Nomadland: Chloé Zao llega a la cumbre con su apabullante lirismo cinematográfico

Nomadland dirigida por Chloé Zao se ha estrenado en cines españoles el día 26 de marzo. La cinta fue galardonada con el León de Oro en la última edición del Festival de Venecia y se perfila como una de las favoritas en la carrera por los Oscars de la Academia de Cine. 

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La historia: Fern (Frances McDormand) es una mujer de 60 años que ha perdido su casa y su trabajo tras el colapso económico de una empresa en una zona rural de Nevada. Los hechos narrados sucedieron tras la crisis financiera provocada por la burbuja inmobiliaria de principios de siglo. Tras estos sucesos, Fern decide embarcarse en un viaje a través del Oeste viviendo en una caravana como un nómada en busca de su destino.

La crítica: Nomadland está basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century de Jessica Bruder. El ensayo se editará en castellano con el título “País nómada. Supervivientes del siglo XXI”. Con estos mimbres la cineasta china-estadounidense Chloé Zao, directora de la mágica The Rider, se consolida como una de las más potentes narradoras del cine actual.  

La cinta se presenta como un amplio retrato panorámico del espíritu nómada estadounidense. Para ello, sigue el rastro del trabajo migratorio estacional a través de los ojos de una mujer marcada por la pérdida. Perdió a su esposo, perdió su trabajo y perdió su hogar. Observamos su decadencia en contraposición a la grandeza del Oeste americano: desde las tierras baldías de Dakota del Sur hasta el desierto de Nevada y el noroeste del Pacífico. Pero en este proceso de duelo, Fern va ganando fuerza y encuentra su comunidad en las reuniones de otros nómadas a las que asiste para simplemente sobrevivir a la vida. 

La narrativa se asienta sobre los prejuicios que existen sobre determinadas personas en los Estados Unidos. Hay discriminación por edades, etnias, sexos y un cierto rechazo a contar historias sobre personas mayores o personas que han acabado en la periferia de la sociedad renunciando por completo al sueño americano. La película, en cierta forma, es la negación del significado final de este sueño entroncando de manera maestra con Las uvas de la ira del maestro John Ford. Así es como observamos, a veces entre lágrimas, como nuestra protagonista, Fern, vaga por el Oeste americano trabajando en un centro de distribución de Amazon, en una planta de cosecha de remolacha azucarera, en la cafetería de una atracción turística y como limpiadora de un campamento en un Parque Nacional. Su odisea, que aparece como un lienzo pintado en medio de hermosos parajes, es el retrato perfecto de la decadencia estadounidense. 

 

Frances McDormand, tras su Oscar por Tres anuncios en las afueras, vuelve a realizar una interpretación magistral que bien merecería otro premio de la Academia. Su personaje evoluciona en consonancia a la estructura narrativa propuesta. Al vivir en una camioneta, se ve cada vez más expuesta a la naturaleza: a su belleza pero también a su hostilidad que de manera paradójica aumentan su capacidad para reponerse y sanar de sus heridas vitales. En cierta forma, el espectador que consiga empatizar con Fern y su situación de especial vulnerabilidad, irá sanando con ella las cicatrices de su propio destino. Los demás personajes, también nómadas, buscan como ella su lugar en el mundo a través de un viaje de conocimientos y experiencias puestas en común a lo largo del filme. Fern encuentra su comunidad en las reuniones nómadas a las que asiste, que incluyen a Linda May y Swankie (nómadas de la vida real que se interpretan a sí mismos). Asimismo cabe destacar la semilla de una amistad romántica con Dave (David Strathairn) poniendo con ello un contrapunto emocional a una película cocinada a fuego lento. 

El lirismo en la película también se muestra a través de la magnífica música que nos regala el compositor y pianista italiano Ludovico Einaudi. También cabe destacar la preciosista fotografía de Joshua James Richards que actúa como sujeto narrador fundamental en los enormes espacios abiertos del interior de los Estados Unidos. Un regalo a la vista.

Nomadland, por avatares del destino, llega en el momento perfecto para reivindicar el verdadero sentido que tiene el séptimo arte para ser vivido en su hábitat natural. Hablamos de un filme con amplias panorámicas, profundidad narrativa y con un libreto adaptado con rigurosidad. 

Chloé Zao, en definitiva, redibuja la idea del sueño americano y lo ve desde una nueva perspectiva: la perspectiva de una cineasta nacida y criada en una cultura completamente diferente. Aún así, no es un filme que hable solo sobre lo malo o lo bueno que puede ser el sueño americano. La película representa ante todo el poder del cine como perfecto vehículo cultural y emocional. El profundo y a la vez preciosista relato de Nomadland es el sueño en fotogramas con el que Chloé Zao llega a la cumbre con su apabullante lirismo cinematográfico. Hablamos de una película que por sí misma explica el sentido de ver cine en la sala de cine. 

Nota: 10/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Chloé Zao

Guion: Chloé Zhao, Jessica Bruder

Fotografía: Joshua James Richards

Música: Ludovico Einaudi

Duración: 108 minutos.

Reparto: Frances McDormand, 

David Strathairn, Linda May,

Charlene Swankie, Bob Wells, 

Gay DeForest, Patricia Grier

The Mauritanian: puñetazo en la mesa de Kevin Macdonald

The Mauritanian dirigida por Kevin Macdonald se ha estrenado en cines españoles el día 19 de marzo. De manera simultanea, la cinta también ha llegado a las plataformas digitales. La película llega avalada por el Globo de Oro 2021 con el que ha sido galardonada Jodie Foster como Mejor Actriz de Reparto. Tahar Rahim también fue nominado al Globo de Oro como Mejor Actor (drama).

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La historia: Mohamedou Ould Slahi (Tahar Rahim) sobrevive en la prisión de Guantánamo después de haber sido detenido y encarcelado sin cargos por el gobierno de Estados Unidos durante una década y sin que se haya celebrado ningún juicio. Habiendo perdido toda esperanza, Slahi encuentra aliados en la abogada defensora Nancy Hollander (Jodie Foster) y su asociada Teri Duncan (Shailene Woodley). Juntos se enfrentan a innumerables obstáculos en una búsqueda desesperada de justicia.

La crítica: Decía el abogado y amigo David Rubio Sánchez a cuenta del filme francés La chica del brazalete que: "En los juicios de verdad no existen alternativas, se limitan a los hechos y cuales de ellos quedan probados y vinculados con el investigado. Ante ello, el jurado debe decidir, no si ha sido otra persona, sino si el investigado es responsable en base a las pruebas". En la película hoy reseñada no hablamos, por tanto, de juicios fantasiosos con golpes de efecto. En realidad, asistimos a un juicio real con toda su crudeza pero también con toda su verdad. 

