The Beach Bum: Matthew McConaughey e Isla Fisher se lo montan por todo lo alto

Filmin estrena el próximo viernes 1 de abril, en exclusiva en España, la película The Beach Bum que en su día formó parte de la Sección Oficial del Festival de Gijón pero que aún seguía inédita en nuestro país.

 Respecto a la bochornosa gala de los Oscars 2022, tan solo comentar que el mamporro de Will Smith sobre Chris Rock anuló cualquier debate cinematográfico. Una sonrojante situación que me recordó a 'Dos tontos muy tontos' pero en versión negra. La gala, por cierto, me pareció como si estuvieran entregando premios a las 10 películas más malas que la sarna. Especialmente penosas el 'Encanto' de Disney y el tremendo sarnazo japonés llamado Drive my Car.

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Sinopsis de The beach bum: Moondog (Matthew McConaughey) es un escritor venido a menos que subsiste a costa de su mujer (Isla Fisher) en los idílicos Cayos de Florida. El objetivo del cínico autor es terminar su última novela, en parte para recuperar el respeto de su hija. Pero una vida al límite y llena de drogas, alcohol y nuevas mujeres por conquistar le llevarán hacia un reto para obtener 50 millones de dólares. 

La crítica: Si en la cinta danesa Otra ronda unos profesores utilizaban la borrachera como método para mejorar sus habilidades sociales, en la lisérgica The Beach Bum el cineasta Harmony Korine utiliza la marihuana como vehículo en una comedia salvaje con Matthew McConaughey en el papel más loco de su carrera. 

Cuando The Beach Bum llegó a los cines estadounidenses, una decena de salas alrededor del país la proyectaron con un sistema odorama que bombeaba humo de cannabis entre las butacas durante las escenas más alucinadas del film. Que Korine vinculara la proyección perfecta de su última película con un auditorio repleto de gente fumada describe a la perfección el espíritu de un filme gamberro por excelencia. 

El film se adscribe de algún modo a la tradición de la comedia cannábica, de la que las películas de Cheech y Chong de finales de los 70 serían origen, y en la que encontramos títulos como "El Gran Lebowsky", "Superfumados" o "Dos colgaos muy fumaos". 

La película es una celebración de la vida y también se presenta como una mirada a vivir como si no hubiera un mañana. Hay una secuencia clave en la que Moondog, nuestro personaje principal, hace referencia a que la vida son dos días y no los piensa pasar trabajando. Y es que detrás de la extravagante propuesta presentada también existe una clara lección de vida con rasgos filosóficos: ¿trabajar para vivir o vivir para trabajar? Es más, vivir sin trabajar es la apuesta del escritor retratado en el filme con cientos de artimañas que solo buscan la diversión como experiencia vital.

McConaughey brilla en uno de sus personajes más indescriptibles, un simpático vivalavirgen cuyo único objetivo vital es ser feliz y pasarlo bien, si es con un porro en los dedos mejor que mejor. Rodeado de personajes estrafalarios que forman parte del animado paisaje de los Cayos de Florida, observamos a lugareños que viven en casas flotantes y dedican sus vidas a fumar todo el día, sentarse en una hamaca a mirar la puesta de sol, pescar, follar, drogarse; gente, en definitiva, que no usan zapatos, tienen gallinas como mascotas y beben mucha cerveza. Destacar al hilarante personaje del capitán de barco interpretado por Martin Lawrence y a la imponente Isla Fisher que aparece como la exmujer del atribulado escritor. 

Al igual que en La hija oscura destaca la espectacular banda sonora del filme. Vuelvo a incidir en que las canciones pueden cambiar completamente una película y la sensación que transmiten las imágenes. De hecho, la banda sonora que acompaña al filme le convierten en una especie de musical moderno con canciones de Van Morrison, Eddie Money, Creed o Peggy Lee. El soundtrack es desde luego es un verdadero lujo para coleccionistas y melómanos en general. 

En conclusión, The Beach Bum me ha parecido una experiencia distinta, atrevida y con momentos de pura diversión cinematográfica. Filmin, disponible por el momento en España, México y Portugal, comienza a ser un seguro de vida no ya solo por apostar por el cine independiente, sino por tener un excelente equipo de selección que no duda en adquirir cine irreverente y fuera de todos los esquemas para su fértil catálogo. 

Nota: 7.5/10.

Nacionalidad: EE UU - Reino Unido

Dirección: Harmony Korine

Guion: Harmony Korine

Música: John Debney

Fotografía: Benoît Debie

Duración: 95 minutos

Reparto: Matthew McConaughey, 

Isla Fisher, Zac Efron, Snoop Dogg,

Stefania Owen, Martin Lawrence

La cima: una promesa de 8000 metros

La cima dirigida por Ibon Cormenzana se estrena en cines españoles el día 25 de marzo. La cinta ha tenido su estreno mundial en la 25ª edición del Festival de Málaga, en Sección Oficial a Concurso.

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La historia: Nepal, año 2021. Ione y Mateo se encuentran durante un ascenso al Annapurna, una de las montañas más peligrosas del planeta. La situación límite que vivirán en un entorno hostil hará que se puedan replantear su forma de ver la vida y de afrontar el futuro. 

La crítica: Tras el buen debut en taquilla de Malnazidos la industria española vuelve a apostar por el cine de aventuras como medio para volver a enganchar a todos los públicos. La cima se rodó en condiciones extremas debido a las bajas temperaturas y a la dificultad del terreno. Para llevar a cabo el proyecto se contó con la ayuda del experimentado alpinista Jordi Tosas así como con un equipo extra especializado en rodajes de alta montaña. El filme en lo visual es preciosista y espectacular. 

