El club del odio: taradas en la América profunda

El club del odio dirigida por Beth de Araújo se estrena en Filmin el próximo día 28 de abril tras la polvareda levantada en Estados Unidos. Producida por Blumhouse, la reconocida productora detrás de éxitos como "Get Out" o "Múltiple", y que se ha convertido en una ventana a los miedos de nuestro tiempo. 

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La historia: Emily (Stefanie Estes), es una excéntrica profesora de primaria que tras finalizar su jornada lleva una tarta con una esvástica a un encuentro con amigas para formar un club. En el camino conocerá a Leslie, la nueva ayudante de la tienda de su amiga Kim (Dana Millican) y juntas irán a la reunión. Pronto definirán la función de su nuevo club de mujeres en el que reafirmarán su ideología supremacista. Tras la interrupción de la pareja de Emily, ésta invita a sus amigas a tomar un vino en su casa, pero en el camino se encuentran con dos inmigrantes...

La crítica: Aunque El club del odio se ha calificado como una película controvertida, pienso que solo refleja el miedo -como trasunto del odio- de unas pocas taradas estadounidenses. Éstas hacen del supremacismo blanco su bandera y del odio al inmigrante su causa de vida. 

Beth de Araújo, licenciada en Sociología y con una Maestría en Bellas Artes del American Film Institute, nació y se crió en San Francisco con sus tres hermanas y tiene doble ciudadanía tanto de Brasil como estadounidense. Pero su aspecto oriental, su madre es chino-americana, le causó algún problema de discriminación racial en su propio país. Ahora llega el momento de responder con una película que es virtuosa en su técnica, sarcástica en su fondo y acojonante en su desenlace. 

Araújo rueda en una sola toma con un grandioso plano secuencia los disparates de unas mujeres adheridas a un movimiento totalitario colocando el foco en el rol de la mujer de la alta sociedad estadounidense. La técnica imprime tensión y desasosiego a la trama, en la que un grupo de mujeres que pretenden fundar una asociación semiclandestina vinculada a la tradlife (un movimiento que aboga por el regreso a los valores tradicionales y que reserva a las mujeres el papel de madres de cuantos más niños mejor para preservar la "raza europea") tiene un encontronazo con un par de mujeres inmigrantes que acaba en una pelea con consecuencias imprevisibles.

El club del odio tiene tres partes diferenciadas de manera sutil: en la primera vemos a un grupo mujeres vinculadas al movimiento trad que suelen ser mujeres blancas muy bonitas, sofisticadas y con formación universitaria. En la segunda vemos como su ridículo ideario antisemita (y anti-todo) cobra forma real al provocar una pelea con dos mujeres inmigrantes. Y en la tercera parte o resolución, Araújo aplica el género negro que envuelve la trama con un halo de suspense con retorcidos e inteligentes giros finales para mantener en vilo al espectador.

Stepfanie Estes realiza un gran papel como lideresa del grupo de blancas taradas. Le acompañan con más o menos acierto, Kim (Dana Millican), propietaria de una licorería, y que ha traído consigo a una de sus nuevas empleadas, Leslie (Olivia Luccardi), una ex convicta liberada de manera reciente. Completando el cuarteto principal está Marjorie (Eleanore Pienta), una joven bastante tímida cuya inquietud inicial sobre todo el asunto se desvanece rápidamente cuando esta siniestra hermandad se coloca en una posición on - fire. 

En la técnica destaca el brillante plano secuencia antes mencionado, pero sin embargo ponemos en el debe cierta falta de iluminación en las tomas nocturnas. La dirección de arte brilla y se echa de menos una banda sonora de mayor entidad. 

El club del odio me ha parecido una cinta inteligente cuando se apoya en la ironía y potente cuando se centra en una trama que poco a poco se desliza hacia el thriller de suspense clásico. El final, sobrecogedor y bien pensado, toma referencias de Un lugar en el sol o de Rebecca. Todo ello deja a Araújo como una cineasta con capacidad para forjar una carrera brillante a pesar de tocar uno de los puntos débiles de parte de la sociedad estadounidense.

Nota: 7/10.

Título original: Soft & Quiet

Género: Intriga, Thriller, Drama

Nacionalidad: EE UU

Dirección: Beth de Araújo

Guion: Beth de Araújo

Música: Miles Ross

Fotografía: Greta Zozula

Duración: 90 minutos👈👌

Reparto: Stefanie Estes,

Olivia Luccardi, Eleanore Pienta, 

Dana Millican, Melissa Paulo, 

Jon Beavers, Cissy Ly, Jova Molina

20.000 especies de abejas: cuando la realidad se impone a las creencias

20.000 especies de abejas dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren se estrena en cines españoles el día 21 de abril de 2023. La película española se alzó con la Biznaga de Oro del Festival de Málaga y Patricia López Arnaiz fue premiada como mejor actriz de reparto por su papel en la emotiva narración.

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La historia: Cocó (Sofía Otero), de ocho años, no encaja en las expectativas de la sociedad y no entiende el porqué todos insisten en llamarle Aitor ya que no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita y su tía Lourdes, ligada a la cría de abejas y la producción de miel. En este matriarcado se explorarán los sentimientos encontrados de la joven Cocó en un verano que cambiará su perspectiva del mundo. 

La crítica: El primer largometraje dirigido por Estibaliz Urresola es un canto a la sensibilidad y se coloca de salida como la primera gran película española en seguir la senda del buen año 2022 para el cine nacional. De hecho, Urresola se posiciona como una de las favoritas para el Goya a la mejor dirección novel en los galardones del próximo año. 

