El amor de Andrea: lúcida visión sobre la paternidad

El amor de Andrea dirigida por Manuel Martín Cuenca se ha estrenado en cines españoles el día 24 de noviembre de 2023. El cineasta español es uno de los directores más prestigiosos y reconocidos del cine actual con títulos como 'La flaqueza del bolchevique", "El autor" o "La hija". Película distribuida por Filmax. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Andrea, una joven de 15 años, quiere recuperar el amor de su padre, que desapareció de sus vidas cuando se divorció de su madre. Andrea recuerda a un padre amoroso y no puede entender por qué ahora no quiere ver a sus hijos. Tomás y Fidel, sus dos hermanos, son sus compañeros infatigables en esta aventura que habla de amor y familia.

La crítica: Si bien, Martín Cuenca ya exploraba en "La hija" la complejidad de las relaciones familiares, es ahora con El amor de Andrea cuando las profundiza y matiza con su sutil enfoque narrativo. En su anterior película la premisa pivotaba sobre el deseo de ser padres y ahora da la vuelta a la situación girando sobre un padre que no desea ejercer su responsabilidad. 

La narración es minimalista, pausada y cadenciosa. Por momentos lenta. Incluso con un ajustado metraje de 100 minutos. En esta ocasión podríamos decir que en lo cotidiano no se halla nada que parezca extraordinario. Aún con todo, nos hallamos ante un valioso ejercicio de búsqueda de la identidad. Y es precisamente esa identidad la que trata de encontrar la joven Andrea. Es perseverante. No entiende  por qué se separaron sus padres y sobre todo se pregunta por su padre ausente. 

El amor de Andrea es un retrato generacional y una visión sobre la precariedad laboral. También se afrontan temas como los divorcios, los derechos sociales, los problemas de los menores, la negociación de acuerdos, la importancia de los profesores y sobre todo la voluntad inquebrantable de las personas que no se dan por vencidas. La lucha de la joven Andrea por el derecho a tener un padre es el leitmotiv del relato.

Lupe Mateo Barreda sostiene la película de principio a fin con el grandísimo trabajo en el papel de Andrea. Si la suerte le acompaña tenemos intérprete para largo y espero que sea nominada al Goya como actriz revelación. El personaje está muy bien escrito y muestra una adecuada evolución a lo largo de la trama. La contraparte la encontramos con la correcta intervención de Jesús Ortiz que representa el arquetipo del padre ausente como comentaba anteriormente. También está la madre de Andrea bien interpretada por Irka Lugo. Un personaje complejo y críptico al que le cuesta abrirse con su hija. Los hermanos pequeños de Andrea completan personajes y un reparto poco conocido.

En la técnica destaca la banda sonora de Vetusta Morla, en la que supone la segunda colaboración de la reconocida banda de rock madrileña con el director. El tema principal de la película está interpretado por la cantante Valeria Castro junto a la banda. La otra protagonista principal de la película es la ciudad de Cádiz. Tendremos la sensación como espectadores de que hasta la infelicidad es más fácil de sobrellevar en el sur del sur. La ciudad no sólo actúa como paisaje visual, sino que alcanza valor narrativo por sí misma. Hablamos de un gran acierto en la selección de las localizaciones exteriores y se constata una buena dirección de arte en interiores.

El amor de Andrea me ha parecido un filme valiente, algo reiterativo, pero bien estructurado en su fondo y forma. Con unas interpretaciones muy sólidas y con ese preciosismo visual que aporta la ciudad de Cádiz, Martín Cuenca nos ofrece una lúcida visión sobre la paternidad desde los ojos de una niña. No hablamos de una cinta grandiosa, tampoco se busca, pero si de una obra con la suficiente calidad narrativa como para darle una oportunidad en la sala de cine o en plataformas digitales.

Nota: 7/10.

Este artículo, con distinto formato, ha sido portada en Cinemagavia

Nacionalidad: España

Género: Drama, Adolescencia

Dirección: Manuel Martín Cuenca

Guion: Manuel Martín Cuenca

Música: Vetusta Morla

Fotografía: Eva Díaz

Duración: 100 minutoa

Reparto: Lupe Mateo Barredo, 

Fidel Sierra, Cayetano Rodríguez,

Agustín Domínguez, Irka Lugo.

Napoleón: Ridley Scott, corona su carrera como Emperador del Cine

Napoleón dirigida por Ridley Scott se estrena en cines españoles el próximo día 24 de noviembre de 2023. La superproducción guionizada por David Scarpa y protagonizada por el ganador del Oscar® Joaquin Phoenix se presenta como uno de los eventos cinematográficos más importantes del año. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Biografía que detalla el ascenso y la caída del icónico Emperador Napoleón Bonaparte. La película muestra la incesante carrera de Bonaparte hasta el poder, a través del prisma de la adictiva y volátil relación con Josefina, la que fue su único amor verdadero. Se presentan también sus visionarias tácticas políticas y militares a través de las batallas que marcaron su carrera. 

La crítica: Con un inicio explosivo, un desarrollo vibrante y un final redondo, Ridley Scott se corona Emperador del Cine. Quizás sea la mejor película del año 2023 y una de la más potentes de su carrera. En lo personal denominaría como su triangulo de oro los filmes "Alien", "Blade Runner" y "Thelma & Louise". En ellas, y en otras de su carrera, muestra audacia, capacidad, y olfato para apasionar al público.