The Mauritanian está basada en las memorias publicadas en el libro: “Diario de Guantánamo” escrito por Mohamedou Ould Slahi. Hablamos por tanto de un relato con sesgo de parcialidad dirigido con rigor por Kevin Macdonald, director ganador del Oscar por “One Day in September” (Mejor documental). Con una sólida experiencia en la creación de thrillers con carga política, contundentes y que provocan la reflexión, Macdonald nos trae esta vez un relato inspirador sobre la supervivencia, contra viento y marea. Ese es el mensaje principal del filme. 

La película también es un alegato en favor del Estado de Derecho y de la Convención de Ginebra. Ambos fueron violentados en la prisión de Guantánamo por las fuerzas estadounidenses que practicaron la tortura física y psicólogica contra centenares de prisioneros llevados hasta allí a la fuerza. La narrativa, que con acierto siempre va de menos a más, refleja con eficacia las torturas sufridas por Mohamedou Ould Slahi para que confesara o se inventara una confesión. Las dramáticas secuencias rodadas por Macdonald son fieles a lo expresado en el libro. 

El cine puede y debe tener la obligación de denunciar estas situaciones. Es el vehículo cultural que llega a más personas e ideal como modo de concienciación social. Es por ello que The Mauritanian se siente como una enmienda a la totalidad de la justicia en Estados Unidos. La primera democracia del mundo no puede permitirse la supresión del derecho internacional y luego aspirar a dar lecciones de democracia por el resto del mundo. La prisión de Guantámano fue -y aún sigue pendiente del cierre total- un gulag moderno dentro de un limbo legal inventado por la Administración de George W. Bush.

En la cinta, sin embargo, el secretario de Defensa Donald Rumsfeld apenas es citado cuando fue el responsable principal de las políticas de torturas llevadas a cabo en Abu Ghraib y Guantánamo. 

Tahar Rahim, conocido por interpretar a Judas junto a Rooney Mara y Joaquin Phoenix en María Magdalena de Garth Davis, interpreta con coraje a Mohamedou Ould Slahi. Un personaje muy complejo que se tiene que mover en el espacio de su celda, en la sala de torturas y mantener la compostura en las visitas de su abogada. La actriz Jodie Foster, ganadora de dos premios de la Academia, y ganadora del Globo de Oro por este papel, interpreta el papel de la abogada defensora de Mohamedou. Personaje basado en Nancy Hollander que aún sigue ejerciendo como abogada defensora internacional y cuya imagen real, junto a la de Mohamedou, vemos en los créditos finales de la película. Gran trabajo de Jodie Foster convertida ya en una de las mejores actrices de su epoca. 

Completa el reparto un sobrio Benedict Cumberbatch, también productor del filme, que interpreta al intrépido fiscal militar, el teniente coronel Stuart Couch. Su personaje evoluciona en consonancia a la narrativa. Es así, como transita de mera correa de transmisión de sus superiores a reconvertirse en un militar que acaba por expresar un alegato moral sobre la importancia del Estado de Derecho. Por último, cabe mencionar a Shailene Woodley que interpreta a la letrada ayudante del personaje de Jodie Foster y que es una mezcla de dos abogadas reales: Teri Duncan y Sylvia Royce. Se insinúa una cierta atracción romántica por el encarcelado o al menos un fuerte apego sentimental por defender su inocencia.

En conclusión, The Mauritanian, es cine de denuncia social sobre un sistema judicial obsoleto que permite limbos legales como el vivido en Guantánamo. La película narra con precisión la tremenda historia de un hombre acusado sin pruebas de reclutar personas para el 11 de septiembre y de financiar el terrorismo. Sin embargo, la cinta nos muestra a un personaje que no parece guardar rencor hacia los hechos vividos en prisión y tan enamorado de la cultura estadounidense que puede citar cada línea de “El gran Lebowski”. Se la sabe de memoria porque la vio 110 veces mientras estaba en prisión. La suma de todos los elementos: buenas interpretaciones, una buena narrativa cinematográfica y la propia historia mostrada, hacen de la película una experiencia enriquecedora y un más que aceptable producto audiovisual.

Esta crítica, con distinto formato, ha sido portada de Cinemagavia

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Kevin Macdonald

Guion: Rory Haines, Sohrab Noshirvani,

M.B. Traven (Libro: Mohamedou Ould Slahi)

Música: Tom Hodge

Fotografía: Alwin H. Kuchler

Duración: 129 minutos

Reparto: Jodie Foster, Tahar Rahim, 

Shailene Woodley, Benedict Cumberbatch,

Zachary Levi, Corey Johnson, Langley K,

David Fynn, Darron Meyer

Inmune (Songbird): El COVID-23 llega a los cines

Inmune (Songbird) dirigida por Adam Mason y producida por Michael Bay se estrena en cines españoles el próximo día 18 de marzo. Protagonizada por la estrella de Riverdale KJ Apa y la actriz de Los descendientes, Sofia Carson es la primera película rodada en Los Ángeles durante la pandemia.

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La historia: Los Ángeles, año 2024. El COVID-19 ha mutado en el COVID-23 y con un 50% de mortalidad, el mundo se ve obligado a permanecer confinado ya que el virus se transmite ahora incluso en los espacios abiertos. Nico (KJ Apa) es un mensajero inmune al virus que debe permanecer separado de su novia Sara (Sofia Carson). Sus contactos se limitan a conversaciones tras una puerta a la espera de que alguien encuentre una solución a la nueva cepa de la enfermedad.

 

La crítica: Si en la película argentina Tóxico ya se presagiaba algo muy parecido a lo ocurrido durante la pandemia, ahora en Inmune, se juega con el factor de las nuevas mutaciones para mostrar una situación catastrofista de lo que podría ocurrir en los próximos años. Es por ello que la película más que una distopía, es una versión libre de nuestra realidad en el caso de que no hubiera vacunas o estas fueran ineficientes ante las nuevas variantes de la familia de los coronavirus. 

