Aquí, ahora y así dirigido por Nacho Gayán es el cortometraje elegido por la cervecera Estrella Damm para alumbrar este verano de 2022. Con esta pequeña cápsula de cine me quiero despedir de vosotros hasta el próximo mes de septiembre. Cine y críticas marcianas volverá con fuerzas renovadas para afrontar una segunda parte del año que se presenta intensa e interesante para los cinéfilos.
En el corto vemos la historia de Éric, un joven que decide emprender un viaje de autodescubrimiento, y en el que vivirá experiencias que nunca hubiera pensado. La aventura transcurre en bicicleta entre enclaves de ensueño, desde Los Pirineos hasta llegar al Mediterráneo, su destino final. La fotografía de portada pertenece a la localidad de Roses, puerta natural del Cap de Creus donde acaba el vídeo.
Aquí, ahora y así también es el nombre de la banda sonora escrita por Rigoberta Bandini. El tema ya está disponible en plataformas musicales y tiene gran repercusión en las redes sociales. Escrita por Bandini −quien ya compuso e interpretó A ver que pasa, el tema de la campaña de 2021−, está interpretada por Santi Balmes que vuelve a poner su voz, tal como hizo en “Otra manera de vivir” (2019)− y Clara Viñals (Renaldo & Clara).
El corto, con un final sorprendente, nos habla del sentido de las vacaciones y sobre todo de la necesidad de desconectar de lo que hacemos de manera habitual. Eric es un joven panadero que decide emprender un viaje de nuevas amistades −a la vez que retomará otras ya olvidadas– y tiene una duración de apenas tres minutos que son suficientes para narrar una bonita historia. ¡Felices vacaciones y hasta septiembre!
La memoria de un asesino dirigida por Martin Campbell se estrena en cines españoles el próximo día 22 de julio. Lo nuevo del director de ‘Casino Royale’, ‘Goldeneye’ o ‘La máscara del zorro’ es un thriller psicológico con grandes dosis de acción.
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La historia: Alex Lewis (Liam Neeson) es un asesino profesional de gran reputación y discreción. Cuando se niega a completar un trabajo que viola su código moral, debe cazar y matar rápidamente a las personas que lo contrataron antes de que ellos y el agente del FBI Vincent Serra (Guy Pearce) lo encuentren primero. Alex está hecho para la venganza, pero, con una memoria que comienza a fallar, se ve obligado a cuestionar cada una de sus acciones, desdibujando la línea entre el bien y el mal. Pero quien maneja los hilos en la ciudad es la rica agente inmobiliaria Davana Sealman (Mónica Bellucci) que no dudará un instante en mandar matar a quien se interponga en sus negocios.
La crítica: El actor británico Liam Neeson que alcanzó la gloria con filmes como La lista de Schindler, La misión o Michael Collins viene coqueteando con su retirada desde el año 2015 pero no deja de hundir su reputación con películas de venganzas, vulgar acción o simples productos que le acarreen una jubilación dorada a sus setenta años recién cumplidos.
La memoria de un asesino es un filme palomitero, de muchos tiros y con suficiente acción para evadir al espectador de la subida de la inflación o de sus propios demonios personales. La cinta se basa en el thriller belga La memoria del asesino, estrenado en 2003, que a su vez fue la adaptación cinematográfica del libro homónimo del autor Jef Geeraerts de 1985.
Con un ritmo trepidante, Campbell narra la historia de un asesino que lidia con el lento inicio de la enfermedad de Alzhéimer. Éste se ve envuelto en un asunto sucio de una familia poderosa involucrada en un caso de prostitución infantil y la búsqueda del FBI para derribarlo. Un caso clásico del juego del ratón y el gato aderezado con algo de cine fronterizo localizado en El Paso. Se añade una femme fatale y producto listo. No hay mucho más.
El trabajo de Liam Neeson es correcto aunque su aspecto envejecido no otorga realismo a su personaje. Un tal Alex Lewis que es un asesino a sueldo y que se encuentra en una encrucijada emocional, física y profesional. Le persigue por toda la ciudad el agente Vincent Serra interpretado con firmeza por un buen Guy Pearce. Respecto a Mónica Bellucci sigue cumpliendo con sus típicos papeles de mujer explosiva y en esta ocasión interpreta a una villana sin escrúpulos en un personaje que cumple con todos los estereotipos del género.
En los aspectos técnicos destaca el manejo experto de Campbell en las escenas de acción, como ha demostrado con dos de las películas recientes de James Bond (Casino Royale, el debut de Daniel Craig como 007, y Goldeneye, con Pierce Brosnan como 007). Los espacios escenográficos oscilan entre sucios garajes, pasillos estrechos y los amplios espacios de un vestíbulo lleno de vidrio y escaleras mecánicas que nos llevan al lujoso apartamento de la villana del relato.
