Los niños de Winton (One Life): pasaporte a la vida

Los niños de Winton dirigida por James Hawes se ha estrenado en cines españoles el día 22 de marzo de 2024. Protagonizada por el dos veces ganador del Oscar® Anthony Hopkins (El Padre, Los dos Papas) la cinta está basada en la increíble historia real de cómo un hombre corriente logró algo extraordinario. 

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La historia: Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

La crítica: Al igual que en La lista de Schindler la cinta hoy reseñada trata de poner en valor a aquellas personas que desde lo individual hicieron lo posible para el bien del prójimo durante o en los momentos previos a la Segunda Guerra Mundial. En este caso viajamos a la Checoslovaquia ocupada en la que otra lista ideada por Nicholas Winton trataba de salvar a niños judíos del exterminio nazi. El traslado de Praga a Inglaterra guarda semejanzas a lo que se hizo con Los niños de Rusia en su traslado desde España durante el conflicto civil ibérico. 

Los niños de Winton está narrada en dos lineas temporales separadas por 50 años (1938-1988). El caso de los niños refugiados pasó desapercibido hasta los años 80 hasta que un programa de la televisión inglesa dio voz al impulsor de este movimiento. Con un buen pulso narrativo el cineasta cuenta la historia de cuando el joven Winton llega a Checoslovaquia donde existía una ONG muy pequeña, el Comité Británico para Refugiados en Checoslovaquia. Un pequeño grupo de personas con muy poco dinero, tratando de ayudar a refugiados que huían de la persecución nazi que comenzó con la apropiación de los Sudetes en Checoslovaquia.

Winton y su equipo decidieron centrar sus esfuerzos en los niños que estaban en riesgo. Tal vez el caso más fácil de presentar tanto en el extranjero como en el propio Reino Unido: rescatar a personas que estaban en inminente riesgo de persecución y posible asesinato. Hoy en día solo se puede sentir vergüenza ajena ante la aplastante matanza de niños en Gaza provocada primero por Hamas y luego por Israel con la Comunidad Internacional mirando para otro lado. Es por eso que Los niños de Winton resulta una película muy actual con la que observamos como la historia se repite cambiado los roles del pueblo oprimido que pasa a ser opresor. En la Checoslovaquia ocupada por los nazis murieron más de 15.000 niños judíos. Este dato puede quedar pequeño cuando salgan los datos definitivos de los niños de Gaza. Paradojas de la humanidad. 

Anthony Hopkins interpreta a Nicholas Winton y vuelve a dar un recital interpretativo. Completan este buen reparto, la dos veces nominada al Oscar Helena Bonham Carter (El discurso del rey), el nominado al Oscar Jonathan Pryce (La buena esposa), la nominada al Bafta Romola Garai (Mas allá de la pasión) y Johnny Flynn quien interpreta al joven Winton en sus viajes a Praga. 

Un rodaje de 33 días, en dos países y dos períodos de tiempo, trabajando con dos equipos en dos idiomas es el desafío técnico que ha afrontado James Hawes. Las ambientación, música y fotografía son notables de manera especial en la recreación de la Praga de 1938. Era importante para Hawes y los productores filmar en Praga, utilizando las ubicaciones auténticas de la ciudad, incluso filmando en la plataforma real de la estación en la que los niños se despidieron de sus familias y partieron hacia Inglaterra. Una estatua de bronce de Winton con dos niños y una maleta marcan el lugar histórico real. 

Los niños de Winton me ha parecido un buen ejercicio de memoria histórica y un aceptable retrato cinematográfico que descubre un hecho quizás solo conocido por los historiadores. Citado en la película hay un proverbio en hebreo, traducido como: "Salvar una vida, salvar el mundo". Y ese es el mensaje que trata de dejarnos el cineasta. Se estima que hay más de 6.000 descendientes a día de hoy debido al rescate de los niños de Praga. Desde luego no se me ocurre mejor legado que el de ayudar a salvar una vida y en eso Winton dejó su sello más preciado. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Título Original: One Life

Género: Drama, Historia.

Dirección: James Hawes

Guion: Lucinda Coxon

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 110 minutos

Reparto: Anthony Hopkins, 

Helena Bonham Carter, Jonathan Pryce,

Lena Olin, Romola Garai, Johnny Flynn.

Teresa: preciosista retrato de la Santa de Ávila

Tras su paso por cines, Teresa dirigida por Paula Ortiz llega a Filmin el día 22 de marzo de 2024. La directora nos acerca a la historia de esta mujer del siglo XVI y a su enfrentamiento con la Inquisición Española hacia el final de su vida.

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La historia: Teresa, monja de clausura, espera paciente a ser entrevistada por el Inquisidor que llegará en breve. Sabe que ha llegado el momento. De su visita dependerá lo que pase con el Monasterio de San José que tanto le costó e incluso su propia vida por acusaciones de herejía. 

La crítica: El nuevo film de Paula Ortiz (La novia), es una versión de la obra teatral de Juan Mayorga, “La lengua en pedazos”, basada a su vez en el “Libro de la Vida”, de Santa Teresa de Jesús. En la cocina del convento -un espacio importante para Teresa, a quien se atribuye la cita de: “Entre pucheros también anda Dios”– tiene lugar el duelo entre la mujer reformadora con un hombre de la Iglesia, un Inquisidor cuyo propósito es el cierre de San José y el regreso de Teresa a la ortodoxia del Carmelo. Se trata de un combate teológico, pero también personal. A los argumentos y amenazas del Inquisidor, Teresa opone su fe y su carácter. Si ella afirma que Dios se le aparece y le habla, su oponente intenta desacreditar como ilusión esas visiones y la misión que sobre ellas sostiene.