Pienso que se podría encontrar un término medio entre el negacionismo y el terror vírico del "todos vamos a morir". En el caso de la cinta hoy reseñada, se opta por lo segundo. La cosa no tiene mayor importancia al ser una ficción. Cierto es que el cine en muchas ocasiones se ha adelantado a los acontecimientos y a veces ha superado a la realidad. También es cierto que las pandemias se han venido repitiendo de manera natural durante la historia de la humanidad aunque esos ciclos parecen acortarse cada vez más en el tiempo. En Inmune la historia transcurre en la ciudad de Los Ángeles dentro de cuatro años. El virus ha mutado y ahora es una cepa más letal y más infecciosa: el COVID-23. Las cuarentenas, los toques de queda, la escasez de comida y la falta de suministros forman parte de la vida diaria algo con lo que Michel Franco ya especulaba en Nuevo orden.

La película es más interesante por el debate que puede generar que como propia obra cinematográfica. Su tufillo a telefilme de Netflix resulta extraño con un productor que gustará más o gustará menos, pero que se ha caracterizado por el buen acabado visual de sus películas. Para hacer realidad el mundo que había imaginado Michael Bay, el director de fotografía y su equipo han hecho un “rodaje oportunista”, o rodaje chapuza hablando en castellano. Se utilizan iPhones, GoPro y cámaras de vigilancia como fuentes de vídeo, reflejando la forma en que muchos están viendo el mundo hoy en día. Además de las filmaciones oportunistas, gran parte de la película se siente demasiado barata sin realizar apenas retoques de maquillaje o peluquería. Hay pocos planos trabajados e incluso no se cambian los decorados por lo que todo se vuelve plomizo y gris aunque el panorama presentado lo requiera.

El núcleo de Inmune es la historia de amor de dos personas que llevan mucho tiempo aisladas y tienen unas ganas enormes de estar juntas, pero no pueden mantener contacto físico. Nico, interpretado con acierto por KJ Apa, es una de las pocas personas inmunes al virus. El personaje se siente acertado ya que representa a los trabajadores esenciales menos valorados como fueron y siguen siendo los dependientes de tiendas, trabajadores de mantenimiento, cajeras e incluso mensajeros. Nico pertenece a un pequeño grupo de personas conocidas como los “inmunes” y se dedica a hacer entregas como mensajero. Durante sus recorridos ve y conoce – sin acercarse – a Sara, y se enamoran. Ésta, es interpretada con corrección por Sofia Carson que se dio a conocer con el papel de Evie en Los descendientes de Disney, y con la aclamada serie Pequeñas mentirosas: perfeccionistas. En esta parte la película se enreda en una historia romántica que se siente impostada y sin ninguna credibilidad. 

Sin embargo, me ha parecido más interesante como se aborda el fenómeno de la desigualdad social en tiempos de pandemia. Las clases pudientes siguen llevando vidas cómodas y privilegiadas, mientras los otros lo pasan francamente mal. Los poderosos están interpretados por William (Bradley Whitford) y Piper (Demi Moore) que conforman un matrimonio en vías de naufragio pero cuya fortuna les protege de los terrores diarios en una pandemia desatada. Pero esto no les inmuniza de sus desacuerdos y traiciones mutuas. Hablamos de lo terrible que sería tener una relación muerta, y quedar confinados en una casa como seguramente ha pasado durante la pandemia vivida.

En conclusión, Inmune es una película oportunista que juega con la pregunta de si el COVID-23 (valdría 24, 27 o 30) podría ser una posibilidad real. La cinta, escrita y grabada antes de la aparición de las variantes británicas, sudafricanas o brasileñas del coronavirus, especula con ello y hace del cine una vez más un vector en la anticipación de los acontecimientos. Por otro lado, la surrealista historia romántica insertada y las prisas en concluir el filme restan credibilidad al conjunto de la historia. En definitiva, la cinta se presenta como una hipotética mirada catastrofista hacia nuestro futuro. Para ello, centra el foco en el creciente aislamiento poblacional, en la militarización de la política o en el miedo instalado en la sociedad ante futuras oleadas pandémicas.

Nota: 5/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Songbird

Dirección: Adam Mason

Guion: Adama Mason

Fotografía: Jacques Jouffret

Música: Lorne Balfe

Duración: 90 minutos

Reparto: K.J. Apa, Sofia Carson,

Demi Moore, Bradley Whitford,

Craig Robinson, Jenna Ortega

Relic: enésima casa encantada con (atención): abuela poseída, hija pre-poseída y nieta fumeta en vías de posesión

 

Relic dirigida por Natalie Erika James se estrena el 12 de marzo en cines españoles en una nueva vuelta de tuerca al temita de la gente poseída. La cinta formó parte de la sección oficial a competición del Festival de Cine Fantástico de Sitges y creo que le dieron una mención. 

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La historia: Telita con la historia. Una anciana llamada Edna se pira unos días de su casona rural sin avisar y cuando vuelve, allí están la hija y la nieta esperando para echarle la bronca. De repente, comienzan a sentir que una presencia malévola en la casa podría estar poseyéndola y de ahí que disculpen a la abuelita en su escapada fallida. Una vez en familia y todas bañadas y aseadas comienza el circo de la casa encantada que aunque parezca extraño no lleva a niño incluido en su interior.

La crítica: Si pudiera decirle algo en persona a la cineasta novel Natalie Erika James le pediría que nos dijera que clase de mierda se ha fumado para escribir y dirigir una película tan esperpéntica como Relic. Pero sobre todo le preguntaría que ya puestos a repetir todas las sandeces del género, ¿por qué no ha incluido a un puto niño siniestro y un coche que no arranca? Eso sí, aunque solo salga en una fotografía incluye a un perro negro que quizás salga en la segunda parte. Sin duda, al ver el panorama el perro se escapó y se quito de enmedio de esta jaula de grillas. 

Hay que reconocer que el principio del filme australiano es aterrador. La cineasta nos "regala" un plano dorsal de la anciana saliendo de la bañera y nos muestra su trasero. Lo dicho, terror de verdad. Sin embargo, cuando la jovenzuela fumeta está en la bañera no le vemos ni una triste teta. En fin, volvemos a la triste realidad y las mujeres discuten, discuten y luego vuelven a discutir sobre si meten a la abuela en un asilo o le dejan en la casa encantada. Luego discuten más -en el minuto 38 la abuela y la nieta se echan unos bailes- y luego siguen discutiendo. También discuten sobre los aterradores ruidos que hay en la casa. Como no hay niño poseído, ni perrito que le ladre, la cineasta opta por hacernos ver que la abuela está poseída por una fuerza del mal. Después, discuten un poco más.

En esta, que la jovenzuela -la nieta- se sale al porche a fumarse un porro y pasa por allí un chico a saludar a la muchacha. Se ríe por el olor de la marihuana, conversan un poco, ella no le hace ni puto caso y se mete para adentro a seguir discutiendo con la madre y con la abuela. El joven se marcha y como el perro no vuelve a aparecer por allí. Buena decisión.

