Los niños de Winton (One Life): pasaporte a la vida

Los niños de Winton dirigida por James Hawes se ha estrenado en cines españoles el día 22 de marzo de 2024. Protagonizada por el dos veces ganador del Oscar® Anthony Hopkins (El Padre, Los dos Papas) la cinta está basada en la increíble historia real de cómo un hombre corriente logró algo extraordinario. 

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La historia: Un joven corredor de bolsa británico, Nicholas Winton (Anthony Hopkins), ayudó a rescatar a cientos de niños de los nazis en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, con la ayuda de su madre (Helena Bonham Carter). Un acto de compasión casi olvidado durante 50 años, y del que Nicky vive atormentado por los fantasmas de los niños a los que no pudo rescatar, culpándose por no haber hecho más.

La crítica: Al igual que en La lista de Schindler la cinta hoy reseñada trata de poner en valor a aquellas personas que desde lo individual hicieron lo posible para el bien del prójimo durante o en los momentos previos a la Segunda Guerra Mundial. En este caso viajamos a la Checoslovaquia ocupada en la que otra lista ideada por Nicholas Winton trataba de salvar a niños judíos del exterminio nazi. El traslado de Praga a Inglaterra guarda semejanzas a lo que se hizo con Los niños de Rusia en su traslado desde España durante el conflicto civil ibérico. 

Los niños de Winton está narrada en dos lineas temporales separadas por 50 años (1938-1988). El caso de los niños refugiados pasó desapercibido hasta los años 80 hasta que un programa de la televisión inglesa dio voz al impulsor de este movimiento. Con un buen pulso narrativo el cineasta cuenta la historia de cuando el joven Winton llega a Checoslovaquia donde existía una ONG muy pequeña, el Comité Británico para Refugiados en Checoslovaquia. Un pequeño grupo de personas con muy poco dinero, tratando de ayudar a refugiados que huían de la persecución nazi que comenzó con la apropiación de los Sudetes en Checoslovaquia.

Winton y su equipo decidieron centrar sus esfuerzos en los niños que estaban en riesgo. Tal vez el caso más fácil de presentar tanto en el extranjero como en el propio Reino Unido: rescatar a personas que estaban en inminente riesgo de persecución y posible asesinato. Hoy en día solo se puede sentir vergüenza ajena ante la aplastante matanza de niños en Gaza provocada primero por Hamas y luego por Israel con la Comunidad Internacional mirando para otro lado. Es por eso que Los niños de Winton resulta una película muy actual con la que observamos como la historia se repite cambiado los roles del pueblo oprimido que pasa a ser opresor. En la Checoslovaquia ocupada por los nazis murieron más de 15.000 niños judíos. Este dato puede quedar pequeño cuando salgan los datos definitivos de los niños de Gaza. Paradojas de la humanidad. 

Anthony Hopkins interpreta a Nicholas Winton y vuelve a dar un recital interpretativo. Completan este buen reparto, la dos veces nominada al Oscar Helena Bonham Carter (El discurso del rey), el nominado al Oscar Jonathan Pryce (La buena esposa), la nominada al Bafta Romola Garai (Mas allá de la pasión) y Johnny Flynn quien interpreta al joven Winton en sus viajes a Praga. 

Un rodaje de 33 días, en dos países y dos períodos de tiempo, trabajando con dos equipos en dos idiomas es el desafío técnico que ha afrontado James Hawes. Las ambientación, música y fotografía son notables de manera especial en la recreación de la Praga de 1938. Era importante para Hawes y los productores filmar en Praga, utilizando las ubicaciones auténticas de la ciudad, incluso filmando en la plataforma real de la estación en la que los niños se despidieron de sus familias y partieron hacia Inglaterra. Una estatua de bronce de Winton con dos niños y una maleta marcan el lugar histórico real. 