La memoria de un asesino me ha parecido una película entretenida pero olvidable por reiterativa tanto en sus personajes, como en la propia historia narrada. Introducir un tema tan delicado como el del Alzhéimer en un filme palomitero me parece una osadía innecesaria. En definitiva, hablamos de una cinta cuyo mayor valor añadido es observar como el paso del tiempo también afecta a las estrellas de cine lo que en cierta manera los iguala al común de los mortales.
¿Cuál es el mejor método para saber cuál es la película más vista en salas de cine? En mi opinión el más sencillo y fiable sería aquel que mida el número de espectadores en detrimento del que mide por recaudación aunque también me parece interesante. El problema del segundo estaría en que habría que aplicar cálculos en base a parámetros como la inflación, la carestía de la vida o el precio de las entradas en según que localidades. Es por ello que vamos a repasar las diez películas más vistas de la historia del cine en España según el número de espectadores que pagaron por sus entradas.
1. Titanic de James Cameron en 1998 con 11.265.694 de espectadores.
2. Avatar de James Cameron en 2009 con 9.536.218 de espectadores.
3. 8 apellidos vascos de Emilo Martínez Lázaro en 2014 con 9.397.647 de espectadores.
4. E.T.el extraterreste de Steven Spielberg en 1982 con 8.147.099 de espectadores.
5. Doctor Zhivago de David Lean en 1966 con 7.257.732 espectadores.
6. El señor de los anillos: La comunidad del anillo de Peter Jackson en 2001 con 7.143.105 espectadores.
7. El señor de los anillos: El retorno de rey de Peter Jackson en 2003 con 6.902.600 espectadores.
8. La guerra de la galaxias de George Lucas en 1977 con 6.900.868 espectadores.
9. El sexto sentido de M. Night Shyamalan en 1999 con 6.762.480 de espectadores.
10.El padrecito de Miguel M. Delgado en 1964 con 6.595.454 de espectadores.
Entre las 100 películas más vistas, y como mera curiosidad, también están las siguientes:
Puesto 25: Torrente 2: Misión en Marbella con 5.321.969 millones de espectadores.
Puesto 32: El padrino con 4.993.539 millones de espectadores.
Puesto 50: El coloso en llamas con 4.505.416 millones de espectadores.
Puesto 55: No desearás al vecino del quinto con 4.371.624 millones de espectadores.
Puesto 84: Forrest Gump con 3.914.504 millones de espectadores.
Puesto 100: Crónicas de Narnia con 3.740.709 millones de espectadores.
Por último y en plena pandemia cabe destacar que Spider-Man: No Way Home de 2021 tiene al cierre de esta publicación 4.500.000 de entradas vendidas en España entre 2021 y 2022. Por tanto entra en el top-50 de las películas más vistas de la historia. El cine, aún con mascarillas en 2021, y ya sin ellas en 2022 demostró que si el producto interesa al gran público sobrevivirá a sus adversarios y podrá convivir con las plataformas como ya lo hizo con la televisión, los videoclubs o el propio pirateo de los estrenos en Internet.
¿Qué os sugiere este Top-10 de películas? ¿Encontráis algún eje común en las películas más vistas? ¿Qué película del ranking os ha sorprendido más por entrar entre las 10 más vistas?
Mis queridísimos hijos se ha estrenado en cines españoles el día 1 de julio. La película gala está dirigida por Alexandra Leclère y protagonizada por los ganadores del César Josiane Balasko y Didier Bourdon.
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La historia:Christian y Chantal conforman un cordial matrimonio aunque están ofuscados porque sus dos hijos apenas les visitan ni les llaman por teléfono. Pero cuando sus hijos les anuncian que no vendrán a celebrar una importante comida familiar idean un plan que no podrán rechazar.
La crítica: El "síndrome del nido vacío" es la sensación que tienen los padres de anhelo y pérdida cuando los hijos se independizan del hogar familiar. Algunos padres. Otros lo celebran como si no hubiera un mañana y merecido se lo tienen.
EnMis queridísimos hijos, Christian y Chantal no consiguen desprenderse de su tristeza y deciden que les toque la lotería. O sea, se inventan que han sido premiados con 18 millones de euros y al olor de la posible herencia, sus hijos, Sandrine y Stéphane, se vuelven muy, pero que muy cariñosos. Los dos pájaros comienzan a preguntarse qué podrán hacer con la millonaria cifra.
