Iris: lluvia de hombres para un corazón sediento

Iris dirigida por Caroline Vignal se estrena en cines españoles el próximo día 31 de mayo de 2024. Tras su paso por el Festival de Cine de Málaga, nos llega esta comedia francesa que pone en primer plano el el deseo femenino.

👯👯👯👯👯

La historia: Iris lo tiene todo: un marido maravilloso, dos hijas perfectas, un negocio exitoso, pero nula vida sexual. ¿Cuándo fue la última vez que hizo el amor? Parece que ha llegado el momento de explorar otros territorios...

La crítica: El cine francés se ha hecho fuerte en la comedia como en su día lo hizo el cine español. De hecho, Iris se permite realizar algún guiño hacia el Landismo cambiando los roles de género. Este tipo de filmes suelen ser cálidos y risueños. En ellos se vislumbra una ágil mirada para retratar como son las relaciones humanas en nuestro caótico mundo actual. 

Iris es un reflejo de todas las mujeres que, como ella, asisten asombradas a otra etapa de su vida sexual. Aunque ya no es una joven descubriendo el mundo, ella se siente radiante. Su energía comienza a subir cuando se conecta a una App de citas y decide redescubrirse, probar y atreverse pues su vida de pareja ha entrado en vía muerta. ¿Podrá con todo lo que le viene? ¿Asumirá su nuevo rol de mujer infiel con alegría?

La cineasta francesa Caroline Vignal pone en el centro del filme una cierta demanda colectiva de las mujeres maduras en el que es ya su tercer largometraje. Una demanda que nos habla sobre el rol de invisibilidad social y sexual que parece asociarse a la edad y que se ceba más con el género femenino. Precisamente el cine es el mejor ejemplo de la postergación de ciertas actrices según van cumpliendo años. 

La cineasta se ha hecho varias preguntas para escribir el guion: ¿cómo recrear la experiencia de los sitios de citas, donde la mayor parte de la acción se desarrolla en la pequeña pantalla de los teléfonos móviles? ¿Cómo se puede compartir con los espectadores la adrenalina de los chats, que pueden parecer banales, pero que mantienen en vilo al receptor esperando el siguiente mensaje? ¿Cómo compartir la sensación estimulante de que la aventura está a la vuelta de la esquina o al final de la línea 15 de Metro? La respuesta en general sería que sí ha sabido adaptar con naturalidad los nuevos usos sociales a la pantalla de cine. 

Laure Calamy es una actriz francesa de cine, televisión y teatro, ganadora de un Premio César, que realiza una buena interpretación de Iris. Su gestualidad, picardía y la inocencia de su personaje conquistan al espectador. Lleva todo el peso de un reparto que completa Vincent Elbaz como el marido ausente que no obstante se guarda una sorpresa para el final de la película. El resto son personajes con apariciones esporádicas como marca el libreto basado en las citas rápidas.

En la parte técnica destaca la luminosa fotografía y la música de Benjamin Esdraffo que añade alegría sobre todo en la parte final del desarrollo narrativo. Lo habré escrito decenas de veces, pero una sola canción o pasaje musical puede cambiar una película. O lo que es lo mismo: el cine sin música sería menos cine o incluso no sería cine. 

Iris me ha parecido una película acertada, amena y divertida dentro de un orden. Es evidente que no hablamos de un filme de Billy Wilder, pero si de un producto bien realizado y honesto en la búsqueda de sus objetivos. La cinta conlleva una reivindicación, muy legítima, que cada día suena más alto: el deseo femenino existe y no debe esconderse por miedo a ser calificada de cualquier barbaridad. Y, además, su apogeo no solo está en la juventud, también después continúan la atracción, las ganas, la pasión o la diversión sin culpa, que no está exenta de chascos como en la propia vida.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Francia

Género: Comedia, Romance

Título original: Iris et les hommes

Dirección: Caroline Vignal

Guion: Caroline Vignal

Música: Benjamin Esdraffo

Fotografía: Martin Roux

Duración: 98 minutos

Reparto: Laure Calamy, Vincent Elbaz,

Suzanne De Baecque, Sylvain Katan

El último late night: ¿reinicio de género u oasis en el desierto?

El último late night dirigida por Cameron Cairnes y Colin Cairnes se estrena en cines españoles el día 24 de mayo de 2024. La cinta australiana fue la ganadora del Premio al Mejor Guion en la última edición del Festival de Sitges. 

👽👽👽👽👽

La historia: Estados Unidos, años 70. Después de la muerte de su mujer, Delroy ha vivido momentos muy complicados y las audiencias de su programa lo han acusado. Dispuesto a recuperar el interés de los espectadores, decide montar el especial de Halloween más sonado de la televisión estadounidense, sin ser consciente de la maldición que está a punto de lanzar sobre todos los hogares del país.

La crítica: Películas como La semilla del diablo o El exorcista impulsaron el cine de terror a niveles muy altos a base de narrativa, guión y buenos golpes de efecto. Hoy en día tanto el horror como la ciencia ficción no atraviesan su mejor momento y quizás sea el momento de reiniciar el género mirando precisamente a la década de los setenta como la hace la cinta hoy reseñada. 

El último late night es un viaje tan real hacia la citada década que parece un filme realizado en aquella época. La película nos presenta un programa ficticio de televisión que se emitió algunas temporadas antes de ser retirado del aire después de una noche en la que ocurrieron unos hechos no aptos para cardíacos. La intriga se mantiene durante los 90 minutos como si estuviéramos viendo un programa en directo. El presentador es el hilo de la narración. 

Los hermanos Cairnes son conscientes del interés de los estadounidenses por los temas paranormales y explotan esa vía al máximo. Pero lo bueno del libreto es que da igual que seas escéptico o no. Lo importante es que la historia se haga creíble y que consiga meter al espectador en la trama. Y ambas cosas se consiguen con buena nota acompañados de un buen ritmo narrativo.