Teresa tiene un aire preciosista en los recurrentes flashbacks a los que nos somete la cineasta. A mi juicio esta manera de narrar corta en demasiadas ocasiones el combate dialéctico entre los dos protagonistas del relato. En cualquier caso la manera de rodar, los encuadres y la visualidad de la película rozan la perfección apoyados en una gran iluminación. 

La cinta española tiene más aciertos que errores en todo caso. El metraje se ajusta a los 100 minutos, no hablamos de una biografía al uso, sino más bien de un retrato parcial sobre los ideales y visiones de esta mujer y sobre todo es un filme que se puede ver como una historia de ficción sin tener que tener conocimientos sobre Teresa de Jesús.

La película, por tanto, no pretende ceñirse a su biografía histórica, sino explorar su condición humana y reflexiones. Se centra en su lucha interna, no en sus hitos históricos. Existen cientos de libros sobre ella, películas, obras de teatro, pero lo más interesante aquí son las dudas expresadas, las contradicciones o la controversia sobre las visiones sobre las que hay teorías para todos los gustos: desde la locura, pasando por alucinaciones debido a sus ayunos o que estuviera diciendo la verdad. 

Teresa, es interpretada por Blanca Portillo de manera muy sólida. Ha sido la gran olvidada de la temporada de premios de manera inexplicable. Asimismo nos hallamos ante una gran papel de Asier Etxeandia como el Inquisidor que determinará cuál será la sentencia del juicio a la Santa de Ávila: libertad, cárcel u hoguera. Greta Fernández interpreta a Teresa en su versión joven y Ainet Jounou en la etapa de la niñez. 

En la parte técnica destaca el sonido y las localizaciones realizadas en Aragón que simulan ser las de la Ávila natal del personaje retratado. Jaca y sobre todo el Monasterio Viejo de San Juan de la Peña nos transportan hasta épocas pretéritas envueltas en un halo de realismo mágico. 

Teresa me ha parecido una película magnética, intensa y que afronta de manera inteligente la mirada a una figura histórica controvertida. Con un reparto sobresaliente y un ritmo irregular nos hallamos ante un viaje por la vida de una de las mujeres más abismales de la cultura occidental. Su mundo se movía entre lo real y lo imaginado, subiendo hasta el cielo o bajando hasta el peor de sus infiernos. En ese tránsito y en su obra literaria nos ofrece las palabras más hermosas, los paisajes más intensos, y un reflejo actual, crudo y singular sobre el poder de la fe. 

Nota: 6'5/10. 

Nacionalidad: España.

Género: Religioso, Histórica.

Duración: 100 minutos.

Dirección: Paula Ortiz.

Guion: P. Ortiz, Javier G Arreondo.

Fotografía: Rafael García.

Música: Juanma Latorre.

Reparto: Blanca Portillo, 

Asier Etxeandia,Greta Fernández, 

Ainet Jounou. 

¡10 interpretaciones femeninas para el recuerdo!

Si en la publicación anterior echábamos una mirada a 10 de las mejores interpretaciones masculinas hoy hacemos un ranking con 10 grandes interpretaciones femeninas en la historia del cine. Por supuesto, faltarán muchas intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación. 

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10. Jodie Foster en Acusados de 1988.

Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Martin Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con 'Acusados' con la que conseguiría su primer Oscar como actriz principal. Barbara Valera dijo lo siguiente: "Lo más destacable de la cinta es la gran actuación de una joven Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos".

9. Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo de 1951.

Pablo Kurk de FilmAffinity encontró las palabras adecuadas para definir la cinta y las interpretaciones: "Elia Kazan bucea en las relaciones de pareja, según la obra de Tennessee Williams, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. Magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. Imprescindible.

8. Nicole Kidman en Dogville de 2003.

Impactante actuación en una película con una decoración no menos impactante. Daniel Andreas lo explicó de manera perfecta: "Abrumadora y perversa inteligencia de Lars Von Trier que hace que la forma y fondo sean una unidad inseparable, y uno no sabe qué admirar más: si la coherencia del relato, el juego metafílmico entre el personaje del intelectual y el propio director, la mezcla y renovación de los géneros fílmicos, el decorado-escenario, el conjunto como alegoría, la fuerza de las escenas individuales, la magistral interpretación de Nicole Kidman, la fugaz pero deslumbrante presencia de James Cann o ese final operístico y demoledor. Nadie hace cine ni remotamente parecido".

7. Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc en 1958. 

Peter Bradshaw en The Guardian hizo una gran revisión de la película. Maggie (Elizabeth Taylor), es crucificada por su desesperación por lograr que Brick la desee: se la interpreta con una intensidad hipnóticamente felina, irradiando desde ese rostro ovalado perfecto, el vestido blanco prístino sobre su combinación opaca ceñida para acentuar una cintura notablemente delgada y la absoluta imposibilidad de estar embarazada. Y un placer cómico negro muy real de la película es lo odiosos que somos de niños. El propio WC Fields asentía sombríamente ante el comportamiento de estas espantosas pequeñas bestias, sumergiendo sus manos sucias en tarros de helado o disparando seis tiros de juguete que destrozan los nervios a los adultos"

6. Bette Davis por Eva al desnudo en 1950.

Una interpretación memorable que marcó su gran carrera. Luis Martínez en el Diario El País revisó la película con esta perla: "Bette Davis está genial. Aunque la pregunta es quién no lo está en esta inmarcesible película sobre la ambición, la capacidad de envenenar y, al margen de lecturas, sobre el placer de escuchar un guión perfectamente hilvanado". 

