¡Qué maravilloso es el cine! Las tres caras de Eva

La ciencia moderna aún no ha producido un medicamento tranquilizador tan eficaz como lo son unas pocas palabras bondadosas.-Sigmund Freud.

Las tres caras de Eva rodada hace casi 60 años sigue tan de actualidad o más aún que por aquel entonces. Thriller psicológico en el cual los rasgos de la personalidad y el desdoblamiento de la misma nos evocan al mejor cine de vanguardia sobre los trastornos mentales. Golpe de efecto en su época y seguro que para aquel que la desconozca será un feliz descubrimiento.

Eva White (Joanne Woodward) es una tranquila ama de casa que vive en un entorno feliz junto a su marido y su pequeña hija. En un momento de su rutina comienza a sufrir unas irritantes migrañas acompañadas de periodos de amnesia.

Esto desemboca en un trastorno psiquiátrico de doble personalidad. Entonces se pone en manos de un médico especialista en psiquiatría que tratará de ver que es lo que le esta ocurriendo a esta mujer. Ella ha desarrollado dos personalidades opuestas entre si: una es una mujer tranquila con tendencias depresivas y otra es jovial, alegre y provocativa. El asunto se complicará aún más, cuando a Eva le aparezca otra personalidad extra a las dos ya desarrolladas. Los acontecimientos se precipitarán. Hay que recordar que la historia está basado en hechos reales y que marcó un hito en la historia de la psiquiatría moderna. Por lo tanto, la veracidad de los hechos suponen un claro suplemento de interés adicional a la trama de la narración.

 

Popularmente hablamos de doble personalidad un poco a la ligera y solo tendremos que visionar la cinta para comprobar que este no es un problema de los distintos rasgos de la personalidad que podemos tener cada uno de nosotros. Es una enfermedad que se denomina trastorno de la personalidad múltiple o trastorno de identidad disociativo y que gracias entre otros al director y guionista de la película, Nunnally Johnson, se dio a conocer a través del mundo del cine. 

Y de cine hay que hablar, pues la película en todo momento mantiene una excelente tensión narrativa, que nos hace engancharnos a la historia a través de las emociones de los personajes representados.

David, su marido, no entiende nada de lo que está pasando y representa la incomprensión e incluso manifiesta rasgos violentos hacia su propia esposa. Esto, además de entroncar a la perfección con la actual violencia de género hacia las mujeres, lo que nos hace ver es que la negación de la realidad y el rechazo hacia las personas con enfermedades mentales no ayudan precisamente a la recuperación de las mismas. Como decía Freud, unas palabras pueden ayudar tanto o más que un medicamento en ciertas situaciones. Yo añadiría que una caricia, un beso o un abrazo es la actitud correcta y más eficaz hacia cualquier enfermo y no solo los mentales.

En algunos momentos, la cinta nos trae reminiscencias al cine de Alfred Hitchcock pues la puesta en escena, más algunos puntos de intriga en el argumento, nos recuerdan a la manera de rodar y plantear las situaciones del maestro del suspense. Pero independientemente de eso, lo realmente bueno es como los personajes caminan juntos pero a la vez cada cual más perdido. Porque no solo alberga dudas el joven matrimonio, sino que el dúo de psiquiatras que atienden a Eva están tan perdidos como ella. lncluso llegan a creer que pudiera ser un papel que podría estar representando la mujer inventándose toda la historia. Este es un factor fundamental en el mensaje a transmitir, es decir, la perplejidad y el eterno dilema de no saber enfrentarse a situaciones graves e inesperadas.

En cuanto al reparto, Joanne Woodward interpretando las tres personalidades de Eva está totalmente inconmensurable. Como premio por su gran actuación se llevó el Oscar de la Academia a mejor actriz principal en el año 1957. Competía con Liz Taylor, Lana Turner, Anna Magnani y Deborah Kerr que fueron las otras nominadas. David Wayne interpreta al perplejo y violento marido quedando bastante por debajo de su compañera de reparto. El otro papel importante de la película lo interpreta Lee J Cobb, que es el psiquiatra que lleva el caso en una actuación que tampoco pasará a la historia del cine.

El film está basado en el ensayo de los doctores Corbett H. Thigpen y Hervey M. Cleckley sobre el caso de la paciente real Chris Costner y con el mismo título que la película 'The three faces of Eve'. Hoy en día, sigue siendo un libro de gran interés científico y que supuso una buena investigación sobre el trastorno de identidad disociativo (TID). En todo momento, el ensayo trata de demostrar empíricamente que las múltiples personalidades de la mujer son fruto de su enfermedad y no de un autoengaño. 

La película es bastante fiel a la obra que la da pie, aunque algunos procesos de las distintas hipnosis a la que es que es sometida la protagonista de la cinta pierden credibilidad por la rapidez en los cambios de las distintas personalidades de Eva. En todo caso, no hay que olvidar que el cine es ritmo y el director de la mano de la portentosa actriz trata de no parar en ningún momento el clímax de las distintas situaciones. Para ello, se vale de la fabulosa modulación de la voz de Joanne Woodward. Como curiosidad adicional, cabe decir que la actriz fue la esposa del mítico actor Paul Newman con el que protagonizó algunas interesantes películas. Entre ellas 'El largo y cálido verano' o 'Desde la terraza'.

Mi conclusión final es que nos encontramos ante una pequeña joya del cine clásico que además se adentra por los siempre excitantes comportamientos de la mente humana. Un viaje hacia la deconstrucción personal y la búsqueda de los sucesos que durante la niñez y/o juventud pudieron alterar el comportamiento de la protagonista de la historia. Cine psicológico para disfrutar con tranquilidad de un género tan contemporáneo a nuestros días. 

Extraña bastante que aún no se haya realizado un remake de la cinta y aunque es cierto que la producción no ha perdido actualidad, se dejar notar el paso del tiempo en la manera de encuadrar y rodar los distintos planos. Aunque yo mismo no soy partidarios de los citados remakes, tengo que reconocer que seria un autentico espectáculo poder disfrutar de una nueva adaptación del ensayo literario. 

Os dejo con un enlace a un vídeo de la película en su idioma original para apreciar uno de los cambios de personalidad que interpreta con majestuosidad Joanne Woodward. Imprescindible ponerlo en versión inglesa, para poder apreciar su verdadera voz. Una pequeña joya clásica que sin ser una obra maestra, nos recordará como era el cine de los años 50.

Título original: The Three faces of Eve.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Año: 1957.

Director: Nunnally Johnson.

Reparto: Joanne Woodward, David Wayne,

Lee J Cobb, Nancy Culp, Vince Edwards.

Fotografía: Stanley Cortez.

Música: Robert Emmett Dolan.

Duración: 90 minutos.

La llegada (Arrival)

 

La historia: Doce naves espaciales en forma de óvalo, se sitúan a unos pocos metros de altura a lo largo y ancho de todo el planeta. Mientras la población mundial entra en pánico, las autoridades empiezan a preparar planes de evacuación ante el inminente contacto con los extraterrestres. Para tratar de entender que es lo que buscan y si sus intenciones son pacíficas, la administración de los Estados Unidos contrata a Louise (Amy Adams). Ella es una profesora experta en lingüística. Su misión será entrar en contacto con las naves y sus posibles tripulantes. El futuro de la humanidad depende de la posibilidad de establecer algún mecanismo de comunicación ya sea por lenguaje oral, escrito o cifrado. Esto solo ha hecho empezar...

