Como Dios manda: Leo Harlem, funcionario y desatado

Como Dios manda dirigida por Paz Jiménez se estrena en cines españoles el próximo día 2 de junio de 2023. El filme ibérico es una producción de Áralan Films, Atresmedia Cine y está distribuida por Warner Bros España.

👽👽👽👽👽

La historia: Andrés, funcionario de Hacienda, y "persona como Dios manda", vive preso de su pensamiento con el orden natural como premisa de vida. Tras un conflicto en el trabajo es sancionado y trasladado a Igualdad donde todo es nuevo para él. Allí tendrá que ponerse al día para poder adaptarse a los nuevos tiempos. 

La crítica: Si algunas claves de la comedia pasan por crear contenido ameno, ágil y divertido pienso que Paz Jiménez ha dado en la diana de al menos estos tres puntos. Si bien el contenido de la cinta española es algo previsible, la cineasta nos deja una ópera prima muy aseada en un terreno tan pantanoso como es la propia comedia de situación. 

Como Dios manda refleja una sociedad plural, pero a la que le falta un punto de sentido común para poder convivir entre todos respetando al vecino, al cónyuge o al compañero de trabajo sin mirar su raza, credo, opción sexual o política y su estatus económico. Y esto valdría para cualquier tendencia social o ideológica. El humor es el mejor antídoto para nuestras creencias que suelen ser inamovibles. 

La cinta refleja con gracia el mundo de los funcionarios como ya lo hacía la comedia italiana Un italiano en Noruega. Sin embargo, lo que comienza siendo una eficaz sátira contra la función pública, entra en contradicción cuando toma cierto aire maniqueo según sea el área administrativa puesta en la diana. El argumento en cualquier caso es divertido aunque abusa de todos los tópicos de la "España cañí" en contraposición con los nuevos tiempos. La comunidad que intenta ser abierta y respetuosa está representada en los personajes que giran en torno al protagonista.

En el reparto, todo el peso de la cinta recae en el monologuista, cómico y actor español Leo Harlem. Un intérprete en estado de gracia que borda el papel de funcionario casposo, rígido y muy español. La evolución del personaje es lo mejor del filme resultando creíble y sentimental. La cara opuesta a este personaje la podemos encontrar en Ana, (Stéphanie Magnin) que representa todo lo contrario: ella es diversa y plural siendo también caricaturizada por la cineasta con acierto. 

En la parte técnica destacan las canciones y la música de Miguel Rivera que cambian por completo la película. Para bien, claro. Aunque el espectador no lo perciba, como debe ser, este es un ejemplo claro de cómo la música de cine mejora, abrillanta y hace sentir emoción incluso en una comedia. Igualmente los espacios escenográficos son diseñados con acierto. Observamos los espacios cerrados y sombríos de Hacienda en contraposición a los espacios coloridos de Igualdad o políticas sociales. 

Como Dios manda me ha parecido un filme fresco, alegre y jovial. Con Leo Harlem espléndido y un libreto ágil, Paz Jiménez nos regala una ópera prima amena aunque predecible. Siempre he pensado que la comedia es el género más complejo que existe por lo que la cineasta sale airosa y el espectador reconfortado y evadido de la vida diaria.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: España

Dirección: Paz Jiménez

Guion: Marta Sánchez

Música: Miguel Rivera

Fotografía: Eva Díaz

Duración: 100 minutos

Reparto: Leo Harlem,

María Morales, Daniel Pérez,

Santi Ugalde, Julián Villagrán

Alice, cariño: amor tóxico

Alice, cariño dirigida por Mary Nighy se ha estrenado en cines españoles el día 19 de mayo de 2023. La nominada al Oscar® Anna Kendrick (Un pequeño favor, Dando la nota) es la protagonista de este thriller dramático presentado mundialmente en el Festival de Toronto.

💔💔💔💔💔

La historia: Alice (Anna Kendrick) es una mujer al límite. A sus treinta años, vive una situación de maltrato psicológico perpetuado por su novio, Simon, que la tiene atrapada en un estado de parálisis. Durante unas vacaciones en el campo con sus dos mejores amigas, Alice redescubrirá la esencia de sí misma y por fin adquirirá la perspectiva que tanto necesita. Sin embargo, la venganza de Simon por la fuga inesperada de su pareja es tan inevitable como demoledora y, una vez desatada, pondrá a prueba la resistencia de Alice, su valor, y la fortaleza de su lazo con sus amigas. 

La crítica: El filme es la ópera prima de la directora y actriz Mary Nighy, hija de los reputados actores Bill Nighy (Living) y Diana Quick (La muerte de Stalin). Hablamos de una cinta basada en la realidad de nuestro tiempo que nos habla de la coacción y el control a través de una historia llena de matices aunque demasiado previsible en su narrativa. 

En algunas películas se trata el tema del abuso en sí mismo desde un punto de vista un tanto morboso. En Alice, cariño es fácil identificarse con los personajes y con su viaje tanto emocional como literal. La escapada de unas amigas para pasar un fin de semana y, por desgracia, la situación de Alice y su pareja es un tema que, desafortunadamente, es universal. Hoy en día el amor tóxico y las relaciones tóxicas son tan comunes que deberíamos plantearnos en qué hemos avanzado. 