5. Marilyn Monroe por Vidas Rebeldes en 1961.

En mi opinión la mejor interpretación de Marilyn en toda su carrera. En su mirada melancólica se podía deducir que el final de la estrella y del mito se acercaba. Tara Brady en Irish Times encontró las palabras adecuadas: "Reforzada por las increíbles actuaciones de Monroe y Gable y la meticulosa fotografía de Russell Metty, es una experiencia visual poderosa y emotiva".

4. Katharine Hepburn por Historias de Filadelfia en 1940.  

Una diva y una actriz portentosa. Con 4 Oscars de la Academia aún sigue liderando esa marca que ninguna otra actriz ha logrado igualar. Jake Hamilton en Empire dijo lo siguiente: "Un reparto excelente, un gran argumento y un guion inteligente hacen de ella un clásico del género, con uno de los mejores papeles de Katherine Hepburn".

3. Audrey Hepburn por Desayuno con Diamantes en 1961.

Esta vez tomaré mis propias palabras de la retro reseña de la película: "El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad".

2. Meryl Streep por Los puentes de Madison en 1995.

La secuencia final del melodrama filmado por el maestro Eastwood es una obra maestra en sí misma. Meryl Streep supo transmitir mejor que nadie el significado de dilema. Pablo Kurt en FilmAffinity se expresó así: "Su grandeza es que algunos la ven como una historia sobre el amor, la aventura o el adulterio, mientras otros atienden al trasfondo de la vida sacrificada, los sueños no cumplidos y el dilema del ser frente al querer ser. Algunos la ven y empatizan desde el personaje de ella, y otros reclaman atención hacia el hecho de que el verdadero drama quizá esté en él. Abierto sigue el debate. En cualquier caso nadie discute que ambos se embarcan en un viaje emocional pocas veces visto en el cine reciente. La ceguera de Hollywood la nominó a solo un Oscar -mejor actriz-. El final, siempre recordado, en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir o no la puerta a una nueva vida..."

1. Rita Hayworth por Gilda en 1946.

Para concluir era imposible olvidarse de Rita Hayworth en una película considerada una obra maestra. Extraigo un extracto de mi retro reseña sobre el filme: "Gilda dirigida en el año 1946 por el cineasta húngaro Charles Vidor es un icono en la historia de la cinematografía. Hay películas que marcan un antes y un después para algunas estrellas de cine. Y de lo que no cabe duda es que con este filme Rita Hayworth consiguió la universalidad en la memoria colectiva del espectador"

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P.D. Os animo, como en la publicación anterior, a enriquecer la entrada dejando algún comentario sobre alguna interpretación femenina que os impactara o que recordéis con cariño.

¡10 interpretaciones masculinas para el recuerdo!

Hoy vamos con un ranking que recogerá algunas de las 10 mejores interpretaciones masculinas en la historia del cine. Podrían ser 50 o 100, pero vamos a intentar hacer la publicación amena y digerible. Por supuesto, faltarán muchos intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Además, y de manera inclusiva, hoy cedemos el puesto a los caballeros y en la próxima publicación serán las damas las que protagonicen la otra parte del ranking. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación.

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10. Anthony Hopkins en El silencio de los corderos (1991)

Según Miguel Vidal Martinez: "Se leyó el guión cientos de veces (literalmente) y terminó imaginándose a Hannibal Lecter como una mezcla entre la asertividad de Katharine Hepburn, la reclusión mental de Truman Capote, y la voz suave pero intrigante de la máquina HAL 9000 de la película 2001: Una Odisea en el Espacio (1968). Además, Anthony Hopkins visitó juicios por asesinatos como parte de la audiencia y a presidiarios por esos cargos para comprender psicológicamente qué lleva a un hombre a matar. El autor de la novela en la que se basa la película se inspiró en el Dr. Alfredo Balli Treviño para la creación del personaje.

9. Alfredo Landa por El crack (1981)

Incluir al fundador del Landismo no es ninguna provocación. De hecho, este papel fue fundamental para cambiar de registro y conocer a un actor portentoso y mejor persona. Javier Alpañez de El Palomitrón escribió lo siguiente: "El crack narra un caso sin resolver del detective privado Germán Areta, antiguo policía retirado interpretado por un magnánimo Alfredo Landa en un papel que acabaría convirtiendo al personaje en un icono del cine negro español. Si una parte importante de la película viene motivada por un salvaje Alfredo Landa que devora la pantalla, otra parte tiene más que ver con un Madrid asimilado a un sucio Nueva York hasta el punto de llevar los tramos finales de la película a la Gran Manzana. En Cine y críticas marcianas recogí la crítica de El crack cero.

8. Tom Hanks por Náufrago (2000)

Aunque algunos piensen que la mejor interpretación de la película sea la de la pelota Wilson, yo me quedo con el entrañable Tom Hanks. Peter Travers de Rolling Stone dijo lo siguiente: "Hanks interpreta a Chuck Noland, un genio de la eficiencia de FedEx. Cuando su avión se estrella en el Pacífico Sur, Chuck pasa los siguientes cuatro años en una isla desierta, donde la palabra prisa no se aplica. No importa que Hanks bajó cincuenta libras para hacer el papel: ¡los votantes de la Academia con frecuencia confunden los cambios de peso con la actuación! pero Náufrago crece en ti. Zemeckis esquiva los clichés de la isla. Sin tiburones, sin bebés nativos, sin cameos de Survivor de Rich o Rudy. Ni siquiera una partitura musical, el truco más perezoso de Hollywood para dirigir nuestras emociones. Solo los sonidos del agua, el viento, los insectos y Chuck hablando con una pelota de voleibol a la que llama Wilson. ¿Suena aburrido? no lo es, Hanks imparte una clase magistral de actuación al mostrar a un hombre que pierde el sentido de sí mismo en gradaciones fraccionarias.

