¡Qué maravilloso es el cine! Manhattan

¡Bienvenidos a la temporada 2025 - 2026 de Cine y críticas marcianas!

Espero que hayáis pasado un buen verano o al menos sin muchos sobresaltos. Hoy quiero empezar con un clásico cinematográfico de alto calado y con la sección de ¡Qué maravilloso es el cine! que es la niña mimada de esta bitácora digital. 

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Manhattan del maestro Woody Allen estrenada en el año 1979 nació con vocación de clásico universal. Tras más de cuarenta años después de su llegada a los cines, aún se siente como una película que aborda de manera maestra los conflictos personales que surgen en las relaciones amorosas.  En cierta manera, Manhattan también es un musical que siempre será recordado por la magistral música de George Gershwin.

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Capítulo primero: "Él adoraba Nueva York. Para él era una metáfora de la decadencia de la cultura contemporánea.....él era tan duro y romántico como la ciudad que amaba. Tras sus gafas de montura negra se agazapaba el poder sexual de un jaguar". -Woody Allen.

Cuando el cine aparece en tu vida para rescatarte de un mala experiencia y hace que vuelvas a enamorarte de él, es cuando comprendes el porqué de que este arte visual sigue emocionando a las nuevas generaciones de cinéfilos. Las sensaciones percibidas a través del séptimo arte hacen que las mejillas de millones de hombres y mujeres se humedezcan al contemplar una obra de arte como en su momento fue Manhattan. La cinta marca el camino con su narrativa, sus diálogos y su visualidad en blanco y negro de una perfecta transición entre lo fue el cine clásico y lo que ahora es el cine de actualidad.

La película es el guion maestro de Woody Allen y de ella sale lo que posteriormente ha sido su obra artística. En cierta manera, todo lo que ha hecho el cineasta de Nueva York en su carrera es una continuación de Manhattan. En la historia observamos todos los significados geográficos y sentimentales que le llevaron a crear su gran obra maestra.

El cine, el amor o la amistad en muchas ocasiones no se buscan; son ellos las que te encuentran a ti. Así lo hizo Manhattan conmigo. La experiencia fue inolvidable. Hablamos de una noche indeterminada en un cálido y largo verano en la ciudad de Madrid, cuando por una casualidad, me encontré de bruces con una reposición de la película hoy reseñada. En cierta manera cuando entré en ese cine es como si me hubiera trasladado al año 1979 y estuviera viendo su estreno. Y sí, claro, una vez más se produjo ese flechazo cinéfilo que hoy nos reúne aquí a todos los que amamos el cine, sus películas y las historias que se reflejan en ellas. En el fondo las historias que narra el cine son una transposición de lo que nos sucede a las personas en las distintas etapas de nuestra vidas. 

Manhattan es como una bella metáfora de la vida que se divide en tres partes. Su nacimiento con ese magistral opening musical narrado es una carta de amor a la ciudad de Nueva York. También al significado cromático, sensual y sentimental que representa esa ciudad para el cineasta y para todos los amantes del cine. La parte central de la película es en cierta manera como el desarrollo de la vida en su edad adulta. En esta etapa es cuando las decisiones que tomamos nos hacen cambiar las circunstancias vitales de cada uno. Y por último, un brillante final que nos congracia con la vida, con el ser humano y con la fuerza del amor. Woddy Allen con un emocional alegato final pretende volver a hacernos creer en las personas, en el amor o en la amistad desde una dulce inocencia que deslumbra en la mirada final de Mariel Hemingway. El gesto de Allen en la secuencia final habla más que todo el libreto expuesto anteriormente.

Pero no hay que olvidar que Manhattan es ante todo una comedia y guarda entre sus imágenes diálogos para el recuerdo a cual de ellos más graciosos y a la velocidad acostumbrada en el cineasta neoyorquino. Algunas perlas serían las siguientes:

_ Yo soy conservador. No me gustan las relaciones extramaritales. Creo que la gente debería estar junta de por vida. Como las palomas o los católicos.

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_ Finalmente tuve un orgasmo y mi médico me dijo que fue con el tipo equivocado. 

_ ¿Tuviste uno con el tipo equivocado? Yo nunca tuve uno equivocado. Mi peor orgasmo fue perfecto.

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_ Escucha, tengo que ir por mi perro. ¿Me esperas? Voy a sacarlo a caminar.

_ ¿Tienes prisa?

_ No, claro. ¿Qué raza de perro es?

_ La peor, es un perro salchicha. Es el sustituto del pene para mí.

_ Yo hubiera creído que en tu caso, tendrías un gran danés. 

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_ Estoy pensando en que debe pasarme algo malo...porque nunca he tenido una relación con una mujer que durara más que la de Hitler con Eva Braun.

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_ ¿Tomaron café descafeinado? No es muy romántico. Tiende al lado geriátrico.

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 _ No me mires con esos ojazos tristes que pareces uno de esos niños hambrientos bolivianos. 

Allen merodea sobre sus obsesiones para desarrollarlas en el resto de su filmografía. Temas como la sexualidad, el psicoanálisis, la cultura, la intelectualidad impostada, la crítica al mundo del arte moderno, la religión, la inseguridad, los afectos y desafectos, la infidelidad, los traumas amorosos, la homosexualidad, la inocencia o la madurez son tratados con un fuerte sarcasmo y una ironía infinita. Hablamos de una parodia de lo que representa su pensamiento y su forma de entender la vida. Manhattan es en sí misma un libro de estilo de lo que es un cine atemporal, universal y la mejor manera para conocer cómo, porqué y para qué se dedicó Woody Allen a estar en el mundo del cine.