El viaje emocional de Alice conecta con el espectador sin llegar a emocionar del todo. La cineasta refleja de manera adecuada la sensación de confusión de la joven que no sabe cómo verbalizar ni gestionar sus emociones, pero que a menudo revela con acciones terribles de contemplar. La diferencia en la forma en que Alice se comporta en público y en privado ha permitido a Nighy acercarse al personaje desde un punto de vista incluso existencial. De hecho, es una mujer tan sometida a su pareja que piensa que es mala por pasar tiempo con sus amigas. 

Lo mejor de la película pasa por el sutil trabajo de Anna Kendrick. Su interpretación, pausada y serena, refleja el miedo de muchas mujeres que pasan por el trago de tener a una pareja posesiva hasta límites insospechados. Alice parece estar bien de cara a la galería, pero nos va mostrando pinceladas de su mundo interior. En muchas ocasiones la vemos en el baño, enrollándose mechones de pelo en el dedo y arrancándoselos. Claramente está pasándolo el peor momento de su vida. Debe tomar acciones y se encuentra paralizada. 

Completan el reparto las actrices Kaniehtiio Horn  (En la carretera), Wunmi Mosaku (Casa ajena) y el actor Charlie Carrick (El lobo y el león) en el papel de novio maltratador. En la parte técnica de la cinta encontramos lo más flojo de la producción. El aire a telefilme de sobremesa te impregna de tal manera que buscas el mando para aflojar el volumen, sestear y darte cuenta que estás en el cine y no viendo un drama de Antena 3. 

Alice, cariño me ha parecido una película liviana, frágil, aunque potente en su mensaje de fondo. Con apenas 90 minutos de duración la cinta al menos no se hace muy pesada. En conclusión, la cineasta narra de manera adecuada, pero sin brillo, la historia de Alice desde el punto de vista emocional de los personajes, centrándose en la joven y haciendo al público partícipe de sus hábitos destructivos y de sus reacciones con la autoestima por los suelos. Ella no parece percibir de dónde vienen estas emociones porque no es capaz de enfrentarse a esa sensación de angustia subyacente. En el cierre final, bien resuelto, comprobaremos la capacidad humana para someterse o rebelarse. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Canadá

Título original: Alice, darling

Género: Drama, Thriller

Dirección: Mary Nighy

Guion: Alanna Francis

Música: Owen Pallett

Fotografía: Robert McLaughlin

Duración: 90 minutos

Reparto: Anna Kendrick,

Kaniehtiio Horn, Wunmi Mosaku, 

Charlie Carrick, Markjan Winnick,

Ethan Mitchell, Gordon Harper

El incidente alienígena del pequeño Alan: aventuras marcianas

El incidente alienígena del pequeño Alan ha llegado a los cines españoles el día 12 de mayo de 2023. Dirigida por Amalie Næsby Fick, la película de animación está distribuida por Pack Màgic que nos ofrece una divertida historia sobre amistades que rompen expectativas.

👽👽👽👽👽

La historia: Cuando los padres de Alan se divorcian, debe cambiar de piso e irse a vivir a otra ciudad. Tiene muchas ganas de hacer nuevas amistades y eso le llevará a hacer de antena para su vecino, un señor que está fascinado por los ovnis. Britney es una alienígena que puede leer la mente. Tiene que hacer un aterrizaje forzoso y el Pequeño Alan y su vecino intentan ayudarla a volver a casa. Se hacen muy amigos, pero no son los únicos que quieren conocer mejor a Britney. Un coleccionista muy particular va detrás de ella porque quiere una respuesta a la gran pregunta de la historia: ¿hay vida en el espacio? ¿Se pueden disecar los alienígenas?

La crítica: Casi obligado por mi procedencia marciana, ha sido un placer volver a disfrutar del cine de animación. El incidente alienígena del pequeño Alan es una adaptación del libro infantil Lille Alan escrito por la dramaturga Line Knutzon y por el actor Peter Frödin. Fue publicado en 2013 y diez años después es un bonito proyecto cinematográfico para ver en familia. La ciencia ficción y el género de aventuras son las bases de la narrativa con la amistad como principal frente discursivo.

La cinta danesa refleja de manera emocional como los pequeños de la casa se enfrentan al divorcio de sus padres. En este caso, el pequeño Alan, lo acepta de la mejor manera posible aunque lo sufre en silencio. La cineasta nos hace ver desde el punto del niño cómo se produce este duelo. En esta parte inicial del relato podemos encontrar valores educativos que convergen en la parte final con la aceptación de los designios de la vida familiar. El cierre circular es muy sólido. Tras esta introducción en la que ya conocemos al núcleo familiar comienzan las aventuras espaciales. El incidente alienígena del pequeño Alan viene marcado por la visita a La Tierra de la peculiar extraterrestre, Britney. Similar en edad a Alan, pronto establecen una amistad intergaláctica con la que los niños se sentirán identificados como espectadores.

Alan, con la ayuda de un viejo ufólogo, tratará de encontrar la forma de que su amiga alienígena puede regresar a su planeta. Perseguidos por un villano empeñado en disecar a Britney, la cinta se desliza a la aventura. La directora toma como clara referencia al clásico E.T el Extraterrestre de Steven Spielberg. Una historia algo vista y predecible, pero jugosa por su trepidante ritmo narrativo. Los inteligentes 82 minutos de metraje ayudan a la imposición de esta agilidad en el libreto.

El incidente alienígena del Pequeño Alan está compuesto por dos personajes principales. El propio, Alan, que se caracteriza por ser optimista y colaborador en el proceso de separación de sus padres. Pero al niño, de once años, le cuesta mucho expresar sus emociones. Será gracias a la amistad que hará con la alienígena Britney que podrá comunicarlas y hablar con sus padres sobre la dificultad que supone para él los cambios.