La crítica: Nada es lo que parece. Aún enfrentándonos a una historia de ciencia ficción y partiendo de una premisa clásica en este género, la cinta deja rápidamente de lado la llamativa presentación para desviarse por completo del cine de catástrofes y efectos especiales. Lo que trata de retratar el director francocanadiense Denis Villeneuve son las reacciones humanas ante un hecho de tal magnitud. Para ello cuenta con un buen guión, basado en el relato corto del escritor Ted Chiang titulado 'La historia de tu vida'.

La cinta habría que enmarcarla en un cine de características intelectuales que a veces aborda el género cinematográfico de la ciencia ficción,. La cinta recuerda a 'Encuentros en la tercera fase' de Steven Spielberg o a la mas reciente 'Interstellar' de Christopher Nolan. La pregunta que todos nos haríamos ante un suceso semejante sería la siguiente: ¿Qué quieren y para que han venido a nuestro planeta? La película trata de encontrar respuestas y las encuentra a su manera. Esta es la base de la historia, por lo tanto y para no estropear el posible visionado de quien este leyendo estas líneas, sobrevolaremos por el largometraje sin desvelar detalles cruciales de su desarrollo.

Si bien la primera parte es algo repetitiva en el abordaje de la posible comunicación con las entidades extraterrestres, la historia va de menos a más cobrando una extraordinaria fuerza en su tercio final. Cinta de fortísimo suspense que te mantiene en tensión constante y que sin duda es lo mejor de la producción. En su debe, cabe decir, que es cinta de solo un visionado pues al conocer la resolución final, evidentemente la intriga en posteriores pases se pierde casi en su totalidad. En su haber, me llamó la atención la buena comunicación que se establece con el espectador. Nadie miró el reloj, nadie fue al aseo, por el contrario, la tensión se percibía en el ambiente como la mejor prueba de que lo que estaba sucediendo en pantalla transmitía emociones al espectador.

Todos en mayor o en menor medida y gracias al cine o a la literatura de ciencia ficción, hemos podido pensar como reaccionaríamos si al abrir la persiana de nuestra habitación nos encontráramos ante una gigantesca aeronave espacial y la incertidumbre que esto nos provocaría. De alguna manera es una fantasía que nos aterra, pero que tal vez nos gustaría vivir en nuestras propias carnes para experimentar un suceso único y ciertamente improbable en nuestra minúscula porción de tiempo que pasaremos en nuestro planeta.

Pues bien, la protagonista de la historia, la doctora Louise Banks, no siente ni miedo, ni demasiada curiosidad por lo que esta sucediendo en La Tierra. Marcada por una reciente desgracia personal, vive en su mundo tratando de cerrar heridas con su pasado. Lo que no supone, es que en el trabajo encargado por su gobierno de intentar contactar con la naves, encontrará respuestas al puzzle sentimental por el que esta atravesando. Ella tendrá la llave para salvar al mundo y de paso para salvarse a si misma de los fantasmas del pasado.

El concepto de regalo en su máxima expresión es otra de las temáticas de la producción. Pero cuando hablamos de este hecho, lo hacemos desde el significado de regalar sin esperar nada a cambio. Una de las preguntas existenciales que nos traen guionista y director, es si un posible contacto de una civilización extraterrestre con nosotros sería amistoso y como un presente, o por el contrario sería para aprovecharse de nuestros recursos planetarios. ¿Intercambio, regalo o expolio? Todas estas posibilidades son abordadas durante el metraje.

El reparto está encabezado por la camaleónica Amy Adams ('La gran estafa americana') actriz que objetivamente realiza un trabajo extraordinario por su sutileza y que apreciaremos mejor en la versión original de la película. Todo el peso de la producción recae sobre sus espaldas y no se entendería la cinta sin su presencia. La acompaña en escena Jeremy Renner ('En Tierra hostil') interpretando a Ian que es un experto matemático cualificado para integrarse en la misión. Simplemente hace su trabajo con corrección cumpliendo sin más. El ganador del Oscar Forest Whitaker tiene el papel del coronel Weber imprimiendo el carácter necesario al jefe del dispositivo militar.

En la parte técnica destaca la edición de sonido y la música, ambos aspectos unidos aumentan el suspense de la producción de una manera considerable. Sin embargo, lo mejor y biológicamente más aceptable es la conformación del aspecto de los extraterrestres, otorgándoles una formación corporal alejada de los estereotipados seres con cuerpo humano y grandes cabezas. En el supuesto caso de que existiera vida fuera del planeta con características similares a las humanas las posibilidades de que estas formas físicas fueran parecidas a las nuestras serían remotas. Así lo citaba el profesor de biología Emilio Valadé del Río en su articulo 'Extraterrestres' que enlazo a continuación por su gran interés científico:

https://emiliovalade.blogspot.com.es/2016/02/extraterrestres.html

Recapitulando, nos encontramos ante una buena propuesta que a pesar del handicap de que se muestra reiterativa en la primera parte. Más adelante consigue levantar el vuelo y enganchar al espectador con una fuerte tensión emocional que culmina en la parte final con un debate sobre el espacio/tiempo que ya inició Albert Einstein . Una de las preguntas que se hace en la cinta es tan inquietante como interesante. ¿Cambiarías algo en tu vida si supieras su desarrollo y la fecha final de la misma? De algo de esto y mucho más nos habla 'La llegada'. Para pensadores inquietos. La mejor cinta de ciencia ficción de 2016 hasta la fecha.

Nota: 8/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Denis Villeneuve.

Reparto: Amy Adams, Jeremy Renner.
Forest Whitaker, Michael Stuhlbarg.

Guión: Erich Heisserer.

Fotografía: Bradford Young.

Música: Jóhann Jóhannsson.

Duración: 116 minutos.

Estreno EEUU, México y Chile: 11 de noviembre de 2016.

Estreno España: 18 de noviembre de 2016.

El ciudadano ilustre

La introducción: Guión, guión y guión. Todo en el cine pasa por este punto de partida. En tiempos donde un buen número de películas están basadas en guiones adaptados, que pasan sin mayor pena ni gloria, por fin nos llega un extraordinario guión original de la mano de Andrés Duprat. Es solo el comienzo de una grandísima creación que ha sido preseleccionada por Argentina para intentar competir en la carrera de los Oscars a mejor película de habla no inglesa.

La historia: Daniel (Óscar Martinez) es un escritor argentino que lleva casi cuarenta años en Europa tras salir de su pequeña localidad natal de Salas. En el mejor momento de su carrera literaria y tras recibir el Premio Nobel de Literatura, acostumbra a rechazar todas las invitaciones de actos y conferencias harto de la pueril adulación. Pero un buen día recibe una carta del ayuntamiento de su pueblo en la que se le comunica que va a ser nombrado ciudadano ilustre de la localidad. Cansado de los premios y doctorados decide regresar a su lugar de nacimiento para participar en los sencillos actos. Esto solo sera el punto de partida para rencontrarse con todos los recuerdos, fantasmas y amigos de su juventud. El viaje será tan accidentado que le llevará a vivir los momentos más surrealistas y peligrosos de su vida.

