The quiet girl: belleza y emoción

 The quiet girl dirigida por Colm Bairéad se ha estrenado en cines españoles el día 24 de febrero de 2023. Este emotivo drama irlandés ha obtenido la nominación al Oscar en la categoría de mejor película internacional. 

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La historia: Cáit, una niña de nueve años, vive retraída entre su familia numerosa y hostil. Sus padres la envían a pasar el verano a casa de unos parientes más adinerados, donde el misterioso silencio de Cáit se encontrará con el calor de un hogar y con idílicos paisajes. Allí, la pequeña se hará eco del secreto que esta familia adoptiva calla.

La crítica: Puede sonar a tópico, pero la sucesos que ocurren en la infancia son los que marcan nuestra vida. Para bien o para mal. The quiet girl es un sutil cuento irlandés sobre cómo el amor o el desamor recibido por una niña puede moldear su personalidad, sus afectos y su futuro. 

The quiet girl es una adaptación en irlandés del aclamado relato Foster, escrito por Claire Keegan. Publicado por primera vez en el New Yorker y declarado "Lo mejor del año" por la revista, el relato fue ampliado y publicado como libro independiente por Faber & Faber en 2010. El guionista y director Colm Bairéad leyó por primera vez Foster en verano de 2018 e inmediatamente le cautivó la idea de adaptarla como película. Hoy en día se ha convertido en la película irlandesa más vista de la historia de Irlanda lo que confirma una vez más la recuperación del cine en la sala de cine. Avatar 2 es ya una de las películas más vistas de la historia del cine y Netflix comienza a dar signos de agotamiento, quizás, por su absurda política con las cuentas y por una producción propia estéril. 

Volviendo a The quiet girl, es un filme cautivador que toca temas cruciales de nuestra vida: los complejos lazos familiares, la cuestión del crecimiento emocional y psicológico y, de forma crucial, el fenómeno del duelo y su capacidad para moldearnos. Desde un punto de vista formal, la cinta en sí misma es convincente: una narración en primera persona, en tiempo presente y narrada a través de los ojos de una niña. Resulta envolvente, empática e innatamente visual. Gran parte de la historia es lo que la pequeña ve y siente en cada momento. La tensión narrativa del filme se desarrolla por completo desde la experiencia de la niña, más que desde una excesiva dependencia de la trama. De hecho, la única pega que puedo poner al filme es que el conflicto narrativo tarda en estallar.

La interpretación de Catherine Clinch es dulce y asombrosa para su edad. Su personaje es introvertido, asustadizo, pero de una ternura que emociona en cada secuencia. La idea de dar forma a la experiencia de esta niña y que ésta fuera la preocupación principal de la película es brillante. También se exploran las dinámicas de los demás personajes y sus relaciones con la cría. Un padre que no la quiere, una madre superada por su prole de niños y el encuentro del amor por sus "padres adoptivos" durante el verano de 1981 en esa preciosa Irlanda rural. 

La fotografía de Kate McCullough y la bella música de Stephen Rennicks hacen del filme una experiencia única en lo sensorial. En lo personal he sentido de manera plena el olor de la naturaleza, la belleza de las imágenes y las propias localizaciones exteriores como si estuviera dentro del filme. Esto es algo casi onírico y abrumador. 

The quiet girl es un filme único en su especie. El cineasta nos ofrece un relato sugerente, de una gran belleza y una inmensa profundidad. Un relato que gira alrededor de la familia, del desamor y la pérdida. Hablamos de un delicado drama coming-of-age que explora cuestiones como el amor, el abandono y el dolor a través de los ojos de la inocencia.

Nota: 9/10.

Título original: An Cailín Ciúin

Género: Drama

Nacionalidad: Irlanda

Dirección: Colm Bairéad

Guion: Colm Bairéad

Fotografía: Kate McCullough

Música: Stephen Rennicks

Duración: 95 minutos

Reparto: Catherine Clinch,

Carrie Crowley, Andrew Bennett,

Michael Patric, Carolyn Bracken

Missing: beneficios y peligros de las redes sociales

Escrita y dirigida por Will Merrick y Nick Johnson, el thriller Missing llega a los cines españoles el día 24 de febrero de 2023. De los creadores de la sorprendente Searching, el filme juega con los mismos conceptos en una historia completamente nueva. 

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La historia: June es una joven que agradece poder descansar unos días de su madre Grace, cuando esta decide hacer un viaje a Colombia con su novio. Cuando Grace y Kevin desaparecen, la investigación se frena por culpa de la burocracia y es entonces cuando June echa mano de redes sociales como Facetime o Taskrabbit para encontrar a su madre.

La crítica: Tras una primera media hora de caos digital, pantallas dentro de la pantalla de cine y una narrativa endiablada, Missing se asienta para adentrarnos en el misterio de una desaparición súbita. La historia se basa en el uso de las redes sociales utilizando un lenguaje de vanguardia con capturas de Instagram, Facebook, Skype o WhatsApp en primer plano. Llama la atención los registros que dejamos en ellas y su peligro real.

¿Qué harías si alguien al que quieres desaparece cuando está a miles de kilómetros de distancia y no tienes forma de llegar hasta ahí? Para June, una chica de 18 años, la respuesta está en el mundo digital que usa a diario. Los guionistas saben jugar muy bien con las bondades y peligros de las redes sociales. Y lo cierto es que los sistemas de localización pueden ayudar a resolver crímenes, protegerse estando localizado, pero también exponen intimidades o accesos en fraude a datos o tarjetas bancarias. 

Por otro lado, Missing no dejar de ser la clásica historia de una mujer que desaparece en extrañas circunstancias, dando así paso a un intenso thriller que engancha de principio a fin con un metraje ajustado a poco más de 100 minutos de buena e inteligente tensión narrativa.

