Concrete Utopia dirigida por Um Tae-hwase estrena en cines españoles el próximo día 2 de febrero de 2024. La cinta es la primera obra de un conjunto de películas y dramas que se agruparán bajo el concepto de 'Concrete Utopia Universe' y ha sido la seleccionada por Corea del Sur para intentar competir por el Oscar 2024 a Mejor Filme Internacional.
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La historia: Un enorme terremoto ha reducido el mundo a escombros. Si bien nadie sabe con certeza hasta dónde se extienden las ruinas, o cuál ha sido la causa del terremoto, en el corazón de Seúl tan solo queda un edificio de apartamentos en pie, el Hwang Gung Apartments. Con la llegada del frío, otros sobrevivientes comienzan a llegar a los apartamentos para resguardarse del desastre. Ante la avalancha de nuevos inquilinos y la amenaza de su propia supervivencia los residentes del edificio promulgan una medida especial para expulsar a todo el que llegue hasta allí.
La crítica: Aunque el libreto sea una alegoría sobre el egoísmo humano, Concrete Utopia se presenta como una ácida crítica contra la especulación urbanística en las grandes urbes. Y es que no hace falta que se produzca ningún terremoto, conflicto bélico o cualquier otra calamidad para que el acceso a la vivienda en las grandes urbes sea una misión imposible de manera especial para los más jóvenes.
En contraste con la pesadilla infernal que hay afuera, los "Apartamentos Hwang" se erigen como una utopía segura y pacífica en mitad del caos. Una utopía cuanto menos curiosa pues nos hallamos ante un filme que se asienta sobre un mundo distópico en el cual ya no existen las reglas, ni las leyes. Excepto las leyes creadas por los residentes:
1. Las viviendas son de los residentes y solo ellos pueden vivir ahí.
2. Los residentes deben cumplir sus deberes. Las raciones se distribuyen de acuerdo a las contribuciones de cada uno.
3. Todas las actividades en el complejo de apartamentos se basan en el consenso de los residentes. Los que no cumplan las reglas no podrán vivir allí.
Cuando los supervivientes del exterior se enteran de esto, comienzan a reunirse en los apartamentos Hwang Gung. Eso hace que los residentes originales del edificio empiecen a sentirse amenazados y decidan unirse para su supervivencia. Eligen a 'Yeong-tak' como el jefe de los residentes. Bajo su liderazgo, se prohíbe estrictamente la entrada de personas externas. Personas, por cierto, que están dispuestas a comerse a los muertos en un canibalismo que como ya explicaba no solo se produjo en la llamada "Tragedia de los Andes". En cualquier caso la narrativa no se centra en los supervivientes del exterior del edificio, sino más bien y de manera acertada en los conflictos internos de los que tienen techo.
Los personajes principales, aunque hay reparto coral, son Min-seong (Park Seo-joon) y Myeong-hwa (Park Bo-young), un marido y esposa que, casi sin previo aviso, se encuentran en lugares destacados de la jerarquía del edificio. Él dirige la seguridad, ella ayuda en sanidad, y todo está controlado por Yeong-tak (Lee Byung-hun), un hombre valiente que es elegido por el grupo. Buenas interpretaciones con carácter general.
El maquillaje y el vestuario ayudan a los actores a encarnar a sus personajes y facilitan al público a participar en la puesta en escena de la película. Aunque el rodaje fue en pleno verano, el contexto de la ola de frío que golpea Seúl después del terremoto, los actores tuvieron que vestirse con abrigos de invierno y ropa térmica. La recreación del seísmo es óptima y para darle un sentido realista a la escala, el equipo de producción decidió construir un conjunto de apartamentos, casi comparable a uno real.
Concrete Utopia me ha parecido un buen espectáculo enmarcado en una irónica reflexión sobre la propiedad privada. El cineasta presenta una amplia gama de personajes que, en su lucha por sobrevivir, toman diferentes y polémicas decisiones. Hablamos, en definitiva, de una historia con un desarrollo impredecible a medida que la trama se acerca al clímax y que se cierra con un rayo de esperanza en una humanidad cada vez más atomizada e irascible con su prójimo.
Hypnotic dirigida por Robert Rodriguez se estrena -sin saber la causa aún- en cines españoles el próximo día 27 de octubre de 2023. El filme es una coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido para el supuesto lucimiento de Ben Affleck que sigue en su loca carrera para acabar de destrozar su prestigio.
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La historia: Danny (Ben Affleck) es un supuesto vidente o hipnótico que no sabe ver que la van a robar a su hija delante de sus narices. Y se la roban. El resto de la película es una reunión de videntes tratando de encontrar a la niña que también es otra vidente en un bucle infinito. O sea, un circo.
Kepler Sexto B dirigida por Alejandro Suárez Lozano se estrena en cines españoles el día 16 de junio de 2023. Karra Elejalde (La vida padre) encabeza el reparto de esta fábula social que mezcla ciencia-ficción y humor al estilo de los Monty Python.
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La historia: Zai es una niña solitaria que vive con su padrastro en un barrio humilde. En el mismo edificio vive su peculiar vecino Jonás, un hombre solitario, que pasa sus días refugiado en su mundo imaginario creyendo que su piso es una nave espacial, la Orión, en un planeta extraño y lejano, Kepler, y él un astronauta de la NASA. El encuentro entre ambos devendrá en una especial amistad entre distintas generaciones.
La crítica: Aunque la cinta se asienta sobre el imaginario de la ciencia ficción, en realidad hablamos de unas crónicas terrícolas sobre la memoria, la amistad y la precariedad social en un nexo que une infancia y vejez de una manera muy sensible y emocional en el cierre circular.
Kepler Sexto B es la original ópera prima de Alejandro Suárez que, tras el éxito de sus cortos The Fisherman y Hidden Soldier, ha dirigido este primer largometraje con tono de fábula social y un mensaje de esperanza en la humanidad. Suárez explora, desde una estética particular, la herida que dejó la última crisis económica, a través del personaje de Jonás (Karra Elejalde), una suerte de Quijote que cree vivir en una misión interplanetaria, y su vecina Zai, una niña que convive con su tutor legal.
