Películas curiosas > "Robots: Historias de amor" de Isabella Willinger (Hi, A.I)

 Robots: Historias de amor dirigida por Isabella Willinger nos da pie para publicar una nueva entrada en la sección de Películas curiosas de Cine y críticas marcianas. Estrenada en España en el DocsBarcelona también la podemos encontrar en el catálogo de Filmin así como en otras páginas especializadas en cine documental. La cinta europea fue galardonada en el Max Ophüls Prize Film Festival como Mejor Película Documental.

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Cuando Chuck compra a Harmony, su futura pareja robot, poco se espera que le gusten los libros y conversar sobre temas trascendentales. En Japón, el robot Pepper llega al hogar de la abuela Sakurai para hacerle compañía, pero resultar ser bastante despistado… Los robots son las nuevas criaturas del planeta Tierra. ¿Estamos preparados para introducir la inteligencia artificial en nuestras vidas? El futuro ya está entre nosotros.

La narrativa de Robots: Historias de amor viene marcada por tres miradas distintas sobre la convivencia entre los robots y los humanos. La inteligencia artificial se presenta como sujeto omnisciente siendo el narrador indirecto. Esta es la primera historia en la que se intercalan distintos testimonios técnicos. Es la parte más débil de la película por su previsibilidad. De esta manera es como Willinger presenta la película desde enfoques diferentes. Hablamos de tres visiones superpuestas que conectan mejor con el espectador cuando se deja de lado la técnica y se humanizan las historias. Lo veremos más adelante.

Escribía Isaac Asimov en "Yo, Robot" (1950) que: "Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño". Esta es la premisa fundamental que trata de mostrar la cinta hoy reseñada. Pero también alerta de manera sutil de los peligros que la inteligencia artificial puede tener para la humanidad. Quizás más a nivel moral, que a nivel de toma de conciencia de los humanoides.

En la historia de amor de Chuck y Harmony la cinta gana enteros tanto en lo visual como en lo narrativo. ¿Se puede amar a un robot y no estar loco? Algo así le sucede a Chuck. Éste es un hombre estadounidense marcado por una infancia en la que ha sido sometido a la trata de personas. Su madre le prostituyó. Es un personaje tierno y a la vez excéntrico. Willinger trata de mostrar a través de él -recordad que el documental es ficcionado- la soledad en su máxima expresión. Para paliar ese aislamiento Chuck decide comprar un robot femenino que haga las veces de novia.

Harmony es un robot de compañía con rasgos muy sexualizados. Con ella, Chuck se irá de viaje, al cine y compartirán charlas filosóficas en mitad de la noche. Sin duda, es el segmento más llamativo de la filmación y cuenta también con secuencias exteriores de verdadera belleza visual. Esta es la parte más atractiva del filme tanto en la visualidad de sus imágenes, como en el mensaje melancólico que nos transmite.

Si alguna utilidad tienen estos robots es en otro segmento de la película cuando encontramos una aplicación bastante razonable. En Japón, a la abuela Sakurai le entregan a Pepper. La misión del androide es evitar el deterioro cognitivo de esta entrañable mujer.

Aquí Willinger muestra la parte más tierna de la filmación entrando a filosofar sobre el futuro de los octogenarios. La soledad, de nuevo, está muy presente en la narrativa aunque por el momento la familia de la abuela Sakurai permanece junto a ella. Cuando Pepper desarrolle mayor capacidad en su inteligencia artificial, hará las veces de mascota virtual con la capacidad para frenar el deterioro mental de su dueña. La sombra del Alzheimer está presente como un fantasma.

Robots: Historias de amor me ha parecido una propuesta atractiva que nos enfrenta de una manera indirecta con nuestros demonios interiores. La soledad, o el miedo a ella, aparece como el principal frente discursivo propuesto por Isa Willinger. Con el apoyo de importantes testimonios técnicos que se intercalan con las historias narradas, la filmación alemana ofrece más preguntas que respuestas. En definitiva, hablamos de un filme que esconde más capas de lo que aparenta su inofensiva superficie. 

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Este artículo, con diferente formato, también lo puedes leer en Cinemagavia

Título original: Hi, A.I. - Liebesgeschichten aus der Zukunft

Nacionalidad: Alemania

Año: 2019

Dirección: Isabella Willinger

Fotografía: Julian Krubasik

Reparto: Documental

Duración: 90 minutos

Hypnotic: Ben Affleck, una niña, los videntes y el circo

Hypnotic dirigida por Robert Rodriguez se estrena -sin saber la causa aún- en cines españoles el próximo día 27 de octubre de 2023. El filme es una coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido para el supuesto lucimiento de Ben Affleck que sigue en su loca carrera para acabar de destrozar su prestigio. 

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La historia: Danny (Ben Affleck) es un supuesto vidente o hipnótico que no sabe ver que la van a robar a su hija delante de sus narices. Y se la roban. El resto de la película es una reunión de videntes tratando de encontrar a la niña que también es otra vidente en un bucle infinito. O sea, un circo. 

La crítica: Muy mala. 

Nota: 0/10.

Nacionalidad: EE UU - Reino Unido

Género: Comedia involuntaria 

Dirección: Robert Rodriguez

Guion: Robert Rodriguez

Fotografía: Pablo Berron

Música: Rebel Rodriguez

Duración: 92 minutos

Reparto: Ben Affleck, Alice Braga,

JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey,

Jackie Earl Haley, William Fichtner.

Los asesinos de la luna: Scorsese se recrea en la ambición humana

Los asesinos de la luna dirigida por Martin Scorsese se estrena en cines españoles el día 20 de octubre de 2023. La cinta se presenta como uno de los eventos del año y está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone.

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La historia: A principios del siglo XX, el petróleo le dio una gran fortuna a la nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon y robaron tanto dinero Osage como pudieron antes de recurrir al asesinato. Película basada en una historia real y contada a través del romance entre Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) y Mollie Kyle (Lily Gladstone). 

La crítica: Es evidente que Scorsese tiene todas las cualidades técnicas que le han convertido en una leyenda viva del cine. También se podría decir que la naturaleza no le ha otorgado la capacidad de síntesis. Los 205 minutos utilizados para narrar la historia son una maravilla en la técnica de rodaje, profundos cuando se recrean en retratar la ambición humana, pero carecen de la emoción necesaria para mantener la tensión en tan extenso metraje. Hablamos, por tanto, de un filme académico, plúmbeo y  duro.