En la imagen superior observamos a la abuela ya poseída y a la nieta fumeta en vías de posesión. A la madre no la he encontrado, ni falta que hace. Mira que querer meter a la abuela poseída en un asilo. El caso es que Natalie Erika James ha logrado engañar a las reputadas actrices Emily Mortimer (La librería, Match Point), Robyn Nevin (Top of the Lake, Matrix Reloaded) y Bella Heathcote (The Neon Demon, Sombras Tenebrosas) para su primera película. Nada que objetar al reparto que bastante tienen ya con salir vivas del rodaje y sin traumas psicológicos. 

En principio no tengo mucho más que decir. Bueno, una cosa sí. En el tercio final de la película la nieta, la madre y la abuela hacen la cucharita en la cama. Supongo que para relajarse entre tanta discusión y entre tanto ruido que mete la casa encantada. En definitiva, Relic me ha parecido una película muy bonita y romántica. De sutiles lineas narrativas y diálogos dignos de William Shakespeare, he salido como nuevo de la sala cine. Sobre todo por la siestecita que me he echado entre el minuto 38 y el 90 cuando me he sobresaltado porque una señora ha tosido. Así que quedo a la espera de que la pongan una tardecita de estas en Antena-3 para echar otra siestecita la mar de rica. 

Nota: 3/10. 

Nacionalidad: Australia

Dirección: Natalie Erika James

Guion: Natalie Erika James

Fotografía: Charlie Sarroff

Música: Brian Reitzell

Duración: 90 minutos

Reparto: Emily Mortimer,

Bella Heathcote, Robyn Nevin,

Steve Rodgers, Chris Bunton, 

Jeremy Stanford, Catherine Glavicic

Minari. Historia de mi familia: delicado viaje en busca del sueño americano

 

Minari. Historia de mi familia dirigida por Lee Isaac Chung se estrena en cines españoles el próximo día 12 de marzo. La película, producida por Brad Pitt, se convirtió en la gran triunfadora de la pasada edición del Festival de Sundance donde ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público.

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La historia: A mediados de los 80, una familia coreano-estadounidense se muda a una pequeña granja de Arkansas en busca del sueño americano. Vista a través de los ojos de un niño de siete años la historia profundiza en las relaciones familiares y en los conflictos emocionales que todo cambio de vida conlleva. El viaje en busca de la prosperidad será la piedra de toque para un matrimonio en plena crisis existencial. 

La crítica: Titulada con el nombre de una hierba coreana para cocinar, Minari, es una oda tierna, divertida y evocativa sobre cómo una generación de una familia lo arriesga todo para establecer los sueños de la siguiente generación. La cinta se despliega con toda la intensidad de una memoria vívida. Aunque en una primera impresión la película parezca una historia conocida —la historia de unos inmigrantes que intentan su propio Sueño Americano—, el director Lee Isaac Chung aplica un enfoque nuevo y revelador. En la médula del film cohabitan detallados recuerdos de familia a un tiempo potentes, alegres y cándidos que contribuyen a un relato más grande: el impacto del viaje de una generación nueva de jóvenes americanos que se preguntan cuál es su lugar en el mundo.

La historia es sencilla al igual que su delicada narrativa. Todo empieza cuando en la América de la década de los ochenta Jacob, un coreano recientemente llegado, se lleva su familia de California a Arkansas, decidido a forjarse una sólida independencia como granjero, aunque el terreno sufra de falta de agua. Si bien Jacob contempla Arkansas como tierra de oportunidades, el resto de su familia está agobiada por este movimiento tan inesperado hacia una nueva vida en un pedazo de tierra perdido en mitad de la nada. El espectador contempla de manera hipnótica un viaje que se tambalea en el hilo de la derrota. 

Sin embargo, serán dos miembros impensados de la familia, cada uno a un extremo distinto del espectro, quienes comenzarán a forjar el nuevo sendero del clan: el indisciplinado David, de ojos bien abiertos y siete años de edad, y su abuela Soonja, igualmente desafiante, que acaba de llegar de Corea en avión. En medio de tamaño cambio, al principio chocan, pero pronto descubren los lazos imperfectos aunque mágicos que enraízan la familia con su pasado a medida que afrontan el futuro. La cadencia en la narración nos mece como espectadores integrándonos en la trama como un miembro más de la familia. Poco a poco deseamos conocer, estar, vivir o viajar hasta Arkansas con lo que el cine vuelve a cumplir su misión de ser un transportador de sueños a través de fotogramas en movimiento.

Protagonizada por Steven Yeun ("Burning", "The walking dead"), Yeri Han ("Niebla"), y el joven actor Alan Kim, junto a Will Patton ("Armageddon", "Mensajero del futuro") no podría destacar ninguna interpretación memorable. El reparto se muestra hierático sin mostrar demasiadas emociones con una contención exagerada y contrapuesta a las reglas de un buen melodrama como demuestra ser Minari. 

Toda esa calidez que falta por momentos, está contrarrestada con una preciosista puesta en escena en la que destacan los tonos pastel que actúan también como sujeto narrador. Toda esta paleta de colores nos acerca a una familia que se va reconvirtiendo en sureños de campo enfrentados a la fe, a la intolerancia, a la salvación y a sus propios defectos como familia. El cineasta que creció en Lincoln, Arkansas, en una pequeña granja de los montes Ozark, usa la experiencia vivida para dar calor a una película con matices autobiográficos a la vez que universales. 

En conclusión, Minari. Historia de mi familia me ha parecido una reconciliación con el buen cine de autor. La historia narrada posee una gran mezcla de tonos: divertidos, dulces, tristes, y esperanzadores en su génesis. En definitiva, la cinta explora cómo una familia atraviesa no sólo los muy específicos dilemas en el proceso de asimilación a la América rural, sino también cómo afronta cuestiones más amplias de humanidad básica: los vacíos que combatimos todos entre los vínculos familiares y la independencia, la fe y el escepticismo, a caballo entre el sentimiento de outsider y el anhelo de pertenencia. 

Nota: 8/10

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Lee Isaac Chung 

Guion: Lee Isaac Chung 

Música: Emile Mosseri

Fotografía: Lachlan Milne

Duración: 115 minutos

Reparto: Steven Yeun, 

Han Ye-ri, Youn Yuh-jung, 

Alan S. Kim, Noel Cho,

Will Patton, Scott Haze

The Owners (Los propietarios): la embarazada, los fumetas y dos abuelos con ganas de guerra

The Owners dirigida por Julius Berg se estrena en cines españoles el próximo día 5 de marzo. La película es el primer largometraje (y ojalá sea el último) dirigido por Berg (miniserie de Netflix "El bosque"), quien adapta la novela gráfica “Une nuit de pleine lune” de Yves H. y Hermann Huppen.