Manhattan es una pequeña joya y a la vez una gran película. Una historia que se centra en buscar los extraños designios del amor en las relaciones interpersonales. Con un reparto encabezado por el propio Woody Allen y acompañado por las geniales Meryl Streep, Diane Keaton y Mariel Hemingway, el cineasta estadounidense busca en ellas una forma de moldear el pasado, el presente y el futuro que siempre está por escribir. En definitiva, las películas son la representación de un estado de ánimo, y el cine en sí mismo debe aspirar a ser un encuentro con nuestros sueños pasados, presentes y futuros. Es por ello, que tengo la sensación al escribir estas letras que cuando te encuentras con algo o alguien que te haga ver que la vida es más bonita con ella o con él no deberíamos dejar escapar ese tren. De eso nos habla Manhattan, cuando en la poética escena final, la dulce Mariel Hemingway nos convence de que aún hay esperanza en las personas, en el amor o incluso en la incorruptibilidad del ser humano. 

Nacionalidad: EE UU

Género: Comedia - Romance

Dirección: Woody Allen

Guion: Woody Allen

Fotografía: Gordon Willis (B&W)

Música: George Gershwin

Duración: 95 minutos

Reparto: Woody Allen, Diane Keaton,

Meryl Streep Mariel Hemingway

¡Qué maravilloso es el cine! La quimera del oro (1925 - 2025)

La quimera del oro dirigida por Charles Chaplin regresa a los cines españoles el día 26 de junio de 2025, fecha exacta en que se cumple un siglo de su proyección inicial en Estados Unidos. Con una versión restaurada en 4K, la reposición irá llegando a las salas de todo el mundo formando parte de la celebración global del centenario y conmemorado uno de los mayores hitos del cine mudo.

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Klondike, finales del siglo XIX. Los aventureros parten hacia las montañas nevadas en busca de vetas de oro. Entre ellos está Charlot, que se refugia un día tormentoso en una cabaña aislada donde conoce a otros dos buscadores de oro. De regreso a la ciudad con las manos vacías, el hombrecillo conoce a Georgia, de quien se enamora (A Contracorriente).

Ay, el oro. El valor real del oro trasciende su cotización en el mercado; es un símbolo de deseo, sacrificio y esperanza humana. Históricamente, el oro ha sido refugio de valor, codiciado por su rareza y estabilidad, pero su verdadero peso radica en las emociones y ambiciones que despierta. En La quimera del oro, Charles Chaplin captura magistralmente esta dualidad. Su personaje, el Vagabundo, busca fortuna en la fiebre del oro de Klondike, pero la película no glorifica la riqueza material, sino la resiliencia y el anhelo humano por algo mejor. El oro, en la cinta, representa un sueño esquivo. Las penurias del Vagabundo —hambre, frío, soledad— reflejan el costo emocional de perseguir un ideal. Escenas como la danza de los panecillos o la cabaña al borde del abismo son enternecedoras. 

Chaplin usa el oro como metáfora de las quimeras humanas: deseos que nos mueven, pero que a menudo nos enfrentan a nuestra vulnerabilidad. Hoy, el oro sigue siendo un activo seguro, pero su valor emocional, como en la película, está en lo que representa: seguridad, éxito, o un futuro mejor. Por cierto, en estos días convulsos para el mundo ha alcanzado su máxima cotización. En 1942, Chaplin reestrenó la película con banda sonora compuesta por él mismo y narración en off, logrando dos nominaciones al Oscar. En 1992, fue incluida en el Registro Nacional de Cine de Estados Unidos por su relevancia cultural, histórica y estética. Ha sido proyectada en festivales de cine de todo el mundo, y figura entre las mejores películas de todos los tiempos en múltiples rankings.

Para celebrar el centenario de la película, se emprendió una nueva búsqueda mundial para localizar más material de 1925 en formato original completo. A partir de la reconstrucción de Brownlow y Gill, y gracias al esfuerzo conjunto de varios archivos cinematográficos de todo el mundo, esta restauración ofrece la oportunidad de ver la obra cumbre de Chaplin un paso más cerca de su forma original. Un hito en su carrera artística, La Quimera del Oro fue la primera de sus películas mudas que Charles Chaplin revivió para nuevas audiencias, añadiendo sonido. Para el reestreno de 1942 compuso su propia partitura orquestal y reemplazó los intertítulos con una narración hablada por él mismo. Entre las escenas que recortó se encontraba el prolongado abrazo final con Georgia, con quien había mantenido una larga y a menudo romántica amistad. Tal vez sentimientos personales lo llevaron a reemplazar el beso por una toma más casta de la pareja caminando de la mano. Esta escena final se rodó a bordo del barco Emma Alexander, entre Los Ángeles y San Diego, e incluyó 16 tomas del beso que finalmente fueron eliminadas. 

¡Bastantes besos del pillo de Chaplin, je, je!

Qué decir del reparto: Chaplin maravilloso y en estado de gracia. En las escenas de la cabaña le acompaña el actor Mack Swain cuyo personaje está tan hambriento que cree que Chaplin es un pollo. En la versión final, esta escena tiene lugar solo en la cabaña, pero fotografías de producción demuestran que también se rodó una persecución en la nieve. Chaplin interpretó él mismo al pollo. Para una toma, otro actor se puso el disfraz, pero el resultado fue inútil: nadie más tenía el don de Chaplin para la metamorfosis. Hay más personajes en la montaña, pero no quiero extenderme demasiado. Pero sin duda no me puedo olvidar de Georgia Hale que interpreta a Georgia y de la que nuestro protagonista queda enamorado de por vida. El amor por la mujer es al principio unidireccional (la vida sigue así), ella se ríe de él, pero acaba conquistada por el buen corazón y las gracias de Charlot. No haré más spoiler aunque después de 100 años...

El año 2025 marca el 100º aniversario de La Quimera del Oro de Charles Chaplin. Todo Hollywood asistió al espectacular estreno en el Egyptian Theatre de Grauman el 26 de junio de 1925. El prólogo en escena incluyó bailarinas esquimales, una escuela de focas encaramadas en un glaciar de aspecto ártico, seguido por bailes impresionantes realizados por jóvenes fascinantes con trajes ricos y bellos, en armonía con la atmósfera ártica y evocando los estados de ánimo de la tierra blanca y desolada. Otros números incluyeron patinaje artístico sobre hielo, un número con globos, una escena de salón de baile estilo Monte Carlo y una lectura del poema TheSpell of the Yukon. 