La película, el programa y el relato giran en torno al presentador Jack Delroy. A través de su late night, y en el especial de Hallowen, va presentando a una serie de personas con supuestos poderes paranormales. Lo que en principio parece algo festivo se va convirtiendo en una pesadilla en pleno directo. Y es que los invitados tienen un comportamiento extraño y no humano por llamarlo de algún modo. El guion, que siempre va a más, consigue el suspense necesario sin tener que recurrir a sustos gratuitos, subidas de volumen o a la oscuridad ya que todo ocurre en un plató televisivo. 

Jack Delroy es un personaje ficticio por lo que no existe una conexión directa entre la trama de la película y cualquier transmisión nocturna emitida por la televisión durante la década de 1970. Se encarga de interpretarlo un gran David Dastmalchian que nos regala uno de los grandes papeles del año. La otra protagonista de la noche es Lilly, una adolescente rescatada años antes de una comunidad satánica y que dice estar poseída por el demonio. La interpretación de la joven actriz Ingrid Torelli es acongojante. La medium que acompaña a la niña es interpretada también con acierto por Laura Gordon. 

En los aspectos técnicos destaca la plena inmersión en los años 70 a través de la fotografía, el diseño de vestuario y lo relacionado con ambientación, arte y decorados. La estética y la deformación de las imágenes son una característica y no un defecto como pudiera parecer. 

El último late night me ha parecido una grata sorpresa aunque no sea una película perfecta. De hecho, en la parte final se acerca al naufragio que es evitado cuando los cineastas vuelven a girar ese final hacia lo concreto. Se cierra el círculo de manera adecuada. En definitiva, esperemos que la cinta no sea un oasis en el desierto y que mueva el género de terror hacia el suspense o la intriga lugar de donde nunca debió salir.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Australia

Título original: Late Night with the Devil

Género: Terror, Suspense

Dirección: Cameron Cairnes, Colin Cairnes

Guion: Cameron Cairnes, Colin Cairnes

Música: Glenn Richards

Fotografía: Matthew Temple

Duración: 93 minutos

Reparto: David Dastmalchian,

Laura Gordon, Ian Bliss, 

Fayssal Bazzi, Christopher Kirby,

Ingrid Torelli, Josh Quong Tart

Víctima imperfecta: navegando la noche

Víctima imperfecta dirigida por Delphine Girard se estrena en cines españoles el día 17 de mayo de 2024. La cinta francesa pasó por el Festival de Venecia, donde ha sido galardonada con el Premio del Público en la Sección Venice Days (Giornate degli Autori).

👮👮👮👮👮

La historia: La fiesta se tuerce: Dary agrede a Aly. Cuando Aly llama a la policía, es Anna quien responde y consigue evitar que la agresión vaya a más. Al día siguiente, Aly intenta seguir con su vida como si nada y relativiza los efectos de la agresión. Dary trata de autoconvencerse de una versión de los hechos que no le quita el sueño. Anna hace por seguir involucrada en el asunto. Comienza el juicio. ¿Qué consigue la justicia? ¿Qué se puede reparar? (Festival Films)

La crítica: El pasado mes de abril reseñé algunas películas, tan distintas entre ellas como Civil War o El mal no existe, que renunciaban a cerrar lo planteado en su premisa y guion. La contraposición adecuada la hallamos en la ópera prima de Delphine Girard que además escribe un libreto complejo e inquietante. 

Víctima imperfecta se inspira en una historia real descubierta en YouTube, en la que una llamada grabada refleja cómo el buen hacer de una operadora salva la vida a una joven. Al comenzar la película observamos a una pareja viajando en coche y en claro estado de agitación. Ella -Aly- finge una llamada a su hermana, pero en realidad está llamando a la policía. La operadora -Anna- se percata de que la mujer está en peligro y manda un coche patrulla tras geolocalizar la llamada. El hombre -Dary- es detenido por presunta violación aunque niega los hechos. 

A partir de ahí asistimos mediante cuidados flashbacks a la reconstrucción de los hechos. El suspense se mantiene con fuerza hasta la resolución final. La cineasta también nos lleva a conocer la vida diaria de los personajes tras la presunta agresión sexual. Y ahí es cuando va planteando preguntas usando para ello varios géneros tan distintos como el policíaco, el drama social, el suspense y el thriller para enriquecer los aspectos de la película. Los personajes navegan por una noche de agitación a la que le siguen las consecuencias policiales, legales y cotidianas de la misma. Atraviesan situaciones y líneas temporales distintas en un puzzle muy bien armado. 

Selma Alaoui realiza una buena interpretación del personaje de Aly. A través de ella exploramos el área del consentimiento sexual que todavía es complicado de definir por las autoridades judiciales, policiales o médicas. Dary es interpretado por Guillaume Duhesme. Observamos a un hombre inseguro y oscuro. El personaje de la teleoperadora, Anna, a la que da vida Veerle Baetens, representa al espectador y se muestra empática con la posible víctima. Todos los personajes evolucionan de la frialdad más asombrosa hacia la parte más humana según avanza la narrativa y hasta la resolución final.  

En la técnica de rodaje destaca el montaje que es la clave para que el relato funcione. La directora de fotografía, Juliette Van Dormael, realiza un buen trabajo con la iluminación de tal manera que los personajes parecen inaccesibles o ambiguos.