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La historia: Inglaterra rural, años 90 (hubiera dado igual los 60, los 80, o los 2000). Un grupo de tres fumetas colocados y una joven embarazada, deciden entrar a robar a casa de una pareja de ancianos cuando estos han salido a echar unos bailes. La cosa es que son tan bobos que pensaban abrir la caja fuerte a martillazos. No lo logran, claro. En esta, que la pareja de ancianitos regresan a la casa y les pillan con las manos en la masa. Pero lo que parecía una negociación sencilla se complica cuando los abueletes entran en modo guerra al ver la incapacidad total del grupo.

La crítica: Pues sí, aunque sin niño poseído, ni perro sarnoso incluido, el cine de ¿terror? vuelve por sus fueros con la función de circo que se ha montado el cineasta Julius Berg. Comienzo a pensar que este tipo de guiones solo pueden ser escritos bajo el poder de las drogas o en su defecto tras visionar algún vídeo de los que sube a Youtube la aclamada artista española Leticia Sabater. Eso sí es terror del bueno.

En fin, la cosa es que vemos a tres muchachos sin muchas luces fumándose unos porritos antes de dedicarse a la invasión domestica que es la fuente de este sub-género cinematográfico. Como deben tener algún tipo de retraso mental y son incapaces de abrir una caja fuerte -para eso habían entrado en la casa de los abueletes-, deciden esperar a que regresen. Para hacer tiempo, uno de los tarados y su novia deciden echar un polvo. Pero en medio del fragor sexual, la joven le suelta al novio que está embarazada. Como era de esperar, el tipo palidece y la cosa se viene abajo. Se acabo el sexo y comienza el circo.

Los propietarios de la casa llegan a su hogar y se encuentran con esta pandilla de merluzos. El merluzo jefe propone al abuelo que les proporcione la combinación de la caja fuerte bajo amenaza de matar o hacer daño a su esposa. El abuelo, que no se ha visto en otra igual, se niega a dar la información. Total, que uno de los merluzos coge una sierra eléctrica para cortar la cabeza de la abuelita pero como no le pone el alargador no llega. Esto que cuento es real. La abuela se pone histérica, el novio de la chica se pone histérica, el espectador se pone histérico, Penélope Cruz se pondrá histérica si ve la película, (si no también) y la embarazada se pone histérica. Solución tras muchas discusiones: sartenazo en la cabeza a la abuela por parte de la embarazada. El abuelo se enfada ante tal acción, se suelta el pelo y mete a la embarazada en un armario por portarse mal. Esto que cuento sigue siendo real. 

Total que con el circo ya en plena ebullición, resulta que los abuelos se rebelan y descubren su lado más siniestro. Se colocan unos trajes EPIS, sí esos que protegen del coronavirus, y tiran unos botes de gases lacrimógenos por toda la casa. ¿Por qué tenían eso en su casa? Da igual, el caso es que los tenían. Con esta acción perpetrada por el cenutrio del cineasta, la casa se llena de humo y dejamos de ver la acción por unos largos minutos. O sea, vemos humo y oímos cosas. La embarazada se escapa del armario y creo que pretende irse de la película. Pero ya es tarde. El resto de la mamarachada la dejo sin tocar por si alguien se atreve a verla sin estar colocado. Si esto no es posible, doblen la dosis de lo que tomen. 

Y hablando de colocarse. ¿Qué sucede cuando llegas una noche de fiesta si eres actriz y lees un guion que tenías olvidado en la mesita de noche? Pues que en ese estado te parece una locura maravillosa, llamas a tu agente y le dices que esa película es para ti. Algo así debió sucederle a la actriz Maisie Williams ("Los nuevos mutantes"), mundialmente conocida por su papel de Arya Stark en la serie de TV “Juego de Tronos”. Sí, esta es la embarazada que le pega un estacazo a la abuela. Por cierto, la pobre mujer del hostión recibido pierde la dentadura. Cosa menor porque luego la encuentra y le encaja de puta madre. Este papel es interpretado por Rita Tushingham que en su día salió en "Doctor Zhivago". Otra a la que han engañado para salir en el bodrio reseñado. De los fumetas mejor no destacar a nadie porque son tan malos actores como los personajes a los que interpretan. Por cierto, el penoso, barato y horrendo diseño de producción parece adquirido en una tienda de los chinos de la esquina. Peor ambientación imposible. Sin embargo, el póster de la producción es bastante aceptable lo que lleva a la completa confusión del espectador. 

En conclusión, The Owners me ha perecido una brillante obra maestra. Sutil, delicada y con una narrativa perfecta, nos hallamos ante una obra de arte nunca vista antes por un servidor. Los brillantes diálogos escritos por un cineasta deslumbrante me han dejado postrado a sus pies. Con muchas ganas de ver su nuevo proyecto, de momento me conformo con relamerme de gusto ante la propuesta presentada. De hecho, creo que The Owners desbancará para siempre de la memoria cinematográfica a obras como Ciudadano Kane, El padrino o Viridiana que palidecerán ante la majestuosidad de los hechos narrados.

Nota: 💯

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Julius Berg

Guion: Julios Berg

Fotografía: David Ungaro

Duración: 92 minutos

Reparto: Maisie Williams, 

Rita Tushingham, Sylvester McCoy,

Jake Curran, Ian Kenny, Andrew Ellis

Dating Amber: cine pop y libertad sexual

Dating Amber dirigida por Ruairi O'Brien, responsable de la prestigiosa cinta de terror The Cured, se estrena en cines españoles el próximo día 26 de febrero. La cinta irlandesa participó en la 58ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón dentro de la sección Enfants Terribles. 

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La historia: Ambientada en Irlanda a mediados de los años noventa, Eddie y Amber deciden fingir una relación heterosexual para evitar que todos especulen sobre su orientación sexual. Eddie está ansioso por entrar en el ejército como su padre, mientras que Amber sueña con mudarse al centro liberal de Londres. Sin embargo, su arreglo comienza a desmoronarse, lo que obliga a Eddie a profundizar en su propia negación. Es entonces cuando Amber se da cuenta del peligroso futuro que le espera a su mejor amigo si ella no interviene. 

