Tótem: Lila Avilés vuelve a seducir

Tótem dirigida por Lila Avilés se estrena en cines españoles el próximo día 1 de marzo de 2024. La cinta fue seleccionada en la shortlist de los Premios Oscar a Mejor Película Internacional en representación de México y también ha sido reconocida en varios festivales de cine, como la Berlinale o el Festival de San Sebastián. 

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La historia: Sol, una niña de siete años, se encuentra en casa de su abuelo ayudando con los preparativos de una fiesta sorpresa para su padre. A medida que avanza el día, un ambiente extraño y caótico se apodera lentamente de la situación, fracturando los cimientos que mantienen unida a la familia. Sol llegará a comprender que su mundo está a punto de experimentar un gran cambio por los avatares de la vida. 

La crítica: Aunque Tótem no es una película para todo el mundo por su carácter intimista e independiente, si aborda un tema tan universal como lo es la familia como pilar central para afrontar alegrías, penas y apoyos tanto afectivos como económicos. Así es como la cineasta mexicana Lila Avilés vuelve a seducir como ya lo hacía en la hipnótica La camarista.

Tótem está narrada a través de los ojos de una niña a lo largo de una jornada. Es la del cumpleaños de su padre que padece una grave enfermedad y se encuentra recluido en una habitación intentando tomar aliento para la celebración de quizás el que sea su último aniversario. Un hombre joven al que le van a demostrar lo querido que es desde el humor y la esperanza. Avilés logra narrar la jornada con continuidad y en una especie de tiempo real logrando de manera natural dejar el metraje en 90 minutos. La cámara fluye, danza o se esconde por la casona familiar dando a conocer a los personajes: Sol, sus padres, sus primos, su abuelo, sus tías y otros pobladores de la morada que poco a poco se va llenando. 

Otra dualidad que expresa Avilés gira en torno al tiempo y a la duración. El tiempo medido y nuestra percepción de su paso son muy diferentes, aunque ambos describan una secuencia idéntica de acontecimientos. Todos hemos vivido días que parecen meses y días que pasan en segundos. Nuestra experiencia del tiempo suele estar determinada por los espacios que habitamos mientras transcurre. Dado que conforman nuestro sentido del tiempo, los lugares que habitamos no son externos a nosotros. Al contrario, debemos encontrar esos lugares también dentro de nosotros, con todas nuestras imperfecciones. Y eso de manera independiente  a nuestro género, religión, país, estatus, idiosincrasia. Encontrar esta verdadera morada es un proceso de sustracción, una reducción y concentración en lo esencial. Como dice Tolstoi: “La verdad, como el oro, se obtiene no por su crecimiento, sino lavando de ella todo lo que no es oro”.

A través de Sol, se construye un retrato íntimo sobre una familia visto a través de los ojos de esa niña interpretada de manera muy especial por Naíma Sentíes. Completan el reparto coral las actrices Montserrat Marañón, Marisol Gasé, Saori Gurza, Teresita Sánchez y el actor Mateo García Elizondo en los distintos roles familiares. 

En la parte técnica destaca una sola localización -una casa con jardín- en la que apreciamos una comunión entre personas y naturaleza. Las plantas entran y salen de la casa a modo de enredadera al igual que lo hace la luz. Por supuesto, la película tiene sombras, igual que un cuadro. Para entender la luz, hay que entender la sombra. A veces, son las sombras las que hacen la vida más difícil, pero también más interesante. Otra particularidad del rodaje es el retrato a las familias en América Latina, que son muy extensas. Siempre hay primos y tíos, animales, como una fiesta. Observamos cómo hablan y se relacionan en una familia, con su jerga y códigos incluso en la misma lengua.

Tótem me ha parecido de manera principal un filme muy auténtico. Lila Avilés sigue retratando la vida cotidiana desde un punto de vista muy íntimo basado en el naturalismo. Películas que son como microcosmos buscando la esencia de las cosas como las matrioskas, las pirámides, las cosas que contienen otras cosas. El tema central es el concepto de hogar y como la familia se convierte en bastión en las venidas o en las despedidas. En definitiva, nos hallamos ante un filme que trata de convertir lo cotidiano en algo extraordinario. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: México

Género: Drama, Familia 

Dirección: Lila Avilés

Guion: Lila Avilés

Fotografía: Diego Tenorio

Música: Thomas Becka

Duración: 92 minutos

Reparto: Naíma Sentíes,

Montserrat Marañon, Marisol Gasé, 

Teresa Sánchez, Iazua Larios, 

Mateo García, Saori Gurza

Secretos de un escándalo: duelo de actrices en la cumbre

Secretos de un escándalo dirigida por Todd Haynes se estrena en cines españoles el próximo día 23 de febrero de 2024. Protagonizada por la ganadora del Oscar® Natalie Portman y la también ganadora de un Oscar® Julianne Moore, junto con Charles Melton (Riverdale). La película está escrita por Samy Burch, quien ha sido nominada en la categoría de mejor guion original en los Oscar® 2024.

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La historia: Veinte años después de que su célebre romance saltara en todos los titulares y conmoviera a la nación, Gracie Atherton, (Julianne Moore), y su marido Joe (Charles Melton), 23 años menor que ella, ceden ante la presión de la actriz de Hollywood, Elizabeth Berry (Natalie Portman), que viene a investigar sobre su historia para hacer una película de su escandaloso pasado que conmocionó a Estados Unidos. 

La crítica: Una actriz haciendo de actriz debe ser un bucle infinito y un desafío para una interprete. En cualquier caso, Natalie Portman sale muy bien parada de este juego de espejos. Brillante también, Julianne Moore que le da buena réplica en una historia real que sirvió a los tabloides estadounidenses para desparramarse.

Secretos de un escándalo está inspirada en el caso real de Mary Kay Letourneau que los medios explotaron en los años 90 en EEUU. Una profesora que cumplió pena de cárcel por tener relaciones sexuales con uno de sus alumnos, de 13 años, cuando ella estaba casada y ya era madre de tres niños. Tras su condena quedó en libertad, pero no respetó la prohibición de volver a ver al niño, de quien quedó embarazada y tuvo que cumplir otros 7 años de prisión acusada de violación. Ahora, dos décadas después, la narrativa nos lleva a observar una actriz de Hollywood que va a hacer una película sobre su historia.