Los asesinos de la luna, basado en el best seller homónimo de David Grann, narra una historia estadounidense de crimen y racismo que habla del pasado de un país. Ambientada principalmente en la década de 1920, durante el ocaso del Viejo Oeste, es una crónica del acaparamiento de tierras y del surgimiento de una fuerza judicial con sus propios problemas inherentes. Nacía el FBI para tratar de controlar los desmanes de los forajidos y en el caso del retrato efectuado para investigar los crímenes que se estaban dando con la comunidad Osage. 

Los asesinos de la luna se sitúa en Oklahoma y trata la historia sobre las tretas urdidas por un cacique estadounidense (Robert De Niro), que utiliza a su sobrino (DiCaprio) para cometer o urdir crímenes con el fin de despojar a los nativos de sus terrenos ricos en petróleo. También le busca esposa (Lily Gladstone) con el fin de unir familias, recursos y posibles herencias. El tema está tratado con grandilocuencia y rigor, pero Scorsese cae en subtramas más propias de una telenovela que de un filme que aparenta más de lo que lleva dentro. De hecho, en Pozos de ambición se trataba la temática de los yacimientos petrolíferos y a mi parecer de manera más seria, más solida y con un metraje de 150 minutos que parece a todas luces más apropiado para un tema tan árido y poco sentimental. 

Di Caprio y Gladstone, como Ernest y Molly, cumplen a la perfección con su trabajo interpretando a una pareja que no tienen nada en común. Para Ernest todo consiste en un matrimonio de conveniencia y de escalada social. Scorsese, sitúa el drama como una historia de traición personal en la que el personaje masculino usa la confianza y el amor para seguir queriendo más: más tierra, más dinero, más influencia. Y luego está el personaje interpretado por De Niro con excelencia. También  es cierto que es el mismo personaje que hemos visto ya muchas veces: un mafioso, un magnate o un capo que utiliza todo y a todos para aumentar su poder. Un personaje, por tanto, estereotipado y sin factor sorpresa. 

La parte técnica de la cinta es sobresaliente y junto con el reparto la coloca como favorita para recibir un buen puñado de nominaciones a los Oscars. Todo brilla: música, diseño de producción, fotografía, vestuario, exteriores e interiores y un casting óptimo digno de quitarse el sombrero.

Los asesinos de la luna me ha parecido un filme muy trabajado, sólido en su planteamiento narrativo, pero totalmente inocuo en emoción. Y el cine sin emoción, y por supuesto sin distracción, es menos cine por muy buena técnica que consiga o por más minutos de metraje que se añadan. Una película, por tanto, más para la crítica que para el público que al final es el que paga la entrada. Y si bien Scorsese se ha ganado un sitio en el olimpo de los mejores cineastas de la historia, quizás se haya olvidado de que las historias se escriben para el disfrute de los espectadores y no para la vanagloria personal -cameo final incluido- de un círculo muy reducido de intelectuales cuyo tiempo ha pasado. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Killers of the Flower Moon

Género: Thriller-western-drama

Dirección: Martin Scorsese

Guion: Martin Scorsese, Eric Roth

Música: Robbie Robertson

Fotografía: Rodrigo Prieto

Duración: 205 minutos

Reparto: Leonardo DiCaprio,

Robert De Niro, Jesse Plemons, 

Lily Gladstone, Tantoo Cardinal,

John Lithgow, Brendan Fraser,

Cara Jade Myers, JaNae Collins.

Sound of Freedom (Sonido de libertad): viaje al centro de la depravación humana

Sound of Freedom dirigida por Alejandro Monteverde se estrena en cines españoles el día 11 de octubre de 2023. La cinta ha sido un fenómeno en la taquilla estadounidense y ha extendido su éxito a nivel internacional con grandes cifras en países de Europa, Oceanía, África, Asia y América Latina.

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La historia: Tim Ballard (Jim Caviezel), ex agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos, lo deja todo para luchar contra la  trata de niños. A partir de ese momento combate contra tramas mafiosas que raptan niños con los que comercian en redes sexuales. Ballard, tras apresar a cientos de pederastas, se centra ahora en la búsqueda de dos hermanos que han sido secuestrados por una mujer sin ningún tipo de escrúpulos. 

La crítica: Lo más curioso, y quizás lo mejor, de la cinta estadounidense pasa por la secuencia postcréditos en la que Jim Caviezel hace un alegato en contra de la trata de niños. También rinde un homenaje al cine como medio para transmitir mensajes y pide que cada uno de nosotros pongamos nuestro granito de arena en divulgar el obsceno tráfico de menores que se está llevando a cabo para satisfacer los deseos de miles de pederastas.

Sound of Freedom se estrenó en Estados Unidos el 4 de julio y su taquilla ya supera los 185 millones de dólares de recaudación, multiplicando por 8 los datos de la primera semana, y alcanzando el número 1 de la taquilla en varias ocasiones. Con estas cifras, la película independiente ha superado en algunos momentos en la cartelera a Elemental, "Indiana Jones y el dial del destino" y a "Misión imposible: Sentencia Mortal. 

La narración es dura, triste y emotiva. Los primeros minutos ponen los pelos de punta cuando se ofrecen imágenes reales -captadas por cámaras de comercios- de cómo los niños son secuestrados a la fuerza e introducidos en vehículos sin que los padres vuelvan a saber de ellos con carácter general. ¿Se imaginan ir paseando con sus hijos o que estos estén jugando con sus amigos y se los roben como si fueran una bicicleta? Y se acabó. No los volverán a ver. Niños, y de manera principal niñas, de entre séis y catorce años que además van a ser utilizadas en prostíbulos. Serán violadas entre ocho y diez veces al día por gente que paga mucho por ello y después volverán a ser vendidos a otras mafias en otros lugares. 