7. Henry Fonda en Las uvas de la ira 1940.

En esta ocasión me citaré a mí mismo ya que es una película retro reseñada que marcó a generaciones: "Henry Fonda afrontó a sus 35 años el papel más importante de su carrera y seguramente el que le confirmó como un actor portentoso y de largo recorrido. Otros grandes trabajos suyos fueron en las películas Pasión de los fuertes, El día más largo o En el estanque dorado por citar solo algunos de sus éxitos más reconocidos. En la cinta reseñada hoy, su papel es convincente, serio y como la propia película está fuera de los patrones clásicos del galán al uso en el Hollywood de la época. En definitiva, un actor con mucho recorrido y con bastantes matices en su carrera".

6. James Dean en Rebelde sin causa 1955.

Un actor mítico, un icono y una pérdida muy dolorosa. Paco Casado de Cine y Max dijo lo siguiente sobre la película: "Su fuerza poética, su capacidad de tensión emocional de muchas de sus escenas, remiten a lo mejor del autor que firmó films tan emblemáticos como 'Johnny Guitar' (1954) en el género del western o 'Chicago, años 30' (1958) en el policiaco. La soltura narrativa de que hace gala el realizador es típica del mejor cine americano de la década de los años 50, considerada ya como una etapa clásica. Brilla junto a la excelente dirección de actores, un James Dean espléndido y una joven Natalie Wood en su primer papel importante". Dirigida por Nicholas Ray. 

5. Robert de Niro en Toro Salvaje 1980.

Brillante, histriónico y querido por las masas. Peter Bradshaw dijo en The Guardian: "Fue protagonizada por Robert De Niro, electrizante y terriblemente carismático en el papel del campeón de boxeo de peso mediano de la década de 1940, Jake La Motta. En el cuadrilátero, era un luchador sin gracia, fuera de él, un matón repugnante y golpeador de esposas que estaba esclavizado por la mafia. La película en realidad suprime muchos de los aspectos más desagradables de la vida de La Motta y esencialmente lo toma en su propia estimación indulgente de sí mismo, enfatizando lo que supuestamente fue su resistencia inicial y obstinada a la participación parasitaria de los gánsteres".

4. James Stewart en ¡Qué bello es vivir! 1946.

La película de las Navidades con un inolvidable actor en su punto más tierno. También reseñada junto a David Rubio escribimos lo siguiente: "La vida de George es la de un soñador ambicioso al que la realidad le pone continuamente obstáculos que le obligan a elegir entre sus deseos y lo que moralmente es correcto. Cuando ya es hombre y un memorable James Stewart toma las riendas del personaje, la primera imagen que vemos es la suya con una maleta bien grande para marchar a Europa y después a la universidad y comenzar a cumplir los grandes planes que tiene en mente. Ese primer plano inicia una larga secuencia clave en la cinta en las que se nos muestra un pueblo casi utópico, en el que los vecinos se conocen por su nombre y se ayudan unos a otros. Conocemos a su padre, dueño de una pequeña empresa de préstamos que prima la ayuda a la gente sobre el beneficio económico, a su madre, y hermano, a sus amigos. Iremos a la fiesta de Mary (Donna Reed), que desde niña a amado a George y su único sueño es formar un hogar con él. ¿La pareja perfecta en el pueblo perfecto?

3. Javier Bardem en Mar adentro 2004

Ramón Sampredo tuvo que recibir ayuda para realizar su propia eutanasia. Javier Bardem se metió de tal manera en el personaje que se llegaba a confundir a la persona real con el personaje interpretado. Carlos Boyero en El Mundo dijo lo siguiente: "Mar adentro es de las películas más estremecedoras que he visto en mucho tiempo. Amenabar también consigue que te rias en medio de la tragedia de Ramón Sampedro. Todo es magistral en una película que sale del corazón. Javier Bardem está más allá del elogio, pero Belén Rueda y los secundarios también".

2. Joaquín Phoenix en Joker en 2019

La excelencia en la interpretación es sinónimo de lo que hizo Joaquín Phoenix en Joker. Lucero Calderón en Diario Excélsior dijo lo siguiente: "Phoenix entrega una de las mejores actuaciones de su carrera (...) Con distintas lecturas sobre la corrupción, la miseria, la violencia y el bullying (...) 'Guasón' dará mucho de qué hablar y seguramente estará nominado en los Premios Oscar."

1. Jack Nicholson en Alguien voló sobre el nido del cuco en 1975.

Mi interpretación (masculina) preferida de la historia del cine es la que realizó Jack Nicholson en esta maravilla de película. Potente, tierno, histriónico, vital o en definitiva, ¡brutal! Pablo Kurk de FilmAffinity expresó lo siguiente: "El director checo Milos Forman y un enorme Jack Nicholson abordan la locura como concepto, la dignidad del individuo como ventana de escape en la enfermedad mental y -ya de paso- el sistema psiquiátrico norteamericano como denuncia en uno de los títulos míticos de los años setenta. Multipremiada -todavía es hoy junto a "El silencio de los corderos" (The Silence of the Lambs, 1991) y "Sucedió una noche" (It Happened One Night, 1934) una de las 3 únicas películas ganadoras de los 5 Oscars principales-, obtuvo además un enorme éxito de público. Como curiosidad, estuvo producida por un joven -tenía 29 años- Michael Douglas. Una obra formidable en la que destaca la interpretación de Nicholson, que borda un papel hoy ya inimaginable con otro actor".