Víctima imperfecta es un filme bien pensado, intrigante y con un final que resuelve las preguntas planteadas por la cineasta. La película retrata la reacción en cadena que provoca un acto violento en varias familias, en varios estamentos y en los propios implicados. Asimismo nos hallamos ante un retrato actual para reflexionar sobre cómo la sociedad resuelve de una vez por todas el tema de la violencia sexual dando prioridad al reparo moral de las víctimas aunque estas sean imperfectas. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Francia, Bélgica

Título original: Quitter la nuit

Género: Thriller 

Dirección: Delphine Girard

Guion: Delphine Girard

Música: Ben Shemie

Fotografía: Juliette Van Dormael

Duración: 108 minutos

Reparto: Veerle Baetens,

Anne Dorval, Astrid Whettnall, 

Guillaume Duhesme, Selma Alaoui.

Hasta el fin del mundo: el cine que nunca muere

Hasta el fin del mundo dirigida por Viggo Mortensen se ha estrenado en cines españoles el día 10 de mayo de 2024. Tras haber sido nominado por sus trabajos como actor a numerosos premios internacionales -tres veces nominado al Oscar-, Mortensen vuelve a ponerse tras las cámaras como director, en esta historia de amor ambientada en el Viejo Oeste a mediados del Siglo XIX.

🔫🔫🔫🔫🔫

La historia: Estados Unidos, 1860. Vivienne (Vicky Krieps) es una mujer ferozmente independiente que se embarca en una relación con el inmigrante danés Holger Olsen (Viggo Mortensen). Juntos, empiezan una nueva vida cerca del tranquilo pueblo de Elk Flats, Nevada. El estallido de la Guerra de Secesión los separa cuando Olsen decide luchar por la Unión y dejar a Vivienne a su suerte en un lugar controlado por el corrupto alcalde Rudolph Schiller (Danny Huston).

La crítica: Con guiños muy sutiles a 'Memorias de África' o a 'Los puentes de Madison', Viggo Mortensen se consolida como un cineasta de largo recorrido. Ojalá pudiera seguir el rastro de Eastwood y combinar de manera sólida su carrera como actor y director. Tras su buen debut con Falling ahora nos regala otra buena película con aromas al mejor western crepuscular. Pero esta no es una película del Oeste al uso. 

Hasta el fin del mundo narra una historia de amor inusual dentro del contexto de ese género, que aunque siempre me ha gustado, parecía agotado hasta que fue reactivado con la aclamada Sin perdón. En el caso de la cinta hoy reseñada se rompen algunos de los arquetipos que se han utilizado para representar los papeles femeninos en ese tipo de películas. El personaje central de la película es la inmigrante francesa Vivienne Le Coudy, una mujer de espíritu libre que se gana la vida vendiendo flores, trabajando en la taberna del poblado y que se enamora del también inmigrante Olsen. Aún emparejada prosigue su empeño por ganarse su propio dinero sin depender de un hombre que la mantenga. 

La cinta cuenta con un hándicap de salida ya que en la secuencia inicial se revela una parte muy importante del final. Esta manera de narrar, más habitual en literatura, obliga a un esfuerzo notable de montaje. Se altera el orden cronológico para explicar el porqué de la apertura. Mortensen se aferra a el cine que nunca muere con elementos clásicos a la par que sencillos: héroe, villano, propósito de justicia y emotividad en un buen guion que también se encarga de firmar.

Buenas interpretaciones con carácter general destacando a Vicky Krieps con su papel de mujer fuerte, decidida e independiente. Mortensen también realiza un buen trabajo y se muestra contenido en su papel. Su personaje es el de un hombre que ha viajado mucho, pero le gusta la vida en el Oeste norteamericano donde ha echado raíces. La feliz rutina de la pareja se ve interrumpida por la decisión de Olsen de alistarse voluntario para luchar por la Unión poco después del estallido de la Guerra Civil. Al quedarse sola, Vivienne tiene que enfrentarse a los despiadados hombres que gobiernan el pueblo, entre ellos el odioso Weston (Solly McLeod), que es el violento y caprichoso hijo de un terrateniente. 

Con sus amplias vistas y su ambientación en el Oeste del siglo XIX, Hasta el fin del mundo tiene el aspecto de un western clásico, pero rodada con la mejor técnica moderna. El filme se ha localizado en Durango, en México, que ha acogido muchas producciones del oeste, especialmente en los años sesenta. También se rodaron escenas en el oeste de Canadá. Uno de los entornos más importantes de la historia es la cabaña de Olsen, que se transforma cuando Vivienne llega para quedarse. La morada guarda valor escénico y narrativo. 

Hasta el fin del mundo nace con la vocación de convertirse en un clásico y a pesar de su controvertido arranque consigue todos los objetivos que se propone: emotividad, cadencia y un final que cierra el círculo de manera redonda. Con buenas interpretaciones e imágenes preciosistas nos hallamos ante un filme para degustar a fuego lento. La cinta también nos habla sobre el perdón y la redención. El acto de perdonar es algo que las mujeres han hecho a lo largo de los siglos y de manera especial lo han hecho con hombres orgullosos. Aquí el perdón está presente en ambos personajes como signo de inteligencia emocional. En definitiva, nos hallamos ante una cinta con buen fondo, excelentes formas y que confirma a Mortensen como un gran director.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: The Dead Don't Hurt

Género: Western, Romance

Dirección: Viggo Mortensen

Guion: Viggo Mortensen

Fotografía: Marcel Zyskind

Duración: 125 minutos

Reparto: Vicky Krieps, 

Viggo Mortensen, Dany Huston, 

Solly Mcleod, Garry Dillahunt.

La zona de interés: una vida con vistas al campo (de Auschwitz)

La zona de interés dirigida por Jonathan Glazer fue la cinta galardonada con el Oscar a la Mejor Película Internacional en este año 2024. Tras su paso por los cines el próximo día 10 de mayo llega a Filmin.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: El comandante del campo de Auschwitz, Rudolf Höss, y su esposa Hedwig se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia en una casa con jardín cerca de la instalación militar. El filme retrata el día a día de esa familia alemana cuya casa colinda con el campo de exterminio.

