Vida en pausa (Quiet Life): El extraño caso del síndrome de resignación

Vida en pausa dirigida por Alexandros Avranas se estrena en cines españoles el próximo día 4 de abril de 2025. El quinto largometraje del premiado cineasta griego tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y compitió en Sección Oficial en el Festival de Sevilla.

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La historia: Suecia, año 2018. Un inexplicable síndrome afecta a niños y niñas en un país acostumbrado a la perfección y el orden. Sergei y Natalia, recién llegados con sus dos hijas, esperan obtener asilo político. Trabajan duro, aprenden el idioma y se someten a inspecciones regulares. Pero cuando su solicitud es rechazada, la hija menor entra en coma, pasando a engrosar la temida lista. ¿Hasta dónde llegarán para permanecer despiertos en un mundo diseñado para adormecerlos? Inspirada en hechos reales. 

La crítica: Si alguien se enfrenta al visionado del filme europeo podría pensar que se trata de una distopía cuando en realidad hablamos de una enfermedad rara, pero real. Además solo se produce en los niños refugiados en Suecia. Sociedad, la sueca, que es presentada con individuos muy rígidos, protocolos de acero y con un funcionamiento tan mecánico que apuntala el efecto distópico de la narrativa. Desde luego, Alexandros Avranas, ha conseguido una puesta en escena muy efectiva. 

Vida en pausa retrata, por tanto, un inquietante fenómeno real, el Síndrome de Resignación Infantil, a través de una estética escalofriante que sirve de crítica a la estricta burocracia nórdica. Un misterioso fenómeno que apareció en Suecia en la década de los 2000 y que afecta a los niños que llegan junto a sus familias pidiendo asilo. Afectados por el trauma, entran en un inexplicable coma. El fenómeno generó un importante revuelo en la sociedad y fue ampliamente cubierto en medios como la BBC o New Yorker. En 2019, la nominación al Premio Óscar del cortometraje documental "La vida me supera" puso en el mapa internacional a los afectados. Sin embargo, hoy por hoy, el Síndrome de Resignación Infantil sigue desconcertando a la ciencia.

La narrativa se asienta sobre un matrimonio con dos hijos que huye de Rusia por amenazas, agresiones al padre que solo defendía la libertad de expresión como profesor en las aulas rusas. Se cree que cuando los niños son testigos de violencia o amenazas contra un padre, su vínculo más importante en el mundo queda destrozado. Por lógica y tras los conflictos en Gaza y en Ucranía podríamos especular que este síndrome se puede extender en los nuevos refugiados como si habláramos de una pandemia mental. Y mientras ocurre todo esto los mandatarios se enredan en más deportaciones, menos solidaridad y menos acogida a quien huye del horror, la guerra o la miseria. Futuro sombrío en este aspecto. 

Vida en pausa es la historia de su lucha por recuperar la esperanza y la estabilidad, sin importar el coste. Es un relato sobre encontrar luz en medio de la oscuridad porque muchos de los niños que padecen el síndrome logran despertar como si hubieran dejado su cerebro en pausa en una especie de desconexión con el mundo real. Neurólogos siguen estudiando este fenómeno que aún no llegan a comprender del todo. 

Vida en pausa cuenta en su reparto con los siguientes intérpretes: Chulpán Jamátova (Good bye, Lenin!, La fiebre de Petrov), Grigory Dobrygin (ganador del Oso de Plata a Mejor Actor en el Festival de Berlín por Cómo terminé este verano), Naomi Lamp, Miroslava Pashutina y Eleni Roussinou. Buenas interpretaciones con carácter general. Los personajes están bien definidos: un matrimonio que huye de la dictadura rusa y sus hijas que están traumatizadas ante la situación al filo de la navaja de sus padres. La deportación a Rusia siempre está presente por lo que el estrés va haciendo mella en las pequeñas. 

Para la técnica de rodaje, Avranas, ha creado un sello estético que luce de forma quirúrgica en la película, con un diseño de producción de Markku Pätilä, director de arte habitual de Aki Kaurismäki. Una apuesta que potencia una realidad de apariencia kafkiana y distópica, donde la perfección escandinava queda en entredicho. 

Vida en pausa es un filme sorprendente y rodado de manera muy seria. Observamos de forma clara cuales son y cuales van a ser las consecuencias de los millones de refugiados que se esperan en el planeta en los próximos años. El eslabón más débil, los niños, si es que no han sido masacrados en las guerras son los más dañados tanto en la salud mental como en sus emociones cotidianas. El punto álgido se está produciendo en Suecia en un fenómeno con tintes casi inexplicables para la ciencia. 

Nota: 7/10. 

Nacionalidad: Francia - Suecia

Dirección: Alexandros Avranas

Guion: Alexandros Avranas

Música: Tuomas Kantelinen

Fotografía: Olympia Mytilinaiou

Duración: 100 minutos

Reparto: Chulpan Khamatova,

Grigoriy Dobrygin, Naomi Lamp,

Miroslava Pashutina, Eleni Roussinou

El deshielo: el valor de la narrativa

El deshielo dirigida por Veerle Baetens se estrena en Filmin el día 7 de junio de 2024. Tras su premiere en el Festival de Sundance, y su paso por la sección oficial del Festival de Sevilla, el filme se estrenó el pasado mes de febrero en cines españoles de la mano de Vercine. 