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P.D. Os animo a enriquecer esta publicación dejando algún comentario sobre alguna interpretación masculina que os impactara o que recordéis con cariño. El próximo viernes publicaré la segunda parte de esta entrada con las interpretaciones femeninas. Os espero. 

Dream Scenario: original, potente e implosiva obra con el mejor Nicolas Cage

Dream Scenario dirigida por Kristoffer Borgli se ha estrenado en cines españoles el día 1 de marzo de 2024. La cinta cuenta con la presencia de Nicolas Cage, en uno de los papeles más sorprendentes de su carrera, por el que fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor de Comedia o Musical.

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La historia: El desventurado padre de familia Paul Matthews (Nicolas Cage) verá cómo su vida simple y aburrida como profesor da un vuelco repentino cuando millones de extraños empiezan a verle en sus sueños. Pero sus apariciones nocturnas tomarán un cariz de pesadilla, por lo que Paul se verá obligado a lidiar su inesperado estrellato.

La crítica: Todo el mundo conoce a Nicolas Cage como actor, director y productor y que su notable versatilidad le ha llevado a cosechar grandes éxitos en todos los géneros durante más de cuatro décadas. Pero el momento que vive como actor ahora en su madurez es el mejor de su carrera aunque viva alejado de sus mayores éxitos.

En El insoportable peso de un talento descomunal ya le veíamos muy cómodo en estos nuevos roles y ahora en Dream Scenario confirma ese momento tan dulce como intérprete. Y lo hace, además, en una película original, potente aunque implosiva en su tercer acto. 

La premisa de salida es muy divertida ya que nos encontramos ante un personaje central que empieza siendo discreto e inofensivo sin saber porque se aparece en los sueños de sus estudiantes y de otras personas desconocidas. Además en esos sueños no hace nada. Se limita a observar pase lo que pase a los soñadores lo cual provoca una reacción cómica en el resto de personajes y en el espectador. Pero todo se vuelve más ambiguo a medida que avanza la historia y se desquicia antes del tercer acto. Su aparente vida feliz se va transformando en un caos según aumenta su fama. La mayor pega es que el cineasta se toma en serio a sí mismo y lo que era una ágil comedia implosiona en la parte final hacia un drama social, que aunque válido, se siente fuera de lugar. 

Una vida en apariencia de ensueños terminará convirtiéndose en una pesadilla a través de un inteligente guion que desgrana temas como la fama, la presión social, el anhelo y la obsesión por las redes sociales. 

En las interpretaciones, además de un enorme Cage, hallamos en un pequeño y gracioso papel a Michael Cera cuyo personaje trata de seducir al atribulado profesor para que aproveche la fama y anuncie una marca de refrescos cuando éste lo único que quiere es publicar un libro. En el papel de sufrida esposa aparece una anodina Julianne Nicholson. 

A pesar de contener elementos de cine fantástico la película es bastante plana en la técnica de rodaje por lo que solo sería destacable el maquillaje y la caracterización del protagonista. Un metraje demasiado ajustado en esta ocasión no permite desarrollar el tercio final que no obstante se pierde en una justa crítica a la cultura de la cancelación. Esto parece metido con calzador en lo que hasta ese momento era una comedia bastante gamberra y con secuencias realmente efectivas. 

Dream Scenario me ha parecido una de las películas más originales y divertidas de los últimos tiempos a pesar de ponerse demasiado seria en su desenlace. En la historia, Borgli encuentra el equilibrio entre la comedia y el género fantástico satirizando el ascenso y la caída de una persona común. Asimismo se muestran las luces y sombras de su trayectoria. Con un Nicolas Cage brillante y un libreto muy bien pensado, nos hallamos ante un descubrimiento que nos permite ver que no todo estaba inventado en el cine y eso es una gran noticia. 

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Comedia fantástica

Director: Kristoffer Borgli

Guion: Kristoffer Borgli

Fotografía: Benjamin Loeb

Música: Owen Pallett

Duración: 100 minutos

Reparto: Nicolas Cage, 

Julianne Nicholson, Michael Cera, 

Dylan Baker, Kate Berlant,

Dylan Gelula, Tim Meadows

Tótem: Lila Avilés vuelve a seducir

Tótem dirigida por Lila Avilés se estrena en cines españoles el próximo día 1 de marzo de 2024. La cinta fue seleccionada en la shortlist de los Premios Oscar a Mejor Película Internacional en representación de México y también ha sido reconocida en varios festivales de cine, como la Berlinale o el Festival de San Sebastián. 

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La historia: Sol, una niña de siete años, se encuentra en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. A medida que avanza el día, un ambiente extraño y caótico se apodera lentamente de la situación, fracturando los cimientos que mantienen unida a la familia. Sol llegará a comprender que su mundo está a punto de experimentar un gran cambio por los avatares de la vida. 

La crítica: Aunque Tótem no es una película para todo el mundo por su carácter intimista e independiente, si aborda un tema tan universal como lo es la familia como pilar central para afrontar alegrías, penas y apoyos tanto afectivos como económicos. Así es como la cineasta mexicana Lila Avilés vuelve a seducir como ya lo hacía en la hipnótica La camarista.

Tótem está narrada a través de los ojos de una niña a lo largo de una jornada. Es la del cumpleaños de su padre que padece una grave enfermedad y se encuentra recluido en una habitación intentando tomar aliento para la celebración de quizás el que sea su último aniversario. Un hombre joven al que le van a demostrar lo querido que es desde el humor y la esperanza. Avilés logra narrar la jornada con continuidad y en una especie de tiempo real logrando de manera natural dejar el metraje en 90 minutos. La cámara fluye, danza o se esconde por la casona familiar dando a conocer a los personajes: Sol, sus padres, sus primos, su abuelo, sus tías y otros pobladores de la morada que poco a poco se va llenando. 