Napoleón fue uno de los líderes militares más importantes de la historia. Su vida despierta críticas y admiración por parte de historiadores, políticos y de los que fueron sus súbditos. Su ascenso al poder y sus duras campañas militares han influido en las generaciones venideras, desde Churchill a Nietzsche. Tal fue su brillantez táctica y su reputación despiadada que se necesitaron siete coaliciones diferentes entre países europeos para derrotarle. Pero fuera del campo de batalla, su obsesión con Josefina –su amante, esposa y emperatriz– definiría su vida tanto como cualquier batalla. La película mantiene un equilibrio perfecto entre la vida personal y militar de Bonaparte. No hablamos de un biopic completo ya que no se narra ni la niñez ni la juventud del lider galo lo cual parece acertado para completar un perfecto metraje de 157 minutos. Suficiente para mantener la tensión narrativa y por tanto en vilo al espectador. 

Napoleón es un personaje de película fascinante, ya que, al igual que muchas personas, fue esclavo de su propio corazón y emociones. La cinta también le muestra como un narcisista, a veces un loco, otras un brillante táctico, un tirano en la batalla, pero también en sus placeres carnales. Se muestra a un tipo que va de camino a invadir Moscú, y a su vez obsesionado con lo que su mujer estaba haciendo en París. Los celos también le hacen volverse de la guerra en Egipto para intentar contener las infidelidades de su esposa. Es incluso acusado de deserción aunque consigue dar la vuelta a la acusación. 

El aspecto psicológico del personaje y las espectaculares batallas han sido dos puntos que Scott ha encontrado igual de atractivos a la hora de hacer la película. En lo personal jamás había visto en el cine unas batallas tan bien rodadas, explicadas y montadas. Se recrean entre otras las de Austerlitz, Waterloo, Marengo y Borodino. Aunque la parte romántica, la de Napoleon y Josefina, es igualmente impecable en lo emocional. Ella tenía una sensualidad natural ya que creció en los trópicos, con el calor, la música, la cultura y ese entorno tan especial. En sus primeros años está más centrada en los sentidos que en el intelecto. Pero cuando se casa con Napoleón se tiene que adaptar, tiene que cambiar radicalmente para poder sobrevivir. Tiene que convertirse en una mujer distinta, en la mujer que él quiere. Se entrega, pero no puede evitar ser infiel lo que va volviendo cada vez más irascible a Bonaparte. 

Joaquin Phoenix realiza y nos regala una interpretación colosal que le coloca como favorito para obtener su segundo Oscar. Quizás no sea un papel tan potente como en Joker, pero su contención en Napoleón explora otra vertiente más sutil que es la otra cara de la moneda de un actor descomunal. Asimismo, Vanessa Kirby en el papel de Josefina demuestra una capacidad arrolladora. Hablamos de una interpretación delicada, sólida y que la coloca como una de las mejores actrices del momento. El resto del muy extenso reparto coral cumple a la perfección estando al servicio de la pareja protagonista, pero no destacaría a nadie en concreto. 

La parte técnica de rodaje, diseño de producción, fotografía y música es fascinante, pero tengo dos pegas que me impiden dar a la película la máxima puntuación. La primera sería que el cineasta se apoya en los créditos tanto iniciales, como finales en textos sobre-impresionados en pantalla para ofrecer datos que deberían haber sido narrados por los personajes. Y la segunda es algo que me resulta incomodo y puede sacarme de la película: escuchar a Napoleón, a Josefina y a las tropas francesas hablando en inglés es cuanto menos muy extraño. Quizás la película hubiera tenido que haberse rodado en francés y haber optado por intérpretes galos o actores que dominaran esa lengua. Por supuesto que hablo de la versión original del filme y no de la versión doblada en la que ya se pierde la esencia completa de los actores.

No obstante, quisiera destacar la utilización visual y narrativa de la luz. En una película de época, siempre se intenta usar luz natural, como Rembrandt o Caravaggio. Siempre usaban una única fuente de luz, ya sea una gran ventana, una chimenea o velas. El efecto es precioso, así que se ha empleado mucha luz frontal como la de los cuadros de David. La iluminación siempre hace que destaquen Napoleón y los personajes principales, dejando al resto de personajes en la sombra. Cada una de las localizaciones han influido en la luminosidad de la escena. La luz de Egipto es muy dura y brillante, formando siluetas. La de Rusia es más difusa y tenue, como de eterno anochecer, con tanta nieve que la hace casi monocromática. La opulencia de los palacios se muestra con la riqueza de colores y los dorados. En definitiva hablamos de una obra maestra en lo visual que pasará a la historia de la cinematografía. 

Napoleón me ha parecido un filme rotundo, muy sólido y brillante en la narración. No entraré en comentar los posibles errores históricos, si los hubiere, pues esa es la labor de los historiadores aunque no deben olvidar que no estamos ante un documental, sino ante una película de ficción. Con unas interpretaciones señoriales, un desarrollo trepidante y un final bien explicado nos hallamos ante una obra magna que nos reconcilia con el Cine. El año ha sido bueno para la taquilla, pero mediocre en lo artístico. Ridley Scott, realiza en definitiva una obra compleja en la que hay explosiones, cañones disparando, caballos al galope, extras, localizaciones, secuencias de guillotina y sin embargo es la parte sentimental la que añade un gran valor añadido a un filme grandioso.

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Histórico, Biografía

Dirección: Ridley Scott

Guion: David Scarpa

Fotografía: Dariusz Wolski

Música: Martin Phipps

Duración: 157 minutos

Reparto: Joaquin Phoenix,

Vanessa Kirby, Ludivine Sagnier,

Ben Miles, Tahar Rahim, Ian McNeice, 

Matthew Needham, Paul Rhys,

John Hollingworth, Youssef Kerkour.

Que nadie duerma: un final potente levanta una historia mundana

Que nadie duerma dirigida por Antonio Méndez Esparza se estrena en cines españoles el próximo día 17 de noviembre de 2023. La cinta española es una adaptación de la novela homónima de Juan José Millás con un guion coescrito por el cineasta junto a Clara Roquet. 