Todas las vidas, todas las familias, son el resultado de elecciones, y hay pocas relaciones románticas más polémicas que ésta a la que aquí nos referimos; siendo prueba de ello, el rechazo y desprecio unánime que suscitó en todo el mundo, y contra el que llevan luchando dos décadas, tanto Gracie y Joe Yoo como sus dos hijos, que actualmente están terminando los estudios de enseñanza secundaria. Lo que parece claro es que una diferencia de edad de 23 años teniendo la persona más pequeña solo 13 años es algo perturbador e incluso enfermizo. 

A medida que la personalidad del niño ya hecho un hombre va saliendo a la luz, el público ve las similitudes, cada vez más evidentes, entre Elizabeth y Gracie; a pesar de que ninguna de las dos quiere reconocerlo. Mediante este silencioso cambio de perspectiva, la película pasa del retrato simple al doble.

La escena del maquillaje en el baño es la pieza central del filme; un punto de inflexión en la película, que marca la progresión de Elizabeth estudiando a Gracie y la concesión de confianza y revelaciones que intercambian las dos mujeres; y que está impregnado de intimidad y cruce de límites. Entonces te das cuenta de que ambas están dispuestas a correr ese riesgo (el de la confianza íntima, la una con la otra y viceversa). La secuencia evoca a las imágenes de Persona de Ingmar Bergman ya que las dos mujeres están de perfil aplicándose el maquillaje y luego se vuelven hacia la lente de una cámara, que es el espejo, y observan cómo es esa transformación. Hablamos de un duelo interpretativo de dos actrices en la cumbre del cine. 

Las tomas de la cinta están fotografiadas en tonos preciosistas. Se eligen espacios en una comunidad de playa, a unos 30 kilómetros de Savannah, llamada Tybee, pues el tipo de humedad y de luz de pantano que emanaba de esa región ofrecía un lenguaje visual específico: es un tipo de luz apastelada, que se filtra por los encuadres y a menudo hace siluetas con las tomas. La música está inspirada en la banda sonora compuesta por Michel Legrand para la película de 1971 El mensajero.

Secretos de un escándalo es una película mucho más profunda de lo que aparenta su inofensiva superficie. Con unas interpretaciones para el recuerdo y un libreto bien desarrollado, nos hallamos ante un acertado retrato de una historia oscura y que perturba por la naturaleza de los hechos narrados. El resultado es una inquietante historia, conmovedora por momentos, y que resulta una emotiva reflexión sobre la incapacidad de los seres humanos para comprendernos a nosotros mismos, y entender las relaciones en las que estamos inmersos.

Nota: 7'5/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: May December

Género: Drama

Dirección: Todd Haynes

Guion: Samy Burch

Fotografía: Christopher Blauvelt

Música: Marcelo Zarvos

Duración: 113 minutos

Reparto: Natalie Portman, 

Julianne Moore,Charles Melton, 

Cory Michael Smith

Priscilla: Sofia Coppola retrata en tonos pastel a la esposa de Elvis

Priscilla dirigida por Sofia Coppola se ha estrenado en cines españoles el día 14 de febrero de 2024. El filme tuvo su premiere mundial en el último Festival Internacional de Cine de Venecia, donde la joven actriz Cailee Spaeny ganó la Copa Volpi a la Mejor Actriz. 

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La historia: Cuando la adolescente Priscilla Beaulieu se encuentra con Elvis en una fiesta, él ya es una estrella del rock and roll. Su genuina conexión inicial les lleva a pensar que están hechos el uno para el otro, y así surge una gran amistad y un apasionante flechazo que dará lugar a una relación en la que ambos creen que ninguno volverá a sentirse solo.

La crítica: Ver una cinta dirigida por la cineasta Sofia Coppola (La seducción) reconforta por la manera en la que compone los planos y por la sutileza narrativa que imprime a sus películas. En Priscilla destaca la mirada oblicua que se ofrece sobre Elvis Presley desde una perspectiva distinta a lo habitual. El ídolo de masas tenía los pies de barro y en su matrimonio se vio superado por un personaje desubicado del mundo real. 

Basada en la autobiografía Elvis & Me, escrita por la propia Priscilla Presley, la película relata el largo noviazgo y turbulento matrimonio de Elvis y Priscilla, desde cuando se conocieron en una base militar alemana, hasta su convivencia en una finca de ensueño en Graceland. La realidad de la que solo era una adolescente cuando conoció al rey del rock, se transformó para convertirse en una especie de virgen reservada para cuando Elvis quisiera disponer de ella. Al menos es la visión que ofrece Coppola. 

Priscilla a los 21 años ya era una de las mujeres más famosas del mundo, la simbólica reina del rock and roll. Sin embargo, casi nadie conocía a Priscilla Presley, el gran amor de Elvis y su única esposa. Su presencia estuvo eclipsada por el enorme brillo de su marido, pero en los márgenes existió otra historia, una historia que refleja la cultura de entonces, la historia de los sueños de una chica que creció en un cuento de hadas prefabricado y que acabó por asumir sus deseos, así como la complejidad del poder.

El filme refleja el sentir de Priscilla que es universal por cosas que ocurren a todas las mujeres, da igual que sea su primer beso, su primer día de colegio, tener una hija, ser madre. Otra idea interesante es cuando se muestra a un Elvis muy conservador. Mientras está de gira, ella debe quedarse en casa, no trabajar y cuidar de su hija cuando ésta llegue. Mientras tanto él se lo pasa en grande, pero poco a poco va cayendo en el abuso de sustancias quizás para soportar el imposible peso de una fama que superaría a cualquier persona. 

Protagonizada por Cailee Spaeny que realiza una interpretación fabulosa y por la estrella de Euphoria, Jacob Elordi, en el papel de Elvis Presley, la película no desarrolla a los demás personajes que se muestran serviles a los deseos del artista. Incluso los padres de la adolescente se ven superados por las circunstancias y dejan ir a vivir a su hija a la jaula de oro de Graceland. 