En lo personal, me gustan las historias familiares, siempre que no sean trilladas y no suenen falsas. Este es un caso muy a la francesa y además la premisa me ha parecido irresistible y bien construida. Unos padres, que además son jubilados, se ríen de sus "pequeños" para poder verlos más a menudo. El dinero es el cebo para intentar que los hijos vuelvan al nido familiar. Los personajes se dibujan como extravagantes, un poco fuera de la realidad, e incluso un poco penosos, en diversos grados. Pero al mismo tiempo, todos ellos son frontales, van de cara, sin nada de astucia, lo que hace que resulten conmovedores y el espectador se ría un poco con ellos y un poco de ellos. El vestuario en la transición de la clase media a la clase alta es hilarante así como el uso de todo tipo de estratagemas para dar una lección a sus dos pequeños.
El reparto, bien equilibrado, está compuesto por Josiane Balasko como la madre y por Didier Bourdon como el padre de las criaturas. Sandrine, la hija, es interpretada de manera jovial por Marilou Berry,actriz francesa.
Ben -cómico francés- hace del desesperado e ilusionado hijo que se siente un hombre feliz por la "nueva riqueza" de sus padres. ¿Qué harán ante el chasco previsto? Como es lógico el espectador tiene más información que los propios personajes del filme. La cineasta tira de ese hilo casi hasta el final para ganar la complicidad del público.
Fabienne Katany, jefa de vestuario, y Carlos Conti, escenógrafo son decisivos en la técnica. La dirección artística es adecuada en la recreación de la casa de Chantal y Christian que no se ha movido un pelo desde que sus hijos se fueron.
Mis queridísimos hijos entretiene y me parece una comedia aceptable, colorida y bien planteada. La idea de mostrar los muchos excesos de los que ganan millones en la lotería es muy divertida. Asimismo en el tercio final del filme aparece una gran sorpresa en forma de billete de lotería realmente premiado. Con ello, Alexandra Leclère consigue una nueva vuelta de tuerca y enreda más una comedia ya bastante bien enredada.
Sinjar dirigida por Anna Bofarull se estrena en cines españoles el próximo día 1 de julio. La película ha sido recientemente galardonada en el Fic-Cat con el Premio al Mejor Largometraje y el Premio de la Crítica.
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La historia: Marc es un joven catalán convertido al Islam que desaparece sin dejar rastro. Carlota (Nora Navas), su madre, denuncia su desaparición hasta que es informada de que se ha unido al Estado Islámico en Siria. Mientras tanto, en Sinjar, región situada entre Irak y Siria, Hadia es obligada a vivir como criada y esclava junto a tres de sus hijos al servicio de una familia cuyo padre es un integrista islámico. Por otro lado, está Arjin que es una joven muchacha que se enrola en las milicias kurdas para luchar por la libertad de su pueblo.
La crítica: El filme español es el tercer largometraje de la cineasta Anna M. Bofarull, quien ha escrito, dirigido y producido este proyecto que muestra hasta dónde están dispuestas a llegar tres mujeres para recuperar a sus familiares, en una ficción basada en historias reales.
Sinjar retrata la masacre física y sobre todo ideológica de los integrantes del Estado Islámico en la ciudad del mismo nombre, en el Kurdistán iraquí. Hablamos de una ficción basada en tres relatos de tres mujeres que luchan por la libertad desde diferentes prismas.
El proyecto es impecable en su factura, loable en sus buenas intenciones, pero inconexo cuando trata de unir las tres historias que no acaban de converger en pantalla. Los exagerados 127 minutos de metraje se encuentran con un final abrupto y no concluyente.
Analicemos Sinjar a través de sus personajes femeninos.
Carlota (Nora Navas), madre coraje.
Importante actuación de la doble ganadora del Goya, Nora Navas, que se convierte en lo mejor del filme español. Tras ver cómo su hijo Marc desaparece de manera súbita, el sentimiento de culpa la invade por ser una madre demasiado confiada. Cuando Carlota se enfrenta a sus demonios interiores para investigar la desaparición de Marc, ¿será capaz de superar la existencia de un terror tan real tan cerca de su casa? De manera desafortunada ha habido muchas mujeres como Carlota, madres que han perdido a sus hijos cuando estos se han marchado a luchar a Siria. En este aspecto la película muestra como algunos jóvenes europeos son reclutados e islamizados en la parte más radical de la religión.
Arjim (Eman Eido), la joven soldado.
La actriz es una víctima real del Estado Islámico, secuestrada y vendida con 9 años. Eido se pone por primera vez frente a cámara para este proyecto y resuelve de manera notable. Su personaje, después de haber sido secuestrada en Sinjar, consigue huir. No es más que una adolescente perdida y lo único que anhela es recuperar su hogar. En ese viaje, Arjin descubrirá la fuerza que alberga. ¿Podrá la muchacha aprender a canalizar sus emociones y aplacar el miedo ante la tremenda pérdida? Las milicias kurdas otorgan sentido a su vida y encuentra en ellas la valoración que como mujer ha sido anulada por los cavernícolas del Estado Islámico.