Los niños de Winton me ha parecido un buen ejercicio de memoria histórica y un aceptable retrato cinematográfico que descubre un hecho quizás solo conocido por los historiadores. Citado en la película hay un proverbio en hebreo, traducido como: "Salvar una vida, salvar el mundo". Y ese es el mensaje que trata de dejarnos el cineasta. Se estima que hay más de 6.000 descendientes a día de hoy debido al rescate de los niños de Praga. Desde luego no se me ocurre mejor legado que el de ayudar a salvar una vida y en eso Winton dejó su sello más preciado. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Título Original: One Life

Género: Drama, Historia.

Dirección: James Hawes

Guion: Lucinda Coxon

Música: Volker Bertelmann

Fotografía: Zac Nicholson

Duración: 110 minutos

Reparto: Anthony Hopkins, 

Helena Bonham Carter, Jonathan Pryce,

Lena Olin, Romola Garai, Johnny Flynn.

Living: el eterno legado

Living dirigida por Oliver Hermanus se estrenó en cines españoles en enero de 2023 y desde el día 7 de abril estará disponible en la plataforma Filmin. La película británica cosechó dos nominaciones a los Oscars en las categorías de mejor guion adaptado y para el veterano Bill Nighy como mejor actor.

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La historia: Ambientada en la década de 1950 en Londres, la película sigue a Williams, un veterano funcionario enterrado bajo el papeleo de la oficina mientras la ciudad se reconstruye después de la II Guerra Mundial. Al recibir un demoledor diagnóstico médico, vacía su cuenta de ahorros y se dirige a la costa. Se promete hacer de sus últimos meses de vida un tiempo significativo, pero se percata de que no sabe cómo hacerlo. Después de que un misterioso desconocido lo lleve a salir por la ciudad, Williams se siente intrigado por una joven compañera de trabajo que parece poseer la vitalidad que él había perdido. Será su revulsivo vital.

La crítica: El escritor, Kazuo Ishiguro, y el director Oliver Hermanus adaptan de manera magnética el guion de una de las películas más recordadas de Akira Kurosawa, Vivir (1952), para trasladarlo al Londres de la posguerra. 

Living es un filme elegante y liviano que no duda en debatir sobre la vida y la muerte sin ningún tipo de dramatismo. También es un alegato en contra de la burocracia y a su vez un canto a las ganas de vivir. Hablamos de la historia de un hombre común, aplastado por años de una tediosa rutina de oficina y reducido a una existencia sombría que, en el último momento hace un esfuerzo supremo para convertir su aburrida vida en algo maravilloso, en algo que merece la pena vivir.

Aunque "Vivir" (Ikuro) abordaba las consecuencias para los perdedores de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de reconstrucción y recuperación era similar para los ganadores. Así que había paralelismos entre el sentido de imperio de ambos países, su estoicismo y su autocontrol emocional. Llama la atención la educación, el respeto y la camaradería que se respiraba en Londres. Así es como se presenta la película, a sus personajes y a la ciudad con un notable diseño de producción.

Bill Nighy pone un brillante broche de oro a la que, sin duda, será recordada como una de las grandes actuaciones de su carrera. Un actor que tiene ese sentido del humor inglés, esa ironía, ese estoicismo y también esa especie de melancolía que destilan los intérpretes británicos. Su personaje, como decía, es de un hombre muy convencional que ha interiorizado el dolor. Desde que su esposa murió hace más de 20 años, ha confinado su vida a parámetros estrechos para evitar más sufrimiento. Sin embargo, su diagnóstico médico le hace tomar la vida de otra manera en un giro emotivo e incluso divertido para el espectador. 

El resto de personajes están compuestos por un hombre decadente (Tom Burke) con el que hace amistad en un viaje de evasión hacia el hedonismo y las juergas antes de rechazarlo como solución. De vuelta a Londres, se siente atraído por la vitalidad natural de Margaret (Aimee Lou Wood), una joven que trabajó bajo su supervisión y que ahora está decidida a volar por sí misma. Una noche, una sorprendente revelación, tan simple como profunda, le produce un enorme impacto. Así que con energías renovadas y con ayuda de Peter (Alex Sharp), un nuevo e idealista miembro de su departamento, se propone crear un legado para la siguiente generación. De ese eterno legado es de lo que finalmente nos habla la película. El legado que dejamos cuando ya no estamos aquí. 