La crítica: Y se alinearon las estrellas para conjugar la capacidad creativa de un guionista, el don de dos directores y el estado de gracia de un actor para rodar una película que desde la sencillez, y sin ningún tipo de artificio, nos reconcilia con el mejor cine de toda la vida. Definitivamente para crear una historia no se necesitan ningún tipo de estridencias, lucecitas u otros inventos supuestamente vanguardistas. La esencia de las texturas originales del séptimo arte para ser denominado así, básicamente consisten en una historia bien narrada, un argumento atractivo y unos personajes bien definidos. El ciudadano ilustre alberga todas esas cualidades logrando ser la obra cumbre hasta la fecha de hoy de los cineastas Gastón Duprat y Mariano Cohn.

Todo en la cinta está tratado con un exquisito sentido del humor. La sonrisa siempre por encima de la carcajada enfrentándonos a situaciones que sitúan al personaje principal en continuos aprietos para deleite del "malvado" espectador. Además, hay que tener en cuenta que cuando nos enfrentamos a una comedia dramática (términos contrapuestos) es básico el equilibrio intergénero para que las situaciones estén correctamente balanceadas. En este aspecto la cinta se aproxima a la perfección.

Cine y literatura unidos son el medio usado para la búsqueda de algo tan universal como es la vuelta a nuestros orígenes. El regreso al pueblo donde nacimos, la vuelta al barrio donde nos criamos o el reencuentro con viejos amigos de la escuela es el retrato que con naturalidad nos presenta esta hábil propuesta. La peculiaridad en esta ocasión es que el regreso del escritor nunca fue anhelado por el mismo. Siempre despreció a las habitantes de aquel pueblo en mitad de la nada y se aprovechó de la ignorancia de algunos de sus vecinos para recrear los personajes de sus novelas. De ahí que el reencuentro con algunos de ellos sea hilarante por momentos y dramático en otros.

Todo en la historia gira entorno al ego del escritor premiado. Este hombre es un ser contradictorio pues aúna la dualidad en la cual  odia la celebridad alcanzada rechazando asistir a más homenajes, premios o firmas de libros para evitar agasajos innecesarios. Sin embargo y por otra parte, su personaje se siente en cierta manera por encima del resto de las personas. Desprecia a parte del mundo permitiéndose unas actitudes que lo hacen situarse en una dudosa posición de superioridad ante los demás. En cierta manera, nos encontramos ante un tratado de como se puede digerir y manejar un éxito profesional.

Hay varias escenas que son un auténtico divertimento visual. Por ejemplo uno de los recibimientos que le hacen en su localidad. La ocurrencia de pasear al escritor en lo alto de un coche de bomberos junto a la reina de belleza del pueblo provoca una hilaridad enorme. La inocencia de los preparativos de esos homenajes tratando al Nobel de Literatura como si fuera un futbolista que ha ganado un torneo a nivel mundial, contrastan con el protocolo aséptico y exquisito en el que ha sido tratado en los diferentes actos a los que ha asistido en su vida literaria. Él va sobrellevando la situación cariacontecido en un lugar que se siente fuera de lugar y tratando de sacar su mejor cara. El encuentro con su antigua novia y  con su marido destapará la caja de los truenos y será el fundamento de la historia.

El reparto está encabezado por el omnipresente Óscar Martinez (Relatos Salvajes) en el papel del ciudadano ilustre. Su actuación es desbordante y a la vez contenida. Algo que parece contradictorio pero que solo unos pocos saben conjugar. El premio al mejor actor en la pasada Mostra de Cine de Venecia le avalan como uno de los mejores actores argentinos y lo consagra para la historia del cine de su país.

El resto del reparto son personajes secundarios que van apareciendo en torno a su figura. La ganadora del Premio Goya, Nora Navas, tiene una breve aparición como su agente literaria pero aporta una información básica para familiarizarnos con el personaje. Su antigua novia es interpretada por Andrea Frigerio con un buen tono, al igual que el que fue su amigo y ahora es el marido de su ex novia interpretado por Dady Brieva con acierto. Mención especial para Belén Chavanne por el papel de groupie enamorada del escritor.  El mejor papel secundario es para el alcalde del municipio con un gran trabajo de Manuel Vicente que es un reputado actor procedente del teatro.

En consecuencia a todo lo anteriormente citado, nos encontramos en mi opinión, ante la mejor película argentina desde Relatos Salvajes. El filme es una nueva reconciliación con el cine de autor que tanta falta hace para consolidar la recuperación de un tipo de cinematografía que está generando bastantes expectativas.

Una propuesta ágil, divertida y convincente que usando unos registros no convencionales está preparada para gustar a espectadores de todo tipo. Sería estupendo que 'El ciudadano ilustre', 'Julieta' o 'Desierto' fueran finalmente nominadas a los Oscars de la Academia para así dar más visibilidad al cine Hispanoamericano. Tratemos de poner en valor nuestra lengua, nuestro cine y nuestra cultura. El ciudadano ilustre es un ejemplo sobresaliente de buen cine en habla hispana.  

Nota: 9/10.

Nacionalidad: Argentina.

Dirección: Gastón Duprat y Mariano Cohn.

Reparto: Óscar Martinez, Nora Navas, 
Andrea Frigerio,Dady Brieva, 
Manuel Vicente, Belén Chavanne.

Guión: Andrés Duprat.

Música: Toni M. Mir.

Montaje: Jerónimo Carranza.

Duración: 120 minutos.

Estreno Argentina: 8 de septiembre de 2016.

Estreno España: 11 de noviembre de 2016.

No culpes al karma de lo que te pasa por gilipollas

“El que quiere interesar a los demás tiene que provocarlos.” -Salvador Dalí.

La historia: Sara (Veronica Echegui) está intentando sacar adelante su pequeña tienda de complementos de moda cuando recibe tres noticias. La primera que Roberto, su novio, vuelve después de un año en Londres. La segunda, sus padres se divorcian y la tercera, su hermana se casa con su antiguo amor platónico, Aarón (Álex García). Todas estas circunstancias desembocan en una pelea familiar. Tras esta riña, el pequeño apartamento de Sara se llena con su padre, su novio, su hermana y lo que es peor, su futuro cuñado del que aún esta enamorada. 

La crítica: En primer lugar y para no engañarnos si estás leyendo estas lineas muy probablemente se deban al provocador y larguísimo título de esta película española. Lo más curioso del caso es que la idea no parte de la directora María Ripoll como yo mismo pensé al tener conocimiento de su rodaje. El filme está basado en la novela homónima de Laura Norton que se ha convertido en un best-seller en España. Por lo tanto, el mérito o la desdicha del título corresponde a la escritora.

Tengo que decir que la cinta es un bombón envenenado a la hora de escribir sobre ella. Este tipo de cine está destinado a generar odios y amores probablemente a dosis bastante elevadas. Y es que se vienen escuchando voces sobre si todo es una campaña de hábil marketing comercial o en realidad hay algo dentro de la historia.

Pues en mí opinión, ni lo uno ni lo otro. No es la primera vez que con un título se pretende provocar y llamar la atención pues el objetivo de toda producción es ser lo más vista posible. Por lo tanto, no hay trampa ya que se trata de una comedia insustancial pero de hábil enredo narrativo. Por otra parte, ¿hay algo en la historia?, pues depende lo que busquemos. Si se pretende encontrar a Ingmar Bergman en la cinta evidentemente el ciego es el único que lo puede buscar. Ahora bien, si de lo que se trata es de pasar un rato entretenido sin mayores aspiraciones que olvidarse de la rutina diaria nos encontraremos con una típica comedia de situación resultona y entretenida.