La parte técnica es muy notable en escenografía, montaje y en la espectacular fotografía que marca todas las películas de Coppola. Los colores de moda eran diferentes en aquella época. Se muestra cómo evoluciona Priscilla cuando pasa de la triste Alemania invernal a la calurosa Graceland. Cuando llega allí es casi como el mundo del mago de Oz, los colores son más fuertes, empieza un nuevo capítulo de su vida, descubre estilos nuevos y otra forma de conectarse al mundo de Elvis. 

Priscilla es un bello retrato sobre la pérdida de la inocencia y una visión -de parte-, pero muy interesante sobre la cara menos conocida de Elvis. Hablamos de una historia muy humana en la que Elvis y Priscilla que eran la realeza estadounidense, quedan desnudos cuando nos dejan echar un vistazo detrás de la cortina. En definitiva, nos hallamos ante un filme narrado desde el punto de vista de Priscilla en su experiencia privada con el mito. La cinta no trata sobre el Elvis intérprete, sino de cómo ella le veía en su vida cotidiana en la que era muy vulnerable. De alguna manera el filme demuestra como el insoportable peso de la fama destruye a determinadas personas y ejemplos como el de Michael Jackson, Marilyn Monroe o el propio Elvis vienen a documentar como el ser humano tiene unos límites que no puede soportar.

Nota: 7/10

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Drama | Biografía

Dirección: Sofia Coppola

Guion: Sofia Coppola

Fotografía: Philippe Le Sourd

Música: Phoenix

Duración: 110 minutos

Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi,

Emily Mitchell, Ari Cohen, R Austin, 

Kamilla Kowal, Deanna Jarvis, Luke H.

La piscina (Night Swim): un niño, una niña, otra niña extra, una madre estándar, un padre embrujado y un gato chiflado

La piscina dirigida por Bryce McGuire, que además perpetra el guion, ha tenido el valor de estrenarse en cines españoles el día 9 de febrero de 2024. La producción estadounidense lleva el sello de Blumhouse y Universal Pictures la distribuye sin que por el momento se hayan producido detenciones.

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La historia: Un matrimonio compra una casa con piscina y resulta que está embrujada. La piscina digo. Después comienza el habitual circo con gente poseída, ruido y crujir de dientes. 

La crítica: Pues no ha tardado mucho en llegar el primer sarnazo del 2024 y atención porque sería una candidata muy digna para entrar en el ranking marciano de ¡Diez películas más malas que la sarna!

Aguas siniestras en Hispanoamérica, Night Swin -Natación nocturna- en su título original hasta que llega el maestro traductor ibérico y con un par la traduce como La piscina. Digo yo que ya puestos a traducir por libre le podría haber dado un poco más de misterio. A saber: La piscina encantada, La piscina siniestra, La piscina perturbadora, La piscina endemoniada, La piscina tragadora, La piscina del mal, La piscina turbulenta, La piscina de los horrores, La piscina infernal, La piscina rebelde, La piscina misteriosa, La piscina climatizada con demonio dentro o La piscina con monstruo. Pero se ve que le sonaba mejor La piscina a secas que ya de por sí es una contradicción.  

Hay un diálogo en la película que refleja el talento del guionista. La madre estándar se da un bañito en la piscina y al llegar a la vera del marido embrujado recibe la siguiente pregunta: 

_Estás mojada, ¿no?

Ella con cara de decir: "Vaya figura con la que me he casado" le responde:

_Sí, claro. 

Y siguen hablando de los niños. Porque como no podía ser de otra manera en toda película de supuesto terror suele haber algunos niños. En niños incluyo a los dos sexos. La niña extra de la que hablo en el titular se corresponde a otra niña que años atrás fue abducida, secuestrada y tragada por la piscina embrujada. Los niños del matrimonio, niño y niña,  parecen querer seguir los pasos de la niña extra pero habrá que esperar hasta el final para saber lo que sucede. Lo que si adelanto es que el gato chiflado se muere. Este spoiler es una tradición para evitar el sufrimiento del público. Y es que el gato le bufa a la piscina y esta se enfada y se lo traga. Descanse en paz el pobre animal que solo tiene dos escenas. 

La madre estándar -la llamo así porque es la única no poseída- es interpretada por la nominada al Oscar, Kerry Condon. La verdad es que es inexplicable que haya pasado de actuar en la prestigiosa Almas en pena de Inisherin a este pseudo filme de serie Z. Si recupera una carrera medio normalizada en el cine tras esta pesadilla quizás Dios exista. El padre embrujado o poseído por La piscina es interpretado con nula gracia por Wyatt Russell. Una actuación para olvidar. El resto del reparto está compuesto por niños y adolescentes que ni conozco, ni quiero conocer. 

La factura técnica es lo único loable de la película y de manera especial la iluminación nocturna que al menos deja ver lo que sucede con este grupo de gente endemoniada. El final explicado de La piscina que mejor dicho sería el principio explicado nos llevaría al porqué la piscina está encantada. Y lo está porque antes de su construcción había una laguna natural que fue desecada. ¿Y que pasaba con la laguna?: pues que también estaba encantada. Como es natural le traspasó el encantamiento a la puñetera piscina o alberca como las llaman en México. En fin, supongo que el guionista cuando escribió la historia lo hizo bajo los efectos de setas alucinógenas o cualquier otra sustancia similar. 

La piscina es un bodrio colosal que además abre una nueva vía a las cintas de encantamiento. Y es que una vez que se ha exprimido al máximo el tema de las casas encantadas ya solo queda ir a por los accesorios de las viviendas. Hoy ha sido la piscina, pero quien dice que mañana no será la caseta del perro encantada, la fuente del jardín encantada, el jardinero encantado, la valla de la casa encantada o el buzón de correos encantado. En fin, como dijo Woody Allen: "Si los seres humanos tuviésemos dos cerebros, seguro que haríamos el doble de tonterías". Fin de la cita y fin de la crítica. 

Nota: 1/10 (el uno es por el papel del gato). 

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Night Swim

Género: Terror, Suspense 

Dirección: Bryce McGuire

Guion: Bryce McGuire

Fotografía: Charlie Sarroff

Música: Mark Korven

Duración: 95 minutos

Reparto: Wyatt Russell, Kerry Condon, 

Amélie Hoeferle, Ben Sinclair,

Gavin Warren, Nancy Lenehan.