Emilie Levienaise es una premiada pianista, compositora y artista de grabación francesa con sede en Londres, cuyo trabajo abarca música para películas orquestales, proyectos de álbumes, encargos y diseño de sonido. Realiza una banda sonora brillante sin la que la película sería totalmente distinta. La diseñadora de vestuario Sandy Powell también hace un trabajo perfecto que nos sitúa en el contexto del Londres de los cincuenta. 

Living me ha parecido una película delicada, amable y a la vez profunda. En el fondo, es una historia sobre la muerte como afirmación de la vida. Es una oportunidad para ver lo que hace una persona normal que tiene una existencia muy limitada cuando se enfrenta cara a cara con la muerte. A grandes rasgos, descubre que lo que da sentido a la vida es hacer algo por los demás. Hoy en día vivimos mirando nuestros móviles, mirando hacia el futuro. Así que es interesante dar un paso atrás y preguntarse qué significa estar presente en tu propia vida y disfrutar así de ese presente. 

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Oliver Hermanus

Género: Drama, Remake

Guion: Kazuo Ishiguro

Música: Emilie Levienaise

Fotografía: Jamie Ramsay

Duración: 102 minutos

Reparto: Bill Nighy,

Aimee Lou Wod, Tom Burke, 

Alex Sharp, Adrian Rawlins, 

Hubert Burton, Oliver Chris

True Things: el deseo y el amor en clave femenina

 True Things dirigida por Harry Wootliff se estrena en Filmin el viernes 24 de junio tras su paso por la Sección Horizontes del prestigioso Festival de Venecia. Su estreno en cines de Estados Unidos se producirá el próximo 9 de septiembre. 

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La historia: Kate (Ruth Wilson), es una treintañera que trabaja en una oficina de servicios sociales atrapada en una rutina tediosa y frustrante. Pero un día se cruza con un desconocido, Blond (Tom Burke), que la despertará de la rutina y con quien empezará un romance dominado por la obsesión y la autodestrucción.

La crítica: La cineasta Harry Wootliff se basa en la novela "True Things About Me" de Deborah Kay Davies para su nueva película tras la premiada "Only You", en la que dirigió a Josh O'Connor y a Laia Costa a la que veíamos hace poco en la española Cinco lobitos. 

True Things comienza de forma explosiva y aunque se va desinflando como un globo nos deja aspectos muy interesantes sobre la psicología femenina. La película es subjetiva, íntima y de manera fundamental nos habla sobre la relación de una mujer consigo misma. Durante su viaje hacia esa autonomía personal, Kate se ve abocada a dejarse consumir y descarrilar por un hombre como si fuera una niña de dieciocho años. 

Lo que pudiera parecer una relación tóxica para el común de los mortales para Kate no lo es. De hecho está dispuesta a dejar su trabajo, discutir con sus padres o humillarse como persona con tal de poder estar más cerca de un hombre que no parece mostrar mucho interés en ella. Pero lo que pudiera parecer tóxico a primera vista, después de todo, también puede ser embriagador para ella. Así es como la protagonista parece consumirse entre el deseo y la insatisfacción con una relación que se presenta como un atisbo de caminos no recorridos.

True Things cuenta con dos de los actores más dinámicos y carismáticos de Reino Unido: Ruth Wilson ("Mrs Wilson") y Tom Burke ("The Souvenir"). El personaje masculino es simple y solo aporta algo al relato como espejo deformado de Kate. Hablamos de un tipo recién salido de la prisión y qué se dedica a trapichear. Kate ya no sabe quién es y ha aceptado una versión de sí misma que ha sido moldeada por la sociedad, por quienes la rodean y ahora por un hombre que no sabe que hacer con su vida. 