20.000 especies de abejas nos sumerge en un matriarcado rural vasco en el que sus mujeres pugnan por tener la razón sin importar edad, condición social o su posición dentro de la familia. La cinta narrada de manera sutil y cocinada a fuego lento, aborda sin tapujos la identidad de género en la niñez a través de la mirada de una niña que se pregunta quién es y el porqué su cuerpo no obedece a lo que siente su corazón. 

La cineasta nos pregunta y se pregunta a lo largo del filme varias cuestiones: ¿desde cuándo sabemos quiénes somos? ¿qué relación guarda nuestra noción de identidad en relación al cuerpo? ¿es, la identidad propia, tan solo una vivencia íntima y personal o está afectada por la mirada externa? ¿hasta qué punto estamos dispuestos a llegar para imponer creencias desfasadas ante las realidades del corazón? ¿al suicidio de los menores? ¿a su amargor de por vida? Aceptar la libre identidad de género no es una cuestión ideológica, ni un capricho de nuestros pequeños. Es una cuestión de sensibilidad y empatía con el prójimo y con nosotros mismos.  

La cinta española rezuma sensibilidad y pertenece a ese grupo de películas que surgen de la necesidad de ahondar e investigar sobre la niñez y sus conflictos. Un período en el que el mundo adulto parece violento, arcaico y no se encuentra en sintonía con las necesidades de los más jóvenes. Más si cabe, cuando la identidad de género se sitúa como epicentro en la vida de éstos últimos enmedio de la incertidumbre.

Patricia López Arnaiz (La cima, La hija) realiza una gran papel como madre de Cocó. Un personaje sumido en una crisis profesional, que aprovechará las vacaciones para intentar poner en orden su vida. Sofía Otero, actriz revelación desde ya, interpreta a Cocó que lucha desde su interior por su alma de niña. Ella no entiende el porqué nació en un cuerpo con el que no se siente identificada. Cobra especial importancia en la película el papel de la tía Lourdes (Ane Gabarain) que empatiza con la cría y que le trata de enseñar a través de las abejas la mejor comprensión del mundo. La clave del filme se encuentra en su conmovedora secuencia final en la que la miel y las abejas cobran una importancia vital para la mutua comprensión del clan familiar. 

En la parte técnica destaca la apuesta por rodar en base al naturalismo. O sea rodar de la forma más natural posible, de forma que el espectador no tenga la sensación de ver un filme artificial, sino un retrato cotidiano de la vida normal de una familia. La cineasta juega con la luz natural, intentando que los espacios por los que pasa Cocó sean abiertos y en exteriores. Y, a nivel de cámara, destacan los primeros planos, combinados con encuadres más amplios donde se muestra el impacto del entorno. 

20.000 especies de abejas me parecido intensa y emotiva aunque algo excedida en su metraje. Quizás ese sea su único punto débil. La película entroniza a otra nueva cineasta española que sigue la senda de los éxitos de 2022 forjados por una nueva hornada de mujeres directoras, como Carla Simón (Alcarràs), Pilar Palomero (Las niñas), Elena López Riera (El agua) o Alauda Ruiz de Azúa (Cinco lobitos). En definitiva, Estibaliz Urresola se marca una ópera prima notable con una acertada metáfora basada en la apicultura y su simbolismo, que ayuda a comprender al distinto desde el profundo amor de una madre.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Estibaliz Urresola Solaguren

Guion: Estibaliz Urresola Solaguren

Fotografía: Gina Ferrer

Duración: 125 minutos

Reparto: Patricia López Arnaiz,

Sofía Otero, Ane Gabaraín,

Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, 

Sara Cózar, Miguel Garcés

Novembre: el retrato de 50 años de pésima política

Novembre dirigida por Cédric Jimenez se estrena en cines españoles el día 14 de abril de 2023. La cinta gala fue la segunda producción francesa más taquillera del año en Francia y fue  nominada a 7 Premios César.

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La historia: París, 13 de noviembre 2015. Asistimos a cinco días en el servicio antiterrorista de la policía francesa tras los atentados yihadistas en la sala Bataclán. La policía lucha por hallar las claves y los responsables de una matanza que colapsó a una ciudad, a un país. Un trabajo que descubre todos los procesos de investigación en una situación de incertidumbre e incomprensión pero también de dolor luto y unidad nacional. 

La crítica: Nueva York, Londres, Madrid o París, y sus ciudadanos, nunca podrán olvidar los ataques yihadistas perpetrados en las últimas dos décadas. Novembre se centra en lo ocurrido en la capital de Francia en un trepidante thriller ficcionado con un interesante reparto. 

Aunque no es la función principal del cine, me parece que las películas pueden ejercer también de recordatorio de hechos históricos que moldearon o moldean a la sociedad. Cabe recordar que los atentados de París terminaron con un balance de 137 muertes y 415 heridos, y conmocionaron a la ciudadanía europea. El germen del mal estaba infiltrado en la sociedad y los servicios de inteligencia hicieron el ridículo. 

Novembre está narrada casi de manera exclusiva desde el punto de vista de los investigadores. Esta es una apuesta arriesgada y un tanto fallida al no apreciar el puzzle completo de los actos terroristas. Sin embargo, el cineasta entra sin complejos en la crítica de los servicios de inteligencia. La acción nos lleva de manera frenética en la búsqueda de los asesinos que se expande a Bélgica y Marruecos; cada vez más compinches son arrestados e interrogados. Pero el conocimiento sobre la psicología de los asesinos, cuyo odio se ha acumulado durante mucho tiempo, se queda en el camino. La película trata este aspecto con una frase, pronunciada por un traficante de armas que suministró la munición a los asesinos: "No fueron mis armas las que mataron a la gente, sino 50 años de pésima política".