Con un argumento original del propio cineasta la cinta es un viaje más emocional que físico hacia la cumbre de una montaña. Mateo busca llegar a la cumbre del Annapurna para cumplir una emotiva promesa que se desvelará a lo largo de la trama. Ione, mientras tanto, ya ha cumplido su sueño de subir los 14 "ochomiles" del planeta y se encuentra estancada en una especie de retiro espiritual en una cabaña en las faldas de la gran cordillera. Es entonces cuando conoce a Mateo. 

El joven había caído malherido cerca del refugio de montaña siendo ella la que le brinda sus primeros cuidados. La cima desprende aromas a western cuando el héroe cae herido y se recupera gracias a una desconocida. De manera posterior se invierten los papeles. Ahora el cineasta presenta a la mujer como la heroína que tiene que salvar una y otra vez a Mateo al que presenta como torpe e inconsciente.

A través de solo dos personajes se abordan temas como el amor y el respeto a la naturaleza, la resiliencia y el esfuerzo, la superación de la pérdida, el compañerismo en la montaña, el instinto de amar, y, sobre todo, el filme ibérico nos habla sobre el sentido de la vida. Sí, quizás sean palabras muy grandes, pero lo importante es que el cineasta sabe transmitir su mensaje sin ningún tipo de impostura. La narración es natural, nada forzada e inteligente al aplicar el menos es más en sus apenas noventa minutos de duración. 

Javier Rey (El verano que vivimos; serie Mentiras) interpreta de manera adecuada a Mateo aunque la que brilla es Patricia López Arnaiz (Goya a la mejor interpretación protagonista por Ane y a la que vimos en La hija). Este potente personaje femenino reflexiona sobre cómo lidiar con el vacío que uno siente tras alcanzar el éxito o el objetivo deseado durante años. Es una situación a la que se tienen que enfrentar muchos deportistas de élite, pero también artistas o gente anónima en sus trabajos. Ese vacío que se siente cuando ya se han alcanzado los principales objetivos vitales se refleja de manera brillante en el personaje de Ione. Ahí es donde está el centro narrativo aunque lo veamos envuelto en una aventura por llegar a la cúspide de una montaña. El descenso, por tanto, a la vida cotidiana tras llegar a determinados éxitos se me antoja como un medio discursivo ideal para incidir y seguir siendo explorado por el cine independiente. 

Algunos de los referentes que ha utilizado el cineasta español para inspirarse han sido Edurne Pasaban, por ser la primera mujer en coronar los 14 ochomiles. Iñaki Ochoa de Olza, que perdió la vida en su intento por alcanzar la cima del Annapurna en 2008, o Kilian Jornet, por su estilo ‘libre y ligero’ a la hora de alcanzar las cimas más altas del mundo. Rodada en los Pirineos, algunos días se llegaron a los -17ºC y con fuertes vientos. El rodaje también sufrió el temporal Filomena y una tempestad de arena del Sáhara pintó las montañas durante días. Un fenómeno muy parecido a la intensa calima vivida en España en los últimos días y que convirtió a parte de la Península Ibérica en una sucursal del planeta marciano. 

La cima es un intenso viaje hacia el centro del compañerismo, del coraje o de la conexión con la naturaleza y con la vida. Hablamos de una aventura épica centrada en el peso de las promesas y en el deber cumplido como forma de vida. La cinta española, en definitiva, se presenta como un homenaje a los valores que existen entre los alpinistas y que hoy son tan necesarios en la sociedad en la que vivimos.

Nota: 7/10. 

País y año de producción: España - Francia 2021

Idioma: Castellano - inglés

Género: Drama/ Aventura / Romántico/

Duración: 85 minutos

Fecha de estreno: 25 de marzo de 2022

Distribuidora: Filmax

El engaño (Shattered): una rubia desquiciada, un cojo erotizado y un sarnazo de cuidado

El engaño dirigida por Luis Prieto se ha estrenado en cines españoles el día 11 de marzo. La cinta estadounidense ha sido traducida con el título más sincero y esclarecedor de la historia del cine. 

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La historia: Chris es un joven rico y recién divorciado que vive aislado en una mansión en la montaña. Cuando conoce a la imponente Sky (Lilly Krug) en un centro comercial de la zona y ella se pone melosa, piensa que se la ha ligado. El tipo, que no se ha visto en otra igual, invita a la joven a su casa sin saber lo que le espera a él y a los espectadores. 

La crítica: Sky, la rubia desquiciada, no tiene ni un pelo de tonta. De hecho, es una estafadora que le ha tendido una trampa al bobo de turno en su encuentro ‘fortuito’ en un centro comercial. El tipo, encantando de conocerse a sí mismo -y a la rubia- acaba encerrado en su propia mansión mientras la muchacha le propone ser su enfermera particular con derecho a sexo incluido. En principio, no parece mal plan. El caso es que la rubia comienza a desquiciarse y a clavarle cosas al tipo: un taladro, por ejemplo. Vamos que le deja cojo, escayolado y totalmente erotizado. 

Pero antes de estos cariñosos hechos, Sky ya se había cargado a su compañera de habitación con la excusa de que era muy celosa. Esto que cuento no aporta nada a la película ni a la crítica, pero es por ir rellenando la reseña. Total, que después del taladrazo y como el bobo erotizado no le quiere dar las contraseñas de sus cuentas a la rubia, ésta entra en cólera y usa un electrocutador portatil para quitarle la tontería a Chris. Pero no sé la quita y la dulce muchacha comienza a sacar más cachivaches.

Después usa una tijeras de pescadero, una catana para cargarse a John Malkovich -luego explicaré esto- y entre medias pone morritos mirando a cámara para salir bien en Instagram. Me llama la atención como esta muchacha que no pesará más de 50 kilos tiene la fuerza descomunal de Rambo y la mala leche de Vladimir Putin. Con dos o tres rubias como ella, el ejercito del jovencito Biden no necesitaría armas nucleares.  