Hipsters

La presentación de la película, y tal vez sea lo más llamativo de la misma, evoca recuerdos a la primera escena de Forrest Gump con pluma de por medio. En esta ocasión si se podría hablar de homenaje y no de copia pues está justificado. Sara es "plumista", o así se define ella. Se dedica a la venta de diseños de moda con las plumas como reclamo casi exclusivo. Por la tanto, lo que hace hace la directora es seguir unas plumas desde el cielo hasta que caen en el negocio de Sara.

Historia que nos retrata un nuevo movimiento de cultura alternativa que está despegando en estos últimos años y que tiene como referencia marcada el estilo hipster. Un estilo asociado a tendencias de moda, de música indie y de vida bohemia que se está instalando en ciertos barrios de las grandes ciudades. La película retrata este fenómeno en la ciudad de Madrid, y concretamente en el popular barrio de Malasaña. La filmación deja unos bellos retratos de la ciudad pero genera también un cierto rechazo a esta forma de subcultura por ser forzada y elitista en algunas ocasiones.

La parte central de la cinta no aporta demasiado ni en la narrativa, ni al divertimento del espectador. Tiene cierta gracia cuando el apartamento de la protagonista se empieza a llenar de multitud de personajes. Por momentos entramos en una especie de camarote de los hermanos Marx a la española. 

Lo curioso del filme es que cuando damos la historia por perdida el chispazo final consigue levantar la cinta de manera inesperada y sorprendente. Por lo tanto, cinta de inicios y finales, con una parte central bastante liquida y sin mucha sustancia. Contrastes, altos y bajos e irregularidad marcan el paso, no sabemos si por elección propia o no.

En pleno rodaje en Madrid

Veronica Echegui es la musa perfecta para todos los nuevos movimientos sociales. Si en la película que la dio a conocer ('Yo soy la Juani') daba vida a las "chonis" (tribu urbana de chicas marcadas por la excentricidad en su vestuario, maquillaje y vocabulario), ahora es el referente en la cinta a la subcultura antes citada. Lo cierto es que se amolda como un guante a cualquier papel. Actriz muy talentosa y no demasiado reconocida en el mundo del cine fuera de España. Álex García ('Kiki, el amor se hace') hace un buen papel interpretando al amor platónico de Sara. El resto del reparto es muy extenso por lo que solo mencionaré a David Verdaguer en una correcta actuación como novio oficial de Sara.

La gran sorpresa del filme español es la joven actriz Alba Galocha en el papel de la hermana de Sara. Talento y chispa en pantalla que indican que se va quedar en el mundo del cine por mucho tiempo. Debería estar nominada a los Premios Goya en la categoría de mejor actriz revelación, sino por este, por el excelente papel en la cinta 'El hombre de las mil caras'.

Alba Galocha

La película tiene mucho de lo que escribir pero más por su entorno cultural que por su calidad cinematográfica. Bienvenido el debate en el cine y no la indiferencia de otras producciones más sesudas.

Lo que si destacaría es la conjunción entre fotografía y puesta en escena con una brillante dirección artística. Pero esto es técnica en el cine, que está muy bien, pero son aspectos adicionales o complementarios. La lástima es que la historia se siente como una oportunidad desaprovechada para haber logrado algo mucho más profundo y entretenido. 

Nota: 5/10.

Nacionalidad: España.

Directora: María Ripoll.

Reparto: Veronica Echegui, Álex García,
David Verdaguer, Alba Galocha,
Elvira Minguez, Jordi Sánchez.

Guión: Carlos Montero y Breixo Corral.

Fotografía: Pau Castejón.

Música: Simon Smith.

Duración: 98 minutos.

Estreno España: 11 de noviembre de 2016.

Sully

Solo en la fortuna adversa se hallan las grandes lecciones del heroísmo. - Séneca.

La historia: Basada en hechos reales y guionizada sobre el libro autobiográfico del piloto de aviación Chesley Sullenberg, la cinta dirigida por Clint Eastwood retrata los sucesos acaecidos el 15 de enero del año 2009. Ese día, el comandante Sully se vio obligado a realizar un aparatoso amerizaje de emergencia en las heladas rió Hudson en Nueva York.

La crítica: Clint Eastwood: "A mis 86 años no me fatiga el trajín de dirigir. Yo disfruto de aprender algo nuevo cada día, y en cada película nueva que hago aprendo algo que no sabía. Esto es lo que me estimula a seguir adelante". 

Toda una declaración de intenciones del mejor director de cine de los últimos treinta años. A partir de ahí y reconociendo que las virtudes de esta película son mayores que sus defectos, siento una sensación agridulce tras el visionado de su nueva propuesta. Y es que las expectativas son tan grandes cuando te enfrentas a su visión cinematográfica, que una leve bajada en su mirada causa una sensación de extrañeza difícil de explicar.

No obstante, la cinta viene precedida de un gran éxito de crítica y público desde su estreno el pasado 9 de septiembre en Estados Unidos. Sus primeros datos son apabullantes. Con un presupuesto de 60 millones de dolares, ya ha conseguido triplicar sus resultados económicos y está a la espera la distribución comercial por el resto del mundo. Llama la atención sin embargo, que para su estreno en España Warner Bros no haya hecho una gran campaña publicitaria. Toda la estrategia comercial se basa en los recuerdos del incidente aéreo. Pero hablemos de la película que es lo que nos trae aquí.

El llamado "milagro del Hudson" queda completamente rebatido en la cinta. Se demuestra que la decisión de intentar un acuatizaje (que sería la expresión mas correcta por tratarse de un aterrizaje sobre un río y no sobre el mar), no fue una decisión para probar fortuna o por intersección divina. Todo contrario; fue la decisión técnica más adecuada para intentar salvar las vidas de pasajeros y tripulación del vuelo 1549 de U.S Airways del 15 de Enero de 2009.

Siendo una historia conocida de alguna manera por casi todo el mundo, lo que trata de hacer el cineasta es reflejar las sensaciones, los miedos e incluso las dudas que abordaron al capitán del avión tras el incidente aéreo más mediático de aquel momento. El argumento se sustenta en la gran contradicción sentimental que sentía Sully.

Y es que mientras era aclamado como un héroe por el pueblo americano en las entrañas del sistema era denostado por las autoridades aeronáuticas (Junta Nacional de Seguridad del Transporte). Se le acusaba de que pudo volver al aeropuerto y haber intentado un aterrizaje de emergencia más convencional. Así podría haber salvado la nave y las millonarias compensaciones de los seguros acordados. La peor condición humana puesta en escena.

Por lo tanto, esta es la esencia que trata de reflejar Clint Eastwood en su manera de narrar la historia. El problema surge cuando la película se torna más en un reflejo documental de los sucesos que en el lado artístico o emocional en la trama. Por momentos, el balance es algo mecánico y se torna grisáceo en la investigación del accidente. Aun así, es notoria la mano del director en la profundización del personaje principal, así como en las relaciones que se establecen con el copiloto y con su propia esposa tras el accidente aéreo. La producción resuelve todas las dudas al respecto, pero para ello habrá que visionar la propuesta y ver los dobles matices impregnados.