Hadia (Halima Ilter).
La (injusta) inexistencia femenina.
Convertida en esclava en casa de Abu Omar, Hadia soporta los abusos con total obediencia -secándose las lágrimas que se le escapan cuando es violada cada mañana de manera sibilina- con la esperanza de poder proteger a los tres hijos pequeños que viven con ella. Pero la pesadilla que está viviendo empieza a afectarlos. ¿Será capaz de dejar el miedo de lado y sacar su valentía para proteger a sus hijos? Importante la interpretación de Halima Ilter que encarna al mejor personaje del relato. Resulta impactante al ser tratada como una sierva incluso por las otras mujeres. Y es que las mujeres yazidíes secuestradas son personas con terribles historias dentro del horroroso mundo del integrismo.
El filme se ha rodado en el Kurdistán iraquí, escenario de dos de las historias, grabadas en localizaciones reales en Oriente Medio. También cuenta con secuencias grabadas en Barcelona, Tarragona y Sant Boi de Llobregat. Destaca en la parte técnica el trabajo en la fotografía de Lara Vilanova que sabe contraponer el color de lo urbano al de lo rural. Asimismo el tono dorado se impone en las escenas de Oriente mientras que los azules se imponen en la parte occidental de la grabación.
Sinjar me ha parecido una película realizada con muy buenas intenciones en su fondo y atractiva en sus formas visuales. Sin embargo, las tres historias narradas no encuentran un enlace común que unan a los personajes de la filmación. Por tanto, podríamos hablar de tres relatos inconexos y hasta cierto punto fallidos con un libreto que no cose las narraciones de manera adecuada. La película si refleja con realismo lo que sucedió en 2014 cuando el Estado Islámico ocupó gran parte de Irak y Siria y cómo cientos de mujeres fueron secuestradas para ser vendidas como esclavas sexuales. En definitiva, hablamos de un filme correcto en la denuncia de la barbarie pero descosido por un cierre relámpago que deja sin unificar las tres líneas narrativas que dan vida a la filmación.
True Things dirigida por Harry Wootliff se estrena en Filmin el viernes 24 de junio tras su paso por la Sección Horizontes del prestigioso Festival de Venecia. Su estreno en cines de Estados Unidos se producirá el próximo 9 de septiembre.
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La historia: Kate (Ruth Wilson), es una treintañera que trabaja en una oficina de servicios sociales atrapada en una rutina tediosa y frustrante. Pero un día se cruza con un desconocido, Blond (Tom Burke), que la despertará de la rutina y con quien empezará un romance dominado por la obsesión y la autodestrucción.
La crítica: La cineasta Harry Wootliff se basa en la novela "True Things About Me" de Deborah Kay Davies para su nueva película tras la premiada "Only You", en la que dirigió a Josh O'Connor y a Laia Costa a la que veíamos hace poco en la española Cinco lobitos.
True Things comienza de forma explosiva y aunque se va desinflando como un globo nos deja aspectos muy interesantes sobre la psicología femenina. La película es subjetiva, íntima y de manera fundamental nos habla sobre la relación de una mujer consigo misma. Durante su viaje hacia esa autonomía personal, Kate se ve abocada a dejarse consumir y descarrilar por un hombre como si fuera una niña de dieciocho años.
Lo que pudiera parecer una relación tóxica para el común de los mortales para Kate no lo es. De hecho está dispuesta a dejar su trabajo, discutir con sus padres o humillarse como persona con tal de poder estar más cerca de un hombre que no parece mostrar mucho interés en ella. Pero lo que pudiera parecer tóxico a primera vista, después de todo, también puede ser embriagador para ella. Así es como la protagonista parece consumirse entre el deseo y la insatisfacción con una relación que se presenta como un atisbo de caminos no recorridos.
True Things cuenta con dos de los actores más dinámicos y carismáticos de Reino Unido: Ruth Wilson ("Mrs Wilson") y Tom Burke ("The Souvenir"). El personaje masculino es simple y solo aporta algo al relato como espejo deformado de Kate. Hablamos de un tipo recién salido de la prisión y qué se dedica a trapichear. Kate ya no sabe quién es y ha aceptado una versión de sí misma que ha sido moldeada por la sociedad, por quienes la rodean y ahora por un hombre que no sabe que hacer con su vida.
En la parte técnica -muy plana en todo caso- destaca el sonido; tanto los sonidos de la naturaleza como la música que en ocasiones refleja el romanticismo ingenuo de los sueños de Kate. El libreto abusa del mundo onírico de la protagonista y gana cuando se centra en lo mundano. La perspectiva de los encuentros sexuales es bastante original y se centra en el deseo femenino desde la mirada de Kate.