El reparto es tan malo como la propia película. En el papel del joven rico  aparece Cameron Monaghan que no para de gritar en toda la película. También es cierto que le clavan muchas cosas. La rubia tiene tela marinera. La desquiciada joven es interpretada de manera penosa por Lilly Krug. Es como si hubiera sido poseída por Penélope Cruz en estado de embriaguez y por Dakota Johnson en su estado normal. El engaño también hace honor a su traducción por estafar a John Malkovich para que aparezca en el reparto. Su papel es tan absurdo como la propia película. Como muere no digo más. 

En conclusión, como mencioné en la apertura, El engaño es el título más sincero y esclarecedor de la historia del cine. Con un reparto glorioso y una narrativa profunda a la par que poética, he quedado profundamente conmocionado ante la obra visionada. La moraleja es sencilla: si usted es hombre y se le aparece una rubia imponente en un supermercado, haga lo mismo que si viera a la chica de la curva. Es decir, actúe como si no la hubiera visto y compre lo que su esposa la haya puesto en la lista de la compra sin necesidad de improvisar. El riesgo es innecesario. 

Nota: 2/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Luis Prieto

Guion: David Loughery

Música: Tom Howe

Fotografía: Juan Azpiroz

Duración: 91 minutos

Reparto: Cameron Monaghan,

Lilly Krug, Frank Grillo, 

Sasha Luss, John Malkovich

Malnazidos: zombis y nazis en la Guerra Civil Española

Malnazidos dirigida por Javier Ruiz Caldera y Alberto de Toro se estrena en cines españoles el día 11 de marzo. Tras varios retrasos en su fecha de estreno a causa de la pandemia, Mediaset España y Sony Pictures apuestan fuerte con un elevado número de copias en las salas de cine. De manera posterior, Netflix incorporará el filme a su catálogo tras hacerse con los derechos y colaborar en la producción. 

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La historia: España, 1938. Tras meses de combates que han dejado tras de sí miles de muertos en las trincheras, Jan Lozano, capitán de la quinta brigada nacional, cae prisionero en manos del bando republicano. Pero un peligroso experimento de los nazis que apoyan a Franco obliga a los bandos rivales a unirse contra un extraño adversario. Tendrán que dejar de lado el odio mutuo y evitar así convertirse en zombis al servicio del Tercer Reich que utiliza a España como campo de pruebas. 

La crítica: El filme comienza con una boda fallida tras la entrada de un convoy de nazis en una población rural española. Un comienzo de impacto que nos recuerda los horrores de la guerra y la absurdidad del ser humano. Pero Malnazidos, basada en la novela Noche de difuntos del 38, de Manuel Martín Ferreras, nace con la vocación de del humor negro como marco de referencia. Lo consigue a medias con más voluntad que acierto.  

La cinta es una aproximación a la Guerra Civil desde un enfoque novedoso y original. Con una estética que se aleja del costumbrismo con el que se ha abordado el conflicto de manera habitual, Malnazidos nos adentra en el género fantástico y en el de zombis en particular. Uno de los problemas que presenta el filme es que el experimento alemán que convierte a los prisioneros en zombis es revelado demasiado rápido. Se invierten, por tanto, los parámetros del suspense que pudiera crearse. 

La película española intenta seguir la línea de las grandes películas épicas del cine de la era dorada de Hollywood, no solo por el género de acción y aventura que hoy en día casi no se ve, sino también por la envergadura del proyecto y la ambición de la producción. Asimismo la narrativa intenta acercarse a lo que hizo el maestro Berlanga en su magistral La vaquilla.

Es decir, nos hallamos ante una comedia bélica que en su fondo trata de manera satírica el conflicto armado español y ante una narrativa basada en una historia con hombres y mujeres que se unen, a pesar de sus ideologías dispares, para luchar contra un mal mayor. Malnazidos es una película de personajes, de muchos personajes. Una aventura coral que da espacio a cada uno para desarrollarse y evolucionar junto a la narración. 

En el reparto coral destaca Miki Esparbé como protagonista principal encarnando al Capitan Nacional Jan Lozano. Un personaje pasado de frenada que hasta los de su propio bando quieren fusilar. Aura Garrido es la "Matacuras" republicana y cumple con su papel. Luis Callejo brilla en el papel de jefe del comando de republicanos. Es un tipo resolutivo, pero demasiado bueno para combatir en la guerra. Álvaro Cervantes es "El mecha" y experto en explosivos. Por último, destacar a Maria Botto en su papel de Sor Flor: la ira de Dios hecha mujer, un rosario en una mano y un Mauser M1893 en la otra. ¡Amén!

Destaca en la parte técnica la caracterización de los zombis. Se han utilizado prótesis, lentillas y sangre artificial de varias texturas y colores que recrean mordeduras, arañazos, cortes y heridas. La propuesta de vestuario de los protagonistas ha debido de ser un gran reto. Se dota de carácter y personalidad a los personajes con un único cambio de ropa capaz de transmitir aventura, época, comedia y amor en un escenario infectado de zombis. Asimismo se recrea un universo bélico creíble a través del diseñador de Arte que ha apostado por la construcción de más de 200 metros de vías de tren para manipular y movilizar los dos trenes blindados que necesita la película. Más de 20 vehículos militares de época, perfectamente funcionales y en activo, se han usado para soportar la acción de la película con exteriores rodados en zonas montañosas de Cataluña. El trabajo técnico, por tanto, es impecable.