El reparto está encabezado por el omnipresente en toda la historia Tom Hanks. Él interpreta al veterano piloto Chesley Sullenberg y que le debería llevar a su sexta nominación a los Oscars. Una actuación soberbia, metódica y contenida que demuestran su plena madurez como interprete. Como segundo de a bordo, está acompañado por Aaron Eckhart (Objetivo Londres) en el papel de copiloto y que puede ser su mejor trabajo hasta la fecha. Breves apariciones de Laura Linney (Mr. Holmes) como la mujer de Sully aportando cierta calidez a la película.

En el aspecto técnico destacan los impresionantes y justificados efectos visuales tan necesarios en una cinta de este tipo. La película ha sido filmada con cámaras con tecnología Imax para poder exhibirse en los lugares donde dispongan de este tipo de sala de proyecciones. El propio Clint Eastwood se encarga de algunos pasajes musicales del film como ya viene siendo habitual en su filmografía. La fotografía algo sombría que no encuentra demasiada justificación y se contradice al haber sido filmada en el formato antes citado.

Recapitulando, nos volvemos a encontrar con un estilo de hacer cine que se sumerge en la búsqueda de la visión de los héroes o antihéroes anónimos. En esta ocasión no deslumbra, pero documenta un hecho histórico tan de película como fue el acuatizaje de un vuelo comercial sobre las aguas del río Hudson en New York City. La realidad suele superar a la ficción y esta es una buena prueba de ello. Interesante y bien estructurada cinta que retrata un acontecimiento sobrecogedor para la historia de la aviación y sus protocolos de seguridad.

Nota: 7/10.

P.D. Parece ser que los traductores en España están de vacaciones (espero que largas), pues últimamente han dejado tres películas con su título original: Blood Father, Maggie's Plan y Sully. Solo de imaginar los posibles títulos alternativos siento escalofríos.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Clint Eastwood.

Reparto: Tom Hanks, Aaron Eckhart,
Laura Linney, Anna Gunn,
Jerry Ferrara, Sam Huntington. 

Música: Christian Jacob.

Guión: Todd Komarnicki.

Fotografia: Tom Stern.

Duración: 96 minutos.

Estreno EEUU: 9 de septiembre 2016.

Estreno España: 4 de noviembre de 2016.

Estreno Argentina: 1 de diciembre de 2016.

La historia de Jan

La perseverancia no es una carrera larga; son muchas carreras cortas, una tras otra. -Walter Elliot.

La historia: Bernardo, el padre de Jan, tras el nacimiento de su hijo con síndrome de Down decide crear un blog y con el apoyo de Mónica, la mama de Jan, comienza a grabar a su hijo en la primera etapa de su vida. Después de casi seis años de grabaciones y con el apoyo de una campaña de crowdfunding en las redes sociales, lo que empezó siendo una acto de superación y de compartir sus miedos y anhelos en la crianza de su hijo, se ha convertido en una gran película documental. Tras inaugurar el pasado Festival de Cine de Malaga, llega ahora y coincidiendo con el séptimo cumpleaños de Jan a las salas de cine en España. ¡Felicidades Jan!

La crítica: "Me lo puedo perder llorando y no me lo quiero perder llorando". Esta frase pronunciada por la Madre de Jan cuando aún era un bebé, marca un punto de inflexión tanto en la película, como en la vida de estos afortunados padres por tener una criatura tan especial como Jan. Y es que la cinta nos habla de un modo sincero, roto, pero lleno de sensibilidad de como es la acogida de la noticia y el posterior recibimiento de un bebé con el síndrome de Down. Una vez aceptado el hecho, que al principio es doloroso por la incertidumbre que produce, ya solo queda ponerse a navegar y construir por el bien del recién nacido.

Narrada desde una sensibilidad especial tras la cámara, Bernardo Moll demuestra en esta su ópera prima en el cine, que independientemente del cariño inestimable por su hijo, tiene talento para desarrollar una historia. De hecho, cumple perfectamente con las expectativas de una cinematografía tan complicada como es la del cine documental. Es más, el apellido documental suena incluso fuera de lugar pues de lo que hablamos es de cine con mayúsculas. Hay guión y un montaje preciso que sin duda ayudan a acercar la historia al espectador.

La cinta arranca con la ecografía real del bebé y con su primer baño. A partir de ahí, la madre va presentando como narradora las distintas entradas del blog. Se utiliza un inteligente ritmo que además se acompañan de diversas imágenes de la ciudad de Madrid. Fotogramas a veces evocadores y otras veces duros, como son los de los hospitales que sus padres tienen que visitar para el cuidado de Jan. Mención especial para el Hospital Universitario Infantil Niño Jesús y la Fundación Jiménez Díaz por la labor desarrollada con los más pequeños y por permitir la filmación de las imágenes. Doy fe personalmente de la magnífica atención sanitaria de ambos centros hospitalarios.

El fútbol es utilizado como otro factor temporal con el que se nos acerca la historia. El director lo usa como medio para medir el transcurso del tiempo, y nos lleva desde cuando la selección española ganó el mundial de Sudáfrica (cuando Jan aún era un bebé) hasta cuándo nuestro amigo visita el estadio Vicente Calderón. Momento cumbre y alegre de la cinta al ritmo de la música de Joaquín Sabina y su popular himno dedicado al Club Atletico de Madrid. Jan ya es todo un hombrecito que ha pasado por una ingente cantidad de problemas pero con la sonrisa siempre por bandera.

Pero de lo que realmente habla esta cinta es de superación personal y no precisamente desde la posición de un libro de auto-ayuda. La cinta nos cuenta, nos inquiere, nos avasalla, nos desmonta con la capacidad de lucha y el sacrificio no solo del trío protagonista, sino del ingente trabajo de fisioterapeutas, educadores y profesionales que en todo momento sirven como apoyo y estímulo para la familia. Un conjunto de héroes anónimos que el cineasta retrata con franqueza y firmeza.

Técnicamente, la cinta transcurre de menos a más. Las primeras secuencias están grabadas en vídeo casero hasta que Bernardo decide comprar una cámara más profesional y dar un paso al frente. Habría que aclarar que en la actualidad las proyecciones en digital, hacen que la diferencia entre las cámaras de los grandes estudios y las utilizadas por los cortometrajistas o los cineastas dedicados al cine experimental, no encuentran una gran diferencia de calidad en la sala de cine. La escena final con cierre preciosista, sirve para contrastar y medir un proyecto que empezó con unas tomas caseras y evoluciona hasta convertiste en una película de una belleza cinematográfica de altos vuelos.

En conclusión, el mensaje es claro y directo: lo que para unos padres en principio es recibido con miedo, dudas e incertidumbre, poco después se convierte en algo extraordinario. La noticia de recibir a un bebe con sindrome de Down invita a otras personas en la misma situación a afrontarlo con firmeza y alegría. Es un claro ejemplo de como darle la vuelta a una situación y convertirla en un hecho amoroso y recíproco. Los padres son los verdaderamente afortunados por haber tenido a un ser tan entrañable y adorable como Jan.

Un ejemplo de vida grabado en tiempo real durante casi seis años y que invita a dentro de otros seis años a ver las evoluciones de Jan y su familia. Si hubiera segunda parte estaría justificada plenamente y sería un gusto de visionar. En cualquier caso, nos encontramos ante una propuesta en el que el concepto de amor profundo encuentra su verdadero significado.