Ferrari: retratando a un visionario

Ferrari dirigida por Michael Mann se estrena en cines españoles el próximo día 9 de febrero de 2024. La película trata la vida del piloto y fundador de la Scuderia Ferrari y la famosa marca de automóviles, Enzo Ferrari, y está protagonizada por el nominado al Oscar® Adam Driver y la ganadora del Oscar® Penélope Cruz. 

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La historia: Verano de 1957. Detrás del espectáculo y el peligro de la Fórmula 1, el ex piloto Enzo Ferrari está en crisis. La quiebra acecha a la empresa que él y su esposa, Laura, construyeron de la nada hace diez años. Su inestable matrimonio se ve aún más fracturado por el dolor de la muerte de su único hijo. Ferrari lucha contra el reconocimiento de su otro hijo con Lina Lardi. La pasión de sus pilotos por ganar los lleva al límite. Todos sus destinos convergen en una carrera, la que atraviesa 1.000 millas a lo largo de toda Italia, la icónica Mille Miglia.

La crítica: El ínclito, Michael Mann dirige con más pasión que gloria esta película biográfica basada en el libro de Brock Yates: ‘Enzo Ferrari: El hombre y la máquina’. El deslavazado guion está firmado por Troy Kennedy Martin (The italian job) y el propio Mann, que lleva tratando de realizar este proyecto desde hace más de veinte años.

Ferrari es un nuevo biopic en esta desenfrenada carrera de los cineastas por encontrar personajes con algún interés histórico. Y lo cierto es que el magnetismo que despertaba a su paso Enzo Ferrari justifica esta parcial mirada sobre su vida y obra. Un hombre hecho a sí mismo y un visionario sobre el mundo del motor. En la cinta hoy reseñada su personaje consigue atracción e interés. De hecho todo el relato se basa más en la forma que en el trasfondo del piloto y constructor italiano. 

La parte más emotiva del filme sucede cuando la narración se centra en la atribulada vida íntima de Ferrari y de su esposa, Laura. Sin embargo, el tono melodramático de la relación con cierto aire a telefilme no engrana bien con la parte deportiva de la película. Podríamos decir que la cinta está partida en dos mitades que no acaban encontrar un nexo de unión. Otro de los problemas con los que cuenta el relato es su metraje. Y es que de manera paradójica -al menos en mi visión del cine que conlleva metrajes ajustados- los 130 minutos no son suficientes para narrar una biografía tan intensa y extensa. El libreto va dando saltos abruptos que impiden la cadencia narrativa que una biografía necesita.

Adam Driver realiza una fantástica interpretación de Enzo Ferrari. Llena la pantalla con una mirada severa mientras observa sus creaciones pasar a velocidades de relámpago. Por mucho que sea una “alegría terrible la victoria” (afirma Ferrari en una secuencia), ya que hay consecuencias destructivas, cómo accidentes en la pista o pérdidas económicas, para él su mundo es la competición. Por otro lado, hallamos una buena interpretación de Penélope Cruz (grita poco), dejando una actuación fantástica como Laura, la esposa de Ferrari. Lleva una carga insoportable en su vida ya que además de perder a su hijo le martirizan las infidelidades de Enzo. Y es que Ferrari llevaba una vida paralela con su amante con la que tuvo otro hijo. Papel interpretado con sutileza por Shailene Woodley. 

En la técnica de rodaje destacan las localizaciones reales en Módena y la Emilia-Romagna. En lo que a la fotografía se refiere, se utiliza una iluminación que evoca a las pinturas de Caravaggio: la luz proveniente de una sola fuente. De esta manera el filme es luminoso y preciosista. Respecto a los coches algunos de los Ferrari originales están en pantalla y otros se han reconstruido para la ocasión. 

Ferrari es una película intensa, inconexa por momentos y a pesar de las objeciones que he expuesto resulta un filme entretenido y palomitero. Con unas buenas interpretaciones y un diseño de producción notable, me quedo más con la forma que con el fondo de la historia. Una historia que en definitiva nos habla sobre un hombre magnético, ambicioso y poderoso que consiguió que su apellido se convirtiera en una de las marcas más prestigiosas del planeta. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Título original: Ferrari

Género: Drama, Biografías 

Dirección: Michael Mann

Guion: Troy Kennedy-Martin, Michael Mann

Basado en la novela de: Brock Yates

Duración: 130 minutos

Música: Daniel Pemberton

Reparto: Adam Driver, 

Penélope Cruz, Shailene Woodley, 

Sarah Gadon, Patrick Dempsey.

Concrete Utopia: Apocalipsis urbano

Concrete Utopia dirigida por Um Tae-hwa se estrena en cines españoles el próximo día 2 de febrero de 2024. La cinta es la primera obra de un conjunto de películas y dramas que se agruparán bajo el concepto de 'Concrete Utopia Universe' y ha sido la seleccionada por Corea del Sur para intentar competir por el Oscar 2024 a Mejor Filme Internacional. 

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La historia: Un enorme terremoto ha reducido el mundo a escombros. Si bien nadie sabe con certeza hasta dónde se extienden las ruinas, o cuál ha sido la causa del terremoto, en el corazón de Seúl tan solo queda un edificio de apartamentos en pie, el Hwang Gung Apartments. Con la llegada del frío, otros sobrevivientes comienzan a llegar a los apartamentos para resguardarse del desastre. Ante la avalancha de nuevos inquilinos y la amenaza de su propia supervivencia los residentes del edificio promulgan una medida especial para expulsar a todo el que llegue hasta allí.

La crítica: Aunque el libreto sea una alegoría sobre el egoísmo humano, Concrete Utopia se presenta como una ácida crítica contra la especulación urbanística en las grandes urbes. Y es que no hace falta que se produzca ningún terremoto, conflicto bélico o cualquier otra calamidad para que el acceso a la vivienda en las grandes urbes sea una misión imposible de manera especial para los más jóvenes.

En contraste con la pesadilla infernal que hay afuera, los "Apartamentos Hwang" se erigen como una utopía segura y pacífica en mitad del caos. Una utopía cuanto menos curiosa pues nos hallamos ante un filme que se asienta sobre un mundo distópico en el cual ya no existen las reglas, ni las leyes. Excepto las leyes creadas por los residentes: 

1. Las viviendas son de los residentes y solo ellos pueden vivir ahí.

2. Los residentes deben cumplir sus deberes. Las raciones se distribuyen de acuerdo a las contribuciones de cada uno.

3. Todas las actividades en el complejo de apartamentos se basan en el consenso de los residentes. Los que no cumplan las reglas no podrán vivir allí. 