Parte del ADN del filme está en la decisión de los cineastas de contar con un reparto que reflejase la diversidad del mundo real. La joven actriz Storm Reid carga con todo el peso de la propuesta. Fue protagonista junto a Zendaya de Euphoria, serie con fuerte repercusión mediática. Su personaje en Missing aparece en casi todas las escenas de la película, muchas veces sin ningún actor delante con el que interactuar. La chica a la que interpreta es terca, obstinada y muy inteligente. 

Nia Long, está correcta en el papel de la madre de June. Su personaje guarda secretos inconfesables que se irán desvelando a lo largo de la trama aclarando la desaparición. Ken Leung interpreta a Kevin, el misterioso nuevo novio de Grace. Parece el hombre perfecto, aunque cuando Grace desaparece, June descubre que Kevin tiene un pasado turbio. ¿Qué papel tiene en la desaparición de Grace? ¿Es el que está detrás de todo o le están usando como maniobra de distracción?

La parte técnica gira en torno a las llamadas de teléfono, las cámaras de seguridad y los vídeos virales que pueblan el universo digital. Es por ello, que la cinta se ha rodado de una una forma no convencional. La fotografía y el montaje son puntos destacados e importantes para la narrativa. 

Missing se presenta como una fluida conversación en el contexto de cómo son ahora nuestras relaciones personales. Las redes sociales influyen de manera directa en la acción. Los cineastas contrapesan de una manera adecuada los peligros, pero también los beneficios en la era de las nuevas tecnologías. El filme da una vuelta de tuerca a la clásica historia de secuestros al proponer nuevas formas para la resolución de estos casos. En conclusión, hablamos de un filme algo caótico, pero trepidante en un relato que gana de manera paradójica cuando frena el infernal ritmo narrativo de su primera media hora.

Nota: 6/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Thriller, drama 

Dirección: Nick Johnson, Will Merrick

Guion: Nick Johnson, Will Merrick

Fotografía: Steven Holleran

Música: Julian Scherle

Duración: 107 minutos

Reparto: Storm Reid, Nia Long, 

Amy Landecker, Ken Leung, 

Thomas Barbusca, Lisa Yamada,

Joaquim de Almeida, Tim Griffin

El piloto (Plane): Gerard Butler hace de Gerard Butler

 El día 10 de febrero de 2023 se ha estrenado en en cines españoles El Piloto donde Gerard Butler (Objetivo: La casa blanca, 300) se convierte en un habilidoso piloto dispuesto a todo por salvar a su tripulación en esta trepidante película de acción dirigida por Jean-François Richet.

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La historia: Brodie Torrance (Gerard Butler) es un piloto degradado por su compañía aérea que se dispone a pilotar un vuelo en medio de una fuerte tormenta. Tras un accidentado aterrizaje y perdidos en un una remota isla, el capitán Torrance tendrá que pedir ayuda a un preso de alta peligrosidad que era custodiado por la policía en su traslado ante la justicia. 

La crítica: Seguimos con el circo de las traducciones de cine con El piloto de Jean-François Richet. De manera original titulada Plane, también la podéis encontrar como Alerta extrema, Mayday, El piloto con morritos de acero o El piloto, su mujer y otras cosas del meter. En principio, las dos últimas son en broma, pero no lo descartéis según se vaya estrenando en los distintos países del mundo. En fin, sigamos.

Torrance es un piloto experto y un macho en toda regla (entiéndase la ironía), en ese tipo de personaje que encaja perfectamente con la trayectoria de Butler y por el que le conocen sus legiones de fans. O sea Gerard Butler haciendo de Gerard Butler. Una cosa tan cansina como Liam Neeson haciendo de Liam Neeson. Dicho lo cual, nos hallamos ante 25 minutos iniciales de buen cine y con máxima tensión narrativa. 

Cuando Torrance (Butler) se propone la enorme tarea de proteger a los pasajeros encuentra un aliado imprevisto en el recluso Louis Gaspare, que subió al avión en el último minuto para ser extraditado. Tras conseguir aterrizar el avión, toda una proeza en sí misma, los pasajeros se convierten en rehenes de unos rebeldes y Torrance deberá confiar en Gaspare, la última persona de la que esperaba ayuda, para enfrentarse a ellos.

El piloto descubre que las apariencias engañan y que la redención espera en los lugares más insospechados. Y aquí es cuando se jode la película. Miren, los mensajitos de redención, el buenismo y esas chorradas de confesionario mejor para otro tipo de cine. La gente, digo yo, va al cine a divertirse y no a que le peguen un sermón sobre las mierdas sin resolver del propio cineasta. Luego hay muchos tiros y tal y tal. Vaya tela. 

Respecto a las interpretaciones nada que objetar. Butler hace lo de siempre y Mike Colter hace de preso con buen corazón y esas cosas. El resto del reparto es gente que grita mucho, cosa por otro lado normal tras el hostión que se pega el avión. Bien también por una azafata que la palma y que por suerte no tiene que seguir rodando para seguir las gracias de un piloto encantado de conocerse a sí mismo. 

El nada creíble guion está ambientado en el archipiélago de Joló, un conjunto de islas situadas al suroeste de Filipinas en las que ni siquiera se presta a entrar el ejército filipino. Las vistas son bonitas, los efectos visuales buenos y el sonido es ensordecedor. 

Acabo ya. El piloto me ha parecido un filme que comienza de manera notable para ir cayendo en picado hasta un final circense, increíble y que toma al espectador por retrasado. Dice el cineasta que "la clave de la película ha sido garantizar que, a pesar de todas las escenas de acción, la película resultara realista". Supongo que cuando comentó tal estupidez iba borracho e igual cuando aceptó dirigir un guion que parece escrito por un niño de 4 años con 40 grados de fiebre y, por tanto, en claro delirio.