La crítica: Una de las cosas más asombrosas del filme es cómo muestra que las personas pueden llegar a interiorizar y naturalizar el horror. Y no hablo solo de los mandos militares, sino más bien de sus familias y allegados que veían en ellos a simples funcionarios del exterminio. También llama la atención como el cineasta retrata de manera perfecta la liturgia nazi aunque pienso que se equivoca en el epílogo. Se muestran ciertas tareas cotidianas en los trabajos que actualmente se realizan en Auschwitz que podrían asociarse a la indiferencia de manera injusta o equivoca. 

La zona de interés toma su titulo de la denominación utilizada por las SS durante el régimen nazi para referirse a la zona de cuarenta kilómetros cuadrados que rodeaba el complejo del campo de Auschwitz, a las afueras de Oświęcim, en Polonia. En 2014, Martin Amis usó la frase para el título de una original novela picaresca en la que el punto de vista entre colaboradores, verdugos y presos se intercambia. En el libro, uno de los personajes describe la 'zona' como algo parecido a un espejo que revela la verdadera identidad de cada uno. El filme también pudiera verse como una reflexión en la que los personajes rehúsan a verse a sí mismos; ya que el reconocimiento y la identificación podría llevarles a la locura.

Jonathan Glazer es uno de los cineastas más originales del cine actual, y alejándose de la perspectiva de Amis, mantiene el relato en la parte civil dentro de la división de Auschwitz, sumergiendo al espectador en la soleada negación de la próspera y trepadora familia Höss. Viven como si al otro lado de la valla del jardín no ocurriera nada. Tampoco hay mucha diferencia a lo que hace la sociedad de hoy. Estamos viviendo un genocidio en directo en la franja de Gaza y nadie mueve un dedo. Y si se mueve es para ayudar al verdugo que de manera paradójica pasa de pueblo oprimido a pueblo opresor como el que cambia de zapatos. 

Christian Friedel interpreta con corrección al comandante Rudolf Höss. Un personaje bien construido que vive obsesionado por mantener su puesto y asimismo cuidar con mimo su casa con jardín. Hedwig (Sandra Hüller), la odiosa esposa de Rudolf, le enseña a su madre -que ha venido de visita- el espléndido jardín y le explica que va a plantar yedra para tapar la horrible tapia que la separa del otro lado. "Los judíos están al otro lado del muro", añade. Una verdad basada en la negación más monstruosa. En ese edén artificial, los Höss se esfuerzan en llevar una vida normal mientras las nubes de humo de muerte se elevan por encima del campo.

En la parte técnica destaca la asombrosa dirección de arte y el sonido que ha sido premiado con el Oscar. Los gritos, disparos y órdenes del campo de exterminio se escuchan en segundo plano mientras la familia hace su vida normal. Baños en la piscina incluidos. Puede parecer paradójico, pero la absoluta calma y los tranquilos movimientos de la cámara bajo una luz natural son testigos de lo extremo que llega a ser el guion.

La zona de interés es en el orden cinematografico la prueba palpable de que no todo está inventado en el cine. Por otro lado y en el orden moral es una llamada de auxilio ante la indiferencia global hacia los pueblos oprimidos. Hablamos de una película pequeña, original y perturbadora que ha ido creciendo gracias a los premios obtenidos. Por una vez los galardones tienen sentido si el objetivo real de éstos fuera el de ampliar las audiencias. Sea como fuere, y a pesar de la poca emotividad de la narración, el conjunto de la obra propuesta es ya historia viva del cine. 

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: Reino Unido, Polonia 

Género: Drama, Bélica 

Título original: The Zone of Interest

Dirección: Jonathan Glazer

Guion: Jonathan Glazer

Música: Mica Levi

Fotografía: Lukasz Zal

Duración: 106 minutos

Reparto: Sandra Hüller,

Christian Friedel, Ralph Herforth,

Max Beck, Marie Rosa Tietjen,

Sascha Maaz, Stephanie Petrowitz.

El mal no existe: un final mal explicado derrumba la eco parábola de Hamaguchi

El mal no existe dirigida por Ryûsuke Hamaguchi se estrena en cines españoles el próximo día 1 de mayo de 2024. La cinta japonesa ganó el León de Plata -Gran Premio del Jurado- en la última edición del Festival Internacional de Cine de Venecia. 

🏯🏯🏯🏯🏯

La historia: Takumi y su hija, Hana, viven en un pueblo cercano a Tokio. Su vida se verá profundamente afectada cuando descubren que cerca de su casa se va a construir un glamouroso camping para que los habitantes de la ciudad hagan escapadas cómodas a la naturaleza.

La crítica: Una de las funciones que tiene la crítica de cine es el poder de influencia para intentar controlar los desmanes de cineastas. Y es que a pesar de ganar el Oscar por Drive my Car a Hamaguchi se le criticó por llevar la citada película a los 180 minutos. Y como es de sabios rectificar solo cabe felicitar al director por dejar la cinta hoy reseñada en 109 minutos que es un metraje mucho más lógico para otorgar el ritmo narrativo adecuado al relato. Es de sentido común y mucho más cuando hablamos de cine de autor.

Aún así hay cosas que no tienen cura y para muestra un botón: los primeros 8 o 9 minutos de metraje consisten en un plano en movimiento sobre árboles de un bosque por lo que el "efecto melatonina" no tarda en llegar. Superada esa fase inicial, comienza El mal no existe. Título, por cierto, que corresponde a una supuesta genialidad y que es en tono irónico. Porque el mal claro que existe y en cine se podría traducir cuando una película es lenta, soporifera e impostada en su mensaje. Como esta. 