Y otra escena que no puedo dejar de recordar porque es mítica para la historia del cine sucede en la cabaña: Charlot, hambriento y atrapado en la nieve, cocina su viejo zapato con la ilusión de un banquete. Con delicadeza, hierve el cuero como si fuera un manjar, sus ojos brillan de esperanza en medio de la desesperación. Corta el zapato con cuidado, saborea cada bocado con dignidad, transformando la miseria en un acto de resistencia. Su sonrisa, mezcla de humor y tristeza, revela la fuerza del espíritu humano frente a la adversidad.

La quimera del oro es un filme fascinante, muy divertido y además nos deja una reflexión sobre la fiebre del oro: la película es un espejo de la condición humana, donde la codicia y la esperanza se entrelazan. El oro no solo era riqueza; era la promesa de redención, un escape de la miseria. Miles dejaron todo, enfrentando hambre, frío y desolación, movidos por un sueño que a menudo se desvanecía en el polvo. Emotivamente, esta fiebre refleja nuestra búsqueda incansable de sentido, de un "algo más" que justifique el sacrificio. En la película, el Vagabundo de Chaplin no solo persigue oro, sino amor y dignidad, mostrando que el verdadero tesoro es la resiliencia ante la adversidad. Hoy, las fiebres modernas —dinero, fama, éxito— replican esa urgencia, pero nos recuerdan lo mismo: el valor no está en lo que se encuentra, sino en lo que somos mientras buscamos. La fiebre del oro es, en esencia, la fiebre de ser humanos.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: The Gold Rush

Género: Comedia, Aventuras

Guion: Charles Chaplin

Música: Max Terr

Fotografía: Jack Wilson

Duración: 95 minutos

Reparto: Charles Chaplin, 

Mack Swain, Georgia Hale, 

Tom Murray...

Películas curiosas: "Impacto" de Arthur Lubin

Impacto dirigida por Arthur Lubin es una película clásica estrenada en el año 1949 y enmarcada en el ámbito del cine negro americano. La cinta podría haber sido publicada en la sección de ¡Qué maravilloso es el cine!, pero guarda entre sus entrañas una curiosidad o peculiaridad que la inscribe en mi serie de películas curiosas de la historia del cine.

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Walter (Brian Donlevy) es un exitoso empresario que vive en un idilio permanente junto a su joven esposa Irene (Helen Walker). Pero como dice el refrán: "No es oro todo lo que reluce". El industrial desconoce que su mujer tiene un amante y que juntos han ideado un siniestro plan para matarle. Al ser consciente de estos hechos tras un incidente, decide esconderse un tiempo en un alejado pueblo. Allí, prepara la venganza a la vez que asume el duelo por el engaño al que ha sido sometido. En el pequeño municipio al que ha ido a parar, conoce a una joven llamada Marsha (Ella Raines). Ésta, le ayudará a recomponer su vida y a preparar su vuelta a la ciudad en la que volverá a encontrase con su todavía esposa. 

Impacto es una de esas películas que podría ser mencionada como ejemplo de tener un buen argumento. Es decir, un buen guion. Pero como decía en la presentación, la película es bastante curiosa porque fue una de las primeras que incluyó sin tapujos la publicidad encubierta en el cine. La Coca-Cola sale dos veces mencionada y la imagen de la marca se ve reflejada con claridad en dos escenas.

Otras marcas comerciales que se ven en pantalla son las furgonetas Bekins, gasolina, aceite y neumáticos Mobil, la cerveza Pabst Ribbon, los relojes Gruen y las joyas de Magnin & Co. Estas son presentadas en las escenas iniciales y están perfectamente integradas en la trama. A lo largo de la cinta, la esposa de Walter sigue usando varias joyas de Laykin et Cie.

Otra curiosidad de la cinta es que aparece en el cine una de las primeras mujeres que se dedicaban a la mecánica de coches en un taller. De hecho, en la actualidad sigue siendo una rareza que una mujer trabaje de mecánico. Suelen estar, si están, en la recepción de los talleres. Esto no pretende ser ni un alegato, ni una defensa, ni un ataque. Es una realidad sin más que añadir por mi parte.

Respecto a la propia temática de la película y debido a sus características voy a contar muy poco. Hablamos de un cine de intriga y suspense que debe ser disfrutado en su totalidad para quien aún no haya visto la producción. Los narrativa se circunscribe al clásico cine negro con continuos giros de guión de principio a fin de la propuesta.

El reparto está alejado del glamour de las estrellas de cine de Hollywood. Casi podríamos hablar de cine B por su presupuesto. Brian Donlevy interpreta de manera potente al empresario engañado. Su personaje representa la frustración, el dolor y el duelo por haber perdido el amor de la mujer a la que tanto amó.

Por su parte, Helen Walker no acaba de convencer en su interpretación como villana mayor del reino. Su personaje es la crueldad personificada. Es manipuladora, fría y calculadora. Por el contrario, el personaje de Marsha es su perfecta antítesis. La joven que cura las heridas del industrial engañado es todo bondad. Se encarga de este papel la bella actriz americana Ella Raines que impresiona por sus enormes ojos azules que resaltan incluso en el blanco y negro de la filmación.

En conclusión, Impacto es una pequeña joya del cine clásico que aporta numerosas curiosidades para la historia de la cinematografía. Una película que también nos invita a investigar en el comportamiento del alma humana o sencillamente un filme que sirve para hacernos disfrutar del maravilloso mundo del cine.