El filme a medio camino ente el cine de denuncia social y el thriller de acción deja un sabor muy amargo en la retina del espectador, pero es absolutamente necesario. La narración omite las secuencias de las violaciones a los niños aunque sin embargo las sugiere. Creo que hubiera sido insoportable ver en el cine una secuencia completa de una violación a un niño, pero quizás hubiera sido el mazazo definitivo para que los poderes públicos tomen acciones inmediatas, urgentes y prioritarias para acabar con un tráfico que solo en Estados Unidos mueve billones de dólares según el cineasta. 

Jim Caviezel se mete con corrección en papel de Tim Ballard aunque denota una cierta inexpresividad gestual. Un personaje basado en la historial real del agente que ha conseguido rescatar a unos 200 niños de la explotación sexual. El resto del reparto lo conforman, Yessica Borroto, en el personaje de una ex reina de belleza que se hace pasar por una agente de talentos para raptar a los niños. Cuando Ballard viaja a Colombia, a intentar seguir la pista de los dos hermanos desaparecidos se pone en contacto con un ex convicto llamado Vampiro que compra niños y los libera. Papel interpretado con garra por Bill Camp. Los niños, como siempre, hacen buenos papeles sirviéndose de la inocencia de su edad. 

En la parte técnica destaca la música de Javier Navarrete que otorga emoción a la narración. También destacan los exteriores rodados en la selva. Sin embargo, tanto los interiores como la puesta en escena tienen un cierto aire a telefilme de sobremesa y bajan con ello la nota. 

Sound of Freedom es un filme necesario, potente y desgarrador. Sin embargo, nos hallamos ante una composición con bastantes carencias técnicas y narrativas. Funciona mejor como una película de denuncia social, que como un thriller de acción. Esto se demuestra en los últimos treinta minutos del metraje que son muy prescindibles. En cualquier caso demos por válida la apuesta si a través de ella tomamos conciencia de la nueva esclavitud del siglo XXI que está conformado por niños que son explotados por mafias sin escrúpulos. Nos hallamos, por tanto, ante un viaje al centro de la depravación humana que nos hace pensar en si somos prescindibles como especie ante tanto mal causado. No pregunten por Dios, porque ni está, ni se le espera. 

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama

Dirección: Alejandro Monteverde

Guion: Alejandro Monteverde

Música: Javier Navarrete

Fotografía: Gorka Gómez Andreu

Duración: 125 minutos

Reparto: Jim Caviezel, Mira Sorvino,

Bill Camp, José Zúñiga, Kurt Fuller,

Eduardo Verástegui, Gerardo Taracena, 

Scott Haze, Alanna De La Rossa.

Chinas: Arantxa Echevarría retrata la identidad china en España

Chinas dirigida por Arantxa Echevarría se estrena en cines españoles el próximo día 6 de octubre de 2023. La película es una producción de Tvtec, La Zona y Hojalata Films. Cuenta con la participación de RTVE, Orange, Movistar + y Eitb.

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La historia: Lucía, Xiang y Claudia, tres chicas de origen chino viven en Madrid pero con realidades opuestas. Lucía es hija de inmigrantes chinos, tiene 9 años y su sueño es celebrar su cumpleaños en un Burger King. Sus padres, que no hablan español y trabajan más de 14 horas en el bazar para darles un futuro a sus hijas, piensan que eso son cosas de españoles. Claudia, la hermana adolescente de Lucía, está empezando a vivir en primera persona las diferencias culturales y el racismo entre adolescentes. Xiang es una niña adoptada de 9 años que comienza a hacerse preguntas sobre su familia biológica. Las tres historias se cruzan y se separan, pero mantienen un objetivo común: la búsqueda de la identidad.

La crítica: Tras su muy notable ópera prima Carmen y Lola y la aséptica La familia perfecta, Arantxa Echevarría vuelve al rigor narrativo con una película profunda, sensible y bien estructurada. No es una cinta redonda, pero si me ha parecido un retrato casi perfecto sobre la identidad que tratan de encontrar las segundas generaciones de chinos nacidos en España. La historia aunque recoge la idiosincrasia ibérica, toma aire universal pudiendo identificar los patrones de la inmigración china en cualquier lugar del mundo. Una comunidad, la china, que no acaba de integrarse con tanta normalidad como lo han hecho la árabe, la rumana o la latina que por motivos de lengua común y costumbres lo ha hecho de manera muy rápida. También se recoge con alta sensibilidad y empatía el asunto de las adopciones de menores.

Chinas recupera el naturalismo del debut de la cineasta. La manera de rodar, encuadrar y planificar las secuencias otorgan un estilo muy especial y reconocible. El libreto lleva dos líneas narrativas sobre dos familias que se encuentran para hilar la trama. Sin embargo, encuentro demasiados rodeos o parsimonia en la narración expresados en 120 minutos que se sienten excesivos para lograr un ritmo narrativo adecuado. 

Lo mejor de la película es la radiografía social de los niños y jóvenes chinos que se encuentran en la encrucijada de mantener las tradiciones familiares y tratar a su vez de compaginar esta circunstancia con los usos sociales que se dan en los países a los que emigraron. Las primeras generaciones parecen que dan por perdida esa adaptación a la cultura y se refugian en sus negocios. Otra curiosidad que refleja Echevarría con acierto son los diversos racismos que se dan entre los más jóvenes. Llama la atención la secuencia de racismo en bucle entre españoles, árabes y chinos y especialmente como entre estas dos últimas comunidades se increpan llamándose ente ellos "moros" o "chinos" a modo de insulto. También se observa una reflexión autocrítica, que nos atañe a todos, cuando vamos a un "chino" y no le llamamos tienda o bazar. Ese aire de superioridad o desdén se refleja muy bien en una secuencia en la que unas adolescentes entran en el bazar regentado por la madre de una de las niñas protagonistas. Allí humillan a la propietaria vaciándole una lata de cerveza en su cabeza. Por desgracia este hecho no es aislado y este tipo de incidentes son el pan nuestro de cada día.

