y Chloë Sevigny.

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La historia: Una cualificada profesora universitaria (Julia Roberts) se encuentra en una encrucijada personal cuando una estudiante (Ayo Edebiri) acusa a uno de sus compañeros de trabajo de violación (Andrew Garfield) y un oscuro secreto de su pasado amenaza con salir a la luz.

La crítica: El guion escrito por Nora Garret diserta de manera profunda -y larga- sobre la mentira, la posverdad, las élites universitarias en Estados Unidos y además lo enfoca en personajes dedicados a cursar o impartir filosofía convirtiendo el relato en algo muy crudo y a su vez elitista. La cinta es seria y está bien planteada, pero sería ideal para que Woody Allen hiciera de ella la sátira perfecta. De hecho el cineasta estadounidense ha sido uno de los más perjudicados por la cultura de la cancelación sin que ningún juez le haya condenado por nada. 

Caza de brujas si nos habla con acierto de la mentira y sus consecuencias. La mentira, como un veneno sutil, corroe la confianza y distorsiona la realidad. En el contexto del filme reseñado, la mentira se manifiesta en acusaciones y secretos que devastan reputaciones y relaciones, mostrando cómo la verdad tergiversada puede ser un arma. Sin embargo, la redención del que confiesa es un acto de valentía liberadora. Al asumir la verdad, el mentiroso no solo alivia su carga moral, sino que abre la puerta al perdón y la reconciliación, aunque no siempre garantice reparación total. La confesión, como se ve en el arco de algunos personajes, es un paso hacia la autenticidad, un gesto que, aunque doloroso, restaura la humanidad y posibilita la sanación individual y colectiva.

La cinta también nos enfrenta a varios dilemas y ese es su banderín de enganche. El filme explora cómo las acusaciones, incluso si no son plenamente verificables, pueden destruir reputaciones en la era de la cancelación cultural. ¿Es la percepción pública más poderosa que los hechos? Se enfrenta acusaciones de conducta inapropiada de profesores con estudiantes, lo que plantea preguntas sobre los límites del consentimiento en las relaciones jerárquicas. ¿Cuándo una relación consensuada cruza la línea hacia el abuso de poder?

Sin embargo, toda la temática expuesta, se va cayendo en primer lugar por un metraje de 135 minutos que se siente desmesurado. Sí, esta historia es el ejemplo perfecto de película lenta y reiterativa. Y es que a pesar de que los temas tratados parecen atractivos, la tremenda falta de emoción e incluso el desesperante ritmo narrativo pueden hacer que el espectador desconecte por completo de la película y se ponga a pensar en la lista de la compra, en qué va a cenar después de salir del cine o en teñirse el pelo y la cara a lo Donald Trump para la próxima fiesta de Halloween. 


Destaca, sin duda, la gran actuación de Julia Roberts como Alma: carismática, vulnerable y magistral, posiblemente su mejor interpretación en años, y en la que infunde capas de humanidad a un personaje lleno de dudas, pero que resulta magnético. Guadagnino orquesta con elegancia un reparto estelar —incluyendo a Andrew Garfield y Ayo Edebiri—, pero es Roberts quien ancla esta exploración incómoda de la condición humana. Porque en definitiva lo que busca el cineasta y su guionista es la observación de las relaciones humanas cuando hay valor económico y social en juego. Nos viene a decir que el ser humano perdió su humanidad hace tiempo y solo busca la imposición de su yo. 

Respecto a la música, buen favor le hubieran hecho a la película si la dejan muda. Estridente y sin sentido. En la parte positiva destaca la luminosa fotografía, los primeros planos y una buena localización de los espacios escenográficos. El sonido también es bueno. 

Caza de brujas es un filme provocador, dotado de un libreto complejo que estimula discusiones acerca de ética y ostracismo social. No obstante, su profundidad conceptual y cadencia lenta la orientan preferentemente hacia espectadores selectos —críticos o eruditos— en vez de al gran público que anhela relatos más accesibles y emotivos. 

Nota: 5/10


Nacionalidad: EE UU

Título original: After the Hunt

Género: Thriller

Dirección: Luca Guadagnino

Guion: Nora Garrett

Música: Trent Reznor

Fotografía: Malik Hassan 

Duración: 135 minutos

Reparto: Julia Roberts, Ayo Edebiri,
Andrew Garfield, Michael Stuhlbarg ...

martes, 7 de octubre de 2025

Miss Carbón: rompiendo moldes

 
Miss Carbón dirigida por Agustina Macri se estrena en Filmin el próximo día 10 de octubre de 2025. La cinta hispano-argentina está protagonizada por Lux Pascal (la hermana de Pedro Pascal) y Paco León contando la historia real sobre la primera mujer minera de la Patagonia argentina. 

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La historia: Narra la historia real de Carla Antonella Rodríguez, la primera minera transgénero en una región de Argentina donde las mujeres tenían prohibido el trabajo en las canteras. Una pionera en muchos sentidos y que cambió de sexo de hombre a mujer a principios de esta década. 