En la parte técnica -muy plana en todo caso- destaca el sonido; tanto los sonidos de la naturaleza como la música que en ocasiones refleja el romanticismo ingenuo de los sueños de Kate. El libreto abusa del mundo onírico de la protagonista y gana cuando se centra en lo mundano. La perspectiva de los encuentros sexuales es bastante original y se centra en el deseo femenino desde la mirada de Kate.

True Things me ha parecido una buena muestra del cine independiente británico pero quizás no tan buena como lo que suele elegir Filmin para su catálogo. Hablamos de un cuento con moraleja sobre una relación sexual destructiva que es compleja y muy común a la vez –una relación que suena familiar y que se percibe como un rito de iniciación–. Es algo así como una historia de amor que se fija, desde los ojos de Kate, en lo frágil que puede llegar a ser la confianza en uno mismo y cómo algunas mujeres usan las relaciones para explorar su identidad en plena igualdad con los hombres ante la perplejidad de algunos de ellos.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Harry Wootliff

Guion: Harry Wootliff

Fotografía: Ashley Connor

Música: Alex Baranowski

Duración: 100 minutos

Reparto: Ruth Wilson, Tom Burke,

Tom Weston-Jones, Hayley Squires,

Elizabeth Rider, Melissa Neal

Mr. Wain: la belleza de un lienzo pintado

Mr. Wain dirigida por Will Sharpe se estrena en cines españoles el próximo día 9 junio. La cinta británica es un biopic del reconocido pintor británico Louis Wain, famoso por sus pinturas dedicadas a los gatos. 

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La historia: Inglaterra, 1888. Louis Wain (Benedict Cumberbatch), es un insólito artista e inventor cuyos grandes logros atraen a las principales publicaciones del momento. Mientras intenta compaginar su creatividad con el cuidado de sus cinco hermanas y de su madre, conoce a Emily (Claire Foy), que será el amor de su vida; y ambos adoptan a Peter, la mascota que inspirará su arte basado en dibujos sobre el mundo gatuno.  

La crítica: Tras su paso por el Festival de Toronto, el Festival de Telluride y recientemente por el Bcn Film Festival, Mr. Wain o The Electrical Life of Louis Wain, que es su título original, se presenta como una original biografía cinematográfica que hará las delicias de los amantes de los gatos, de los apasionados del cine de época y de las almas románticas si es que aún hubiese alguna sobre el planeta.  

¿Quién fue en realidad, Mr. Wain? Louis Wain fue conocido como el hombre que dibujaba a los gatos. Un artista talentoso y ambidiestro, nacido en 1860 y que ya en el cambio de siglo era un nombre familiar entre sus compatriotas. Sus imágenes de gatos cautivaron a los corazones de una nación. O al menos eso es lo que nos narra la producción. El humilde felino, despreciado o amado según la época histórica, fue antropomorfizado por el artista y llenó las páginas de revistas populares británicas. Su obra de arte captura la historia social de su época a través de los felinos y ahora el séptimo arte los hace suyos.

Uno de los momentos más emotivos sucede cuando H. G. Wells aparece en una transmisión de radio en 1927 y dice algo así como: "Él inventó un estilo de gato, una sociedad de gatos, una sociedad de gatos completa. Los gatos ingleses que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”. El filme también describe el deterioro cognitivo del ilustrador a raíz de la enfermedad de su esposa. Las malas relaciones de esta con la familia de Wain y la precaria situación económica del clan van desbordando al matriarcado. 

Después de la muerte de su padre, Mr. Wain se convirtió en el sostén de la familia. Una familia que comprendía cinco hermanas: Caroline, Josephine, Marie, Claire y Felicie, así como su madre. Con Louis sobrepasado, le tocó a Caroline organizar la casa. A instancias de ella, Wain consintió la contratación de una institutriz para sus hermanas menores.