La cinta española bebe de la célebre novela de El Principito (publicado en 1943) escrita por Antoine de Saint-Exupéry. Como sabréis el libro trata sobre la sabiduría, el amor, la amistad, la vida, la muerte, la belleza o la tristeza. Citaré una frase que concuerda con el tono de la película, que por cierto, es bastante mejor que la forma de estar rodada. Decía Saint-Exupéry que: "Los hombres ya no tienen tiempo para conocer nada. Compran las cosas ya hechas a los comerciantes; pero como no existe ningún comerciante de amigos, los hombres ya no tienen amigos". Quizás ese canto a la amistad es lo mejor de Kepler Sexto B que incide, además, en la amistad intergeneracional.
El gran, Karra Elejalde, que no para de rodar, asume todo el peso de la cinta en una interpretación fabulosa. Casi siempre aparece solo en pantalla, aunque dialoga con las máquinas que ha reconvertido su personaje. Un Quijote de nuestro tiempo que representa la soledad, la locura y el abandono por parte de la sociedad. Un personaje que será guiado por una niña muy especial. Zaida es interpretada por Daniela Pezzotti con mucho acierto. Mención especial para Jorge Bosch que interpreta al violento y odioso tutor legal de la niña. Buen elenco.
En la parte técnica destaca el equipo de arte al convertir un piso del extrarradio de cualquier ciudad en una nave espacial. Se crea e imagina el mundo del planeta Kepler a través de los ojos de Jonás. A su vez se insertan imágenes desoladoras de un barrio marginal en contraposición a las maravillas del Universo. No obstante el sonido y algunos elementos de la decoración se sienten fallidos o demasiado simples.
Kepler Sexto B es una película que utiliza la fantasía para narrarnos de manera adecuada los destrozos de la crisis económica de la década pasada. Se retrata con acierto como la crisis pasó factura a miles de afectados por pérdidas de empleo, hipotecas impagadas, desahucios o abandono social. La crisis dejó una profunda herida social que nos ha marcado a todos. Una herida que aunque sigue sangrando, pandemia mediante, no ha impedido que la recuperación económica haya devuelto las ganas de viajar, consumir y, cómo no, de ir al cine para ver historias tan originales como la hoy reseñada.
Los invasores de otros mundos de Sherman A. Rose fue estrenada en el año 1954 en Estados Unidos. La película, cuyo título original es Target Earth, está enmarcada en el tradicional cine de los años 50 con la ciencia-ficción como marco de referencia. Hablamos de serie B pura y dura.
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Nora (Kathleen Crowley) es una joven mujer que recupera la conciencia tras un intento de suicidio. Cuando descubre que su edificio no tiene electricidad ni agua, sale a las calles de Chicago y las encuentra desiertas. En un momento dado, se encuentra con un hombre llamado Frank (Richard Denning). Éste, ha despertado después de haber sido golpeado en un robo. Así es como se conocen y llegan a la conclusión de que la ciudad ha sido evacuada ante una inminente invasión extraterrestre. Solos y confusos, comienzan a buscar ayuda para intentar huir de la urbe.
Como comentaba a raíz de la publicación de la retro-reseña de "Emisario de otro mundo", para poder entender este tipo de cine de una manera adecuada habría que situarse en el contexto sociocultural de la época en que estas películas fueron rodadas. Para ello, habría que viajar de manera imaginaria al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado. Allí y en plena guerra fría se mezclaban los miedos al estallido nuclear, con los miedos a una invasión extraterrestre. Esta situación mezcla de pánico y fantasía fue debida al incidente con el ovni de Roswell que acució las fantasías con todo lo que rodeó a "La guerra de los mundos" de H.G. Wells y la posterior emisión radiofónica que realizó Orson Welles.
En Los invasores de otros mundos nos encontramos de salida con la ciudad de Chicago desierta y con Nora totalmente desconcertada. Esta secuencia pudo ser tomada como referencia por Amenábar para rodarAbre los ojos. En ella, Eduardo Noriega atraviesa una Gran Vía de Madrid totalmente desértica es una de las escenas más icónicas del cine español. ¿Casualidad, homenaje o plagio?
El inicio del film es la parte más potente del mismo. Se produce un gran dominio de la escenográfia generando la tensión narrativa adecuada. Hablamos de unos 30 minutos de buen cine que se dilapidan cuando el primer invasor llegado de otro mundo aparece en escena. Hablamos de un robot procedente del planeta Venus que parece realizado por un niño de tres años en estado etílico. En esta parte la película toma forma de comedia involuntaria. Sin embargo, estos efectos especiales tan chapuceros propios de la serie B de la época, son los que convierten a este tipo de películas en una curiosidad cinematográfica.
En la fotografía superior observamos el cuidado vestuario que se utilizaba en aquella época. Los hombres solían aparecer trajeados y las mujeres con vestidos chic acompañados de zapatos con tacones. El mundo se podía estar derrumbado pero la elegancia no entendía de invasiones. Este tipo de películas solía tener en el reparto a actores no muy conocidos. El presupuesto no daba para pagar a grandes estrellas de Hollywood.
Además de los mencionados actores Richard Denning y Kathleen Crowley como protagonistas, hay más humanos en pantalla. Nora y Frank, sus personajes, se encuentran con otra pareja. Son Jim (Richard Reeves ) y Vicki (Virginia Gray). Éstos se ha pasado la noche bebiendo por lo que aún están borrachos y por ello tampoco pudieron unirse a la evacuación de Chicago. Deciden formar un grupo, aislarse en un hotel y esperar a que el ejercito actúe. Como comentaba, no hay ninguna interpretación que fuera muy destacable. Si acaso mencionar a la actriz americana Kathleen Crowley a la que vemos atacada por el ridículo robot de la imagen inferior. Cabe interpretar que el bicho es varón por lo que lleva en la entrepierna.