Título original: Impact

Duración: 111 minutos

Género: Cine negro, Drama

País: Estados Unidos

Dirección: Arthur Lubin

Guion: Dorothy Davenport, Jay Dratler
(Historia: Jay Dratler)

Música: Michel Michelet

Fotografía: Ernest Laszlo

Reparto: Brian Donlevy, Ella Raines,
Charles Coburn, Helen Walker,
Anna May Wong, Robert Warwick,
Clarence Kolb, Art Baker

¡10 interpretaciones femeninas para el recuerdo!

Si en la publicación anterior echábamos una mirada a 10 de las mejores interpretaciones masculinas hoy hacemos un ranking con 10 grandes interpretaciones femeninas en la historia del cine. Por supuesto, faltarán muchas intérpretes ya que el criterio seleccionado es el de este escribiente. Comencemos de manera inversa hasta llegar a la mejor interpretación. 

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10. Jodie Foster en Acusados de 1988.

Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Martin Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con 'Acusados' con la que conseguiría su primer Oscar como actriz principal. Barbara Valera dijo lo siguiente: "Lo más destacable de la cinta es la gran actuación de una joven Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos".

9. Vivien Leigh en Un tranvía llamado deseo de 1951.

Pablo Kurk de FilmAffinity encontró las palabras adecuadas para definir la cinta y las interpretaciones: "Elia Kazan bucea en las relaciones de pareja, según la obra de Tennessee Williams, para mostrar -sin ningún tipo de anestesia- un tenso y apasionante ejercicio de sinsabores y verdades escupidas a la cara. Magistrales interpretaciones (de Leigh, Malden y Hunter) que se llevaron el Oscar mientras Brando, que revolucionó el mundo de la interpretación pero se quedó sin la estatuilla (se la dieron a Bogart por "La reina de África"), sudaba una camiseta que le encumbró en el olimpo de los mitos. Imprescindible.

8. Nicole Kidman en Dogville de 2003.

Impactante actuación en una película con una decoración no menos impactante. Daniel Andreas lo explicó de manera perfecta: "Abrumadora y perversa inteligencia de Lars Von Trier que hace que la forma y fondo sean una unidad inseparable, y uno no sabe qué admirar más: si la coherencia del relato, el juego metafílmico entre el personaje del intelectual y el propio director, la mezcla y renovación de los géneros fílmicos, el decorado-escenario, el conjunto como alegoría, la fuerza de las escenas individuales, la magistral interpretación de Nicole Kidman, la fugaz pero deslumbrante presencia de James Cann o ese final operístico y demoledor. Nadie hace cine ni remotamente parecido".

7. Elizabeth Taylor en La gata sobre el tejado de zinc en 1958. 

Peter Bradshaw en The Guardian hizo una gran revisión de la película. Maggie (Elizabeth Taylor), es crucificada por su desesperación por lograr que Brick la desee: se la interpreta con una intensidad hipnóticamente felina, irradiando desde ese rostro ovalado perfecto, el vestido blanco prístino sobre su combinación opaca ceñida para acentuar una cintura notablemente delgada y la absoluta imposibilidad de estar embarazada. Y un placer cómico negro muy real de la película es lo odiosos que somos de niños. El propio WC Fields asentía sombríamente ante el comportamiento de estas espantosas pequeñas bestias, sumergiendo sus manos sucias en tarros de helado o disparando seis tiros de juguete que destrozan los nervios a los adultos"

6. Bette Davis por Eva al desnudo en 1950.

Una interpretación memorable que marcó su gran carrera. Luis Martínez en el Diario El País revisó la película con esta perla: "Bette Davis está genial. Aunque la pregunta es quién no lo está en esta inmarcesible película sobre la ambición, la capacidad de envenenar y, al margen de lecturas, sobre el placer de escuchar un guión perfectamente hilvanado". 

5. Marilyn Monroe por Vidas Rebeldes en 1961.

En mi opinión la mejor interpretación de Marilyn en toda su carrera. En su mirada melancólica se podía deducir que el final de la estrella y del mito se acercaba. Tara Brady en Irish Times encontró las palabras adecuadas: "Reforzada por las increíbles actuaciones de Monroe y Gable y la meticulosa fotografía de Russell Metty, es una experiencia visual poderosa y emotiva".

4. Katharine Hepburn por Historias de Filadelfia en 1940.  

Una diva y una actriz portentosa. Con 4 Oscars de la Academia aún sigue liderando esa marca que ninguna otra actriz ha logrado igualar. Jake Hamilton en Empire dijo lo siguiente: "Un reparto excelente, un gran argumento y un guion inteligente hacen de ella un clásico del género, con uno de los mejores papeles de Katherine Hepburn".

3. Audrey Hepburn por Desayuno con Diamantes en 1961.

Esta vez tomaré mis propias palabras de la retro reseña de la película: "El filme es un icono de la cultura popular norteamericana y de la época dorada de Hollywood. También fue una de las cintas que encumbró a Audrey Hepburn a la categoría de estrella mundial del séptimo arte. Miles de imágenes de la actriz referenciadas a esta película se vieron en otras muchas, además de en toda clase de recuerdos, carteles y cuadros para la posteridad".

2. Meryl Streep por Los puentes de Madison en 1995.

La secuencia final del melodrama filmado por el maestro Eastwood es una obra maestra en sí misma. Meryl Streep supo transmitir mejor que nadie el significado de dilema. Pablo Kurt en FilmAffinity se expresó así: "Su grandeza es que algunos la ven como una historia sobre el amor, la aventura o el adulterio, mientras otros atienden al trasfondo de la vida sacrificada, los sueños no cumplidos y el dilema del ser frente al querer ser. Algunos la ven y empatizan desde el personaje de ella, y otros reclaman atención hacia el hecho de que el verdadero drama quizá esté en él. Abierto sigue el debate. En cualquier caso nadie discute que ambos se embarcan en un viaje emocional pocas veces visto en el cine reciente. La ceguera de Hollywood la nominó a solo un Oscar -mejor actriz-. El final, siempre recordado, en la que el duro Clint llora de amor bajo la lluvia mientras la mano de Streep duda entre abrir o no la puerta a una nueva vida..."