Malnazidos me ha parecido una propuesta original que solo busca la diversión y la vuelta del público más joven a las salas de cine. La cinta española, algo hueca en su narrativa, cuenta con un reparto sólido y un final abierto que solo verán aquellos que permanezcan en sus butacas tras los títulos de crédito. En definitiva, hablamos de cine de evasión que se apoya en buenas localizaciones exteriores e interiores que encajan con la época en la que se desarrolla esta peculiar historia.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Javier Ruiz Caldera,

Alberto de Toro

Guion: Jaime Marqués, 

Cristian Conti

Música: Javier Rodero

Fotografía: Kiko de la Rica

Duración: 100 minutos

Reparto: Miki Esparbé, Aura Garrido,

Luis Callejo, Álvaro Cervantes,

Jesús Carroza, María Botto,

Sergio Torrico, Francisco Reyes

Un héroe: Asghar Farhadi vuelve a su mejor versión

Un héroe dirigida por Asghar Farhadi se estrena en cines españoles el día 4 de marzo. La película iraní fue la ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes y nominada a Mejor Película de Habla no inglesa en los Globos de Oro.

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La historia: Irán, 2020. Rahim (Amir Jadidi) ingresó en prisión al no poder pagar una deuda generada por un préstamo. Durante un permiso de dos días se reencuentra con su novia y con su familia e idea una estrategia para pagar su deuda y dar así por cumplida su condena. Pero los planes se complican cuando el acreedor no está dispuesto a perdonar al recluso hasta que no le reintegre el importe total de la deuda. 

La crítica: Tras la fallida experiencia en España con Todos lo saben, Asghar Farhadi vuelve a su mejor versión con las historias locales de Irán como en el “El viajante” o “Nader y Simin, una separación”. Un héroe es una buena oportunidad para explorar el fondo de las relaciones humanas y de paso conocer el buen concepto narrativo de Farhadi. El cineasta iraní construye a fuego lento un relato fresco, ágil y con la honorabilidad de las personas como principal frente discursivo.

La cinta se inspira y tiene como premisa a la gente corriente que llama la atención de todo el mundo porque hacen algo altruista. Rahim, el protagonista del filme, tiene en su poder un bolso encontrado en la calle con monedas de oro y tras pensar mucho en ello decide devolverlo poniendo anuncios por las calles. A esto se suma que con las cantidades encontradas podría eludir volver a la cárcel. Una actitud ejemplar que pronto es puesta en entredicho por algunas irregularidades en su relato. 

Un héroe presenta un enfoque realista ya que la propia historia exige esa complejidad en la personalidad de los personajes. Al igual que ocurre en la vida real, las personas se componen de una multiplicidad de dimensiones y, en algunas circunstancias, una de estas dimensiones se impone y se hace más visible. Se trata de personajes "grises": no son estereotipados, unilaterales. Como toda persona real en la vida cotidiana, tienen contrastes, tienen tendencias opuestas y debaten en su interior a la hora de tomar decisiones. La película y su narrativa son en sí mismas un pequeño tratado del significado de cualquier dilema moral o económico. 

Nos hallamos ante una gran interpretación de Amir Jadidi como protagonista absoluto de la historia. Un personaje muy complejo que destaca por su sonrisa a pesar de todas las adversidades que tiene que superar.  La sonrisa de Rahim forma parte de un conjunto de rasgos que lo acercan de manera inmediata al espectador. También conocemos sus relaciones familiares, su implicación como padre divorciado en la custodia completa de su hijo y la semilla de un nuevo amor con una maestra que se implicará todo lo posible para tratar de sacar a su héroe de prisión. Este apelativo que da título a la película es por la intención altruista del protagonista en devolver el bolso encontrado. 

El personaje de Bahram, el hombre al que Rahim le debe dinero, es también muy ambiguo. En una visión general, este personaje debería haber sido el malo de la película y deberíamos sentir antipatía hacia él por las dificultades que le crea al protagonista. No obstante, en virtud del desarrollo del personaje, también tiene sus motivos para actuar como lo hace. Cuando explica estas razones, me parecen justificadas y su comportamiento es comprensible. Tal vez esta dimensión del personaje, que lo convierte en algo más que el malo estereotipado, nos permite sentirnos más cerca de él. De hecho, este hombre simboliza la justicia y el derecho a recuperar lo que le deben. Sólida es la interpretación de Mohsen Tanabandeh aunque sin el brillo de Jadidi.

En la parte técnica destaca la localización del filme. Nos situamos en Shiraz donde hay restos antiguos, huellas importantes y gloriosas de la identidad iraní. Asghar Farhadi toma distancia de la agitación de Teherán que es su lugar preferido de rodaje como para Almodóvar puede ser Madrid o para Woody Allen Nueva York. 

Un héroe me ha parecido una propuesta inteligente, honesta y con un buen ritmo narrativo en sus dos horas de narración. Asghar Farhadi cierra de manera circular la propuesta pero es ambiguo en sus conclusiones finales. Será el espectador el que deba interpretar el final y debatir consigo mismo qué hubiera hecho si encuentra una pequeña fortuna en la calle. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Irán

Dirección: Asghar Farhadi 

Guion: Asghar Farhadi 

Fotografía: Arash Ramezani

Duración: 128 minutos

Reparto: Amir Jadidi, 

Abolfazl Ebrahimi, Sarina Farhadi

Mohsen Tanabandeh, Fereshteh Sa

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Me cuesta hablar de mí: Charo López y el precio de la belleza

Me cuesta hablar de mí dirigida por Chema de la Peña se estrena en cines españoles el próximo día 3 de marzo. El filme documental analiza la figura de Charo López tras sus 50 años de cine, televisión y teatro, donde se pueden rastrear las huellas de su alma de actriz.

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La historia: Película documental que echa la vista atrás para redescubrir a la actriz española Charo López y su impresionante trayectoria: desde los 60 en el franquismo, pasando por la Transición, la edad de oro de las series que tanto le debe, la época Miró, su fulgurante revelación teatral, sus trabajos con Almodóvar, Gonzalo Suárez, Basilio Martín Patin y su Goya por Secretos del corazón.