La crítica: Decía Truman Capote que: "El amor, al no entender de geografía, no conoce fronteras". Mucho de esto, adornado con una preciosista puesta en escena pop, es lo que refleja Dating Amber en su trasfondo. Viajamos al centro de la Irlanda rural para acompañar a Eddie y Amber que se presentan como una extravagante pero muy tierna pareja adolescente. Ambos jóvenes tienen parecidos problemas respecto a su orientación sexual lo que les lleva a su teatral alianza. Asimismo observamos como la "salida del armario" en un entorno rural se convierte en algo quimérico para ambos. El tono gamberro de la cinta se siente acertado con perlas como las pronunciadas por el personaje de Eddie.

Éste, trata de justificar su fallida heterosexualidad con frases como: "Estuve a punto de tocarle una teta...pero de repente sonó el timbre". Amber, su contraparte femenina, también de manera locuaz dice: "Quiero que la gente piense que soy hetero, ¡no una puta!".

Dating Amber retrata con fuerza la frustración y como gestionarla para fortalecer al individuo. Es decir, nos habla y nos inquiere sobre los tiempos en la que la orientación sexual debe ser comunicada o si por el contrario es mejor guardarla en la intimidad para no ser juzgados. La ambientación de la película es mixta. Por un lado, el lado represor de la vida sexual se muestra durante los días de instituto, mientras que la liberación sexual es mostrada a través de un entorno bucólico. Observamos naturaleza, espacios abiertos y paseos en bicicleta donde los personajes son más propensos a relacionarse, conocerse, amarse, desearse o simplemente se dedican a disfrutar de la vida en una acertada alegoría del verano.

La película cuenta con un reparto que encabezan Fionn O’Shea, actor al que hemos visto en el drama histórico El día que vendrá y que pronto protagonizará Cherry, junto a Tom Holland. En el papel de Amber se luce Lola Petticrew, que ha participado en Here Are The Young Men, junto a Anya Taylor-Joy. Ambos actores destilan química en pantalla y se lucen en una interpretación bastante orgánica. El resto de personajes destacan por su excentricidad en un reparto coral bastante acertado.  

Recapitulando, Dating Amber es una sencilla historia que sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una sutil gamberrada sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son. La libertad sexual aparece como principal frente discursivo en un tema que no se acaba de resolver por los múltiples prejuicios que perduran en la sociedad. Y es que no se acaban de soltar amarras con un pasado marcado por el catolicismo represor de dicha libertad sexual. En definitiva, la cinta nos ofrece una mirada honesta sobre los altibajos de la vida reflejados en dos personajes que se hacen querer por sus torpezas, aciertos y deseos frente a la incomprensión de sus semejantes.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Irlanda

Dirección: David Freyne

Guion: David Freyne

Fotografía: Ruairi O'Brien

Duración: 92 minutos

Reparto: Fionn O'Shea, Lola Petticrew,

Sharon Horgan, Barry Ward, Simone K,

Evan O'Connor, Ian O'Reilly, Emma Wil

Nuevo orden: magistral distopía sobre el caos

Nuevo orden dirigida por Michel Franco se estrena en cines españoles el día 19 de febrero. La película fue una de las grandes triunfadoras de la pasada edición del Festival de Venecia llevándose el Gran Premio del Jurado, y recientemente ganadora del premio Forqué a la Mejor Película Latinoamericana del año.

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La historia: Ciudad de México, 2021.  La ciudad vive la mayor crisis social y política de la historia. Mientras tanto, Marian (Naian González Norvind) y Alan (Darío Yazbek Bernal) son una feliz pareja de la alta sociedad que están a punto de celebrar su boda. Lo que se supone que iba a ser el mejor día de sus vidas, está a punto de convertirse en una auténtica pesadilla cuando en medio del banquete se cuelan unos intrusos rebeldes dispuesto a acabar con las ilusiones de novios e invitados. El caos se desata en la mansión y nadie está a salvo. Los asistentes tratan de esconderse y huir pero cada vez los disturbios se van apoderando de la casa, de la urbanización en la que residen y de la ciudad. En medio de toda esta marabunta, el gobierno mexicano utiliza la situación para instaurar un nuevo orden con poderes absolutos y con consecuencias imprevisibles. 

La crítica: Michel Franco, director de Las hijas de Abril, da un brutal salto en su carrera con un impresionante thriller distópico que le coloca entre los más grandes directores del panorama actual. Tras cinco años reseñando películas de estreno en Cine y críticas marcianas, Noroeste Madrid o en Cinemagavia puedo aseverar que es el filme más duro que un servidor haya presenciado en una sala de cine en este lustro. El Gran Premio del Jurado del del Festival de Venecia se antoja merecido y no hubiera sido de extrañar que si el filme hubiera sido estadounidense hubiera arrasado en los Oscars de la Academia. No obstante y de México para el mundo nace un filme con sutiles reminiscencias a Salò o los 120 días de Sodoma o incluso a La naranja mecánica del maestro Kubrick. 

Es cierto que el giro de Michel Franco en Nuevo orden es muy sorprendente y pocos esperábamos un puñetazo en la mesa de tales características. Un cineasta que más bien se había caracterizado por una cinematografía íntima, descarnada, dura, fría y entroncada en lo que solo el cine independiente puede ofrecer. Es decir, hablamos de un tipo de cine social más de silencios que de palabras, más de visiones que de certezas y que estaría en la antítesis de lo que una superproducción de Hollywood puede ofrecer. Pero en la brutal obra hoy reseñada consigue conjugar el cine independiente y el espectáculo que majors y público en general desean. El director mexicano se las apaña para conjugar calidad, mensaje y espectáculo en la cuadratura del círculo cinematográfico. Cabe decir o avisar que la cinta ha sido calificada con el B-15 por sus imágenes perturbadoras y por su violencia gráfica. Violencia, que por otro lado, solo hace reflejar lo que sucede en algunos entornos de la sociedad mexicana y en otros países de su entorno geográfico. 

Nuevo orden presenta dos realidades sociales enfrentadas por la desigualdad en la Ciudad de México. Por un lado, vemos a la alta sociedad -mayoritariamente blanca y culta- celebrando un banquete en una lujosa casa con jardín y por otro lado, -como en Roma-, observamos como el servicio -de origen mestizo- se presenta servil, humillado y con pocas oportunidades de prosperar en la escala social. En cierta manera y de manera muy sutil, Michel Franco bebe de Los santos inocentes en la manera que Mario Camus presentó de manera descarnada la lucha de clases o más bien la disparidad de clases.