Nota: 3/10. 

Título original: Plane

Género: Acción

Nacionalidad: EE UU

Dirección: Jean-François Richet

Guion: Charles Cumming

Fotografía: Brendan Galvin

Duración: 107 minutos

Reparto: Gerard Butler, Mike Colter,

Yoson An, Daniella Pineda, 

Tony Goldwyn, Paul Ben-Victor, 

Joey Slotnick, Tara Westwood

Almas en pena de Inisherin: tragicomedia con encanto

Almas en pena de Inisherin dirigida por Martin McDonagh se ha estrenado en cines españoles el 3 de febrero de 2023. La coproducción británico - estadounidense ha obtenido 9 nominaciones a los Oscars entre ellos el de Mejor Película. 

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La historia: Todos los días, Pádraic (Colin Farrell) y Colm (Brendan Gleeson), quedan a las dos de la tarde para ir a tomar algo al único pub de la isla. Es su rutina diaria. Pero un día, todo cambia. Colm, ignora a Pádraic cuando le llama y le dice que ya no quiere ser su amigo sin motivos aparentes. El conflicto irá a más con consecuencias imprevisibles.

La crítica: Sigo con el repaso a los filmes nominados a los Oscars. Almas en pena de Inisherin, uno de los títulos más feos de la historia del cine, es sin embargo un filme con mucha más gracia de lo que se pudiera inferir de esta endiablada traducción. La historia rodada en Inishmore y en la Isla de Achill en la costa de Irlanda es un poema visual. 

¿Por qué Colm acaba su amistad con Pádraic? ¿Fue algo que Pádraic dijo o hizo? ¿Colm está deprimido? ¿Padriac debería respetar los deseos de Colm y no insistir? ¿O debería intentar cambiar la opinión de Colm? En los primeros cinco minutos ya tenemos la trama. 

McDonagh demuestra carisma en esta metáfora sobre el absurdo. Juega de manera inteligente con los avatares que todo el mundo tiene en una relación sentimental: pasión, amistad, deseo, angustia, celos, rechazo, pero al hacerlo con amigos tienen un elemento original e incluso cómico. 

 

Almas en pena de Inisherin se desarrolla en 1923 cuando la Guerra Civil estaba en su apogeo en Irlanda. El contexto histórico es importante para entender el filme. La isla ficticia de Inisherin no se ve afectada, pero hay tensión en todo el continente. La Guerra Civil Irlandesa se libró de 1922 a 1923, después de la Guerra de Independencia y de la creación del Estado Libre de Irlanda, que creó una nación en la mitad del país que estaba separada del Reino Unido. Dos grupos opuestos, el gobierno provisional favorable al Tratado anglo-irlandés y el IRA contrario al tratado, lucharon por hacerse con el poder en un conflicto alargado durante el siglo XX.

Sin embargo, a los habitantes de la isla de Inisherin, esto no les importa tanto. Van a lo suyo y están centrados en los chismes de Inisherin. También es cierto que la división entre Pádraic y Colm y las crecientes divisiones con otras personas de la isla comienzan a reflejar lo que está ocurriendo en el conflicto armado. Hay aspectos alegóricos de la división entre estos dos hombres y la división entre ambos bandos en la Guerra Civil Irlandesa.

Colin Farrell apunta al Oscar (sin tilde se ponga como se ponga la RAE) con la mejor interpretación de su carrera. Un actor en máxima plenitud. Su personaje, Padriac, se caracteriza por el tesón, la inocencia y por un punto de excentricidad. Cuando Colm pone fin a su amistad, Pádraic se hunde en la tristeza, la soledad y la ira. La pérdida de su inocencia es la parte más emotiva de una película muy emotiva.

Colm es interpretado de manera maestra por Brendan Glesson. Gleeson, oriundo del Dublín natal de Farrell, es uno de los actores de mayor éxito de Irlanda. Además de por Escondidos en Brujas, el intérprete es conocido por su papeles en Harry Potter, Braveheart, El irlandés o Calvary. Su personaje es tan excéntrico como el de Padriac. Es huraño, orgulloso y enloquece ante la insistencia de Padriac en retomar la amistad. 

Pádraic vive con su hermana menor Siobhán. Han pasado ocho años desde que sus padres murieran así que no hay nadie más viviendo aquí, aparte de Jenny, la burra del joven, a quien Pádraic sigue metiendo a escondidas en la casa. Son hermanos que se llevan muy bien así que cuando Colm evita a Pádraic al comienzo de la cinta, Siobhán se enfada. Correcta interpretación de Kerry Condon.

La geografía montañosa de la isla es muy importante para la historia. Son montañas que parecen encerrar muchas tragedias. Explican la variedad de la geografía irlandesa y junto con las tomas marinas dan verdad a la narración. El típico pub irlandés es otro "personaje" importante de la historia. Allí se dirimen los conflictos o se forjan las amistades.

Otras localizaciones han sido un lago, Lough Acorrymore y St. Thomas's Church, al otro lado de la Isla de Achill en Dugort. Una localización adicional incluía una tienda propiedad de la Sra. O'Riordan, que interpreta Bríd Ní Neachtain. Entre Inishmore y Achill, el campo también es un personaje de Almas en pena de Inisherin. Cuando el equipo empezó a rodar el verano acababa de empezar y los días eran largos y soleados. A medida que pasaban las semanas, el tiempo cambia: las lluvias se avecinan y hay señales de la llegada del otoño. Esta sensación de cambio de estaciones está bien reflejada.

Almas en pena de Inisherin es una cinta entrañable, cómica y trágica a su vez. ¿Qué se llevará el público de esta historia de dos amigos separados? Pues que el dolor engendra dolor. La ira engendra ira. La violencia engendra violencia y que los seres humanos hacemos cosas terribles o heroicas en base a nuestras emociones. Pero más allá de estas cuestiones intelectuales, planteadas dentro de la historia, nos hallamos ante un filme original, distinto y con mucho encanto a la irlandesa.