El pintor tenía 23 años y se enamoró de la institutriz creando su nuevo hogar. Wain y Emily eligieron el amor y la esperanza por encima de las convenciones o de la fuerte oposición de las hermanas. Se mudaron a Hampstead y durante un tiempo disfrutaron de una vida tranquila. Su único compañero de hogar era un gatito llamado Peter al que adoptaron y sirvió de inspiración al artista. No pasó mucho tiempo después de contraer matrimonio en 1884 cuando Emily fue diagnosticada de cáncer de mama. La enfermedad de Emily hizo madurar al bueno de Wain y dejó por el momento sus sueños de inventor y su obsesión por la electricidad. Se podría decir que fue un hombre que soñaba con ovejas eléctricas y que tuvo una visión sobre un invento llamado dron. Hablamos de una profecía cumplida de unos aparatos claves incluso en el mundo bélico.   

Junto al estupendo y eficaz Benedict Cumberbatch (“El poder del perro”, "Doctor Extraño"), el reparto está encabezado por la ganadora del Globo de Oro y del Emmy Claire Foy ("First Man", serie de TV "The Crown"), que hace un gran trabajo como la esposa de pintor británico. Los personajes retratan a la perfección un mundo anclado en las tradiciones victorianas que poco a poco se deshace con el cambio de siglo. 

La película, ambientada a finales del siglo XIX y principios del XX, cuenta con un extraordinario equipo artístico donde encontramos al director de fotografía Erik Alexander Wilson ("Paddington"), al diseñador de vestuario ganador del Oscar Michael O'Connor ("Jane Eyre"), y a la diseñadora de producción de películas como "Mr. Turner" o "El espía inglés" y nominada al Oscar Suzie Davies. Por tanto, hablamos de un filme que multiplica su belleza en la gran pantalla como si se tratara de un lienzo pintado. 

Mr. Wain es un filme luminoso y triste a su vez. Con Cumberbatch y Foy en estado de gracia, nos asomamos a la peculiar vida de un hombre superado por la propia vida pero que logró pasar a la historia como el mejor ilustrador del gato. Después de llenar las páginas de revistas populares como el Illustrated London, se reconcilió con su familia y descubrió nuevas oportunidades de negocio.

El filme también explora su compleja y turbulenta vida con los patrones clásicos de las biografías en el cine. Unas biografías no aptas para tiktokers, instagramers, influencers y demás monstruitos a los que un vídeo de 40 segundos se les hace extremadamente largo. Y es que el verdadero peligro para el cine no está en las plataformas como antes no lo estuvo con la invención de la televisión. El verdadero peligro reside en que los jóvenes actuales están programados para ver vídeos cortos y las películas en el cine, como norma general, no pueden durar 17 segundos. Aunque tengo que reconocer que algunos filmes no deberían durar más de diez segundos. No es el caso de Mr. Wain que cumple con todos los patrones del cine clásico en su fondo, en su forma y en sus estructuras narrativas. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Reino Unido

Dirección: Will Sharpe

Guion: Will Sharpe

Fotografía: Erik Wilson

Duración: 110 minutos

Reparto: Benedict Cumberbatch,

Claire Foy, Andrea Riseborough,

Toby Jones, Stacy Martin,

Aimee Lou Wood, Adeel Akhtar,

Julian Barratt, Sharon Rooney

I Care a Lot: Rosamund Pike como la mala más buena del año

 

I Care a Lot dirigida por J Blakeson llega a los cines españoles el próximo día 9 de abril. El thriller, que se estrenó en el Festival de Toronto, ha supuesto para Rosamund Pike una gran reválida al ser nominada y ganadora del Globo de Oro 2021 como mejor actriz de comedia.

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La historia: Marla Grayson (Rosamund Pike) es una exitosa tutora legal de ancianos completamente acostumbrada a usar la ley para satisfacer sus propios intereses y normalmente, en perjuicio de sus clientes. Todo es lujo en su vida en compañía de su novia Fran (Eiza González) hasta que un día se da cuenta de que su nuevo clienta esconde oscuros secretos. Ahora, Marla tendrá que usar todo su ingenio si quiere salir viva de esta historia y de su vida como estafadora.