1. Rita Hayworth por Gilda en 1946.

Para concluir era imposible olvidarse de Rita Hayworth en una película considerada una obra maestra. Extraigo un extracto de mi retro reseña sobre el filme: "Gilda dirigida en el año 1946 por el cineasta húngaro Charles Vidor es un icono en la historia de la cinematografía. Hay películas que marcan un antes y un después para algunas estrellas de cine. Y de lo que no cabe duda es que con este filme Rita Hayworth consiguió la universalidad en la memoria colectiva del espectador"

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P.D. Os animo, como en la publicación anterior, a enriquecer la entrada dejando algún comentario sobre alguna interpretación femenina que os impactara o que recordéis con cariño.

¡Qué maravilloso es el cine! La última película (The last picture show, Peter Bogdanovich, 1971)

La última película dirigida por Peter Bogdanovich estrenada en 1971 es un estupendo filme que otorga sentido a la sección de 'Qué maravilloso es el cine'. Titulada de manera original como 'The last picture show' hablamos de uno de los grandes clásicos de la historia del cine y de una gran forma de adentrarse en la carrera de un cineasta muy especial.

Disponible en Prime y Filmin

LA AMÉRICA PROFUNDA

Basada en en la novela homónima de Larry McMurtry, La última película retrata de forma maestra un tiempo, un espacio y un lugar. Hablamos de Anarene, en Texas, un pequeño municipio de unos 1000 habitantes que refleja de manera colosal esa "América profunda" que tantos ríos de tinta ha hecho correr. La otra cara de Hollywood, y por ende de los Estados Unidos de los cincuenta, aparece retratada de manera hipnótica para el espectador. Bogdanovich utiliza el filme como su memorándum con las líneas maestras de lo que fue una forma muy especial de sentir el cine.  

Miles de pequeños pueblos de Estados Unidos están habitados por trabajadores blancos que poco o nunca viajaron, guardan un arma en casa y ven a los urbanitas como a seres de otros planetas. Hace unos años, el escritor Joe Bageant narró en un libro muy potente (Crónicas de la América profunda, Editorial Marea) las vidas de esos norteamericanos que están dispuestos a matar y morir por la imagen de un país construido en la televisión y en las salas de cine. El filme reseñado hoy es otra estupenda crónica de esa América que tantas alegrías ha otorgado al cine y a la literatura. Podríamos afirmar que Stone en su Giro al infierno actualiza la mirada de Bogdanovich sobre el interior de Estados Unidos. De manera más reciente el cineasta Ti West nos dejó un gran retrato en X potenciando el miedo, los traumas y la vez la sensualidad narrativa que aportan sus personajes retorcidos. 

CUANDO LA JUVENTUD SE ABURRE CON EL RABO MATA MOSCAS

La última película cuenta la historia de los ritos del paso generacional en Anarene, una ciudad ficticia de Texas. Es 1951, y el último año de instituto para Sonny (Timothy Bottoms) y Duane (Jeff Bridges), que se dedican a jugar al fútbol, ir al cine en el Teatro Real, pasar el rato en el salón de billar propiedad del anciano Sam y también se centran en el interés lujurioso por la jovencita Jacy Farrow (Cybill Shepherd). Los tres jóvenes sólo tienen cuatro opciones de diversión: un billar, un restaurante, un cine y el sexo.

Los jóvenes del pueblo se sienten insatisfechos y aburridos. Son como unos espectadores de sus propias vidas en una localidad encerrada en sí misma en la que no hay mucho que hacer. Todo es un sueño inmóvil del que muchos intentan huir emigrando a la gran ciudad, alistándose en el ejercito o buscando un marido que al menos les otorgue una buena posición dentro de escala social de la población. La crisis de la posguerra mundial y la guerra en Corea atemorizan a los variopintos personajes del lugar que se refugian en el cine, en las habladurías o en relaciones sexuales que pongan algo de color en sus vidas. 

PERSONAJES PRINCIPALES E INTERPRETACIONES

La cinta es narrada a través de los ojos de Sonny que es interpretado por Timothy Bottoms. En las primeras secuencias aparece coqueteando con Charlene, su primera novia, con la que se entretiene en el cine o en el coche con juegos sexuales que no son más que un pasatiempo para el joven. Realmente está enamorado de Jacy como casi todos los chicos del pueblo. Es el personaje más importante del filme y quizás el único que desea permanecer en Anarene para el resto de sus días. Retrata a la perfección el amor a los orígenes y el conformismo con la tierra en la que le ha tocado vivir. La secuencia de cierre, en este aspecto, es magistral. 

El personaje de Jacy supuso el rotundo debut de Cybill Shepherd. Hablamos de una joven 'Lolita', que busca perder la virginidad pues según su propia madre esto le abrirá las puertas del mundo. Jacy es caprichosa, retorcida y consciente de la atracción que despierta en los hombres. Incluso consigue manipular a Sonny para que huyan del pueblo y se casen a escondidas. Un matrimonio que será rápidamente anulado y que supone el contrapunto de la pérdida de la inocencia de Sonny. Éste se echa en brazos de la esposa del entrenador de la escuela con la que mantiene una relación secreta y tortuosa. La actriz Cloris Leachman representa a la mujer madura y aburrida que busca en el muchacho la revitalización de su existencia. Ganó el Oscar de la Academia con su sutil interpretación de Ruth. También fue premiado con el Oscar, Ben Johnson por su interpretación de Sam “El león”. Sam es el propietario de tres de los negocios del lugar y conoce todos los secretos de los lugareños. Un personaje querido por sus semejantes y que se presenta en pantalla como el buen padre y en el que todos confían. La filmación obtuvo ocho nominaciones a los Oscar, incluyendo mejor película y mejor dirección. 