La crítica: En Me cuesta hablar de mí llama la atención como Charo López reconoce que la belleza es una aliada para cualquier mujer y sin embargo puede ser la cruz para determinadas actrices. Pero comencemos por el principio. Chema de la Peña realiza un proceso de investigación en el que se despliega la fuerte personalidad de la artista con incontables contornos y matices, que configuran a una mujer apasionante con una carrera jalonada de éxitos, reinvenciones y saltos adelante. 

El filme comienza con un recorrido por las calles de Madrid y la narración en off de la propia Charo López. A continuación, Raúl Arevalo toma las riendas de la locución con una brillante modulación vocal para recorrer la vida de la actriz nacida en Salamanca en 1943. El cineasta nos presenta a la niña que había crecido jugando por las plazas de Salamanca y al tiempo a esa mujer que salía rodeada de aplausos tras inundar la pantalla con su presencia hipnótica y su voz grave y emotiva.

¿Cómo una brillante estudiante de Filología de Salamanca acabó siendo actriz y musa de toda una generación? Por pura casualidad y por su belleza. En la película se muestra como su temprano casamiento con un crítico de cine un error humano imperdonable le acercó al mundo de la cinematografía En una reunión, un cineasta quedó prendado de su belleza y le dio un papel protagonista. Lo que desconocían los directores es que contrataban a una mujer muy preparada, meticulosa en sus estudios e incluso más inteligente que bella. Este descoloque fue la consecuencia de que Charo López tuviera un camino demasiado espinoso como actriz. 

A lo largo de su vida se van sucediendo diferentes episodios: su azarosa llegada al cine en los 60, la oportunidad perdida de hacer de Virgen María con Buñuel, su paso por los spaghetti western y el cine del destape en los 70, el éxito en los 80 (“Fortunata y Jacinta”, “Los gozos y las sombras”) en la etapa de oro de la series que tanto le debe, su reconocimiento en Cannes de la mano de Gonzalo Suarez, su aventura teatral en Argentina y su consagración absoluta con su  Goya por “Secretos del Corazón”. 

Charo López, además, se reveló como el icono erótico de toda una generación e incluso se la denominó como el mito erótico de la Transición española. Pero como a casi todas las actrices les llegaba el temido momento en el que el teléfono dejaba de sonar. Y eso es duro cuando en 'Fortunata y Jacinta' 15 millones de españoles se reunían junto a sus televisores para ver uno de sus trabajos más reconocidos. En Me cuesta hablar de mí también se recoge su presencia por Estudio 1, la interpretación junto a Julio Iglesias en 'La vida sigue igual' o los años del destape. En cierta forma la actriz reconoce que se dejó cosificar y admite que es coqueta hasta la extenuación. 

Me cuesta hablar de mí es un gran viaje emocional hacia el verdadero significado de lo que es el amor hacia una profesión. Con una narración rítmica y con testimonios directos, Chema de la Peña encaja todas las piezas que permiten descifrar el misterio que rodea a esta actriz que ha ganado la batalla al tiempo hasta que el tiempo se lo permita. 

Nota: 7'5.

Dirección: Chema de la Peña

Producción ejecutiva: Sergio Muñoz

Dirección producción: Carmen Huray

Fotografía: Sandra Formatger

Montaje imagen: Martina Seminara

Sonido directo: Sergio Muñoz

Documentalista: Oscar de Julián

Duración: 72 minutos

Formato: 1:1,85

Great Freedom (Gran libertad): presos marcados por el 175

Great Freedom dirigida por Sebastian Meise se estrena en cines españoles el próximo día 25 de febrero. Ganadora del Festival de Cine Europeo de Sevilla, la película también llegará a los cines de Estados Unidos en las próximas semanas. 

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La historia: En la Alemania de la posguerra, Hans es encarcelado una y otra vez por ser homosexual. Debido a la ley 175, su deseo de libertad es destruido de manera constante. La única relación estable en su vida es su compañero de celda, Viktor, un asesino convicto que le desprecia por su condición, pero que aprenderá a respetarle con el paso del tiempo.

La crítica: Rodada en tres lineas temporales pero con los mismos personajes, Great Freedom narra la historia de un destino trágico en una época en la que el amor y la libertad sexual eran tratados como un crimen. Los años de la narración son 1945, 1957 y 1968, donde Hans entabla una estrecha relación con el homófobo Viktor, que cumple condena por asesinato pero cuyos anhelos sexuales son las mujeres, no los hombres.

La amistad que entablan, desde posiciones contrapuestas, se hace cada más emotiva en un desarrollo evolutivo muy bien diseñado por Sebastian Meise. Pero antes, Meise juega con el tema de la sexualidad tanto por ser una liberación física, como también por ser una necesidad emocional en una parte fundamental del relato. El sexo en el sistema carcelario siempre fue motivo de conflicto siendo aliviado hoy en día con los vis a vis sin importar el sexo, la religión o la ideología política de los reclusos. 

Great Freedom es también una habilidosa mirada sobre el artículo 175 del código penal alemán. El citado párrafo permitía al Estado perseguir a los homosexuales, lo que hacía con gran esfuerzo y meticulosidad. Este importante hecho histórico sustenta una narración apoyada en informes sobre cómo hombres homosexuales fueron liberados de los campos de concentración por los aliados, pero que fueron trasladados directamente a la cárcel para cumplir el resto de sus condenas. Su persecución no terminaría hasta la derogación del citado artículo.

Arrestado por refugiarse en unos sórdidos baños públicos para mantener relaciones sexuales, Hans pasará el resto de la película entrando y saliendo de prisión rodeado de delincuentes, antes de que la homosexualidad fuera despenalizada en Alemania en 1969. Pero la libertad también puede resultar dolorosa cuando alguien ha pasado muchos años en prisión. El cierre de la película, con un giro maestro, entronca con grandes películas ambientadas en prisiones y narra como algunos reos encuentran un lugar más cálido dentro de la prisión que en la ansiada gran libertad que da título a la cinta germano-austriaca. El filme engarza de manera indirecta con la muy interesante Pájaros enjaulados.