En el reparto de Chinas destacan Leonor Watling y Pablo Molinero que hacen de los padres de la niña china adoptada. Son de clase alta y no consiguen que Xiang se adapte a su vida escolar y familiar. Los problemas de identidad aparecen con fuerza. La cría no se siente ni china, ni española y permanece abstraída del mundo. Por otro lado, está la familia de Lucía, la otra niña china, que son de clase popular y han renunciado a relacionarse con la comunidad española al margen de su tienda. Pero tanto la niña, como su hermana adolescente Claudia no parecen tener problemas de identidad y luchan por integrarse en la sociedad. Muy interesante la mirada sobre la juventud actual, de manera especial en las barriadas periféricas urbanas. A través de Claudia observamos las conductas límites relacionadas con las drogas, el alcohol y la sexualidad en las que las chicas adoptan roles que creíamos ya superados. Buenas interpretaciones de Shiman Yang, Ella Qiu y Xinyl Ye con la colaboración destacada de Carolina Yuste como una joven que entabla amistad con la pequeña Lucía. 

En la parte técnica destaca la perfecta elección de los espacios urbanos donde se desarrolla la acción. Hablamos de un retrato hiperrealista del barrio de Usera en Madrid. La zona es un crisol de culturas en la que conviven españoles, chinos y latinoamericanos con más o menos fortuna. Los interiores también son poderosos reflejando la humildad o el lujo según sea la familia retratada. La música no aporta demasiado a la historia y por tanto no se enfatizan las emociones. 

Chinas es un notable retrato sobre la identidad y sobre como las segundas generaciones de inmigrantes chinos no acaban de encontrar su sitio en la sociedad. Por otro lado, la película tiene un final abierto o inconcluso que no acaba de funcionar de manera cinematográfica. Falta emoción y cerrar de manera redonda. No obstante y a pesar de las pegas del exceso de metraje y de un final agridulce, la película es sólida cuando refleja la relación de ruptura entre la tradición y la adaptación a los nuevos tiempos.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Arantxa Echevarría

Música: Marina Herlop

Fotografía: Pilar Sánchez Díaz

Duración: 120 minutos

Reparto: Leonor Watling, Ella Qiu,

Carolina Yuste, Pablo Molinero,

Shiman Yang, Xinyi Ye.

Golpe de suerte: Woody Allen vuelve a su mejor versión

Golpe de suerte dirigida por Woody Allen se estrena en cines españoles el próximo día 29 de septiembre de 2023. Rodada en París y protagonizada por los intérpretes franceses Lou de Laâge, Melvil Poupaud y Niels Schneider, es la película número 50 de Allen y su primer film rodado en francés.

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La historia: Fanny (Lou de Laâge) y Jean (Melvil Poupaud) parecen el matrimonio ideal: ambos tienen éxito en su trabajo, viven en un piso precioso en un exclusivo barrio de París y parecen estar tan enamorados como cuando se conocieron. Pero cuando Fanny se topa accidentalmente con Alain (Niels Schneider), un antiguo compañero de instituto, se vuelve loca de amor. No tardan en volver a verse y cada vez intiman más...

La crítica: Con un final digno de una obra maestra, Woody Allen vuelve a su mejor versión con una cinta muy en la línea de Match Point. Con 87 años, siendo su película número 50 y con ese cierre narrativo, quizás sería el momento de retirarse por la puerta grande. 

Golpe de suerte es la vuelta a París del maestro estadounidense. Aunque la filmografía de Woody Allen está indiscutiblemente asociada con Nueva York, la Ciudad de la Luz siempre ha ocupado un lugar muy especial en el corazón del realizador. Después de filmar -en parte- "Todos dicen I love you" en París en 1996 y de convertir a la capital francesa en un personaje por derecho propio en "Midnight in París", esta vez regresa a la capital gala para rodar una película íntegramente en francés.

El azar y la suerte, un tema recurrente en la obra de Allen, vuelven a aparecer con fuerza en Golpe de suerte. El cineasta siempre ha pensado que la fortuna y el azar juegan un papel mucho más importante de lo que estamos dispuestos a reconocer: nos gusta pensar que si trabajamos duro, si nos aplicamos y somos disciplinados, podremos controlar nuestras vidas. Pero eso solo es una verdad a medias, a pesar de que es una idea que puede resultar desconcertante. En la película, Jean, el marido de Fanny, comenta que él fabrica su propia suerte sin saber lo que le espera. Cuando Fanny se cruza casualmente en la calle con Alain, un antiguo compañero de clase reconvertido en escritor, la mujer queda prendada de él. No sólo le reaviva la atracción que él siente por ella, sino que Fanny comprende que no está viviendo la vida que realmente quería y que se ha convertido para Jean en una especie de esposa trofeo de la que está orgulloso de presumir ante su círculo de amigos. ¿Qué estará dispuesto a hacer este hombre ante la infidelidad de su esposa? ¿Fanny se atreverá a dejar su posición social por amor? ¿Qué papel jugarán los celos?

Buen trabajo de la actriz francesa Lou de Laâge como Fanny. Su personaje es el de una joven que se sentía vulnerable e insegura y que, en un momento concreto de su vida, necesitó apoyarse en alguien y por eso recurrió al adinerado y excéntrico Jean. Su marido logra ocultar algunos aspectos de su personalidad que se vuelven cada vez más siniestros. De eso también trata la película: nunca conoces del todo a la persona con la que vives. Papel interpretado con corrección por Melvil Poupaud. Y luego para completar el triangulo amoroso aparece Alain. Un personaje que se presenta como trasunto de lo que Woody Allen fue o quiso ser en su juventud. Alain es un optimista empedernido que confía plenamente en la vida y se deja llevar por la corriente. Cuando se cruza con Fanny, el único amor de su vida que se le escapó en su momento, consigue que ella se descubra a sí misma, a lo que solía ser, a lo que ha perdido. Buena interpretación de Niels Schneider.

Importante trabajo en la dirección de fotografía del maestro Vittorio Storaro. En mi opinión el mejor fotógrafo de cine de la historia. Café Society, también con Allen, fue un trabajo deslumbrante, y en Golpe de suerte vuelve a deslumbrar por hacer narrativa con la luz de sus lentes. La fotografía y los diferentes colores, desde los tonos cálidos y dorados hasta los más fríos, realzan la belleza de la ciudad y expresan el viaje emocional que van a recorrer los personajes. Storaro busca enfatizar visualmente la oposición entre los dos protagonistas. Escoge tonalidades cálidas para Fanny, utilizando la preciosa luz del mediodía o la cálida luz del atardecer, ya que son los momentos en los que se ve con Alain. Para realzar la sensación de libertad de Fanny, la filma principalmente con una Steadicam y con un objetivo más largo. Con Jean fue todo lo contrario, ya que el personaje se asocia con la luz de la luna. Asimismo, quiso conferir al precioso piso parisino -el territorio por excelencia de Jean- un tono azulado que se va intensificando a medida que aumenta la tensión.