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Lucía (Malena Alterio) pierde su empleo de informática y decide dar un giro definitivo en su vida comenzando a trabajar como taxista. Mientras recorre las calles de Madrid, en busca del amor y nuevos objetivos, Lucía acaba embarcándose en una venganza en contra de aquellos que le han robado su vida.

La crítica: El cine actual suele pecar de argumentos que se desinflan en su parte final. Sin embargo, en Que nadie duerma esto no sucede. Hablamos de una historia más o menos sencilla que encuentra en su bien explicado final una potente resolución que por lógica no entraré a desvelar. 

La cinta es la historia de una pérdida y de un nuevo comienzo. El cineasta ha tratado de explorar parte del comportamiento social a través de la visión de un taxi o mejor dicho de la visión de su conductora. Es así como observamos a distintos estamentos de la sociedad, pero también poco a poco vamos conociendo a la protagonista que tiene muchas más aristas de lo que aparenta su sencilla personalidad. Aparece la perversidad. 

Que nadie duerma es una road movie que transita por la ciudad de Madrid, pero centrada en unos personajes complejos, egoístas, a veces falsos y crudos como el pavimento de la gran urbe. El cineasta busca una amalgama de realidad y ficción que unas veces es delirante, otras trepidante, pero en otras algo reiterativas por un pequeño exceso de metraje que se va a los 120 minutos sin demasiada justificación. 

Malena Alterio afronta su papel más importante como plena protagonista y sale muy bien parada de la apuesta. Un gran trabajo con el personaje de Lucía que soporta casi todos los planos de la película. Ella es un mujer con una personalidad amigable hasta que le tocan el moño. ¿Se ha entendido? Le acompañan en el reparto la gran Aitana Sánchez Gijón con un personaje secundario, pero muy bien construido. Su personaje es el de una productora teatral que entabla amistad con Lucía en uno de los viajes en el taxí. Completan el reparto Rodrigo Poisón, José Luis Torrijo, Manuel de Blas y Mariona Ribas que van apareciendo en la vida de Lucía como pasajeros, vecinos o compañeros de su anterior trabajo. Todos los personajes guardan oscuridad, complejidad humana, doble moral y narcisismo. Unas joyas. 

En la parte técnica destaca el buen equilibrio entre los espacios exteriores e interiores. Un buen sonido directo hace más fácil que el esfuerzo por vocalizar de los intérpretes tenga buenos frutos. Sin embargo se observa una sobreutilización de la música para crear intriga o tensión. No hablamos de que la música de Zeltia Montes sea fallida. El problema radica en que en el montaje se ha enfatizado demasiado la música que nunca debería ser el sujeto narrador, sino más bien acompañar a la idea desarrollada sin cobrar un protagonismo tan estridente. 

Que nadie duerma me ha parecido un filme original, algo críptico y con un final potente que levanta una historia mundana. Esparza nos presenta un retrato generacional de una mujer que toma las riendas de su vida en un momento inesperado. En definitiva, hablamos de una película entretenida que consigue superar la parsimonia inicial con un desarrollo que siempre va a más siendo esta su mayor virtud y un buen ejemplo a seguir.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama, Suspense

Dirección: Antonio Méndez Esparza

Guion: Antonio Méndez Esparza,

Clara Roquet

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Barbu Balasoiu

Duración: 120 minutos

Reparto: Malena Alterio,

Aitana Sánchez-Gijón, Rodrigo Poisón,

José Luis Torrijo, Manuel De Blas.

Diego Sanchidrián Rubio, director de cine, nos presenta su película "No estás sol@"

Hoy recibimos al cineasta, dramaturgo y guionista Diego Sanchidrián Rubio para presentarnos su debut en el largometraje con la producción española No estás sol@. La entrevista se produce en el contexto del Día Internacional contra la Violencia y el Acoso Escolar que se celebra el primer jueves de noviembre. Este 2023 ha sido el día 2 de noviembre y en el año 2024 será el día 7 de noviembre. 

🎬🎬🎬🎬🎬

Diego Sanchidrián Rubio es director de cine licenciado en Comunicación Audiovisual y posee dos másters universitarios: en Tecnologías Digitales Interactivas y en Dirección Cinematográfica. Su pasión por el cine le llevó a los quince años a comenzar colaborando en diversos cortometrajes, acumulando un total de casi 50 colaboraciones en todo tipo de funciones y puestos. En 2003 creó su propia productora, Hora Bruja Producciones, ocupándose durante doce años de las tareas de realizador, productor y montador; y encargándose igualmente de llevar a cabo diferentes trabajos corporativos, reportajes y documentales.  Hasta el momento ha dirigido seis cortometrajes de ficción, que han recibido más de 50 premios en diferentes festivales nacionales e internacionales y múltiples selecciones por todo el mundo.  En 2013 creó el espacio teatral El Esconditeatro, en pleno centro de Madrid, donde llegó a dirigir 17 obras de teatro.

No estás sol@ es un estudio de 360º del acoso escolar que da voz a todos los que de un modo u otro han tenido y tienen que ver con el bullying, sin olvidar a los compañeros de las víctimas: los testigos. Supone, en definitiva, un cara a cara entre todos los polos con el objetivo de sensibilizar a la sociedad.  

Entre los múltiples testimonios que ofrece la cinta figuran los de la actriz Elisabeth Larena (‘La que se avecina’), víctima de bullying, y el coach del programa Hermano Mayor, Jero García, exacosador.

Hola, Diego. Tras una exitosa carrera como director de cortometrajes, estás a punto de acabar y presentar tu primer largometraje titulado “No estás sol@”. Cuéntanos cuándo comienzas a rodar la película documental y qué te lleva a centrar el mensaje del filme en el acoso escolar. 