Nota: 7/10.

Nacionalidad: Irlanda, EE UU, UK

Título original: The Banshees of Inisherin

Género: Comedia dramática

Dirección: Martin McDonagh

Guion: Martin McDonagh

Fotografía: Ben Davis

Música: Carter Burwell

Duración: 114 minutos

Reparto: Colin Farrell, 

Brendan Gleeson, Kerry Condon,

Barry Keoghan, Pat Shortt,

David Pearse, Gary Lydon, Jon Kenny

The Fabelmans: Steven Spielberg se otorga un homenaje de Cine

The Fabelmans dirigida por Steven Spielberg se estrena en cines españoles el próximo día 10 de febrero de 2023. La película fue galardonada con el Premio del Público en el Festival de Toronto y es una de las favoritas en la carrera por los Oscars.

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La historia: Sammy Fabelman es un joven que vive entregado al cine, un interés aplaudido y fomentado por su artística madre, Mitzi (Michelle Williams). Sin embargo, su padre (Paul Dano), un prestigioso científico, apoya el trabajo de Sammy, pero lo considera una mera afición hasta que se da cuenta de su descomunal talento. 

La crítica: Puede parecer pretencioso, y de hecho lo es, realizar tu propio biopic en el que, además, realzas tu maestría ante la cámara desde que eras un adolescente. Eso es lo que ha hecho Steven Spielberg con The Fabelmans en la que se otorga un homenaje de, eso sí, buen Cine. Dicho lo cual, analicemos su carrera y la película.

En una carrera que se extiende a lo largo de cinco décadas, el director ha desarrollado una de las filmografías más populares, transformadoras y diversas de la historia, con títulos como Tiburón, E.T, En busca del arca perdida, Jurassic Park, La lista de Schindler y Munich. Y, en cada una de ellas, fueran excéntricas fantasías sobre encuentros con seres únicos o ajustes de cuentas morales con la historia de la humanidad, Spielberg ha compartido algo sobre sí mismo y su pasado. 

Después de regalarnos West Side Story, su primer musical, Spielberg vuelve con otro tipo de fábula sobre muchachos viviendo su infancia en Estados Unidos a mitad del siglo pasado y luchando por encontrar su lugar en el mundo; una historia de madurez basada en su propia experiencia que cuenta cómo comenzó su andadura como cineasta.

En 1952 cuando, con seis años, vio la película de Cecile B. DeMille El mayor espectáculo del mundo en el Fox Theater de Filadelfia, una experiencia que le inspiró tal fascinación que, en último término, le condujo a hacer sus propias películas. La cosa culminó en su adolescencia —invadido por una pasión por el cine en paulatino aumento— con otro encuentro que le marcó: en esta ocasión con John Ford. El legendario director de La diligencia, Centauros en el desierto y El hombre que mató a Liberty Valance, fue quien realmente impulsó la carrera profesional de Spielberg con consejos profundos a la par que sencillos. Todo ello, se refleja con sentida emoción en dos tramos  importantes de la cinta.

A lo largo de los años, Sammy -trasunto de Spielberg- se convierte en el documentalista de las aventuras de su familia, así como en el director de unas producciones amateur cada vez más elaboradas, protagonizadas por sus hermanas y amigos. Ya con 16 años, Sammy es el principal observador y archivista de la historia de su gente, pero cuando su familia se muda al Oeste, descubre una descorazonadora verdad sobre su madre que redefinirá la relación entre ambos y cambiará tanto su futuro como el de todo su núcleo familiar. Buena interpretación del joven Gabriel Labelle conocido por la serie American Gigolo.

Soberbia, como siempre, Michelle Williams metida en el personaje de la madre de Sammy. Es el de mayor riqueza narrativa. Mitzi es una músico consumada que siente auténtica pasión por su arte, pero que renunció a la oportunidad de ser pianista de conciertos para criar a sus hijos. Basada en la madre de Spielberg, Leah, Mitzi es una persona rebosante de amor por sus cuatro hijos, así como por su marido, Burt. Pero, como muchas mujeres de su generación, Mitzi ha sublimado su carrera profesional, sus ambiciones y sus deseos para encajar en las normas y expectativas de la sociedad y para cuidar de los demás.

Pobre, sin embargo, me ha parecido la interpretación de Paul Dano como padre de Sammy. Su personaje también es muy rico en matices. Más con los pies en la tierra que su esposa Mitzi, pero no por ello menos complejo e interesante. Burt Fabelman es un veterano de la Segunda Guerra Mundial e informático pionero cuyo innovador trabajo en los sistemas de almacenamiento de datos le valió enormes progresos profesionales, primero con RCA, y luego con General Electric, una oportunidad laboral que le hizo mudarse con su familia y con su mejor amigo, Bennie, de Nueva Jersey a Arizona. Adora a su esposa y le preocupa su creciente descontento con su vida de ama de casa, pero no sabe muy bien cómo ayudarla. Es un padre amoroso y le encanta ver cómo Sammy madura como cineasta, aunque le cuesta ver la labor de su hijo como un trabajo.

El mejor amigo del padre de Sammy, Bennie, es una presencia habitual en el hogar de los Fabelman a lo largo de casi toda la infancia del chico. Sigue a la familia a Arizona para trabajar con Burt en la misma empresa. Su personalidad desenfadada y divertida le convierte en alguien querido para los niños, que lo llaman tío, y también para Mitzi es una conexión emotiva que cada vez se hace más difícil de ignorar. Sorprende en positivo el trabajo de Seth Rogen.