El mal no existe se asienta sobre un conflicto narrativo menor que el cineasta trata de convertir en algo universal o grandioso sin conseguirlo. Asistimos a un mero dilema municipal sobre la instalación de un camping con 50 plazas turísticas. El debate consiste en mover del plano una fosa séptica y dar vigilancia al camping como medida contra incendios. El empresario se muestra reacio y algo tan sencillo como sería denegar una licencia municipal, Hamaguchi lo trata de convertir en el fin del mundo natural. El mensaje ultra ecologista del filme está vacío y perjudica por ende a los que amamos a la Naturaleza. La cuestión principal es la siguiente: el pequeño camping podría vertir aguas residuales y contaminar el río que llega hasta el pueblo. Pero como decía antes con unas leves modificaciones en el proyecto esos vertidos no se producirían. El mensaje ecologista se hubiera entendido mucho mejor si habláramos de un macro-camping de 5000 personas que si alteraría el medio natural o de la construcción de un macro complejo hotelero. Es por eso que equiparar la construcción de un pequeño camping a los grandes proyectos urbanísticos en el medio natural es además de una exageración una premisa con una construcción narrativa muy débil.

Nada que achacar, ni alabar en las interpretaciones así que repasemos a los personajes. Takumi es el protagonista y principal opositor a la construcción del camping. Es por tanto un amante de la Naturaleza, le encantan los animales salvajes y sin embargo olvida a menudo que tiene que recoger a su hija menor del colegio. Tanto es así que la obliga a que vuelva sola por bosques peligrosos y al final como es natural la niña se pierde. Eso sí, lo importante es que el micro-camping no se haga porque romperá el mundo natural. A la niña ya si eso que la cuide la madre. Bueno en realidad la madre no existe y tampoco se explica. ¿Murió, dejó a Takumi y a su hija, o simplemente el cineasta no quiso escribir al personaje? Ya saben, cosas de los genios. Los demás personajes son Ryuji y Ayaka que son los comerciales del camping y que se van contagiando del espíritu naturalista de los vecinos del pueblo. Dos personajes sin aristas.  

Lo mejor de la película pasa por las localizaciones del rodaje: se rueda en las montañas de Nagano. Hablamos de una reserva natural cercana a Tokio. Las bellas imágenes se complementan con la bonita música de la compositora Eiko Ishibashi. La fotografía en tonos azulados hacen que la experiencia visual y sensorial sea óptima. Lástima que guion en forma de eco parábola y personajes aparezcan en pantalla. 

El mal no existe es una película lenta, engañosa y aburrida. Dicho lo cual, a la crítica generalista le ha parecido una obra magna. Magna para dormir digo yo. Además, la película cuenta con un hándicap que va a molestar a muchos espectadores. Hablamos de un final mal explicado y peor resuelto en un giro de guion cuando la niña se pierde en el bosque. En definitiva, la nueva cinta de Hamaguchi es positiva como un inductor del sueño por eso que dicen que hay que quedarse con las cosas positivas de la vida. 

Nota: 3/10.

P.D. ALERTA SPOILER.

Final explicado de El mal no existe: 

Si has llegado desde la búsqueda de Google tratando de encontrar una explicación al final de la película voy a tratar de aclarar lo que pueda. Tras perderse Hana (la niña) esta aparece sola, sin daños y frente a un ciervo que la mira de manera desafiante. El padre ve la escena y está acompañado por el comercial del proyecto. El comercial trata de reaccionar, pero el padre trata de hacerlo callar para no asustar al ciervo y que éste alterado pudiera atacar a la niña. En el forcejeo mata al hombre. La niña, no obstante, parece ser atacada por el ciervo y se ve una imagen suya con algo de sangre saliendo por la boca. No sabemos si está muerta o inconsciente. Se escucha a una persona corriendo que pudiera ser el padre cargando a la niña y tratando de pedir ayuda. También pudiera estar huyendo por el delito cometido. Al ser un final abierto e inconcluso otras resoluciones podrían estar sobre las mesa. El cineasta juega a qué cada espectador elabore su final.

Nacionalidad: Japón

Título original: Aku Wa Sonzai Shinai

Género: Drama 

Dirección: Ryûsuke Hamaguchi

Guion: Ryûsuke Hamaguchi

Música: Eiko Ishibashi

Fotografía: Yoshio Kitagawa

Duración: 109 minutos

Reparto: Hitoshi Omika,

Ryo Nishikawa, Ryuji Kosaka,

Ayaka Shibutani.

Civil War: ¿profecía autocumplida?

Civil War dirigida por Alex Garland se ha estrenado en cines españoles el día 19 de abril de 2024. El nuevo filme del cineasta británico nos sitúa en un futuro cercano dónde los Estados Unidos se encuentran completamente fragmentados.

👽👽👽👽👽

La historia: En un futuro cercano donde Estados Unidos está sumido en una cruenta guerra civil, un equipo de periodistas y fotógrafos de guerra emprenderá un trepidante viaje por carretera en dirección a Washington DC. Su misión: llegar antes de que las fuerzas rebeldes asalten la Casa Blanca y arrebaten el control al Presidente de los Estados Unidos (DeAPlaneta).

La crítica: Si una película no puede explicarse a sí misma a través de su libreto hablamos de un error de narrativa fundamental. No hablo de finales abiertos, personajes con doble cara o de que se ofrezca un filme masticado por completo. Más bien estaríamos hablando de una premisa con cierto atractivo que nunca llega a desarrollarse. Se renuncia a una explicación del contexto para crear un suspense vacuo. 