Cuando los supervivientes del exterior se enteran de esto, comienzan a reunirse en los apartamentos Hwang Gung. Eso hace que los residentes originales del edificio empiecen a sentirse amenazados y decidan unirse para su supervivencia. Eligen a 'Yeong-tak' como el jefe de los residentes. Bajo su liderazgo, se prohíbe estrictamente la entrada de personas externas. Personas, por cierto, que están dispuestas a comerse a los muertos en un canibalismo que como ya explicaba no solo se produjo en la llamada "Tragedia de los Andes". En cualquier caso la narrativa no se centra en los supervivientes del exterior del edificio, sino más bien y de manera acertada en los conflictos internos de los que tienen techo.

Los personajes principales, aunque hay reparto coral, son Min-seong (Park Seo-joon) y Myeong-hwa (Park Bo-young), un marido y esposa que, casi sin previo aviso, se encuentran en lugares destacados de la jerarquía del edificio. Él dirige la seguridad, ella ayuda en sanidad, y todo está controlado por Yeong-tak (Lee Byung-hun), un hombre valiente que es elegido por el grupo. Buenas interpretaciones con carácter general. 

El maquillaje y el vestuario ayudan a los actores a encarnar a sus personajes y facilitan al público a participar en la puesta en escena de la película. Aunque el rodaje fue en pleno verano, el contexto de la ola de frío que golpea Seúl después del terremoto, los actores tuvieron que vestirse con abrigos de invierno y ropa térmica. La recreación del seísmo es óptima y para darle un sentido realista a la escala, el equipo de producción decidió construir un conjunto de apartamentos, casi comparable a uno real. 

Concrete Utopia me ha parecido un buen espectáculo enmarcado en una irónica reflexión sobre la propiedad privada. El cineasta presenta una amplia gama de personajes que, en su lucha por sobrevivir, toman diferentes y polémicas decisiones. Hablamos, en definitiva, de una historia con un desarrollo impredecible a medida que la trama se acerca al clímax y que se cierra con un rayo de esperanza en una humanidad cada vez más atomizada e irascible con su prójimo. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Corea del Sur

Dirección: Um Tae-hwa

Guión: Um Tae-hwa

Género: Ciencia ficción, Distopía 

Música: Kim Hae-Won

Fotografía: Cho Hyung-rae

Duración: 130 minutos

Reparto: Lee Byung-hun, 

Park Seo-joon, Park Bo-young,

Kim Sun-young, Park Ji-hu

Los delincuentes: roba, vive y ama

Los delincuentes dirigida por Rodrigo Moreno fue la elegida por la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas de Argentina para enviar a Hollywood y competir por una nominación en los Premios Oscar 2024. El próximo día 26 de enero se estrena en Filmin. 

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La historia: Morán es un empleado de banca en Buenos Aires que idea un plan para liberarse a sí mismo y a su compañero de trabajo Román de las cadenas de sus empleos: Morán robará suficiente dinero del banco para financiar la jubilación de ambos si Román esconde bien el botín.

La crítica: ¿Vivir para trabajar o trabajar para vivir? Rodrigo Moreno parte de esta pregunta básica para adentrarse de manera ingeniosa en la narrativa de robos a bancos. Aunque los protagonistas lo que buscan en realidad es el atraco perfecto para vivir sin trabajar. 

Los delincuentes dan por hecho que todo saldrá perfecto y que en tres años, se reunirán, se repartirán el dinero y nunca tendrán que trabajar de nuevo. Al partir al campo para cumplir su parte del trato, Román, que es menos intrépido, se encuentra transformado por la visión idílica de Morán sobre la liberación económica, lejos de los rigores de la vida urbana. Pero, ¿cuál es el verdadero precio de la libertad? La culpa va atormentando a Román y su vida se va transformando en una pesadilla. Mientras su compañero espera en prisión con calma.

La película, de más de tres horas de duración, está dividida en dos partes, la segunda de las cuales adopta derivas narrativas que pueden llegar a resultar desconcertantes. Pero a pesar de este extenso metraje, el cineasta se las arregla para que la historia resulte amena e incluso divertida por momentos. El filme también juega con el azar y surge un triangulo amoroso entre los ladrones y una mujer a la que conocen por casualidad.

Daniel Elías interpreta con garbo a Morán que tiene el trabajo de tesorero en un banco de Buenos Aires y sueña con vivir en el campo. También guarda un gracejo muy especial el personaje de Román interpretado con acierto por Esteban Bigliardi. Dos personajes que se enamoran de la misma mujer sin saberlo entre ellos. Una vez que Norma (Margarita Molfino) entra en escena, el argumento cobra colorido y permanece ya durante el resto del tiempo que dura la película. 

El diseño de producción se siente acertado con una buena combinación de espacios interiores -banco, prisión, viviendas- y unas grandes locaciones exteriores. La música es algo chirriante y el sonido directo es correcto. La forma de esta película no se reduce a una consecución causal y lineal de hechos, sino más bien está pensada como un mapa que se va desplegando a cada paso sin saber muy bien adónde nos llevará. Cada personaje, principal o secundario nos ofrece su humanidad o maldad según sea el prisma desde el que se mire. 

Los delincuentes me ha parecido una cinta con muchos alicientes narrativos y con preguntas bien planteadas. Hay cuestiones existenciales y también prácticas que dificultan el sueño de los protagonistas: ¿de qué vivir? ¿cómo vivir sin todo lo que ya tengo? ¿cuándo animarse a llevar a cabo un sueño? ¿cómo salir de la rutina sin dañar a tus semejantes? Los personajes, por tanto, encarnan una fantasía colectiva: independizarse del rigor y las obligaciones de la vida laboral para obtener una vida superior, plena de libertad. Elegir una vida mejor consiste para ellos en algo así como abandonar la ciudad, el trabajo, incluso la familia, e irse al campo, al mar, a la montaña, brindarse al ocio y al acto de no depender de nada ni de nadie. Pero, ¿y si el plan no resulta tan atractivo? El final, que en cierta manera engarza con El tesoro de Sierra Madre, nos llevará a la realidad de la condición humana. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Argentina

Género: Atracos, Aventuras 

Duración: 189 minutos

Dirección y Guion: Rodrigo Moreno.