Otra dualidad que expresa Avilés gira en torno al tiempo y a la duración. El tiempo medido y nuestra percepción de su paso son muy diferentes, aunque ambos describan una secuencia idéntica de acontecimientos. Todos hemos vivido días que parecen meses y días que pasan en segundos. Nuestra experiencia del tiempo suele estar determinada por los espacios que habitamos mientras transcurre. Dado que conforman nuestro sentido del tiempo, los lugares que habitamos no son externos a nosotros. Al contrario, debemos encontrar esos lugares también dentro de nosotros, con todas nuestras imperfecciones. Y eso de manera independiente  a nuestro género, religión, país, estatus, idiosincrasia. Encontrar esta verdadera morada es un proceso de sustracción, una reducción y concentración en lo esencial. Como dice Tolstoi: “La verdad, como el oro, se obtiene no por su crecimiento, sino lavando de ella todo lo que no es oro”.

A través de Sol, se construye un retrato íntimo sobre una familia visto a través de los ojos de esa niña interpretada de manera muy especial por Naíma Sentíes. Completan el reparto coral las actrices Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Saori Gurza, Teresita Sánchez y el actor Mateo García Elizondo en los distintos roles familiares. 

En la parte técnica destaca una sola localización -una casa con jardín- en la que apreciamos una comunión entre personas y naturaleza. Las plantas entran y salen de la casa a modo de enredadera al igual que lo hace la luz. Por supuesto, la película tiene sombras, igual que un cuadro. Para entender la luz, hay que entender la sombra. A veces, son las sombras las que hacen la vida más difícil, pero también más interesante. Otra particularidad del rodaje es el retrato a las familias en América Latina, que son muy extensas. Siempre hay primos y tíos, animales, como una fiesta. Observamos cómo hablan y se relacionan en una familia, con su jerga y códigos incluso en la misma lengua.

Tótem me ha parecido de manera principal un filme muy auténtico. Lila Avilés sigue retratando la vida cotidiana desde un punto de vista muy íntimo basado en el naturalismo. Películas que son como microcosmos buscando la esencia de las cosas como las matrioskas, las pirámides, las cosas que contienen otras cosas. El tema central es el concepto de hogar y como la familia se convierte en bastión en las venidas o en las despedidas. En definitiva, nos hallamos ante un filme que trata de convertir lo cotidiano en algo extraordinario. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: México

Género: Drama, Familia 

Dirección: Lila Avilés

Guion: Lila Avilés

Fotografía: Diego Tenorio

Música: Thomas Becka

Duración: 92 minutos

Reparto: Naíma Sentíes,

Montserrat Marañon, Marisol Gasé, 

Teresa Sánchez, Iazua Larios, 

Mateo García, Saori Gurza

Secretos de un escándalo: duelo de actrices en la cumbre

Secretos de un escándalo dirigida por Todd Haynes se estrena en cines españoles el próximo día 23 de febrero de 2024. Protagonizada por la ganadora del Oscar® Natalie Portman y la también ganadora de un Oscar® Julianne Moore, junto con Charles Melton (Riverdale). La película está escrita por Samy Burch, quien ha sido nominada en la categoría de mejor guion original en los Oscar® 2024.

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La historia: Veinte años después de que su célebre romance saltara en todos los titulares y conmoviera a la nación, Gracie Atherton, (Julianne Moore), y su marido Joe (Charles Melton), 23 años menor que ella, ceden ante la presión de la actriz de Hollywood, Elizabeth Berry (Natalie Portman), que viene a investigar sobre su historia para hacer una película de su escandaloso pasado que conmocionó a Estados Unidos. 

La crítica: Una actriz haciendo de actriz debe ser un bucle infinito y un desafío para una interprete. En cualquier caso, Natalie Portman sale muy bien parada de este juego de espejos. Brillante también, Julianne Moore que le da buena réplica en una historia real que sirvió a los tabloides estadounidenses para desparramarse.

Secretos de un escándalo está inspirada en el caso real de Mary Kay Letourneau que los medios explotaron en los años 90 en EEUU. Una profesora que cumplió pena de cárcel por tener relaciones sexuales con uno de sus alumnos, de 13 años, cuando ella estaba casada y ya era madre de tres niños. Tras su condena quedó en libertad, pero no respetó la prohibición de volver a ver al niño, de quien quedó embarazada y tuvo que cumplir otros 7 años de prisión acusada de violación. Ahora, dos décadas después, la narrativa nos lleva a observar una actriz de Hollywood que va a hacer una película sobre su historia.

Todas las vidas, todas las familias, son el resultado de elecciones, y hay pocas relaciones románticas más polémicas que ésta a la que aquí nos referimos; siendo prueba de ello, el rechazo y desprecio unánime que suscitó en todo el mundo, y contra el que llevan luchando dos décadas, tanto Gracie y Joe Yoo como sus dos hijos, que actualmente están terminando los estudios de enseñanza secundaria. Lo que parece claro es que una diferencia de edad de 23 años teniendo la persona más pequeña solo 13 años es algo perturbador e incluso enfermizo. 

A medida que la personalidad del niño ya hecho un hombre va saliendo a la luz, el público ve las similitudes, cada vez más evidentes, entre Elizabeth y Gracie; a pesar de que ninguna de las dos quiere reconocerlo. Mediante este silencioso cambio de perspectiva, la película pasa del retrato simple al doble.