La fotografía de Storaro, los lugares y los barrios de París por los que se mueven los personajes ofrecen una visión idealizada de la ciudad. Al igual que las localizaciones y el diseño de producción, el vestuario ayuda, a su manera, a narrar la historia y a acentuar los momentos de tensión y emoción.  En el caso de Jean y Fanny, se muestra el estatus social y el buen gusto de la pareja a través de sus trajes, zapatos y joyas. En cuanto a Fanny, al principio luce un look sofisticado y elegante que se vuelve más sencillo y desenfadado a medida que se acerca a Alain.

Golpe de suerte me ha parecido la mejor película de Woody Allen en muchos años. Con un guion vestido de ligereza se afrontan los temas más importantes en la vida desde una perspectiva desenfadada. Temas como el amor, las rupturas sentimentales, las pasiones vividas, las ilusiones, los celos, el engaño, o la vida profesional van tejiendo una historia que finaliza de manera sorprendente e inesperada. 

Hablamos de un libreto equilibrado entre tragedia y comedia con el clímax típico del genial Allen. En esta película, cada fotograma, cada decisión creativa -ya tenga que ver con el montaje o con la música- mantiene un equilibrio constante entre el patetismo y el humor, entre la sensación de amenaza y de despreocupación, de modo que te ríes y te emocionas a la vez gracias a esta asombrosa ambivalencia. El elemento de vodevil-farsa enlaza con una tradición del drama cinematográfico francés, pero está impregnado de una dimensión más oscura y ambigua a través de los personajes. La cinta expresa la visión de la existencia de Woody Allen: la vida es como jugar a los dados y todos estamos a merced del destino. La estructura del guion, implacable a pesar de su apariencia de fábula, nos congracia con el cine y con la felicidad de las buenas películas.

Nota: 9/10.

Título original: Coup de Chance

Nacionalidad: Francia - EEUU

Género: Comedia dramática 

Dirección: Woody Allen 

Guion: Woody Allen 

Fotografía: Vittorio Storaro

Duración: 100 minutos

Reparto: Lou De Laâge,

Niels Schneider, Melvil Poupaud, 

Elsa Zylberstein,Valerie Lemercier

Películas curiosas: El hombre del saco

El hombre del saco dirigida por Ángel Gómez Hernández (Voces) se estrenó en cines españoles el día 11 de agosto de 2023 y llegará a Prime Vídeo el próximo 25 de septiembre. La cinta explora los mitos y leyendas que dejó el crimen real ocurrido en la localidad de Gádor (Almería) en el año 1910 cometido por un varón que utilizó un saco para ocultar a su víctima. 

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Gádor, 2023. Una mujer (Macarena Gómez) y sus tres hijos se instalan en un pequeño pueblo de la España rural para comenzar una nueva vida. Pronto descubren que en los últimos meses se han producido desapariciones de niños y se embarcarán en una aventura a contrarreloj para descubrir la verdad que se esconde tras la peculiar leyenda de El Hombre del Saco.

Recuperamos la sección de Películas curiosas (Curiosidades de cine) con El hombre del saco que de manera independiente a que pueda gustar más o menos, recupera la mítica leyenda española para llevarla por primera vez al cine. Tras su paso por las salas se emitirá en Prime Vídeo. Cómo curiosidad adicional cabe decir que el filme es una coproducción hispano-uruguaya aunque el país latino solo se implica en la financiación. 

¿Existió en realidad El hombre del saco?: sí. En 1910, en un pueblo de Almería llamado Gádor, murió asesinado Bernardo Gómez Parra. Un niño que contaba con 7 años de edad y que fue secuestrado en un gran saco para ser utilizado en un ritual de sanación. Francisco Ortega “el moruno” estaba preocupado por su salud y empezando a padecer lo que pensaba que podía ser tuberculosis. Ante esta situación visitó a Agustina Rodríguez que era la curandera del pueblo. Esta a su vez, ante la imposibilidad de curar su enfermedad, le recomendó que visitara a Francisco Leona (El hombre del saco). Tras diagnosticar a "el moruno" con una enfermedad mortal, le ofreció la solución. Esta pasaba por someterse a un ritual en el que el enfermo tendría que beber la sangre caliente de un niño. Tras extraer al niño del saco en donde le habían metido, le practicaron una incisión bajo la axila de la que comenzó a brotar la sangre. El niño murió y todos los cómplices fueron detenidos. El curandero Leona fue condenado al garrote vil, pero murió antes de ser ejecutado en la cárcel. A partir de ese momento y hasta nuestros días algunos padres han utilizado la figura de El hombre del saco para proteger a sus hijos en sus salidas nocturnas.

La película es una aventura juvenil para grandes y pequeños que combina tensión, intriga, amistad, con algo de terror y sorpresas para descubrir los secretos y enigmas de una leyenda tan fascinante y universal como esta. La leyenda se ha extendido de manera internacional con nombres como "The boogeyman", "El hombre de la bolsa" o "El ropavejero". La narrativa nos lleva hasta la actualidad con buenas dosis de tensión y huyendo de sustos gratuitos. Una historia que nos lleva al Gádor actual y a una plaga de desapariciones de niños de la que se empieza a sospechar que sea responsabilidad de un imitador de El hombre del saco.