Producción: Ezequiel Borovinsky.

Dirección de fotografía: Alejo Maglio

Intérpretes: Daniel Elías,

Esteban Bigliardi, Margarita Molfino, Germán De Silva, Laura Paredes.

El rapto: el insólito caso de Edgardo Mortara

El rapto dirigida por Marco Bellocchio se ha estrenado en cines españoles el día 12 de enero de 2024. La película fue premiada en la 68 edición de la Semana Internacional de Cine de Valladolid llevándose el galardón al mejor guion, que Bellocchio firma junto a Susanna Nichiarelli.

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La historia: Desarrollada en el barrio judío de Bolonia en 1858. Los soldados del Papa irrumpen en la casa de los Mortara para secuestrar a su hijo de siete años, Edgardo. La película sigue la lucha de la familia para tratar de recuperar a su hijo ante esta acción de la Iglesia Católica.

La crítica: Hace unos años, Steven Spielberg quiso adaptar al cine el libro del historiador David Kertzer ("El secuestro de Edgardo Mortara"), pero desavenencias con los productores hicieron que el proyecto no saliera adelante. El interés del cineasta estadounidense provenía por los lazos religiosos que le unían con la familia judeo italiana de los Mortara que protagonizaron un escándalo de manera involuntaria.

El rapto está construida sobre un sólido guion y cuenta una historia insólita sobre el robo de un niño judío por parte de la Iglesia Católica comandada por aquel entonces por el Papa Pío IX. Hablamos de un largo y polémico papado que llevado por la soberbia dejó caer los propios Estados Pontificios y se inmiscuyó en temas tan escandalosos como el que narra la producción italiana. A decir verdad la cinta hubiera ganado mucho peso de producción con Spielberg, ya que el cineasta italiano de la cinta hoy reseñada ha contado con un presupuesto muy limitado y esas carencias se hacen notar en el envoltorio del filme que no el fondo. 

La narración gira sobre lo que ahora llamaríamos un bautismo-fake. El niño fue bautizado en secreto por su nodriza cuando era un bebé -sin pruebas, testigos, ni documentos escritos- y para la ley pontifical eso era palabra sagrada: Edgardo tiene que recibir una educación católica. Los padres del niño, conmocionados, van a hacer todo lo posible por recuperar a su hijo de seis años. Apoyados por la opinión pública de la Italia liberal y la comunidad judía internacional, la lucha de los Mortara no tardará en cobrar una dimensión política. Pero el Papa se niega a devolver al niño, tratando así de consolidar un poder cada vez más debilitado. 

El rapto de Edgardo Mortara es también un crimen contra una familia tranquila, bastante acomodada, respetuosa con la autoridad (que, en Bolonia, seguía siendo la del Papa-Rey), en una época en la que soplaban vientos de libertad en toda Europa, en la que se afirman por doquier principios liberales y en la que todo estaba cambiando. El secuestro del pequeño Edgardo simboliza por tanto el deseo desesperado, ultra-violento, de un poder en declive que intenta resistirse a su propio derrumbe. Los regímenes totalitarios sufren a menudo sobresaltos que a su vez les ofrecen, brevemente, la ilusión de victoria (los últimos estertores antes de la muerte).

En las interpretaciones se ponen bajo la piel de Edgardo Mortara los actores Enea Sala y Leonardo Maitese. El primero en la niñez y el segundo en la juventud del protagonista. Correctos ambos aunque sobresale Enea haciendo el papel de niño angelical. Cabe decir que Edgardo fue llevado a Roma a la "Casa de los catecúmenos" como reza en la puerta de entrada del colegio, en uno de los planos de la película. Se trata de un seminario creado para la conversión, entre otros, de judíos y musulmanes. A partir de entonces, Edgardo recibió, junto con otros muchos niños de distintas religiones, una rigurosa educación católica y se formó en el sacerdocio. Un lavado de cerebro en toda regla que incluso le llevó -en una especie de Síndrome de Estocolmo- a intentar convertir al catolicismo a su familia judía. Ésta se negó aunque con ello habría recuperado al crío en un ofrecimiento insólito por parte de la Iglesia.

El otro protagonista del filme es Paolo Pierobon que interpreta con garra al Papa Pío IX. Es el villano de la película y en realidad un Papa pésimo para el catolicismo. Mientras Pío IX respondía al intento del gobierno italiano de entrar en Roma con el consentimiento de la iglesia mediante un “Non Possumus” sin posibilidad de recurso, esta fórmula también expresaba la postura inflexible del Papado, negándose a que Edgardo fuese devuelto a sus padres, como el mundo entero reclamaba. Así pues, el denominado “asunto Mortara” se inscribe, de manera dramática, en un contexto histórico que ya no era sólo italiano ni exclusivamente judío, y cuyas principales figuras fueron el Papa, el emperador Napoleón III, Camilio Cavour y el secretario de Estado de la Santa Sede, Giacomo Antonelli.

Por último, cabe mencionar las buenas interpretaciones de Fausto Russo y Barbara Ronchi como los impotentes padres que son víctimas del secuestro de su hijo y del fanatismo religioso. 

El rapto cuenta con un guion muy trabajado y que se contrapone a las carencias en el diseño de producción que no puede afrontar una película de época con medios tan paupérrimos. Sin embargo, esas carencias en fotografía, arte, extras o sonido son suplidas con fuerza por la potencia de la historia narrada. Una historia que nos habla de fanatismo, compra de voluntades y sobre todo de un niño que cuando pudo se negó a abandonar el convento de los canónigos de Latran en Saint-Pierre-aux-Liens, donde al parecer vivía de acuerdo con la política del Papa, cuyo nombre, Pío, incluso adoptó, cuando fue ordenado sacerdote. La presión ejercida sobre él durante su infancia fue, sin duda, demasiado fuerte, y el peso del condicionamiento sufrido fue, seguramente, demasiado sutil para poder escapar a él, y para que no le marcara en su vida como adulto una vez realizada la conversión hacia el catolicismo. 