True Things me ha parecido una buena muestra del cine independiente británico pero quizás no tan buena como lo que suele elegir Filmin para su catálogo. Hablamos de un cuento con moraleja sobre una relación sexual destructiva que es compleja y muy común a la vez –una relación que suena familiar y que se percibe como un rito de iniciación–. Es algo así como una historia de amor que se fija, desde los ojos de Kate, en lo frágil que puede llegar a ser la confianza en uno mismo y cómo algunas mujeres usan las relaciones para explorar su identidad en plena igualdad con los hombres ante la perplejidad de algunos de ellos.
El insoportable peso de un talento descomunal dirigida por Tom Gormican se estrena en cines españoles el día 17 de junio. La nueva película del ganador del Oscar® Nicolas Cage (Face/Off, Leaving Las Vegas) supone el debut en Hollywood del actor español Paco León.
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La historia: Nicolas Cage interpreta a... Nicolas Cage en esta comedia autoparódica ambientada en Baleares, con muchas referencias a su carrera cinematográfica. Cage es un actor hasta arriba de deudas y con una mala relación con su familia, que se ve obligado a aceptar una suma millonaria para acudir al cumpleaños de un excéntrico millonario en la isla española de Mallorca. Todo se complica cuando se percata de que su anfitrión es un mafioso y es reclutado por la CIA para arrestarle.
La crítica: En la imagen superior observamos lo que en definitiva es la idea de El insoportable peso de un talento descomunal. Nicolas Cage hace una mirada física y metafórica a lo que ha sido su carrera en el mundo cinematográfico. La cinta se presenta como un ejercicio muy original de metacine irreverente. Hablamos de un ejercicio que permite al cineasta reflexionar sobre su medio de expresión a través de su práctica, en el que el cine se mira al espejo con la pretensión de conocerse mejor.
La película muestra el retrato de la decadencia de las estrellas de Hollywood en la misma piel de Nicolas Cage. El actor se presta a su propia parodia con humildad a los mandos de Tom Gormican que sorprende con este ejercicio rompedor de esquemas. El cineasta ha definido su filme como una carta de amor sincera, auténtica e hilarante hacia Nicolas Cage. No queda más remedio que darle la razón. Destacaría la parte central del filme con una antológica secuencia cómica. En ella, el personaje de Cage y el mafioso asentado en Mallorca toman LSD y consiguen provocar la carcajada con situaciones realmente divertidas.
El tercio final de la película es el más flojo cuando la propia historia se toma en serio a sí misma. En esta parte el relato se convierte en una película de acción con demasiados clichés que se sienten reiterativos y aportan poco a la esencia de la narración. La aparición final de Demi Moore y una doble referencia tronchante a la película "Paddington 2" arreglan algo el entuerto dejando una sonrisa final.
El verdadero Nicolas Cage es nada menos que una leyenda de la pantalla cuyas películas emblemáticas incluyen La Roca, Cara a Cara, Con Air (Convictos en el aire), Hechizo de Luna, Luna de miel para tres y un papel ganador del Premio de la Academia® en Leaving Las Vegas (Mejor actor, 1995). Le acompañan en la parodia el excéntrico mafioso multimillonario (Pedro Pascal) que le contrata para festejar su cumpleaños y Paco León que debuta en estas lides con un extraño papel como el villano de la película que secuestra a niñas y quiere matar al propio Nicolas Cage.
En la parte adicional destacan las increíbles panorámicas sobre Mallorca y el Mediterráneo así como el diseño de interiores de la mansión a la que es invitado el protagonista. En ella se reproduce un lujoso santuario para Nicolas Cage, que alberga una interminable variedad de accesorios: incluyen guiones (El señor de la guerra, La Búsqueda, Leaving Las Vegas); pizarras (La chica del valle, Cara a cara, Arizona Baby); y accesorios preciados, como las armas doradas de Cara a Cara, el billete de lotería de "Te puede pasar a ti" y la antorcha de "La búsqueda".
El insoportable peso de un talento descomunal me ha parecido una película marciana, muy divertida en su parte central y flojita tanto en su presentación como en la parte final. La cinta es algo inconsistente en su humor, pero se siente como una celebración enérgica de uno de los actores más enigmáticos de todos los tiempos. Sin duda, la cinta será celebrada por los fanáticos de Nicolas Cage, e incluso puede convertir a algunos de sus detractores en nuevos seguidores del célebre actor.
Cinco lobitos dirigida por Alauda Ruiz de Azúa fue la gran triunfadora del Festival de Cine de Málaga 2022 obteniendo la Biznaga de Oro a la mejor película y guion, el premio de interpretación para Laia Costa y Susi Sánchez y el Premio del Público. La película estrenada en cines españoles el pasado 20 de mayo conforma junto a Alcarràs y La abuela lo más aceptado del cine español en este primer semestre del año.