En conclusión, Los invasores de otros mundos (insólita traducción de Target Earth) es una cinta bastante irregular en su totalidad, pero que cuenta con una premisa muy divertida para los amantes de la serie B dedicada a la ciencia ficción. Un película en definitiva bastante marciana que se convierte por méritos propios en un delicioso placer culpable.
Dirección: Sherman A. Rose
Nacionalidad: Estados Unidos.
Guion: James H. Nicholson
Duración: 75 minutos
Música: Paul Dunlap
Fotografía: Guy Roe (B&W)
Reparto: Richard Denning,
Kathleen Crowley, Virginia Grey,
Richard Reeves, Robert Roark,
Mort Marshall, Arthur Space,
Whit Bissell, James Drake
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P.D. La crítica de 'Los invasores de otros mundos" nace del inspirador artículo de David Rubio Sánchez sobre H.G. Wells. El escritor fue uno de los padres de la ciencia ficción. Asimismo la reseña que acabáis de leer participa fuera de concurso y en la sección 'Otras participaciones' de la XXVIII edición del concurso literario El Tintero de Oro.
Chaos Walking dirigida por Doug Liman se ha estrenado (por desgracia) en cines españoles el pasado día 30 de abril. La película, protagonizada por Daisy Ridley y Tom Holland, lleva una década intentando realizarse tras diversos parones y cambios en el montaje. Todo ello, solo ha servido para aumentar el caos de un libreto que parece escrito por un niño de 3 años con síntomas de embriaguez. Eso, en el mejor de los casos.
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La historia: En Prentisstown, Todd ha crecido creyendo que la "Masilla" fue la responsable de liberar un germen que asesinó a todas las mujeres y contagió con el "ruido" al resto de los hombres...
Aunque en este apartado de "La historia" no suelo transcribir la sinopsis oficial de la película, hoy he querido colocar la apertura de la distribuidora para comprobar si alguien sabe donde está Prentisstown o me puede explicar qué es la Masilla. Lo del "ruido" ya lo explicaré luego.
La historia real es la siguiente:
2257 d.C. Nos presentan un planeta llamado "Nuevo Mundo" al que han huido algunos habitantes de La Tierra pero en el que las mujeres no han sobrevivido. Allí vive Todd Hewitt (Tom Holland) con su perro. De repente, se encuentra a una rubia (Daisy Ridley) que ha aterrizado misteriosamente en su planeta. El resto es fácil de imaginar: muchos hombres corriendo detrás de la rubia, el muchacho se dedica a protegerla y el pobre perro corre que te corre por todo el planeta persiguiendo a los tortolitos.
La crítica: El perro se muere. Lo digo para acabar con el sufrimiento lo antes posible. Con eso, un interprete menos que analizar. Descanse en paz el pobre chucho y a ver si consigo explicar alguna cosa.
Basada en el libro de Patrick Ness, El cuchillo en la mano, nos hallamos ante una de las películas más estúpidas que he visto en los últimos años. La cosa es que en este planeta todos pueden escuchar los pensamientos de los demás. A esto se le denomina "el ruido". Además, este ruido se puede ver a través de las exhalaciones que emiten las personas al respirar.
El cineasta le pone colores al ruido como si el espectador tuviera algún tipo de retraso mental y no supiera identificar lo que son solo pensamientos y lo que es el lenguaje oral. Aún así, el galimatías es tremendo. De esta manera nos encontramos en un poblado primitivo lleno de hombres hablando mucho y a su vez emitiendo pensamientos en voz alta. Si la cosa ya estaba jodida, para colmo, llega una terrícola rubia en una nave y como es de suponer se lía la de Dios.
La rubia lo flipa en colores y sale de allí como alma que lleva el diablo. No hay más. El resto del bodrio se resume en lo siguiente: una rubia corriendo durante toda la película acompañada de un muchacho que se recorre todo el planeta para intentar que ésta le de un beso. De follar, ni hablamos.
Al pobre perro le asfixian de tanto correr. Algunos lugareños mueren exhaustos de tanta carrera y los que quedan vivos se vuelven por donde habían venido. Total, que tras este maratón cinematográfico el cineasta tiene la brillante idea de dejar el final abierto con los jóvenes a punto de besarse. Desde luego que la rubia es dura de cojones y el chaval un plasta de marca mayor. Habrá que esperar a la segunda parte para ver si se besan, a la tercera para ver si hacen el amor y a la cuarta para ver si nace un bebé mutante que sustituya al pobre chucho. Por mi parte, no tengo nada más que añadir.
Nota: 1/10 (el uno por el papel del perro)
P.D. Este engendro cinematográfico ha necesitado seis guionistas que merecerían la misma suerte que el chucho o al menos unos años de cárcel.
Vivarium es un filme estadounidense dirigido por Lorcan Finnegan que se estrena en cines virtuales el próximo 8 de abril. La iniciativa parte de A Contracorriente Films ante la crisis del coronavirus. La película llegó a estrenarse en los cines de Francia y ahora llega a las plataformas de Movistar+, Vodafone y Rakuten.tv. También podrá verse en la Sala virtual de Cine y si se reabren las salas durante el mes de abril o mayo podrá estrenarse también de manera convencional en los cines.
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La historia: Tom (Jesse Eisenberg) y Gemma (Imogen Poots) son una joven pareja que deciden dar el paso de irse a vivir juntos. Para ello, visitan una inmobiliaria donde los recibe un extraño tipo que les acompaña a Yonder. Esta, es una nueva urbanización donde todas las casas son idénticas. De repente, el agente de ventas se esfuma y la pareja queda atrapada en la laberíntica urbe donde nada es lo que parece.
La crítica: Cuando un servidor pensaba que lo había visto todo en la vida y en el cine, los acontecimientos vividos durante el último mes demuestran que la realidad supera con creces a la ficción. Vivarium es un filme tan novedoso y extraño que también rompe la premisa de que en el cine estaba ya todo inventado.