Respecto a interpretaciones y reparto seguimos de manera principal a tres personajes del servicio antiterrorista. Fred (Jean Dujardin) quien es el jefe operativo de los investigadores. Luego está Héloïse (Sandrine Kiberlain) la responsable del centro de contacto. Además aparece Inès (Anaïs Demoustier) que es una agente encubierta con tendencia a involucrarse de manera personal. Los intérpretes cumplen con corrección en unos personajes en los que no se profundiza demasiado. 

En la parte técnica del filme francés destaca el trepidante ritmo marcado por un buen montaje: un ritmo propulsor que nunca cesa en apenas 100 minutos dentro del mundo de una unidad policial. Podría ser discutible si la película es emocionante, pero tiene un propósito y no finge nada sobre el tema tratado del que ofrece una mirada más bien documental.

En conclusión, Novembre me ha parecido una propuesta más de forma que de fondo. No aporta demasiado a los hechos acaecidos, no da una perspectiva global sobre el terrorismo islamista y tampoco me ha emocionado lo más mínimo. Por tanto, nos hallamos ante un filme muy frío que se limita a transcribir como fueron los días posteriores a la masacre desde el punto de vista de la investigación policial. 

Nota: 5/10

Nacionalidad: Francia

Dirección: Cédric Jimenez

Género: Thriller

Guion: Olivier Demangel

Música: Guillaume Roussel

Fotografía: Nicolas Loir

Duración: 100 minutos

Reparto: Jean Dujardin,

Anaïs Demoustier, Jérémie Rénier,

Sandrine Kiberlain, Lyna Khoudri, 

Marine Vacth, Cédric Kahn

Empieza el baile: nostalgia en positivo

Empieza el baile dirigida por Marina Seresesky se ha estrenado en cines españoles el día 5 de abril. La coproducción hispano - argentina ha resultado la ganadora del Premio del Público en la sección Oficial del reciente Festival de Málaga 2023. 

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La historia: Carlos (Darío Grandinetti) y Margarita (Mercedes Morán) fueron la pareja de tango más famosa de su época. Tras 30 años sin verse, iniciarán un disparatado viaje junto a su inseparable amigo Pichuquito que los llevará desde Madrid a los Andes, pasando por Buenos Aires, atravesando paisajes y emociones, pero sin abandonar nunca el humor, la ironía más despiadada y la desenfrenada pasión por el baile.

La crítica: Curiosamente, Empieza el baile, se ha estrenado en España antes que en Argentina donde lo hará el próximo 20 de abril. Marina Seresesky es una cineasta argentina conocida por sus filmes La puerta abierta y Lo nunca visto en las que también firmaba el guion. Ambas facetas van unidas desde el inicio de su carrera y que ahora culmina con su mejor película hasta la fecha con gran acogida en el Festival de Málaga. 

En el cine de Marina Seresesky, los actores tienen absolutamente todo el peso de la trama. Cada gesto, cada mirada, cada pequeño matiz nos ayuda a entender la historia. A pesar de tener grandes paisajes, la cámara siempre está muy pegada a los actores, siguiendo muy de cerca sus pensamientos más profundos. En Empieza el baile tiene de nuevo la oportunidad de zambullirse en el abismo de estos personajes complejos y únicos. Y lo hace desde la perspectiva de tres personajes mayores y siempre con una tierna mirada hacia la nostalgia en positivo.

La cinta a modo de road movie nos habla del amor verdadero. De ese amor profundo que no conoce distancias, fronteras y mucho menos el  paso del tiempo. Pero no solo del amor a otra persona, sino de ese amor que se profesa por los lugares y por los momentos en los que fuimos felices. Porque también esta película habla de la memoria compartida. ¿Cómo es posible que dos personas que vivieron lo mismo, lo recuerden de manera diametralmente opuesta? ¿Qué sucede cuando el pasado te nubla el presente y te impide ver el futuro? ¿Cómo se vive si tu amor verdadero es ya solo un recuerdo lejano? ¿Cómo acabará el baile?

Hablamos de tres personajes que rondan los 70 años y que, a pesar de la edad, o gracias a ella, viven de manera apasionada esta peripecia que los arrastra a descubrir su verdadera esencia. Tres grandes interpretaciones para tres personajes frescos y de gran envergadura narrativa. 

Darío Grandinetti interpreta a Carlos. A sus 72 años aún conserva la estampa de su juventud. Se ha reciclado como actor de culebrones en Madrid, donde reside junto con su mujer y su hija. Carlos vive dividido. Su mente y su corazón siguen en Buenos Aires, pero su presente y su nueva familia, en Madrid. Después de tantos años se siente extranjero en todas partes. Glorifica su pasado de famoso bailarín. Idealiza cada recuerdo, cada rincón de su ciudad natal, pero le cuesta enfrentarse cara a cara con lo que fue, y sobre todo con Margarita, su eterna compañera de baile y gran amor.