Nota: 9/10.

P.D. Os dejo con el enlace del blog de 'La historia de Jan' (www.lahistoriadejan.com), así como un enlace médico científico explicando las causas del síndrome de Down: (https://medlineplus.gov/spanish/ency/article/000997.htm).

Nacionalidad: España.

Dirección y guión: Bernardo Moll. 

Música: Mayor Tom y Guille Mostaza.

Fotografía: Alfonso Postigo.

Narración: Mónica Vic.

Duración: 94 minutos.

Estreno España: 4 de noviembre de 2016

Sabrás qué hacer conmigo

La introducción: "Una película orgullosamente mexicana". Empezando por el final, así es como se cierran los títulos de crédito de esta producción independiente que consiguió ser distribuida por Cinépolis en México. Para mí también es un orgullo poder traer por primera vez a Cine y críticas marcianas un film de una cinematografía muy interesante y que últimamente encuentra poco eco en las pantallas españolas. En años anteriores y a rebufo de los éxitos de Alejandro G. Iñarritu y Gael Garcia Bernat se produjeron estrenos muy interesantes como 'Amores perros', 'La zona', 'Y tu mama también', 'Nicotina', 'Frida', 'Cantinflas' o 'El coronel no tiene quien le escriba' por citar las más conocidas. Esperamos con interés para el mes de enero el estreno de 'Desierto' que es la película elegida por México para estar en la carrera de los Oscars.

La historia: Isabel está atravesando un difícil momento en su vida cuando es abordada por Nicolás. Él es un fotógrafo que queda prendado por su belleza. Este la invita a una exposición de su autoría y ella tras una casualidad del destino acude a dicho evento. Es el germen de un romance entre dos desconocidos con unas vidas rotas que pronto hallaran un punto de encuentro. La relación tendrá unas consecuencias imprevisibles.

La crítica: Para englobar a esta película en un género concreto habría que eliminar varias frecuencias que se tratan en la misma. Yo la definiría como un drama romántico experimental por contener tres de estos elementos como arterias principales. La secuencia circular con la que se abre y cierra la historia marcan un magisterio en la dirección de películas de la cineasta Katina Medina Mora (Lu-To).

Personalmente soy un enamorado de las cintas que desarrollan esta idea. Con ello, se otorga un aspecto de circunferencia cinematográfica que siendo en apariencia sencillo, requiere una complejidad en el montaje muy especial. Pero no solo es por el aspecto de un buen acabado estético. Lo fundamental de esta manera de hacer cine es que regresando al principio de la historia, se realza el conjunto de la misma sellando la propuesta. Si además, se huye de los "happy endings" made in Hollywood la autoridad de la idea cobra firmeza.

La forma de estar narrada la historia es lo más singular y vanguardista de la cinta. Y es que la película podríamos decir que tiene un doble comienzo que se siente como cine experimental dentro de la sencillez de la composición. Nos encontramos ante la mejor "antielípsis cinematográfica" que he visionado en los últimos años. La cineasta propone para ello un comienzo desde la mirada del protagonista masculino dando paso poco después a la visión femenina de los mismos sucesos.

En un salto en el tiempo y hacía atrás volvemos al comienzo y vemos la mirada de Isabel que en este caso es la mujer seducida. Antes, hemos observado la visión de Nicolás que es el que quiso seducir primero a su pareja. Las cosas cambian según la mirada del personaje que sea protagonista en cada momento. En esta textura narrativa fue pionero el director japones Akira Kurosawa que pocos se atreven a emular. Por fin una cineasta lo hace desde una naturalidad exquisita. Una vez vistos los dos puntos de vista, arranca la historia ya desde una perspectiva común como pareja.

La historia en sí nos habla de relaciones complejas y atormentadas por diversas razones. En el caso de Nicolás viene marcado por su enfermedad epiléptica. Isabel también está marcada por el delicado estado de salud de su madre y ahí es donde encuentran una comunión para dar forma a su historia de amor. La cinta es desnuda, sencilla, seca y fría en algunas ocasiones. Sin embargo, poco a poco va ganando peso en las emociones transmitidas al espectador.

La actriz mexicana Ilse Salas (Cantinflas), aborda el trabajo con una contundencia rotunda en pantalla. Isabel, su personaje, es poco habladora por lo que ella tiene que hacer un encomiable esfuerzo en la expresividad facial y corporal rozando la perfección interpretativa con una contención importante. Su compañero de reparto no se queda a la zaga. Se trata del actor español Pablo Derqui (Los ojos de Julia) que sostiene con fuerza al personaje de Nicolás. En la cinta hay una conseguida escena en la que sufre un ataque epiléptico que impresiona por su crudeza. Completa el reparto como madre de Isabel, Rosa María Bianchi (Premio Ariel por 'Nicotina') con una actuación profesional y desgarrada de una actriz con muchas horas de vuelo ya.

La música y la puesta en escena acompañan con coherencia el contraste de sentimientos por el que navegan los personajes. La fotografía subacuatica es la que destaca en algunas escenas rodadas bajo el agua. Todo está meditado para hacer un tipo de cine intimo, cotidiano e interior. Con ello se demuestra como en México se puede hacer un cine alejado de los focos de violencia y fractura social que tanto se acostumbra a caricaturizar cuando se rueda desde el otro lado de la frontera norte del país.

La universalidad de los afectos hacen que fácilmente nos identifiquemos con unos personajes que continuamente coquetean con la tragedia. Por lo tanto, Sabrás qué hacer conmigo es un viaje interior e intimista que demuestra que para contar una buena historia solo hace falta el talento creativo necesario para suprimir todo lo superfluo. En la desnudez cinematográfica de la película encontramos su sello de calidad. En definitiva, el filme es un pequeño tratado sobre la complejidad de las relaciones humanas en la eterna búsqueda del significado del amor.

Nota: 9/10.

Nacionalidad: México.

Directora: Katina Medina Mora.

Guión: Katina Medina Mora, Enma Bertrán.

Reparto: Ilse Salas, Pablo Derqui, 
Rosa María Bianchi,Mariana Treviño,
Jose Angel Bichir, Arturo Barba.

Música: Andrés Sánchez

Fotografía: Erwin Jaquez.

Duración: 86 minutos.

Estreno México: 27 de mayo 2016.

Estreno España: 21 de octubre 2016.

MAGGIE'S PLAN

Algunos matrimonios acaban bien; otros duran toda la vida.-Woody Allen.

La historia: Maggie (Greta Gerwig) es una profesora neoyorkina rozando la barrera de los 40 años y decidida a ser madre antes de que el reloj biológico llegue a su fin. Como no encuentra a su pareja ideal, traza un plan para autofecundarse de manera casera con la ayuda del esperma de un amigo. Pero justo en ese momento y de manera casual, se cruza en su vida Jhon (Ethan Hawke) que es un atractivo antropólogo con un matrimonio a la deriva. Su plan inicial cambia y comienza una rocambolesca aventura que cambiará su vida.