Civil War resulta una especie de profecía autocumplida que bebería del insólito asalto al Capitolio de Estados Unidos. Es cierto que la realidad suele superar a la ficción y para muestra la pandemia, la fallida invasión rusa a Ucrania o la boda del alcalde de Madrid. Por tanto, una supuesta guerra civil en USA nunca puede ser descartada, pero necesita un contexto en el que el cineasta ni se moja, ni lo explica, ni lo intenta. Sucede porque sí y nos tenemos que limitar a observar secuencias bélicas deshilvanadas entre la insurrección, civiles y cameos del ejercito regular. 

De manera independiente a las razones, el conflicto en sí, según va avanzando y llegando a los diferentes estados, se siente bien realizado en la técnica de rodaje. No se trata de una distopía aunque lo parezca: es un retrato visceral de los acontecimientos y los sonidos de la guerra. Un grupo de reporteros es el único hilo narrativo al que acogerse para tratar de tener una visión de conjunto. 

Lee es una experimentada reportera gráfica que ha retratado atrocidades y conflictos en todo el mundo, que viaja a la Casa Blanca con la esperanza de captar una última instantánea del presidente. En la caravana de periodistas coincide con una joven aspirante a fotógrafa llamada Jessie, con quien acaba compartiendo sus conocimientos, si bien de primeras lo hace a regañadientes. Quizás la mejor parte sucede cuando el grupo atraviesa el país, -ahí el filme se muestra tan road movie como película bélica- y nos enseña una realidad alternativa que progresa de manera caótica.

El reparto está encabezado por una avinagrada Kirsten Dunst en un error de casting colosal. Wagner Moura, que interpreta a Joel, compañero de la reportera cumple con su papel y para casa. Lo mejor del reparto pasa por la joven Cailee Spaeny. Ya en Priscilla se mostraba como una promesa y ahora se consolida como una de las mejores actrices de su generación. Con respecto a los personajes que interpretan todos están cortados por el mismo rasero: son torpes, toman decisiones incorrectas o absurdas y te da igual si viven, mueren o se quedan a vivir en un camping. 

La técnica, fotografía y el sonido bien. Quizás no está demás llevar tapones a la sala de cine. Las palomitas ya son opcionales porque ver matanzas y estar comiendo puede parecer de mal gusto. 

Civil War es un blockbuster sustentado por las expectativas creadas que pueden verse defraudadas como suele pasar en cualquier aspecto de la vida. La película es entretenida, pero inane. La alianza presentada por el cineasta entre Texas y California para formar las llamadas Western Forces y derrocar a un eventual gobierno pudo salir de una noche de borrachera. Ahora bien, según está el mundo ya no podríamos descartar ningún escenario. Yo mismo tuve un sueño mientras dormía: Trump volvía a gobernar, se teñía el pelo de color negro y decidía invadir México. ¿Lo del tinte suena muy loco?

Nota: 4/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Acción, Bélica

Dirección: Alex Garland

Guion: Alex Garland

Música: Geoff Barrow

Fotografía: Rob Hardy

Duración: 110 minutos

Reparto: Kirsten Dunst,

Cailee Spaeny, Wagner Moura, 

Stephen MCKinley Henderson,

Nick Offerman, Jesse Plemons.

Fallen Leaves: un amor de cine

Fallen Leaves dirigida por Aki Kaurismäki se estrena en Filmin el día 19 de abril de 2024. El legendario director finlandés dedica su nueva película a una humana historia de amor premiada en Cannes.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Ansa es soltera y vive en Helsinki. Trabaja con un contrato precario en un supermercado, abasteciendo los estantes; luego clasifica el plástico reciclable. Una noche se encuentra con un solitario trabajador llamado Holappa, un alcohólico. Contra todo pronóstico y malentendidos, intentan construir una relación. 

La crítica: Woody Allen, y de paso todos los amantes del cine clásico, se sentirá pletórico al comprobar que en apenas 80 minutos Fallen Leaves consigue todos los propósitos de su sencillo y emotivo libreto. Nos hallamos ante un filme de autor que sin embargo ha conseguido ampliar su audiencia a amplias capas de público en diferentes partes del mundo. 

Hablamos de dos personas solitarias que se encuentran por casualidad en una salida nocturna e intentan encontrar el primer, único y último amor de sus vidas. Su camino hacia esta honrosa meta se ve empañado por el alcoholismo de Holappa, números de teléfono perdidos y la tendencia general de las trampas del destino de quienes buscan su felicidad.

Fallen Leaves gira sobre los temas a través de los cuales la humanidad podría tener un futuro: el anhelo de amor, la solidaridad, la esperanza y el respeto por las demás personas. La agresión de Rusia a Ucrania está muy presente a través de la radio de la protagonista. Cabe recordar que Finlandia es zona fronteriza con la Federación Rusa y el miedo a una agresión bélica está presente en la población. 

Otra de las cosas que ha enamorado de la película a los cinéfilos es que la sala de cine está muy presente. Una de las primeras citas de la pareja, como en La La Land, ocurre en el cine. Otras escenas también están rodadas en la puerta de la sala donde podemos ver algunos carteles de cine clásico. También aparece sin censura el consumo de cigarrillos, de alcohol y pequeños hurtos que hacen a la película políticamente incorrecta lo que se agradece en grado sumo. 

Alma Pöysti se graduó en la Academia de Teatro en la Universidad de Helsinki con una Maestría en Arte. Una actriz que sorprende con su interpretación de Ansa. Su personaje es el de una mujer que se gana la vida en trabajos precarios. No habla mucho, se muestra amable y sigue esperando al amor de su vida. Buen papel también de Jussi Vatanen que interpreta Holappa. Su personaje también es muy reservado, adicto al alcohol y de igual manera se busca la vida en trabajos donde suele ser despedido por la citada adicción. En el fondo hablamos de dos seres solitarios necesitados de amar y ser amados. 