Nuestro personaje principal, Hans, ejemplifica los muchos destinos de los hombres que acabaron en prisión una y otra vez, cuyas vidas y relaciones fueron destruidas, y cuyas historias desaparecieron en los archivos de la burocracia. La historia de Hans se cuenta a partir de sus años en prisión. Los muros y los barrotes se convierten en una constante recurrente que se convierte en un bucle temporal interminable. Hans no puede dejar de ser quien es. Necesita continuar porque el amor es la esencia de la naturaleza humana. Su propia existencia es una rebelión contra el sistema penitenciario alemán. Importante interpretación de Franz Rogowski que perdió doce kilos entre el primer y el segundo bloque del rodaje.

El otro personaje importante en la producción es Viktor. No sabremos hasta el final de la película por qué ingresó en prisión e incluso Hans duda si este hombre quiere realmente salir de la cárcel. Enganchado a las drogas, Viktor, se deja ayudar por Hans a pesar de su repulsión inicial. Hablamos de un tímido acercamiento entre dos hombres, que no podrían ser más diferentes, pero que aprenden a respetarse y acaban convirtiéndose en confidentes. Con el paso de las décadas, crece entre ellos una inesperada intimidad, y al final se encuentran en una relación que se escapa a toda definición. Muy buena la interpretación de George Friedrich. 

En la parte técnica destacaría la notable dirección de arte dando vida a una antigua prisión abandonada en el este de Alemania. Asimismo observamos como el filme se desarrolla en varios niveles temporales y cada episodio refleja el estado emocional de los personajes. El invierno es lento como metáfora de que los personajes ya eran veteranos y estaban asentados. Luego, el verano, en el que eran más jóvenes y todavía estaban llenos de empuje. El sonido de la prisión es sobrecogedor estando bien recogido en la mezcla del mismo. En el debe de la película podría citar la poca utilización de la música en un cierto complejo del cineasta en no usar el melodrama como medio narrativo. 

Great Freedom me ha parecido un buen drama carcelario que cuenta con una narrativa inmersiva, inteligente e incluso emotiva por momentos. Hablamos de la representación de un mundo en el que el amor estaba prohibido por la ley y se castigaba con la cárcel. Lo que pudiera parecer una distopía en el futuro, era la cruda realidad para unos hombres que se vieron excluidos de la sociedad por los caprichos de unas leyes arbitrarias e injustas. En definitiva, Sebastian Meise consigue un relato eficaz en una original e innovadora vuelta de tuerca al género carcelario.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Austria - Alemania

Dirección: Sebastian Meise

Guion: Sebastian Meise

Música:  Peter Brötzmann

Fotografía: Crystel Fournier

Duración: 116 minutos.

Reparto: Franz Rogowski,

Georg Friedrich, Anton von Lucke,

Joachim Schoenfeld, Thomas Prenn

La hija oscura: retorcida ópera prima de Maggie Gyllenhaal

La hija oscura dirigida por Maggie Gyllenhaal se estrena en cines españoles el próximo día 18 de febrero.  La cinta, basada en el best-seller homónimo de la escritora Elena Ferrante, está protagonizada por la oscarizada actriz británica Olivia Colman, junto a Dakota Johnson, Peter Sarsgaad y Ed Harris, entre otros.

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La historia: Leda (Olivia Colman), profesora de literatura, decide tomarse unos días de vacaciones en una isla de Grecia. Allí conoce a una joven y misteriosa mujer (Dakota Johnson) que anda absorbida por los cuidados de su pequeña hija. Los mundos de las dos mujeres se cruzan con consecuencias imprevisibles debido a la obsesión que Leda comienza a sentir por la joven madre en un entorno que además es amenazante.  

La crítica: La actriz estadounidense Maggie Gyllenhaal, cuya galardonada carrera está llena de interpretaciones inolvidables (‘Secretary’, ‘Adaptation’, ‘Corazón rebelde’, ‘La sonrisa de Mona Lisa’) debuta como directora con una historia retorcida, siniestra y en algunos momentos brillante. 

La hija oscura es un poderoso retrato sobre la maternidad pero centrado en algo de lo que no se habla. De esta manera, Gyllenhaal pone las cartas sobre la mesa sobre las malas madres o sin llegar tan lejos, nos habla de aquellas madres que se sienten sobrepasadas perdiendo el rumbo sobre su propio lugar en el mundo. La cineasta presenta un lúcido retrato de una parte casi secreta de las experiencias de algunas madres que a su vez son hijas, esposas, trabajadoras, hermanas y que se ven sobrepasadas por su rol en la sociedad y lo muchísimo que esta espera de ellas. 

La cinta se expresa a través de dos lineas temporales que unen pasado y presente mediante los personajes de Leda, una madre madura, y Nina madre primeriza. Ambas convergen con sus propios demonios interiores y con el deseo implícito de vivir sus vidas en completa libertad sin asumir el rol que como madres les ha tocado vivir. A través de estudiados flashbacks conocemos el pasado de Leda y cómo abandonó el cuidado de sus hijas pequeñas para largarse con su amante. En cierta forma, Leda ve en Nina esos deseos o lo que ella cree que son esos deseos. Esta parte de la película solo puede estar basada en propias experiencias articuladas a través de la aberración, la disyuntiva o los deseos frustrados. 