En la parte técnica cabe destacar la 28ª colaboración entre Steven Spielberg y John Williams como compositor. En junio de 2022 Williams anunció que dejará de componer bandas sonoras con la quinta entrega de Indiana Jones, que estará dirigida por James Mangold, con Spielberg como productor. Qué decir del maestro. Nos deja un gran legado musical. 

Aunque The Fabelmans es una historia sobre el paso de la infancia a la madurez y un drama íntimo familiar, la película tiene el alcance, la energía cinética y las emocionantes secuencias que son el sello distintivo de Spielberg. Además, precisamente porque la cinta revela el origen de ese sello distintivo, los espectaculares paisajes desérticos en los que Sammy rueda sus westerns y películas bélicas con amigos y familia contienen un gran dramatismo visual, igual que la escena del tornado. Por tanto, la fotografía de Janusz Kaminski es excelente en lo visual y narrativo.

The Fabelmans es un filme potente, emocional y con un metraje de 150 minutos muy bien justificado. No hablamos de una obra maestra en mi opinión, pero sí de una película muy cuidada que da testimonio del amor de Spielberg por el cine. La cinta es un retrato de Spielberg, el artista, cuando era joven, y un intento de rendir un bonito homenaje a sus padres con gratitud por sus virtudes y absolviendo, eso sí, sus fragilidades, y defectos. Aún con todo, el director demuestra una vez más su humanismo que es el que marca todas sus películas capturando los recuerdos de su familia que buscó el sueño americano en los años 50 y 60.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos

Género: Biopic, Drama, Metacine

Dirección: Steven Spielberg

Guion: Steven Spielberg

Fotografía: Janusz Kaminski

Música: John Williams

Duración: 150 minutos

Reparto: Michelle Williams,

Paul Dano, Gabriel LaBelle,

Seth Rogen, Julia Butters, 

Judd Hirsch, Jeannie Berlin

Jaume Palau, autor de 'Un país de película': "Este libro es una buena excusa para disfrutar del turismo de cine sin salir de España"

Hoy tenemos el placer de recibir a Jaume Palau para presentarnos su libro Un país de película. El ensayo se ha colocado como número 2 de ventas en Amazon España en la categoría de Cine nacional. Palau es diplomado en Turismo y experto en rutas de cine. Lleva desde el año 2000 recorriendo mundo en búsqueda de escenarios naturales que han aparecido en películas y series de fama nacional e internacional descubriendo divertidas anécdotas, datos curiosos y entrevistando a miembros de equipos técnicos de la industria del séptimo arte. Un autor enamorado del Cine. 

Un país de película llegó a mis manos recomendado por el grupo literario 'Phoebe & Friends'. El libro, editado en lujoso papel, es una gozada para los amantes del turismo cinematográfico y obtiene la máxima calificación de Cine y críticas marcianas. 

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Un país de película es un viaje por los escenarios de Lawrence de Arabia, Doctor Zhivago, La muerte tenía un precio, El Cid, Conan el bárbaro y muchas otras películas que ocupan un lugar destacado en la historia del cine. Los lugares de rodaje de Orson Welles, David Lean, Stanley Kubrick, Franklin J. Schaffner, Richard Lester, John Milius, Steven Spielberg, Ridley Scott y otros grandes directores españoles como Berlanga, Almodóvar o Álex de la Iglesia. Estrellas del firmamento cinematográfico como Charlton Heston, Sophia Loren, Kirk Douglas, Clint Eastwood, Sean Connery, Claudia Cardinale, Arnold Schwarzenegger, Harrison Ford, Bruce Willis o Matt Damon pasearon sus personajes por nuestra geografía. España ha representado distintas épocas y se ha transformado desde el Oeste americano, pasando por Cuba o Jordania, hasta planetas de una galaxia muy, muy lejana, donde aventureros y grandes poetas, legendarios guerreros, profetas, cazarrecompensas o agentes secretos han dejado su huella. Invitamos a seguir los pasos de todos ellos a través de la magia del séptimo arte en un país de película.

Hola, Jaume. ¿Cómo nace la idea de escribir "Un país de película"? ¿Qué va a encontrar el lector en líneas generales en tu nuevo libro?

Hola, Miguel. Encantado de atender a Cine y críticas marcianas. Podríamos decir que la idea de escribir “Un país de película” nace a raíz de mi primer libro dedicado a los escenarios por los que el agente 007 ha dejado huella. Visitando una de sus localizaciones, en las Bardenas Reales de Navarra, descubrí que se habían rodado cantidad de producciones allí. Desde ese instante sentí la necesidad de empezar a recorrer, y al mismo tiempo de recopilar, material de otras películas rodadas en España. Y respondiendo a la segunda pregunta, el lector va a encontrar en el nuevo libro la mejor excusa para disfrutar del turismo de cine sin salir de nuestro país.

El libro está dividido en diez capítulos. ¿Qué destacarías de cada uno y a qué zonas geográficas están dedicadas en concreto?

El libro recopila desde pueblos, playas, ciudades y parajes naturales que integran las 17 Comunidades Autónomas de España y para mí se hace difícil priorizar un lugar de cada capítulo. Aunque sí destacaría una provincia por encima de todas por su currículum cinematográfico: Almería.

La documentación para editar el libro es asombrosa. ¿Cuánto tiempo has empleado para llevar a cabo el proyecto y en qué fuentes, además de las propias, te has basado para llevar a cabo la ingente tarea?

Muchas gracias, Miguel, por tus palabras. Para la redacción empleé, más o menos, unos cuatro años. Y llevo más de veinte años recopilando archivo fotográfico. Experiencias propias en el terreno, documentación en bibliotecas y gente del cine que se han cruzado en mi camino durante este arduo periplo han sido las bazas principales para hacer de esta obra una ilusión hecha realidad.

De la filmografía que aparece en el libro y que es muy abundante, ¿qué cinco películas destacarías que conjuguen calidad y una buena escenografía con los escenarios naturales de España?