Las canciones elegidas elevan el clímax de una manera notable. Una vez más se demuestra que el cine sin la música sería mucho menos cine. Las localizaciones son otra parte destacada en la técnica. Se complementan zonas industriales con la calidez del hogar de Ansa. 

Fallen Leaves es un bello cuento urbano que narra una bonita historia de amor de dos corazones solitarios destinados a encontrase. Las miradas pesan más que los diálogos. En definitiva, son dos personas que se conocen en la madurez y que han vivido algunas desilusiones por lo que deben armarse de un gran valor para arriesgarse a enamorarse a medida que van cumpliendo años. El final es tan hermoso y tierno que nos reconcilia una vez más con el séptimo arte.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Finlandia

Título original: Kuolleet Lehdet

Género: Romántico 

Dirección: Aki Kaurismäki

Guion: Aki Kaurismäki

Fotografía: Timo Salminen

Duración: 80 minutos

Reparto: Alma Pöysti, 

Jussi Vatanen, Anna Karjalainen, 

Kaisa Karjalainen, Janne Hyytiäinen.

Menudas piezas: notable comedia española con Alexandra Jiménez como reina del tablero

Menudas piezas dirigida por Nacho G. Velilla se estrena en cines españoles el próximo día 12 de abril de 2024. La cinta española se presentó en la 27ª edición del Festival de Cine de Málaga dentro de la sección oficial, fuera de concurso. 

🏆🏆🏆🏆🏆

La historia: Candela cometió el error de pensar que el ascensor social solo funciona en una dirección, la de subida. Y ahora, tras un traumático e inesperado divorcio, pierde su trabajo en un colegio de élite. Por eso Candela tiene que volver al barrio del que salió y pedir ayuda a su hermana y su padre, esos a los que lleva años mirando por encima del hombro.

La crítica: Algunas claves para que una comedia funcione deben pasar por la transgresión, también por una cierta amabilidad, por tocar algunos temas de actualidad, contener un guion con diálogos divertidos, confrontar clases sociales y sobre todo por convertir una situación dramática en algo ameno o hilarante para el espectador. En ese aspecto podríamos decir que Nacho G, Velilla supera de manera notable las claves de la buena comedia y por tanto consigue el objetivo del género. 

Menudas piezas está basada en una historia real ocurrida en 2018. Enrique Sánchez, un profesor de Instituto, apasionado del ajedrez, que aprendió a jugar con los huéspedes que se alojaban en su casa, transformada en pensión de estudiantes, consiguió una hazaña impensable: convertir a cinco alumnos de un colegio humilde, de un barrio obrero de Zaragoza, en jugadores de ajedrez que competían con la élite de otros colegios.

En la cinta reseñada se introducen los lógicos cambios para exagerar a los personajes. El profesor jubilado, pasa a ser el personaje de Candela que es una joven maestra que solo ha dado a clase en colegios de élite. En el grupo de muchachos nos encontramos de todo un poco. Se conjuga a un grupo de chicos excluidos y con problemas de integración escolar. Es decir a unas buenas piezas que encontrarán en el ajedrez su tabla de salvación. 

La superación personal, tanto de maestros como de alumnos, es el leitmotiv de una historia que además de risueña consigue ser conmovedora. La objeción principal del filme son los ciertos clichés que se ofrecen en la comparativa entre la educación pública y la privada. Sobre todo en el desarrollo de los personajes más por sus formas que por su fondo. Sin embargo se abordan con acierto temas como la integración racial, la sexualidad en los jóvenes o la propia precariedad social.

Alexandra Jiménez vuelve a reinar en la comedia española y sustenta con su interpretación la base cómica del relato. Una actriz que desde la aclamada "Toc-toc" no deja de superarse situándose como la reina del tablero nacional. Su personaje, Candela, ha sido siempre una luchadora. Su padre le enseñó a no rendirse y ella se esforzó en salir del barrio humilde donde creció. Y cuando creía haberlo conseguido -un buen trabajo, una casa de ensueño, una familia y una posición- su mundo se viene abajo al descubrir que su marido le es infiel. Tras años de sacrificio, pierde los nervios y le monta a su marido una escena con la que solo consigue perder el trabajo y la reputación que tanto esfuerzo le ha costado construirse. Se siente derrotada y su única opción es buscar refugio en la casa de su padre interpretado por un buen Francesc Orella, para descubrir que todos estos años ha estado huyendo del recuerdo de una infancia humilde y un entorno social degradado. Ahora llega el momento de redimirse a través de la enseñanza en la escuela pública e intentar sacar adelante a unos jóvenes con el mundo cuesta arriba. 

Otro personaje importante es Lope que está interpretado con solera por Luis Callejo. Su papel es el del director del Instituto Luís Buñuel en Zaragoza, aquel en el que estudió y al que ahora le intenta devolver todo lo que le dio. En esa labor se ha implicado veinticuatro horas al día desde hace años y se ha dejado la vida, las ganas y la vocación. Lope es de los que siempre ha visto la enseñanza como un servicio público y un ascensor social para los más desfavorecidos. Aunque él no lo sabe, quizás Candela sea el empujón que necesita para recuperar su motivación. O quizás sea el empujón que necesita para dejar la enseñanza. Completan el reparto de los adultos, María Adanez como hermana de Candela y Alain Hernández como la expareja de Candela que deja buenos momentos.