La crítica: Rebeca Miller es la directora y guionista de esta historia en la que la relaciones humanas y especialmente las de pareja son el leitmotiv de la cinta. Narrada desde el punto de vista de una comedia más de sonrisas que de carcajadas, nos hace reconciliarnos con un género que cuando es tratado de una manera inteligente es revitalizante para el espectador. Su obra más reconocida fue 'La vida privada de Pippa Lee' en la que ya exploraba los matices del universo femenino.

A veces, cuando asistes a una proyección solo hacen falta los dos primeros minutos de la cinta para saber que lo que te vas a encontrar en ella es de calidad, delicadeza y buen gusto cinematográfico. Por eso, una buena introducción y una buena presentación de personajes es fundamental para predisponerte a disfrutar del film.

La comedia, que en algunos momentos resulta deliciosa, nos recuerda a las texturas del mejor cine de Woody Allen. ¿Hemos encontrado en la cineasta Rebeca Miller la versión femenina del veterano maestro? Nueva York parece de nuevo como teatro de operaciones. Concretamente Brooklyn vuelve a aparecer en pantalla y son ya al menos 5 filmes en 2016 con este escenario urbano de fondo. La buena música utilizada en la narración realza y acompaña los parones entre los múltiples diálogos en escena.

La esencia de la argumentación es la búsqueda de los vértices de las relaciones amorosas y el comienzo del amor o la finalización del mismo dentro del contexto del matrimonio. La pregunta que nos sugiere Miller es la de como devolver un marido a su antigua "propietaria". Para ello, utiliza al personaje de la ingenua Maggie en un nuevo plan que consiste básicamente en tender una trampa a John para hacerle ver que aún sigue enamorado de su ex mujer.

¿Lo conseguirá?¿Jhon estará dispuesto a entrar en el juego? No desvelemos más de lo necesario para resguardar los secretos de la producción. En todo caso, habría que destacar la dulce reprimenda que la guionista proyecta hacia el género masculino. Sobre todo cuando señala esa fatídica etapa, conocida como "la crisis de los 40", en la cual algunos hombres se proponen utilizando looks más propios de la adolescencia que de una etapa más madura, volver a jugar ser ese jovencito irresistible y conquistador con una edad en la que la linea entre hacer el ridículo y la capacidad de seducción es demasiado fina.

La mejor imagen de la cinta

La gratísima sorpresa del film en cuestión es Greta Gerwig interpretando a Maggie. La actriz es conocida en el circuito del cine independiente americano, pero tras la breve aparición en 'A Roma con amor' (otra vez la sombra de Woody Allen en escena) esta puede ser la interpretación que la coloque en el lugar adecuado para ser conocida por el gran público. 

Es una actriz que transmite una inocencia encantadora que sirve como contrapunto perfecto a la perfeccionista, metódica y buena profesional que es Julianne Moore en pantalla. Esta interpreta a la primera mujer de Jhon. Actriz que desata ciertas antipatías, incluidas las mías, pero cuando la ves actuando en versión original no puedes dejar de reconocer que por encima de los gustos personales es una brillante interprete.

Y para culminar con un excelente reparto, Jhon es interpretado con la maestría habitual por el recién Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastinan, Ethan Hawke. Un actor que siendo joven todavía, tiene una larga trayectoria regalándonos importantes actuaciones. Sin embargo, no es común verlo en un papel cómico del que sale bien parado.

Hawke recibiendo el Premio Donostia

Recapitulando, nos encontramos ante una película que nos hace salir del cine mucho mejor de lo que entramos. El cierre final con una sonrisa del destino logra conseguir un brillo de emoción que nos hace olvidarnos de los pocos puntos flacos de la trama. Salir contentos de la sala de proyecciones es una buen plan que el séptimo arte logra a veces conseguir.

Nota: 8/10.

P.D. Por los momentos difíciles y por el amor a una madre, esta reseña esta dedicada a mi querida amiga María del Socorro Duarte. Un grandísimo abrazo y mucha fuerza dulce María.  

Nacionalidad: Estados Unidos.

Directora: Rebeca Miller.

Reparto: Greta Gerwig, Ethan Hawke, 
Julianne Moore, Bill Halder, 
Maya Rudolph, Travis Fimmel.

Música: Michael Rohatyn.

Fotografía: Sam Levy.

Duración : 98 minutos.

Estreno EEUU: 20 de Mayo.

Estreno México: 19 de Agosto.

Estreno España: 28 de Octubre.

La Chica Del Tren (The Girl on the Train)

Y ha seguido días y días, loca, frenética, en el enorme tren vacío, donde no va nadie, que no conduce nadie...(Hijos de la ira)

La historia: Rachel (Emily Blunt) es una mujer que tras separarse de su marido Tom ve aumentar sus problemas con el alcohol. Todos los días toma un tren con destino a Nueva York y se dedica a observar por la ventanilla del tren (a su paso por la antigua zona donde residían) la vida de su ex marido. Fija su mirada en la nueva mujer de su ex (Anna) y en una nueva e inquietante vecina de la urbanización (Megan). Rachel se obsesiona con la vida de esta última hasta que un día descubre que le está siendo infiel a su pareja. Entonces decide inmiscuirse en esta relación con resultados muy peligrosos para ella. La desaparición de la joven Megan por causas desconocidas sacará a relucir todos los fantasmas que unen a las tres mujeres.

La crítica: Tate Taylor (Criadas y Señoras) dirige esta producción basada en el best seller del mismo nombre escrito por la novelista británica Paula Hawkins. Cinco millones de copias vendidas avalan lo que es una historia atractiva que entre el propio director y el guión adaptado de Erin Cresida se encargan de destrozar de una manera absurda en una especie de folletín de cartón piedra.

Si bien la premisa de partida pudiera parecer prometedora, rápidamente nos damos cuenta que el parecido en la presentación es sospechosamente similar a la cinta 'La ventana indiscreta' del maestro Alfred Hitchcock. Aquí se sustituye a James Stewart por Emily Blunt y la ventana del edificio por la ventanilla del tren. ¿Coincidencia en la presentación?

La base argumental se sustenta por la desaparición de una joven (Megan) que se autodefine a si misma como niñera en ocasiones y prostituta en otras?? La chica del tren (Rachel) es presentada por el cineasta básicamente como una vouyerista y entrometida joven que no obstante tendrá un papel fundamental en la resolución del caso. No me gusta el tono con el que se trata a la mujer en la cinta con un tonito demasiado melodramático y exagerado. No hablaremos de machismo en el director, y menos en la guionista o la en la propia novelista, ambas mujeres, pero el trato hacia el sexo femenino es cuanto menos reprobable y sujeto a clichés desfasados. 

Partiendo de esta estación, nos encontramos con un trío de mujeres enamoradas en algún momento de un mismo hombre. Peo esto resulta inverosímil ya que Tom es un tipo tan grosero, violento y de un físico totalmente convencional. Y lo más curioso del asunto, es que teniendo en el reparto al atractivo y buen actor venezolano Édgar Ramírez (Joy), le relegan a un papel secundario como psiquiatra de las damiselas del folletín. De supuesto galán nos colocan a Justin Theroux que con todos los respetos no da la talla. La película empieza a desesperar.

Por otra parte, la cinta cuenta con ciertas escenas eróticas filmadas con buen gusto. El suspense que va de menos a más, es lo único que puede salvar a la propuesta. También está la siempre recurrente opción de revisar los mensajes del teléfono móvil por si hubiera algo más interesante con lo que entretenernos. Situación que me recuerda a cuando abrimos la nevera, esperando a ver si por arte de magia aparece algo nuevo y apetitoso.