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La historia: Amaia (Laia Costa) acaba de ser madre. Su pareja se ausenta durante meses y ella se ve desbordada, incapaz de atender a su bebé y recuperar su trabajo como traductora. Es entonces cuando busca refugio en casa de sus padres con la esperanza de que estos cuiden de ella y su bebé en su hogar de la infancia, un bonito pueblo costero del País Vasco. Pero la vida tiene otros planes, su madre cae enferma y es Amaia quien tendrá que cuidar de su bebé y de sus padres.
La crítica: Con un cierto aire al cine profundo de Pilar Miró o incluso al del maestro Juan Antonio Bardem, nos hallamos ante una ópera prima inusual por su contundencia narrativa. Cinco lobitos escrita y dirigida por Alauda Ruiz de Azúa juega con los roles en la familia cuando estos se invierten cambiando sus relaciones para siempre. La hija se convierte en la madre de todos. Amaia, que hasta ahora solo quiso a su madre, comenzará a entenderla y con ello a comprender su sacrificio.
La cineasta lanza al aire una batería de preguntas sobre la maternidad de manera cruda y directa: ¿Cómo se aprende a ser madre? ¿Cómo cambia la maternidad la forma en que vemos a nuestros padres? ¿Por qué dignificamos tan poco lo doméstico ni nos paramos a pensar en el esfuerzo o tiempo que hay detrás de las personas que nos cuidan? ¿Cómo vamos a dignificar algo que no valoramos?
A través de un relato directo, crudo y dramático vamos conociendo los entresijos de una familia normal en su vida cotidiana. La película es a veces tan seca e hiperrealista con las tareas del cuidado del bebé recién llegado al mundo, que nos recuerda a un formato documental sobre la crianza. Juega en su contra la falta de alguna nota de humor y la pesadumbre que pesa en el ambiente por la precaria situación de los padres del bebé. Los abuelos, que se unen a la crianza, aportan lo más mollar del relato con una especie de reflexión sobre la vuelta a los orígenes y sobre la precariedad laboral que viven los más jóvenes.
El mundo doméstico, por tanto, está presente en toda la película de forma recurrente. El tiempo del cuidado no es épico, ni notorio, es casi ruido de fondo, y sin embargo, es imprescindible cuidar de nuestros seres queridos y vulnerables. La cineasta nos habla de los cuidados desde lo emocional, pero sin emocionar demasiado. Quién cuida a quién en las familias es algo que nos dice mucho sobre sus relaciones y el momento que vive una familia. Generalmente son las mujeres; las hijas las que se hacen cargo de estas situaciones de manera natural en una especie de ciclo inalterable en el tiempo. Cuidar a una madre o a un padre, cuando siempre fueron ellos los que te cuidaron a ti es un viaje a la inversa, que tiene algo de reconciliación y de encontrarse desde otro sitio.
Cinco lobitos combina el retrato generacional sobre madres actuales con el de esas otras madres, ahora abuelas, que se quedaron en casa, cuidaron de la familia y sin las cuales no se entiende la sociedad actual. Amaia, la protagonista, es interpretada de manera sensacional por Laia Costa que se perfila como una de las favoritas en la próxima temporada de premios. El personaje de su madre, ahora abuela, es la esencia de la película. Susi Sánchez nos regala una interpretación muy sólida con un personaje lleno de vida hasta que la propia vida comienza a diluirse como un azucarillo. La enfermedad aparece ahora como frente discursivo en una vuelta de tuerca que incrementa el drama y deja poco espacio para la felicidad que trae la llegada al mundo de un nuevo bebé. Completan el reparto el padre de la criatura, interpretado por un discreto aunque eficaz Mikel Bustamante y el veterano Ramón Barea como padre, abuelo y esposo en un rico personaje.
En la técnica se ruedan en espacios reducidos que incrementan la sensación de claustrofobia que viven los personajes. Algunos exteriores en la costa vasca ayudan a recordar que estamos en el cine y qué se supone que estamos en la sala para evadirnos de la realidad cotidiana. No obstante, cabe reconocer un gran trabajo en la dirección de arte que se emplea a fondo y otorga (más) realismo al relato presenciado.
Cinco lobitos me ha parecido una película de cine artesanal, profundo pero reiterativo en el mensaje que trata de exponer. Alauda Ruiz de Azúa realiza una ópera prima muy solida con una pericia en la dirección como si llevara cien películas rodadas. Eso es admirable. En definitiva, nos hallamos ante una película que nos habla sobre la familia y de ésta como una de las pocas cosas que no podemos cambiar. Puedes cambiar de ciudad, de pareja, de trabajo pero no de padres. Ni de hijos. La familia nos condiciona, nos explica, nos abraza, nos saca de quicio o nos alienta sin límites. El cambio de roles en la familia retratada nos ayuda a entender este núcleo como un espejo honesto e implacable. La cinta española es un viaje que nos lleva desde el nacimiento hasta el final de la vida a través de un juego de espejos cotidiano, realista y sincero.