Un vivarium es un área, generalmente cerrada, para guardar y criar animales o plantas para observación o investigación. Frecuentemente, se simula en una pequeña escala una porción del ecosistema de una particular especie, con controles para condiciones ambientales.
Nunca sabremos si nuestra especie es una enorme granja humana dirigida por un Dios o si simplemente somos un accidente de la Naturaleza que nos permite habitar por el momento sobre el planeta azul.
La premisa del filme es muy original y apenas se puede encontrar alguna referencia en el marco estético con El show de Truman. Lo demás es muy novedoso. Tom y Gemma están atrapados en una urbanización sin vida. Tras dar vueltas y vueltas con el coche para encontrar la salida deciden pasar la noche en una de esas idénticas casas. Al despertar y salir a la calle se encuentran con una nueva sorpresa. Un bebé con estas instrucciones: "criad al niño y seréis liberados".
Vivarium nos habla de manera distópica de la supuesta vida ideal que ha calado en la sociedad actual. Casas con jardín, buen posicionamiento social y un buen coche en la puerta. Es el cebo que conduce a muchos a la trampa de hipotecarse de por vida. Las áreas naturales se destruyen para dar paso a filas de casas idénticas. Son laberintos para que una sociedad atomizada viva su días sin pararse a pensar. Comemos alimentos procesados envueltos en plástico, los medios nos llevan al pensamiento único y el propio consumismo nos consume como especie.
Vivarium se alimenta de estas ideas. La narrativa las amplifica y lo ordinario se hace extraordinario a través de la lente de la ciencia ficción. Hablamos de una historia surrealista y retorcida que es también oscuramente humorística. Un universo hipnótico reflejado con gran inteligencia emocional.
En el reparto destaca Imogen Poots (Jane Eyre). La actriz británica fue galardonada en el pasado Festival de Cine Fantástico de Sitges por este papel. La complejidad de su personaje radica en que se ve obligada a ser madre de un niño tan siniestro que dan ganas de rebanarle la cabeza. Este papel es interpretado de manera maestra por el niño Senan Jennings. Sin duda, se coloca como uno de los favoritos a mejor actor revelación del año en curso. Un personaje realmente terrorífico y que aporta también novedades respecto a porque los niños siniestros asustan tanto en el cine. Por último, un irregular Jesse Eisenberg (Café Society) ocupa el papel del desconcertado "hombre de la casa".
En conclusión, Vivarium me ha parecido una perfecta crítica a la sociedad de consumo y un retrato descarnado del matrimonio como institución. Pero si por algo destaca la producción es por las altas dosis de suspense y por el mensaje que nos deja sobre el recorte de las libertades civiles. Su final redondo y circular completan una experiencia muy sorprendente.
Hoy tenemos el placer de recibir en Cine y críticas marcianas al cineasta español Manolo Munguía. Debido a las circunstancias excepcionales que vivimos a cuenta de la grave situación de salud pública la entrevista se ha realizado a través de medios telemáticos.
Con estudios de Ingeniería de Telecomunicación en Santander y Dirección de Cine en Barcelona, Manolo Munguía ha participado en diversos cortometrajes como Director de Fotografía ("Colmillos de Felpa" o "Envidia") y ha dirigido dos cortos con presencia en festivales de cine internacionales. Fueron "GOW" y "ROTA" y están disponibles en Youtube.
Su debut en el largometraje se produjo con la película "H0us3". Se estrenó en cines durante el otoño pasado y podéis leer la crítica que realicé en el siguiente enlace. Sin más preámbulos, os dejo ya con la entrevista.
Hola, Manolo. En primer lugar te quiero felicitar en nombre de los lectores de Cine y críticas marcianas por tu ópera prima.
Muchas gracias a vosotros por vuestro tiempo.
También quiero agradecerte de forma muy especial la concesión de esta entrevista telemática en estos tiempos tan complejos para la salud pública. Para situar en el contexto adecuado al lector que aún no conozca “H0us3”, ¿cuál es el argumento central de la película?
Bueno, aviso que voy a soltar algún spoiler (no todos) para captar más interés. La historia trata de unos antiguos compañeros informáticos de Universidad que quedan para verse después de muchos años. Uno de ellos les confiesa haber desencriptado un archivo de Wikileaks imposible de abrir. Ante la incredulidad del resto del grupo, les enseña algo que ha encontrado dentro: una aplicación móvil que puede ver lo que va a pasar 30 segundos en el futuro. A partir de ahí, todo se complica.
¿Cómo surgió el proyecto o la idea del filme y qué mensaje tratas de transmitir con este largometraje?
Siempre quise hacer un largometraje. Después de estudiar cine, ayudar en algunos cortos y dirigir dos de ellos, me decidí a lanzarme a rodar el largo. Animo desde aquí a todos los cortometrajistas a hacer lo mismo.
Creo que toda película debe cumplir con tres principios: Formar, Informar y Entretener. Nuestra película “Forma” sobre todo al comienzo de la peli, donde tratamos de explicar los conceptos más básicos de seguridad de redes. También “Informa” al espectador de la existencia de los archivos de Wikileaks, los “Insurance Files” y de los peligros de Internet. Y por supuesto “Entretiene” en cuanto da el salto a la ciencia ficción. Me doy por satisfecho si el espectador, después de ver la película, decide cambiar sus contraseñas por unas un poco más seguras.
Durante el filme, un personaje pronuncia la frase clave: “Este es el peso de hacerse adultos”. ¿Cuándo somos conscientes de ese peso y qué responsabilidades conlleva para las nuevas generaciones?
Creo que a medida que nos hacemos adultos, vamos pasando de Idealistas a Realistas. Creo que la clave es encontrar un punto de equilibrio: mantener sueños y metas en nuestra cabeza pero sin perder de vista las reglas de la realidad del mundo en el que vivimos.