Mi objetivo con esta película es educar, concienciar, sensibilizar, ofrecer nuevas perspectivas y, sobre todo, prevenir conductas en relación con esta terrible problemática del acoso escolar. El documental tuvo un proceso de nueve meses de pre-producción y se ha rodado en diferentes espacios entre los años 2022 y 2023. Me ha costado muchísimo encontrar testimonios concretos y más aún encontrar espacios públicos cedidos por los ayuntamientos que en general miraban para otro lado. Igualmente pasaba con los colegios hasta que un director de un colegio de Murcia dio el paso de visibilizar la situación. Se trata del Colegio Joaquín Carrión Valverde dirigido por Toni García que para mí fue como un ángel de la guarda. Allí si pude grabar recursos y entrevistas personales. 

Ha habido algún proyecto muy interesante como El bullying no pinta nada  en el que Mutua Madrileña y Disney se asociaron para concienciar a la población sobre la lacra del acoso escolar. Tú y tu equipo empujáis desde la iniciativa privada y desde el cine este combate pero, ¿qué medidas puede tomar el Gobierno y las Comunidades Autónomas para que estas sean realmente efectivas?

Yo no he tenido ninguna subvención para realizar el proyecto y toda la aportación ha sido privada. Así que como también fui víctima de acoso escolar creo que tengo algunas ideas para aportar a las Administraciones Públicas. En primer lugar los protocolos anti-acoso deben implementarse con mayor profundidad y de no cumplirse solo las sanciones a colegios, agresores e incluso a padres de agresores pueden hacer algo para parar esta lacra. También están los aspectos formativos del profesorado que muchas veces se encuentran sin herramientas para saber como actuar en estos casos. Y por supuesto campañas de sensibilización por parte de Gobierno y Comunidades Autónomas. 

¿Qué le dirías a un joven que está pasando ahora lo mismo que tu pasaste en tu propia piel?

Precisamente de ahí viene el título de la película. Le diría, no estás solo, estoy contigo. Yo hubiera necesitado que alguna persona me hubiera dicho eso. Y durante cinco años no encontré a nadie que me lo dijera. En definitiva: escuchar, comprender y tomar acciones. 

El silencio de la víctima durante 13 meses de media antes de revelar el acoso que sufre a diario es algo constatado en los informes de la Fundación ANAR. En la película das un dato escalofriante. ¿Cuántos suicidios de niños y adolescentes se producen al año solo en España? ¿Los protocolos que se están introduciendo en los centros escolares son suficientes según tu visión?

Cómo te decía anteriormente los protocolos están bien, pero hay que aplicarlos con máximo rigor. Los datos que te voy a dar son escalofriantes: entre 60 y 70 niños o jóvenes se suicidan cada año en España y buena parte de ellos son como consecuencia del acoso escolar. Las gráficas son imparables y se acrecientan. Es hora de actuar sin más dilación. 

Volvamos a tu proyecto. “No estás sol@”es un filme documental que se encuentra actualmente en fase de postproducción, pendiente de finalizar la música, la corrección del color y sonido. El objetivo es tener lista la película a finales de diciembre para inmediatamente después hacer realidad su pre-estreno, distribución y lanzamiento. ¿Cuéntanos en qué consiste la campaña Campaña de Crowdfunding que has iniciado y desde que cantidad se puede apoyar la película?

Básicamente es una recaudación de fondos entre particulares que tendrán una serie de recompensas. Con una pequeña aportación de 10 euros tendrás tu legado en la lucha contra el bullyng y a favor de la prevención del suicidio y además:

- Nuestro agradecimiento de corazón por tu colaboración.

- Apoyo a la problemática del acoso escolar y de la salud mental en menores.

- Apoyo al cine y cultura.

- Agradecimientos y mención en Instragram.

- Agradecimientos en los créditos de la película.

Incluso puedes llegar a ser productor ejecutivo de la película si te parece interesante. 

Suerte, Diego, con este remate de la película y dejo a los lectores los pasos a seguir para unirse al proyecto >>>Crowdfunding

¿Cuál es el recorrido que tienes pensado para la película? ¿Vas a presentar la propuesta a concurso en DocumentaMadrid 2024 o en DocsBarcelona? ¿Tienes ilusión de que se estrene en cines comerciales o la previsión es que vaya a plataformas como Filmin?

Mi ilusión es que tenga la mayor difusión posible sea cual sea el medio. La idea de nuestra película es que se vea lo máximo posible, por eso, intentaremos que se emita en TV, que se visualice en el mayor número de plataformas importantes, y distribuirlo por múltiples festivales de cine documental y social a nivel nacional e internacional. Me encantaría estar en DocumentaMadrid, también me gustaría encontrar distribuidora para el estreno en cines comerciales y por supuesto Filmin sería una plataforma ideal aunque no descarto ninguna a nivel internacional. Al final hablamos de un problema de calado universal. 

Además de tu trabajo como cineasta, has dirigido 17 obras de teatro en el espacio teatral “El Esconditeatro” en Madrid. ¿Qué significa para ti el teatro y me gustaría saber si tienes en proyecto retomar tu actividad como director de teatro?

Comencé a dirigir teatro de manera algo tardía cuando tenía unos 30 años. Antes me había formado como realizador audiovisual. Pero cuando tuve la experiencia de dirigir obras teatrales y estar en contacto directo con los interpretes y con el público las sensaciones fueron maravillosas. Es una experiencia muy enriquecedora. Te hace sentir muy vivo. Estás recibiendo la respuesta del público en vivo, cosa que en audiovisual no sucede de igual manera. A corto plazo estoy centrado en esta película que te presento hoy y en el cine, pero no descarto volver a dirigir piezas teatrales. 

Respecto al cine y tras la película que nos presentas hoy, ¿cómo quisieras enfocar un posible segundo largometraje? ¿Seguirías en el género documental o intentarías dar el salto al cine de ficción? ¿Qué otros proyectos tienes? 