Mercedes Morán interpreta a Margarita. Al contrario que Carlos, vive en la pobreza más absoluta. Su decadencia física no le ha hecho perder ni un ápice de ese humor ácido del que hace gala en cada ocasión que se presenta. Poco queda de esa mujer que se comía el mundo y a la que todos llamaban “Las piernas de Buenos Aires”. Vive al margen de todo, en el olvido más absoluto, pero su fortaleza le hará urdir un alocado plan para que Carlos la acompañe a cumplir su mayor y único deseo. También aprovechará este viaje para saldar cuentas. Sus reproches avivarán un pasado de celos, abandonos e infidelidades.

Jorge Marrale es Pichuquito. Es algo menor que ellos y ha sido su bandoneonista desde siempre. Ha vivido con ellos todas sus giras, peleas, reconciliaciones, éxitos y fracasos, y finalmente acompañó como pudo el deterioro de Marga. Hombre bueno y con una paciencia infinita, aguantó estoicamente ser siempre el tercero en discordia. Pero Pichuquito tiene un secreto que está a punto de explotar y aprovechará este reencuentro, con la ayuda de algo de alcohol, para sacarlo a la luz.

En la parte técnica destacan los encuadres y la luz de la inmensidad de Argentina. Veremos largas y sinuosas carreteras, paisajes deslumbrantes, cielos enormes, bullicio y soledad, aridez o exuberancia.

Empieza el baile me ha parecido un filme tierno, cómico por momentos y, sobre todo, muy sensible en su parte final. Un final muy bien estudiado que cuadrará las vidas de nuestros tres protagonistas. En definitiva, hablamos de una película que conquista al espectador. Los personajes encuentran su esencia y sus profundos deseos de quedar con las cuentas selladas para afrontar el final de sus vidas con paz, armonía y amor.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina, España

Género: Comedia

Dirección: Marina Seresesky

Guion: Marina Seresesky

Música: Nicolás Guerschberg

Fotografía: Federico Rivares

Duración: 100 minutos

Reparto: Darío Grandinetti, 

Mercedes Morán, Jorge Marrale,

Pastora Vega, Agostina Pozzi,

Lautaro Zera, Marcelo Xicarts

Living: el eterno legado

Living dirigida por Oliver Hermanus se estrenó en cines españoles en enero de 2023 y desde el día 7 de abril estará disponible en la plataforma Filmin. La película británica cosechó dos nominaciones a los Oscars en las categorías de mejor guion adaptado y para el veterano Bill Nighy como mejor actor.

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La historia: Ambientada en la década de 1950 en Londres, la película sigue a Williams, un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos meses de vida un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a salir por la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Será su revulsivo vital.

La crítica: El escritor, Kazuo Ishiguro, y el director Oliver Hermanus adaptan de manera magnética el guion de una de las películas más recordadas de Akira Kurosawa, Vivir (1952), para trasladarlo al Londres de la posguerra. 

Living es un filme elegante y liviano que no duda en debatir sobre la vida y la muerte sin ningún tipo de dramatismo. También es un alegato en contra de la burocracia y a su vez un canto a las ganas de vivir. Hablamos de la historia de un hombre común, aplastado por años de una tediosa rutina de oficina y reducido a una existencia sombría que, en el último momento hace un esfuerzo supremo para convertir su aburrida vida en algo maravilloso, en algo que merece la pena vivir.

Aunque "Vivir" (Ikuro) abordaba las consecuencias para los perdedores de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de reconstrucción y recuperación era similar para los ganadores. Así que había paralelismos entre el sentido de imperio de ambos países, su estoicismo y su autocontrol emocional. Llama la atención la educación, el respeto y la camaradería que se respiraba en Londres. Así es como se presenta la película, a sus personajes y a la ciudad con un notable diseño de producción.

Bill Nighy pone un brillante broche de oro a la que, sin duda, será recordada como una de las grandes actuaciones de su carrera. Un actor que tiene ese sentido del humor inglés, esa ironía, ese estoicismo y también esa especie de melancolía que destilan los intérpretes británicos. Su personaje, como decía, es de un hombre muy convencional que ha interiorizado el dolor. Desde que su esposa murió hace más de 20 años, ha confinado su vida a parámetros estrechos para evitar más sufrimiento. Sin embargo, su diagnóstico médico le hace tomar la vida de otra manera en un giro emotivo e incluso divertido para el espectador. 

El resto de personajes están compuestos por un hombre decadente (Tom Burke) con el que hace amistad en un viaje de evasión hacia el hedonismo y las juergas antes de rechazarlo como solución. De vuelta a Londres, se siente atraído por la vitalidad natural de Margaret (Aimee Lou Wood), una joven que trabajó bajo su supervisión y que ahora está decidida a volar por sí misma. Una noche, una sorprendente revelación, tan simple como profunda, le produce un enorme impacto. Así que con energías renovadas y con ayuda de Peter (Alex Sharp), un nuevo e idealista miembro de su departamento, se propone crear un legado para la siguiente generación. De ese eterno legado es de lo que finalmente nos habla la película. El legado que dejamos cuando ya no estamos aquí. 

Emilie Levienaise es una premiada pianista, compositora y artista de grabación francesa con sede en Londres, cuyo trabajo abarca música para películas orquestales, proyectos de álbumes, encargos y diseño de sonido. Realiza una banda sonora brillante sin la que la película sería totalmente distinta. La diseñadora de vestuario Sandy Powell también hace un trabajo perfecto que nos sitúa en el contexto del Londres de los cincuenta. 