Un jovencísimo Jeff Bridges interpreta al personaje antagonista del bueno de Sonny. La amistad de ambos parece sólida desde el comienzo de la historia pero se pone en entredicho pues ambos están enamorados de Jacy. Bridges brilla en el rudo papel de Duane y a través de él observamos también la situación social de Estados Unidos de los años cincuenta. Un país aún deprimido en su economía por los costos de la Segunda Guerra Mundial y que se involucraba, ahora, en la guerra de Corea. Durante el rodaje tanto Timothy Bottoms como Jeff Bridges se enamoraron de Cybill Shepherd que tenía 20 años por aquel entonces. Sin embargo, Shepherd quedó prendada de Bogdanovich con el que mantuvo un romance que rompió el matrimonio del cineasta estadounidense de origen yugoslavo. En cierta manera los personajes, interpretes y director se involucraron tanto en el proyecto que la realidad y la ficción se fusionaron. 

CONCLUSIONES

Rodada en un bellísimo blanco y negro, La última película es un gran homenaje al cine, una profunda crónica sobre la historia de un momento muy especial en Estados Unidos y el memorándum con el que Peter Bogdanovich deslumbró a toda una generación de cinéfilos. El título hace referencia al cierre del cine de Anarene que ya no podía competir con el auge de la televisión. Pera la caída de la única sala de cine del pueblo no era más que la constatación de la emigración a las ciudades. La última función del Cine Royal, en Anarene, se muestra en pantalla con Sonny y Duane ya reconciliados ante los fotogramas de Río Rojo de Howard Hawks.

 

Por otro lado, y al hilo de la película citada de Hawks, Bogdanovich refleja en esta mirada a la sociedad rural estadounidense su amor hacia el western crepuscular. La atmósfera, los planos estáticos sobre la población, y la música están plagados de añoranzas hacia el citado género sin olvidar que nos hallamos ante un lujurioso coming of age que perpetra deseo y pasión en cada fotograma exhibido.

El cineasta también bebe del Neorrealismo italiano y de la ruralidad opresiva que Roberto Rossellini reflejaba en Stromboli. Sin embargo, en el filme reseñado ese hiperrealismo en la narración no está exento de belleza y de esperanza en los personajes representados. En definitiva, nos hallamos ante una filmación hipnótica y fundamental para entender el cine contemporáneo. Sin perder un ápice de actualidad, La última película nos depara un ejercicio maestro de sutileza narrativa que a su vez es exquisito en lo visual y perturbador en la profundidad del relato. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Peter Bogdanovich

Género: Drama, Romance 

Guion: Peter Bogdanovich,

Larry McMurtry

Música: Phil Harris, Johnny Standley

Fotografía: Robert Surtees (B&W)

Duración: 118 minutos

Reparto: Timothy Bottoms,

Jeff Bridges,Cybill Shepherd,

Ben Johnson,Cloris Leachman,

Ellen Burstyn, Randy Quaid

¡Qué maravilloso es el cine! El tesoro de Sierra Madre

México, 1925. Fred Dobbs (Humphrey Bogart) es un estadounidense que sobrevive en las calles de Tampico mendigando mientras encuentra una oportunidad de trabajo. Tras ser estafado por un contratista y acabar en un albergue para vagabundos, entabla amistad con dos compañeros y entre los tres deciden aventurarse en la Sierra Madre mexicana en busca de una mina de oro que pueda cambiar sus destinos para siempre.  

El tesoro de Sierra Madre dirigida por John Huston en 1948 se basa en la novela homónima de Bruno Traven y supuso un cambio de registro para Bogart. Nos hallamos ante una interpretación memorable para un personaje inusual en el cine de Hollywood. Hablamos de un hombre blanco, estadounidense y sin problemas de salud que mendiga en México.

Es decir, se invierten los términos o clichés que hasta la época prevalecían en este tipo de cine. Aunque la película se adscribe al género Western a mí me gusta más englobarla en el cine de aventuras ya que además fue rodada en el Este de México. La narrativa se asienta sobre la "Fiebre del oro" y los cambios psicológicos que esta producían en las personas que se dedicaban a esta tarea. 

La presentación de la película es gloriosa y consigue la paralización del espectador al ver a Bogart mendigando unas monedas para cubrir sus necesidades básicas. El cambio con respecto a Casablanca o El halcón maltés es radical. Seguimos las andanzas de Dobbs  -su personaje- por las calles de Tampico con un cierto hipnotismo. Así es como vemos su jocoso paso por una barbería, un tenso encuentro con un niño que le vende un billete de lotería, un lúbrico cruce de miradas con una prostituta (tremendo cameo de Ann Sheridan) y el primer encuentro con aires filosóficos con sus futuros compañeros de aventuras. 

Y es que los tres personajes principales: Howard, Dobbs y Curtin (Walter Huston, Humphrey Bogart y Tim Holt) tienen una primera conversación en la que se asientan las bases sobre lo que veremos en la ruta que les llevará hasta El tesoro de Sierra Madre. En ese momento observamos como John Huston presenta a tres personas con inocencia, compañerismo y buenas intenciones. Pero el más mayor, Howard, curtido en mil batallas, ya les advierte que el oro convierte a las personas en codiciosas. El filme, a lo largo de sus dos horas, se presenta como una obra maestra en relación a los cambios en la conducta humana. La maleabilidad de las personas se presenta como el principal frente discursivo llegando a altas cotas de egoísmo en el personaje de Bogart. 

La parte central del relato nos lleva de viaje por las áridas tierras de Sierra Madre donde los protagonistas encuentran un yacimiento de oro y deciden explotarlo de manera más o menos democrática. Pero pronto la codicia, la envidia o el miedo al robo hacen que cada uno de ellos guarde su parte del mineral dorado en un escondite oculto. El recelo se va a apoderando de los tres hombres y los conflictos no tardan en estallar. Los personajes están en continua evolución y transformación lo que hacen del libreto una obra magistral. Nunca serán los mismos hombres que se cruzaron en Tampico: 100.000 dólares a repartir -sin contar la inflación actualizada- en el supuesto de que consigan vender el oro. Hablamos de un botín casi inmanejable en las mentes de los que hasta hace poco eran indigentes.