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Italia

Título original: Rapito

Dirección: Marco Bellocchio

Género: Drama, Historia 

Guion: Marco Bellocchio, Susanna Nicchiarelli 

Música: Abio Massimo Capogrosso

Fotografía: Francesco Di Giacomo

Duración: 120 minutos

Reparto: Filippo Timi, Fabrizio Gifuni,

Barbara Ronchi, Paolo Pierobon,

Fausto Russo Alesi, Enea Sala.

¡Qué maravilloso es el cine! La última película (The last picture show, Peter Bogdanovich, 1971)

La última película dirigida por Peter Bogdanovich estrenada en 1971 es un estupendo filme que otorga sentido a la sección de 'Qué maravilloso es el cine'. Titulada de manera original como 'The last picture show' hablamos de uno de los grandes clásicos de la historia del cine y de una gran forma de adentrarse en la carrera de un cineasta muy especial.

Disponible en Prime y Filmin

LA AMÉRICA PROFUNDA

Basada en en la novela homónima de Larry McMurtry, La última película retrata de forma maestra un tiempo, un espacio y un lugar. Hablamos de Anarene, en Texas, un pequeño municipio de unos 1000 habitantes que refleja de manera colosal esa "América profunda" que tantos ríos de tinta ha hecho correr. La otra cara de Hollywood, y por ende de los Estados Unidos de los cincuenta, aparece retratada de manera hipnótica para el espectador. Bogdanovich utiliza el filme como su memorándum con las líneas maestras de lo que fue una forma muy especial de sentir el cine.  

Miles de pequeños pueblos de Estados Unidos están habitados por trabajadores blancos que poco o nunca viajaron, guardan un arma en casa y ven a los urbanitas como a seres de otros planetas. Hace unos años, el escritor Joe Bageant narró en un libro muy potente (Crónicas de la América profunda, Editorial Marea) las vidas de esos norteamericanos que están dispuestos a matar y morir por la imagen de un país construido en la televisión y en las salas de cine. El filme reseñado hoy es otra estupenda crónica de esa América que tantas alegrías ha otorgado al cine y a la literatura. Podríamos afirmar que Stone en su Giro al infierno actualiza la mirada de Bogdanovich sobre el interior de Estados Unidos. De manera más reciente el cineasta Ti West nos dejó un gran retrato en X potenciando el miedo, los traumas y la vez la sensualidad narrativa que aportan sus personajes retorcidos. 

CUANDO LA JUVENTUD SE ABURRE CON EL RABO MATA MOSCAS

La última película cuenta la historia de los ritos del paso generacional en Anarene, una ciudad ficticia de Texas. Es 1951, y el último año de instituto para Sonny (Timothy Bottoms) y Duane (Jeff Bridges), que se dedican a jugar al fútbol, ir al cine en el Teatro Real, pasar el rato en el salón de billar propiedad del anciano Sam y también se centran en el interés lujurioso por la jovencita Jacy Farrow (Cybill Shepherd). Los tres jóvenes sólo tienen cuatro opciones de diversión: un billar, un restaurante, un cine y el sexo.

Los jóvenes del pueblo se sienten insatisfechos y aburridos. Son como unos espectadores de sus propias vidas en una localidad encerrada en sí misma en la que no hay mucho que hacer. Todo es un sueño inmóvil del que muchos intentan huir emigrando a la gran ciudad, alistándose en el ejercito o buscando un marido que al menos les otorgue una buena posición dentro de escala social de la población. La crisis de la posguerra mundial y la guerra en Corea atemorizan a los variopintos personajes del lugar que se refugian en el cine, en las habladurías o en relaciones sexuales que pongan algo de color en sus vidas. 

PERSONAJES PRINCIPALES E INTERPRETACIONES

La cinta es narrada a través de los ojos de Sonny que es interpretado por Timothy Bottoms. En las primeras secuencias aparece coqueteando con Charlene, su primera novia, con la que se entretiene en el cine o en el coche con juegos sexuales que no son más que un pasatiempo para el joven. Realmente está enamorado de Jacy como casi todos los chicos del pueblo. Es el personaje más importante del filme y quizás el único que desea permanecer en Anarene para el resto de sus días. Retrata a la perfección el amor a los orígenes y el conformismo con la tierra en la que le ha tocado vivir. La secuencia de cierre, en este aspecto, es magistral. 

El personaje de Jacy supuso el rotundo debut de Cybill Shepherd. Hablamos de una joven 'Lolita', que busca perder la virginidad pues según su propia madre esto le abrirá las puertas del mundo. Jacy es caprichosa, retorcida y consciente de la atracción que despierta en los hombres. Incluso consigue manipular a Sonny para que huyan del pueblo y se casen a escondidas. Un matrimonio que será rápidamente anulado y que supone el contrapunto de la pérdida de la inocencia de Sonny. Éste se echa en brazos de la esposa del entrenador de la escuela con la que mantiene una relación secreta y tortuosa. La actriz Cloris Leachman representa a la mujer madura y aburrida que busca en el muchacho la revitalización de su existencia. Ganó el Oscar de la Academia con su sutil interpretación de Ruth. También fue premiado con el Oscar, Ben Johnson por su interpretación de Sam “El león”. Sam es el propietario de tres de los negocios del lugar y conoce todos los secretos de los lugareños. Un personaje querido por sus semejantes y que se presenta en pantalla como el buen padre y en el que todos confían. La filmación obtuvo ocho nominaciones a los Oscar, incluyendo mejor película y mejor dirección. 

Un jovencísimo Jeff Bridges interpreta al personaje antagonista del bueno de Sonny. La amistad de ambos parece sólida desde el comienzo de la historia pero se pone en entredicho pues ambos están enamorados de Jacy. Bridges brilla en el rudo papel de Duane y a través de él observamos también la situación social de Estados Unidos de los años cincuenta. Un país aún deprimido en su economía por los costos de la Segunda Guerra Mundial y que se involucraba, ahora, en la guerra de Corea. Durante el rodaje tanto Timothy Bottoms como Jeff Bridges se enamoraron de Cybill Shepherd que tenía 20 años por aquel entonces. Sin embargo, Shepherd quedó prendada de Bogdanovich con el que mantuvo un romance que rompió el matrimonio del cineasta estadounidense de origen yugoslavo. En cierta manera los personajes, interpretes y director se involucraron tanto en el proyecto que la realidad y la ficción se fusionaron. 