Con respecto a las nuevas generaciones: mi abuelo no llegó a entender cómo funcionaba el video VHS. Mi padre usa lo mínimo en su iPad y se lía en cuanto le sacas de lo más básico. Creo que las nuevas generaciones nos adelantarán del mismo modo. Nos costará el triple que a ellos entender las últimas novedades en tecnología.
Fotografías por cortesía de Manolo Munguía y Ghostdog
La película cuenta con una secuencia inicial de aproximadamente 45 minutos de duración. ¿Cómo conseguiste que tuviera el tempo narrativo perfecto y cuánto tiempo llevó la grabación de este segmento de la producción?
Te refieres a la escena de la cena, con la mesa en el comedor, ¿verdad?
Así es.
Es una escena en la que se tocan los temas más interesantes y punteros de las nuevas tecnologías, y la conversación deriva poco a poco en lo vulnerables que somos en las redes sociales. De ahí a Anonymous. De ahí a Assange, a Wikileaks, y a sus “Insurance Files”. Lo más importante era conseguir que el espectador no se aburriera al aprender ciertos conceptos básicos, y también que poco a poco fuera cogiendo interés en estos archivos tan secretos. Que, por si alguien tiene dudas, son de verdad y se pueden descargar.
Rodamos esa escena en unos 7 días, con muchísimos planos y tiros de cámara distintos para que el espectador no se aburriese de ver siempre el mismo plano. La magia final la puso Sergio Martínez, que editó toda la peli dándole el dinamismo requerido.
¿Cómo fue la selección de este sorprendente grupo de jóvenes actores? ¿Han salido amistades de ese intenso rodaje con un reparto tan coral?
Orson Welles recomendaba tratar al equipo de rodaje como si se tratase de una familia. Yo he intentado hacer lo mismo. Arrancamos la elección del reparto con Cristina Raya, porque desde la escuela de cine es una fija para nosotros. Cristina nos presentó a Víctor Gómez, que además de coger un papel en la película, nos ayudó muchísimo con el casting, porque conoce a muchísimos actores. De unos llegamos a otros y así poco a poco cerramos el casting. No llegamos a publicar ningún anuncio ni nada parecido, fue todo boca a boca. Y los actores se apuntaron principalmente por el guión. Porque era algo fresco y novedoso.
Estoy enormemente satisfecho de decir que todavía tenemos un grupo de Whatsapp donde vamos poniendo temas relevantes y los actores son los que más presencia tienen en redes sociales. El otro día (antes de la cuarentena) montamos una cena para celebrar los dos años del comienzo del rodaje.
También quiero decir que a nivel personal estoy extremadamente contento con el resultado de los actores. Estoy totalmente convencido de que he podido contar con más de un diamante en bruto, actores que subirán como la espuma en pocos años.
¿Qué sucedió para que no se pudieran hacer más tomas exteriores de un paraje tan bello como es Vega de Liébana en el Norte de España?
Ese es un tema sensible porque yo soy de Cantabria. Me dio mucha rabia pero fue una cuestión de tiempo. Teníamos los permisos para rodar en el Mirador de La Hermida en Santa Catalina, en el Mirador del oso pardo y el Monumento al salmón, también en el desfiladero de la Hermida. No pudimos hacer ninguno de esos planos por problemas de tiempo. Es lo que tiene rodar una peli con tantos planos en tan solo 18 días. Fue una pena no poder sacar más exteriores de mi tierra.
“H0us3” ha sido reconocida y premiada en diversos festivales. Hubo una buena recepción general entre la crítica, pero algún reportero no supo comprender la escasez de recursos económicos que casi toda ópera prima independiente conlleva. Alguna crítica, por ello, fue ofensiva e injustificada en su agresividad. ¿Cómo has llevado esta dualidad emocional de buenas críticas y galardones con las críticas que han sido menos buenas?
He de admitir que los premios que estamos recibiendo en los festivales de cine nos llenan mucho, porque es gente que nos valora de una forma totalmente objetiva. Y que después de revisar cientos y cientos de películas que han recibido, eligen la nuestra. Por ejemplo, hace mes y medio estuvimos en el festival de Praga de Ciencia Ficción “Future Gate”. Competíamos con “H0us3“ contra "The Last Sunrise" (la peli china independiente del 2019) "Little Joe" (Mejor Actriz en Cannes 2019), "Vivarium" (con Jesse Eisenberg), "Color out of space" (con Nicholas Cage) y "Synchronic" (de Justin Benson y Aaron Moorhead, con Jamie Dornan). Y ganamos el Premio del Público. Les encantó. Por encima de todas las anteriores.
Llevamos 19 premios de festivales de cine y nunca pensamos conseguir tanto.
Respecto a las críticas negativas, creo que es un tema ligado a la madurez de cada persona. Yo personalmente valoro cualquier tipo de crítica, siempre y cuando sea constructiva. Una crítica ha de venir con una propuesta de cómo se podría hacer mejor las cosas. Las críticas “destroyer” que hemos recibido en algunos casos (“La peor película de la historia”, “Todo mal” y cosas así) no nos aportan nada. Las respetamos, como cualquier opinión, pero ahí se quedan.
La película, tras su estreno en España, ha gustado mucho en Rusia por las noticias que me llegan a través de Twitter. ¿Cómo está siendo la aventura rusa del filme? ¿Te ha sorprendido este éxito en un mercado tan gigantesco como es el ruso?
Estuvimos en el mercado de cine de Málaga de 2019 y allí nos la compró una distribuidora rusa. Tuvieron que doblarla y aplazaron el estreno varias veces, pero por fin salió en cine en Diciembre de 2019. Las salas se llenaban con Star Wars y con Jumanji y nuestra peli no tuvo el público que nos hubiera gustado, pero aún así la vieron más de 4000 rusos en cines. En Enero salió en VOD en iTunes y ahí ya llegó a mucha más gente. A los actores les han aparecido fans en Rusia y a nosotros nos ha escrito gente directamente, dándonos la enhorabuena por la peli. Y por supuesto también tenemos “haters”, que se esperaban explosiones y robots gigantes.