En principio intentaría seguir ligado al cine documental aunque yo me he formado para contar historias de ficción que es lo que más me gusta. Pero ahora estoy centrado en este documental al que le queda aún mucho recorrido por festivales y lógicamente en la promoción y distribución de este proyecto tan especial para mí y para la causa de la erradicación y prevención del acoso escolar. Estoy abierto abierto a dirigir tanto documentales, como películas de ficción. Mi experiencia como director de cortometrajes ha sido muy positiva, pero ahora me gustaría seguir con los largometrajes. 

Texto y fotos: Miguel Pina

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos

Big Fish

Una película para tiempos de crisis

Misión imposible: Sentencia mortal

Tu actor preferido

Jake Gyllenhaal

Tu actriz preferida

Anne Hathaway

¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?

Carrie

Tu festival de cine predilecto

Cannes

La sala de cine más bonita que hayas conocido

La más impresionante es la sala grande del Kinepolis Madrid

Cine, teatro o series de televisión

Cine

Un libro que te gustaría recomendar

Autobiografia de un Yogui de Paramahansa Yogananda

Tu plato de comida preferido

Pollo al curry con leche de coco y arroz de jazmín

Tu deporte preferido 

Tenis

Tu canción favorita

«Y nos dieron las diez» de Joaquín Sabina

Una ciudad para vivir

San Sebastían

Una ciudad por conocer

Brujas

Una ilusión por cumplir

Muchas, muchas, muchas -risas-. Pero si tuviera que elegir alguna sería dirigir un largometraje de ficción y que lo viera mucha gente. 

🎬🎬🎥🎬🎬

Equipo Técnico de No estás sol@: 

Diego Sanchidrián Rubio: Creador, director y productor.

Carla Machado: Jefa de producción.

Miguel Morales y Alfonso Antolín: Directores de fotografía.

Alfonso Antolín: Sonido directo.

Felipe Milano: Música.

Sophie Álvarez-Vieitez Pons y Olga Rubio: Asesoras en el área de psicología.         

Películas curiosas > "Robots: Historias de amor" de Isabella Willinger (Hi, A.I)

 Robots: Historias de amor dirigida por Isabella Willinger nos da pie para publicar una nueva entrada en la sección de Películas curiosas de Cine y críticas marcianas. Estrenada en España en el DocsBarcelona también la podemos encontrar en el catálogo de Filmin así como en otras páginas especializadas en cine documental. La cinta europea fue galardonada en el Max Ophüls Prize Film Festival como Mejor Película Documental.

👽👽👽👽👽

Cuando Chuck compra a Harmony, su futura pareja robot, poco se espera que le gusten los libros y conversar sobre temas trascendentales. En Japón, el robot Pepper llega al hogar de la abuela Sakurai para hacerle compañía, pero resultar ser bastante despistado… Los robots son las nuevas criaturas del planeta Tierra. ¿Estamos preparados para introducir la inteligencia artificial en nuestras vidas? El futuro ya está entre nosotros.

La narrativa de Robots: Historias de amor viene marcada por tres miradas distintas sobre la convivencia entre los robots y los humanos. La inteligencia artificial se presenta como sujeto omnisciente siendo el narrador indirecto. Esta es la primera historia en la que se intercalan distintos testimonios técnicos. Es la parte más débil de la película por su previsibilidad. De esta manera es como Willinger presenta la película desde enfoques diferentes. Hablamos de tres visiones superpuestas que conectan mejor con el espectador cuando se deja de lado la técnica y se humanizan las historias. Lo veremos más adelante.

Escribía Isaac Asimov en "Yo, Robot" (1950) que: "Un robot no debe dañar a un ser humano o, por su inacción, dejar que un ser humano sufra daño". Esta es la premisa fundamental que trata de mostrar la cinta hoy reseñada. Pero también alerta de manera sutil de los peligros que la inteligencia artificial puede tener para la humanidad. Quizás más a nivel moral, que a nivel de toma de conciencia de los humanoides.

En la historia de amor de Chuck y Harmony la cinta gana enteros tanto en lo visual como en lo narrativo. ¿Se puede amar a un robot y no estar loco? Algo así le sucede a Chuck. Éste es un hombre estadounidense marcado por una infancia en la que ha sido sometido a la trata de personas. Su madre le prostituyó. Es un personaje tierno y a la vez excéntrico. Willinger trata de mostrar a través de él -recordad que el documental es ficcionado- la soledad en su máxima expresión. Para paliar ese aislamiento Chuck decide comprar un robot femenino que haga las veces de novia.

Harmony es un robot de compañía con rasgos muy sexualizados. Con ella, Chuck se irá de viaje, al cine y compartirán charlas filosóficas en mitad de la noche. Sin duda, es el segmento más llamativo de la filmación y cuenta también con secuencias exteriores de verdadera belleza visual. Esta es la parte más atractiva del filme tanto en la visualidad de sus imágenes, como en el mensaje melancólico que nos transmite.

Si alguna utilidad tienen estos robots es en otro segmento de la película cuando encontramos una aplicación bastante razonable. En Japón, a la abuela Sakurai le entregan a Pepper. La misión del androide es evitar el deterioro cognitivo de esta entrañable mujer.

Aquí Willinger muestra la parte más tierna de la filmación entrando a filosofar sobre el futuro de los octogenarios. La soledad, de nuevo, está muy presente en la narrativa aunque por el momento la familia de la abuela Sakurai permanece junto a ella. Cuando Pepper desarrolle mayor capacidad en su inteligencia artificial, hará las veces de mascota virtual con la capacidad para frenar el deterioro mental de su dueña. La sombra del Alzheimer está presente como un fantasma.