Pero el problema de la cinta parte de un trama que juega a ser farragosa tratando de confundir al espectador de una manera ridícula. Intenta hacerte pensar que las evoluciones de los personajes son realmente intrincadas y en la parte final es tan explícita que bordea el ridículo intelectual. Si a esto le añadimos el onirísmo basura que utiliza el director con los recurrentes sueños de Rachel el festival de desvaríos es completo.

Haley Bennet, buena interprete, observada desde el tren

El reparto femenino es lo más destacable pero de una forma irregular también. Emily Blunt en el papel de Rachel es la que soporta el peso de la producción y sin poder decir que está mal, tampoco resulta especialmente brillante en esta ocasión. Demasiado sobreactuada en el papel de ex mujer indignada, alcohólica e histérica por la infidelidad que dio pie a la rotura de su matrimonio. En la parte templada del reparto está Rebecca Ferguson como Anna que es la mujer actual de Tom. Actúa con equilibrio y profesionalidad. Y en la parte alta del trabajo actoral nos encontramos con Haley Bennet en el papel de Megan. Un buen descubrimiento por la potencia de sus matices interpretativos. 

El mal colofón de la producción descansa sobre su factura técnica y de ahí parten muchos de sus problemas. La anodina fotografía más una dirección de arte anticuada y obsoleta, nos remiten a que la cinta pueda ser confundida con un telefilme de sobremesa, que recapitulando es con lo que nos encontramos al visionar este subproducto. Además, La chica del tren juega a ser cine interesante e intrigante y se queda en una producción falsa e inane.

Nota: 2/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Tate Taylor.

Reparto: Emily Blunt, Haley Bennet,
Rebeca Ferguson, Justin Theroux, 
Édgar Ramírez, Lisa Kudrow.

Duración:112 minutos.
Fotografía: Charlotte Bruus.

Música: Danny Elfman.

Estreno EEUU: 7 de octubre 2016.

Estreno España: 21 de octubre 2016.

Estreno Argentina: 17 de noviembre 2016.

Verano en Brooklyn (Little Men)

La nieve y la adolescencia son los únicos problemas que desaparecen si los ignoras el tiempo suficiente.-Earl Wilson.

La historia: Jake es un joven de trece años que acaba de mudarse con sus padres a la casa que les dejó su abuelo en Brooklyn, Nueva York. La herencia también va acompañada de un local comercial que el abuelo de Jake alquiló a un precio muy por debajo del mercado a una inmigrante hispana. Mientras que el joven entabla una gran amistad con el hijo de la inquilina, el conflicto surge cuando los padres de Jake intentan renegociar el precio del alquiler. La amistad recién forjada entre los chicos se enfrentará a la disputa entre ambas familias y a los problemas propios de la difícil etapa adolescente.

La crítica: Ira Sachs, director de la vanguardista y fenomenal película 'El amor es extraño', vuelve a tocar el tema de las relaciones familiares con un toque de distinción que lo diferencia del resto. Utilizando una visión calmada, aunque un tanto premiosa, consigue llevarnos a su terreno siempre que estemos dispuestos a entrar en él. El filme es una singular muestra del cine independiente estadounidense que también existe y del que es referente el Festival de Sundance.

Volvemos a toparnos con el eterno y por lo visto irresoluble problema de las traducciones de los títulos en la cinematografía. Esta vez el equipo traductor le ha echado "un par" y de 'Little Men' (hombrecillos en este contexto), ha pasado a ser renombrada como 'Verano en Brooklyn' ??

Ternura

El tono de la historia está narrado con un lenguaje intimista en el cual podemos encontrar los múltiples matices que conllevan las relaciones paternofiliales en el marco de la adolescencia. El paso de la niñez a la edad adulta es una transición en que la incomprensión mutua nos evoca situaciones, que no por conocidas, dejan de ser interesantes por el eterno debate que suscitan.

Otra de las temáticas narradas en la filmación nos hace ver la difícil disyuntiva de tener o no que ejecutar una orden de desahucio ante la imposibilidad del impago por parte de un inquilino. De nuevo el cineasta opta por una visión neutral y enfrenta al espectador a ponerse en el lugar de las dos partes en conflicto. Con ello, nos impregna en un debate sobre el doble rasero hipócrita (que en algún momento todos hemos mantenido, pero cuando nos tocan la cartera la moral a veces queda en el olvido.

La sutileza expresiva del cineasta a veces se siente por encima de la propia historia. En el debe del filme americano cabe destacar su frio minimalismo narrativo ya que sucedenn pocas cosas durante el largometraje. Por eso mismo, se siente acertada la decisión de dejar la duración del mismo en ochenta y cinco minutos bien aprovechados. La cinta me trae muchos recuerdos al tipo de películas en las que te asomas a un trocito de la vida de una familia y cuando finaliza la proyección tienes la sensación que la historia continua a través del otro lado de la pantalla. Metafóricamente sería una cinta en movimiento. Es decir, la historia tiene un antes y un después. Por lo tanto, lo que apreciamos es una de las etapas de una familia con historia por detrás y otra por delante que ya queda a efectos de nuestra imaginación.

En primer plano Jennifer Ehle, actriz importante

El reparto está encabezado por los jóvenes debutantes Theo Taplitz (Jake) y por Michael Barbieri (Tony). Se establece una buena química entre ellos realzando con ello sus buenas interpretaciones. Greg Kinnear (Pequeña Miss Sunshine) interpreta al padre de Jake y vuelve a demostrar una vez más su frialdad en escena. Un actor con demasiadas oportunidades ya, y que en mi opinión no está a la altura. Descubrimiento importante de la actriz Jennifer Ehle (Zero Dark Thirty) con una interpretación llena de naturalidad y buen gusto. Esperemos volverla a ver pronto en la gran pantalla. La actriz chilena Paulina García (premiada con el Oso de Plata del Festival de Berlín por 'Gloria') interpreta con esmero y acierto a la inquilina de la tienda familiar.

En los aspectos técnicos habría que destacar una hermosa fotografía retratando las singulares zonas de Brooklyn. Paseamos por los barrios de Sunset Park, Bay Ridje y Williamsburg como escenarios secundarios de una buena dirección artística. La banda sonora es de carácter preciosista cerrando la cinta con una pegadiza melodía.

En conclusión, nos encontramos con una película interesante, de autor y que retrata de una manera sencilla pero eficaz la cotidianidad de una familia. Quizás el ritmo algo plano de la historia no consiga ser emocionalmente eficaz. Por consiguiente, el director opta por no alargar demasiado la historia ajustando el metraje de una manera eficaz. En cualquier caso, este es un tipo de cine que es bienvenido a las carteleras por ofrecernos una visión contrapuesta a los habituales estrenos del cine más comercial.

Nota: 6/10.

Nacionalidad: Estados Unidos.

Director: Ira Sachs.

Reparto: Theo Taplitz, Michael Barbieri,
Greg Kinnear, Jennifer Elhe,
Paulina Garcia, Alfred Molina.

Música: Dickon Hinchliffe.

Fotografía: Óscar Durán.

Estreno EEUU: 5 de agosto.

Estreno Reino Unido: 23 de septiembre.

Estreno España: 21 de octubre.