Olivia Colman nos regala una sólida interpretación de un personaje que es un regalo para cualquier actriz. Su personaje es un reto, porque hace algo realmente aborrecible y transgresor. Comete una de las mayores huidas hacia adelante que una madre podría cometer y, sin embargo, nos identificamos con ella. En su yo presente, y durante las vacaciones, vuelve a cometer un acto "vandálico" al robar la muñeca de la hija de su nueva amiga. Esta situación nos lleva a los terrenos pantanosos de la oscuridad y de la locura. Más que de La hija oscura, la película parece un tratado sobre la oscuridad de la maternidad y todos los desencadenantes que conllevan un puerperio disfuncional o demasiado prolongado en el tiempo

Para sorpresa de un servidor Dakota Johnson hace un buen papel. Correcto digamos. Nina, su personaje, es guapa, joven y lleva una vida feliz junto a su marido y familia. Pero al igual que Leda no acepta su papel como madre y esto le lleva a buscar aventuras amorosas ante la presión de su desconcertante clan familiar. Siempre aparece desafiante. También es muy gratificante la presencia de Ed Harris en un papel secundario como amante pasajero de la profesora llegada a su isla. Me alegro de que siga vivo aunque acepte papeles por debajo de su rango. Por último, cabe destacar a Jessie Buckley en el papel de la joven Leda por la que ha sido nominada al Oscar como mejor actriz de reparto. Colman también está nominada como mejor actriz y Gyllenhaal por la adaptación del guión. 

Me gustaría mencionar la soberbia elección de la música por la cineasta debutante. Las canciones de fondo puede cambiar completamente una película y la sensación que transmiten las imágenes. ¿Quién no recuerda la selección musical que hizo Tarantino en Pulp Fiction? En La hija oscura incluso las tenues notas de piano otorgan peso a la narrativa. 

La hija oscura me ha parecido una notable ópera prima sustentada en tres grandes aciertos. El primero es que la cinta siempre va de menos a más incluso en lo retorcido de su narrativa. Lo segundo es que consigue una atmósfera opresiva e inquietante que mantiene en vilo al espectador. Y por último, hablamos de un final bien elaborado y muy alejado de los deplorables finales felices que tanto gustan en Hollywood. 

Nota: 8/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: The Lost Daughter

Dirección: Maggie Gyllenhaal

Guion: Maggie Gyllenhaal

Música: Dickon Hinchliffe

Fotografía: Hélène Louvart

Duración: 120 minutos

Reparto: Olivia Colman, 

Jessie Buckley, Ed Harris,

Dakota Johnson, Peter Sarsgaard

Un polvo desafortunado o porno loco: la sátira pandémica

Un polvo desafortunado o porno loco dirigida por Radu Jude se estrena en Filmin el próximo día 11 de febrero. El hilarante film, cuyo estreno fue censurado en Rusia por “promocionar la pornografía”, es el vigente Oso de Oro a la Mejor Película en el Festival de Berlín.

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La historia: Bucarest, 2021. Emi es una profesora de secundaria que ve amenazada su carrera y su reputación cuando un vídeo suyo con contenido pornográfico es publicado en Internet. Obligada a hacer frente a la ira de los padres de sus alumnos, que exigen su despido, Emi se niega a renunciar ante la violación de la privacidad a la que ha sido expuesta. 

La crítica: Dividida en tres episodios y mezclando géneros, la película incluye una parte central independiente a modo de diccionario de conceptos leídos desde una corrosiva mirada externa. Un polvo desafortunado o porno loco se ambienta en la Rumanía contemporánea pero podría haber sido rodada en cualquier parte del mundo pandémico actual. No obstante, la mirada sobre la propia Rumanía que parece anclada en los ochenta es demoledora. Se presenta a una sociedad ultra machista, a una iglesia desbordada o a los propios ciudadanos desquiciados por las mascarillas y los encierros decretados. 

Con un arranque propio de una película porno, y un segmento central independiente a nivel narrativo, la última película del rumano Radu Jude es culpable de cualquier cosa menos de provocar indiferencia. Las mascarillas que utilizan los personajes, reflejo del momento que nos ha tocado vivir, son solo un detalle más de la contemporaneidad de una obra que entronca con los bocetos del litógrafo y pintor Eugène Delacroix.

La premisa de la película es sencilla, pero sólida. La protagonista y su marido se graban un vídeo mientras mantienen relaciones sexuales. El testimonio visual queda alojado en un ordenador personal. Cuando llevan la computadora a reparar alguien del servicio técnico se percata del vídeo sexual y lo sube a la red. A partir de ahí, y en un caso que recuerda al de la concejala socialista Olvido Hormigos, comienza la caza de brujas de la maestra. Las situaciones que se dan a partir de ese momento mitad kafkianas, mitad berlangianas son hilarantes y desembocan en un "juicio sumarísimo" hacia la profesora. Los padres de los alumnos tendrán que decidir a mano alzada si nuestra protagonista debe ser despedida del colegio por su "conducta lasciva". Antes de la votación, y en una insólita humillación a la maestra, el vídeo será exhibido ante los padres y demás profesores en mitad de improperios, descalificaciones e incluso llamadas a la unidad de la patria. Nos hallamos pues ante el reflejo perfecto de una sociedad partida en dos mitades y ante una gran sátira del cineasta. 

El reparto coral está sustentado en la gran interpretación de Katia Pascariu que da vida a la maestra humillada y puesta en boga por todos. Una actriz que solo había actuado anteriormente en Beyond the Hills (2012). Los demás actores realizan unas correctas actuaciones aunque lo mejor son los personajes retratados que siempre rozan la hipérbole: curas, un miembro del ejército, un piloto de aviación radicalizado, madres histéricas o intelectuales de izquierdas componen un grupo de padres que hubiera firmado el maestro Berlanga y que reflejan a una sociedad desquiciada. 

En la parte técnica destaca la manera de presentar el filme. Para ello Radu Jude dibuja un tríptico cáustico que desafía la narrativa convencional. Los tres actos son “Calle de un solo sentido” (presentación), “Diccionario de breves anécdotas, signos y maravillas” (se concentra en un collage de imágenes satíricas de la Rumanía de hoy y de la de Ceausescu) y “Praxis e insinuaciones (el "juicio sumario" a la maestra)”.

A través de estos actos el director nos enfrenta a nosotros mismos en una especie de espejo cinematográfico sobre la hipocresía y la doble moral. 