Robots: Historias de amor me ha parecido una propuesta atractiva que nos enfrenta de una manera indirecta con nuestros demonios interiores. La soledad, o el miedo a ella, aparece como el principal frente discursivo propuesto por Isa Willinger. Con el apoyo de importantes testimonios técnicos que se intercalan con las historias narradas, la filmación alemana ofrece más preguntas que respuestas. En definitiva, hablamos de un filme que esconde más capas de lo que aparenta su inofensiva superficie. 

💫💫💫💫💫

Este artículo, con diferente formato, también lo puedes leer en Cinemagavia

Título original: Hi, A.I. - Liebesgeschichten aus der Zukunft

Nacionalidad: Alemania

Año: 2019

Dirección: Isabella Willinger

Fotografía: Julian Krubasik

Reparto: Documental

Duración: 90 minutos

Hypnotic: Ben Affleck, una niña, los videntes y el circo

Hypnotic dirigida por Robert Rodriguez se estrena -sin saber la causa aún- en cines españoles el próximo día 27 de octubre de 2023. El filme es una coproducción entre Estados Unidos y Reino Unido para el supuesto lucimiento de Ben Affleck que sigue en su loca carrera para acabar de destrozar su prestigio. 

🤡🤡🤡🤡🤡

La historia: Danny (Ben Affleck) es un supuesto vidente o hipnótico que no sabe ver que la van a robar a su hija delante de sus narices. Y se la roban. El resto de la película es una reunión de videntes tratando de encontrar a la niña que también es otra vidente en un bucle infinito. O sea, un circo. 

La crítica: Muy mala. 

Nota: 0/10.

Nacionalidad: EE UU - Reino Unido

Género: Comedia involuntaria 

Dirección: Robert Rodriguez

Guion: Robert Rodriguez

Fotografía: Pablo Berron

Música: Rebel Rodriguez

Duración: 92 minutos

Reparto: Ben Affleck, Alice Braga,

JD Pardo, Dayo Okeniyi, Jeff Fahey,

Jackie Earl Haley, William Fichtner.

Los asesinos de la luna: Scorsese se recrea en la ambición humana

Los asesinos de la luna dirigida por Martin Scorsese se estrena en cines españoles el día 20 de octubre de 2023. La cinta se presenta como uno de los eventos del año y está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Robert De Niro y Lily Gladstone.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: A principios del siglo XX, el petróleo le dio una gran fortuna a la nación Osage, que se convirtió en uno de los pueblos más ricos del mundo de la noche a la mañana. La riqueza de estos nativos americanos atrajo inmediatamente a intrusos blancos que manipularon y robaron tanto dinero Osage como pudieron antes de recurrir al asesinato. Película basada en una historia real y contada a través del romance entre Ernest Burkhart (Leonardo DiCaprio) y Mollie Kyle (Lily Gladstone). 

La crítica: Es evidente que Scorsese tiene todas las cualidades técnicas que le han convertido en una leyenda viva del cine. También se podría decir que la naturaleza no le ha otorgado la capacidad de síntesis. Los 205 minutos utilizados para narrar la historia son una maravilla en la técnica de rodaje, profundos cuando se recrean en retratar la ambición humana, pero carecen de la emoción necesaria para mantener la tensión en tan extenso metraje. Hablamos, por tanto, de un filme académico, plúmbeo y  duro.

Los asesinos de la luna, basado en el best seller homónimo de David Grann, narra una historia estadounidense de crimen y racismo que habla del pasado de un país. Ambientada principalmente en la década de 1920, durante el ocaso del Viejo Oeste, es una crónica del acaparamiento de tierras y del surgimiento de una fuerza judicial con sus propios problemas inherentes. Nacía el FBI para tratar de controlar los desmanes de los forajidos y en el caso del retrato efectuado para investigar los crímenes que se estaban dando con la comunidad Osage. 

Los asesinos de la luna se sitúa en Oklahoma y trata la historia sobre las tretas urdidas por un cacique estadounidense (Robert De Niro), que utiliza a su sobrino (DiCaprio) para cometer o urdir crímenes con el fin de despojar a los nativos de sus terrenos ricos en petróleo. También le busca esposa (Lily Gladstone) con el fin de unir familias, recursos y posibles herencias. El tema está tratado con grandilocuencia y rigor, pero Scorsese cae en subtramas más propias de una telenovela que de un filme que aparenta más de lo que lleva dentro. De hecho, en Pozos de ambición se trataba la temática de los yacimientos petrolíferos y a mi parecer de manera más seria, más solida y con un metraje de 150 minutos que parece a todas luces más apropiado para un tema tan árido y poco sentimental. 

Di Caprio y Gladstone, como Ernest y Molly, cumplen a la perfección con su trabajo interpretando a una pareja que no tienen nada en común. Para Ernest todo consiste en un matrimonio de conveniencia y de escalada social. Scorsese, sitúa el drama como una historia de traición personal en la que el personaje masculino usa la confianza y el amor para seguir queriendo más: más tierra, más dinero, más influencia. Y luego está el personaje interpretado por De Niro con excelencia. También  es cierto que es el mismo personaje que hemos visto ya muchas veces: un mafioso, un magnate o un capo que utiliza todo y a todos para aumentar su poder. Un personaje, por tanto, estereotipado y sin factor sorpresa. 

La parte técnica de la cinta es sobresaliente y junto con el reparto la coloca como favorita para recibir un buen puñado de nominaciones a los Oscars. Todo brilla: música, diseño de producción, fotografía, vestuario, exteriores e interiores y un casting óptimo digno de quitarse el sombrero.