Living me ha parecido una película delicada, amable y a la vez profunda. En el fondo, es una historia sobre la muerte como afirmación de la vida. Es una oportunidad para ver lo que hace una persona normal que tiene una existencia muy limitada cuando se enfrenta cara a cara con la muerte. A grandes rasgos, descubre que lo que da sentido a la vida es hacer algo por los demás. Hoy en día vivimos mirando nuestros móviles, mirando hacia el futuro. Así que es interesante dar un paso atrás y preguntarse qué significa estar presente en tu propia vida y disfrutar así de ese presente. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Oliver Hermanus

Género: Drama, Remake

Guion: Kazuo Ishiguro

Música: Emilie Levienaise

Fotografía: Jamie Ramsay

Duración: 102 minutos

Reparto: Bill Nighy,

Aimee Lou Wod, Tom Burke, 

Alex Sharp, Adrian Rawlins, 

Hubert Burton, Oliver Chris

El imperio de la luz: Sam Mendes enciende la magia del cine

El imperio de la luz dirigida por Sam Mendes se estrena en cines españoles el día 31 de marzo. La cinta presenta un reparto estelar encabezado por la ganadora del Premio de la Academia Olivia Colman, el ganador del Bafta, Micheal Ward, y el ganador del Premio de la Academia, Colin Firth.

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La historia: Ambientada en una ciudad costera inglesa a principios de la década de 1980, el filme retrata la vida del Cine Empire y la del grupo de empleados que conforman su plantilla. Hilary (Olivia Colman) es la encargada de abrir el cine todas las mañanas mientras su gerente (Colin Firth) la llama a su oficina de vez en cuando para pedirle favores sexuales. Cuando Stephen (Micheal Ward) llega como nuevo empleado, conecta rápidamente con Hilary quien le descubre todos los rincones y secretos de la mítica sala de cine. La semilla de un romance y la amistad fraguan la intensa relación de dos seres rechazados por parte de la sociedad. 

La crítica: La chispa del cine clásico, de ese que nunca muere, es plasmada de una manera muy bella por el cineasta británico Sam Mendes. El director de American Beauty, Revolutionary Road o 1917, realiza un retrato casi perfecto en el que vuelve a encender la magia del cine. Hablamos de un preciosista filme en el que lo cotidiano se convierte en algo excepcional a través de un relato sencillo, sutil y muy emocional. 

El imperio de la luz refleja un período de agitación política en el Reino Unido, con políticas raciales muy incendiarias, pero al mismo tiempo, fue un período mágico para la música y la cultura en general. Fue una época muy creativa, muy politizada y repleta de energía. Hilary y Stephen son los personajes que entretejen una historia que explora algunos de los lazos que nos unen a todos: la música, el cine y las amistades laborales que nos ayudan a salir adelante. El meollo del filme es la relación de estos dos personajes que aunque parecen muy distintos, encuentran un terreno común en un rito de iniciación que ofrece a ambos algo de felicidad.

Tanto Hilary como Stephen encuentran un sentido de pertenencia a través de su extraña y tierna relación y llegan a experimentar el poder curativo de la música, del cine y del sentido de comunidad. Mientras ella es rechazada por sus problemas de salud mental, él lo es por el color de su piel. Y en medio de todo esto aparece la sala de cine como el círculo concéntrico por el que se mueven los demás personajes. Además, observamos cómo funciona la maquinaria de una sala de cine de manera parecida a como en La camarista veíamos como era el engranaje del día a día de un hotel de lujo. La sala de cine es otro personaje con entidad propia: emociones, deseos y anhelos a través de las películas que se emiten en el Empire. 

Olivia Colman, nominada por este papel en la temporada de premios, está brillante como siempre. Hilary, su personaje, sufre acoso laboral y sexual además de lidiar con su propio trastorno bipolar. Hablamos de un personaje complejo, pero a la vez sencillo de comprender. Hilary es una mujer de mediana edad que vive sola en la costa y trabaja en el cine desde hace unos años. Su vida da un vuelco cuando aparece Stephen, un chico muy sincero y amable pero aún muy joven, que también va a trabajar en el cine como recepcionista. Un personaje desgarrador interpretado de manera talentosa por Micheal Ward. El tercero en discordia es el gerente del cine interpretado de manera notable por Colin Firth: un tipo sin escrúpulos que se aprovecha de la debilidad del personaje de Hilary. 

Las canciones que pueblan la película son la banda sonora de la vida del propio Mendes y una parte clave del filme. La música instrumental es obra de Reznor y Atticus Ross, que colaboran por primera vez con Mendes. Soberbia banda sonora que se basa en gran medida en el piano, pero eso solo cuenta la mitad de la historia. Además de las composiciones para piano, hay voces, cuerdas y otros instrumentos, que proporcionan un marco en el que se asiente el piano y logre la emoción necesaria para que el relato funcione. La película se ha rodado en localizaciones de Margate, una ciudad en la costa norte de Kent.

Y allí estaba Dreamland: un antiguo cine y salón de baile con un impresionante exterior art déco al lado de un parque de atracciones junto al mar. El equipo de producción sometió a la localización, que había conocido días mejores, a una enorme transformación. El auditorio del cine, que se había transformado en una sala de bingo, se convirtió en el espléndido cine Empire: todo el interior, desde los asientos hasta el material de las paredes y el arco del proscenio se instaló de nuevo. También se renovaron otros aspectos del edificio: el salón de baile se sometió a un lavado de cara muy necesario y se reconstruyeron los baños art déco de señoras. Después los decorados se envejecieron para que fueran apropiados para la época que retrata la película. 