“Lawrence de Arabia” y “Doctor Zhivago”, de David Lean, son poemas visuales que merecen estar en la cúspide del cine por derecho propio. “La muerte tenía un precio”, de Sergio Leone, artífice del llamado eurowestern o western europeo, instauró una nueva manera de ver el cine del oeste. “El imperio del sol” e “Indiana Jones y la última cruzada”, dirigidas por Spielberg conjugan gran calidad cinematográfica y una sobresaliente y sorprendente selección de parajes naturales de nuestro país.

Almería supuso un antes y un después para los rodajes en España. ¿Qué significó para el país la llegada de Hollywood a la provincia?

Uno de mis objetivos con este nuevo libro es que el lector descubra que no solo western se ha rodado en Almería. Sin embargo, fue dicho género el que dio a conocer las posibilidades cinematográficas que no solo poseía la provincia andaluza, sino la comunidad en general y sucesivamente con las distintas comunidades autónomas.

¿Qué zona de España es ahora la preferida para los rodajes?

A día de hoy está muy diversificada la predilección por los rodajes en España, aunque las islas Canarias, por paisajes e incentivos fiscales, están teniendo mucho tirón.

Me gustaría que explicaras de manera breve el trabajo de los localizadores de cine, y a qué se debe tu pasión por la cinematografía y por la búsqueda de los espacios de rodaje.

Conozco a grandes profesionales que se dedican a localizar. Es una tarea que implica recorrer toda España buscando aquellos escenarios que se plasman en un guion. Hay un sentido de creatividad muy destacado en una profesión que gana enteros. De muy jovencito recuerdo el interés por descubrir si aquellos paisajes que veía en las salas de cine existían en realidad o eran oníricos. Descubrirlos y estar en ellos es una experiencia que recomiendo encarecidamente. Tiene una gran recompensa, difícil describirlo en una solo palabra, hablo en lo personal, al menos.

¿Qué otros libros has escrito y qué te impulso a ser escritor?

“Licencia para viajar”, como dije, fue mi primer libro. Luego vinieron “De vacaciones por los Siete Reinos” y una continuación de este. Ambos son un recorrido por los espacios de la afamada serie Juego de tronos, que como es sabido, empleó mucho la geografía española para el rodaje de varias temporadas. Le siguió “SET WARS”, un viaje a los escenarios de La Guerra de las Galaxias. Un libro que me hizo especialmente ilusión por mi interés en la saga desde pequeño. Lo de escribir nunca lo planeé. Fue viniendo sin buscarlo apenas.

¿Cuál es tu próximo proyecto literario?

Tengo más de uno en el tintero. Todos ellos referencian al turismo de cine, una corriente que día a día gana adeptos y de la que siento la necesidad de divulgar entre el público joven y adulto.

TEST PERSONAL

Tu película preferida de todos los tiempos

Una pregunta difícilmente con una única respuesta. Tal vez “Lawrence de Arabia”.

Una película para tiempos de crisis

“Jungla de cristal”.

Tu actor preferido

Pregunta complicada también. Tal vez Tom Cruise.

Tu actriz preferida

Claudia Cardinale.

¿Qué película del cine clásico te hubiera gustado dirigir?

La verdad es que jamás he pensado en dirigir una película. Lo dejo para los maestros y cirujanos del cine.

Tu festival de cine predilecto

Festival de Cannes (Francia).

La sala de cine más bonita que hayas conocido

Odeon de Leicester Square (Londres).

Cine, teatro o series de televisión

Cine.

Un libro que te gustaría recomendar

“Un país de película”. Disculpad la inmodestia.

Tu plato de comida preferido

Spaghetti con tomate y queso.

Tu deporte preferido

Fútbol.

Tu canción favorita

Pregunta difícilmente con una única respuesta. La banda sonora de “Lawrence de Arabia” tal vez.

Una ciudad para vivir

No me satisface la idea de vivir en una ciudad. Lo siento.

Una ciudad por conocer

Nueva York.

Una ilusión por cumplir

Seguir materializando mis proyectos de cine.

Muchas gracias, Jaume, por tu amabilidad y por responder a todas las preguntas. Mucha suerte también en todos tus proyectos y adelante con tu gran labor por la divulgación cinematográfica y por el turismo de cine. 

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Un país de película está disponible para su adquisición a través del siguiente enlace de Amazon

Título: Un país de película

ISBN: 9788417843069

Editorial: Kami Ediciones

Fecha de la edición: 2022

Lugar de la edición: Madrid. España

Encuadernación: Rústica

Medidas: 24 cm

Nº Pág.: 344

Idiomas: Español

TÁR: el recital de Cate Blanchett

TÁR dirigida por Todd Field se estrena en cines españoles el próximo día 27 de enero. La cinta fue presentada oficialmente en el Festival de cine de Venecia donde Cate Blanchett se alzó con la Copa Volpi a la mejor interpretación femenina. 

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La historia: Lydia Tár (Cate Blanchett) es una famosa y brillante directora de orquesta que está a punto de culminar su carrera con la grabación de una compleja sinfonía. Mientras llega el momento tendrá que conciliar su vida profesional y familiar de la mejor manera posible. Su hija adoptiva, Petra,  tendrá un papel clave para su estabilidad emocional.

La crítica: Lo diré claramente. TÁR es una película con la apariencia de un Ferrari, pero con el motor de un Twingo. Hablamos de un filme lento, lentorro o lentísimo. Y es que 158 minutos para una trama tan ultra minimalista se sienten tan pesados como que te dejen a la suegra de vecina de al lado. Por tanto, motor gripado, muchas miradas al Casio y eso sí, recital de Cate Blanchett que sin duda vale más que dos o tres de veintidós o veintitrés. Diré algunas cosas más.