Una vez situados en el contexto social expuesto, el cineasta gira la acción hacia una brutal distopía en la que la novia -rica, guapa, blanca y culta- es secuestrada por una corrupta facción del ejercito para pedir un rescate. Otras muchachas y algunos jóvenes varones de la alta sociedad también están siendo secuestrados y reunidos en naves para ser torturados mientras esperan su rescate. Asimismo, el ejercito con ayuda del Gobierno, y ante las revueltas sociales generalizadas, se aplica un auto Golpe de Estado con toques de queda bajo amenaza de muerte, vulneración de todos los derechos civiles y sociales o ejecuciones publicas sin juicio o con coartadas preparadas por las propias autoridades.

En esta parte, la narración es durísima pero refleja con realismo el significado de los secuestros, torturas o ajustes de cuentas que se dan entre el crimen organizado mexicano. Michel Franco, afronta el tercio final de la narrativa con arrojo y en apenas 88 minutos de metraje, nos ofrece una lección magistral de tensión cinematográfica con secuencias y planos que por su sutileza se sienten aún más violentos de lo que realmente aparece en pantalla. Aunque lo que aparece o se sugiere en pantalla es despiadado por la violencia sugerida y a veces expuesta sin tapujos. 

El reparto, sin estar mal, es la parte más flojita de la producción. Un filme de esta categoría hubiera merecido interpretes más curtidos en grandes producciones internacionales. Aún así cumplen de manera aseada con sus papeles. Nuevo orden está protagonizada por algunos de los actores jóvenes mexicanos de moda: Diego Boneta (“Luis Miguel: La serie”, “Terminator: Destino Oscuro”), Dario Yazbek Bernal (la serie “La casa de las flores”) y Naian González Norvind que es la que más destaca en su papel de la chica de clase bien que es ultrajada por unos salvajes animales humanos. Un personaje que es el círculo concéntrico en el que se unifican las narrativas expuestas y que asemejamos a la tragedia griega. 

El diseño de producción es elegante cuando trata de reproducir el lado luminoso de la vida y siniestro cuando nos transporta hasta los túneles de la maldad. Así es como nos encontramos con una radiante fotografía en la fiesta inicial del filme para ir evolucionando hacia un lado más turbio cuando el caos se apodera de la ciudad. Asimismo, nos encontramos ante un preciosista diseño de vestuario en la presentación de personajes que se van desnudando emocionalmente y literalmente en consonancia a la evolución narrativa propuesta por el brillante libreto de Michel Franco. 

En conclusión, Nuevo orden me ha parecido un monumental ejercicio de buen cine sobre una sociedad distópica que no se aleja demasiado de la realidad social actual. La debilidad del reparto impide que hablemos de una obra maestra. En cualquier caso, podemos afirmar que el brutal filme mexicano dejará huella por sus grandísimos elementos cinematográficos. En definitiva, nos hallamos ante un filme  profundo y a la vez visceral que nos habla ante todo de las emociones humanas. Sí, de aquello que nos mueve y nos conmueve, de la cobardía y de la valentía, de la bondad y de la maldad. Pero sobre todo, nos habla de venganza, de resentimiento, de odio y de unas sociedades rotas por la desigualdad social. 

Nota: 9/10. 

Nacionalidad: México

Dirección: Michel Franco

Guion: Michel Franco

Fotografía: Yves Cape

Duración: 88 minutos

Reparto: Naian González Norvind,

Diego Boneta, Mónica del Carmen, 

Darío Yazbek Bernal, Fernando Cuautle,

Eligio Meléndez, Lisa Owen,

Patricia Bernal, Enrique Singer.

La chica del brazalete: la sombra de la duda

 

La chica del brazalete dirigida por Stéphane Demoustier ha tenido su estreno en cines españoles el día 12 de febrero. La producción gala se estrenó en Francia el 5 de febrero de 2020 tras formar parte de las secciones oficiales de los festivales de Locarno y Londres.

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La historia: Todo comienza con una excursión familiar a la playa. Se produce entonces un giro repentino en el guión cuando Lise (Melissa Guers), de 17 años, de una familia adinerada de clase media, es investigada tras la muerte de su mejor amiga. Mientras sus padres (Chiara Mastroianni y Roschdy Zem) lidian con el trauma de diferentes maneras, Lise debe dar cuenta de una forma de vida que no siempre se ajusta a la moral aprobada por el sistema judicial.

La crítica: Donde se ponga un buen crimen que se quiten todas las guarrindongadas de perros, niños poseídos e incluso burros que le ha tocado reseñar a un servidor en este comienzo de 2021. El problema es que entre tanta fauna silvestre casi se me ha olvidado hacer una crítica que se tome en serio lo visto en pantalla de cine. Vamos a ver que sale. 

El tercer largometraje del escritor y director Stéphane Demoustier es un drama judicial nítido e implacable que consigue enganchar al espectador desde el primer minuto. Lise, de 18 años, está acusada de haber asesinado a su mejor amiga. Ésta, antes de su muerte, había subido un vídeo de Lise con un contenido de alto voltaje sexual. Es por eso que la justicia pone en el punto de mira a la muchacha y la acusa de asesinato en supuesta venganza por la difusión de su vídeo íntimo. Pero las pruebas reales son tan débiles que algo no cuadra en la instrucción judicial. Mientras tanto -y de ahí el título del filme- a Lise le colocan un brazalete electrónico a la espera del juicio penal. Un juicio que se convierte más bien en un espectáculo moral sobre la libertad sexual de la acusada. 

La narrativa está estructurada a través del juicio involucrando con fuerza al espectador. Se intercalan imágenes de la vida familiar para otorgar descanso entre las duras sesiones judiciales. El director obliga a dudar continuamente al público sobre si la muchacha es inocente o es culpable. Incluso llega un momento en el que los propios padres dudan sobre quién mató a la amiga de Lise. Todo este suspense va in crescendo según van apareciendo testigos y testimonios contradictorios. De este modo, y abriendo cada vez más la premisa inicial, el cineasta consigue mantener el ritmo narrativo hasta el clímax final que siempre quedará a la interpretación del espectador. 

Pero una cosa es mantener el suspense hasta el final y otra es resolver la trama con un libreto que se explique por sí mismo. Es decir, no se ofrecen alternativas a quién pudo cometer el crimen qué da lugar a toda la historia. Por tanto, es el espectador al final el que tiene que juzgar si la muchacha asesinó a su amiga o imaginar alguna otra posibilidad por su cuenta. Cabe recordar que durante la vista oral no aparece ni como posibilidad que otra persona pudiera estar detrás del crimen. Es por eso que la parte más floja del guión es la de no incluir una lista de posibles sospechosos con la que se hubiera creado muchísima más tensión narrativa. Por otro lado, el morbo sexual impregna buena parte del filme. Vamos conociendo como Lise, era además de amiga, amante ocasional de la joven asesinada en un giro que complica aún más su frágil coartada. 