Los asesinos de la luna me ha parecido un filme muy trabajado, sólido en su planteamiento narrativo, pero totalmente inocuo en emoción. Y el cine sin emoción, y por supuesto sin distracción, es menos cine por muy buena técnica que consiga o por más minutos de metraje que se añadan. Una película, por tanto, más para la crítica que para el público que al final es el que paga la entrada. Y si bien Scorsese se ha ganado un sitio en el olimpo de los mejores cineastas de la historia, quizás se haya olvidado de que las historias se escriben para el disfrute de los espectadores y no para la vanagloria personal -cameo final incluido- de un círculo muy reducido de intelectuales cuyo tiempo ha pasado. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Killers of the Flower Moon

Género: Thriller-western-drama

Dirección: Martin Scorsese

Guion: Martin Scorsese, Eric Roth

Música: Robbie Robertson

Fotografía: Rodrigo Prieto

Duración: 205 minutos

Reparto: Leonardo DiCaprio,

Robert De Niro, Jesse Plemons, 

Lily Gladstone, Tantoo Cardinal,

John Lithgow, Brendan Fraser,

Cara Jade Myers, JaNae Collins.

Sound of Freedom (Sonido de libertad): viaje al centro de la depravación humana

Sound of Freedom dirigida por Alejandro Monteverde se estrena en cines españoles el día 11 de octubre de 2023. La cinta ha sido un fenómeno en la taquilla estadounidense y ha extendido su éxito a nivel internacional con grandes cifras en países de Europa, Oceanía, África, Asia y América Latina.

👶👶👶👶👶

La historia: Tim Ballard (Jim Caviezel), ex agente de Seguridad Nacional de Estados Unidos, lo deja todo para luchar contra la  trata de niños. A partir de ese momento combate contra tramas mafiosas que raptan niños con los que comercian en redes sexuales. Ballard, tras apresar a cientos de pederastas, se centra ahora en la búsqueda de dos hermanos que han sido secuestrados por una mujer sin ningún tipo de escrúpulos. 

La crítica: Lo más curioso, y quizás lo mejor, de la cinta estadounidense pasa por la secuencia postcréditos en la que Jim Caviezel hace un alegato en contra de la trata de niños. También rinde un homenaje al cine como medio para transmitir mensajes y pide que cada uno de nosotros pongamos nuestro granito de arena en divulgar el obsceno tráfico de menores que se está llevando a cabo para satisfacer los deseos de miles de pederastas.

Sound of Freedom se estrenó en Estados Unidos el 4 de julio y su taquilla ya supera los 185 millones de dólares de recaudación, multiplicando por 8 los datos de la primera semana, y alcanzando el número 1 de la taquilla en varias ocasiones. Con estas cifras, la película independiente ha superado en algunos momentos en la cartelera a Elemental, "Indiana Jones y el dial del destino" y a "Misión imposible: Sentencia Mortal. 

La narración es dura, triste y emotiva. Los primeros minutos ponen los pelos de punta cuando se ofrecen imágenes reales -captadas por cámaras de comercios- de cómo los niños son secuestrados a la fuerza e introducidos en vehículos sin que los padres vuelvan a saber de ellos con carácter general. ¿Se imaginan ir paseando con sus hijos o que estos estén jugando con sus amigos y se los roben como si fueran una bicicleta? Y se acabó. No los volverán a ver. Niños, y de manera principal niñas, de entre séis y catorce años que además van a ser utilizadas en prostíbulos. Serán violadas entre ocho y diez veces al día por gente que paga mucho por ello y después volverán a ser vendidos a otras mafias en otros lugares. 

El filme a medio camino ente el cine de denuncia social y el thriller de acción deja un sabor muy amargo en la retina del espectador, pero es absolutamente necesario. La narración omite las secuencias de las violaciones a los niños aunque sin embargo las sugiere. Creo que hubiera sido insoportable ver en el cine una secuencia completa de una violación a un niño, pero quizás hubiera sido el mazazo definitivo para que los poderes públicos tomen acciones inmediatas, urgentes y prioritarias para acabar con un tráfico que solo en Estados Unidos mueve billones de dólares según el cineasta. 

Jim Caviezel se mete con corrección en papel de Tim Ballard aunque denota una cierta inexpresividad gestual. Un personaje basado en la historial real del agente que ha conseguido rescatar a unos 200 niños de la explotación sexual. El resto del reparto lo conforman, Yessica Borroto, en el personaje de una ex reina de belleza que se hace pasar por una agente de talentos para raptar a los niños. Cuando Ballard viaja a Colombia, a intentar seguir la pista de los dos hermanos desaparecidos se pone en contacto con un ex convicto llamado Vampiro que compra niños y los libera. Papel interpretado con garra por Bill Camp. Los niños, como siempre, hacen buenos papeles sirviéndose de la inocencia de su edad. 

En la parte técnica destaca la música de Javier Navarrete que otorga emoción a la narración. También destacan los exteriores rodados en la selva. Sin embargo, tanto los interiores como la puesta en escena tienen un cierto aire a telefilme de sobremesa y bajan con ello la nota. 

Sound of Freedom es un filme necesario, potente y desgarrador. Sin embargo, nos hallamos ante una composición con bastantes carencias técnicas y narrativas. Funciona mejor como una película de denuncia social, que como un thriller de acción. Esto se demuestra en los últimos treinta minutos del metraje que son muy prescindibles. En cualquier caso demos por válida la apuesta si a través de ella tomamos conciencia de la nueva esclavitud del siglo XXI que está conformado por niños que son explotados por mafias sin escrúpulos. Nos hallamos, por tanto, ante un viaje al centro de la depravación humana que nos hace pensar en si somos prescindibles como especie ante tanto mal causado. No pregunten por Dios, porque ni está, ni se le espera. 

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama

Dirección: Alejandro Monteverde

Guion: Alejandro Monteverde

Música: Javier Navarrete

Fotografía: Gorka Gómez Andreu

Duración: 125 minutos

Reparto: Jim Caviezel, Mira Sorvino,

Bill Camp, José Zúñiga, Kurt Fuller,

Eduardo Verástegui, Gerardo Taracena, 

Scott Haze, Alanna De La Rossa.