Britney, la despierta y chisposa extraterrestre, llega a nuestro planeta con el objetivo de realizar un trabajo para la escuela, donde no cuenta con muchas amistades. Le cuesta entender que los humanos no sean capaces de leer las mentes, como ella hace, y que escondan sus emociones. Un personaje muy bien escrito y que hará las delicias de los peques de la casa.

El resto de personajes son: Walter, un extraño vecino del nuevo lugar de residencia del Pequeño Alan y que es el vicepresidente del club de cazadores de ovnis. Ruth, que es una jovial vecina que entabla amistad con el padre de Alan, y por último está Pietro que asume el rol de villano queriendo atrapar a Britney. ¿Podrá con ella? ¿Podrá con Alan?

El incidente alienígena del Pequeño Alan me ha parecido una apuesta divertida, ágil y jovial. Con una estética ochentera y referencias musicales hacia aquella década prodigiosa, la producción europea lo tiene casi todo para gustar a pequeños y mayores. La parte técnica, y hablando del diseño de animación, está bien conseguida y la cinta resulta colorida sin estridencias. En conclusión, hablamos de una película entretenida y con un mensaje emotivo sobre los lazos familiares, la amistad y sobre el valor de la sinceridad en un mundo cada más complejo y engañoso. 

Nota: 7/10.

Esta crítica, con distinto formato, también está disponible en Cinemagavia.

Nacionalidad: Dinamarca

Título original: Lille Allan - den menneskelige antenne

Género: Aventuras, Ciencia - Ficción

Dirección: Amalie Næsby Fick

Guion: Amalie Næsby Fick

Fotografía: Animación

Duración: 82 minutos

¿Qué es WhatsCine?

WhatsCine cumple con todos los requisitos de lo que debería ser la innovación tecnológica al servicio del bien común.

¿Qué es?

WhatsCine es un sistema de audio-descripción con lengua de signos y subtitulado adaptado que funciona mediante aplicaciones gratuitas para iOS y Android a través de los smartphones. Su accesibilidad es totalmente inclusiva y no es percibida por el resto de espectadores.

¿Cuál es su función?

La aplicación está dirigida a las personas invidentes que acuden a las salas de cine y que mediante el sistema pueden disfrutar en toda su intensidad -no solo del sonido procedente de la proyección-, sino también de la App que les proporciona toda la información de lo que está pasando en la filmación. También puede ser utilizado en la televisión de los hogares.

Además, la aplicación también está dirigida a las personas sordas que mediante el subtitulado adaptado y/o el lenguaje de signos pueden percibir lo que está sucediendo en las propuestas audiovisuales.

El proyecto WhatsCine surge en el año 2013 con la colaboración de dos organizaciones españolas: WhatsCine y la Universidad Carlos III de Madrid.

Ambas instituciones tuvieron, y tienen la intención de conseguir eliminar la brecha que algunas personas tienen a la hora de disfrutar del ocio cultural, principalmente del cine y de la televisión. Hoy en el año 2023 ya es un proyecto firme  y en fase de expansión internacional.

La intención de esta entrada en Cine y críticas marcianas es difundir el proyecto en las medida de mis posibilidades, y facilitar con ello la inclusividad, en este caso, para que el cine pueda ser disfrutado  por todas aquellas personas que perdieron la visión o que hayan sido ciegas desde su nacimiento. Asimismo, para todas aquellas personas que tengan disminuida o anulada su capacidad auditiva.

La imagen superior corresponde a la maravillosa película japonesa 'Hacia la luz'.

En ella, se narra la historia de Misako que es una joven que se dedica a la narración de películas para invidentes. En mi opinión, se trata de la mejor película de la historia en narrar como las personas ciegas aman el cine, y acuden a las salas a pesar de su discapacidad visual. De manera independiente a esta situación,  hablamos de una gran filmación tanto en su narrativa, como en su fotografía, como en sus interpretaciones. Pero lo mejor de Hacia la luz (Hikari) es que supuso la toma de conciencia para muchas personas (yo entre ellas) de la importancia en que el cine sea accesible para las personas con alguna discapacidad. No me olvido de aquellas que tiene la movilidad reducida por sus circunstancias personales y que acuden a las salas con sus sillas de ruedas.

En definitiva, creo que iniciativas como WhatsCine merecen la máxima difusión y os invito a haceros participes de la misma. Sería estupendo que entre todos diéramos la máxima difusión posible tanto en redes sociales como en los propios colectivos que aún no conozcan la aplicación.

La aplicación está disponible de forma gratuita a través de Google Play o la tienda de Iphone. Su web es 👉WhatsCine

Por último, os dejo con este vídeo donde se detalla la iniciativa de una manera muy especial:

¡Qué maravilloso es el cine! El tesoro de Sierra Madre

México, 1925. Fred Dobbs (Humphrey Bogart) es un estadounidense que sobrevive en las calles de Tampico mendigando mientras encuentra una oportunidad de trabajo. Tras ser estafado por un contratista y acabar en un albergue para vagabundos, entabla amistad con dos compañeros y entre los tres deciden aventurarse en la Sierra Madre mexicana en busca de una mina de oro que pueda cambiar sus destinos para siempre.  