La escena del maquillaje en el baño es la pieza central del filme; un punto de inflexión en la película, que marca la progresión de Elizabeth estudiando a Gracie y la concesión de confianza y revelaciones que intercambian las dos mujeres; y que está impregnado de intimidad y cruce de límites. Entonces te das cuenta de que ambas están dispuestas a correr ese riesgo (el de la confianza íntima, la una con la otra y viceversa). La secuencia evoca a las imágenes de Persona de Ingmar Bergman ya que las dos mujeres están de perfil aplicándose el maquillaje y luego se vuelven hacia la lente de una cámara, que es el espejo, y observan cómo es esa transformación. Hablamos de un duelo interpretativo de dos actrices en la cumbre del cine. 

Las tomas de la cinta están fotografiadas en tonos preciosistas. Se eligen espacios en una comunidad de playa, a unos 30 kilómetros de Savannah, llamada Tybee, pues el tipo de humedad y de luz de pantano que emanaba de esa región ofrecía un lenguaje visual específico: es un tipo de luz apastelada, que se filtra por los encuadres y a menudo hace siluetas con las tomas. La música está inspirada en la banda sonora compuesta por Michel Legrand para la película de 1971 El mensajero.

Secretos de un escándalo es una película mucho más profunda de lo que aparenta su inofensiva superficie. Con unas interpretaciones para el recuerdo y un libreto bien desarrollado, nos hallamos ante un acertado retrato de una historia oscura y que perturba por la naturaleza de los hechos narrados. El resultado es una inquietante historia, conmovedora por momentos, y que resulta una emotiva reflexión sobre la incapacidad de los seres humanos para comprendernos a nosotros mismos, y entender las relaciones en las que estamos inmersos.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: May December

Género: Drama

Dirección: Todd Haynes

Guion: Samy Burch

Fotografía: Christopher Blauvelt

Música: Marcelo Zarvos

Duración: 113 minutos

Reparto: Natalie Portman, 

Julianne Moore,Charles Melton, 

Cory Michael Smith

Priscilla: Sofia Coppola retrata en tonos pastel a la esposa de Elvis

Priscilla dirigida por Sofia Coppola se ha estrenado en cines españoles el día 14 de febrero de 2024. El filme tuvo su premiere mundial en el último Festival Internacional de Cine de Venecia, donde la joven actriz Cailee Spaeny ganó la Copa Volpi a la Mejor Actriz. 

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La historia: Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu se encuentra con Elvis en una fiesta, él ya es una estrella del rock and roll. Su genuina conexión inicial les lleva a pensar que están hechos el uno para el otro, y así surge una gran amistad y un apasionante flechazo que dará lugar a una relación en la que ambos creen que ninguno volverá a sentirse solo.

La crítica: Ver una cinta dirigida por la cineasta Sofia Coppola (La seducción) reconforta por la manera en la que compone los planos y por la sutileza narrativa que imprime a sus películas. En Priscilla destaca la mirada oblicua que se ofrece sobre Elvis Presley desde una perspectiva distinta a lo habitual. El ídolo de masas tenía los pies de barro y en su matrimonio se vio superado por un personaje desubicado del mundo real. 

Basada en la autobiografía Elvis & Me, escrita por la propia Priscilla Presley, la película relata el largo noviazgo y turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla, desde cuando se conocieron en una base militar alemana, hasta su convivencia en una finca de ensueño en Graceland. La realidad de la que solo era una adolescente cuando conoció al rey del rock, se transformó para convertirse en una especie de virgen reservada para cuando Elvis quisiera disponer de ella. Al menos es la visión que ofrece Coppola. 

Priscilla a los 21 años ya era una de las mujeres más famosas del mundo, la simbólica reina del rock and roll. Sin embargo, casi nadie conocía a Priscilla Presley, el gran amor de Elvis y su única esposa. Su presencia estuvo eclipsada por el enorme brillo de su marido, pero en los márgenes existió otra historia, una historia que refleja la cultura de entonces, la historia de los sueños de una chica que creció en un cuento de hadas prefabricado y que acabó por asumir sus deseos, así como la complejidad del poder.

El filme refleja el sentir de Priscilla que es universal por cosas que ocurren a todas las mujeres, da igual que sea su primer beso, su primer día de colegio, tener una hija, ser madre. Otra idea interesante es cuando se muestra a un Elvis muy conservador. Mientras está de gira, ella debe quedarse en casa, no trabajar y cuidar de su hija cuando ésta llegue. Mientras tanto él se lo pasa en grande, pero poco a poco va cayendo en el abuso de sustancias quizás para soportar el imposible peso de una fama que superaría a cualquier persona. 

Protagonizada por Cailee Spaeny que realiza una interpretación fabulosa y por la estrella de Euphoria, Jacob Elordi, en el papel de Elvis Presley, la película no desarrolla a los demás personajes que se muestran serviles a los deseos del artista. Incluso los padres de la adolescente se ven superados por las circunstancias y dejan ir a vivir a su hija a la jaula de oro de Graceland. 

La parte técnica es muy notable en escenografía, montaje y en la espectacular fotografía que marca todas las películas de Coppola. Los colores de moda eran diferentes en aquella época. Se muestra cómo evoluciona Priscilla cuando pasa de la triste Alemania invernal a la calurosa Graceland. Cuando llega allí es casi como el mundo del mago de Oz, los colores son más fuertes, empieza un nuevo capítulo de su vida, descubre estilos nuevos y otra forma de conectarse al mundo de Elvis. 