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La historia: Trece años después de una mala experiencia en un sofocante verano que se salió de control, Eva, una joven de 26 años, regresa a su pueblo natal con un bloque de hielo en la parte trasera de su automóvil. Al volver, tendrá que adaptarse y afrontar, de una vez por todas, su oscuro pasado y enfrentarse a sus torturadores.

La crítica: Nos hallamos ante un cuidado filme que supone la ópera prima de Veerle Baetens. Debuta como directora con la adaptación de la novela El deshielo de Lize Spit. La trama gira sobre la desgarradora historia de cuando Eva era una niña. La película está narrada en dos épocas distintas que retratan dos momentos cruciales en su vida: un caluroso verano en el que tenía 13 años, y su regreso al pueblo 13 años después del trágico suceso que marcó su vida. Eva vuelve con sed de venganza. 

El deshielo lo centra todo en el valor de la narrativa. O sea lo contrario a los golpes de efecto o a la simplificación de los hechos. La trama de una narración impone un significado a los sucesos. Estos determinan el nivel de historia para revelar al final una estructura que era necesaria para conocer los hechos expuestos. "Donde no hay narrativa, no hay historia", dixit Croce. Aquí hay historia con consecuencias morales para todos. 

 

La película nos lleva a conocer a Eva, como una niña sensible que quiere ser amada, así como una frágil mujer joven que intenta sobrevivir en un mundo abrumador que a menudo demanda ser resiliente, tener éxito y llamar la atención. La soledad infinita de la niña nos toca; su necesidad de amor, atención, comprensión y su condición gélida que no le permite dar lo que desea. Eva se está convirtiendo en su propia enemiga y en la de los demás. Es el blanco perfecto en un tórrido verano.

El personaje de Eva está interpretado por Charlotte De Bruyne ("Tori y Lokita") en su edad adulta, y por la debutante Rosa Martchant en su niñez. Martchant fue merecedora del Premio Especial del Jurado a la Mejor Interpretación en el Festival de Sundance por su este papel. También tendrá su lugar en los Premios Marcianos al terminar el año. El resto del reparto coral está al servicio de un hecho horrible que se produjo durante ese fatídico verano. La cineasta se ha mirado en Eva desde niña: "Siendo la menos bella y menos deseada, siempre queriendo agradar y complacer".

En la técnica de rodaje destaca la fotografía de Frederic Van Zandycke. Es contenido y no continente. Al principio, si te fijas en Eva, los planos son abiertos y más tarde, es como si estuviera atrapada en el encuadre. También está el lenguaje de la niña y de su madre. Nunca están en el mismo marco, eso es importante para mostrar la distancia entre ellas. En cuanto al color, es muy veraniego y alegre. Se toman referencias a Los Goonies o Stand by Me. En invierno, Eva a menudo usa colores azules, también en el pasado. En el presente de la joven mujer los colores son oscuros y más gélidos como marca de un trauma no superado. 

El deshielo es una película muy potente y su narración es excelente. Nos hallamos ante una historia que también nos habla de la vuelta a los orígenes. Pero sobre todo es un relato sobre aquellos que entierran su dolor muy dentro de sí mismos, en un lugar donde nadie puede verlo, mientras ese dolor los vacía en silencio. Las personas tranquilas, a menudo, tienen las mentes más ruidosas. Para algunas personas, el trauma está tan enterrado dentro de ellas que no es posible dejar que salga porque es demasiado amenazador. Y cuidado porque todos llevamos un león dentro de nosotros que puede rugir, matar o idear la más cruel de las venganzas. 

Nota: 8/10.

P.D. Hasta final de año el día de publicación de críticas será el martes. Muchas gracias por vuestra atención.

Nacionalidad: Bélgica

Género: Drama, Intriga 

Título original: Het Smelt

Dirección: Veerle Baetens

Guion: Veerle Baetens

Música: Bjorn Eriksson

Fotografía: Frederic Van Zandycke

Duración: 111 minutos

Reparto: Charlotte De Bruyne, 

Rosa Marchant, Matthijs Meertens, 

Anthony Vyt, Simon Van Buyten

En cuerpo y alma: Amor a fuego lento

Hay amores tan bellos que justifican todas las locuras que puedas cometer. -Plutarco

Pero también:

Lo malo del amor es que muchos lo confunden con la gastritis y, cuando se han curado de la indisposición, se encuentran con que se han casado. -Groucho Marx.

La historia: María es una inspectora de calidad que entra a trabajar en un matadero para supervisar la categoría de la carne allí preparada. Su carácter extremadamente reservado comienza a disparar los rumores entre el resto de los empleados. Es entonces, cuando aparece la figura de su jefe que se siente atraído por su físico y por su extraño carácter. Tras un robo en la empresa los empleados son sometidos a una investigación para dar con el culpable. Mientras, María y su jefe Endre, comienzan a confraternizar en lo que puede ser la semilla del encuentro del amor. ¿Les dejarán amarse? ¿Se dejarán ellos mismos ser amados?