El tesoro de Sierra Madre dirigida por John Huston en 1948 se basa en la novela homónima de Bruno Traven y supuso un cambio de registro para Bogart. Nos hallamos ante una interpretación memorable para un personaje inusual en el cine de Hollywood. Hablamos de un hombre blanco, estadounidense y sin problemas de salud que mendiga en México.

Es decir, se invierten los términos o clichés que hasta la época prevalecían en este tipo de cine. Aunque la película se adscribe al género Western a mí me gusta más englobarla en el cine de aventuras ya que además fue rodada en el Este de México. La narrativa se asienta sobre la "Fiebre del oro" y los cambios psicológicos que esta producían en las personas que se dedicaban a esta tarea. 

La presentación de la película es gloriosa y consigue la paralización del espectador al ver a Bogart mendigando unas monedas para cubrir sus necesidades básicas. El cambio con respecto a Casablanca o El halcón maltés es radical. Seguimos las andanzas de Dobbs  -su personaje- por las calles de Tampico con un cierto hipnotismo. Así es como vemos su jocoso paso por una barbería, un tenso encuentro con un niño que le vende un billete de lotería, un lúbrico cruce de miradas con una prostituta (tremendo cameo de Ann Sheridan) y el primer encuentro con aires filosóficos con sus futuros compañeros de aventuras. 

Y es que los tres personajes principales: Howard, Dobbs y Curtin (Walter Huston, Humphrey Bogart y Tim Holt) tienen una primera conversación en la que se asientan las bases sobre lo que veremos en la ruta que les llevará hasta El tesoro de Sierra Madre. En ese momento observamos como John Huston presenta a tres personas con inocencia, compañerismo y buenas intenciones. Pero el más mayor, Howard, curtido en mil batallas, ya les advierte que el oro convierte a las personas en codiciosas. El filme, a lo largo de sus dos horas, se presenta como una obra maestra en relación a los cambios en la conducta humana. La maleabilidad de las personas se presenta como el principal frente discursivo llegando a altas cotas de egoísmo en el personaje de Bogart. 

La parte central del relato nos lleva de viaje por las áridas tierras de Sierra Madre donde los protagonistas encuentran un yacimiento de oro y deciden explotarlo de manera más o menos democrática. Pero pronto la codicia, la envidia o el miedo al robo hacen que cada uno de ellos guarde su parte del mineral dorado en un escondite oculto. El recelo se va a apoderando de los tres hombres y los conflictos no tardan en estallar. Los personajes están en continua evolución y transformación lo que hacen del libreto una obra magistral. Nunca serán los mismos hombres que se cruzaron en Tampico: 100.000 dólares a repartir -sin contar la inflación actualizada- en el supuesto de que consigan vender el oro. Hablamos de un botín casi inmanejable en las mentes de los que hasta hace poco eran indigentes.

La cinta cuenta con una poderosa banda sonora dirigida por el maestro Max Steiner. Visualmente, Houston se resiste a los encantos del sur de la frontera, fotografiando el paisaje con una iluminación descolorida en clave alta e incluso con una penumbra sombría que nos recuerda al cine negro. Finalmente la película recibió tres Oscar de la Academia: mejor director, guion y actor secundario para Walter Huston en su papel de viejo cascarrabias. Aunque Bogart no fuera premiado, nos hallamos ante una de las mejores interpretaciones de toda su carrera y fueron muchas. 

El tesoro de Sierra Madre es un filme magnético, retorcido por momentos e hipnótico desde el mismo momento que conocemos al personaje interpretado por Bogart. Un filme que se puede ver como una una película de aventuras o como una profunda crítica al egoísmo humano. John Huston consigue una fuerte tensión narrativa a la vez que inquiere al espectador con decenas de preguntas subliminales. De esta forma somos nosotros, como espectadores, los que vamos tomando partido por cada uno de los personajes representados sintiendo rabia, impotencia o alegría según avanza la narración. El final, antológico, me lleva a decir una vez más eso de ¡Qué maravilloso es el cine!

🎬🎬🎬🎬🎬

Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 1948

Género: Aventuras, Western

Dirección: John Huston

Guion: John Huston

Música: Max Steiner

Fotografía: Ted D. McCord (B&W)

Duración: 125 minutos

Reparto: Humphrey Bogart, 

Walter Huston, Tim Holt, 

Bruce Bennett, Barton MacLane, 

Alfonso Bedoya, Arturo Soto Rangel

El club del odio: taradas en la América profunda

El club del odio dirigida por Beth de Araújo se estrena en Filmin el próximo día 28 de abril tras la polvareda levantada en Estados Unidos. Producida por Blumhouse, la reconocida productora detrás de éxitos como "Get Out" o "Múltiple", y que se ha convertido en una ventana a los miedos de nuestro tiempo. 

🔥🔥🔥🔥🔥

La historia: Emily (Stefanie Estes), es una excéntrica profesora de primaria que tras finalizar su jornada lleva una tarta con una esvástica a un encuentro con amigas para formar un club. En el camino conocerá a Leslie, la nueva ayudante de la tienda de su amiga Kim (Dana Millican) y juntas irán a la reunión. Pronto definirán la función de su nuevo club de mujeres en el que reafirmarán su ideología supremacista. Tras la interrupción de la pareja de Emily, ésta invita a sus amigas a tomar un vino en su casa, pero en el camino se encuentran con dos inmigrantes...

La crítica: Aunque El club del odio se ha calificado como una película controvertida, pienso que solo refleja el miedo -como trasunto del odio- de unas pocas taradas estadounidenses. Éstas hacen del supremacismo blanco su bandera y del odio al inmigrante su causa de vida. 