En el reparto cabe mencionar al actor Javier Botet, figura clave del cine de terror a nivel nacional, que se convierte en El hombre del saco. Está acompañado por la nominada al Goya Macarena Gómez y el ganador del Goya, Manolo Solo. Además, la película cuenta con un destacado plantel de jóvenes intérpretes en una historia que combina emoción, misterio y aventuras: Lorca Prada, Claudia Placer, Iván Renedo y Carla Tous, entre otros, conforman la intrépida pandilla protagonista que se adentrará en los claroscuros de una leyenda que sigue atemorizando a grandes y pequeños

En la parte técnica destaca como el cineasta español rueda de manera soberbia con un gran manejo de cámara, encuadres y planos. Además se iluminan de manera óptima los planos nocturnos y el sonido es bueno. Cinta rodada entre Cádiz, Madrid y Gran Canaria, pero situada en Almería por lo que se encuentra fallido que solo un par de interpretes se expresen con acento andaluz. Otro error de dirección de arte, en este caso, es la desproporción entre la fachada de la morada del villano y su interior: construcción minúscula -tipo refugio de montaña- e interiores enormes. 

El hombre del saco es una cinta resultona, curiosa y que mezcla de manera irregular realidad, leyenda e historia negra de España. El filme explora, revela y nos trae a la gran pantalla el popular personaje que tantas pesadillas ha provocado entre los más jóvenes y nos sumerge en los orígenes españoles de la historia: un almeriense enfermo de tuberculosis dispuesto a cualquier cosa para curarse, incluso a beberse la sangre de los niños que secuestra en un saco. Con referencias a Los Goonnies o al cine basado en las novelas de Stephen King, el cineasta saca de las tinieblas a uno de los villanos ibéricos por excelencia y pone sobre la mesa un emotivo mensaje sobre la culpa, el perdón y la redención con un cuento mágico en el que se alterna el terror tradicional con las aventuras juveniles.

Nacionalidad: España, Uruguay

Dirección: Ángel Gómez Hernández

Género: Terror y aventuras

Guion: Juma Fodde

Dirección de fotografía: Javier Salmones

Música original: Jesús Díaz

Duración: 90 minutos

Reparto: Javier Botet, 

Macarena Gómez, Manolo Solo, 

Iván Renedo, Claudia Placer,

Lorca Prada, Luna Fulgencio

Verano en rojo: el cine negro se tiñe de carmesí

El reciente 8 de septiembre de 2023 se ha estrenado en cines españoles Verano en rojo, un thriller policíaco dirigido por Belén Macías (El patio de mi cárcel) protagonizado por la nominada al Goya, Marta Nieto (Madre) y el ganador del Goya, Jose Coronado (No habrá paz para los malvados).

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La historia: Verano de 2010. La comisaria María Ruiz (Marta Nieto) se enfrenta a un tenebroso crimen: un joven ha aparecido asesinado. Sin identidad visible. Sin pistas aparentes. Sin móvil. Mujer concienzuda y tenaz, María iniciará una investigación que se complicará aún más cuando se produce un segundo asesinato. Pero no está sola, el veterano periodista Luna (Jose Coronado), un maestro de la profesión acorralado por la crisis y la era digital, será clave para solucionar un caso que les llevará hasta las puertas de una importante orden religiosa. 

La crítica: Para Verano en rojo el vivido en España con acontecimientos de lo más variopintos y ridículos en el mejor de los casos: desde unas elecciones en pleno verano, hasta el circo de las investiduras fakes que seguimos padeciendo -¿volverá Tamames?-, hemos pasado por unas encuestas electorales (inventadas y de parte) que producen mucho pudor. Después vino el caso de Sancho y el descuartizamiento confeso que entretuvo al personal mediante poéticos programas de televisión. Siguió el circo con Rubiales-Torrente tocándose la huevada en el palco de autoridades de la final del Mundial de fútbol femenino y con esa misma mano siguió tocando a la Reina, a la infanta, (sí, en España sigue habiendo reinas postizas y monarquías obsoletas) cogiendo a las jugadoras como sacos de patatas y rematando con, ¿un piquito? Torrente hubiera dicho, ¿unas pajillas? Y luego está lo de la madre de Rubiales encerrándose en una iglesia en huelga de hambre. Ni en los mejores sueños de Berlanga se le hubiera ocurrido un guion tan surrealista. El remate al verano han sido cuatro olas de calor y un episodio de Gota Fría (ahora lo llaman DANA que para mí es nombre de perra). En fin, lo que se dice un Verano en rojo. 

Y os preguntaréis, ¿y la peli que tal? Pues si la comparamos con todo lo anterior pues una obra maestra, si la comparativa es con Ciudadano Kane pues sale algo desmejorada. Pero no comparemos que es de mal gusto. Verano en rojo está basada en la novela homónima de la escritora y periodista Berna González Harbour y es la primera entrega de la serie literaria formada por cuatro novelas que siguen las andanzas de la comisaria María Ruiz. La cinta se centra en la investigación que llevan a cabo la comisaria Ruiz y el veterano periodista Luna sobre un doble asesinato aparentemente inconexo, pero que esconde detrás una historia de crímenes perpetrados y ocultos durante mucho tiempo.

Macías intercala de manera inteligente las dos lineas paralelas propuestas en la investigación. Una línea es la clásica del cine negro con cuerpo del delito, escena del crimen y búsqueda del sospechoso por la policía y la otra es la investigación periodística que no rinde cuentas a la burocracia. La cineasta realiza un buen trabajo aunque de manera tan correcta que se siente algo frío por momentos. La apuesta en cualquier caso es positiva y hace que el cine español tiña de rojo carmesí al cine negro. En cualquier caso las secuencias sangrientas o violentas no son demasiado agresivas. 

Sin desvelar demasiado, diré que la trama se sustenta sobre los casos de los abusos sexuales perpetrados por algunos sacerdotes en España. Un asunto global y que debería cambiar los patrones de la Iglesia siendo esta la primera interesada en acabar con una lacra que proviene en su fondo de la represión sexual que por ejemplo no se da en la Iglesia protestante. 

Marta Nieto hace un buen papel como la comisaría Ruiz. Un personaje bien dibujado que fue una antigua psicóloga del cuerpo de policía. Ahora es una mujer, con poder de decisión en un mundo de hombres, que sabe ganarse el respeto de sus compañeros, por su inteligencia, su intuición y su tenacidad. Un desmejorado José Coronado hace un buen trabajo como investigador periodístico con el que observamos con nostalgia como era la prensa de papel ya casi en vías de extinción. Junto a ellos completan el reparto el nominado al Goya, Luis Callejo (Intemperie), Francesco Carril (Tenéis que venir a verla) y la colaboración especial de Ramón Agirre. 