¿Cómo se puede ver la película de manera online? ¿Has negociado ya con Netflix u otras plataformas? ¿Saldrá en DVD o en otros formatos físicos?
Neflix nos dijo que no estaban interesados, a pesar de que a mucha gente nuestra película le recuerda a Black Mirror. “H0us3” se puede ver desde España en la plataforma “Planet Horror”, que creo que está preinstalada en las TVs Samsung desde 2018. Link directo: H0us3 en Planet Horror
La plataforma requiere una suscripción anual de 20€ con lo que se queda en menos de 2€ al mes: o sea que hay que pagar pero es muy barata.
De momento no tenemos pensado el lanzamiento en formato físico, simplemente porque nos hemos quedado sin dinero. Pero es algo que me gustaría poder hacer más adelante, una edición muy limitada, solo para coleccionistas.
¿Qué significa para ti el cine y qué te impulso a ser cineasta?
Adoro el cine desde que era niño, es sin duda alguna mi gran pasión. Quise estudiar cine con 18 años pero era muy complicado desde Santander así que estudié Telecomunicaciones. En realidad los mundos del cine y de las telecomunicaciones son perfectamente compatibles. Años después, ya en Barcelona, pude compaginar mi trabajo con los estudios de Dirección Cinematográfica.
De acuerdo con algunas estimaciones, la crisis del coronavirus podría suponer una pérdidas de hasta 5.000 millones de dólares según informa The Hollywood Reporter. ¿Cómo ves la situación de la industria cinematográfica en España y que petición harías al Ministerio de Cultura?
Creo que esta crisis nos va a afectar a todos. A unos más que a otros, pero a todos. Mi petición a Cultura sería ayudar a potenciar proyectos independientes como el nuestro. Un cortometraje se puede hacer en un fin de semana, con cuatro amigos y donde todos saben que nadie cobra nada. Pero es muy difícil levantar un largometraje serio si no eres nadie y si no tienes un padrino que te avale. Nosotros fuimos con nuestros ahorros, con un préstamo de La Caixa que seguimos pagando y con una pequeña ayuda del Gobierno de Cantabria. No conseguimos nada del ICAA ni del ICEC. Amenábar consiguió 1,4M€. Con el 1% de esa ayuda nos hubiera dado para un par de días más de rodaje y podríamos haber rodado las escenas de exteriores que nos faltaron.
¿Qué proyectos tienes entre manos en el mundo del cine o de las series?
Invertimos todos nuestros ahorros para hacer la película y a pesar de que fue muy “barata” para el mundo del cine, de momento hemos recuperado aproximadamente el 15% de lo invertido. Cualquier proyecto futuro depende de que recuperemos el 100% o más.
Por último. ¿Qué sentiste al ser premiado con un galardón tan suntuoso como el Premio Marciano al Mejor Director Novel 😂? ¿Te decepcionó que el premio se vaya a pagar con dinero del Monopoly?
Nos encantó el premio en cuanto lo vimos y se lo comunicamos a todo el equipo. Cualquier premio es extremadamente reconfortante para nosotros porque significa que nuestra peli gusta. Lo que importa no es el premio material sino la visibilidad que nos da en las redes, de igual forma que esta misma entrevista.
Como buen apasionado de las nuevas tecnologías tengo gafas de realidad virtual en casa, un dron, aplicaciones de realidad aumentada y por supuesto una impresora 3D. Sigo pensando en diseñar un trofeo con vuestro logo en 3D e imprimirme el premio en filamento de cobre o algo así 😂.
TEST PERSONAL
Tu película preferida de todos los tiempos
Sed de Mal
Una película para tiempos de crisis
Propongo “The Man From Earth” porque es una gran desconocida y a nosotros nos inspiró mucho. También “Coherence” y “The Invitation”
Tu actor preferido
Aunque ya no actúe, sigo teniendo predilección por Michael J Fox.
Tu actriz preferida
Te voy a sorprender. Me quedo con Miriam Tortosa, nuestra “Mony” en “h0us3”.
¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?
Me hubiera encantado estar en el rodaje de Sed de Mal, por supuesto. Sobre todo la noche del rodaje del plano secuencia del comienzo, que repitieron una y otra vez hasta que empezaba a asomar la luz del alba.
Tu festival de cine predilecto
El Future Gate de Praga. Totalmente recomendado.
La sala de cine más bonita que hayas conocido
El Cine Coliseum de Santander. Tengo muchísimos buenos recuerdos de mi infancia en ese cine. Las mejores películas las vi ahí.
Cine, teatro o series de televisión
Los tres. Es como primer plato, segundo plato y postre. Los tres.
Un libro que te gustaría recomendar
Me encantó y recomiendo “This is Orson Welles” de Peter Bogdanovich. Me inspiré en ese libro para hacer mi primer cortometraje “GOW”
Tu plato de comida preferido
Tortilla de patatas
Tu deporte preferido
Solía hacer Judo, pero los años pesan…(risas)
Tu canción favorita
Creo que la canción que más habré escuchado es “It's Gonna Kill Me” de Filter
Una ciudad para vivir
Santander
Una ciudad por conocer
Tokio
Una ilusión por cumplir
Viajar a Japón
Muchísimas gracias Manolo por esta completísima entrevista y mucha suerte con tus futuros proyectos. Nos despedimos ya con el tráiler de la película y con el original póster con el que se presentó la película en Rusia.
La valía de un hombre se mide por la cuantía de soledad que le es posible soportar. -Friedrich Nietzsche.