Beth de Araújo, licenciada en Sociología y con una Maestría en Bellas Artes del American Film Institute, nació y se crió en San Francisco con sus tres hermanas y tiene doble ciudadanía tanto de Brasil como estadounidense. Pero su aspecto oriental, su madre es chino-americana, le causó algún problema de discriminación racial en su propio país. Ahora llega el momento de responder con una película que es virtuosa en su técnica, sarcástica en su fondo y acojonante en su desenlace. 

Araújo rueda en una sola toma con un grandioso plano secuencia los disparates de unas mujeres adheridas a un movimiento totalitario colocando el foco en el rol de la mujer de la alta sociedad estadounidense. La técnica imprime tensión y desasosiego a la trama, en la que un grupo de mujeres que pretenden fundar una asociación semiclandestina vinculada a la tradlife (un movimiento que aboga por el regreso a los valores tradicionales y que reserva a las mujeres el papel de madres de cuantos más niños mejor para preservar la "raza europea") tiene un encontronazo con un par de mujeres inmigrantes que acaba en una pelea con consecuencias imprevisibles.

El club del odio tiene tres partes diferenciadas de manera sutil: en la primera vemos a un grupo mujeres vinculadas al movimiento trad que suelen ser mujeres blancas muy bonitas, sofisticadas y con formación universitaria. En la segunda vemos como su ridículo ideario antisemita (y anti-todo) cobra forma real al provocar una pelea con dos mujeres inmigrantes. Y en la tercera parte o resolución, Araújo aplica el género negro que envuelve la trama con un halo de suspense con retorcidos e inteligentes giros finales para mantener en vilo al espectador.

Stepfanie Estes realiza un gran papel como lideresa del grupo de blancas taradas. Le acompañan con más o menos acierto, Kim (Dana Millican), propietaria de una licorería, y que ha traído consigo a una de sus nuevas empleadas, Leslie (Olivia Luccardi), una ex convicta liberada de manera reciente. Completando el cuarteto principal está Marjorie (Eleanore Pienta), una joven bastante tímida cuya inquietud inicial sobre todo el asunto se desvanece rápidamente cuando esta siniestra hermandad se coloca en una posición on - fire. 

En la técnica destaca el brillante plano secuencia antes mencionado, pero sin embargo ponemos en el debe cierta falta de iluminación en las tomas nocturnas. La dirección de arte brilla y se echa de menos una banda sonora de mayor entidad. 

El club del odio me ha parecido una cinta inteligente cuando se apoya en la ironía y potente cuando se centra en una trama que poco a poco se desliza hacia el thriller de suspense clásico. El final, sobrecogedor y bien pensado, toma referencias de Un lugar en el sol o de Rebecca. Todo ello deja a Araújo como una cineasta con capacidad para forjar una carrera brillante a pesar de tocar uno de los puntos débiles de parte de la sociedad estadounidense.

Nota: 7/10.

Título original: Soft & Quiet

Género: Intriga, Thriller, Drama

Nacionalidad: EE UU

Dirección: Beth de Araújo

Guion: Beth de Araújo

Música: Miles Ross

Fotografía: Greta Zozula

Duración: 90 minutos👈👌

Reparto: Stefanie Estes,

Olivia Luccardi, Eleanore Pienta, 

Dana Millican, Melissa Paulo, 

Jon Beavers, Cissy Ly, Jova Molina

20.000 especies de abejas: cuando la realidad se impone a las creencias

20.000 especies de abejas dirigida por Estibaliz Urresola Solaguren se estrena en cines españoles el día 21 de abril de 2023. La película española se alzó con la Biznaga de Oro del Festival de Málaga y Patricia López Arnaiz fue premiada como mejor actriz de reparto por su papel en la emotiva narración.

🐝🐝🐝🐝🐝

La historia: Cocó (Sofía Otero), de ocho años, no encaja en las expectativas de la sociedad y no entiende el porqué todos insisten en llamarle Aitor ya que no se reconoce en ese nombre ni en la mirada de los demás. Su madre Ane, aprovechará las vacaciones para viajar con sus tres hijos a la casa materna, donde reside su madre Lita y su tía Lourdes, ligada a la cría de abejas y la producción de miel. En este matriarcado se explorarán los sentimientos encontrados de la joven Cocó en un verano que cambiará su perspectiva del mundo. 

La crítica: El primer largometraje dirigido por Estibaliz Urresola es un canto a la sensibilidad y se coloca de salida como la primera gran película española en seguir la senda del buen año 2022 para el cine nacional. De hecho, Urresola se posiciona como una de las favoritas para el Goya a la mejor dirección novel en los galardones del próximo año. 

20.000 especies de abejas nos sumerge en un matriarcado rural vasco en el que sus mujeres pugnan por tener la razón sin importar edad, condición social o su posición dentro de la familia. La cinta narrada de manera sutil y cocinada a fuego lento, aborda sin tapujos la identidad de género en la niñez a través de la mirada de una niña que se pregunta quién es y el porqué su cuerpo no obedece a lo que siente su corazón. 

La cineasta nos pregunta y se pregunta a lo largo del filme varias cuestiones: ¿desde cuándo sabemos quiénes somos? ¿qué relación guarda nuestra noción de identidad en relación al cuerpo? ¿es, la identidad propia, tan solo una vivencia íntima y personal o está afectada por la mirada externa? ¿hasta qué punto estamos dispuestos a llegar para imponer creencias desfasadas ante las realidades del corazón? ¿al suicidio de los menores? ¿a su amargor de por vida? Aceptar la libre identidad de género no es una cuestión ideológica, ni un capricho de nuestros pequeños. Es una cuestión de sensibilidad y empatía con el prójimo y con nosotros mismos.  