Lydia está en la cúspide de su carrera, a punto de publicar un libro y de dirigir la quinta sinfonía de Mahler. Sin embargo, su vida empieza a caer en picado en las siguientes semanas. El resultado es un supuesto examen del poder, de su impacto y de su perdurabilidad en el mundo de hoy.

La cinta es tan elitista como lo es el propio personaje de TÁR. Dirigida a la crítica, a gente que dirija orquestas y a otros intelectuales del planeta, la narrativa es tan divertida como lo pueda ser sentarse en una silla y observar una pared con música de fondo de María Dolores Pradera. Quizás con un par de mojitos, un LSD, cocaína, whisky y un red bull la trama pueda parecer entretenida. Pero en plan sobrio, tiene cojones la cosa. 

La interpretación del ficticio personaje de Lidia Tár recae en una magistral Cate Blanchett. La actriz está sensacional y nos regala, quizás, la mejor puesta en escena de su carrera. Se coloca como clara favorita para ganar el Oscar aunque la Academia (si paga bien Netflix) se lo pueda dar a Ana de Armas por la ridícula Blonde. También es cierto que si Universal pasa por caja, TÁR se podría llevar el Oscar a mejor película devaluando aún más unos premios sin criterio, chimbos y politizados. 

Completan el reparto Nina Hoss, que hace de compañera sentimental y concertino de la orquesta, y con quien tiene una hija adoptiva. Está también Francesca (Noémie Merlant), la fiel ayudante de Tár, que quiere seguir los pasos de su jefa, y la joven chelista rusa Olga (Sophie Kauer) cuya juventud y seguridad en sí misma hace que renazca la energía creativa de Tár, complicando su relación con la orquesta y con su pareja.

En la parte técnica destaca la banda sonora de la compositora Hildur Guðnadóttir (Joker) que se enfrentó a la abrumadora tarea de componer una partitura para una película que no solo gira en torno a la música y su creación, sino en la que se interpretan en directo varias obras clásicas. Los decorados abarcan recreaciones de Berlín, Nueva York y el sureste de Asia para recrear las salas de conciertos, hoteles, restaurantes, la casa de infancia de Lydia, su piso en Berlín, y el hogar de estilo brutalista que comparte con su compañera y su hija.

TÁR me ha parecido un bodrio realizado con mucha solemnidad pero un bodrio al fin y al cabo. Hablamos de un filme que trata de ser un perspicaz retrato del poder, pero que se queda en un retrato tan sugerente como pueda ser rezar un rosario. Cate Blanchett luce brillante como un Rolex y se postula para obtener su tercer Oscar. En cualquier caso, ninguna actriz puede salvar un libreto tan plomizo, largo y tan pedante como lo es el propio cineasta. 

Nota: 4/10. 

Nacionalidad: Estados Unidos

Dirección: Todd Field

Guion: Todd Field

Fotografía: Florian Hoffmeister

Música: Hildur Guðnadóttir

Duración: 158 minutos

Reparto: Cate Blanchett, Nina Hoss,

Mark Strong, Noémie Merlant,

Sam Douglas, Sydney Lemmon

Babylon: desmesurada, salvaje y emocional carta de amor al Cine

Babylon dirigida por Damien Chazelle se estrena en cines españoles el próximo día 20 de enero. La cinta protagonizada por Brad Pitt, Margot Robbie y Diego Calva ha obtenido 5 nominaciones a los Globos de Oro. 

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La historia: Los Ángeles, años 20. El filme lleva al espectador desde las cimas del desenfreno desatado de Hollywood hasta las más profundas simas de la depravación. La transición del cine mudo al sonoro articula la narrativa con el personaje de Nellie LaRoy (Margot Robbie). Ella es una de las estrellas más importantes de la industria y tendrá que adaptarse al cine sonoro para no perder su privilegiada posición.

La crítica: Tras triunfar con La La Land y fracasar con First man, Damien Chazelle vuelve con fuerzas renovadas para mostrar una desmesurada, salvaje y emocional carta de amor al Cine.

Babylon, nos lleva a la transformación de Los Ángeles que pasó de ser una ciudad desértica y rural a principios de los años 20 a convertirse en una de las principales megalópolis del mundo a finales de la década. De las arenas del desierto emergieron los estudios de grabación que dieron luz a la industria del cine y a las estrellas de Hollywood. La cinta comienza de manera desenfrenada, decae en la parte central de la narración y levanta el vuelo en un final muy emotivo. El cierre circular con guiños a Cinema Paradiso, al cine mudo o a Ben-Hur compensan en cierta medida los 188 minutos de un metraje hinchado para tratar de dar más entidad al filme. 

Chazelle nos muestra el panorama general que se respiraba en los años 20 en Hollywood: desde el uso de las drogas, los romances y el sexo de las fiestas nocturnas, hasta momentos más relajados de soledad en las extravagantes casas de las estrellas de cine.

El centro de un desierto puede parecer el lugar más desconcertante para comenzar la narración de una historia sobre la ostentación y el glamour de los albores de Hollywood. Pero ahí es donde nos presentan a Manuel (Diego Calva). El joven intenta cumplir el compromiso de transportar un elefante a una fiesta que organiza un magnate de Hollywood. Manuel es el personaje clave y el que vehiculiza la historia de principio a fin. Inspirado en René Cardona, un inmigrante cubano en el Hollywood de los años 20 que fue ascendiendo hasta convertirse en el ejecutivo de estudio más joven de la ciudad, y más tarde se convirtió en uno de los personajes importantes de la Edad de Oro del Cine Mexicano.