La crítica: Atención droga dura: cine de autor, cine independiente, cine europeo y de Hungría, cine contemplativo, cine pausado, cine atormentado, cine sin palomitas, cine de silencios, cine de belleza interior, cine de festivales, cine de invierno, cine para cinéfilos y en definitiva cine que puede gustar o cine que puedes odiar. 

La directora húngara Ildikó Enyendi (Magic Hunter, Simon the magician) dirige con su peculiar mirada pausada una extraña propuesta que le ha valido para convencer al jurado y alzarse con la victoria en el Festival Internacional de Berlín, obteniendo con ello, el preciado Oso de Oro que es el máximo galardón de dicho festival. Dicho lo cual y siendo una película relativamente atractiva en su mirada, si esta ha sido la ganadora, que me parece una exageración, no quiero imaginar como serán las perdedoras. Cuidado con los jurados, las drogas y el alcohol. 

La película está construida sobre la base de las relaciones laborales y los conflictos, amores y desamores que se pueden dar en el mundo de la empresa. ¿Pero por qué elegir para esta propuesta un lugar tan "idílico y bucólico" como un matadero de vacas? Pues vaya usted a saber el porqué de dicha elección. La verdad hubiera dado igual el centro de trabajo elegido pues no es significativo para la propuesta. En fin, cosas de húngaros. Dicho lo cual, hay imágenes muy fuertes en lo relativo al sacrificio de animales y en un intento de suicidio de un personaje que dejaremos en el aire pero que pueden herir la sensibilidad del espectador. No es cine gore, pero tampoco es precisamente Blancanieves. 

Entrando más a fondo en la propuesta, la historia nos habla de un incipiente romance entre dos almas gemelas y atormentadas. Gemelas ya que casualmente y a través de unas entrevistas laborales, perciben y se dan cuentan que ambos, María y Endre, están teniendo los mismos sueños mientras duermen, sin tener una explicación clara para ello. Y atormentadas, porque el directivo de la empresa a sus 50 años ha renunciado al amor a pesar de su atractivo físico. También atormentada está María a pesar de que es joven, y también goza de un cierta sensualidad. Pero dada su inseguridad, parece haber renunciado al amor por sus problemas de relación social que se mueven entre sus neurosis y su miedo al contacto físico y social. En el fondo ambos quieren amar pero lo dan por improbable. Es entonces, cuando la historia desde una manera minimalista, sencilla y en parte hipnótica nos habla del amor correspondido entre un hombre maduro y experimentado y una joven virgen con una mezcla de miedo y deseo a entregar su cuerpo y ser amada. 

Película de planos largos, minuciosos y bellos en su mirada con una fotografía que luce brillante, hiperrealista y que contrasta originalmente con lo barroco del fondo de los personajes. Nos encontramos ante una fábula urbana que encuentra belleza en lo amargo del ser humano y que resulta hipnótica e inquietante, aunque muy pasada de metraje en los 114 minutos que se entienden como una reiteración innecesaria. 

El reparto está encabezado por la actriz eslovaca Alexandra Borbély que luce virginal, tímida, opaca, fría y extremadamente introspectiva tal y cual es el personaje representando. Por lo tanto, y suponiendo que en su vida real sea una persona más social, su actuación es notable. Su pareja en la película es el actor húngaro Géza Morcsányi que da bien en el papel de directivo financiero de la empresa y al que se le ve un actor curtido y preparado para cualquier papel. Deja buenas sensaciones interpretando a un personaje descreído, bondadoso y que vuelve a creer en el amor. Además, este es el mensaje implícito en la propuesta, es decir, volver a creer en el amor, incluso para los escarmentados y con alergia a este término tan absoluto.

La música de Adam Balazs, es evocadora, sutil y emocional, como pueden comprobar en el tráiler de la película. 

En Cuerpo y alma es en conclusión un cuento moderno sobre personajes complejos, asociales y en el fondo con la búsqueda del afecto y del amor como salvación a la desesperanza vital. Como película en sí misma, puede resultar fría y extraña, pero como mensaje a transmitir, resulta esperanzadora y denota calidad en cada plano propuesto por la mirada femenina de Ildikó Enyendi. Unas imágenes muy potentes, pero con una premiosidad excesiva, dejan la propuesta en la posible ambivalencia que a veces, el cine europeo provoca en la mirada del espectador. Y es que en la vida, como en el cine, los grises predominan contra el absolutismo del todo es negro, o el todo es blanco. En los matices, y en la valoración de todos los ángulos debería estar fundamentada toda opinión crítica, y esto, les aseguro, no cabe en 140 caracteres.

Nota: 7/10.

Título original: A teströl és lélekröl.

Nacionalidad: Hungría.

Dirección y guión: Ildikó Enyendi.

Reparto: Alexandra Borbély, Géza Morcsányi,

Réka Tenki.

Música: Adam Balazs.

Fotografía: Máté Herbai.

Estreno España: 27 de octubre de 2017.