El imperio de la luz me ha parecido una obra capital para los amantes del cine. Estos templos del séptimo arte representan la evasión de la vida real. Es decir, hablamos de una necesidad humana en la que dejamos volar nuestra imaginación para ir al encuentro de nosotros mismos. Los cines clásicos o los nuevos cines boutique son templos para vivir esos sueños iluminados, esos hechizos con los que nos hipnotizan los realizadores. Son un faro y un lugar que une a la gente: eso es lo que el cine siempre debería ser. Las películas son una forma de encontrar en el arte esa felicidad que proporciona vivir una experiencia junto a otras personas en un ambiente de comunidad. Sam Mendes logra que desde un filme sencillo, sutil y elegante encontremos en lo cotidiano algo extraordinario.  

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Título original: Empire of Light

Género: Drama romántico

Dirección: Sam Mendes

Guion: Sam Mendes

Fotografía: Roger Deakins

Música: Trent Reznor, Atticus Ross

Duración: 115 minutos

Reparto: Olivia Colman,

Micheal Ward, Colin Firth, 

Toby Jones, Tanya Moodie, 

Crystal Clarke, Tom Brooke

Censura franquista en el cine, auto censura actual y algunas anécdotas curiosas

Uno de los empeños más curiosos del ser humano es la obcecación en esconder, tapar o disimular el pecho de la mujer. Facebook e incluso Instagram, ágoras renacentistas de la cultura occidental, han sido las últimas corporaciones en sumarse a la censura histórica sobre este aspecto de los mamíferos humanos. Observemos dos ejemplos y de manera posterior haremos un repaso a la censura franquista en el cine con algunas anécdotas para el recuerdo. 

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Cartel censurado por Instagram de Madres paralelas:

Photoshop franquista sobre el escote de Marilyn Monroe: 

Los gobiernos totalitarios nunca se llevaron bien con el cine. Lo niegan, lo usan, o tratan de distorsionar sus fines y contenidos. La dictadura que padecieron los españoles entre 1939 y 1975 se cebó con infinidad de películas y amputó parte de unos fotogramas que daban sentido, forma y color a lo que los cineastas trataban de transmitir. Mi pasión por la cinematografía me ha llevado a investigar sobre diversos aspectos de las películas. Hoy repasaremos, a través de diferentes filmes, cómo afectó la censura franquista a la España del siglo XX.  

En 1937, se crea la Delegación del Estado para la Prensa y la Propaganda. De manera posterior se crean las Juntas de Censura Cinematográfica y ya en el año 1951 se implanta el Ministerio de Información y Turismo cuyas competencias incluyen la censura en el cine y en otras artes escénicas como el Teatro. Más tarde, y en los estertores del Franquismo, el régimen intenta sobrevivir de manera paradójica con el ‘destape en el cine’ que básicamente consistía en mostrar el cuerpo femenino al desnudo. La mujer era cosificada de manera sonrojante en una serie de películas realizadas por hombres y destinadas casi en exclusiva al sector masculino.

Volviendo a la censura en los primeros años del Franquismo, quisiera mostrar algunos aspectos de cómo la censura y la Iglesia trataron al filme “Gilda” dirigido por Charles Vidor en 1946. Este ejemplo, podría valer para cientos de películas que fueron amputadas o reconvertidas. Una parte muy importante de la historia del cine viene marcada por los grandes clásicos que conectaron con amplios sectores de la población. Gilda es uno de los casos más llamativos en este aspecto por los hechos que concurrieron tras su presentación. La cinta siempre será recordada, entre otras cosas, por la famosa interpretación de la canción: Put the blame on mame con la que Rita Hayworth alcanzó la universalidad absoluta.

La censura encontró en Gilda un buen puñado de razones para cebarse con la película. Sin embargo, sorprende que en España, país donde los censores tenían el trabajo asegurado, se estrenó sin amputaciones significativas. El problema surgió con los sectores más conservadores de la sociedad con la iglesia católica como principal opositora a su exhibición.

En su delirio, los obispos consideraron a Gilda como gravemente peligrosa para la moral y la clasificaron para mayores de 21 años. Esto no hizo otra cosa que aumentar la leyenda y el deseo de los espectadores por visionarla. Rezos, protestas y diversos boicots frente a los cines donde se exhibió aún causan perplejidad mundial por lo exagerado de la reacción de dichos sectores de la sociedad. Como anécdota más significativa cabría resaltar que algunos arzobispos españoles amenazaron con la excomunión a los fieles que osaran  ver el largometraje. Y todo por el famoso guante de Gilda que en definitiva era lo único que se quitaba. Evidentemente no era el guante lo que molestaba. Sencillamente era el control sexual de la población como herramienta moral.

No me quiero extender mucho más, pero pondré dos ejemplos bastantes significativos. ‘Viridiana’ de Luis Buñuel fue calificada por la Iglesia como blasfema y sacrílega. El director general de cinematografía fue cesado de inmediato al haber autorizado su guion aunque posteriormente Franco dijo de ella: “No sé a qué viene tanto escándalo si solo son chistes de baturros”. Cabe decir que el propio Caudillo era bastante más tolerante con el cine que la propia Iglesia obsesionada con cortar y censurar cualquier cosa que atentara contra la moral católica.

Por último, y para cerrar este anecdotario, observaremos qué hizo la censura con el filme de Billy Wilder ‘Con faldas y a lo loco’ de 1959. La película, con unos increíbles Tony Curtis y Jack Lemmon acompañados de la explosiva Marilyn Monroe, fue directamente prohibida en España. Nunca llegó a estrenarse de manera oficial en la época franquista. En el expediente censor puede leerse la siguiente perla: “Prohibida la película mientras exista la veda de maricones”. También fue condenada por “La legión de la decencia” en los Estados Unidos de la época citada. 