Un polvo desafortunado o porno loco me ha parecido un filme divertido, irreverente y provocador. La cinta aborda de forma original los temas más candentes de la actualidad: el puritanismo, lo políticamente correcto, los nuevos inmigrantes e incluso a la locura a la que nos hemos enfrentado de manera colectiva a raíz de la pandemia. De esta forma, nos hallamos ante un mosaico de sucesos que evidencian la insensatez y la absurdidad de la sociedad que parece guiada por el odio y los prejuicios. Juzgar es uno de los mayores placeres conscientes e inconscientes para el ser humano y si es sobre la vida sexual de los demás el orgasmo parece asegurado. 

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: Rumania

Título original: Babardeală

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Dirección: Radu Jude

Guion: Radu Jude

Música: Jura Ferina

Fotografía: Marius Panduru

Duración: 106 minutos

Reparto: Katia Pascariu,

Claudia Ieremia, Olimpia Malai, 

Nicodim Ungureanu, Alexandru P. 

Drive My Car: el tamaño si importa

Drive My Car dirigida por Ryûsuke Hamaguchi se estrena en cines españoles el próximo día 4 de febrero. La cinta japonesa fue la ganadora del Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y es uno de los quince títulos preseleccionados al Oscar a la mejor película internacional. También está nominada en los premios Independent Spirit Awards, los galardones más prestigiosos de la escena independiente norteamericana.

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La historia: Yusuke Kafuku, actor y director de teatro, aún incapaz de lidiar con su pasado, acepta dirigir la obra teatral 'Tío Vania' en un festival en la ciudad de Hiroshima. Allí conoce a Misaki, una joven introvertida que será su chófer. En sus idas y venidas comienzan a surgir las confesiones y a desvelarse de manera mutua los secretos de sus misteriosas vidas.

La crítica: Drive my car está basada en el relato homónimo del escritor Haruki Murakami, incluido en la novela "Hombres sin mujeres" editada por Tusquets Editores, un conjunto de siete relatos que giran en torno al aislamiento y la soledad que preceden o siguen a la relación amorosa. 

Lo primero que llama la atención en la filmación japonesa es la desproporción que existe entre el relato corto de Murakami y la hiperbólica narración de Hamaguchi que se va a los 180 inexplicables minutos de metraje para trasladar una historia sencilla e incluso simplista. El tamaño si importa en la vida sexual (lo dice la ciencia), pero en el cine es inversamente proporcional si el cineasta de turno desea imprimir un ritmo adecuado al relato. Más si cabe cuando hablamos de una historia en la que suceden muy pocas cosas y las que suceden ocurrieron en el pasado. 

Tras 45 minutos de prólogo, y para sorpresa de un servidor, comienzan los títulos de crédito. Es lo que se dice parsimonia a la japonesa para abrir un filme. De hecho, yo pensaba que la película se había acabado y ya tenía la impresión de que era larga. Pero tras esta falsa desilusión me esperaban dos horas y cuarto más de harakiri cinematográfico. Como en la película sucedían pocas cosas, comencé a hacer un repaso por mi vida y me quedé dormido. Lo cual dice poco de mi vida. Total que al despertar seguía la cosa más o menos igual. Es decir, un señor japonés que es director teatral pegándole unas chapas tremendas a su chófer mientras va y viene de los ensayos teatrales que prepara en Hiroshima. Sí, donde la bomba. 

La choferesa, cuando toma confianza, se contagia y comienza también a narrar su penosa vida al dramaturgo: que si solo sabe conducir, que si su madre tenía doble personalidad, que si su casa fue destruida. O sea, lo que se dice una vida alegre y frugal. El dramaturgo responde: que si su mujer le era infiel a menudo, que se siente culpable por su muerte, que no encuentra placer en su trabajo, etc. En las tres horas de conversaciones cruzadas no hay ni una sola sonrisa, ni un beso y de follar ni hablamos. Un asco de viaje, vamos. La imagen inferior lo dice todo.

Drive my car también tiene cosas buenas. El reparto por ejemplo. En el papel del dramaturgo hallamos a Hidetoshi Nishijima al que ya vimos brillar en la buena película nipona Mientras ellas duermen. La chófer está interpretada con acierto por Tôko Miura. Del resto del reparto solo cabe destacar a la esposa del dramaturgo, Reika Kirishima, pero como la palma a las primeras de cambio nos quedamos con las ganas de más. Tampoco demos ideas no vaya a ser que al cineasta le de por regalarnos una precuela de unos 326 minutejos sobre como se conocieron los tortolitos.  

El otro protagonista del filme es el coche. Hablamos de un precioso Saab Aero coupe de carácter clásico que en parte entronca con ese amor declarado por el maestro Eastwood hacia su Gran Torino. Otra cosa buena es la delicadeza de rodaje tanto en interiores como en las panorámicas. Asimismo destacar la fotografía y el efecto melatonina del filme. 

En conclusión, Drive my car -favorita para el Oscar a mejor filme extranjero- me ha aburrido de manera soberana y siento, además, que es una película hecha para la crítica y no para el público. El cine no va de esto. La gente va a las salas a divertirse, a emocionarse y en casos raros a dormir. Si este último caso fuera el suyo entonces mi recomendación es la máxima y además se ahorrará un dinerillo en Diazepam, Valeriana o en cualquier cosa que le recomiende su abuela, su suegra o su cuñado. 

Nota: 💤

Nacionalidad: Japón

Título original: Doraibu mai kâ

Dirección: Ryûsuke Hamaguchi 

Guion: Ryûsuke Hamaguchi 

Música: Eiko Ishibashi

Fotografía: Hidetoshi Shinomiya

Duración: 180 minutos

Reparto: Hidetoshi Nishijima,

Tôko Miura, Reika Kirishima, 

Sonia Yuan, Satoko Abe