Mr. Wain dirigida por Will Sharpe se estrena en cines españoles el próximo día 9 junio. La cinta británica es un biopic del reconocido pintor británico Louis Wain, famoso por sus pinturas dedicadas a los gatos.
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La historia: Inglaterra, 1888. Louis Wain (Benedict Cumberbatch), es un insólito artista e inventor cuyos grandes logros atraen a las principales publicaciones del momento. Mientras intenta compaginar su creatividad con el cuidado de sus cinco hermanas y de su madre, conoce a Emily (Claire Foy), que será el amor de su vida; y ambos adoptan a Peter, la mascota que inspirará su arte basado en dibujos sobre el mundo gatuno.
La crítica: Tras su paso por el Festival de Toronto, el Festival de Telluride y recientemente por el Bcn Film Festival, Mr. Wain o The Electrical Life of Louis Wain, que es su título original, se presenta como una original biografía cinematográfica que hará las delicias de los amantes de los gatos, de los apasionados del cine de época y de las almas románticas si es que aún hubiese alguna sobre el planeta.
¿Quién fue en realidad, Mr. Wain? Louis Wain fue conocido como el hombre que dibujaba a los gatos. Un artista talentoso y ambidiestro, nacido en 1860 y que ya en el cambio de siglo era un nombre familiar entre sus compatriotas. Sus imágenes de gatos cautivaron a los corazones de una nación. O al menos eso es lo que nos narra la producción. El humilde felino, despreciado o amado según la época histórica, fue antropomorfizado por el artista y llenó las páginas de revistas populares británicas. Su obra de arte captura la historia social de su época a través de los felinos y ahora el séptimo arte los hace suyos.
Uno de los momentos más emotivos sucede cuando H. G. Wells aparece en una transmisión de radio en 1927 y dice algo así como: "Él inventó un estilo de gato, una sociedad de gatos, una sociedad de gatos completa. Los gatos ingleses que no se parecen a los gatos de Louis Wain se avergüenzan de sí mismos”. El filme también describe el deterioro cognitivo del ilustrador a raíz de la enfermedad de su esposa. Las malas relaciones de esta con la familia de Wain y la precaria situación económica del clan van desbordando al matriarcado.
Después de la muerte de su padre, Mr. Wain se convirtió en el sostén de la familia. Una familia que comprendía cinco hermanas: Caroline, Josephine, Marie, Claire y Felicie, así como su madre. Con Louis sobrepasado, le tocó a Caroline organizar la casa. A instancias de ella, Wain consintió la contratación de una institutriz para sus hermanas menores.
El pintor tenía 23 años y se enamoró de la institutriz creando su nuevo hogar. Wain y Emily eligieron el amor y la esperanza por encima de las convenciones o de la fuerte oposición de las hermanas. Se mudaron a Hampstead y durante un tiempo disfrutaron de una vida tranquila. Su único compañero de hogar era un gatito llamado Peter al que adoptaron y sirvió de inspiración al artista. No pasó mucho tiempo después de contraer matrimonio en 1884 cuando Emily fue diagnosticada de cáncer de mama. La enfermedad de Emily hizo madurar al bueno de Wain y dejó por el momento sus sueños de inventor y su obsesión por la electricidad. Se podría decir que fue un hombre que soñaba con ovejas eléctricas y que tuvo una visión sobre un invento llamado dron. Hablamos de una profecía cumplida de unos aparatos claves incluso en el mundo bélico.
Junto al estupendo y eficaz Benedict Cumberbatch (“El poder del perro”, "Doctor Extraño"), el reparto está encabezado por la ganadora del Globo de Oro y del Emmy Claire Foy ("First Man", serie de TV "The Crown"), que hace un gran trabajo como la esposa de pintor británico. Los personajes retratan a la perfección un mundo anclado en las tradiciones victorianas que poco a poco se deshace con el cambio de siglo.
La película, ambientada a finales del siglo XIX y principios del XX, cuenta con un extraordinario equipo artístico donde encontramos al director de fotografía Erik Alexander Wilson ("Paddington"), al diseñador de vestuario ganador del Oscar Michael O'Connor ("Jane Eyre"), y a la diseñadora de producción de películas como "Mr. Turner" o "El espía inglés" y nominada al Oscar Suzie Davies. Por tanto, hablamos de un filme que multiplica su belleza en la gran pantalla como si se tratara de un lienzo pintado.