La cinta cuenta con una poderosa banda sonora dirigida por el maestro Max Steiner. Visualmente, Houston se resiste a los encantos del sur de la frontera, fotografiando el paisaje con una iluminación descolorida en clave alta e incluso con una penumbra sombría que nos recuerda al cine negro. Finalmente la película recibió tres Oscar de la Academia: mejor director, guion y actor secundario para Walter Huston en su papel de viejo cascarrabias. Aunque Bogart no fuera premiado, nos hallamos ante una de las mejores interpretaciones de toda su carrera y fueron muchas. 

El tesoro de Sierra Madre es un filme magnético, retorcido por momentos e hipnótico desde el mismo momento que conocemos al personaje interpretado por Bogart. Un filme que se puede ver como una una película de aventuras o como una profunda crítica al egoísmo humano. John Huston consigue una fuerte tensión narrativa a la vez que inquiere al espectador con decenas de preguntas subliminales. De esta forma somos nosotros, como espectadores, los que vamos tomando partido por cada uno de los personajes representados sintiendo rabia, impotencia o alegría según avanza la narración. El final, antológico, me lleva a decir una vez más eso de ¡Qué maravilloso es el cine!

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Nacionalidad: Estados Unidos

Año: 1948

Género: Aventuras, Western

Dirección: John Huston

Guion: John Huston

Música: Max Steiner

Fotografía: Ted D. McCord (B&W)

Duración: 125 minutos

Reparto: Humphrey Bogart, 

Walter Huston, Tim Holt, 

Bruce Bennett, Barton MacLane, 

Alfonso Bedoya, Arturo Soto Rangel

¡Qué maravilloso es el cine! Cuando llegue septiembre

Bienvenidos a la temporada 2022-2023 de Cine y críticas marcianas en la que seguiremos repasando los estrenos de cine que se produzcan en las carteleras españolas. No nos olvidaremos de las curiosidades cinematográficas, de los cortometrajes, de las entrevistas y por supuesto recordaremos algunas joyas del inolvidable cine clásico. Muchas gracias por vuestra presencia y espero que la magia del cine nos acompañe con la ilusión de volver a disfrutar del séptimo arte. 

Tras un verano con abrumadoras olas de calor y temperaturas extremas en Europa no serán pocos los que se hayan consolado con la idea del respiro de  Cuando llegue septiembre. De esta manera y ya entrados en el mes en curso he pensado en comenzar recordando un clásico de la comedia estadounidense. Por aquel entonces, Hollywood mantenía un tórrido romance con la bella Italia. Fueron muchas las películas rodadas en este país. Vacaciones en Roma y Quo Vadis fueron el inicio del llamado Hollywood sobre el Tíber. Este fue el nombre con el que se conocía a una serie de películas de éxito rodadas en Italia durante los años 50 y 60. A estos dos films le siguieron Guerra y paz, Ben-Hur o Cleopatra. 

Cuando llegue septiembre dirigida por Robert Mulligan narra la historia del empresario newyorkino, Robert Talbot (Rock Hudson) que se reserva el noveno mes del año para pasar sus vacaciones en su villa de la Riviera italiana. Allí le espera su amante italiana, Lisa (Gina Lollobrigida), con la esperanza de que su amado le pida matrimonio. Pero cansada de esperar decide casarse con un inglés llamado Spencer en el mes de julio. La sorpresa llega cuando Robert decide adelantar dos meses su viaje. Es así como se encuentra a Lisa con los preparativos de la boda y su lujosa villa convertida en un hotel por su pícaro mayordomo que aprovecha las ausencias de su jefe para alquilar las habitaciones de la mansión.  

La parte central del filme se rodó en los alrededores de la Villa Guglielmina que de manera posterior se convirtió en el Eden Hotel. En la cinta observamos los jardines por los que antes paseaban los miembros de la realeza. La recreación en estudio de los interiores nos llevan a entender la importancia de la dirección de arte en el cine. El espectáculo visual es único. Las vistas a las playas italianas y la belleza de los protagonistas se realzan aún más con la utilización del Cinemascope. Además tendremos la luminosidad única del Technicolor. 

Gina Lollobrigida luce bellísima con el vestuario diseñado para ella por Morton Haack. Tenía por aquel entonces 34 años y se encontraba en su máximo esplendor. Su personaje, muy a lo Sophia Loren, es un compendio de lo que se conocía como la mujer brava italiana. Por su parte, Rock Hudson, que entre 1961 y 1971 rodó casi 20 películas como protagonista, desde la comedia de salón hasta el thriller de espías, contaba con 36 años y lucía igualmente esplendoroso. Su personaje, lleno de tópicos, funciona como un tiro y entre ambos interpretes eclipsan las subtramas que se plantean en el relato. En el resto del elenco destacan los personajes formado por un grupo de jóvenes (incluidos Bobby Darin y Joel Gray ) que tienen sus ojos puestos en las bellas jóvenes del "hotel" y que no dejan de provocar complicaciones adicionales para impedir que los protagonistas disfruten de su nido de amor en la costa. El clásico enredo en la narración y el típico chico pierde a chica haciendo lo imposible para recuperarla conforman un guion sencillo pero agradable. 

Filmada en locaciones originales en Milán, Portofino, Ostia, Roma y en el Lago di Albano, la cinta brilla sobre todo con la belleza del propio espectáculo del verano en Italia. Desde la perspectiva actual, la historia se puede sentir frívola o anquilosada, pero las grabaciones siguen siendo un festín para los ojos, el elenco es de primera clase y el estilo es tan liviano que nos lleva en volandas hasta el final. 