La cinta española rezuma sensibilidad y pertenece a ese grupo de películas que surgen de la necesidad de ahondar e investigar sobre la niñez y sus conflictos. Un período en el que el mundo adulto parece violento, arcaico y no se encuentra en sintonía con las necesidades de los más jóvenes. Más si cabe, cuando la identidad de género se sitúa como epicentro en la vida de éstos últimos enmedio de la incertidumbre.

Patricia López Arnaiz (La cima, La hija) realiza una gran papel como madre de Cocó. Un personaje sumido en una crisis profesional, que aprovechará las vacaciones para intentar poner en orden su vida. Sofía Otero, actriz revelación desde ya, interpreta a Cocó que lucha desde su interior por su alma de niña. Ella no entiende el porqué nació en un cuerpo con el que no se siente identificada. Cobra especial importancia en la película el papel de la tía Lourdes (Ane Gabarain) que empatiza con la cría y que le trata de enseñar a través de las abejas la mejor comprensión del mundo. La clave del filme se encuentra en su conmovedora secuencia final en la que la miel y las abejas cobran una importancia vital para la mutua comprensión del clan familiar. 

En la parte técnica destaca la apuesta por rodar en base al naturalismo. O sea rodar de la forma más natural posible, de forma que el espectador no tenga la sensación de ver un filme artificial, sino un retrato cotidiano de la vida normal de una familia. La cineasta juega con la luz natural, intentando que los espacios por los que pasa Cocó sean abiertos y en exteriores. Y, a nivel de cámara, destacan los primeros planos, combinados con encuadres más amplios donde se muestra el impacto del entorno. 

20.000 especies de abejas me parecido intensa y emotiva aunque algo excedida en su metraje. Quizás ese sea su único punto débil. La película entroniza a otra nueva cineasta española que sigue la senda de los éxitos de 2022 forjados por una nueva hornada de mujeres directoras, como Carla Simón (Alcarràs), Pilar Palomero (Las niñas), Elena López Riera (El agua) o Alauda Ruiz de Azúa (Cinco lobitos). En definitiva, Estibaliz Urresola se marca una ópera prima notable con una acertada metáfora basada en la apicultura y su simbolismo, que ayuda a comprender al distinto desde el profundo amor de una madre.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Estibaliz Urresola Solaguren

Guion: Estibaliz Urresola Solaguren

Fotografía: Gina Ferrer

Duración: 125 minutos

Reparto: Patricia López Arnaiz,

Sofía Otero, Ane Gabaraín,

Itziar Lazkano, Martxelo Rubio, 

Sara Cózar, Miguel Garcés

Novembre: el retrato de 50 años de pésima política

Novembre dirigida por Cédric Jimenez se estrena en cines españoles el día 14 de abril de 2023. La cinta gala fue la segunda producción francesa más taquillera del año en Francia y fue  nominada a 7 Premios César.

💣💣💣💣💣

La historia: París, 13 de noviembre 2015. Asistimos a cinco días en el servicio antiterrorista de la policía francesa tras los atentados yihadistas en la sala Bataclán. La policía lucha por hallar las claves y los responsables de una matanza que colapsó a una ciudad, a un país. Un trabajo que descubre todos los procesos de investigación en una situación de incertidumbre e incomprensión pero también de dolor luto y unidad nacional. 

La crítica: Nueva York, Londres, Madrid o París, y sus ciudadanos, nunca podrán olvidar los ataques yihadistas perpetrados en las últimas dos décadas. Novembre se centra en lo ocurrido en la capital de Francia en un trepidante thriller ficcionado con un interesante reparto. 

Aunque no es la función principal del cine, me parece que las películas pueden ejercer también de recordatorio de hechos históricos que moldearon o moldean a la sociedad. Cabe recordar que los atentados de París terminaron con un balance de 137 muertes y 415 heridos, y conmocionaron a la ciudadanía europea. El germen del mal estaba infiltrado en la sociedad y los servicios de inteligencia hicieron el ridículo. 

Novembre está narrada casi de manera exclusiva desde el punto de vista de los investigadores. Esta es una apuesta arriesgada y un tanto fallida al no apreciar el puzzle completo de los actos terroristas. Sin embargo, el cineasta entra sin complejos en la crítica de los servicios de inteligencia. La acción nos lleva de manera frenética en la búsqueda de los asesinos que se expande a Bélgica y Marruecos; cada vez más compinches son arrestados e interrogados. Pero el conocimiento sobre la psicología de los asesinos, cuyo odio se ha acumulado durante mucho tiempo, se queda en el camino. La película trata este aspecto con una frase, pronunciada por un traficante de armas que suministró la munición a los asesinos: "No fueron mis armas las que mataron a la gente, sino 50 años de pésima política".

Respecto a interpretaciones y reparto seguimos de manera principal a tres personajes del servicio antiterrorista. Fred (Jean Dujardin) quien es el jefe operativo de los investigadores. Luego está Héloïse (Sandrine Kiberlain) la responsable del centro de contacto. Además aparece Inès (Anaïs Demoustier) que es una agente encubierta con tendencia a involucrarse de manera personal. Los intérpretes cumplen con corrección en unos personajes en los que no se profundiza demasiado. 