Priscilla es un bello retrato sobre la pérdida de la inocencia y una visión -de parte-, pero muy interesante sobre la cara menos conocida de Elvis. Hablamos de una historia muy humana en la que Elvis y Priscilla que eran la realeza estadounidense, quedan desnudos cuando nos dejan echar un vistazo detrás de la cortina. En definitiva, nos hallamos ante un filme narrado desde el punto de vista de Priscilla en su experiencia privada con el mito. La cinta no trata sobre el Elvis intérprete, sino de cómo ella le veía en su vida cotidiana en la que era muy vulnerable. De alguna manera el filme demuestra como el insoportable peso de la fama destruye a determinadas personas y ejemplos como el de Michael Jackson, Marilyn Monroe o el propio Elvis vienen a documentar como el ser humano tiene unos límites que no puede soportar.

Nota: 7/10

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama | Biografía

Dirección: Sofia Coppola

Guion: Sofia Coppola

Fotografía: Philippe Le Sourd

Música: Phoenix

Duración: 110 minutos

Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi,

Emily Mitchell, Ari Cohen, R Austin, 

Kamilla Kowal, Deanna Jarvis, Luke H.

La piscina (Night Swim): un niño, una niña, otra niña extra, una madre estándar, un padre embrujado y un gato chiflado

La piscina dirigida por Bryce McGuire, que además perpetra el guion, ha tenido el valor de estrenarse en cines españoles el día 9 de febrero de 2024. La producción estadounidense lleva el sello de Blumhouse y Universal Pictures la distribuye sin que por el momento se hayan producido detenciones.

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La historia: Un matrimonio compra una casa con piscina y resulta que está embrujada. La piscina digo. Después comienza el habitual circo con gente poseída, ruido y crujir de dientes. 

La crítica: Pues no ha tardado mucho en llegar el primer sarnazo del 2024 y atención porque sería una candidata muy digna para entrar en el ranking marciano de ¡Diez películas más malas que la sarna!

Aguas siniestras en Hispanoamérica, Night Swin -Natación nocturna- en su título original hasta que llega el maestro traductor ibérico y con un par la traduce como La piscina. Digo yo que ya puestos a traducir por libre le podría haber dado un poco más de misterio. A saber: La piscina encantada, La piscina siniestra, La piscina perturbadora, La piscina endemoniada, La piscina tragadora, La piscina del mal, La piscina turbulenta, La piscina de los horrores, La piscina infernal, La piscina rebelde, La piscina misteriosa, La piscina climatizada con demonio dentro o La piscina con monstruo. Pero se ve que le sonaba mejor La piscina a secas que ya de por sí es una contradicción.  

Hay un diálogo en la película que refleja el talento del guionista. La madre estándar se da un bañito en la piscina y al llegar a la vera del marido embrujado recibe la siguiente pregunta: 

_Estás mojada, ¿no?

Ella con cara de decir: "Vaya figura con la que me he casado" le responde:

_Sí, claro. 

Y siguen hablando de los niños. Porque como no podía ser de otra manera en toda película de supuesto terror suele haber algunos niños. En niños incluyo a los dos sexos. La niña extra de la que hablo en el titular se corresponde a otra niña que años atrás fue abducida, secuestrada y tragada por la piscina embrujada. Los niños del matrimonio, niño y niña,  parecen querer seguir los pasos de la niña extra pero habrá que esperar hasta el final para saber lo que sucede. Lo que si adelanto es que el gato chiflado se muere. Este spoiler es una tradición para evitar el sufrimiento del público. Y es que el gato le bufa a la piscina y esta se enfada y se lo traga. Descanse en paz el pobre animal que solo tiene dos escenas. 

La madre estándar -la llamo así porque es la única no poseída- es interpretada por la nominada al Oscar, Kerry Condon. La verdad es que es inexplicable que haya pasado de actuar en la prestigiosa Almas en pena de Inisherin a este pseudo filme de serie Z. Si recupera una carrera medio normalizada en el cine tras esta pesadilla quizás Dios exista. El padre embrujado o poseído por La piscina es interpretado con nula gracia por Wyatt Russell. Una actuación para olvidar. El resto del reparto está compuesto por niños y adolescentes que ni conozco, ni quiero conocer. 

La factura técnica es lo único loable de la película y de manera especial la iluminación nocturna que al menos deja ver lo que sucede con este grupo de gente endemoniada. El final explicado de La piscina que mejor dicho sería el principio explicado nos llevaría al porqué la piscina está encantada. Y lo está porque antes de su construcción había una laguna natural que fue desecada. ¿Y que pasaba con la laguna?: pues que también estaba encantada. Como es natural le traspasó el encantamiento a la puñetera piscina o alberca como las llaman en México. En fin, supongo que el guionista cuando escribió la historia lo hizo bajo los efectos de setas alucinógenas o cualquier otra sustancia similar. 

La piscina es un bodrio colosal que además abre una nueva vía a las cintas de encantamiento. Y es que una vez que se ha exprimido al máximo el tema de las casas encantadas ya solo queda ir a por los accesorios de las viviendas. Hoy ha sido la piscina, pero quien dice que mañana no será la caseta del perro encantada, la fuente del jardín encantada, el jardinero encantado, la valla de la casa encantada o el buzón de correos encantado. En fin, como dijo Woody Allen: "Si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías". Fin de la cita y fin de la crítica. 

Nota: 1/10 (el uno es por el papel del gato). 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Night Swim

Género: Terror, Suspense 

Dirección: Bryce McGuire

Guion: Bryce McGuire

Fotografía: Charlie Sarroff

Música: Mark Korven

Duración: 95 minutos

Reparto: Wyatt Russell, Kerry Condon, 

Amélie Hoeferle, Ben Sinclair,

Gavin Warren, Nancy Lenehan.