Chinas: Arantxa Echevarría retrata la identidad china en España

Chinas dirigida por Arantxa Echevarría se estrena en cines españoles el próximo día 6 de octubre de 2023. La película es una producción de Tvtec, La Zona y Hojalata Films. Cuenta con la participación de RTVE, Orange, Movistar + y Eitb.

🎬🎬🎬🎬🎬

La historia: Lucía, Xiang y Claudia, tres chicas de origen chino viven en Madrid pero con realidades opuestas. Lucía es hija de inmigrantes chinos, tiene 9 años y su sueño es celebrar su cumpleaños en un Burger King. Sus padres, que no hablan español y trabajan más de 14 horas en el bazar para darles un futuro a sus hijas, piensan que eso son cosas de españoles. Claudia, la hermana adolescente de Lucía, está empezando a vivir en primera persona las diferencias culturales y el racismo entre adolescentes. Xiang es una niña adoptada de 9 años que comienza a hacerse preguntas sobre su familia biológica. Las tres historias se cruzan y se separan, pero mantienen un objetivo común: la búsqueda de la identidad.

La crítica: Tras su muy notable ópera prima Carmen y Lola y la aséptica La familia perfecta, Arantxa Echevarría vuelve al rigor narrativo con una película profunda, sensible y bien estructurada. No es una cinta redonda, pero si me ha parecido un retrato casi perfecto sobre la identidad que tratan de encontrar las segundas generaciones de chinos nacidos en España. La historia aunque recoge la idiosincrasia ibérica, toma aire universal pudiendo identificar los patrones de la inmigración china en cualquier lugar del mundo. Una comunidad, la china, que no acaba de integrarse con tanta normalidad como lo han hecho la árabe, la rumana o la latina que por motivos de lengua común y costumbres lo ha hecho de manera muy rápida. También se recoge con alta sensibilidad y empatía el asunto de las adopciones de menores.

Chinas recupera el naturalismo del debut de la cineasta. La manera de rodar, encuadrar y planificar las secuencias otorgan un estilo muy especial y reconocible. El libreto lleva dos líneas narrativas sobre dos familias que se encuentran para hilar la trama. Sin embargo, encuentro demasiados rodeos o parsimonia en la narración expresados en 120 minutos que se sienten excesivos para lograr un ritmo narrativo adecuado. 

Lo mejor de la película es la radiografía social de los niños y jóvenes chinos que se encuentran en la encrucijada de mantener las tradiciones familiares y tratar a su vez de compaginar esta circunstancia con los usos sociales que se dan en los países a los que emigraron. Las primeras generaciones parecen que dan por perdida esa adaptación a la cultura y se refugian en sus negocios. Otra curiosidad que refleja Echevarría con acierto son los diversos racismos que se dan entre los más jóvenes. Llama la atención la secuencia de racismo en bucle entre españoles, árabes y chinos y especialmente como entre estas dos últimas comunidades se increpan llamándose ente ellos "moros" o "chinos" a modo de insulto. También se observa una reflexión autocrítica, que nos atañe a todos, cuando vamos a un "chino" y no le llamamos tienda o bazar. Ese aire de superioridad o desdén se refleja muy bien en una secuencia en la que unas adolescentes entran en el bazar regentado por la madre de una de las niñas protagonistas. Allí humillan a la propietaria vaciándole una lata de cerveza en su cabeza. Por desgracia este hecho no es aislado y este tipo de incidentes son el pan nuestro de cada día.

En el reparto de Chinas destacan Leonor Watling y Pablo Molinero que hacen de los padres de la niña china adoptada. Son de clase alta y no consiguen que Xiang se adapte a su vida escolar y familiar. Los problemas de identidad aparecen con fuerza. La cría no se siente ni china, ni española y permanece abstraída del mundo. Por otro lado, está la familia de Lucía, la otra niña china, que son de clase popular y han renunciado a relacionarse con la comunidad española al margen de su tienda. Pero tanto la niña, como su hermana adolescente Claudia no parecen tener problemas de identidad y luchan por integrarse en la sociedad. Muy interesante la mirada sobre la juventud actual, de manera especial en las barriadas periféricas urbanas. A través de Claudia observamos las conductas límites relacionadas con las drogas, el alcohol y la sexualidad en las que las chicas adoptan roles que creíamos ya superados. Buenas interpretaciones de Shiman Yang, Ella Qiu y Xinyl Ye con la colaboración destacada de Carolina Yuste como una joven que entabla amistad con la pequeña Lucía. 

En la parte técnica destaca la perfecta elección de los espacios urbanos donde se desarrolla la acción. Hablamos de un retrato hiperrealista del barrio de Usera en Madrid. La zona es un crisol de culturas en la que conviven españoles, chinos y latinoamericanos con más o menos fortuna. Los interiores también son poderosos reflejando la humildad o el lujo según sea la familia retratada. La música no aporta demasiado a la historia y por tanto no se enfatizan las emociones. 

Chinas es un notable retrato sobre la identidad y sobre como las segundas generaciones de inmigrantes chinos no acaban de encontrar su sitio en la sociedad. Por otro lado, la película tiene un final abierto o inconcluso que no acaba de funcionar de manera cinematográfica. Falta emoción y cerrar de manera redonda. No obstante y a pesar de las pegas del exceso de metraje y de un final agridulce, la película es sólida cuando refleja la relación de ruptura entre la tradición y la adaptación a los nuevos tiempos.

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: España

Género: Drama

Dirección: Arantxa Echevarría

Guion: Arantxa Echevarría

Música: Marina Herlop

Fotografía: Pilar Sánchez Díaz

Duración: 120 minutos

Reparto: Leonor Watling, Ella Qiu,

Carolina Yuste, Pablo Molinero,

Shiman Yang, Xinyi Ye.