Otro personaje clave es Jack Conrad (Brad Pitt). Le conocemos cuando llega a la fiesta de los Wallach con su futura ex mujer, Ina. Jack se asemeja a John Gilbert, Douglas Fairbanks y Rodolfo Valentino, protagonistas de la época del cine mudo. Cuando hace su entrada en la fiesta da la impresión de ser el único capaz de comportarse como un adulto, pero está claro que está dispuesto a sumarse a la juerga si surge la situación adecuada. Su inadaptación al cine sonoro le llevará a conocer sus propios demonios interiores. Excelente Brad Pitt en un papel hecho a su medida.

En una introducción digna de su ser salvaje, Nellie LaRoy (Margot Robbie) aparece por primera vez en pantalla cuando estrella su coche contra una estatua a la entrada de la mansión del magnate Don Wallach. Nellie está decidida a colarse en la fiesta para que todos los poderosos de Hollywood sean testigos del momento en que nace una estrella. La llegada de la joven a la escena, y su implacable interés por ser el centro de atención, se inspiran en parte en la joven Joan Crawford, nombre que se puso la joven Lucille LaSueur nada más llegar a Los Ángeles en la era muda. Gran parte del personaje de Nellie, y varios de sus conjuntos, se inspiraron en Clara Bow, uno de los mayores símbolos sexuales del cine no sonoro. El trabajo de Margot Robbie es brillante y descarado. 

En la parte técnica destaca el rodaje en Cinemascope con película de 35 mm en formato anamórfico, que permite a los cineastas captar un campo de visión más amplio que el que proporcionaría otro formato. La cámara refleja el ambiente de caos generalizado que envolvía al mundo del cine en aquellos primeros días y, al mismo tiempo, capta los momentos íntimos entre los personajes. Se realiza una muy buena combinación entre exteriores e interiores con colores luminosos y contraste alto. 

La banda sonora es merecedora de Oscar. Justin Hurwitz ha compuesto la música de todas las películas de Chazelle, incluidas Whiplash, La La Land y First man. Aquí vuelve a colaborar basando la partitura no sólo en el jazz tradicional de los años 20, sino en sonidos procedentes de Cuba, México, China, Oriente Próximo, Hawai o Grecia. También se apoya en sinfonías rápidas, percusión de estilo africano o en ritmos latinos.

Babylon es una película grandiosa en su apertura y cierre, pero alargada en exceso en su parte central. Con un reparto en estado de gracia y una técnica de rodaje muy depurada, nos hallamos ante un bello ejercicio de metacine que se exhibirá como una joya en las escuelas de cine. El filme explora la locura, la ambición y la fuerza que impulsaba a los pioneros que crearon el séptimo arte. A pesar de todo el dolor que vivieron y de los altibajos de sus vidas, de todo lo que ganaron y de lo que perdieron, los que fundaron el cine estarían orgullosos de que este arte siga emocionando a las nuevas generaciones.

Nota: 8/10

Nacionalidad: EE UU

Dirección: Damien Chazelle 

Guion: Damien Chazelle

Fotografía: Linus Sandgren

Música: Justin Hurwitz

Duración: 188 minutos

Reparto: Margot Robbie, Brad Pitt,

Diego Calva, Katherine Waterston,

Tobey Maguire, Li Jun , Olivia Wilde

Max Minghella, Samara Weaving

¿De dónde vienen los nombres de los cines?: De el 'Palacio de la ilusión' a el 'Palacio de hielo'

Hay cosas que se dan por sentadas en la vida y no caemos en la cuenta hasta que alguien nos pregunta por ellas. Un servidor que lleva yendo al cine desde bien pequeño no había profundizando en la historia de los nombres de las salas cinematográficas hasta ahora. Así que vamos con una breve reseña sobre el origen de los nombres de los cines.

El Palacio de la ilusión fue uno de los locales pioneros de las proyecciones en Barcelona coincidiendo con el cambio de siglo. El nombre es una obviedad porque el cine por aquel entonces era de manera principal un motivo de ilusión. En el recinto catalán hubo también gran variedad de espectáculos: magia, circo, sala de baile, juegos, tiro de salón, teatro y cine claro está. En la ciudad gallega de Vigo también hubo un cine llamado de la misma manera y por las mismas razones. 

Otros nombres de la salas se inspiraban en el nombre de lujosos hoteles como el Capitol, Astoria, Carlton, Atlántico, Savoy, Regina, Palacio azul, Imperial o el hotel Emperador. Otros fueron de elección más sencilla y se limitaron a nombrarlos con el nombre de las calles o plazas a los que pertenecían: Callao, Velázquez, Narváez, Ciudad Líneal, Avenida. Mención especial para el Cine Moratalaz que era "mi cine". En esa sala vi Superman.

También se pusieron típicos nombres asociados a los teatros (Rialto) o de inspiración greco-romana (Coliseo, Olimpia, Odeón, Apolo) sin olvidar los de inspiración turística como Venecia, Lido, Nápoles, Tívoli, París, Roma o el Cine Levante de La Línea de la Concepción. 

Otros cines tomaron nombres de celebridades hasta llegar a nuestros días que los cines suelen tomar los nombres de las propias cadenas de distribución: Cinepolis, Ugc, Yelmo, Kinepolis, Cinesa o MK2 que es como ahora se denomina a los cines del Palacio de hielo madrileño. Uno de mis nombres preferidos y también de mis salas preferidas son los Cines Xanadú de Madrid que se asocian a la mansión de nombre homónimo con la que Orson Welles llegó a la celebridad con su "Ciudadano Kane".  Mencionar también el Cine Ideal😍de Madrid del que no hace falta explicar el nombre. Abre la portada de la publicación de hoy y es unos de mis cines favoritos. 

A raíz de esta publicación me gustaría que entre todos los que quieran comentar nos compartieran cual es su historia sobre su cine preferido, nombres extraños o curiosos de cine o cualquier tipo de anécdota sobre aquel o aquellos cines que marcaron su infancia. 

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