En la parte técnica del filme francés destaca el trepidante ritmo marcado por un buen montaje: un ritmo propulsor que nunca cesa en apenas 100 minutos dentro del mundo de una unidad policial. Podría ser discutible si la película es emocionante, pero tiene un propósito y no finge nada sobre el tema tratado del que ofrece una mirada más bien documental.

En conclusión, Novembre me ha parecido una propuesta más de forma que de fondo. No aporta demasiado a los hechos acaecidos, no da una perspectiva global sobre el terrorismo islamista y tampoco me ha emocionado lo más mínimo. Por tanto, nos hallamos ante un filme muy frío que se limita a transcribir como fueron los días posteriores a la masacre desde el punto de vista de la investigación policial. 

Nota: 5/10

Nacionalidad: Francia

Dirección: Cédric Jimenez

Género: Thriller

Guion: Olivier Demangel

Música: Guillaume Roussel

Fotografía: Nicolas Loir

Duración: 100 minutos

Reparto: Jean Dujardin,

Anaïs Demoustier, Jérémie Rénier,

Sandrine Kiberlain, Lyna Khoudri, 

Marine Vacth, Cédric Kahn

Empieza el baile: nostalgia en positivo

Empieza el baile dirigida por Marina Seresesky se ha estrenado en cines españoles el día 5 de abril. La coproducción hispano - argentina ha resultado la ganadora del Premio del Público en la sección Oficial del reciente Festival de Málaga 2023. 

🎬🎬🚐🎬🎬

La historia: Carlos (Darío Grandinetti) y Margarita (Mercedes Morán) fueron la pareja de tango más famosa de su época. Tras 30 años sin verse, iniciarán un disparatado viaje junto a su inseparable amigo Pichuquito que los llevará desde Madrid a los Andes, pasando por Buenos Aires, atravesando paisajes y emociones, pero sin abandonar nunca el humor, la ironía más despiadada y la desenfrenada pasión por el baile.

La crítica: Curiosamente, Empieza el baile, se ha estrenado en España antes que en Argentina donde lo hará el próximo 20 de abril. Marina Seresesky es una cineasta argentina conocida por sus filmes La puerta abierta y Lo nunca visto en las que también firmaba el guion. Ambas facetas van unidas desde el inicio de su carrera y que ahora culmina con su mejor película hasta la fecha con gran acogida en el Festival de Málaga. 

En el cine de Marina Seresesky, los actores tienen absolutamente todo el peso de la trama. Cada gesto, cada mirada, cada pequeño matiz nos ayuda a entender la historia. A pesar de tener grandes paisajes, la cámara siempre está muy pegada a los actores, siguiendo muy de cerca sus pensamientos más profundos. En Empieza el baile tiene de nuevo la oportunidad de zambullirse en el abismo de estos personajes complejos y únicos. Y lo hace desde la perspectiva de tres personajes mayores y siempre con una tierna mirada hacia la nostalgia en positivo.

La cinta a modo de road movie nos habla del amor verdadero. De ese amor profundo que no conoce distancias, fronteras y mucho menos el  paso del tiempo. Pero no solo del amor a otra persona, sino de ese amor que se profesa por los lugares y por los momentos en los que fuimos felices. Porque también esta película habla de la memoria compartida. ¿Cómo es posible que dos personas que vivieron lo mismo, lo recuerden de manera diametralmente opuesta? ¿Qué sucede cuando el pasado te nubla el presente y te impide ver el futuro? ¿Cómo se vive si tu amor verdadero es ya solo un recuerdo lejano? ¿Cómo acabará el baile?

Hablamos de tres personajes que rondan los 70 años y que, a pesar de la edad, o gracias a ella, viven de manera apasionada esta peripecia que los arrastra a descubrir su verdadera esencia. Tres grandes interpretaciones para tres personajes frescos y de gran envergadura narrativa. 

Darío Grandinetti interpreta a Carlos. A sus 72 años aún conserva la estampa de su juventud. Se ha reciclado como actor de culebrones en Madrid, donde reside junto con su mujer y su hija. Carlos vive dividido. Su mente y su corazón siguen en Buenos Aires, pero su presente y su nueva familia, en Madrid. Después de tantos años se siente extranjero en todas partes. Glorifica su pasado de famoso bailarín. Idealiza cada recuerdo, cada rincón de su ciudad natal, pero le cuesta enfrentarse cara a cara con lo que fue, y sobre todo con Margarita, su eterna compañera de baile y gran amor.

Mercedes Morán interpreta a Margarita. Al contrario que Carlos, vive en la pobreza más absoluta. Su decadencia física no le ha hecho perder ni un ápice de ese humor ácido del que hace gala en cada ocasión que se presenta. Poco queda de esa mujer que se comía el mundo y a la que todos llamaban “Las piernas de Buenos Aires”. Vive al margen de todo, en el olvido más absoluto, pero su fortaleza le hará urdir un alocado plan para que Carlos la acompañe a cumplir su mayor y único deseo. También aprovechará este viaje para saldar cuentas. Sus reproches avivarán un pasado de celos, abandonos e infidelidades.

Jorge Marrale es Pichuquito. Es algo menor que ellos y ha sido su bandoneonista desde siempre. Ha vivido con ellos todas sus giras, peleas, reconciliaciones, éxitos y fracasos, y finalmente acompañó como pudo el deterioro de Marga. Hombre bueno y con una paciencia infinita, aguantó estoicamente ser siempre el tercero en discordia. Pero Pichuquito tiene un secreto que está a punto de explotar y aprovechará este reencuentro, con la ayuda de algo de alcohol, para sacarlo a la luz.