La ingeniera Norah Price (Kristen Stewart) se convierte en la líder de facto de un grupo de supervivientes después de que un desastre natural los golpee y los obligue a huir de la plataforma minera donde han estado viviendo. A 8.000 metros de profundidad, el grupo lucha por encontrar una forma de contactar con la superficie con la esperanza de que los rescaten. Pero no tardan en comprender que una peligrosa marcha por el fondo del mar podría ser su única forma de sobrevivir. Aterrorizados, Norah y el grupo empiezan a asumir que también se enfrentan a un tipo de amenaza muy diferente. Una amenaza biológica con siglos de existencia desconocida que vive en las profundidades más oscuras. De repente, las posibilidades de escapar se vuelven aún más remotas.
Underwater, mira siempre de reojo a Abyss de James Cameron. La cinta parte como una ambicioso proyecto en el que se mezclan los géneros de la ciencia-ficción, del terror y del clásico cine de aventuras.
William Eubank fue seleccionado para dirigir la producción. Después de su debut en la película independiente Love, el escritor, director y cinematógrafo triunfó con su segundo largometraje llamado: "La señal". Este, era un siniestro thriller de ciencia ficción que causó un gran impacto cuando se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2014.
Underwater parte con un hándicap de salida muy importante. Su oscura fotografía -muy oscura- en tonos verdosos dificultan el visionado de lo que está sucediendo en pantalla. Justificar el terror o el suspense mediante este barato ardid puede resultar exasperante para el espectador. La narrativa, sin embargo, es fluida y la escalada del miedo se produce de manera orgánica y estructurada.
La claustrofobia buscada por el cineasta se hace presente desde el comienzo del filme. Es de esta manera como empatizamos con la tripulación de la expedición minera Kepler. La misión era compleja: treinta días confinados en los estrechos pasillos de una plataforma submarina construida para soportar las enormes presiones de las perforaciones que se realizan en el fondo del mar. Pero cuando se produce un terrible maremoto, las alarmas se disparan cuando torrentes de agua destruyen y anegan la estructura de hormigón armado. Comienza una desesperada huida -narrada con precisión- de la tripulación que trata de llegar por el lecho marino hasta una lejana plataforma abandonada. Allí, si llegan, tratarían de usar las cápsulas submarinas de rescate para salir con vida a la superficie marina. Hubiera sido un detalle que la narrativa expresada se hubiera podido visionar con un mínimo de calidad.
La parte más positiva de Underwater es que el suspense siempre va de menos a más. La música del compositor Marco Beltrami ayuda con fuerza a ello. Observamos como el peligroso viaje se vuelve aún más arriesgado cuando empiezan a sospechar que no están solos bajo las olas. Algo les sigue de cerca y está listo para atacar en cualquier momento. El espectador se involucra. La tripulación esta atrapada en un peligrosa persecución de un misterioso depredador submarino. La cinta deja a la imaginación de espectador si el ente que les persigue es de origen extraterrestre o forma parte de la fauna de las profundidades marinas.
Kristen Stewart carga con todo el peso del reparto de una manera ágil y muy trabajada. Ya no es la indolente actriz adolescente que tanta división causaba entre el público. En Café Society del maestro Woody Allen ya demostró que era una actriz con variedad de registros. En Underwater, que como película es bastante mediocre, la exigencia física del papel requería que la actriz se sometiera a un entrenamiento muy duro. Además, fue la propia Stewart la que decidió raparse el cabello y teñirse de rubio. Su aspecto y su interpretación son contundentes. De hecho, es lo que salva a la cinta del naufragio submarino. Poco o nada que destacar en el resto del reparto. Si acaso mencionar al veterano actor francés Vincent Cassel. Interpreta a Lucien que es el capitán de la Estación Kepler y que acompaña a Norah en esta terrible situación. Se trata de un buen conocedor del terreno y que está decidido a salvar la vida de todos sus compañeros. El cineasta con estos dos personajes pone en valor la experiencia de los más veteranos con el arrojo de los más jovenes. Con ello, trata de involucrar a públicos con diferentes franjas de edad.
En la parte técnica de Underwater, Naaman Marshall hace un buen trabajo en el diseño de producción. Marshall logra estructurar de manera adecuada los entornos inmersivos que ayudan a transportar al espectador a los espacios reducidos en los que se desarrolla la historia. Los efectos visuales destacan en la creación de las terroríficas criaturas marinas que acosan a la tripulación. Pero todo este buen trabajo queda parcialmente anulado por la deficiente fotografía de Bojan Bazelli. Underwater juega a ser una especie de tratado en contra de la explotación de los fondos marinos. Si bien, entonces, su mensaje puede ser solido, su narrativa es demasiado previsible para un filme que intenta hacer del suspense su principal baza narrativa. Al menos, eso sí, su final es esclarecedor y deja atados todos los cabos sueltos en un guion bien resuelto pero tan simple como el cerebro de Donald Trump.
Nota: 5/10.
Nacionalidad: Estados Unidos
Dirección: William Eubank
Guion: Brian Duffield
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Bojan Bazelli
Duración: 95 minutos
Estreno EE UU: 10/01/2020
Estreno España: 31/01/2020.
Reparto: Kristen Stewart,
Vincent Cassel, Jessica Henwick
T.J. Miller, John Gallagher Jr.
"Si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías". Woody Allen.
Terminator: destino oscuro llega a las carteleras de los cines españoles el día 31 de octubre de la mano del cineasta Tim Miller. El actor metido a político, Arnold Schwarzenegger ycon 72 años a cuestas, vuelve al cine en la sexta entrega de la saga que le dio la celebridad mundial.
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La historia: Tras los sucesos ocurridos en Terminator 2, y obviando lo ocurrido en la tercera, cuarta y quinta parte de la saga, Sarah Connor (Linda Hamilton) se ve obligada a luchar del lado de Grace (Mackenzie Davis). Esta mujer es un híbrido entre humano, cyborg y Donald Trump. De ellas, dependerá el futuro de la humanidad que está gravemente amenazado por un nuevo y poderoso Terminator (Gabriel Luna).