En el aspecto técnico destaca la buena fotografía de Gabriel Guerra y las localizaciones en Pamplona con un buen equilibrio entre exteriores e interiores. Las tenues notas musicales otorgan un aspecto de desasosiego e intriga a la trama con buen apoyo del diseño de producción. 

Verano en rojo es una apuesta sólida aunque un tanto aséptica en cuanto al contenido emocional. La cineasta bebe con desigual acierto de filmes como “Zodiac” de David Fincher; “Spotlight”, de Thomas McCarthy; “La isla mínima”, de Alberto Rodríguez o de “Que Dios nos perdone”, de Sorogoyen. En definitiva, nos hallamos ante una apuesta interesante que además sirve de homenaje hacia todos los abusados por pederastia que al menos encontrarán reparo sentimental ante la inacción que cometió la Iglesia ante los hechos denunciados en la película.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Belén Macías 

Productor: Gerardo Herrero 

Guionistas: Belén Macías y Helio Mira

Basada en la novela de: Berna González- Harbour

Dirección de fotografía: Gabriel Guerra

Música: Paula Olaz 

Duracion: 100 minutos

EQUIPO ARTÍSTICO

Comisaria: Marta Nieto

Luna: Jose Coronado

Comisario Carlos: Luis Callejo

Tomás: Francesco Carril

Inspector Esteban: Marc Martínez

Padre Damián: Tomás del Estal

Barbie, Oppenheimer, Elemental: el verano de 2023 vuelve a hacer del cine un fenómeno de masas

Bienvenidos a la temporada 2023-2024 de Cine y críticas marcianas en la que seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras españolas. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes, de las entrevistas y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y a seguir disfrutando del Cine.

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El cine es un arte, un espectáculo, pero no olvidemos que también es una industria. Por diversas razones y ya desde su nacimiento hubo, hay y habrá gente empeñada en matarlo. Agoreros. La última profecía sobre la desaparición del cine en el cine ocurrió durante la pandemia. Poca gente se molestó en echar un vistazo a la historia y comprobar que el cine ya había sobrevivido a otra pandemia más cruenta (gripe española). Recordemos también como la cinematografía superó o convivió con las Guerras Mundiales, la aparición de la televisión, los video-clubs, las series o las plataformas actuales. En lo personal no me preocupa Netflix o similares pues retroalimentan la industria audiovisual.

Si me preocupan las nuevas generaciones de espectadores. Los llamados vídeos cortos, reels o Tik Tok modelan los cerebros y los adaptan a contenidos cada vez más rápidos. Si la cantera de espectadores acostumbra a ver contendidos de diez segundos, será complejo que puedan aguantar con normalidad una película de 120 minutos en una sala de cine. Aún así el cine encontrará la fórmula para seguir vivo.

No se puede negar la casi desaparición de los grandes cines de las grandes ciudades. Tampoco la desaparición del cine en el mundo rural. Eso es una realidad. Pero ahora las salas en general están en centros comerciales y aunque no son tan bonitas como lo eran las de antaño, las pantallas son más grandes, los proyectores son mejores y las butacas o la climatización son superiores. Hay en definitiva más pantallas que nunca y dos mercados emergentes en los que los medios generalistas no suelen reparar. La industria del cine en China o India vive una etapa de expansión que deja en pañales a lo que fue el Hollywood dorado. Occidente no es el ombligo del mundo. Aún así hablemos de la recuperación en Occidente. Y es que el verano de 2023 vuelve a hacer del cine un fenómeno de masas. Y lo más interesante es que lo hace desde el cine convencional.

Barbie, Oppenheimer o Elemental son películas "artesanales" que cubren géneros como la comedia, la denuncia social, las biografías o el cine de animación. Respecto a las dos primeras se ha producido un fenómeno denominado "Barbienheimer" por la coincidencia en fecha de estrenos, ser películas opuestas en géneros y por los astronómicos datos de taquilla conseguidos. Elemental, que comenzó con un fin de semana muy pobre en datos de taquilla, se ha sumado a la fiesta a lo largo del verano y obtiene unos datos magníficos. Otras iniciativas locales, hablo de España, como "La fiesta del cine" o el "Cine a dos euros" han logrado que en determinados días de la semana las salas se hayan llenado y se hayan vuelto a ver largas filas en las taquillas de los cines. Lo cierto es que en plena pandemia nadie, ni los más optimistas, hubiéramos imaginado un panorama similar. Si añadimos a las tres películas mencionadas, títulos como Indiana Jones, Mision Imposible o incluso cine de autor observamos una tendencia alcista sin haber llegado aún al otoño-invierno que suele ser la época más fuerte de la taquilla. Respecto a mi opinión personal sobre la calidad de las tres películas que abren la publicación, no es demasiado positiva. Pero creo que esto es lo de menos. Vendrán películas mejores, pero solo el dato de que Barbie haya superado con creces los 1000 millones de dólares de recaudación a nivel mundial habla de la salud de la industria. Oppenheimer rondará los 800 millones de dólares y Elemental los 500. Cifras que apuntalan la industria. En cualquier caso, voy a dejar unos pequeños comentarios o mini-críticas sobre las tres películas. De esto va en definitiva, Cine y críticas marcianas. 

Barbie: la misandría se viste de rosa

Greta Gerwing, directora de la notable Lady Bird, se aúpa con Barbie a la cima y se proclama como la cineasta más taquillera de la historia. Dicho lo cual, los primeros 20 minutos me parecieron una mamarrachada colosal. No se otorga contexto, se entiende poco y huele a cartón piedra. Lo mejor de la película pasa por la original idea de llevar a Barbie y a Kent al mundo real. Esa parte central debió ser más explotada llevando el libreto a la pura comedia. Pero, no. En el tercio final volvemos al mundo inicial del país de las muñecas en el que Gerwing da un recital de misandría. Algunos han calificado la película como feminista, cuando es claramente misándrica y además partiendo de la base que la concepción original de Barbie es machista, cosificadora y vulgar. La cinta es pura contradicción. Lo mejor del filme pasa por una dirección de arte sobresaliente y por una gran interpretación de Margot Robbie que por fin consigue el éxito de taquilla que le faltaba. Se consolida como una verdadera estrella de cine. El Oscar debería caer. Sin embargo, no me gustó la interpretación de Ryan Gosling en el papel de Kent aunque haya sido muy valorado.