Los chicos y chicas hacen un buen trabajo en sus respectivos papeles. Destacaría a Pablo Louazel como el joven que con 16 años está a punto de cruzar esa delgada línea que separa al gamberro del delincuente. Si la enseñanza es un lastre para él, él también es un lastre para la enseñanza aunque también encontrará la redención a través del ajedrez. Y en la parte de las chicas destaca el papel interpretado con desparpajo por Rocío Velayos. Ella es una de las alumnas más populares del instituto. Viste, actúa y habla de forma provocativa. Se la puede reconocer fácilmente porque el botellón es su hábitat natural, la cachimba un complemento más y porque es la única del instituto que luce su embarazo como una prueba de que no es de las que piensa mucho las cosas.

En la parte técnica destaca la luminosa fotografía y las localizaciones que se sitúan en Zaragoza. La ciudad tendrá su pequeña recompensa en forma de recuerdo, ya que ha quedado hermosamente retratada en la película. También destaca la música y canciones elegidas. Entre ellas destacan temas de Ginebras, Amaral, Afro Juice, Luna Ki o el gran Serrat. 

Menudas piezas vuelve a situar a la comedia española en un buen nivel. La cinta es divertida, emotiva y con un ritmo adecuado. Con un buen reparto y una historia basada en la superación saldremos más que satisfechos de la sala de cine. El libreto está pensado para enfrentar de buen rollo a varias generaciones y que se vean retratadas ante el espejo. Nos hallamos, por tanto, ante una historia muy abierta, con grandes dosis de comedia y de emoción, que retrata muy bien el duelo generacional y la diferencia de clases sociales de sus divertidos personajes.

Nota: 7'5/10.

Nacionalidad: España

Género: Comedia

Dirección: Nacho G. Velilla

Guion: Nacho G. Velilla

Música: Juanjo Javierre

Fotografía: Andreu Ortoll

Duración: 100 minutos

Reparto: Alexandra Jiménez,

María Adánez, Francesc Orella,

Miguel Rellán, Alain Hernández, 

José Manuel Poga, Luis Callejo. 

Mayday Club: alocada comedia nórdica sobre el miedo a volar

Mayday Club dirigida por Hafsteinn Gunnar Siurðsgson se estrena en cines españoles el día 5 de abril de 2024. Sigurðsson es el realizador de las ingeniosas 'Under the tree' (Buenos vecinos), que pasó por Venecia o Toronto, 'Paris Of The North' o 'Either Way' (ganadora del Festival de Turín 2011).

👽👽👽👽👽

La historia: Un veterano de las fuerzas especiales, una tensa promotora inmobiliaria, una influencer con medio millón de seguidores y un acabado creador digital son enviados a un curso especial para afrontar su miedo a volar. El reto principal del curso incluye participar en un vuelo que va desde Londres a Islandia pero que terminará siendo una terrible experiencia. Perdidos en el remoto país, congelados y aterrorizados, entre todos deben encontrar la manera de enfrentarse a sus miedos y trabajar juntos para desplegar las alas y volar.

La crítica: La aerofobia es un miedo irracional a realizar un desplazamiento en un avión. Según el INE entre el 5% y el 6% de la población española, más de 2,5 millones de personas, padece ansiedad antes de tomar un avión. Con esta premisa, ideal para realizar comedia, Siurðsgson nos deja un alocado retrato que resulta inverosímil y por momentos fallido. 

Mayday Club trata sobre como superar el miedo a volar a través del humor. Ahí se encuentra el reto. Para ello, un grupo heterogéneo de pasajeros fóbicos está a punto de completar un curso terapéutico de alto nivel para superar su particular pánico a volar. El objetivo final del curso es realizar un vuelo de exposición de corta distancia en el que se enfrentarán a su fobia y, en teoría, vencerán su miedo de una vez por todas.

Los miembros del grupo, desconocidos entre sí, no sólo tendrán que enfrentarse a sus propios miedos, sino también a los comportamientos, a veces chocantes, de sus compañeros de viaje. A medida que las tensiones aumentan y los conflictos se intensifican, la trama que en teoría debería tener gracia, se va desinflando a medida que avanza la acción. Va pasando el tiempo y la cinta se limita a ser una sucesión de gags que en el mejor de los casos pueden levantar una ligera sonrisa. 

Los personajes y el reparto están encabezados por Sarah, buen papel de Lydia Leonard, que es una exitosa promotora inmobiliaria de 40 años. Necesita tenerlo todo bajo control, pero una nueva variable ha entrado en su vida y está aterrorizada por cómo podría alterar el frágil equilibrio que tanto se esfuerza por mantener: está enamorada y los vuelos en avión son necesarios para su vida laboral y amorosa. 

Edward (que es protagonizado por Timothy Spall) es un veterano de guerra traumatizado. El miedo a volar es, en cierto modo, la menor de sus preocupaciones, pero actúa como una lente a través de la cual los horrores de su pasado pueden verse con mayor claridad. Sara y Edward son los personajes mejor construidos ya que el resto se limitan a ser estereotipos: una pareja de “influencers” y el instructor del grupo. 

Nada que destacar en la técnica de rodaje. Si acaso, y en negativo, una oscura e insólita fotografía para ser una comedia. Los parajes nevados de Islandia, adonde se traslada el grupo desde Londres, tampoco son aprovechados y se limitan a algunos planos generales. 

Mayday Club me ha parecido un filme discreto que intenta quitar hierro a la aerofobia y supongo que ayudar a las personas que la padecen. Otra cosa es que lo consiga. Con un ritmo trepidante y un metraje muy ajustado, el cineasta trata de hilar una aventura divertida y excéntrica consiguiendo solo lo segundo que no parece mucho bagaje. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Islandia

Título original: Northern Comfort

Género: Comedia

Dirección: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Guion: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson

Fotografía: Niels Thastum

Duración: 95 minutos

Reparto: Timothy Spall, Lydia Leonard,

Ella Rumpf, Rob Delaney, Emun Elliott, 

Gina Bramhill, Sverrir Gudnason.