Cuando llegue septiembre representa la inocencia cinematográfica de la época dorada de Hollywood con un ritmo fresco, una puesta en escena deliciosa y dos interpretes que fueron estrellas del séptimo arte. 

Disponible en Filmin o en edición Blu-ray que se presenta en el clásico estuche amaray azul con una relación de aspecto de 2.35:1, con franjas en la parte superior e inferior, y una imagen no remasterizada que luce un buen contraste a nivel visual. Se mantiene el nivel de grano original con una buena definición con colores brillantes y luminosos. 

Robert Mulligan, en definitiva, supo adaptar su visión del cine a lo que el público demandaba en su momento y tras casi un año de rodaje en Italia nos dejó una divertida comedia que no debe sacarse de su contexto. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Robert Mulligan

Guion: Stanley Shapiro, Maurice Richlin

Música: Hans J. Salter

Fotografía: William H. Daniels

Duración: 110 minutos

Reparto: Rock Hudson,

Gina Lollobrigida, Sandra Dee, 

Bobby Darin, Walter Slezak,

Joel Grey, Rossana Rory

Los invasores de otros mundos: Ciencia Ficción, Serie B y El Tintero de Oro de H.G. Wells

Los invasores de otros mundos de Sherman A. Rose fue estrenada en el año 1954 en Estados Unidos. La película, cuyo título original es Target Earth, está enmarcada en el tradicional cine de los años 50 con la ciencia-ficción como marco de referencia. Hablamos de serie B pura y dura.

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Nora (Kathleen Crowley) es una joven mujer que recupera la conciencia tras un intento de suicidio. Cuando descubre que su edificio no tiene electricidad ni agua, sale a las calles de Chicago y las encuentra desiertas. En un momento dado, se encuentra con un hombre llamado Frank (Richard Denning). Éste, ha despertado después de haber sido golpeado en un robo. Así es como se conocen y llegan a la conclusión de que la ciudad ha sido evacuada ante una inminente invasión extraterrestre. Solos y confusos, comienzan a buscar ayuda para intentar huir de la urbe. 

Como comentaba a raíz de la publicación de la retro-reseña de "Emisario de otro mundo", para poder entender este tipo de cine de una manera adecuada habría que situarse en el contexto sociocultural de la época en que estas películas fueron rodadas. Para ello, habría que viajar de manera imaginaria al Estados Unidos de la década de los cincuenta del siglo pasado. Allí y en plena guerra fría se mezclaban los miedos al estallido nuclear, con los miedos a una invasión extraterrestre. Esta situación mezcla de pánico y fantasía fue debida al incidente con el ovni de Roswell que acució las fantasías con todo lo que rodeó a "La guerra de los mundos" de H.G. Wells y la posterior emisión radiofónica que realizó Orson Welles. 

En Los invasores de otros mundos nos encontramos de salida con la ciudad de Chicago desierta y con Nora totalmente desconcertada. Esta secuencia pudo ser tomada como referencia por Amenábar para rodar Abre los ojos. En ella, Eduardo Noriega atraviesa una Gran Vía de Madrid totalmente desértica es una de las escenas más icónicas del cine español. ¿Casualidad, homenaje o plagio?

El inicio del film es la parte más potente del mismo. Se produce un gran dominio de la escenográfia generando la tensión narrativa adecuada. Hablamos de unos 30 minutos de buen cine que se dilapidan cuando el primer invasor llegado de otro mundo aparece en escena. Hablamos de un robot procedente del planeta Venus que parece realizado por un niño de tres años en estado etílico. En esta parte la película toma forma de comedia involuntaria. Sin embargo, estos efectos especiales tan chapuceros propios de la serie B de la época, son los que convierten a este tipo de películas en una curiosidad cinematográfica.

En la fotografía superior observamos el cuidado vestuario que se utilizaba en aquella época. Los hombres solían aparecer trajeados y las mujeres con vestidos chic acompañados de zapatos con tacones. El mundo se podía estar derrumbado pero la elegancia no entendía de invasiones. Este tipo de películas solía tener en el reparto a actores no muy conocidos. El presupuesto no daba para pagar a grandes estrellas de Hollywood.

Además de los mencionados actores Richard Denning y Kathleen Crowley como protagonistas, hay más humanos en pantalla. Nora y Frank, sus personajes, se encuentran con otra pareja. Son Jim (Richard Reeves ) y Vicki (Virginia Gray). Éstos se ha pasado la noche bebiendo por lo que aún están borrachos y por ello tampoco pudieron unirse a la evacuación de Chicago. Deciden formar un grupo, aislarse en un hotel y esperar a que el ejercito actúe. Como comentaba, no hay ninguna interpretación que fuera muy destacable. Si acaso mencionar a la actriz americana Kathleen Crowley a la que vemos atacada por el ridículo robot de la imagen inferior. Cabe interpretar que el bicho es varón por lo que lleva en la entrepierna.

En conclusión, Los invasores de otros mundos (insólita traducción de Target Earth) es una cinta bastante irregular en su totalidad, pero que cuenta con una premisa muy divertida para los amantes de la serie B dedicada a la ciencia ficción. Un película en definitiva bastante marciana que se convierte por méritos propios en un delicioso placer culpable.

Dirección: Sherman A. Rose

Nacionalidad: Estados Unidos.

Guion: James H. Nicholson

Duración: 75 minutos

Música: Paul Dunlap

Fotografía: Guy Roe (B&W)

Reparto: Richard Denning,
Kathleen Crowley, Virginia Grey,
Richard Reeves, Robert Roark,
Mort Marshall, Arthur Space,
Whit Bissell, James Drake

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P.D. La crítica de 'Los invasores de otros mundos" nace del inspirador artículo de David Rubio Sánchez sobre H.G. Wells. El escritor fue uno de los padres de la ciencia ficción. Asimismo la reseña que acabáis de leer participa fuera de concurso y en la sección 'Otras participaciones' de la XXVIII edición del concurso literario El Tintero de Oro.