No crean que en la época actual estamos libres de la censura. En este siglo XXI ha aparecido un nuevo fenómeno aún más peligroso. Y es que la auto-censura se impone a marchas aceleradas en el cine, teatro o televisión.

Luchemos, pues, por una sociedad en la que la libertad de prensa y la creación artística sean totalmente libres de censura para creadores, artistas, críticos, divulgadores y escritores con carácter general.

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Este artículo ha contado con la inestimable ayuda y documentación de Manuel, administrador web de Fotos y postales antiguas de Sevilla. Su bitácora digital se ha ido expandiendo con acierto al mostrarnos los usos y costumbres de todas las provincias andaluzas. Asimismo para la realización de esta publicación se usaron fuentes del libro de José Dueso. Un ensayo que nos habla sobre la polémica en el cine y del que el autor nos habló en una entrevista en Cine y críticas marcianas. 

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Mari(dos): el cenit de Ernesto Alterio y la paradoja Alemany

Mari(dos) dirigida por Lucia Alemany ha llegado a los cines españoles el 10 de marzo de 2023. Abanderada por Mediaset y Disney España nos hallamos ante la segunda película de la cineasta española que ha contado con los dos cómicos españoles más en forma: Ernesto Alterio y Paco Leon.

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La historia: Toni (Paco León) y Emilio (Ernesto Alterio) reciben la misma llamada de urgencia por dos vías que creen diferentes. Sus esposas están ingresadas en el hospital tras un accidente de esquí. Pero sus mujeres son, en realidad, la misma persona: Laura (Celia Freijeiro). ¿Cómo ha podido llevar esta mujer dos vidas en secreto engañando a sus esposos? 

La crítica: Tras el gran debut de Lucía Alemany con La inocencia en la que se marcaba una notable ópera prima, este salto a la comedia, casi boba, se convierte en una paradoja compleja de entender. En su debut narraba con fuerza una de las etapas más complejas del ser humano: la adolescencia.

Era brillante en lo visual y profunda en su narrativa: tuve la oportunidad de entrevistar a Carmen Arrufat en su debut como actriz. En definitiva, fue un filme revelación que se parece a Mari(dos) como un huevo a una castaña. Supongo que a la factoría Mediaset con el apoyo de Disney España no se le puede decir que no. La taquilla hará rica a Alemany, pero su carrera como cineasta con fundamento se ha ido al carajo. En fin, cada cual es libre de elegir su camino, su carrera y los proyectos a dirigir. 

Mari(dos) daría para realizar una crítica marciana irónica, pero es de las pocas veces que la decepción supera a las ganas de ser sarcástico. La premisa de salida es atractiva, el reparto de lujo y los medios técnicos son brillantes. ¿Cómo sale una vulgar chapuza de todo esto? Pues está claro que nos hallamos ante un guion sin recorrido, con secuencias muy previsibles y con un aire a cartón piedra que lo invade todo.

Alemany lo ve de otra manera y declara lo siguiente: "Mari(dos) es una comedia disparatada, donde la risa está asegurada, pero no solo ha sido lo cómico mi propósito: teniendo entre manos un gran guion de comedia, donde los giros sostienen una sorpresa constante, cada cual más inesperada, brillante y bizarra, y con unos personajes sólidos y perfectos para la comedia, mi objetivo ha sido dotarla de un toque de ternura, darle un poso de profundidad, rebosarla de actualidad y enmarcarla en un mundo propio". Con perdón o sin él hacia la cineasta española, esta declaración no se sostiene ni con mil pinzas tras visionar la película. O vivimos en dos realidades paralelas o el mundo está roto. 

Sin embargo, cabe decir que nos hallamos ante dos de los intérpretes españoles en mejor estado de forma. Un brillante Ernesto Alterio y un buen Paco León salvan los muebles del reparto, pero no pueden hacer nada por salvar a una muy mediocre comedia. Analicemos los personajes.

Emilio (Ernesto Alterio) es frío y brusco como un alud. Le falta tacto, pero al menos va de frente. A pesar de que es dibujante, no pinta nada en su matrimonio, eso sí, es un padre implicado. Sus hijos demuestran que tiene sangre en las venas sacando lo mejor de él, y tiene algunos gags como actor que elevan el tono del filme. Toni (Paco León) es un sensible empresario catalán que siempre intenta quedar bien. Con tal de evitar la confrontación, incluso parece ilusionarle la idea de compartir mujer. Acostumbrado a tenerlo todo, descubre a través de su comarido que su vida conformista no es tan perfecta como pensaba, y destapa sus agallas.

La mujer infiel es interpretada por Celia Freijeiro (Laura). Madre liberal con un gusto particular por los hombres de masculinidad frágil y un don natural para los embustes. Yo soy más atrevido que curioso y ya dicen que la curiosidad es la que mató al gato y ésta casi se carga a Laura. Pero a ella solo le cuesta un coma (por explorar peligrosamente su sexualidad). Los misterios de Laura llevarán a los comaridos a investigar si son los únicos que comparten su intimidad. El final descubrirá otro secreto de Laura aún más inesperado. El resto del reparto es irrelevante. 