CONCLUSIONES

Rodada en un bellísimo blanco y negro, La última película es un gran homenaje al cine, una profunda crónica sobre la historia de un momento muy especial en Estados Unidos y el memorándum con el que Peter Bogdanovich deslumbró a toda una generación de cinéfilos. El título hace referencia al cierre del cine de Anarene que ya no podía competir con el auge de la televisión. Pera la caída de la única sala de cine del pueblo no era más que la constatación de la emigración a las ciudades. La última función del Cine Royal, en Anarene, se muestra en pantalla con Sonny y Duane ya reconciliados ante los fotogramas de Río Rojo de Howard Hawks.

 

Por otro lado, y al hilo de la película citada de Hawks, Bogdanovich refleja en esta mirada a la sociedad rural estadounidense su amor hacia el western crepuscular. La atmósfera, los planos estáticos sobre la población, y la música están plagados de añoranzas hacia el citado género sin olvidar que nos hallamos ante un lujurioso coming of age que perpetra deseo y pasión en cada fotograma exhibido.

El cineasta también bebe del Neorrealismo italiano y de la ruralidad opresiva que Roberto Rossellini reflejaba en Stromboli. Sin embargo, en el filme reseñado ese hiperrealismo en la narración no está exento de belleza y de esperanza en los personajes representados. En definitiva, nos hallamos ante una filmación hipnótica y fundamental para entender el cine contemporáneo. Sin perder un ápice de actualidad, La última película nos depara un ejercicio maestro de sutileza narrativa que a su vez es exquisito en lo visual y perturbador en la profundidad del relato. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Peter Bogdanovich

Género: Drama, Romance 

Guion: Peter Bogdanovich,

Larry McMurtry

Música: Phil Harris, Johnny Standley

Fotografía: Robert Surtees (B&W)

Duración: 118 minutos

Reparto: Timothy Bottoms,

Jeff Bridges,Cybill Shepherd,

Ben Johnson,Cloris Leachman,

Ellen Burstyn, Randy Quaid

La sociedad de la nieve: J.A. Bayona revive de manera épica el accidente aéreo de los Andes

¡Feliz año 2024 y bienvenidos de nuevo!

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La sociedad de la nieve dirigida por J.A. Bayona, tras su paso por seleccionados cines, se estrena en Netflix el próximo día 4 de enero de 2024. El filme español está en lista de los 15 filmes finalistas al Oscar a Mejor Película Internacional y se alzó con el Premio del Público del Festival de Cine de San Sebastían.

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La historia: En 1972, el vuelo 571 de la Fuerza Aérea Uruguaya, fletado para llevar a un equipo de rugby a Chile, se estrella en un glaciar en el corazón de los Andes. Solo 29 de sus 45 pasajeros sobreviven al accidente. Atrapados en uno de los entornos más inaccesibles y hostiles del planeta, se ven obligados a recurrir a medidas extremas para mantenerse con vida. 

La crítica: El potente filme español está basado en el libro homónimo de Pablo Vierci que cuenta los recuerdos de dieciséis sobrevivientes al accidente aéreo de los Andes. En el volumen se narran como fueron los setenta y dos días en la cordillera, cómo superaron esa situación extrema, cómo entendieron la muerte, qué significó el accidente y cómo influyó en su vida posterior. Cabe recordar para aquellos espectadores más jóvenes que la tragedia ya fue reflejada en el cine por la excelente ¡Viven!. 

La sociedad de la nieve comienza de manera suave y cotidiana con los preparativos de un inocente viaje de un grupo de amigos que a su vez componen un equipo de rugby. De manera posterior la narración muestra el tremendo accidente aéreo desde una perspectiva virtuosa. El drama está servido, presentado y entramos en el meollo de la supervivencia. 

J.A. Bayona va directo al grano e intenta implicar al espectador en el debate sobre el canibalismo. La única manera de sobrevivir al accidente andino era comerse a los muertos y tras algunas reticencias iniciales todos los supervivientes accedieron o siguieron a los primeros que dieron la idea. Aunque se evitan escenas morbosas, el filme muestra con claridad como se normalizó el canibalismo. Nadie optó por oponer franca resistencia en una situación en la que el hambre nublaba las mentes. Hoy en día se sigue dando vueltas a un asunto muy delicado y que no obstante ya se había dado en la sociedad contemporánea. De hecho, en la II guerra mundial y en épocas de hambruna hay casos documentados parecidos a los vividos en los Andes. 

Bayona no se apoya en un elenco de actores conocidos, sino en un grupo de intérpretes argentinos y uruguayos que logran encarnar a la perfección a las personas a las que dan vida. Destaca el joven Enzo Vogrincic en el papel de Numa que podría considerarse el personaje central con el que se hila el relato. Un relato que se centra en el espíritu de equipo y en un cierto aire espiritual que lleva a los personajes principales al reto de sobrevivir a la vida, más que a sobrevivir a la muerte. Se intuye que algunos sobrevientes pudieron vivir felices, pero otros arrastran la culpa hasta el final. 

La técnica de la película es impresionante usando grandes planos abiertos, fotografía radiante, música emotiva y un montaje perfecto haciendo que el cineasta español consiga una narración visual plena de aciertos. El sonido o la recreación del accidente son también magníficos y los créditos finales dan empaque al cierre de la producción. 

La sociedad de la nieve me ha parecido un relato fascinante en lo moral y en lo visual. La pega que se puede poner al filme es que la historia ya había sido contada por dos veces en el cine y con ello se pierde el factor sorpresa que ya de por sí era inexistente. Sin embargo, Bayona consigue crear un filme muy especial para las nuevas generaciones. También suma puntos la perspectiva emocional con la que el cineasta español retrata una de las tragedias aéreas más llamativas de la historia de la aviación.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: España

Dirección: J.A. Bayona

Género: Drama, Aventuras

Guion: J.A. Bayona, J. Marqués

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Pedro Luque

Duración: 144 minutos

Reparto: Enzo Vogrincic,

Agustín Pardella, Matías Recalt, 

Esteban Bigliardi, Diego Vegezzi,

Fernando Contigiani García.