La crítica: El título de la película hace referencia a un concurso de belleza que elegía a su reina cada año entre las mujeres de un municipio minero de la Patagonia argentina. Quizás no era el sueño dorado de nuestra protagonista, pero ocupa un pequeño y pintoresco lugar a lo largo del filme. “Miss Carbón” es la segunda película de una directora novel, Agustina Macri, que ya demostró en su ópera prima, “Soledad”, que los temas sociales se pueden tratar desde una impronta y estética visual diferente. Un proyecto cuyo tema es incómodo para una parte de la sociedad (la que no quiere ver la diversidad como positiva) y unos requisitos de producción que implican rodar en uno de los lugares más difíciles e inhóspitos del planeta, y hacerlo además de manera ambiciosa.

Otro incentivo de Miss Carbón es comprobar como la colaboración cinematográfica entre España y Argentina suele funcionar de manera muy positiva. Esta sinergia ha dado lugar a películas que destacan por su calidad narrativa y alcance internacional. Ejemplos notables incluyen El secreto de sus ojos (2009), dirigida por Juan José Campanella, una coproducción que ganó el Oscar a Mejor Película Extranjera, y Relatos salvajes (2014), de Damián Szifron, producida con apoyo español, que cautivó al público global con su humor negro. Estas obras reflejan la riqueza del intercambio cultural, fusionando estilos y temáticas que resuenan en ambas audiencias sirviendo como puente entre culturas. 

La cinta se inspira en la vida de Carlita Rodríguez, la primera minera transgénero de la Cuenca Carbonífera, en la Patagonia argentina. Carlita nace en un pueblo patagónico, históricamente extractor de carbón, en una familia tradicional donde los hombres son criados por tradición para ser mineros o gendarmes, no hay mucha más opción. Para Carlita, el despertar sexual se entremezcla con el deber ser masculino que rige en su familia y en su pueblo. Desde siempre, su sueño fue ser minera. Pero ella, no sueña con ser mujer, nace con la convicción de que lo es y su vida se vuelve un camino de lucha y resiliencia para lograr transicionar y ser lo que realmente siempre sintió ser: una mujer con órganos genitales femeninos. Y no por ello, se amilana y decide optar a un puesto de minera sabiendo de antemano que esta opción le va a ocasionar conflictos emocionales, problemas familiares y burlas de los hombres que trabajan en la mina. Se puede decir que es una persona con las ideas claras como se muestra durante todo el ameno relato. 

El yacimiento de carbón de Río Turbio, localizado en la provincia de Santa Cruz, destaca como uno de los centros más importantes de extracción carbonífera a nivel nacional. Su funcionamiento, iniciado en los años 40, impulsó el desarrollo económico de la zona, aunque tradicionalmente la actividad minera estuvo restringida al ámbito masculino. Durante casi ochenta años, la presencia de mujeres dentro de la mina fue impedida por costumbres arraigadas que mezclaban creencias supersticiosas y un machismo muy instaurado. Únicamente el 4 de diciembre, día dedicado a Santa Bárbara —protectora de los mineros—, se les permitía acceder a las galerías de la mina para intentar impedir su descontento. 


La película, que llegó a los cines españoles el pasado 13 de junio de la mano de Caramel Films, cuenta con las interpretaciones de una enorme Lux Pascal — y de Paco León, algo perdido, en una producción que aborda la lucha por la identidad y los sueños que no entienden de géneros. Se establece un romance entre ellos (él es un empleado cualificado de minas) que no parecer llegar a ningún sitio siendo esta parte la más débil del libreto. Para el resto del reparto se opta por trabajar con personas del pueblo y darle a la película la posibilidad de tener rostros locales y patagónicos, que pudieran describir el ambiente y la cultura en la que estaba sumergida Carlita.

En la parte técnica destaca como el equipo enfrentó la urgencia de filmar debido a la amenaza de privatización de la mina y las duras condiciones climáticas, con temperaturas bajo cero y nevadas que complican el acceso. Desde la fotografía con Luciano Badaracco se retrata todo este mundo de una manera real pero no cruda. Aunque está ficcionado, también explora los bordes de lo documental, intentando potenciar los paisajes como contraposición a lo intimista y la manera en que ella miraba el mundo. La película se cuenta desde ella y desde sus ojos. Cómo expresa y manifiesta su deseo de ser minera, cómo se vincula con los hombres, con el placer, con el deseo. Cómo sobrevive en una familia inhóspita, cómo busca nuevos vínculos sociales, madrinas y amigas que le dan cobijo y la posibilidad de tener una familia que nunca tuvo.

Miss Carbón es una cinta que forma, informa y entretiene. El relato nos muestra de manera notable el viaje y la lucha de Carlita desde un enfoque luminoso, contando los rechazos y las dificultades que tuvo alrededor del camino intentando mostrar el paisaje y el lugar hostil, pero, sobre todo, bello y abrumador. La película trae una temática muy actual y vigente. Asimismo muestra con eficacia las dificultades, el rechazo y las injusticias que todavía tiene que atravesar una persona trans a la hora de enfrentarse a la sociedad. En un mundo intolerante, la historia de Carlita nos deja un mensaje de amor y de esperanza, por nuevas oportunidades y por una mayor tolerancia incluso para aquellos que no asimilen esta realidad.

Nota: 7/10. 


Nacionalidad: España, Argentina, 2025.

Duración: 93 minutos.

Dirección: Agustina Macri.

Guion: Agustina Macri, Erika Halvorsen. 

Fotografía: Luciano Badaracco.

Música: Maite Arroitajauregi.

Intérpretes: Lux Pascal, Paco León,
Laura Grandinetti, Romina Escobar.