La crítica: I Care a Lot se presenta como un singular thriller de suspense, cargado de humor negro, escrito y dirigido con mucha acidez por J Blakeson (La desaparición de Alice Creed). Ya desde el inicio del filme británico nos percatamos de que estamos ante un largometraje distinto y que no provocará indiferencia en el espectador. 

La cinta expresa de manera constante una dicotomía entre el bien y el mal. Marla define la vida como una lucha entre leones y corderos e incluso se define como una "puta leona". Es por eso que actúa en consecuencia a su ambición desmedida por el dinero. Su única debilidad pero también su mayor punto de apoyo es Fran. Ambas forman un equipo a lo Bonnie & Clyde en versión femenina. La homosexualidad se integra en la trama de manera natural sin mencionarse de manera expresa.

I Care a Lot se siente como una atinada sátira sobre el extraño mundo de los tutores legales de ancianos en Estados Unidos. Si la película reflejara una realidad, estaríamos hablando de una verdadera mafia en la que las personas mayores son tratadas como mercancía con la complicidad de las residencias de ancianos. Parece que la sociedad ve a nuestros mayores como un problema que debemos solucionar u ocultar, olvidando que se trata de individuos únicos que todavía viven. Como dice Marla en la película, "no subestimes a las personas mayores" porque todos los que viven en residencias de ancianos han tenido vidas muy diferentes, y a menudo más interesantes que quien los envía allí como una mercancía. 

Otra fuente narrativa de la que bebe la película es la ambición desmedida de determinadas personas. Hablamos en cierta manera de una crítica hacia el sueño americano cuando el individuo sitúa a la economía por encima de la propia humanidad con nuestro prójimo. La cinta nos habla acerca de los compromisos  morales  que  la  gente  está  dispuesta  a  hacer  para conseguir el éxito y la riqueza. Y nos plantea preguntas sobre cómo las personas que están dando forma a nuestro mundo han obtenido  su  riqueza y poder. ¿Qué líneas tuvieron que traspasar para tener éxito? ¿Y cuáles fueron los daños colaterales que sufrieron para convertirse en ricos y poderosos? 

Rosamund Pike brilla en su papel como la mala más buena del año. Su personaje de tutora legal sin escrúpulos tiene la virtud de conectar con el espectador a pesar de tener más maldad que vergüenza. Marla es una gánster que abusa de los más vulnerables para obtener poder y ganancias. Pero es una gánster legal avalada por la justicia estadounidense.

Su compañera de aventuras está interpretada por la actriz mexicana Eiza González. En el papel del antagonista de Marla aparece Peter Dinklage (Juego de Tronos). Éste se mete en la piel de un mafioso ruso llamado Roman. Cuando Marla comete el error de convertirse en tutora legal de su madre (Dianne Wiest), elige a la anciana equivocada. Roman emprende una vendetta contra Marla y todo se resuelve en un giro de guion realmente brillante. 

En los aspectos técnicos destaca la apariencia, el estilo y el ambiente que se crea en el filme. Blakeson realiza una película bastante colorida influenciado por las películas en Technicolor de los años 50 y 60 y de Godard de la década de los 60. La paleta de colores utilizada también resulta muy ochentera con un contraste realmente alto y muy llamativo. 

I Care a Lot me ha parecido un gran ejemplo de lo que hay que hacer para realizar una buena comedia negra. La cinta logra un equilibrio muy delicado entre el tono, la forma, el mensaje y el estilo visual. Con una gran Rosamund Pike a la cabeza y unas buenas interpretaciones con carácter general, hablamos de un filme bien construido y mejor acabado con un cierre circular que bordea la excelencia cinematográfica. 

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Reino Unido

Director: J Blakeson

Guion: J Blakeson

Música: Marc Canham

Fotografía: Doug Emmett

Duración: 118 minutos

Reparto: Rosamund Pike, 

Peter Dinklage, Eiza González,

Dianne Wiest, Chris Messina,

Isiah Whitlock Jr., Macon Blair

Dating Amber: cine pop y libertad sexual

Dating Amber dirigida por Ruairi O'Brien, responsable de la prestigiosa cinta de terror The Cured, se estrena en cines españoles el próximo día 26 de febrero. La cinta irlandesa participó en la 58ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón dentro de la sección Enfants Terribles. 