Nota: 5/10. 

Oppenheimer: Nolan vuelve a la narrativa

Tras el circo bufo de Tenet,  Christopher Nolan realiza una película "normal" con narrativa, personajes y libreto basado en la biografía del físico Robert Oppenheimer. La cinta cuenta con el hándicap de sus 180 minutos de duración que si para una historia de ficción normal ya son muchos, para un biopic son interminables. Más si cabe cuando la mayor parte del relato se basa en el juicio privado al que fue sometido el científico para retirarle sus credenciales y socavar su prestigio por arrepentirse o no estar de acuerdo con la carrera armamentística que conllevó la Guerra Fría. Aún así hablamos de una película que destila clasicismo, con toques locos a lo Nolan, y en la que podemos observar como fue el proceso de crear la bomba atómica, cómo se decide utilizar esta contra la población civil de Japón y las consecuencias morales que esto conllevó para Oppenheimer como coordinador del proyecto que creó la bomba nuclear. Buenas interpretaciones de Cillian Murphy y Emily Blunt como esposa del físico. 

Nota: 7/10. 

Elemental: los amores ¿imposibles? de Disney-Pixar

Elemental es un claro ejemplo de como mantener la llama encendida en taquilla. La película animada, que se desarrolla en un mundo de elementos y se centra en la historia de amor de Candela y Nilo, recaudó unos 30 millones de dólares en la taquilla americana en su fin de semana de estreno por lo que no atrajo a las masas habituales para una película de Pixar, estudio conocido por sus grandes éxitos de taquilla. Pero Elemental no se evaporó en la taquilla. El público siguió apareciendo hasta llegar a los 500 millones de dólares de taquillaje mundial. El boca a boca hizo el resto. La taquilla de Elemental también se ha visto beneficiada por ser una historia original. Muchas de las películas animadas más taquilleras de los últimos años han sido secuelas o basadas en franquicias establecidas. Elemental es la primera película animada original de cualquier estudio en alcanzar la marca de 500 millones de dólares desde 2017. Respecto a mi opinión sobre el filme de Pixar hice reseña de la misma de la que extraigo un pequeño extracto: "Elemental es una película divertida y optimista aunque muy irregular cuando trata de dar credibilidad al núcleo de la historia. Por momentos fallida y por momentos brillante, la nueva apuesta de Pixar se queda a medio camino entre la mediocridad narrativa y la brillantez de sus imágenes e ideales".

Nota: 6/10. 

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Muchas gracias por vuestra lectura, compañía y amor por el mundo del cine. Hasta nuevo aviso las críticas marcianas se publicarán los martes si el tiempo o la autoridad competente no lo impide :))). Abrazos y besos.

5 películas para ver en agosto (Nos vemos en septiembre)

Cine y críticas marcianas se toma un respiro veraniego durante el mes de agosto para volver con fuerzas renovadas de cara al mes de septiembre. Para cerrar esta primera parte del año os dejo con unos breves comentarios de 5 películas para ver en agosto. 

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1. La virgen de agosto (Jonás Trueba, 2019)

La virgen de agosto es un cuento veraniego que se desarrolla en ese mismo mes en la ciudad de la que todo el mundo huye y unos pocos la disfrutan. Pongamos que hablo de Madrid. Y es que Madrid en agosto es otra ciudad. Una urbe que se transforma en fantasmagórica en la que un grupo de treintañeros hacen de lo cotidiano algo extraordinario. Rodada de manera exquisita e inmersiva y especialmente recomendada para todo el que adore la soledad deseada. 

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2. Un verano con Mónica (Ingmar Bergman, 1953)

De Un verano con Mónica hice en su momento reseña de la que rescato el siguiente extracto: "La cinta es una fábula sobre el amor, la amistad, la traición, los celos, la maternidad, la sexualidad, el desengaño y los errores que nos llevan a formarnos como personas. Con este cocktail explosivo Bergman conecta rápido con el espectador y nos lleva de huida en un verano que cambiará las vidas de los personajes representados". 

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3. El nadador (Frank Perry, 1968)

El nadador es un clásico de culto protagonizado por Burt Lancaster con una original premisa de salida. Basada en un relato de John Cheever y fuente de inspiración de "Mad Men", la cinta es una de las cumbres de Lancaster. Un lúcido retrato de la Norteamérica de los 60 en la que un hombre que reside en una zona de clase alta decide recorrer el valle de piscina en piscina hasta llegar a su casa.

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4. Las bicicletas son para el verano (Jaime Chávarri, 1984)

Adaptación cinematográfica de la obra de teatro de Fernando Fernán-Gómez, sobre una historia de la Guerra Civil Española contada a través de los ojos de una familia acomodada que vivió la contienda desde lejos. Todo un clásico del cine español que narra cómo el 18 de julio de 1936, estallaba la Guerra Civil. Nos situamos en la ciudad de Madrid, y ante una familia formada por un matrimonio y dos hijos que comparten los avatares de la guerra con la criada y los vecinos. El niño de la casa, aunque ha suspendido, quiere que su padre le compre una bicicleta, pero la guerra hará que la compra se aplace de manera indefinida. Gran película. 

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5. Cuando llegue septiembre (Robert Mulligan, 1961)

Otro clásico veraniego ya reseñado y del que extraigo el siguiente extracto: "Cuando llegue septiembre representa la inocencia cinematográfica de la época dorada de Hollywood con un ritmo fresco, una puesta en escena deliciosa y dos intérpretes que fueron estrellas del séptimo arte: Rock Hudson y Gina Lollobrigida".

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Muchas gracias a todos por vuestra grata compañía y ya solo me queda desearos un excelente resto de verano. Un tiempo de relax para unos, de trabajo para otros y de vacaciones para muchos. Espero que también guardeis un tiempo para ver cine ya sea en las salas, en casa o en los cines de verano que tanta magia guardan. Y lo dicho, en septiembre más cine, nuevos estrenos y más críticas marcianas.