Mr. Wain esun filme luminoso y triste a su vez. Con Cumberbatch y Foy en estado de gracia, nos asomamos a la peculiar vida de un hombre superado por la propia vida pero que logró pasar a la historia como el mejor ilustrador del gato. Después de llenar las páginas de revistas populares como el Illustrated London, se reconcilió con su familia y descubrió nuevas oportunidades de negocio.
El filme también explora su compleja y turbulenta vida con los patrones clásicos de las biografías en el cine. Unas biografías no aptas para tiktokers, instagramers, influencers y demás monstruitos a los que un vídeo de 40 segundos se les hace extremadamente largo. Y es que el verdadero peligro para el cine no está en las plataformas como antes no lo estuvo con la invención de la televisión. El verdadero peligro reside en que los jóvenes actuales están programados para ver vídeos cortos y las películas en el cine, como norma general, no pueden durar 17 segundos. Aunque tengo que reconocer que algunos filmes no deberían durar más de diez segundos. No es el caso de Mr. Wain que cumple con todos los patrones del cine clásico en su fondo, en su forma y en sus estructuras narrativas.
Sin ti no puedo dirigida por Chus Gutiérrez se estrena en cines españoles el próximo día 3 de junio. La cinta hispano-mexicana tuvo su première mundial en el Festival de Málaga, en una sesión especial no competitiva de la Sección Oficial y su estreno en México se produjo el pasado mes de abril distribuida por Cinépolis colocándose en el top de taquilla.
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La historia: Madrid, tiempo actual. David (Mauricio Ochmann) es un empresario de éxito que goza de una vida acomodada junto a su novio Álex (Alfonso Bassave). Este es un atractivo monitor de gimnasio con un fuerte deseo por ser padre. La pareja se está planteando la contratación de una madre de alquiler para cumplir los deseos de Álex. Blanca (Maite Perroni), la hermana de David, irrumpe en sus vidas revelando los oscuros secretos del pasado familiar cambiando la idílica vida de la pareja y sus planes de futuro que se verán trastocados para siempre.
La crítica: Apoyada en confusos flashbacks, Chus Gutiérrez nos lleva al día en que Blanca fue acusada del terrible descuido que provocó el incendio en el que perdieron la vida sus padres, por lo que pagó 6 años de cárcel a pesar de los esfuerzos en demostrar su inocencia. Mientras tanto, su hermano David, ha rehecho su vida y sigue culpando a su hermana del fuego que provocó el trágico suceso que rompió la familia.
Sin ti no puedo busca ser un intenso thriller emocional que comienza de manera muy atractiva pero que se va desinflado poco a poco. Hablamos de tres historias cruzadas con el sentimiento de culpa como principal referencia narrativa. El filme gira sobre el nuevo triangulo familiar en un ambiente tóxico que va en incremento según avanza la trama. Blanca tratará de resolver las incógnitas mediante la reconciliación familiar.
El deseo sexual, la tentación y la infidelidad son otras de las temáticas sobre las que gira la historia. La feliz pareja protagonista, David y Álex, llevan una idílica vida -muy impostada en pantalla- en su casa con piscina. Pero a esa vida que parece diseñada por catálogo no estaría completa sin el bebé que muchas parejas sueñan. Es ahí cuando el libreto introduce el debate sobre la gestación subrogada y Blanca, viendo su oportunidad, se ofrece como posible madre gestante del bebé de su hermano. Ser mamá y tía a la vez surge como una idea descabellada para su hermano que no sabe como deshacerse de la presencia de la mujer. El personaje de David aparece cada vez más perturbado. La mezcolanza de temas del guion se siente demasiado agresiva sin llegar a profundizar en ninguno de ellos. Por otro lado, se despierta la curiosidad por la resolución de la trama propuesta y sobre todo en cómo la cineasta atará todos los cabos sueltos.
El reparto principal está compuesto por Alfonso Bassave, Maite Perroni y Mauricio Ochmann (dos de las estrellas más populares del cine y la televisión mexicanas). Encuentro tanto a Bassave como a Ochmann muy incomodos con sus personajes. Sin embargo, Maite Perroni (Rebelde) aparece como una actriz sorprendente, ágil y otorgando su verdad más grande al personaje representado. Un personaje poliédrico, bien diseñado y claramente el mejor escrito para otorgar algo de peso al irregular filme.
Rodada en Madrid durante el pasado verano, el filme no aprovecha los exteriores de la ciudad y se limita a rodar en los interiores de un chalet o en edificios de oficinas. Solo en las escenas de la piscina -algunas tórridas y bien rodadas- apreciamos el contexto geográfico de la acción.
Sin ti no puedo me ha parecido un filme entretenido aunque claramente insustancial. Hablamos de un relato con aire de telefilme de sobremesa que al menos se ajusta a los 90 minutos clásicos de toda la vida. Un buen detalle que más bien parece un acto de contrición que disimula la inanidad de la propuesta presentada.
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