Mari(dos) me ha parecido una comedia muy floja dejando a Lucía Alemany en una posición muy debil como cineasta. Para hacer comedia, el género más complejo de todos, hay que ser atrevido, pero consciente del talento para crear al menos la sonrisa. Cosa que sí sucede ampliamente con Alterio que se convierte en el nuevo rey de la comedia española siendo también un excelente actor dramático. En conclusión, hablamos de una cinta evasiva en el mejor de los casos y si nos ponemos serios hablamos de un estrepitoso fracaso artístico de guion, dirección y producción. 

Nota: 3/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Lucía Alemany

Guion: Pablo Alén

Música: Vanessa Garde

Fotografía: Josu Inchaustegui

Duración: 100 minutos

Reparto: Ernesto Alterio,

Paco León, Celia Freijeiro,

Raúl Cimas, Jesús Olmedo,

Emma Hernández, Marta Costa

King, mi pequeño rey: con bicho, con niña y sin Charles Laughton

King, mi pequeño rey dirigida por David Moreau se ha estrenado en cines españoles el día 3 de marzo de 2023. El experto realizador francés es el autor de cintas de diversos géneros como de terror -'Ellos' (2006), 'The Eye' (2008)- , la comedia -'20 años no importan' (2013)-, o la de cine fantástico -'Solos' (2017)-. 

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La historia: La joven Inés y su hermano Álex son los encargados de vivir un inolvidable viaje junto a un pequeño cachorro de león que acaba perdido en el mundo urbano, tras aterrizar en el aeropuerto de Orly de París y escapar de su jaula. Sin ningún tipo de ayuda los chicos buscarán junto a su abuelo la forma de trasladar al cachorro a su hábitat natural. 

La crítica: Tras la emocional The quiet girl y la durísima The son me apetecía desconectar con un filme frugal, familiar y con cachorro incluido. Y fue tal la desconexión que a los quince minutos me entró ese no sé qué tan extraño que no sabes si estás dormido, drogado o entre dos mundos oníricos. En esos mundos en los que la melatonina fluctúa con fuerzas por las cavidades cerebrales, me despertó la niña persiguiendo al leoncito que titula la película. Al menos no estaba Charles Laughton. 

Si quisiera hablar en serio de King, mi pequeño rey, diría que la cinta a diferencia de muchas películas protagonizadas por un animal salvaje, no busca el realismo, sino que se centra en la aventura y las persecuciones en una película firmemente basada en la ficción. Y aunque parezca increíble no es tan extraño que animales de todo pelaje, incluido políticos, circulen por las pistas de los aeropuertos. Hubo un tiempo que este escribano cumplía funciones laborales en un gran aeropuerto y vi en primera persona como perros, gatos, lagartos (y lagartas), roedores e incluso un toro burlaba su jaula y se paseaba entre los aviones como Peter por su casa. De niños ni hablamos, porque alguno fue confundido apareciendo en un aeropuerto europeo cuando iba a Canarias. Me fui de allí. 

Volviendo a King, mi pequeño rey, lo que me fascina del cine de aventuras es mi atracción por disfrutar de mis recuerdos como niño cinéfilo de los 80: Joe Dante, Spielberg, Donner. Historias de niños que, en un entorno normal, con sus problemas cotidianos, se enfrentaban a sucesos únicos. Lo que me gustaba de esas películas es que las historias me parecían siempre creíbles, tanto si volaban en una bicicleta o si construían una nave espacial con un cubo de basura. El problema es que uno ya es medio viejo y se duerme en el cine si no sale Ana de Armas o cosas de marcianos. 

Los perros, los niños y Penélope Cruz pueden ser un verdadero coñazo durante un rodaje, lo que puede hacer que el proceso sea muy penoso. Como supongo ya sabréis Hitchcock dijo que "Nunca ruedes ninguna película ni con perros, ni con niños, ni con Charles Laughton". Pues aqui suma un león, unos cuantos franceses y ya tenemos el circo montado. Dicho lo cual, los niños Lou Lambrecht (Inés) y su hermano en la ficción Léo Lorléac’h (Álex) hacen lo que pueden y cumplen con su papel. En este viaje de aventuras contarán con la inesperada ayuda de un personaje fundamental en la película: el abuelo de los niños, de espíritu jovial y aventurero (al que da vida el actor Gérard Darmon que viene a ser como Laughton pero en plan francés). 

Cómo el león parece que comienza a dar guerra el equipo técnico decide hacerlo actuar en las mínimas escenas y los sustituye por un cachorro virtual. Gracias a un gran trabajo de animación real o live action, se logró un modelo bien acabado que es el que se ve en la mayoría de las escenas de la película. Buenos  efectos visuales de la empresa Mathematic. Eso y el efecto melatonina cumplen con creces en un filme ideal para Antena 3. 

En conclusión, King, mi pequeño rey es una película tan predecible como el discurso del rey en nochebuena. Así que con orgullo y satisfacción os diré una última cosa: si tenéis un niño a mano y no sabéis que hacer con él, llevadlo al cine y os dejará de dar la murga por unas dos horas con tráilers incluidos. Allí en la oscuridad de la sala podéis pensar si la vida merece la pena, si las películas con bichos y niños deberían ser extinguidas o indagar en vuestra mente porqué Shakira se ha puesto como se ha puesto si al final la han dejado por un Twingo. Por lo demás todo en orden. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Francia

Título original: King

Dirección: David Moreau

Guion: David Moreau

Música: Guillaume Roussel

Fotografía: Antoine Sanier

Duración: 100 minutos

Reparto: Gérard Darmon,

Lou Lambrecht, Léo Lorléac,

Thibault de Montalembert, 

Clémentine Baert, Marius Blivet