La chica del brazalete es interpretada por Melissa Guers. Hablamos de una prometedora actriz francesa de 22 años formada en el Conservatorio Sucy-en-Brie. Su interpretación es su primer papel en un largometraje. En la película de Stéphane Demoustier, retrata a la perfección a una joven misteriosa e inquietante que consigue hacer suyo el papel de Lise. Los padres también realizan una contenida interpretación. Chiara Mastroianni y Roschdy Zem son ya veteranos en estas lides y apenas se despeinan en pantalla. Destacar también a la abogada defensora en un gran papel secundario realizado por Annie Mercier. La asesinada Flora Dufour solo aparece en algún flahsback aislado por lo que aún siendo protagonista de la premisa del filme poco cabe decir de la interpretación de Émilie Lehuraux. Destacar, eso sí, el buen diseño de producción de Thomas Jaubert y el montaje de Damien Maestraggi. 

En conclusión, La chica del brazalete a pesar de algunas inconsistencias en su libreto me ha parecido un buen drama judicial con un suspense sostenido hasta su resolución. El final semi-abierto deja un poso en el pensamiento del espectador que tratará de resolver la propuesta por sí mismo. El filme francés también deja preguntas en el aire. ¿Hasta qué punto podemos conocer a nuestros propios hijos? ¿Cuánto los entendemos realmente? ¿Hay límites para el amor que podemos sentir? ¿Es incondicional el amor de los padres? En definitiva, Stéphane Demoustier juega de manera hábil con las expectativas del público que se quedan colgando, suspendidas en el aire, como se deja colgando a los protagonistas mientras esperan su destino. Y cuando llega el veredicto final, viene teñido de dudas. Como suele ocurrir en los juicios penales sin pruebas incontrovertibles, siempre existe la sombra de la duda. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Francia

Título original: La fille au bracelet

Dirección: Stéphane Demoustier

Guion: Stéphane Demoustier

Música: Carla Pallone

Fotografía: Sylvain Verdet

Duración: 95 minutos

Reparto: Melissa Guers, Roschdy Zem, 

Anaïs Demoustier, Annie Mercier,

Pascal Garbarini, Chiara Mastroianni

¡Qué maravilloso es el cine! El chico (The kid)

El chico dirigida por Charles Chaplin regresa a los cines españoles en su versión restaurada en 4K. Este reestreno se ha producido el día 5 de febrero casi coincidiendo con el 100 aniversario de una de las películas más icónicas de la historia. Su estreno oficial se produjo el 6 de febrero de 1921 en los cines de Estados Unidos. Es por eso que hoy desde Cine y críticas marcianas, quiero más que hacer una crítica de esta obra maestra, rendir mi humilde tributo a Chaplin y al significado del cine. 

Para el que escribe estas lineas ha sido muy emocionante el hecho de poder ver este clásico restaurado en una sala de cine. Y más en el contexto en el que nos hallamos. La pandemia ha golpeado a la industria cinematográfica durante el último año pero hay un precedente que sugiere que el cine puede volver con más fuerza. Recordad que el cine siempre vuelve. Convivió con la televisión, venció a guerras, venció al vídeo casero y convivirá junto al subproducto cultural llamado Netflix. Además vencerá a esta pandemia como ya lo hizo hace cien años. Porque eso es lo que hizo Hollywood después de la devastación de la mal llamada gripe española hace un siglo. Como ese virus asesino seguía devastando a Estados Unidos después de la Primera Guerra Mundial, -igual que ahora-, un gran autor estaba trabajando en un proyecto que lo cambiaría todo. El chico nacía con vocación de clásico universal y cien años después se puede afirmar que lo consiguió. 

Lo que hizo que El chico fuera especialmente importante fue que Chaplin, quien no solo escribió, dirigió, produjo y protagonizó e, incluso más tarde, escribió su partitura, ya era una superestrella cuando la filmó. Era el gran vehículo original de una gran estrella, pero una estrella que hasta ahora solo había aparecido en pantalones cortos. El público amaba al 'pequeño vagabundo' y quería más, así que Chaplin se lo dio. El creador de uno de los personajes más famosos de la cultura popular, el vagabundo de buen corazón conocido en nuestro país como Charlot, ya había dado muestras de su talento en el campo del cortometraje, pero a partir de entonces su maestría se manifestaría en todo su esplendor, tanto en el cine mudo como en el sonoro. Hablamos de un maestro de maestros con enormes influencias aún en nuestros días y seguramente en el futuro. 

Charles Chaplin ha sido, es y será uno de los grandes nombres de la historia del cine. El chico fue la primera de sus muchas aportaciones al séptimo arte, con títulos tan destacados e inolvidables como “El gran dictador”, “Tiempos modernos”, “Luces de la ciudad” o “Candilejas”.

El chico nos cuenta como Charlot se ve obligado a adoptar a un bebé abandonado. No tarda en tomarle cariño y cuando crece le enseña algunas técnicas esenciales de supervivencia callejera. Con el tiempo los dos forman un gran equipo para buscarse la vida. Pero un día el chico enferma y los servicios sociales tratan de arrebatarle la custodia a Charlot. Hablamos de una película muda en la que la música también actúa como sujeto narrador. Una música que eleva, acompaña y define una trama sencilla pero eficaz. Con la fotografía restaurada ahora en lo visual también es un lujo por lo que la experiencia es completa. 

El chico también tiene una historia de fondo extraordinaria: Chaplin había perdido a su hijo pequeño, Norman, solo diez días antes de que comenzara la producción. Esto profundiza en la poderosa interacción entre el vagabundo y el niño. La película tiene alma, tiene fondo y tiene forma. Con un metraje de una hora de duración y diversión en cada secuencia, podríamos volver a decir eso de: ¡Qué maravilloso es el cine!

No me quiero extender más para dejar en la medida de lo posible libertad visual para aquel que no haya visto la producción. Si diré que la cinta contiene todos los elementos universales que confluyen en dos sentimientos tan importantes como son la bondad y el amor.

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Charles Chaplin

Guion: Charles Chaplin

Música: Charles Chaplin

Fotografía: Roland Totheroh (B&W)

Duración: 68 minutos

Reparto: Charles Chaplin, Jackie Coogan

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