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La historia: Ambientada en Irlanda a mediados de los años noventa, Eddie y Amber deciden fingir una relación heterosexual para evitar que todos especulen sobre su orientación sexual. Eddie está ansioso por entrar en el ejército como su padre, mientras que Amber sueña con mudarse al centro liberal de Londres. Sin embargo, su arreglo comienza a desmoronarse, lo que obliga a Eddie a profundizar en su propia negación. Es entonces cuando Amber se da cuenta del peligroso futuro que le espera a su mejor amigo si ella no interviene. 

La crítica: Decía Truman Capote que: "El amor, al no entender de geografía, no conoce fronteras". Mucho de esto, adornado con una preciosista puesta en escena pop, es lo que refleja Dating Amber en su trasfondo. Viajamos al centro de la Irlanda rural para acompañar a Eddie y Amber que se presentan como una extravagante pero muy tierna pareja adolescente. Ambos jóvenes tienen parecidos problemas respecto a su orientación sexual lo que les lleva a su teatral alianza. Asimismo observamos como la "salida del armario" en un entorno rural se convierte en algo quimérico para ambos. El tono gamberro de la cinta se siente acertado con perlas como las pronunciadas por el personaje de Eddie.

Éste, trata de justificar su fallida heterosexualidad con frases como: "Estuve a punto de tocarle una teta...pero de repente sonó el timbre". Amber, su contraparte femenina, también de manera locuaz dice: "Quiero que la gente piense que soy hetero, ¡no una puta!".

Dating Amber retrata con fuerza la frustración y como gestionarla para fortalecer al individuo. Es decir, nos habla y nos inquiere sobre los tiempos en la que la orientación sexual debe ser comunicada o si por el contrario es mejor guardarla en la intimidad para no ser juzgados. La ambientación de la película es mixta. Por un lado, el lado represor de la vida sexual se muestra durante los días de instituto, mientras que la liberación sexual es mostrada a través de un entorno bucólico. Observamos naturaleza, espacios abiertos y paseos en bicicleta donde los personajes son más propensos a relacionarse, conocerse, amarse, desearse o simplemente se dedican a disfrutar de la vida en una acertada alegoría del verano.

La película cuenta con un reparto que encabezan Fionn O’Shea, actor al que hemos visto en el drama histórico El día que vendrá y que pronto protagonizará Cherry, junto a Tom Holland. En el papel de Amber se luce Lola Petticrew, que ha participado en Here Are The Young Men, junto a Anya Taylor-Joy. Ambos actores destilan química en pantalla y se lucen en una interpretación bastante orgánica. El resto de personajes destacan por su excentricidad en un reparto coral bastante acertado.  

Recapitulando, Dating Amber es una sencilla historia que sigue los pasos de un chico y una chica, que fingen ser pareja para alejar los rumores sobre su orientación sexual que corren por el instituto. Ambientada en la Irlanda de los años noventa, la cinta es una sutil gamberrada sobre dos adolescentes encerrados en una población que no les acaba de aceptar como son. La libertad sexual aparece como principal frente discursivo en un tema que no se acaba de resolver por los múltiples prejuicios que perduran en la sociedad. Y es que no se acaban de soltar amarras con un pasado marcado por el catolicismo represor de dicha libertad sexual. En definitiva, la cinta nos ofrece una mirada honesta sobre los altibajos de la vida reflejados en dos personajes que se hacen querer por sus torpezas, aciertos y deseos frente a la incomprensión de sus semejantes.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Irlanda

Dirección: David Freyne

Guion: David Freyne

Fotografía: Ruairi O'Brien

Duración: 92 minutos

Reparto: Fionn O'Shea, Lola Petticrew,

Sharon Horgan, Barry Ward, Simone K,

Evan O'Connor, Ian O'Reilly, Emma Wil