En su camino, además, tendrán la ayuda del modelo T-800 (Arnold Schwarzenegger) para acabar de montar el circo o el lamentable despropósito perpetrado por Tim Miller.
La crítica: Si alguna vez me encuentran ahorcado en el cuarto de baño de un cine, que me encontrarán, será por culpa de películas tan feas, desagradables, oscuras, violentas y repetitivas como Terminator: destino oscuro. No tengo más que decir. Fin.
Nota: 1/10 (el uno es porque sale la actriz colombiana Natalia Reyes y también para su maquillador)
Nacionalidad: Estados Unidos.
Director: Tim Miller.
Guión: David S. Goyer, Josh Friedman,
Billy Ray, Justin Rhodes
Música: Junkie XL
Fotografía: Ken Seng
Duración: 128 (interminables) minutos
Reparto: Mackenzie Davis,
Linda Hamilton, Gabriel Luna
Arnold Schwarzenegger, Natalia Reyes
Géminis dirigida por el cineasta Ang Lee tiene su estreno mundial el próximo 11 de octubre. En Cine y críticas marcianas ya está disponible la crítica de la nueva película protagonizada por Will Smith.
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Henry Brogan (Will Smith) es un mercenario de élite al servicio de los Estados Unidos. De repente, comienza a ser perseguido por un agente secreto que parece ser capaz de predecir sus movimientos. El hombre que quiere acabar con su vida cuenta con unos rasgos faciales casi idénticos a Henry. Con la ayuda de la agente federal Danny (Mary Elizabeth Winstead), intentará averiguar qué está sucediendo.
El cine, como la vida, es extraño. Cuando el director taiwanés Ang Lee dirigió la poética historia narrada en Brokeback Mountain se hacia difícil pensar que pudiera rodar un filme tan comercial como es el reseñado hoy. Pero si observamos su trayectoria, poco a poco, se ha ido deslizando por un terreno peligroso en lo narrativo aunque brillante en lo visual.
En esta ocasión, utiliza un filme de acción con toques de ciencia-ficción para trasladar su mensaje anti-bélico. Ya lo hizo en la desapercibida producción Billy Lynn y ahora lo vuelve a intentar. La cinta se centra en el personaje de Henry Brogan. Como comentaba en la breve sinopsis, él es un legendario asesino a sueldo del gobierno. Está en el ocaso de su carrera y atormentado por el considerable número de trabajos que ha realizado. Cuando informa a sus responsables que va a retirarse del servicio activo, Henry se convierte en la presa del único asesino de todo el planeta que tiene la capacidad de acabar con él: un clon de sí mismo, de 23 años de edad, con la orden de eliminarlo.
Géminis es una cinta con dos vertientes que no encuentran un nexo de unión. Por un lado, es brillante en la parte técnica en un filme rodado a 120 fotogramas por segundo que usa el sistema HFR (High Frame Rate). Pero por otro lado, nos encontramos con una historia con demasiados lugares comunes vistos ya en el cine de espionaje.
Y es que la historia tiene una premisa demasiado débil para llegar a provocar emociones que vayan más allá del puro entretenimiento. Es decir, un agente secreto que ha dado todo por la patria y cuando decide retirarse su gobierno se lo trata de impedir por ser portador de información demasiado relevante. Hasta ahí nada nuevo. Sin embargo, la mayor o única aportación narrativa relevante es la utilización de la clonación humana para formar al soldado perfecto. Ang Lee intenta transmitir de esa manera su visión del mundo en materia de defensa nacional. O más bien trata de adelantar un futuro en el que ya están trabajando los ministerios de defensa en buena parte del mundo.
En el reparto, Will Smith carga con todo el peso de la cinta en un doble papel. No solo interpreta al protagonista, el sicario de cincuenta años que se jubila, sino también -a través de una vanguardista tecnología- a su antagonista. Junior es una versión de sí mismo de 23 años de edad que le persigue por tres continentes distintos. La cinta, por tanto, es también una road-movie circular que termina por donde comienza en un grato detalle.
En la parte femenina del reparto destaca Mary Elizabeth Winstead. Una actriz, que sin ser una súper estrella, me trae gratos y buenos recuerdos personales. No es que conozca a la muchacha, sino que allá por el año 2016, cuando el blog marciano arrancaba, reseñé una gran película llamada Calle Cloverfield 10 en la que ella actuaba. Entonces, era una aprendiz de actriz y yo un aprendiz de crítico. Ahora ella es una interprete de verdad, y yo sigo siendo igual de burro. Pero la vida es así. El divulgador cinematográfico Alfredo García tuvo la gentileza de incluir a este marciano entre los críticos de Cinefilia y gracias a eso, y a los favores sexuales que voy repartiendo, un servidor asiste a los preestrenos junto a otra gente de mal vivir. En fin, sigo con la reseña. No estoy drogado. Creo...
En el papel de villano aparece un Clive Owen desdibujado e irreconocible. Su trabajo es para olvidar. El personaje, lleno de clichés, tampoco ayuda para nada en su labor actoral. Así que Owen debería ir al rincón de pensar o incluso a la cárcel. Allí hay buenos talleres de teatro para pasar el rato.
La dirección de arte del filme, como vemos en la imagen superior de Budapest, es una obra cumbre de esta disciplina cinematográfica. La narración también nos lleva hasta la bella ciudad de Cartagena de Indias en Colombia o hasta Savannah en Georgia. Este lugar es una de las joyas del sur de los Estados Unidos. Música, sonido y efectos visuales también brillan a una gran altura. Esto que digo si es en serio. Creo...
En conclusión, Géminis es una gran obra en lo visual y una moderada decepción en su narrativa. Ang Lee, no consigue cuadrar el círculo entre el prodigio técnico y la historia tratada. En cualquier caso, nos deja una película que traspasa las fronteras técnicas con esos 120 fotogramas por segundo que ya son parte de la historia del cine. Imprescindible, eso sí, visualizar la proyección en 3D nativo para disfrutar del filme en plenitud.
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