En la parte técnica destacan los encuadres y la luz de la inmensidad de Argentina. Veremos largas y sinuosas carreteras, paisajes deslumbrantes, cielos enormes, bullicio y soledad, aridez o exuberancia.

Empieza el baile me ha parecido un filme tierno, cómico por momentos y, sobre todo, muy sensible en su parte final. Un final muy bien estudiado que cuadrará las vidas de nuestros tres protagonistas. En definitiva, hablamos de una película que conquista al espectador. Los personajes encuentran su esencia y sus profundos deseos de quedar con las cuentas selladas para afrontar el final de sus vidas con paz, armonía y amor.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina, España

Género: Comedia

Dirección: Marina Seresesky

Guion: Marina Seresesky

Música: Nicolás Guerschberg

Fotografía: Federico Rivares

Duración: 100 minutos

Reparto: Darío Grandinetti, 

Mercedes Morán, Jorge Marrale,

Pastora Vega, Agostina Pozzi,

Lautaro Zera, Marcelo Xicarts

Living: el eterno legado

Living dirigida por Oliver Hermanus se estrenó en cines españoles en enero de 2023 y desde el día 7 de abril estará disponible en la plataforma Filmin. La película británica cosechó dos nominaciones a los Oscars en las categorías de mejor guion adaptado y para el veterano Bill Nighy como mejor actor.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Ambientada en la década de 1950 en Londres, la película sigue a Williams, un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos meses de vida un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a salir por la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Será su revulsivo vital.

La crítica: El escritor, Kazuo Ishiguro, y el director Oliver Hermanus adaptan de manera magnética el guion de una de las películas más recordadas de Akira Kurosawa, Vivir (1952), para trasladarlo al Londres de la posguerra. 

Living es un filme elegante y liviano que no duda en debatir sobre la vida y la muerte sin ningún tipo de dramatismo. También es un alegato en contra de la burocracia y a su vez un canto a las ganas de vivir. Hablamos de la historia de un hombre común, aplastado por años de una tediosa rutina de oficina y reducido a una existencia sombría que, en el último momento hace un esfuerzo supremo para convertir su aburrida vida en algo maravilloso, en algo que merece la pena vivir.

Aunque "Vivir" (Ikuro) abordaba las consecuencias para los perdedores de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de reconstrucción y recuperación era similar para los ganadores. Así que había paralelismos entre el sentido de imperio de ambos países, su estoicismo y su autocontrol emocional. Llama la atención la educación, el respeto y la camaradería que se respiraba en Londres. Así es como se presenta la película, a sus personajes y a la ciudad con un notable diseño de producción.

Bill Nighy pone un brillante broche de oro a la que, sin duda, será recordada como una de las grandes actuaciones de su carrera. Un actor que tiene ese sentido del humor inglés, esa ironía, ese estoicismo y también esa especie de melancolía que destilan los intérpretes británicos. Su personaje, como decía, es de un hombre muy convencional que ha interiorizado el dolor. Desde que su esposa murió hace más de 20 años, ha confinado su vida a parámetros estrechos para evitar más sufrimiento. Sin embargo, su diagnóstico médico le hace tomar la vida de otra manera en un giro emotivo e incluso divertido para el espectador. 

El resto de personajes están compuestos por un hombre decadente (Tom Burke) con el que hace amistad en un viaje de evasión hacia el hedonismo y las juergas antes de rechazarlo como solución. De vuelta a Londres, se siente atraído por la vitalidad natural de Margaret (Aimee Lou Wood), una joven que trabajó bajo su supervisión y que ahora está decidida a volar por sí misma. Una noche, una sorprendente revelación, tan simple como profunda, le produce un enorme impacto. Así que con energías renovadas y con ayuda de Peter (Alex Sharp), un nuevo e idealista miembro de su departamento, se propone crear un legado para la siguiente generación. De ese eterno legado es de lo que finalmente nos habla la película. El legado que dejamos cuando ya no estamos aquí. 

Emilie Levienaise es una premiada pianista, compositora y artista de grabación francesa con sede en Londres, cuyo trabajo abarca música para películas orquestales, proyectos de álbumes, encargos y diseño de sonido. Realiza una banda sonora brillante sin la que la película sería totalmente distinta. La diseñadora de vestuario Sandy Powell también hace un trabajo perfecto que nos sitúa en el contexto del Londres de los cincuenta. 

Living me ha parecido una película delicada, amable y a la vez profunda. En el fondo, es una historia sobre la muerte como afirmación de la vida. Es una oportunidad para ver lo que hace una persona normal que tiene una existencia muy limitada cuando se enfrenta cara a cara con la muerte. A grandes rasgos, descubre que lo que da sentido a la vida es hacer algo por los demás. Hoy en día vivimos mirando nuestros móviles, mirando hacia el futuro. Así que es interesante dar un paso atrás y preguntarse qué significa estar presente en tu propia vida y disfrutar así de ese presente. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Oliver Hermanus

Género: Drama, Remake

Guion: Kazuo Ishiguro

Música: Emilie Levienaise

Fotografía: Jamie Ramsay

Duración: 102 minutos

Reparto: Bill Nighy,

Aimee Lou Wod, Tom Burke, 

Alex Sharp, Adrian Rawlins, 

Hubert Burton, Oliver Chris